Μουσική του Μεσαίωνα. Εισαγωγή Μεσαιωνικός μουσικός

Μεσαιωνικοί μουσικοί. Χειρόγραφο Μουσικής του 13ου αιώνα Περίοδος ανάπτυξης του μουσικού πολιτισμού του Μεσαίωνα, που καλύπτει την περίοδο από τον 5ο έως τον 14ο αιώνα περίπου μ.Χ. ... Wikipedia

Περιλαμβάνει μια ποικιλία ζωντανών και ιστορικών ειδών λαϊκής, λαϊκής, ποπ και κλασικής μουσικής. Η ινδική κλασική μουσική, που εκπροσωπείται από τις παραδόσεις Karnataka και Hindustani, πηγαίνει πίσω στη Sama Veda και περιγράφεται ως περίπλοκη και ποικίλη ... Wikipedia

Μια ομάδα μουσικών στη γαλλική μουσική της Μονμάρτρης είναι μία από τις πιο ενδιαφέρουσες και επιδραστικές ευρωπαϊκές μουσικές κουλτούρες, η οποία αντλεί τις ρίζες της από τη ... Wikipedia

Περιεχόμενα 1 Λαϊκή μουσική 2 Κλασική μουσική, όπερα και μπαλέτο 3 Δημοφιλής μουσική ... Wikipedia

Αυτό το άρθρο αφορά το μουσικό στυλ. Σχετικά με την ομάδα φιλοσοφικών απόψεων, δείτε το άρθρο New Age Δείτε επίσης την κατηγορία: New Age Music New Age (νέα εποχή) Κατεύθυνση: Ηλεκτρονική μουσική Προέλευση: τζαζ, εθνότητα, μινιμαλισμός, κλασική μουσική, συγκεκριμένη μουσική ... Wikipedia

Η Μουσική I (από την ελληνική μουσική, κυριολεκτικά η τέχνη των μούσων) είναι μια μορφή τέχνης που αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα και επηρεάζει ένα άτομο μέσα από ουσιαστικές και ειδικά οργανωμένες ακολουθίες ήχου, που αποτελούνται κυρίως από τόνους ... ... Μεγάλη σοβιετική εγκυκλοπαίδεια

- (ελληνικό moysikn, από μούσα μούσα) ένα είδος τέχνης που αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα και επηρεάζει ένα άτομο μέσα από ουσιαστικές και ειδικά οργανωμένες ακολουθίες ήχου πίστας και χρόνου, που αποτελούνται κυρίως από τόνους ... Μουσική εγκυκλοπαίδεια

Μια σειρά άρθρων για τους Κροάτες ... Wikipedia

Η βελγική μουσική αντλεί τις ρίζες της από τις μουσικές παραδόσεις των Φλαμανδών που κατοικούσαν στο βόρειο τμήμα της χώρας και τις παραδόσεις των Βαλλωνών που ζούσαν στο νότο και επηρεάστηκαν από τις γαλλικές παραδόσεις. Ο σχηματισμός της βελγικής μουσικής πραγματοποιήθηκε σε περίπλοκη ιστορική ... ... Wikipedia

Βιβλία

• Εικονογραφημένη ιστορία της τέχνης. Αρχιτεκτονική, γλυπτική, ζωγραφική, μουσική, V. Lubke. Έκδοση δια βίου. Αγία Πετρούπολη, 1884. Εκδόθηκε από τον A.S.Suvorin. Έκδοση με 134 φιγούρες. Κάλυμμα ιδιοκτήτη με δερμάτινη ράχη και γωνίες. Επίδεσμος σπονδυλικής στήλης. Η συντήρηση είναι καλή