αναγέννηση, ή αναγέννηση(φρ. αναγέννηση), - σημείο καμπής στην ιστορία του πολιτισμού των ευρωπαϊκών λαών. Στην Ιταλία, νέες τάσεις εμφανίστηκαν ήδη στο γύρισμα του 13ου-14ου αιώνα, σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες - τον 15ο-16ο αιώνα. Οι φιγούρες της Αναγέννησης αναγνώρισαν ένα άτομο - το καλό του και το δικαίωμα στην ελεύθερη ανάπτυξη της προσωπικότητας - ως την υψηλότερη αξία. Αυτή η κοσμοθεωρία ονομάστηκε «ανθρωπισμός» (από τα λατινικά humanus - «άνθρωπος», «άνθρωπος»). Οι ανθρωπιστές αναζήτησαν το ιδανικό ενός αρμονικού ανθρώπου στην αρχαιότητα και η αρχαία ελληνική και ρωμαϊκή τέχνη χρησίμευσε ως πρότυπο γι' αυτούς. καλλιτεχνική δημιουργικότητα. Η επιθυμία να «αναβιώσει» ο αρχαίος πολιτισμός έδωσε το όνομα σε μια ολόκληρη εποχή - την Αναγέννηση, την περίοδο μεταξύ του Μεσαίωνα και της Νέας Εποχής (από τα μέσα του 17ου αιώνα μέχρι σήμερα).

Η κοσμοθεωρία της Αναγέννησης αντικατοπτρίζει πλήρως την τέχνη, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής. Την περίοδο αυτή, όπως και τον Μεσαίωνα, η ηγετική θέση ανήκε στη φωνητική εκκλησιαστική μουσική. Η ανάπτυξη της πολυφωνίας οδήγησε στην εμφάνιση της πολυφωνίας (από το ελληνικό "polis" - "πολύς" και "φόντο" - "ήχος", "φωνή"). Με αυτό το είδος πολυφωνίας, όλες οι φωνές στο έργο είναι ίσες. Η πολυφωνία όχι μόνο περιέπλεξε το έργο, αλλά επέτρεψε στον συγγραφέα να εκφράσει μια προσωπική κατανόηση του κειμένου, έδωσε στη μουσική μεγαλύτερη συναισθηματικότητα. Μια πολυφωνική σύνθεση δημιουργήθηκε με αυστηρούς και πολύπλοκους κανόνες, απαιτώντας βαθιά γνώση και δεξιοτεχνία από τον συνθέτη. Στα πλαίσια της πολυφωνίας αναπτύχθηκαν εκκλησιαστικά και κοσμικά είδη.

Ολλανδική πολυφωνική σχολή. Η Ολλανδία είναι μια ιστορική περιοχή στη βορειοδυτική Ευρώπη, η οποία περιλαμβάνει τα εδάφη του σύγχρονου Βελγίου, της Ολλανδίας, του Λουξεμβούργου και της Βορειοανατολικής Γαλλίας. Μέχρι τον 15ο αιώνα Η Ολλανδία έφτασε σε υψηλό οικονομικό και πολιτιστικό επίπεδο και μετατράπηκε σε μια ευημερούσα ευρωπαϊκή χώρα.

Εδώ σχηματίστηκε η ολλανδική πολυφωνική σχολή - ένα από τα μεγαλύτερα φαινόμενα της αναγεννησιακής μουσικής. Για την ανάπτυξη της τέχνης του 15ου αιώνα, σημαντική ήταν η επικοινωνία μουσικών από διάφορες χώρες, η αμοιβαία επιρροή των δημιουργικών σχολών. Το ολλανδικό σχολείο απορρόφησε τις παραδόσεις της Ιταλίας, της Γαλλίας, της Αγγλίας και των Κάτω Χωρών.

Οι εξέχοντες εκπρόσωποί του: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (περίπου 1400 - 27/11/1474, Cambrai), Γαλλο-Φλαμανδός συνθέτης, ένας από τους ιδρυτές της ολλανδικής σχολής. Τα θεμέλια της πολυφωνικής παράδοσης στην ολλανδική μουσική έθεσε ο Guillaume Dufay (περίπου 1400 - 1474). Γεννήθηκε στην πόλη Cambrai της Φλάνδρας (επαρχία στα νότια της Ολλανδίας) και από μικρός τραγουδούσε στην εκκλησιαστική χορωδία. Παράλληλα, ο μελλοντικός μουσικός παρακολούθησε ιδιαίτερα μαθήματα σύνθεσης. Στα νιάτα του, ο Dufay πήγε στην Ιταλία, όπου έγραψε τις πρώτες του συνθέσεις - μπαλάντες και μοτέτες. Το 1428-1437. Υπηρέτησε ως τραγουδιστής στο παπικό παρεκκλήσι της Ρώμης. αυτά τα χρόνια ταξίδεψε στην Ιταλία και τη Γαλλία. Το 1437 ο συνθέτης δέχτηκε κλήρος. Στην αυλή του δούκα της Σαβοΐας (1437-1439), συνέθεσε μουσική για επίσημες τελετές και γιορτές. Ο Dufay έχαιρε μεγάλης εκτίμησης από ευγενείς ανθρώπους - μεταξύ των θαυμαστών του ήταν, για παράδειγμα, το ζεύγος των Μεδίκων (ηγεμόνες της ιταλικής πόλης της Φλωρεντίας). [Εργάστηκε σε Ιταλία και Γαλλία. Το 1428-37 ήταν ψάλτης παπικών παρεκκλησιών στη Ρώμη και σε άλλες ιταλικές πόλεις, το 1437-44 υπηρέτησε με τον δούκα της Σαβοΐας. Από το 1445 κανόνας και αρχηγός μουσική δραστηριότηταΚαθεδρικός ναός στο Cambrai. Δάσκαλος πνευματικών (3-, 4-φωνών μαζών, μοτέτες), καθώς και κοσμικών (3-, 4-φωνών γαλλικά chansons, ιταλικά τραγούδια, μπαλάντες, rondo) ειδών που σχετίζονται με τη λαϊκή πολυφωνία και την ουμανιστική κουλτούρα της Αναγέννησης. Η τέχνη του Δ., που απορρόφησε τα επιτεύγματα της ευρωπαϊκής μουσικής τέχνης, είχε μεγάλη επιρροή στην περαιτέρω ανάπτυξη της ευρωπαϊκής πολυφωνικής μουσικής. Υπήρξε επίσης αναμορφωτής της μουσικής γραφής (στον Δ. αποδίδεται η εισαγωγή νότες με λευκά κεφάλια). πλήρης συλλογήΤα έργα του D. δημοσιεύτηκαν στη Ρώμη (6 τόμοι, 1951-66).] Ο Dufay ήταν ο πρώτος μεταξύ των συνθετών που άρχισε να συνθέτει τη μάζα ως αναπόσπαστη μουσική σύνθεση. Για τη δημιουργία εκκλησιαστικής μουσικής απαιτείται ένα εξαιρετικό ταλέντο: η ικανότητα έκφρασης αφηρημένων, άυλων εννοιών με συγκεκριμένα, υλικά μέσα. Η δυσκολία έγκειται στο γεγονός ότι μια τέτοια σύνθεση, αφενός, δεν αφήνει τον ακροατή αδιάφορο, και αφετέρου, δεν αποσπά την προσοχή από τη λατρεία, βοηθά να επικεντρωθεί βαθύτερα στην προσευχή. Πολλές από τις μάζες του Dufay είναι εμπνευσμένες, γεμάτες εσωτερική ζωή. φαίνεται να βοηθούν να σηκωθεί το πέπλο της Θείας αποκάλυψης για μια στιγμή.

Συχνά, όταν δημιουργούσε μια μάζα, ο Dufay έπαιρνε μια γνωστή μελωδία, στην οποία πρόσθετε τη δική του. Τέτοιοι δανεισμοί είναι χαρακτηριστικός της Αναγέννησης. Θεωρήθηκε πολύ σημαντικό η Λειτουργία να βασίζεται σε μια γνώριμη μελωδία που οι πιστοί θα μπορούσαν εύκολα να αναγνωρίσουν ακόμη και σε πολυφωνικό έργο. Συχνά χρησιμοποιήθηκε ένα κομμάτι από το Γρηγοριανό άσμα. δεν εξαιρέθηκαν τα κοσμικά έργα.

Εκτός από την εκκλησιαστική μουσική, ο Dufay συνέθεσε μοτέτα σε κοσμικά κείμενα. Σε αυτά χρησιμοποίησε και μια πολύπλοκη πολυφωνική τεχνική.

Josquin Despres (1440-1521). Εκπρόσωπος της ολλανδικής πολυφωνικής σχολής του δεύτερου μισού του 15ου αιώνα. ήταν ο Josquin Despres (περίπου 1440-1521 ή 1524), ο οποίος είχε μεγάλη επιρροή στο έργο των συνθετών της επόμενης γενιάς. Στα νιάτα του υπηρέτησε ως εκκλησιαστικός χορός στο Cambrai. πήρε μαθήματα μουσικήςστο Okegem. Σε ηλικία είκοσι ετών, ο νεαρός μουσικός ήρθε στην Ιταλία, τραγούδησε στο Μιλάνο με τους Δούκες της Σφόρτσα (αργότερα υπηρέτησε εδώ ο μεγάλος Ιταλός καλλιτέχνης Λεονάρντο ντα Βίντσι) και στο παπικό παρεκκλήσι της Ρώμης. Στην Ιταλία, ο Despres μάλλον άρχισε να συνθέτει μουσική. Στις αρχές του XVI αιώνα. μετακόμισε στο Παρίσι. Μέχρι εκείνη την εποχή, ο Despres ήταν ήδη γνωστός και προσκλήθηκε στη θέση του μουσικού της αυλής από τον Γάλλο βασιλιά Louis XII. Από το 1503, ο Despres εγκαταστάθηκε ξανά στην Ιταλία, στην πόλη της Φεράρα, στην αυλή του Δούκα d "Este. Ο Despres συνέθεσε πολλά και η μουσική του κέρδισε γρήγορα την αναγνώριση στους ευρύτερους κύκλους: αγαπήθηκε τόσο από τους ευγενείς όσο και από τους Ο συνθέτης δημιούργησε όχι μόνο εκκλησιαστικά έργα, αλλά και κοσμικά. Ειδικότερα, στράφηκε στο είδος του ιταλικού λαϊκού τραγουδιού - frottola (it. frottola, από το frotta - "πλήθος"), το οποίο χαρακτηρίζεται από έναν χορευτικό ρυθμό και γρήγορο ρυθμό. V εκκλησιαστική μουσικήΟ Despres έφερε τα χαρακτηριστικά των κοσμικών έργων: ένας φρέσκος, ζωηρός τόνος έσπασε την αυστηρή απόσπαση και προκάλεσε ένα αίσθημα χαράς και πληρότητας. Ωστόσο, η αίσθηση του μέτρου δεν πρόδωσε ποτέ τον συνθέτη. Η πολυφωνική τεχνική του Despres δεν διακρίνεται από επιτήδευση. Τα έργα του είναι κομψά απλά, αλλά μέσα τους γίνεται αισθητή η ισχυρή διανόηση του συγγραφέα. Αυτό είναι το μυστικό της δημοτικότητας των δημιουργιών του.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Οι νεότεροι σύγχρονοι του Guillaume Dufay ήταν ο Johannes (Jean) Okeghem (περίπου 1425-1497) και ο Jacob Obrecht. Όπως ο Dufay, ο Okegem ήταν από τη Φλάνδρα. Όλη του τη ζωή δούλεψε σκληρά. εκτός από τη σύνθεση μουσικής, ενεργούσε ως επικεφαλής του παρεκκλησίου. Ο συνθέτης δημιούργησε δεκαπέντε μάζες, δεκατρία μοτέτες, περισσότερα από είκοσι chansons. Τα έργα του Okegyom χαρακτηρίζονται από αυστηρότητα, συγκέντρωση και μακρύ ξεδίπλωμα ομαλών μελωδικών γραμμών. μεγάλη προσοχήέδωσε προσοχή στην πολυφωνική τεχνική, προσπάθησε όλα τα μέρη της μάζας να γίνουν αντιληπτά ως ένα ενιαίο σύνολο. Το δημιουργικό στυλ του συνθέτη φαίνεται επίσης στα τραγούδια του - στερούνται σχεδόν κοσμικής ελαφρότητας, ο χαρακτήρας τους θυμίζει περισσότερο μοτέτες και μερικές φορές θραύσματα μαζών. Ο Johannes Okegem ήταν σεβαστός τόσο στο εσωτερικό όσο και στο εξωτερικό (διορίστηκε σύμβουλος του βασιλιά της Γαλλίας). Ο Jakob Obrecht ήταν χορωδός στους καθεδρικούς ναούς διαφόρων πόλεων στην Ολλανδία, οδήγησε τα παρεκκλήσια. για αρκετά χρόνια υπηρέτησε στην αυλή του Duke d "Este στη Φεράρα (Ιταλία). Είναι ο συγγραφέας είκοσι πέντε μαζών, είκοσι μοτέτ, τριάντα chansons. Χρησιμοποιώντας τα επιτεύγματα των προκατόχων του, ο Obrecht έφερε πολλά νέα πράγματα στην η πολυφωνική παράδοση.Η μουσική του είναι γεμάτη αντιθέσεις, τολμηρή, ακόμα κι όταν ο συνθέτης στρέφεται στα παραδοσιακά εκκλησιαστικά είδη.

Η ευελιξία και το βάθος της δημιουργικότητας Orlando Lasso. Η ιστορία της ολλανδικής αναγεννησιακής μουσικής ολοκληρώνεται με το έργο του Orlando Lasso (πραγματικό όνομα και επώνυμο Roland de Lasso, περίπου 1532-1594), που αποκαλείται από τους συγχρόνους του ο «Βέλγος Ορφέας» και ο «Πρίγκιπας της Μουσικής». Ο Λάσο γεννήθηκε στο Μονς (Φλάνδρα). Από την παιδική του ηλικία, τραγουδούσε στη χορωδία της εκκλησίας, χτυπώντας τους ενορίτες με υπέροχη φωνή. Ο Γκονζάγκα, δούκας της ιταλικής πόλης Μάντοβα, άκουσε κατά λάθος έναν νεαρό τραγουδιστή να τον κάλεσε στο δικό του παρεκκλήσι. Μετά τη Μάντοβα, ο Λάσο εργάστηκε για μικρό χρονικό διάστημα στη Νάπολη και στη συνέχεια μετακόμισε στη Ρώμη - όπου έλαβε τη θέση του επικεφαλής του παρεκκλησίου ενός από τους καθεδρικούς ναούς. Μέχρι την ηλικία των είκοσι πέντε ετών, ο Lasso ήταν ήδη γνωστός ως συνθέτης και οι συνθέσεις του ήταν περιζήτητες μεταξύ των μουσικών εκδοτών. Το 1555 εκδόθηκε η πρώτη συλλογή έργων που περιείχε μοτέτες, μαδριγάλους και chanson. Ο Λάσο μελέτησε ό,τι καλύτερο δημιούργησαν οι προκάτοχοί του (Ολλανδοί, Γάλλοι, Γερμανοί και Ιταλοί συνθέτες) και χρησιμοποίησε την εμπειρία τους στη δουλειά του. Όντας μια εξαιρετική προσωπικότητα, ο Λάσο προσπάθησε να ξεπεράσει την αφηρημένη φύση της εκκλησιαστικής μουσικής, να της δώσει ατομικότητα. Για το σκοπό αυτό, ο συνθέτης μερικές φορές χρησιμοποιούσε είδος και καθημερινά μοτίβα (θέματα παραδοσιακά τραγούδια, χορούς), συγκεντρώνοντας έτσι εκκλησιαστικές και κοσμικές παραδόσεις. Ο Λάσο συνδύασε την πολυπλοκότητα της πολυφωνικής τεχνικής με τη μεγάλη συναισθηματικότητα. Είχε ιδιαίτερη επιτυχία στα μαδριγάλια, στα κείμενα των οποίων Κατάσταση μυαλούχαρακτήρες, όπως τα δάκρυα του Αγίου Πέτρου "(1593) στους στίχους του Ιταλού ποιητή Luigi Tranzillo. Ο συνθέτης έγραφε συχνά για ένας μεγάλος αριθμόςφωνές (πέντε - επτά), άρα τα έργα του δύσκολα ερμηνεύονται.

Από το 1556, ο Ορλάντο Λάσο ζούσε στο Μόναχο (Γερμανία), όπου οδήγησε το παρεκκλήσι. Μέχρι το τέλος της ζωής του, η εξουσία του στους μουσικούς και καλλιτεχνικούς κύκλους ήταν πολύ υψηλή και η φήμη του εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη. Η ολλανδική πολυφωνική σχολή είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας της Ευρώπης. Οι αρχές της πολυφωνίας που αναπτύχθηκαν από Ολλανδούς συνθέτες έχουν γίνει καθολικές και πολλές καλλιτεχνικές τεχνικέςχρησιμοποιήθηκαν στο έργο τους από συνθέτες του 20ού αιώνα.

Γαλλία. Για τη Γαλλία, οι αιώνες XV-XVI έγιναν μια εποχή σημαντικών αλλαγών: ο Εκατονταετής Πόλεμος (1337-1453) με την Αγγλία τελείωσε, στα τέλη του XV αιώνα. ολοκληρώθηκε η ενοποίηση του κράτους. τον 16ο αιώνα η χώρα γνώρισε θρησκευτικούς πολέμους μεταξύ Καθολικών και Προτεσταντών. V ισχυρό κράτοςμε την απόλυτη μοναρχία αυξήθηκε ο ρόλος των αυλικών εορτών και των λαϊκών εορτών. Αυτό συνέβαλε στην ανάπτυξη της τέχνης, ιδιαίτερα της μουσικής, που συνόδευε τέτοιες δράσεις. Αυξήθηκε ο αριθμός των φωνητικών και ορχηστρικών συνόλων (παρεκκλήσια και σύζυγοι), που αποτελούνταν από σημαντικό αριθμό ερμηνευτών. Κατά τη διάρκεια στρατιωτικών εκστρατειών στην Ιταλία, οι Γάλλοι γνώρισαν τα επιτεύγματα του ιταλικού πολιτισμού. Ένιωσαν βαθιά και αποδέχθηκαν τις ιδέες της Ιταλικής Αναγέννησης - τον ανθρωπισμό, την επιθυμία για αρμονία με τον έξω κόσμο, για απόλαυση της ζωής.

Αν στην Ιταλία μουσική αναγέννησησυνδέθηκε κυρίως με τη Λειτουργία, τότε οι Γάλλοι συνθέτες, μαζί με την εκκλησιαστική μουσική, έδωσαν ιδιαίτερη προσοχή στο κοσμικό πολυφωνικό τραγούδι - chanson. Το ενδιαφέρον για αυτό στη Γαλλία προέκυψε στο πρώτο μισό του 16ου αιώνα, όταν δημοσιεύτηκε μια συλλογή μουσικών κομματιών του Clement Janequin (περίπου 1485-1558). Είναι αυτός ο συνθέτης που θεωρείται ένας από τους δημιουργούς του είδους.

Μείζονα χορωδιακά έργα του Clement Janequin (1475-1560). Ως παιδί, ο Janequin τραγούδησε σε μια εκκλησιαστική χορωδία στη γενέτειρά του, Châtellerault (Κεντρική Γαλλία). Στο μέλλον, όπως προτείνουν οι ιστορικοί της μουσικής, σπούδασε με τον Ολλανδό μάστερ Josquin Despres ή με έναν συνθέτη από το περιβάλλον του. Έχοντας λάβει την ιεροσύνη, η Janequin εργάστηκε ως αντιβασιλέας (διευθυντής χορωδίας) και οργανίστας. τότε προσκλήθηκε να υπηρετήσει από τον δούκα του Γκίζ. Το 1555, ο μουσικός έγινε τραγουδιστής του Βασιλικού Παρεκκλησίου και το 1556-1557. - συνθέτης της βασιλικής αυλής. Ο Clement Janequin δημιούργησε διακόσια ογδόντα chansons (δημοσιεύτηκαν μεταξύ 1530 και 1572). έγραψε εκκλησιαστική μουσική - Λειτουργίες, μοτέτες, ψαλμούς. Τα τραγούδια του είχαν συχνά ζωγραφικό χαρακτήρα. Μπροστά από το μυαλό του ακροατή υπάρχουν εικόνες της μάχης ("Battle of Marignano", "Battle of Rent", "Battle of Metz"), σκηνές κυνηγιού ("Hunting"), εικόνες της φύσης ("Birdsong", "Nightingale" ", "Lark"), καθημερινές σκηνές(«Γυναικεία φλυαρία»). Εντυπωσιακά φωτεινός, ο συνθέτης κατάφερε να μεταφέρει την ατμόσφαιρα της καθημερινής ζωής στο Παρίσι στο chanson "Cries of Paris": εισήγαγε τα επιφωνήματα των πωλητών στο κείμενο ("Γάλα!" - "Πίτες!" - "Αγικινές!" - " Ψάρια!" - "Σπίτια!" - "Περιστέρια!" - "Παλιά παπούτσια!" - "Κρασί!"). Ο Janequin σχεδόν δεν χρησιμοποιούσε μεγάλα και ομαλά θέματα για μεμονωμένες φωνές και περίπλοκες πολυφωνικές συσκευές, προτιμώντας ονομαστικές κλήσεις, επαναλήψεις και ονοματοποιίες.

Μια άλλη κατεύθυνση της γαλλικής μουσικής συνδέεται με το πανευρωπαϊκό κίνημα της Μεταρρύθμισης.

Στις εκκλησιαστικές λειτουργίες, οι Γάλλοι Προτεστάντες (Ουγενότες) εγκατέλειψαν τα λατινικά και την πολυφωνία. Η ιερή μουσική απέκτησε έναν πιο ανοιχτό, δημοκρατικό χαρακτήρα. Ένας από τους λαμπρότερους εκπροσώπους αυτής της μουσικής παράδοσης ήταν ο Claude Goudimel (μεταξύ 1514 και 1520-1572), ο συγγραφέας ψαλμών που βασίζονται σε βιβλικά κείμενα και προτεσταντικά άσματα.

Chanson. Ένα από τα κύρια μουσικά είδη της Γαλλικής Αναγέννησης είναι το chanson (φρ. chanson - «τραγούδι»). Οι απαρχές του είναι στη λαϊκή τέχνη (οι μελοποιημένοι στίχοι των επικών παραμυθιών με ομοιοκαταληξία), στην τέχνη των μεσαιωνικών τροβαδούρων και τροβαδούρων. Όσον αφορά το περιεχόμενο και τη διάθεση, το chanson θα μπορούσε να είναι πολύ διαφορετικό - υπήρχαν τραγούδια αγάπης, καθημερινά, παιχνιδιάρικα, σατιρικά κ.λπ. Οι συνθέτες έπαιρναν τα δημοτικά ποιήματα και τη σύγχρονη ποίηση ως κείμενα.

Ιταλία. Με την έναρξη της Αναγέννησης στην Ιταλία, η καθημερινή μουσική που παίζει σε διάφορα όργανα εξαπλώθηκε. δημιουργήθηκαν κύκλοι μουσικόφιλων. Στον επαγγελματικό χώρο σχηματίστηκαν δύο από τις ισχυρότερες σχολές: η Ρωμαϊκή και η Ενετική.

Μαδριγάλιο. Κατά την Αναγέννηση, ο ρόλος των κοσμικών ειδών αυξήθηκε. Τον XIV αιώνα. Το madrigal εμφανίστηκε στην ιταλική μουσική (από την ύστερη λατινική matricale - "ένα τραγούδι στη μητρική γλώσσα"). Δημιουργήθηκε με βάση τα δημοτικά (ποιμενικά) τραγούδια. Τα Madrigals ήταν τραγούδια για δύο ή τρεις φωνές, συχνά χωρίς συνοδεία οργάνων. Ήταν γραμμένα στους στίχους των σύγχρονων Ιταλών ποιητών, που έλεγαν για την αγάπη. υπήρχαν τραγούδια με καθημερινά και μυθολογικά θέματα.

Κατά τον 15ο αιώνα, οι συνθέτες σχεδόν δεν στράφηκαν σε αυτό το είδος. Το ενδιαφέρον για αυτό αναζωπυρώθηκε μόλις τον 16ο αιώνα. Χαρακτηριστικό γνώρισμα του μαδριγάλιου του 16ου αιώνα είναι η στενή σύνδεση μουσικής και ποίησης. Η μουσική ακολουθούσε ευέλικτα το κείμενο, αντανακλώντας τα γεγονότα που περιγράφονται στην ποιητική πηγή. Με την πάροδο του χρόνου αναπτύχθηκαν ιδιόμορφα μελωδικά σύμβολα, που υποδήλωναν τρυφερούς αναστεναγμούς, δάκρυα κ.λπ. Στα έργα ορισμένων συνθετών, ο συμβολισμός ήταν φιλοσοφικός, για παράδειγμα, στο μαδριγάλιο του Gesualdo di Venosa «I am diing, discount» (1611).

Η ακμή του είδους πέφτει στις αρχές του XVI-XVII αιώνα. Μερικές φορές, ταυτόχρονα με την εκτέλεση του τραγουδιού, παιζόταν η πλοκή του. Το μαδριγάλιο έγινε η βάση της κωμωδίας του μαδριγάλου (μια χορωδιακή σύνθεση βασισμένη στο κείμενο μιας κωμωδίας), η οποία προετοίμασε την εμφάνιση της όπερας.

Ρωμαϊκή πολυφωνική σχολή. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Επικεφαλής της ρωμαϊκής σχολής ήταν ο Giovanni Pierluigi da Palestrina, ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες της Αναγέννησης. Γεννήθηκε στην ιταλική πόλη Palestrina, μετά την οποία έλαβε το επώνυμό του. Από την παιδική του ηλικία, ο Palestrina τραγούδησε στη χορωδία της εκκλησίας και όταν ενηλικιώθηκε, προσκλήθηκε στη θέση του ομαδάρχη (αρχηγός χορωδίας) στη Βασιλική του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. αργότερα υπηρέτησε Καπέλα Σιξτίνα(εξωκκλήσι του Πάπα).

Η Ρώμη, το κέντρο του Καθολικισμού, προσέλκυσε πολλούς κορυφαίους μουσικούς. Σε διαφορετικές εποχές, εργάστηκαν εδώ οι Ολλανδοί πολυφωνικοί δάσκαλοι Guillaume Dufay και Josquin Despres. Η εξελιγμένη συνθετική τους τεχνική μερικές φορές παρενέβαινε στην αντίληψη του κειμένου της υπηρεσίας: χανόταν πίσω από το εξαίσιο πλέγμα των φωνών και οι λέξεις, στην πραγματικότητα, δεν ακούγονταν. Ως εκ τούτου, οι εκκλησιαστικές αρχές ήταν επιφυλακτικές για τέτοια έργα και υποστήριξαν την επιστροφή της μονοφωνίας με βάση τα Γρηγοριανά άσματα. Το ζήτημα του παραδεκτού της πολυφωνίας στην εκκλησιαστική μουσική συζητήθηκε ακόμη και στη Σύνοδο του Τρεντ της Καθολικής Εκκλησίας (1545-1563). Κοντά στον Πάπα, η Palestrina έπεισε τους ηγέτες της Εκκλησίας για τη δυνατότητα δημιουργίας έργων όπου η τεχνική του συνθέτη δεν θα παρεμπόδιζε την κατανόηση του κειμένου. Ως απόδειξη, συνέθεσε τη «Λειτουργία του Papa Marcello» (1555), η οποία συνδυάζει την περίπλοκη πολυφωνία με έναν καθαρό και εκφραστικό ήχο κάθε λέξης. Έτσι, ο μουσικός «έσωσε» την επαγγελματική πολυφωνική μουσική από τις διώξεις των εκκλησιαστικών αρχών. Το 1577, ο συνθέτης προσκλήθηκε να συζητήσει τη μεταρρύθμιση της σταδιακής - συλλογής ιερών ύμνων της Καθολικής Εκκλησίας. Στη δεκαετία του '80. Ο Palestrina πήρε ιερά τάγματα και το 1584 έγινε μέλος της Εταιρείας Μουσικών Δασκάλων - μιας ένωσης μουσικών που υπαγόταν άμεσα στον Πάπα.

Το έργο της Palestrina είναι εμποτισμένο με μια φωτεινή κοσμοθεωρία. Τα έργα που δημιούργησε εντυπωσίασαν τους συγχρόνους του και με την υψηλότερη δεξιοτεχνία και ποσότητα (πάνω από εκατό μάζες, τριακόσια μοτέτες, εκατό μαδριγάλια). Η πολυπλοκότητα της μουσικής δεν λειτούργησε ποτέ ως εμπόδιο στην αντίληψή της. Ο συνθέτης ήξερε πώς να βρει Χρυσή τομήμεταξύ της πολυπλοκότητας των συνθέσεων και της προσβασιμότητάς τους στον ακροατή. Η Palestrina είδε το κύριο δημιουργικό έργο στην ανάπτυξη ενός αναπόσπαστου μεγάλου έργου. Κάθε φωνή στα τραγούδια του αναπτύσσεται ανεξάρτητα, αλλά ταυτόχρονα σχηματίζει ένα ενιαίο σύνολο με τις υπόλοιπες και συχνά οι φωνές σχηματίζουν συνδυασμούς συγχορδιών που είναι εντυπωσιακές στην ομορφιά τους. Συχνά η μελωδία της ανώτερης φωνής φαίνεται να ανεβαίνει πάνω από τις υπόλοιπες, σκιαγραφώντας τον «τρούλο» της πολυφωνίας. όλες οι φωνές είναι ομαλές και ανεπτυγμένες.

Η τέχνη του Giovanni da Palestrina θεωρήθηκε υποδειγματική και κλασική από τους μουσικούς της επόμενης γενιάς. Πολλοί εξέχοντες συνθέτες του 18ου και 18ου αιώνα μελέτησαν τις συνθέσεις του.

Μια άλλη κατεύθυνση της αναγεννησιακής μουσικής συνδέεται με το έργο των συνθετών της βενετικής σχολής, ιδρυτής της οποίας ήταν ο Adrian Villaart (περίπου 1485-1562). Μαθητές του ήταν ο οργανίστας και συνθέτης Andrea Gabrieli (μεταξύ 1500 και 1520 - μετά το 1586), ο συνθέτης Cyprian de Pope (1515 ή 1516-1565) και άλλοι μουσικοί. Εάν τα έργα της Palestrina χαρακτηρίζονται από σαφήνεια και αυστηρή συγκράτηση, τότε ο Willart και οι ακόλουθοί του ανέπτυξαν ένα υπέροχο χορωδιακό στυλ. Για να επιτύχουν ήχο surround, παιχνίδι με ηχοχρώματα, χρησιμοποίησαν αρκετές χορωδίες στις συνθέσεις, που βρίσκονταν σε διαφορετικά σημεία του ναού. Η χρήση ονομαστικών κλήσεων μεταξύ των χορωδιών επέτρεψε να γεμίσει ο χώρος της εκκλησίας με πρωτόγνωρα εφέ. Αυτή η προσέγγιση αντανακλούσε τα ουμανιστικά ιδεώδη της εποχής στο σύνολό τους -με τη χαρά, την ελευθερία και την ίδια την βενετική καλλιτεχνική παράδοση- με την επιθυμία της για οτιδήποτε φωτεινό και ασυνήθιστο. Στο έργο των Ενετών δασκάλων έγινε πιο περίπλοκο και μουσική γλώσσα: γέμισε με τολμηρούς συνδυασμούς συγχορδιών, απρόσμενες αρμονίες.

Μια εντυπωσιακή φιγούρα της Αναγέννησης ήταν ο Carlo Gesualdo di Venosa (περίπου 1560-1613), ο πρίγκιπας της πόλης Venosa, ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους του κοσμικού μαδριγάλιου. Απέκτησε φήμη ως φιλάνθρωπος, λαούτο και συνθέτης. Ο πρίγκιπας Gesualdo ήταν φίλος με τον Ιταλό ποιητή Torquato Tasso. παρέμειναν οι πιο ενδιαφέρουσες επιστολές στις οποίες και οι δύο καλλιτέχνες συζητούν θέματα λογοτεχνίας, μουσικής και καλών τεχνών. Ο Gesualdo di Venosa μελοποίησε πολλά από τα ποιήματα του Tasso - έτσι εμφανίστηκαν μια σειρά από εξαιρετικά καλλιτεχνικά μαδριγάλια. Ως εκπρόσωπος της ύστερης Αναγέννησης, ο συνθέτης αναπτύχθηκε νέου τύπουμαδριγάλιου, όπου στην πρώτη θέση υπήρχαν συναισθήματα - θυελλώδη και απρόβλεπτα. Ως εκ τούτου, τα έργα του χαρακτηρίζονται από διακυμάνσεις του όγκου, τονισμούς παρόμοιους με αναστεναγμούς και ακόμη και λυγμούς, συγχορδίες με έντονο ήχο και αντίθετες αλλαγές στο ρυθμό. Αυτές οι τεχνικές έδωσαν στη μουσική του Gesualdo έναν εκφραστικό, κάπως περίεργο χαρακτήρα· εντυπωσίασε και ταυτόχρονα προσέλκυσε τους σύγχρονους. Η κληρονομιά του Gesualdo di Venosa αποτελείται από επτά συλλογές πολυφωνικών μαδριγάλων. μεταξύ πνευματικών συνθέσεων - «Ιεροί ύμνοι». Ακόμα και σήμερα η μουσική του δεν αφήνει αδιάφορο τον ακροατή.

Ανάπτυξη ειδών και μορφών ενόργανης μουσικής. Η ενόργανη μουσική χαρακτηρίζεται επίσης από την εμφάνιση νέων ειδών, κυρίως οργανική συναυλία. Βιολί, τσέμπαλο, όργανο σταδιακά μετατράπηκαν σε σόλο όργανα. Η μουσική που γράφτηκε γι 'αυτούς κατέστησε δυνατή την επίδειξη ταλέντου όχι μόνο για τον συνθέτη, αλλά και για τον ερμηνευτή. Πρώτα απ 'όλα, εκτιμήθηκε η δεξιοτεχνία (η ικανότητα αντιμετώπισης των τεχνικών δυσκολιών), η οποία σταδιακά έγινε αυτοσκοπός για πολλούς μουσικούς και καλλιτεχνική αξία. Οι συνθέτες του 17ου-18ου αιώνα συνήθως όχι μόνο συνέθεταν μουσική, αλλά και βιρτουόζοι έπαιζαν τα όργανα και ασχολούνταν με παιδαγωγικές δραστηριότητες. Η ευημερία του καλλιτέχνη εξαρτιόταν σε μεγάλο βαθμό από τον συγκεκριμένο πελάτη. Κατά κανόνα, κάθε σοβαρός μουσικός επιδίωκε να πάρει μια θέση είτε στην αυλή ενός μονάρχη ή ενός πλούσιου αριστοκράτη (πολλά μέλη της ευγενείας είχαν δικές τους ορχήστρες ή όπερες), είτε σε ναό. Επιπλέον, οι περισσότεροι συνθέτες συνδύασαν εύκολα την εκκλησιαστική μουσική με την υπηρεσία ενός κοσμικού προστάτη.

Αγγλία. Η πολιτιστική ζωή της Αγγλίας κατά την Αναγέννηση ήταν στενά συνδεδεμένη με τη Μεταρρύθμιση. Τον 16ο αιώνα ο Προτεσταντισμός εξαπλώθηκε σε όλη τη χώρα. καθολική Εκκλησίαέχασε την κυρίαρχη θέση της, η Αγγλικανική Εκκλησία έγινε το κράτος, το οποίο αρνήθηκε να αναγνωρίσει ορισμένα δόγματα (βασικές διατάξεις) του Καθολικισμού. τα περισσότερα μοναστήρια έπαψαν να υπάρχουν. Αυτά τα γεγονότα είχαν αντίκτυπο στην αγγλική κουλτούρα, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής. Μουσικά τμήματα άνοιξαν στα πανεπιστήμια της Οξφόρδης και του Κέμπριτζ. Στα σαλόνια των ευγενών ηχούσαν πληκτρολόγια: παρθενικά (είδος τσέμπαλου), φορητό (μικρό) όργανο κ.λπ. σύντομα δοκίμιασχεδιασμένο για οικιακή αναπαραγωγή μουσικής. Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της μουσικής κουλτούρας εκείνης της εποχής ήταν ο William Byrd (1543 ή 1544-1623) - μουσικός εκδότης, οργανίστας και συνθέτης. Ο Bird έγινε ο πρόγονος του αγγλικού μαδριγάλιου. Τα έργα του ξεχωρίζουν για την απλότητά τους (απέφευγε πολύπλοκες πολυφωνικές συσκευές), την πρωτοτυπία της φόρμας που ακολουθεί το κείμενο και την αρμονική ελευθερία. Όλα τα μουσικά μέσα καλούνται να επιβεβαιώσουν την ομορφιά και τη χαρά της ζωής, σε αντίθεση με τη μεσαιωνική αυστηρότητα και εγκράτεια. Στο είδος του μαδριγάλου, ο συνθέτης είχε πολλούς οπαδούς.

Ο Bird δημιούργησε επίσης πνευματικά έργα (λειτουργίες, ψαλμωδίες) και ενόργανη μουσική. Σε συνθέσεις για την παρθενική, χρησιμοποιούσε τα κίνητρα των δημοτικών τραγουδιών και χορών.

Ο συνθέτης ήθελε πολύ η μουσική που έγραψε «να φέρει ευτυχώς τουλάχιστον λίγη τρυφερότητα, χαλάρωση και ψυχαγωγία», έγραψε ο William Byrd στον πρόλογο μιας από τις μουσικές του συλλογές.

Γερμανία. Η σύνδεση της γερμανικής μουσικής κουλτούρας με το κίνημα της Μεταρρύθμισης. Τον 16ο αιώνα ξεκίνησε στη Γερμανία η Μεταρρύθμιση, η οποία άλλαξε σημαντικά τη θρησκευτική και πολιτιστική ζωή της χώρας. Οι μεταρρυθμιστές ήταν πεπεισμένοι για την ανάγκη αλλαγής μουσικό περιεχόμενοθείες υπηρεσίες. Αυτό οφειλόταν σε δύο λόγους. Στα μέσα του XV αιώνα. η πολυφωνική ικανότητα των συνθετών που εργάζονταν στα είδη της εκκλησιαστικής μουσικής έφτασε σε εξαιρετική πολυπλοκότητα και πολυπλοκότητα. Μερικές φορές δημιουργήθηκαν έργα που λόγω του μελωδικού πλούτου των φωνών και της μακροσκελής ψαλμωδίας δεν μπορούσαν να γίνουν αντιληπτά και να βιωθούν πνευματικά από την πλειοψηφία των ενοριτών. Επιπλέον, η λειτουργία γινόταν στα λατινικά, κατανοητά για τους Ιταλούς, αλλά ξένη για τους Γερμανούς.

Ο ιδρυτής του κινήματος της Μεταρρύθμισης, ο Μάρτιν Λούθηρος (1483-1546), πίστευε ότι χρειαζόταν μια μεταρρύθμιση της εκκλησιαστικής μουσικής. Η μουσική, πρώτον, θα πρέπει να συμβάλλει στην πιο ενεργή συμμετοχή των ενοριτών στη λατρεία (αυτό ήταν αδύνατο όταν εκτελούνταν πολυφωνικές συνθέσεις), και δεύτερον, να προκαλεί ενσυναίσθηση για τα βιβλικά γεγονότα (που παρεμποδίστηκε από τη διεξαγωγή της λειτουργίας στα λατινικά). Έτσι, στο εκκλησιαστικό τραγούδι επιβλήθηκαν οι εξής απαιτήσεις: απλότητα και καθαρότητα μελωδίας, άρτιος ρυθμός και καθαρή ψαλμωδία. Σε αυτή τη βάση, προέκυψε μια προτεσταντική χορωδία - το κύριο είδος της εκκλησιαστικής μουσικής. Γερμανική Αναγέννηση. Το 1522, ο Λούθηρος μετέφρασε την Καινή Διαθήκη στα γερμανικά - εφεξής κατέστη δυνατή η λατρεία στη μητρική γλώσσα.

Ο ίδιος ο Λούθηρος, καθώς και ο φίλος του, ο Γερμανός θεωρητικός της μουσικής Johann Walter (1490-1570), συμμετείχαν ενεργά στην επιλογή των μελωδιών για τα χορικά. Οι κύριες πηγές τέτοιων μελωδιών ήταν τα δημοτικά πνευματικά και κοσμικά τραγούδια - ευρέως γνωστά και εύκολα κατανοητά. Μελωδίες για μερικά από τα χορικά που συνέθεσε ο ίδιος ο Λούθηρος. Ένα από αυτά, «Ο Κύριος είναι ο βράχος μας», έγινε σύμβολο της Μεταρρύθμισης κατά τους θρησκευτικούς πολέμους του 16ου αιώνα.

Οι Meistersingers και η τέχνη τους. Μια άλλη λαμπερή σελίδα της γερμανικής μουσικής της Αναγέννησης συνδέεται με το έργο των Meistersinger (γερμανικά: Meistersinger - «κύριος τραγουδιστής») - ποιητών και τραγουδιστών από το περιβάλλον των τεχνιτών. Δεν ήταν επαγγελματίες μουσικοί, αλλά πρώτα απ' όλα τεχνίτες - οπλουργοί, ράφτες, υαλουργοί, τσαγκάρηδες, αρτοποιοί κ.λπ. Η ένωση της πόλης τέτοιων μουσικών περιλάμβανε εκπροσώπους διαφόρων τεχνών. Τον 16ο αιώνα, σύλλογοι Meistersinger υπήρχαν σε πολλές γερμανικές πόλεις.

Οι Meistersingers συνέθεσαν τα τραγούδια τους σύμφωνα με αυστηρούς κανόνες, η δημιουργική πρωτοβουλία περιοριζόταν από πολλούς περιορισμούς. Ένας αρχάριος έπρεπε πρώτα να μάθει αυτούς τους κανόνες, μετά να μάθει πώς να τραγουδά τραγούδια, μετά να συνθέτει στίχους σε μελωδίες άλλων ανθρώπων και μόνο τότε θα μπορούσε να δημιουργήσει το δικό του τραγούδι. Οι μελωδίες των διάσημων Meistersingers και Minnesingers θεωρήθηκαν ως δείγμα μελωδιών.

Ένας εξαιρετικός τραγουδιστής του 16ου αιώνα. Ο Hans Sachs (1494-1576) καταγόταν από οικογένεια ράφτη, αλλά έφυγε γονικό σπίτικαι πήγε ένα ταξίδι στη Γερμανία. Κατά τη διάρκεια της περιπλάνησής του, ο νεαρός έμαθε την τέχνη του τσαγκάρη, αλλά το πιο σημαντικό, γνώρισε παραδοσιακή τέχνη. Ο Σακς ήταν καλά μορφωμένος, γνώριζε πολύ καλά αρχαία και μεσαιωνική λογοτεχνία και διάβαζε τη Βίβλο σε γερμανική μετάφραση. Ήταν βαθιά εμποτισμένος με τις ιδέες της Μεταρρύθμισης, επομένως έγραψε όχι μόνο κοσμικά τραγούδια, αλλά και πνευματικά (περίπου έξι χιλιάδες τραγούδια συνολικά). Ο Χανς Σακς έγινε γνωστός και ως θεατρικός συγγραφέας (βλ. άρθρο «Θεατρική Τέχνη της Αναγέννησης»).

Μουσικά όργανα της Αναγέννησης. Κατά την Αναγέννηση, η σύνθεση των μουσικών οργάνων επεκτάθηκε σημαντικά, νέες ποικιλίες προστέθηκαν στα ήδη υπάρχοντα έγχορδα και πνευστά. Ανάμεσά τους, ξεχωριστή θέση κατέχουν οι βιόλες - μια οικογένεια τοξωτών εγχόρδων που εκπλήσσουν με την ομορφιά και την αρχοντιά του ήχου. Σε μορφή μοιάζουν με όργανα της σύγχρονης οικογένειας βιολιών (βιολί, βιόλα, τσέλο) και θεωρούνται ακόμη και οι άμεσοι προκάτοχοί τους (συνυπήρξαν στη μουσική πρακτική μέχρι μέσα του δέκατου όγδοουαιώνες). Ωστόσο, υπάρχει μια διαφορά, και μάλιστα σημαντική. Οι βιόλα έχουν ένα σύστημα χορδών που αντηχούν. κατά κανόνα, υπάρχουν τόσα όσα και τα κύρια (έξι έως επτά). Οι κραδασμοί των χορδών που αντηχούν κάνουν τη βιόλα να ακούγεται απαλή, βελούδινη, αλλά είναι δύσκολο να χρησιμοποιηθεί το όργανο σε ορχήστρα, γιατί λόγω του μεγάλου αριθμού εγχόρδων ξεκουράζεται γρήγορα.

Για πολύ καιρό, ο ήχος της βιόλας θεωρούνταν υπόδειγμα επιτήδευσης στη μουσική. Υπάρχουν τρεις κύριοι τύποι στην οικογένεια της βιόλας. Viola da gamba - μεγάλο εργαλείο, το οποίο ο ερμηνευτής τοποθέτησε κάθετα και έσφιξε από τα πλάγια με τα πόδια του (η ιταλική λέξη gamba σημαίνει «γόνατο»). Δύο άλλες ποικιλίες - viola da braccio (από αυτό. braccio - "πήχυς") και viol d "amour (φρ. viole d" amour - "βιόλα της αγάπης") προσανατολίζονταν οριζόντια, και όταν παίζονταν πιέζονταν στον ώμο. Η βιόλα ντα γκάμπα είναι κοντά στο τσέλο ως προς το ηχητικό εύρος, η βιόλα ντα μπράτσιο είναι κοντά στο βιολί και η βιόλα ντ'αμούρ είναι κοντά στη βιόλα.

Ανάμεσα στα μαδημένα όργανα της Αναγέννησης, το λαούτο (πολωνικά lutnia, από τα αραβικά «alud» - «δέντρο») κατέχει την κύρια θέση. Ήρθε στην Ευρώπη από τη Μέση Ανατολή στα τέλη του 14ου αιώνα, και στις αρχές του 16ου αιώνα υπήρχε ένα τεράστιο ρεπερτόριο για αυτό το όργανο. Πρώτα απ' όλα τραγουδήθηκαν τραγούδια με τη συνοδεία του λαούτου. Το λαούτο έχει κοντό σώμα. το πάνω μέρος είναι επίπεδο και το κάτω μέρος μοιάζει με ημισφαίριο. Ένας λαιμός είναι στερεωμένος στον φαρδύ λαιμό, χωρισμένος με τάστα, και η κεφαλή του οργάνου είναι λυγισμένη προς τα πίσω σχεδόν σε ορθή γωνία. Εάν θέλετε, μπορείτε να δείτε την ομοιότητα με ένα μπολ σε σχήμα λαούτου. Δώδεκα χορδές ομαδοποιούνται σε ζευγάρια και ο ήχος εξάγεται τόσο με τα δάχτυλα όσο και με μια ειδική πλάκα - ένα πλέγμα.

Τον 15ο και 16ο αιώνα προέκυψε διαφορετικά είδηπληκτρολόγια. Οι κύριοι τύποι τέτοιων οργάνων - τσέμπαλο, clavichord, cembalo, virginal - χρησιμοποιήθηκαν ενεργά στη μουσική της Αναγέννησης, αλλά η πραγματική τους ακμή ήρθε αργότερα.

Στη μουσική κουλτούρα της Αναγέννησης, μπορούν να διακριθούν αρκετά καθοριστικά καινοτόμα χαρακτηριστικά.

Πρώτον, η ραγδαία ανάπτυξη της κοσμικής τέχνης, που εκφράζεται στην πανταχού παρουσία πολλών κοσμικών ειδών τραγουδιού και χορού. Αυτά είναι ιταλικάφροτόλας («λαϊκά τραγούδια, από λέξεις φροτόλα - πλήθος), βιλανέλλες ("χωριάτικα τραγούδια"),κάκκια , canzone (κυριολεκτικά - τραγούδια) και μαδριγάλια, ισπανικάvillancico (από βίλα - χωριό), γαλλικά τραγούδια chanson, γερμανικάΨέματα , Αγγλικά μπαλάντες άλλα. Όλα αυτά τα είδη, δοξάζοντας τη χαρά της ύπαρξης, που ενδιαφέρονται για τον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου, που αγωνίζονται για την αλήθεια της ζωής, αντανακλούσαν άμεσα μια καθαρά αναγεννησιακή κοσμοθεωρία. Για το δικό τους μέσα έκφρασηςτυπικά εκτεταμένη χρήση τονισμών και ρυθμών της δημοτικής μουσικής.

Το αποκορύφωμα της κοσμικής γραμμής στην τέχνη της Αναγέννησης -μαδριγάλιο . Το όνομα του είδους σημαίνει "τραγούδι στη μητρική (δηλαδή, ιταλική) γλώσσα." Τονίζει τη διαφορά μεταξύ της μαδριγαλίας και της ιερής μουσικής που εκτελείται στα Λατινικά. Η εξέλιξη του είδους πήγε από ένα ανεπιτήδευτο μονόφωνο ποιμενικό τραγούδι σε ένα φωνητικό-οργανικό κομμάτι 5-6 φωνών με εκλεπτυσμένο και εκλεπτυσμένο λυρικό κείμενο. Μεταξύ των ποιητών που στράφηκαν στο είδος του μαδριγάλου είναι ο Πετράρχης, ο Μποκάτσιο, ο Τάσο. Οι συνθέτες A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi ήταν αξιόλογοι δεξιοτέχνες του μαδριγάλιου. Με καταγωγή από την Ιταλία, το μαδριγάλιο εξαπλώθηκε γρήγορα σε άλλες δυτικές χώρες. ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣ.

Η γαλλική εκδοχή του πολυφωνικού τραγουδιού λέγεταιchanson . Διακρίνεται από το μαδριγάλιο για τη μεγαλύτερη εγγύτητα με την πραγματική, καθημερινή ζωή, δηλαδή το είδος. Μεταξύ των δημιουργών του chanson -Clement Jeannequin , ένας από τους πιο γνωστούς Γάλλους συνθέτες της Αναγέννησης.

Δεύτερον, η υψηλότερη άνθηση της χορωδιακής πολυφωνίας, που έγινε το κορυφαίο μουσικό στυλ της εποχής. Μεγαλοπρεπές και αρμονικό, ταίριαζε απόλυτα με την επισημότητα της εκκλησιαστικής λειτουργίας. Παράλληλα, η πολυφωνική πολυφωνία ήταν η κυρίαρχη μορφή έκφρασης όχι μόνο στα πνευματικά είδη, αλλά και στα κοσμικά.

Η ανάπτυξη της χορωδιακής πολυφωνίας συνδέθηκε κυρίως με το έργο των συνθετών της ολλανδικής (γαλλο-φλαμανδικής) σχολής: Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Ορλάντο Λάσο (περίπου 1532-1594) εργάστηκε σε πολλές ευρωπαϊκές χώρες. Το ταλέντο του, πραγματικά εκπληκτικό, κατέκτησε και χαροποίησε τους πάντες. Στο τεράστιο έργο του Ορλάντο Λάσο, όλα μουσικά είδηΑναγέννηση (με την επικράτηση της κοσμικής μουσικής έναντι της πνευματικής). Από τα πιο δημοφιλή έργα του είναι το «Echo», γραμμένο στο είδος των ιταλικών οικιακών τραγουδιών. Η σύνθεση βασίζεται σε μια πολύχρωμη αντιπαράθεση δύο χορωδιών, δημιουργώντας ένα εφέ ηχούς. Το κείμενο ανήκει στον ίδιο τον συνθέτη.

Μαζί με τον Ορλάντο Λάσο, τον μεγαλύτερο εκπρόσωπο Υψηλή Αναγέννησηυπήρχε ένας Ιταλός στη μουσικήη Παλαιστρίνη (πλήρες όνομα Giovanni Pierluigi da Palestrina, περίπου 1525-1594). Το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του Palestrina πέρασε στη Ρώμη, όπου συνδέθηκε συνεχώς με την εργασία στην εκκλησία, ειδικότερα, ήταν επικεφαλής του παρεκκλησίου του καθεδρικού ναού του St. Πέτρος. Το κύριο μέρος της μουσικής του είναι ιερά έργα, κυρίως μάζες (υπάρχουν περισσότερα από εκατό από αυτά, μεταξύ των οποίων ξεχωρίζει ιδιαίτερα η περίφημη «Λειτουργία του Papa Marcello») και μοτέτες. Ωστόσο, η Palestrina συνέθεσε πρόθυμα και κοσμική μουσική - μαδριγάλια, κανζονέτες. Συνθέσεις της Palestrina για χορωδία a sarrellaγίνομαι κλασικό μοτίβοΑναγεννησιακή πολυφωνία.

Το έργο των πολυφωνικών συνθετών έπαιξε πρωταγωνιστικό ρόλο στην ανάπτυξη του κύριου είδους της αναγεννησιακής μουσικής -μάζες . Με καταγωγή από τον Μεσαίωνα, το είδος της Μαζικής σεXIV- XVIΓια αιώνες, μεταμορφώνεται γρήγορα, μεταβαίνοντας από δείγματα που αντιπροσωπεύονται από ξεχωριστά, ανόμοια μέρη σε συνθέσεις αρμονικής κυκλικής μορφής.

Εξαρτάται από εκκλησιαστικό ημερολόγιοστη μουσική της Λειτουργίας κάποια μέρη παραλείφθηκαν και άλλα μέρη παρεμβλήθηκαν. Υπάρχουν πέντε υποχρεωτικά μέρη που υπάρχουν συνεχώς στην εκκλησιαστική λειτουργία. VΕγώκαι V - « Kyrieeleison» («Κύριε, ελέησον») και« ΆγκνουςDei» (« Αμνός του Θεού") - εκφράστηκε μια προσευχή για συγχώρεση και έλεος. ΣεIIκαι IV - « Γκλόρια"("Δόξα") και " Sanctus» (« Ιερό") - έπαινος και ευγνωμοσύνη. Στο κεντρικό τμήμα,Πίστη» (« Πιστεύω»), εξέθεσε τις κύριες αρχές της χριστιανικής πίστης.

Τρίτον, ο αυξανόμενος ρόλος της οργανικής μουσικής (με σαφή υπεροχή των φωνητικών ειδών). Αν ο ευρωπαϊκός Μεσαίωνας σχεδόν δεν γνώριζε τον επαγγελματικό οργανισμό, τότε στην Αναγέννηση δημιουργήθηκαν πολλά έργα για το λαούτο (το πιο κοινό μουσικό όργανο εκείνης της εποχής), το όργανο, τη βιόλα, τη βιουέλα, τα παρθενικά, τα διαμήκη φλάουτα. Εξακολουθούν να ακολουθούν φωνητικά πρότυπα, αλλά το ενδιαφέρον για το οργανικό παίξιμο έχει ήδη καθοριστεί.

Τέταρτον, κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, υπήρξε ένας ενεργός σχηματισμός εθνικών μουσικών σχολών (Ολλανδοί πολυφωνιστές, Άγγλοι παρθενικοί, Ισπανοί βιουελαλιστές και άλλοι), των οποίων το έργο βασίστηκε στη λαογραφία της χώρας τους.

Τέλος, η θεωρία της μουσικής έχει προχωρήσει πολύ μπροστά, προβάλλοντας μια σειρά από αξιόλογους θεωρητικούς. Είναι γαλλικόPhilip de Vitry , συγγραφέας της πραγματείας Arsnova» (« Νέα Τέχνη», όπου δίνεται η θεωρητική τεκμηρίωση του νέου πολυφωνικού ύφους). ιταλικόςΤζόζεφφο Καρλίνο , ένας από τους δημιουργούς της επιστήμης της αρμονίας. ΕλβετόςGlarean , ο ιδρυτής του δόγματος της μελωδίας.

ΟΜΟΣΠΟΝΔΙΑΚΟΣ ΟΡΓΑΝΙΣΜΟΣ ΓΙΑ ΤΗΝ ΕΚΠΑΙΔΕΥΣΗ

GOU VPO «Mariysky Κρατικό Πανεπιστήμιο»

Σχολή δημοτικό σχολείο

Ειδικότητα: 050708

«Παιδαγωγική και Μέθοδοι Πρωτοβάθμιας Εκπαίδευσης»

Τμήμα: «Παιδαγωγική πρωτοβάθμιας εκπαίδευσης»

Δοκιμή

"Μουσική της Αναγέννησης"

Yoshkar-Ola 2010

Η εποχή της Αναγέννησης (Αναγέννηση) είναι η εποχή της ακμής όλων των τύπων τεχνών και της έλξης των μορφών τους στις αρχαίες παραδόσεις και μορφές.

Η Αναγέννηση έχει άνισα ιστορικά και χρονολογικά όρια διαφορετικές χώρεςΕυρώπη. Στην Ιταλία, ξεκινά τον 14ο αιώνα, στην Ολλανδία ξεκινά τον 15ο αιώνα και στη Γαλλία, τη Γερμανία και την Αγγλία, τα σημάδια του εκδηλώνονται πιο ξεκάθαρα τον 16ο αιώνα. Ταυτόχρονα, η ανάπτυξη δεσμών μεταξύ διαφορετικών δημιουργικών σχολών, η ανταλλαγή εμπειριών μεταξύ μουσικών που μετακόμισαν από χώρα σε χώρα, που εργάστηκαν σε διαφορετικά παρεκκλήσια, γίνεται σημείο της εποχής και μας επιτρέπει να μιλάμε για κοινές τάσεις στην ολόκληρη εποχή.

Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Αναγέννησης είναι μια προσωπική αρχή που βασίζεται στην επιστήμη. Η ασυνήθιστα πολύπλοκη δεξιοτεχνία των πολυφωνιστών του 15ου-16ου αιώνα, η βιρτουόζικη τεχνική τους συνδυάστηκε με φωτεινή τέχνηκαθημερινοί χοροί, η επιτήδευση των κοσμικών ειδών. Ο λυρικοδραματισμός αποκτά ολοένα και μεγαλύτερη έκφραση στα έργα του.

Έτσι, όπως μπορούμε να δούμε, η περίοδος της Αναγέννησης είναι μια δύσκολη περίοδος στην ιστορία της ανάπτυξης της μουσικής τέχνης, επομένως φαίνεται λογικό να την εξετάσουμε λεπτομερέστερα, δίνοντας τη δέουσα προσοχή σε μεμονωμένες προσωπικότητες.

Η μουσική είναι η μόνη γλώσσα του κόσμου, δεν χρειάζεται να μεταφραστεί, η ψυχή μιλάει στην ψυχή σε αυτήν.

Averbakh Berthold.

Η αναγεννησιακή μουσική ή η αναγεννησιακή μουσική αναφέρεται στην περίοδο ανάπτυξης της ευρωπαϊκής μουσικής μεταξύ 1400 και 1600 περίπου. Στην Ιταλία, η αρχή μιας νέας εποχής ήρθε για τη μουσική τέχνη τον 14ο αιώνα. Το ολλανδικό σχολείο διαμορφώθηκε και έφτασε στα πρώτα του ύψη τον 15ο αιώνα, μετά τον οποίο η ανάπτυξή του επεκτάθηκε και η επιρροή με τον ένα ή τον άλλο τρόπο αιχμαλώτισε τους δασκάλους του άλλου εθνικά σχολεία. Σημάδια της Αναγέννησης εκδηλώθηκαν ξεκάθαρα στη Γαλλία τον 16ο αιώνα, αν και τα δημιουργικά της επιτεύγματα ήταν μεγάλα και αδιαμφισβήτητα ακόμη και στους προηγούμενους αιώνες.

Μέχρι τον 16ο αιώνα, η άνοδος της τέχνης στη Γερμανία, την Αγγλία και ορισμένες άλλες χώρες που συμπεριλήφθηκαν στην τροχιά της Αναγέννησης. Κι όμως, με τον καιρό, ένα νέο δημιουργικό κίνημα έγινε καθοριστικό για Δυτική Ευρώπηγενικά και με τον δικό της τρόπο ανταποκρίθηκε στις χώρες της Ανατολικής Ευρώπης.

Η μουσική της Αναγέννησης αποδείχθηκε εντελώς ξένη σε τραχείς και σκληρούς ήχους. Οι νόμοι της αρμονίας αποτελούσαν την κύρια ουσία του.

Η ηγετική θέση ήταν ακόμα κατεχόμενη πνευματική μουσική, που ακούγεται κατά τη λειτουργία της εκκλησίας. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, διατήρησε τα κύρια θέματα μεσαιωνική μουσική: δοξολογία στον Κύριο και τον Δημιουργό του κόσμου, την αγιότητα και την αγνότητα των θρησκευτικών συναισθημάτων. Ο κύριος στόχος μιας τέτοιας μουσικής, όπως είπε ένας από τους θεωρητικούς της, είναι «να ευχαριστήσει τον Θεό».

Λειτουργίες, μοτέτες, ύμνοι και ψαλμοί αποτέλεσαν τη βάση της μουσικής κουλτούρας.

Λειτουργία - ένα μουσικό κομμάτι που είναι μια συλλογή από μέρη της καθολικής λειτουργίας της λατινικής ιεροτελεστίας, τα κείμενα της οποίας μελοποιούνται για μονοφωνικό ή πολυφωνικό τραγούδι, συνοδευόμενα από μουσικά όργανα ή χωρίς, για μουσική συνοδεία επίσημης λατρείας στο Ρωμαιοκαθολική Εκκλησία και προτεσταντικές εκκλησίες υψηλής κατεύθυνσης, για παράδειγμα, στην Εκκλησία της Σουηδίας.

Μάζες μουσικής αξίας εκτελούνται επίσης εκτός λατρείας σε συναυλίες· επιπλέον, πολλές μάζες των μεταγενέστερων εποχών συντέθηκαν ειδικά είτε για παράσταση σε Μέγαρο Μουσικήςή με αφορμή οποιαδήποτε γιορτή.

Η εκκλησιαστική λειτουργία, που ανάγεται στις παραδοσιακές μελωδίες του Γρηγοριανού άσμα, εξέφρασε με μεγαλύτερη σαφήνεια την ουσία του μουσικού πολιτισμού. Όπως και στον Μεσαίωνα, η μάζα αποτελούνταν από πέντε μέρη, αλλά τώρα έχει γίνει πιο μεγαλειώδης και μεγάλης κλίμακας. Ο κόσμος δεν φαινόταν πλέον τόσο μικρός και παρατηρήσιμος στον άνθρωπο. Συνηθισμένη ζωήμε τις επίγειες χαρές του έχει ήδη πάψει να θεωρείται αμαρτωλός.

Μοτέτ (φρ. μικρός ύμνοςαπό ευφυολόγημα- λέξη) - ένα φωνητικό πολυφωνικό έργο μιας πολυφωνικής αποθήκης, ένα από τα κεντρικά είδη στη μουσική του Δυτικοευρωπαϊκού Μεσαίωνα και της Αναγέννησης.

Το Anthem (αρχαία ελληνικά ὕμνος) είναι ένα επίσημο τραγούδι που υμνεί και δοξάζει κάποιον ή κάτι (αρχικά μια θεότητα).

Ψαλμός (ελλ. ψαλμός «άσμα δοξολογίας»), r.p. ψαλμός, pl. ψαλμοί (ελληνικά ψαλμοί) - εβραϊκοί ύμνοι (εβραϊκά תהילים‎) και χριστιανική θρησκευτική ποίηση και προσευχή (από Παλαιά Διαθήκη).

Αποτελούν το Ψαλτήρι, το 19ο βιβλίο της Παλαιάς Διαθήκης. Η πατρότητα των ψαλμών αποδίδεται παραδοσιακά στον βασιλιά Δαβίδ (περίπου 1000 π.Χ.) και σε αρκετούς άλλους συγγραφείς, όπως ο Αβραάμ, ο Μωυσής και άλλοι. θρυλικές φιγούρες.

Συνολικά, το Ψαλτήρι περιλαμβάνει 150 ψαλμούς, χωρισμένους σε προσευχές, εγκώμια, τραγούδια και διδασκαλίες.

Ψαλμοί που αποδίδονται τεράστιο αντίκτυποστη λαογραφία και χρησίμευσε ως πηγή πολλών παροιμιών. Στον Ιουδαϊσμό, οι ψαλμοί τραγουδούνταν με τη μορφή ύμνων με συνοδεία. Με κάθε ψαλμό, κατά κανόνα, υποδεικνύονταν η μέθοδος απόδοσης και το «πρότυπο» (στο Γρηγοριανό άσμα που ονομάζεται λέξη επιτονισμός), δηλαδή η αντίστοιχη μελωδία. Το Ψαλτήρι έχει πάρει σημαντική θέση στον Χριστιανισμό. Οι ψαλμοί ψάλλονταν κατά τις θείες ακολουθίες, τις κατ' οίκον προσευχές, πριν από τη μάχη και όταν κινούνταν σε παράταξη. Αρχικά τραγουδήθηκαν από όλη την κοινότητα στην εκκλησία. Οι ψαλμοί ψάλλονταν a cappella, μόνο στο σπίτι επιτρεπόταν η χρήση οργάνων. Το είδος της παράστασης ήταν απαγγελτικό-ψαλμωδικό. Εκτός από ολόκληρους ψαλμούς, χρησιμοποιήθηκαν και μεμονωμένοι, πιο εκφραστικοί στίχοι από αυτούς. Σε αυτή τη βάση, προέκυψαν ανεξάρτητες ψαλμωδίες - αντίφωνο, σταδιακό, μονοπάτι και χαλελούγια.

Σταδιακά, οι κοσμικές τάσεις άρχισαν να διεισδύουν στα έργα των εκκλησιαστικών συνθετών. Τα θέματα των δημοτικών τραγουδιών που δεν έχουν καθόλου θρησκευτικό περιεχόμενο εισάγονται με τόλμη στον πολυφωνικό ιστό των εκκλησιαστικών ύμνων. Τώρα όμως δεν έρχεται σε αντίθεση με το γενικό πνεύμα και τις διαθέσεις της εποχής. Αντίθετα, στη μουσική το θεϊκό και το ανθρώπινο συνδυάζονταν με εκπληκτικό τρόπο.

Η ιερή μουσική έφτασε στο απόγειό της τον 15ο αιώνα. στην Ολλανδία. Εδώ η μουσική τιμούνταν περισσότερο από άλλες μορφές τέχνης. Ολλανδοί και Φλαμανδοί συνθέτες πρωτοστάτησαν στους νέους κανόνες πολύφωνος(πολυφωνική) παράσταση - κλασική " αυστηρό στυλ". Το πιο σημαντικό τεχνική σύνθεσηςΟλλανδοί κύριοι έγιναν μίμηση- επανάληψη της ίδιας μελωδίας σε διαφορετικές φωνές. Η κύρια φωνή ήταν ο τενόρος, στον οποίο ανατέθηκε η κύρια επαναλαμβανόμενη μελωδία - cantus firmus («αμετάβλητη μελωδία»). Το μπάσο ακουγόταν κάτω από τον τενόρο και το άλτο πάνω. Το υψηλότερο, δηλαδή πανύψηλο πάνω απ' όλα, λεγόταν η φωνή σοπράνο.

Με τη βοήθεια μαθηματικών υπολογισμών, οι Ολλανδοί και Φλαμανδοί συνθέτες κατάφεραν να υπολογίσουν τον τύπο συνδυασμού μουσικών διαστημάτων. κύριος στόχοςΗ σύνθεση γίνεται η δημιουργία μιας λεπτής, συμμετρικής και μεγαλειώδους, εσωτερικά ολοκληρωμένης ηχητικής κατασκευής. Ένας από τους λαμπρότερους εκπροσώπους αυτής της σχολής, ο Johannes Okeghem (περ. 1425-1497), με βάση μαθηματικούς υπολογισμούς, συνέθεσε ένα μοτέτο για 36 φωνές!

Όλα τα είδη που είναι χαρακτηριστικά της ολλανδικής σχολής αντιπροσωπεύονται στο έργο του Okeghem: mass, motet και chanson. Το πιο σημαντικό είδος για αυτόν είναι το μαζικό, απέδειξε ότι είναι εξαιρετικός πολυφωνιστής. Η μουσική του Okeghem είναι πολύ δυναμική, η μελωδική γραμμή κινείται σε μεγάλο εύρος, έχει μεγάλο πλάτος. Ταυτόχρονα, το Okeghem χαρακτηρίζεται από ομαλό τονισμό, την πιο καθαρή διατονική και αρχαία τροπική σκέψη. Ως εκ τούτου, η μουσική του Okeghem συχνά χαρακτηρίζεται ως «στοχευμένη στο άπειρο», «αιωρούμενη» σε ένα κάπως αποστασιοποιημένο παραστατικό περιβάλλον. Είναι λιγότερο σχετικό με το κείμενο, πλούσιο σε άσματα, αυτοσχεδιαστικό, εκφραστικό.

Πολύ λίγα από τα γραπτά του Okeghem σώζονται:

περίπου 14 μάζες (11 εντελώς):

Requiem Missa pro Defunctis (το πρώτο πολυφωνικό ρέκβιεμ στην ιστορία του κόσμου μουσική λογοτεχνία);

9-13 (σύμφωνα με διάφορες πηγές) μοτέτες:

πάνω από 20 chanson

Υπάρχουν πολλά έργα των οποίων η ιδιοκτησία από τον Okegem αμφισβητείται, ανάμεσά τους το περίφημο μοτέτο «Deo gratias» για 36 φωνές. Ορισμένα ανώνυμα chanson αποδίδονται στο Okegem με βάση την ομοιότητα στο στυλ.

Οι δεκατρείς μάζες του Okeghem σώζονται σε ένα χειρόγραφο του 15ου αιώνα γνωστό ως κώδικας Chigi.

Μεταξύ των μαζών κυριαρχούν οι τετραμερείς μάζες, υπάρχουν δύο πενταμερείς μάζες και μία οκταμερής. Ο Ockeghem χρησιμοποιεί folk ("L'homme armé"), τις δικές του ("Ma maistresse") μελωδίες ή μελωδίες άλλων συγγραφέων (για παράδειγμα, Benchois στο "De plus en plus") ως θέματα των μαζών. Υπάρχουν μάζες χωρίς δανεικά θέματα («Quinti toni», «Sine nomine», «Cujusvis toni»).

Motets και chanson

Τα μοτέτα και τα chanson του Okeghem γειτνιάζουν άμεσα με τις μάζες του και διαφέρουν από αυτές κυρίως στην κλίμακα τους. Ανάμεσα στα μοτέτα υπάρχουν υπέροχα, εορταστικά έργα, καθώς και πιο αυστηρές πνευματικές χορωδιακές συνθέσεις.

Το πιο γνωστό είναι το εορταστικό μοτέτο των ευχαριστιών "Deo gratias", που γράφτηκε για τέσσερις εννιάφωνες συνθέσεις και επομένως θεωρείται 36φωνο. Στην πραγματικότητα, αποτελείται από τέσσερις εννεαμελείς κανόνες (τέσσερις διαφορετικά θέματα) που διαδέχονται το ένα μετά το άλλο με ελαφρές επικαλύψεις μεταξύ της αρχής της επόμενης και της ολοκλήρωσης της προηγούμενης. Υπάρχουν 18 φωνές στα overdubs, δεν υπάρχουν πραγματικές 36 φωνές στο μοτέτο.

Όχι λιγότερο ενδιαφέρον παρουσιάζει το έργο του Ολλανδού συνθέτη Orlando Lasso (περ. 1532-1594), ο οποίος δημιούργησε περισσότερα από δύο χιλιάδες έργα λατρευτικής και κοσμικής φύσης.

Ο Λάσο είναι ο πιο παραγωγικός συνθέτης της εποχής του. Λόγω του τεράστιου όγκου της κληρονομιάς, η καλλιτεχνική σημασία των έργων του (πολλά από τα οποία ανατέθηκαν) δεν έχει ακόμη εκτιμηθεί πλήρως.

Εργάστηκε αποκλειστικά σε φωνητικά είδη, συμπεριλαμβανομένων περισσότερων από 60 μαζών, ένα ρέκβιεμ, 4 κύκλους παθών (σύμφωνα με όλους τους ευαγγελιστές), officio Μεγάλη Εβδομάδα(ιδιαίτερα σημαντικές είναι οι ευθύνες της Μ. Πέμπτης, της Μεγάλης Παρασκευής και του Μεγάλου Σαββάτου), περισσότερα από 100 Magnificats, ύμνοι, faubourdons, περίπου 150 γαλλικά. chanson (το chanson του "Susanne un jour", μια παράφραση της βιβλικής ιστορίας για τη Susanna, ήταν ένα από τα πιο δημοφιλή έργα του 16ου αιώνα), ιταλικά (villanelles, moresques, canzones) και γερμανικά τραγούδια (πάνω από 140 Lieder), περίπου 250 μαδριγάλια.

Το Lasso διακρίνεται από την πιο λεπτομερή ανάπτυξη κειμένων για διαφορετικές γλώσσεςως λειτουργικό (συμπεριλαμβανομένων κειμένων άγια γραφή) και ελεύθερα συντεθέντα. Η σοβαρότητα και το δράμα της ιδέας, οι εκτεταμένοι τόμοι διακρίνουν τη σύνθεση «Δάκρυα του Αγίου Πέτρου» (κύκλος 7φωνων πνευματικών μαδριγάλων σε ποιήματα του Luigi Tranzillo, που δημοσιεύθηκε το 1595) και «Penitential Psalms of David» (χειρόγραφο του 1571). σε μορφή folio διακοσμημένη με εικονογραφήσεις του G. Milich, ο οποίος παρέχει πολύτιμο εικονογραφικό υλικό για τη ζωή, συμπ. μουσική ψυχαγωγία, βαυαρικό δικαστήριο).

Ωστόσο, στην κοσμική μουσική, ο Λάσο δεν ήταν ξένος στο χιούμορ. Για παράδειγμα, στο chanson «Το ποτό σε τρία άτομα μοιράζεται σε γιορτές» (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), επαναλαμβάνεται ένα παλιό ανέκδοτο από τη ζωή των Vagantes. v διάσημο τραγούδι"Matona mia cara" ένας Γερμανός στρατιώτης τραγουδά μια ερωτική σερενάτα, μπερδεύοντας ιταλικές λέξεις. στον ύμνο «Ut queant laxis» μιμείται το άτυχο solfegging. Μια σειρά από φωτεινά σύντομα έργα του Λάσο είναι γραμμένα σε πολύ επιπόλαιους στίχους, για παράδειγμα, το chanson "Η κυρία κοίταξε με ενδιαφέρον το κάστρο / Η φύση κοίταξε το μαρμάρινο άγαλμα" (En un chasteau ma dame ...), και μερικά Τα τραγούδια (ειδικά τα ήθη) περιέχουν άσεμνο λεξιλόγιο.

κοσμική μουσικήΠαρουσιάστηκε η Αναγέννηση διάφορα είδη: μαδριγκάλια, τραγούδια, κανζώνες. Η μουσική, έχοντας πάψει να είναι «υπηρέτης της εκκλησίας», άρχισε τώρα να ακούγεται όχι στα λατινικά, αλλά στη μητρική γλώσσα. Το πιο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής ήταν τα μαδριγάλια (ιταλικά Madrigal - ένα τραγούδι στη μητρική γλώσσα) - πολυφωνικές χορωδιακές συνθέσεις γραμμένες στο κείμενο ενός λυρικού ποιήματος με περιεχόμενο αγάπης. Τις περισσότερες φορές, ποιήματα διάσημων δασκάλων χρησιμοποιήθηκαν για το σκοπό αυτό: Dante, Francesco Petrarch και Torquato Tasso. Τα Madrigals δεν ερμηνεύτηκαν από επαγγελματίες τραγουδιστές, αλλά από ένα ολόκληρο σύνολο ερασιτεχνών, όπου κάθε μέρος οδηγούνταν από έναν τραγουδιστή. Η κύρια διάθεση του μαδριγάλιου είναι η θλίψη, η μελαγχολία και η μελαγχολία, αλλά υπήρχαν και χαρούμενες, ζωηρές συνθέσεις.

Ο σύγχρονος ερευνητής του μουσικού πολιτισμού Δ.Κ. Η Kirnarskaya σημειώνει:

«Το μαδριγκάλι ανέτρεψε ολόκληρο το μουσικό σύστημα της Αναγέννησης: η ομαλή και αρμονική μελωδική πλαστικότητα της μάζας κατέρρευσε… το αμετάβλητο cantus firmus, το θεμέλιο του μουσικού συνόλου, εξαφανίστηκε επίσης… οι συνήθεις μέθοδοι ανάπτυξης «αυστηρής γραφής»… έδωσε τη θέση του σε συναισθηματικές και μελωδικές αντιθέσεις επεισοδίων, καθένα από τα οποία προσπάθησε να αποδώσει όσο το δυνατόν πιο εκφραστικά την ποιητική ιδέα που περιείχε το κείμενο. Το Μαδριγκάλι υπονόμευσε τελικά τις δυνάμεις αποδυνάμωσης του «αυστηρού στυλ».

Όχι λιγότερο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής ήταν το τραγούδι που συνοδεύτηκε από μουσικά όργανα. Σε αντίθεση με τη μουσική που παιζόταν στην εκκλησία, τα τραγούδια ήταν αρκετά απλά στην εκτέλεση. Το έμμετρο κείμενό τους ήταν ξεκάθαρα χωρισμένο σε 4-6 στίχους. Στα τραγούδια, όπως και στα μαδριγάλια, το κείμενο απέκτησε μεγάλη σημασία. Όταν εκτελούνται, οι ποιητικές γραμμές δεν πρέπει να χάνονται στο πολυφωνικό τραγούδι. Τα τραγούδια ήταν διάσημα Γάλλος συνθέτης Clement Janequin (περ. 1485-1558). Ο Clement Janequin έγραψε περίπου 250 chansons, για το μεγαλύτερο μέροςγια 4 φωνές, σε ποιήματα των Pierre Ronsard, Clément Marot, M. de Saint-Gele, ανώνυμων ποιητών. Όσον αφορά άλλα 40 chanson, η σύγχρονη επιστήμη αμφισβητεί την πατρότητα του Janequin (η οποία, ωστόσο, δεν μειώνει την ποιότητα αυτής της ίδιας της αμφισβητούμενης μουσικής). Το κύριο χαρακτηριστικό της κοσμικής πολυφωνικής μουσικής του είναι η προγραμματική και εικονογραφική. Μπροστά από το μυαλό του ακροατή βρίσκονται εικόνες της μάχης ("Battle of Marignano", "Battle of Renty", "Battle of Metz"), σκηνές κυνηγιού ("Birdsong", "Nightingale Singing", "Lark"), καθημερινές σκηνές («Γυναικεία κουβέντα»). Η Janequin μεταφέρει παραστατικά την ατμόσφαιρα της καθημερινότητας στο Παρίσι στο chanson "Cries of Paris", όπου ακούγονται οι κραυγές των πλανόδιων πωλητών ("Γάλα!" - "Πίτες!" - "Αγικινές!" - "Ψάρια!" - "Στρίτσες" !" - "Περιστέρια!" - "Παλιά παπούτσια!" - "Κρασί!"). Με όλη την ευρηματικότητα στην υφή και τον ρυθμό, η μουσική του Janequin στον τομέα της αρμονίας και της αντίστιξης παραμένει πολύ παραδοσιακή.

Η Αναγέννηση σηματοδότησε την αρχή δημιουργικότητα επαγγελματία συνθέτη. Ένας εντυπωσιακός εκπρόσωπος αυτής της νέας τάσης είναι αναμφίβολα η Palestrina (1525-1594). Η κληρονομιά του περιλαμβάνει πολλά έργα ιερής και κοσμικής μουσικής: 93 ακολουθίες, 326 ύμνους και μοτέτες. Είναι συγγραφέας δύο τόμων κοσμικών μαδριγάλων στα λόγια του Πετράρχη. Για μεγάλο διάστημα εργάστηκε ως διευθυντής χορωδίας στη Βασιλική του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. Η εκκλησιαστική μουσική που δημιούργησε διακρίνεται για την αγνότητα και την υπεροχή των συναισθημάτων. Η κοσμική μουσική του συνθέτη είναι εμποτισμένη με εξαιρετική πνευματικότητα και αρμονία.

Στο μόρφωμα χρωστάμε την Αναγέννηση ορχηστρική μουσικήπως ανεξάρτητα είδητέχνη. Αυτή τη στιγμή υπάρχει μια σειρά ορχηστρικά κομμάτια, παραλλαγές, πρελούδια, φαντασιώσεις, rondo, toccata. Μεταξύ των μουσικών οργάνων, το όργανο, το τσέμπαλο, η βιόλα, τα διάφορα είδη αυλών είναι ιδιαίτερα δημοφιλή και στα τέλη του 16ου αι. - βιολί.

Η Αναγέννηση τελειώνει με την εμφάνιση νέων μουσικών ειδών: σόλο τραγούδι, ορατόριο και όπερα. Αν νωρίτερα ο ναός ήταν το κέντρο της μουσικής κουλτούρας, τότε από τότε η μουσική ακούγεται όπερα. Και έγινε έτσι.

Στην ιταλική πόλη της Φλωρεντίας στα τέλη του XVI αιώνα. άρχισαν να συγκεντρώνονται ταλαντούχοι ποιητές, ηθοποιοί, επιστήμονες και μουσικοί. Κανείς τους τότε δεν σκέφτηκε κάποια ανακάλυψη. Κι όμως ήταν αυτοί που έμελλε να κάνουν μια πραγματική επανάσταση στο θέατρο και μουσική τέχνη. Επαναφορά παραγωγών έργων αρχαίοι Έλληνες θεατρικοί συγγραφείς, άρχισαν να συνθέτουν τη δική τους μουσική, αντίστοιχη, κατά τη γνώμη τους, στη φύση του αρχαίου δράματος.

Μέλη κάμερες(όπως ονομαζόταν αυτή η κοινωνία) προσεκτικά μελετημένη μουσική συνοδείαμονόλογοι και διάλογοι μυθολογικών χαρακτήρων. Οι ηθοποιοί έπρεπε να ερμηνεύουν προφορικά μέρη διηγηματικός(απαγγελία, τραγούδι τραγούδι). Και παρόλο που η λέξη συνέχισε να παίζει πρωταγωνιστικό ρόλο σε σχέση με τη μουσική, το πρώτο βήμα έγινε προς τη σύγκλιση και την αρμονική τους σύντηξη. Μια τέτοια απόδοση κατέστησε δυνατή τη μεταφορά πλούτου σε μεγαλύτερο βαθμό. εσωτερικός κόσμοςάτομο, τις προσωπικές του εμπειρίες και συναισθήματα. Με βάση τέτοια φωνητικά μέρη προέκυψαν άριες- ολοκληρωμένα επεισόδια σε μουσική παράστασησυμπεριλαμβανομένης της όπερας.

Η όπερα κέρδισε γρήγορα την αγάπη και έγινε δημοφιλής όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες.

Κατάλογος χρησιμοποιημένης βιβλιογραφίας

1) εγκυκλοπαιδικό λεξικόνεαρός μουσικός / Σύνθ. V.V. Medushevsky, O.O. Οτσακόφσκαγια. - Μ .: Παιδαγωγική, 1985.

2) Κόσμος πολιτισμός της τέχνης. Από τις απαρχές έως τον XVII αιώνα: εγχειρίδιο. για 10 κύτταρα. γενική εκπαίδευση ανθρωπιστικά ιδρύματα / Γ.Ι. Ντανίλοβα. - 2η έκδ., στερεότυπο. – M.: Bustard, 2005.

Το πιο εντυπωσιακό φαινόμενο ήταν τα κοσμικά φωνητικά είδη που ήταν ευρέως διαδεδομένα εκείνη την εποχή, εμποτισμένα με το πνεύμα των ουμανιστικών τάσεων. Ο επαγγελματισμός της μουσικής τέχνης έπαιξε ιδιαίτερο ρόλο στην ανάπτυξή τους: η ικανότητα των μουσικών μεγάλωσε, οργανώθηκαν σχολές τραγουδιού, στις οποίες διδάσκονταν από μικρή ηλικία το τραγούδι, το όργανο και η μουσική θεωρία. Όλα αυτά οδήγησαν στην καθιέρωση της αυστηρής τεχνοτροπίας πολυφωνίας, η οποία απαιτούσε υψηλή δεξιοτεχνία, επαγγελματική μαεστρία στη σύνθεση και τις τεχνικές εκτέλεσης. Στο πλαίσιο αυτού του στυλ, υπάρχουν μάλλον αυστηροί κανόνες φωνητικής καθοδήγησης και ρυθμικής οργάνωσης, διατηρώντας παράλληλα τη μέγιστη ανεξαρτησία των φωνών. Αν και η εκκλησιαστική μουσική κατείχε μεγάλη θέση στο έργο των δασκάλων ενός αυστηρού στυλ, μαζί με έργα σε πνευματικά κείμενα, αυτοί οι συνθέτες έγραψαν πολλά κοσμικά πολυφωνικά τραγούδια. Ιδιαίτερο ενδιαφέρον παρουσιάζουν οι μουσικές και ποιητικές εικόνες κοσμικών φωνητικών ειδών. Τα κείμενα έχουν ζωηρό και σχετικό περιεχόμενο. Εκτός από ερωτικούς στίχους, εξαιρετικά δημοφιλή ήταν τα σατιρικά, επιπόλαια, διθυραμβικά κείμενα, τα οποία συνδυάζονταν με υπέροχα επαγγελματικό εξοπλισμόπολυφωνικό γράμμα. Εδώ είναι μερικά κείμενα γαλλικό chanson, που αποτελούν παράδειγμα καθημερινών στίχων "Σήκω, αγαπητή Κολινέττα, είναι ώρα να πάμε για ποτό· γέλιο και ευχαρίστηση - γι' αυτό προσπαθώ. Ας παραδοθούν όλοι στη χαρά. Ήρθε η άνοιξη ...", "Μακάρι ο πλούτος να είσαι καταραμένος, πήρε τη φίλη μου μακριά μου: κατέκτησα την αγάπη της, και η άλλη - ο πλούτος, η ειλικρινής αγάπη στις ερωτικές υποθέσεις αξίζει ελάχιστα.

Ο πολιτισμός της Αναγέννησης εμφανίστηκε αρχικά στην Ιταλία και στη συνέχεια σε άλλες χώρες. Η ιστορία έχει διατηρήσει πληροφορίες για συχνές μετακινήσεις διάσημους μουσικούςαπό χώρα σε χώρα, για το έργο τους στο ένα ή το άλλο παρεκκλήσι, για συχνή επικοινωνία μεταξύ εκπροσώπων διαφορετικών εθνικοτήτων, κ.λπ. Επομένως, στη μουσική της περιόδου της Αναγέννησης, παρατηρούμε μια σημαντική σχέση μεταξύ έργων που δημιουργήθηκαν από συνθέτες διαφορετικών εθνικών σχολών.

Ο 16ος αιώνας αναφέρεται συχνά ως η «εποχή του χορού». Υπό την επίδραση των ουμανιστικών ιδεωδών της ιταλικής Αναγέννησης, το φράγμα των εκκλησιαστικών απαγορεύσεων τελικά έσπασε και η λαχτάρα για «εγκόσμιες», γήινες χαρές αποκαλύφθηκε ως μια άνευ προηγουμένου έκρηξη στοιχείων χορού και τραγουδιού. Ισχυρός παράγοντας για τη διάδοση του τραγουδιού και του χορού τον 16ο αιώνα. έπαιξε η εφεύρεση των μεθόδων εκτύπωσης μουσικής: χοροί που εκδόθηκαν σε μεγάλους αριθμούς άρχισαν να περιφέρονται από τη μια χώρα στην άλλη. Κάθε έθνος συνέβαλε στο κοινό πάθος, έτσι οι χοροί, ξεφεύγοντας από την πατρίδα τους, ταξίδεψαν σε όλη την ήπειρο, αλλάζοντας την εμφάνισή τους, και μερικές φορές ακόμη και το όνομά τους. Η μόδα για αυτούς εξαπλώθηκε γρήγορα και άλλαξε γρήγορα.

Ταυτόχρονα, η Αναγέννηση ήταν μια εποχή ευρέων θρησκευτικών κινημάτων (Ουσιτισμός στην Τσεχία, Λουθηρανισμός στη Γερμανία, Καλβινισμός στη Γαλλία). Όλες αυτές οι ποικίλες εκδηλώσεις των θρησκευτικών κινημάτων εκείνης της εποχής μπορούν να συνδυαστούν γενική έννοιαΠροτεσταντισμός. Ο προτεσταντισμός σε διάφορα εθνικά κινήματα έπαιξε μεγάλο ρόλοστην ανάπτυξη και ενίσχυση της κοινότητας των μουσικών πολιτισμών των λαών, εξάλλου, κυρίως στο χώρο της δημοτικής μουσικής. Σε αντίθεση με τον ουμανισμό, ο οποίος αγκάλιαζε έναν σχετικά στενό κύκλο ανθρώπων, ο Προτεσταντισμός ήταν μια πιο μαζική τάση που εξαπλώθηκε σε μεγάλα τμήματα του λαού. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά φαινόμενα στη μουσική τέχνη της Αναγέννησης είναι η προτεσταντική χορωδία. Προέκυψε στη Γερμανία υπό την επιρροή του Μεταρρυθμιστικού κινήματος, σε αντίθεση με τα σύνεργα της καθολικής λατρείας, διακρίθηκε από ένα ιδιαίτερο συναισθηματικό και σημασιολογικό περιεχόμενο. Ο Λούθηρος και άλλοι εκπρόσωποι του προτεσταντισμού έδιναν μεγάλη σημασία στη μουσική: "Η μουσική κάνει τους ανθρώπους χαρούμενους, κάνει τους ανθρώπους να ξεχνούν τον θυμό. Εξαλείφει την αυτοπεποίθηση και άλλες ελλείψεις... Η νεολαία πρέπει να είναι διαρκώς συνηθισμένη στη μουσική, γιατί δημιουργεί επιδέξια, κατάλληλα άτομα για τα πάντα. ." Έτσι, η μουσική στο κίνημα της Μεταρρύθμισης θεωρήθηκε όχι πολυτέλεια, αλλά ένα είδος «καθημερινού ψωμιού» - κλήθηκε να παίξει μεγάλο ρόλο στην προώθηση του προτεσταντισμού και στη διαμόρφωση της πνευματικής συνείδησης των πλατιών μαζών.

ΕΙΔΗ:

Φωνητικά είδη

Ολόκληρη η εποχή στο σύνολό της χαρακτηρίζεται από σαφή κυριαρχία των φωνητικών ειδών, και ειδικότερα των φωνητικών πολυφωνία. Μια ασυνήθιστα πολύπλοκη μαεστρία της πολυφωνίας σε αυστηρό ύφος, γνήσια επιστήμη, βιρτουόζικη τεχνική συνυπήρχε με μια φωτεινή και φρέσκια τέχνη της καθημερινής διανομής. Η ενόργανη μουσική αποκτά κάποια ανεξαρτησία, αλλά η άμεση εξάρτησή της από τις φωνητικές φόρμες και τις καθημερινές πηγές (χορός, τραγούδι) θα ξεπεραστεί λίγο αργότερα. Τα κύρια μουσικά είδη παραμένουν συνδεδεμένα με το λεκτικό κείμενο. Η ουσία του ουμανισμού της Αναγέννησης αντικατοπτρίστηκε στη σύνθεση χορωδιακών τραγουδιών στο στυλ του frottoll και του vilanelle.
Είδη χορού

Στην Αναγέννηση, ο καθημερινός χορός αποκτά μεγάλη σημασία. Σε Ιταλία, Γαλλία, Αγγλία, Ισπανία, πολλά νέα φόρμες χορού. Διαφορετικά στρώματα της κοινωνίας έχουν τους δικούς τους χορούς, αναπτύσσουν τον τρόπο παράστασής τους, τους κανόνες συμπεριφοράς κατά τη διάρκεια χορών, βραδιών, γιορτών. Οι χοροί της Αναγέννησης είναι πιο περίπλοκοι από τα ανεπιτήδευτα τσιράκια του ύστερου Μεσαίωνα. Χοροί με στρογγυλό χορό και σύνθεση γραμμικής βαθμίδας αντικαθίστανται από ζευγαρωμένους (ντουέτο) χορούς, βασισμένους σε σύνθετες κινήσεις και φιγούρες.
Βόλτα - χορός ζευγαριώνιταλικής καταγωγής. Το όνομά του προέρχεται από την ιταλική λέξη voltare, που σημαίνει «γυρίζω». Το μέγεθος είναι τριπλάσιο, ο ρυθμός είναι μέτρια γρήγορος. Το κύριο μοτίβο του χορού είναι ότι ο κύριος στρέφει γρήγορα και απότομα την κυρία χορεύοντας μαζί του στον αέρα. Αυτή η ανύψωση γίνεται συνήθως πολύ ψηλά. Απαιτεί μεγάλη δύναμη και επιδεξιότητα από τον κύριο, αφού, παρά την οξύτητα και κάποια ορμητικότητα των κινήσεων, η άνοδος πρέπει να εκτελείται καθαρά και όμορφα.
γαλιάρδος - ένας παλιός χορός ιταλικής προέλευσης, κοινός στην Ιταλία, Αγγλία, Γαλλία, Ισπανία, Γερμανία. Ο ρυθμός των πρώιμων γαλιάρδων είναι μέτρια γρήγορος, το μέγεθος είναι τριπλάσιο. Το γαλιάρδο εκτελούνταν συχνά μετά το pavane, με το οποίο μερικές φορές συνδεόταν θεματικά. Galliards 16ος αιώνας συντηρείται σε μελωδική-αρμονική υφή με μελωδία στην πάνω φωνή. Οι μελωδίες του Galliard ήταν δημοφιλείς στο ευρύ κοινό. Γαλλική κοινωνία. Κατά τη διάρκεια της παράστασης σερενάτες, μαθητές της Ορλεάνης έπαιζαν μελωδίες γαλιάρδου σε λαούτα και κιθάρες. Όπως τα κουδούνια, έτσι και ο γαλιάρδος είχε τον χαρακτήρα ενός είδους χορευτικού διαλόγου. Ο κύριος κινήθηκε στο χολ με την κυρία του. Όταν ο άντρας έκανε το σόλο, η κυρία παρέμεινε στη θέση του. Το ανδρικό σόλο αποτελούνταν από μια ποικιλία σύνθετων κινήσεων. Μετά από αυτό, πλησίασε ξανά την κυρία και συνέχισε το χορό.
παβάνα - αυλικός χορός 16ου-17ου αιώνα. Ο ρυθμός είναι μέτρια αργός, η χρονική υπογραφή είναι 4/4 ή 2/4. Σε διάφορες πηγές δεν υπάρχει συναίνεση για την προέλευσή του (Ιταλία, Ισπανία, Γαλλία). Η πιο δημοφιλής έκδοση είναι ισπανικός χορόςμιμούμενος τις κινήσεις ενός παγωνιού που περπατά με μια όμορφα απλωμένη ουρά. Ήταν κοντά στο μπάσο. Υπό τη μουσική των παβάνων, πραγματοποιήθηκαν διάφορες τελετουργικές πομπές: οι αρχές μπήκαν στην πόλη, διώχνοντας την ευγενή νύφη στην εκκλησία. Στη Γαλλία και την Ιταλία, ο παβάνε έχει καθιερωθεί ως χορός της αυλής. Η επίσημη φύση του pavane επέτρεψε στην αυλική κοινωνία να λάμψει με τη χάρη και τη χάρη των τρόπων και των κινήσεών τους. Ο λαός και η αστική τάξη δεν έκαναν αυτόν τον χορό. Το παβάνε, όπως και το μενουέτο, εκτελούνταν αυστηρά σύμφωνα με τις τάξεις. Ο βασιλιάς και η βασίλισσα άρχισαν το χορό και μετά ο ντόφιν ευγενής κυρία, μετά πρίγκιπες κ.λπ. Οι Cavaliers εκτελούσαν το pavane με σπαθί και ακρωτήρια. Οι κυρίες φορούσαν τελετουργικά φορέματα με βαριά μακριά τρένα, τα οποία έπρεπε να χειρίζονται επιδέξια κατά τη διάρκεια των κινήσεων χωρίς να τα σηκώνουν από το πάτωμα. Η κίνηση του τρεν έκανε τις κινήσεις όμορφες, δίνοντας στον pavane μεγαλοπρέπεια και επισημότητα. Πίσω από τη βασίλισσα, στενές κυρίες μετέφεραν ένα τρένο. Πριν από την έναρξη του χορού, έπρεπε να κάνει τον γύρο της αίθουσας. Στο τέλος του χορού, τα ζευγάρια με φιόγκους και κούρτσες ξαναγύρισαν την αίθουσα. Αλλά πριν βάλει καπέλο, ο κύριος έπρεπε να βάλει δεξί χέριπίσω από τον ώμο της κυρίας, ο αριστερός (κρατώντας το καπέλο) - στη μέση της και φίλησέ τη στο μάγουλο. Κατά τη διάρκεια του χορού, τα μάτια της κυρίας ήταν χαμηλωμένα. μόνο που από καιρό σε καιρό κοίταζε τον φίλο της. Το pavane διατηρήθηκε για το μεγαλύτερο χρονικό διάστημα στην Αγγλία, όπου ήταν πολύ δημοφιλές.
Αλεμαντέ - αργός χορός γερμανικής καταγωγής σε 4 χτύπους. Ανήκει στους μαζικούς «χαμηλούς», μη πηδηματικούς χορούς. Οι ερμηνευτές έγιναν ζευγάρια ο ένας μετά τον άλλο. Ο αριθμός των ζευγαριών δεν ήταν περιορισμένος. Ο κύριος κράτησε την κυρία από τα χέρια. Η κολόνα κινήθηκε γύρω από την αίθουσα, και όταν έφτασε στο τέλος, οι συμμετέχοντες έκαναν μια στροφή επί τόπου (χωρίς να χωρίσουν τα χέρια τους) και συνέχισαν το χορό προς την αντίθετη κατεύθυνση.
Courant είναι αυλικός χορός ιταλικής προέλευσης. Το κουδούνισμα ήταν απλό και σύνθετο. Το πρώτο αποτελούνταν από απλά βήματα ολίσθησης, που εκτελούνταν κυρίως προς τα εμπρός. Το περίπλοκο κουδούνισμα είχε παντομιμικό χαρακτήρα: τρεις κύριοι κάλεσαν τρεις κυρίες να συμμετάσχουν στο χορό. Οι κυρίες οδηγήθηκαν στην απέναντι γωνία της αίθουσας και τους ζητήθηκε να χορέψουν. Οι κυρίες αρνήθηκαν. Οι κύριοι, έχοντας λάβει άρνηση, έφυγαν, αλλά μετά επέστρεψαν ξανά και γονάτισαν μπροστά στις κυρίες. Μόνο μετά τη σκηνή της παντομίμας άρχισε ο χορός. Τα κουδούνια ιταλικών και γαλλικών τύπων διαφέρουν. Το ιταλικό chimes είναι ένας ζωηρός χορός σε χρόνο 3/4 ή 3/8 με απλό ρυθμό σε μελωδική-αρμονική υφή. Γαλλικά - ένας επίσημος χορός ("χορός του τρόπου"), μια ομαλή περήφανη πομπή. Μέγεθος 3/2, μέτριο τέμπο, καλά ανεπτυγμένη πολυφωνική υφή.
Σαραμπάντε - λαϊκός χορός 16ου - 17ου αιώνα. Προέρχεται από τον ισπανικό γυναικείο χορό με καστανιέτες. Αρχικά συνοδεύεται από τραγούδι. Ο διάσημος χορογράφος και δάσκαλος Carlo Blasis σε ένα από τα έργα του δίνει μια σύντομη περιγραφή του sarabande: "Σε αυτόν τον χορό, ο καθένας επιλέγει μια κυρία για την οποία δεν είναι αδιάφορος. Η μουσική δίνει ένα σήμα και δύο εραστές κάνουν έναν χορό, ευγενή, Μετρημένη, όμως, η σημασία αυτού του χορού δεν παρεμβαίνει καθόλου στην ευχαρίστηση και η σεμνότητα του δίνει ακόμα περισσότερη χάρη· τα μάτια όλων ακολουθούν με ευχαρίστηση τους χορευτές που ερμηνεύουν διάφορες φιγούρες εκφράζοντας με την κίνησή τους όλες τις φάσεις της αγάπης. Αρχικά, ο ρυθμός του sarabande ήταν μέτρια γρήγορος, αργότερα (από τον 17ο αιώνα) εμφανίστηκε ένας αργός γαλλικός sarabande με χαρακτηριστικό ρυθμικό μοτίβο: ...... Στην πατρίδα του, το sarabande έπεσε στην κατηγορία των άσεμνων χορών και σε 1630. απαγορεύτηκε από το Συμβούλιο της Καστίλλης.
Γκιγκ - ένας χορός αγγλικής καταγωγής, ο πιο γρήγορος, τριμερής, που μετατρέπεται σε τρίδυμο. Αρχικά η γκίγα ήταν χορός ζευγαριών, μεταξύ των ναυτικών διαδόθηκε ως σόλο, πολύ γρήγορος κωμικός χορός. Αργότερα εμφανίζεται στην ορχηστρική μουσική ως το τελευταίο μέρος μιας παλιάς σουίτας χορού.

Περίληψη: Μουσική της Αναγέννησης

ΟΜΟΣΠΟΝΔΙΑΚΟΣ ΟΡΓΑΝΙΣΜΟΣ ΓΙΑ ΤΗΝ ΕΚΠΑΙΔΕΥΣΗ

SEI HPE "Mari State University"

Σχολή Δημοτικού Σχολείου

Ειδικότητα: 050708

«Παιδαγωγική και Μέθοδοι Πρωτοβάθμιας Εκπαίδευσης»

Τμήμα: «Παιδαγωγική πρωτοβάθμιας εκπαίδευσης»

Δοκιμή

"Μουσική της Αναγέννησης"

Yoshkar-Ola 2010

Η εποχή της Αναγέννησης (Αναγέννηση) είναι η εποχή της ακμής όλων των τύπων τεχνών και της έλξης των μορφών τους στις αρχαίες παραδόσεις και μορφές.

Η Αναγέννηση έχει άνισα ιστορικά και χρονολογικά όρια σε διάφορες χώρες της Ευρώπης. Στην Ιταλία, ξεκινά τον 14ο αιώνα, στην Ολλανδία ξεκινά τον 15ο αιώνα και στη Γαλλία, τη Γερμανία και την Αγγλία, τα σημάδια του εκδηλώνονται πιο ξεκάθαρα τον 16ο αιώνα. Ταυτόχρονα, η ανάπτυξη δεσμών μεταξύ διαφορετικών δημιουργικών σχολών, η ανταλλαγή εμπειριών μεταξύ μουσικών που μετακόμισαν από χώρα σε χώρα, που εργάστηκαν σε διαφορετικά παρεκκλήσια, γίνεται σημείο της εποχής και μας επιτρέπει να μιλάμε για κοινές τάσεις στην ολόκληρη εποχή.

Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Αναγέννησης είναι μια προσωπική αρχή που βασίζεται στην επιστήμη. Η ασυνήθιστα πολύπλοκη δεξιοτεχνία των πολυφωνιστών του 15ου-16ου αιώνα, η δεξιοτεχνική τους τεχνική συνδυάστηκε με τη λαμπερή τέχνη των καθημερινών χορών, την πολυπλοκότητα των κοσμικών ειδών. Ο λυρικοδραματισμός αποκτά ολοένα και μεγαλύτερη έκφραση στα έργα του.

Έτσι, όπως μπορούμε να δούμε, η περίοδος της Αναγέννησης είναι μια δύσκολη περίοδος στην ιστορία της ανάπτυξης της μουσικής τέχνης, επομένως φαίνεται λογικό να την εξετάσουμε λεπτομερέστερα, δίνοντας τη δέουσα προσοχή σε μεμονωμένες προσωπικότητες.

Η μουσική είναι η μόνη γλώσσα του κόσμου, δεν χρειάζεται να μεταφραστεί, η ψυχή μιλάει στην ψυχή σε αυτήν.

Averbakh Berthold.

Η αναγεννησιακή μουσική ή η αναγεννησιακή μουσική αναφέρεται στην περίοδο ανάπτυξης της ευρωπαϊκής μουσικής μεταξύ 1400 και 1600 περίπου. Στην Ιταλία, η αρχή μιας νέας εποχής ήρθε για τη μουσική τέχνη τον 14ο αιώνα. Το ολλανδικό σχολείο διαμορφώθηκε και έφτασε στα πρώτα του ύψη τον 15ο αιώνα, μετά τον οποίο η ανάπτυξή του επεκτάθηκε και η επιρροή με τον ένα ή τον άλλο τρόπο αιχμαλώτισε τους δασκάλους άλλων εθνικών σχολείων. Σημάδια της Αναγέννησης εκδηλώθηκαν ξεκάθαρα στη Γαλλία τον 16ο αιώνα, αν και τα δημιουργικά της επιτεύγματα ήταν μεγάλα και αδιαμφισβήτητα ακόμη και στους προηγούμενους αιώνες.

Μέχρι τον 16ο αιώνα, η άνοδος της τέχνης στη Γερμανία, την Αγγλία και ορισμένες άλλες χώρες που συμπεριλήφθηκαν στην τροχιά της Αναγέννησης. Κι όμως, με την πάροδο του χρόνου, το νέο δημιουργικό κίνημα έγινε καθοριστικό για τη Δυτική Ευρώπη συνολικά και ανταποκρίθηκε με τον δικό του τρόπο στις χώρες της Ανατολικής Ευρώπης.

Η μουσική της Αναγέννησης αποδείχθηκε εντελώς ξένη σε τραχείς και σκληρούς ήχους. Οι νόμοι της αρμονίας αποτελούσαν την κύρια ουσία του.

Η ηγετική θέση ήταν ακόμα κατεχόμενη πνευματική μουσική, που ακούγεται κατά τη λειτουργία της εκκλησίας. Στην Αναγέννηση, διατήρησε τα κύρια θέματα της μεσαιωνικής μουσικής: έπαινο στον Κύριο και τον Δημιουργό του κόσμου, αγιότητα και καθαρότητα του θρησκευτικού συναισθήματος. Ο κύριος στόχος μιας τέτοιας μουσικής, όπως είπε ένας από τους θεωρητικούς της, είναι «να ευχαριστήσει τον Θεό».

Λειτουργίες, μοτέτες, ύμνοι και ψαλμοί αποτέλεσαν τη βάση της μουσικής κουλτούρας.

Λειτουργία - ένα μουσικό κομμάτι που είναι μια συλλογή από μέρη της καθολικής λειτουργίας της λατινικής ιεροτελεστίας, τα κείμενα της οποίας μελοποιούνται για μονοφωνικό ή πολυφωνικό τραγούδι, συνοδευόμενα από μουσικά όργανα ή χωρίς, για μουσική συνοδεία επίσημης λατρείας στο Ρωμαιοκαθολική Εκκλησία και προτεσταντικές εκκλησίες υψηλής κατεύθυνσης, για παράδειγμα, στην Εκκλησία της Σουηδίας.

Μάζες μουσικής αξίας εκτελούνται και εκτός λατρείας σε συναυλίες· επιπλέον, πολλές μάζες των μεταγενέστερων εποχών συντέθηκαν ειδικά είτε για παράσταση σε αίθουσα συναυλιών είτε με αφορμή κάποιου είδους εορτασμό.

Η εκκλησιαστική λειτουργία, που ανάγεται στις παραδοσιακές μελωδίες του Γρηγοριανού άσμα, εξέφρασε με μεγαλύτερη σαφήνεια την ουσία του μουσικού πολιτισμού. Όπως και στον Μεσαίωνα, η μάζα αποτελούνταν από πέντε μέρη, αλλά τώρα έχει γίνει πιο μεγαλειώδης και μεγάλης κλίμακας. Ο κόσμος δεν φαινόταν πλέον τόσο μικρός και παρατηρήσιμος στον άνθρωπο. Η συνηθισμένη ζωή με τις επίγειες χαρές της έχει ήδη πάψει να θεωρείται αμαρτωλή.

Μοτέτ (φρ. μικρός ύμνοςαπό ευφυολόγημα- λέξη) - ένα φωνητικό πολυφωνικό έργο μιας πολυφωνικής αποθήκης, ένα από τα κεντρικά είδη στη μουσική του Δυτικοευρωπαϊκού Μεσαίωνα και της Αναγέννησης.

Το Anthem (αρχαία ελληνικά ὕμνος) είναι ένα επίσημο τραγούδι που υμνεί και δοξάζει κάποιον ή κάτι (αρχικά μια θεότητα).

Ψαλμός (ελλ. ψαλμός «άσμα δοξολογίας»), r.p. ψαλμός, pl. Οι ψαλμοί (ελληνικά ψαλμοί) είναι ύμνοι της Εβραϊκής (Εβραϊκά תהילים‎) και της χριστιανικής θρησκευτικής ποίησης και προσευχής (από την Παλαιά Διαθήκη).

Αποτελούν το Ψαλτήρι, το 19ο βιβλίο της Παλαιάς Διαθήκης. Η πατρότητα των ψαλμών αποδίδεται παραδοσιακά στον βασιλιά Δαβίδ (περίπου 1000 π.Χ.) και σε αρκετούς άλλους συγγραφείς, όπως ο Αβραάμ, ο Μωυσής και άλλες θρυλικές μορφές.

Συνολικά, το Ψαλτήρι περιλαμβάνει 150 ψαλμούς, χωρισμένους σε προσευχές, εγκώμια, τραγούδια και διδασκαλίες.

Οι Ψαλμοί είχαν τεράστια επίδραση στη λαογραφία και ήταν η πηγή πολλών παροιμιών. Στον Ιουδαϊσμό, οι ψαλμοί τραγουδούνταν με τη μορφή ύμνων με συνοδεία. Με κάθε ψαλμό, κατά κανόνα, υποδεικνύονταν η μέθοδος απόδοσης και το «πρότυπο» (στο Γρηγοριανό άσμα που ονομάζεται λέξη επιτονισμός), δηλαδή η αντίστοιχη μελωδία. Το Ψαλτήρι έχει πάρει σημαντική θέση στον Χριστιανισμό. Οι ψαλμοί ψάλλονταν κατά τις θείες ακολουθίες, τις κατ' οίκον προσευχές, πριν από τη μάχη και όταν κινούνταν σε παράταξη. Αρχικά τραγουδήθηκαν από όλη την κοινότητα στην εκκλησία. Οι ψαλμοί ψάλλονταν a cappella, μόνο στο σπίτι επιτρεπόταν η χρήση οργάνων. Το είδος της παράστασης ήταν απαγγελτικό-ψαλμωδικό. Εκτός από ολόκληρους ψαλμούς, χρησιμοποιήθηκαν και μεμονωμένοι, πιο εκφραστικοί στίχοι από αυτούς. Σε αυτή τη βάση, προέκυψαν ανεξάρτητες ψαλμωδίες - αντίφωνο, σταδιακό, μονοπάτι και χαλελούγια.

Σταδιακά, οι κοσμικές τάσεις άρχισαν να διεισδύουν στα έργα των εκκλησιαστικών συνθετών. Τα θέματα των δημοτικών τραγουδιών που δεν έχουν καθόλου θρησκευτικό περιεχόμενο εισάγονται με τόλμη στον πολυφωνικό ιστό των εκκλησιαστικών ύμνων. Τώρα όμως δεν έρχεται σε αντίθεση με το γενικό πνεύμα και τις διαθέσεις της εποχής. Αντίθετα, στη μουσική το θεϊκό και το ανθρώπινο συνδυάζονταν με εκπληκτικό τρόπο.

Η ιερή μουσική έφτασε στο απόγειό της τον 15ο αιώνα. στην Ολλανδία. Εδώ η μουσική τιμούνταν περισσότερο από άλλες μορφές τέχνης. Ολλανδοί και Φλαμανδοί συνθέτες πρωτοστάτησαν στους νέους κανόνες πολύφωνος(πολυφωνική) παράσταση - κλασική " αυστηρό στυλ". Η πιο σημαντική τεχνική σύνθεσης των Ολλανδών δασκάλων ήταν μίμηση- επανάληψη της ίδιας μελωδίας σε διαφορετικές φωνές. Η κύρια φωνή ήταν ο τενόρος, στον οποίο ανατέθηκε η κύρια επαναλαμβανόμενη μελωδία - cantus firmus («αμετάβλητη μελωδία»). Το μπάσο ακουγόταν κάτω από τον τενόρο και το άλτο πάνω. Το υψηλότερο, δηλαδή πανύψηλο πάνω απ' όλα, λεγόταν η φωνή σοπράνο.

Με τη βοήθεια μαθηματικών υπολογισμών, οι Ολλανδοί και Φλαμανδοί συνθέτες κατάφεραν να υπολογίσουν τον τύπο συνδυασμού μουσικών διαστημάτων. Βασικός στόχος της γραφής είναι η δημιουργία μιας αρμονικής, συμμετρικής και μεγαλειώδους, εσωτερικά ολοκληρωμένης ηχητικής κατασκευής. Ένας από τους λαμπρότερους εκπροσώπους αυτής της σχολής, ο Johannes Okeghem (περ. 1425-1497), με βάση μαθηματικούς υπολογισμούς, συνέθεσε ένα μοτέτο για 36 φωνές!

Όλα τα είδη που είναι χαρακτηριστικά της ολλανδικής σχολής αντιπροσωπεύονται στο έργο του Okeghem: mass, motet και chanson. Το πιο σημαντικό είδος για αυτόν είναι το μαζικό, απέδειξε ότι είναι εξαιρετικός πολυφωνιστής. Η μουσική του Okeghem είναι πολύ δυναμική, η μελωδική γραμμή κινείται σε μεγάλο εύρος, έχει μεγάλο πλάτος. Ταυτόχρονα, το Okeghem χαρακτηρίζεται από ομαλό τονισμό, την πιο καθαρή διατονική και αρχαία τροπική σκέψη. Ως εκ τούτου, η μουσική του Okeghem συχνά χαρακτηρίζεται ως «στοχευμένη στο άπειρο», «αιωρούμενη» σε ένα κάπως αποστασιοποιημένο παραστατικό περιβάλλον. Είναι λιγότερο σχετικό με το κείμενο, πλούσιο σε άσματα, αυτοσχεδιαστικό, εκφραστικό.

Πολύ λίγα από τα γραπτά του Okeghem σώζονται:

περίπου 14 μάζες (11 εντελώς):

· Requiem Missa pro Defunctis (το πρώτο πολυφωνικό ρέκβιεμ στην ιστορία της παγκόσμιας μουσικής λογοτεχνίας).

9-13 (σύμφωνα με διάφορες πηγές) μοτέτες:

πάνω από 20 chanson

Υπάρχουν πολλά έργα των οποίων η ιδιοκτησία από τον Okegem αμφισβητείται, ανάμεσά τους το περίφημο μοτέτο «Deo gratias» για 36 φωνές. Ορισμένα ανώνυμα chanson αποδίδονται στο Okegem με βάση την ομοιότητα στο στυλ.

Οι δεκατρείς μάζες του Okeghem σώζονται σε ένα χειρόγραφο του 15ου αιώνα γνωστό ως κώδικας Chigi.

Μεταξύ των μαζών κυριαρχούν οι τετραμερείς μάζες, υπάρχουν δύο πενταμερείς μάζες και μία οκταμερής. Ο Ockeghem χρησιμοποιεί folk ("L'homme armé"), τις δικές του ("Ma maistresse") μελωδίες ή μελωδίες άλλων συγγραφέων (για παράδειγμα, Benchois στο "De plus en plus") ως θέματα των μαζών. Υπάρχουν μάζες χωρίς δανεικά θέματα («Quinti toni», «Sine nomine», «Cujusvis toni»).

Motets και chanson

Τα μοτέτα και τα chanson του Okeghem γειτνιάζουν άμεσα με τις μάζες του και διαφέρουν από αυτές κυρίως στην κλίμακα τους. Ανάμεσα στα μοτέτα υπάρχουν υπέροχα, εορταστικά έργα, καθώς και πιο αυστηρές πνευματικές χορωδιακές συνθέσεις.

Το πιο γνωστό είναι το εορταστικό μοτέτο των ευχαριστιών "Deo gratias", που γράφτηκε για τέσσερις εννιάφωνες συνθέσεις και επομένως θεωρείται 36φωνο. Στην πραγματικότητα, αποτελείται από τέσσερις εννιαμερείς κανόνες (σε τέσσερα διαφορετικά θέματα), οι οποίοι διαδέχονται ο ένας τον άλλο με ελαφρές επικαλύψεις της αρχής του επόμενου στο συμπέρασμα του προηγούμενου. Υπάρχουν 18 φωνές στα overdubs, δεν υπάρχουν πραγματικές 36 φωνές στο μοτέτο.

Όχι λιγότερο ενδιαφέρον παρουσιάζει το έργο του Ολλανδού συνθέτη Orlando Lasso (περ. 1532-1594), ο οποίος δημιούργησε περισσότερα από δύο χιλιάδες έργα λατρευτικής και κοσμικής φύσης.

Ο Λάσο είναι ο πιο παραγωγικός συνθέτης της εποχής του. Λόγω του τεράστιου όγκου της κληρονομιάς, η καλλιτεχνική σημασία των έργων του (πολλά από τα οποία ανατέθηκαν) δεν έχει ακόμη εκτιμηθεί πλήρως.

Εργάστηκε αποκλειστικά σε φωνητικά είδη, συμπεριλαμβανομένων περισσότερων από 60 θεμάτων, ένα ρέκβιεμ, 4 κύκλους παθών (σύμφωνα με όλους τους ευαγγελιστές), αξιωματούχους της Μεγάλης Εβδομάδας (ιδιαίτερα σημαντικές είναι οι χορηγίες της Μεγάλης Πέμπτης, της Μεγάλης Παρασκευής και του Μεγάλου Σαββάτου), περισσότερα από 100 μεγαλεία , ύμνοι, foburdons , περίπου 150 γαλλικά. chanson (το chanson του "Susanne un jour", μια παράφραση της βιβλικής ιστορίας για τη Susanna, ήταν ένα από τα πιο δημοφιλή έργα του 16ου αιώνα), ιταλικά (villanelles, moresques, canzones) και γερμανικά τραγούδια (πάνω από 140 Lieder), περίπου 250 μαδριγάλια.

Το Lasso διακρίνεται από την πιο λεπτομερή ανάπτυξη κειμένων σε διάφορες γλώσσες, τόσο λειτουργικά (συμπεριλαμβανομένων κειμένων της Αγίας Γραφής) όσο και ελεύθερα συνταγμένα. Η σοβαρότητα και το δράμα της ιδέας, οι εκτεταμένοι τόμοι διακρίνουν το έργο «Δάκρυα του Αγίου Πέτρου» (κύκλος 7φωνων πνευματικών μαδριγάλων σε ποιήματα του Luigi Tranzillo, που δημοσιεύθηκε το 1595) και «Penitential Psalms of David» (χειρόγραφο του 1571). σε μορφή folio διακοσμημένη με εικονογραφήσεις του G. Milich, που παρέχουν πολύτιμο εικονογραφικό υλικό για τη ζωή, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής ψυχαγωγίας, της βαυαρικής αυλής).

Ωστόσο, στην κοσμική μουσική, ο Λάσο δεν ήταν ξένος στο χιούμορ. Για παράδειγμα, στο chanson «Το ποτό σε τρία άτομα μοιράζεται σε γιορτές» (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), επαναλαμβάνεται ένα παλιό ανέκδοτο από τη ζωή των Vagantes. Στο διάσημο τραγούδι "Matona mia cara" ένας Γερμανός στρατιώτης τραγουδά μια ερωτική σερενάτα, μπερδεύοντας ιταλικές λέξεις. στον ύμνο «Ut queant laxis» μιμείται το άτυχο solfegging. Μια σειρά από φωτεινά σύντομα έργα του Λάσο είναι γραμμένα σε πολύ επιπόλαιους στίχους, για παράδειγμα, το chanson "Η κυρία κοίταξε με ενδιαφέρον το κάστρο / Η φύση κοίταξε το μαρμάρινο άγαλμα" (En un chasteau ma dame ...), και μερικά Τα τραγούδια (ειδικά τα ήθη) περιέχουν άσεμνο λεξιλόγιο.

κοσμική μουσικήΗ Αναγέννηση αντιπροσωπεύτηκε από διάφορα είδη: μαδριγάλοι, τραγούδια, κανζώνες. Η μουσική, έχοντας πάψει να είναι «υπηρέτης της εκκλησίας», άρχισε τώρα να ακούγεται όχι στα λατινικά, αλλά στη μητρική γλώσσα. Το πιο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής ήταν τα μαδριγάλια (ιταλικά Madrigal - ένα τραγούδι στη μητρική γλώσσα) - πολυφωνικές χορωδιακές συνθέσεις γραμμένες στο κείμενο ενός λυρικού ποιήματος με περιεχόμενο αγάπης. Τις περισσότερες φορές, ποιήματα διάσημων δασκάλων χρησιμοποιήθηκαν για το σκοπό αυτό: Dante, Francesco Petrarch και Torquato Tasso. Τα Madrigals δεν ερμηνεύτηκαν από επαγγελματίες τραγουδιστές, αλλά από ένα ολόκληρο σύνολο ερασιτεχνών, όπου κάθε μέρος οδηγούνταν από έναν τραγουδιστή. Η κύρια διάθεση του μαδριγάλιου είναι η θλίψη, η μελαγχολία και η μελαγχολία, αλλά υπήρχαν και χαρούμενες, ζωηρές συνθέσεις.

Ο σύγχρονος ερευνητής του μουσικού πολιτισμού Δ.Κ. Η Kirnarskaya σημειώνει:

«Το μαδριγκάλι ανέτρεψε ολόκληρο το μουσικό σύστημα της Αναγέννησης: η ομαλή και αρμονική μελωδική πλαστικότητα της μάζας κατέρρευσε… το αμετάβλητο cantus firmus, το θεμέλιο του μουσικού συνόλου, εξαφανίστηκε επίσης… οι συνήθεις μέθοδοι ανάπτυξης «αυστηρής γραφής»… έδωσε τη θέση του σε συναισθηματικές και μελωδικές αντιθέσεις επεισοδίων, καθένα από τα οποία προσπάθησε να αποδώσει όσο το δυνατόν πιο εκφραστικά την ποιητική ιδέα που περιείχε το κείμενο. Το Μαδριγκάλι υπονόμευσε τελικά τις δυνάμεις αποδυνάμωσης του «αυστηρού στυλ».

Όχι λιγότερο δημοφιλές είδος κοσμικής μουσικής ήταν το τραγούδι που συνοδεύτηκε από μουσικά όργανα. Σε αντίθεση με τη μουσική που παιζόταν στην εκκλησία, τα τραγούδια ήταν αρκετά απλά στην εκτέλεση. Το έμμετρο κείμενό τους ήταν ξεκάθαρα χωρισμένο σε 4-6 στίχους. Στα τραγούδια, όπως και στα μαδριγάλια, το κείμενο απέκτησε μεγάλη σημασία. Όταν εκτελούνται, οι ποιητικές γραμμές δεν πρέπει να χάνονται στο πολυφωνικό τραγούδι. Ιδιαίτερα διάσημα ήταν τα τραγούδια του Γάλλου συνθέτη Clement Janequin (περ. 1485-1558). Ο Clement Janequin έγραψε περίπου 250 chanson, κυρίως για 4 φωνές, σε ποιήματα των Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, ανώνυμων ποιητών. Όσον αφορά άλλα 40 chanson, η σύγχρονη επιστήμη αμφισβητεί την πατρότητα του Janequin (η οποία, ωστόσο, δεν μειώνει την ποιότητα αυτής της ίδιας της αμφισβητούμενης μουσικής). Το κύριο χαρακτηριστικό της κοσμικής πολυφωνικής μουσικής του είναι η προγραμματική και εικονογραφική. Μπροστά από το μυαλό του ακροατή βρίσκονται εικόνες της μάχης ("Battle of Marignano", "Battle of Renty", "Battle of Metz"), σκηνές κυνηγιού ("Birdsong", "Nightingale Singing", "Lark"), καθημερινές σκηνές («Γυναικεία κουβέντα»). Η Janequin μεταφέρει παραστατικά την ατμόσφαιρα της καθημερινότητας στο Παρίσι στο chanson "Cries of Paris", όπου ακούγονται οι κραυγές των πλανόδιων πωλητών ("Γάλα!" - "Πίτες!" - "Αγικινές!" - "Ψάρια!" - "Στρίτσες" !" - "Περιστέρια!" - "Παλιά παπούτσια!" - "Κρασί!"). Με όλη την ευρηματικότητα στην υφή και τον ρυθμό, η μουσική του Janequin στον τομέα της αρμονίας και της αντίστιξης παραμένει πολύ παραδοσιακή.

Η Αναγέννηση σηματοδότησε την αρχή δημιουργικότητα επαγγελματία συνθέτη. Ένας εντυπωσιακός εκπρόσωπος αυτής της νέας τάσης είναι αναμφίβολα η Palestrina (1525-1594). Η κληρονομιά του περιλαμβάνει πολλά έργα ιερής και κοσμικής μουσικής: 93 ακολουθίες, 326 ύμνους και μοτέτες. Είναι συγγραφέας δύο τόμων κοσμικών μαδριγάλων στα λόγια του Πετράρχη. Για μεγάλο διάστημα εργάστηκε ως διευθυντής χορωδίας στη Βασιλική του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. Η εκκλησιαστική μουσική που δημιούργησε διακρίνεται για την αγνότητα και την υπεροχή των συναισθημάτων. Η κοσμική μουσική του συνθέτη είναι εμποτισμένη με εξαιρετική πνευματικότητα και αρμονία.

Στο μόρφωμα χρωστάμε την Αναγέννηση ορχηστρική μουσικήως ανεξάρτητη μορφή τέχνης. Αυτή την εποχή εμφανίζεται μια σειρά από ορχηστρικά κομμάτια, παραλλαγές, πρελούδια, φαντασιώσεις, ρόντο, τοκάτα. Μεταξύ των μουσικών οργάνων, το όργανο, το τσέμπαλο, η βιόλα, τα διάφορα είδη αυλών είναι ιδιαίτερα δημοφιλή και στα τέλη του 16ου αι. - βιολί.

Η Αναγέννηση τελειώνει με την εμφάνιση νέων μουσικών ειδών: σόλο τραγούδι, ορατόριο και όπερα. Αν νωρίτερα ο ναός ήταν το κέντρο της μουσικής κουλτούρας, τότε από τότε η μουσική ακούγεται στην όπερα. Και έγινε έτσι.

Στην ιταλική πόλη της Φλωρεντίας στα τέλη του XVI αιώνα. άρχισαν να συγκεντρώνονται ταλαντούχοι ποιητές, ηθοποιοί, επιστήμονες και μουσικοί. Κανείς τους τότε δεν σκέφτηκε κάποια ανακάλυψη. Κι όμως ήταν αυτοί που έμελλε να κάνουν μια πραγματική επανάσταση στη θεατρική και μουσική τέχνη. Συνεχίζοντας τις παραγωγές των έργων αρχαίων Ελλήνων θεατρικών συγγραφέων, άρχισαν να συνθέτουν τη δική τους μουσική, αντίστοιχη, κατά τη γνώμη τους, στη φύση του αρχαίου δράματος.

Μέλη κάμερες(όπως ονομαζόταν αυτή η κοινωνία) προσεκτικά μελετημένη τη μουσική συνοδεία μονολόγων και διαλόγων μυθολογικών χαρακτήρων. Οι ηθοποιοί έπρεπε να ερμηνεύουν προφορικά μέρη διηγηματικός(απαγγελία, τραγούδι τραγούδι). Και παρόλο που η λέξη συνέχισε να παίζει πρωταγωνιστικό ρόλο σε σχέση με τη μουσική, το πρώτο βήμα έγινε προς τη σύγκλιση και την αρμονική τους σύντηξη. Μια τέτοια παράσταση κατέστησε δυνατή τη μεταφορά σε μεγαλύτερο βαθμό του πλούτου του εσωτερικού κόσμου ενός ατόμου, των προσωπικών του εμπειριών και συναισθημάτων. Με βάση τέτοια φωνητικά μέρη προέκυψαν άριες- ολοκληρωμένα επεισόδια σε μια μουσική παράσταση, συμπεριλαμβανομένης μιας όπερας.

Η όπερα κέρδισε γρήγορα την αγάπη και έγινε δημοφιλής όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες.

Κατάλογος χρησιμοποιημένης βιβλιογραφίας

1) Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό Νέου Μουσικού / Σύνθ. V.V. Medushevsky, O.O. Οτσακόφσκαγια. - Μ .: Παιδαγωγική, 1985.

2) Παγκόσμιος καλλιτεχνικός πολιτισμός. Από τις απαρχές έως τον XVII αιώνα: εγχειρίδιο. για 10 κύτταρα. γενική εκπαίδευση ανθρωπιστικά ιδρύματα / Γ.Ι. Ντανίλοβα. - 2η έκδ., στερεότυπο. – M.: Bustard, 2005.

3) Υλικά από το αρχείο της αναγεννησιακής μουσικής: http://manfredina.ru/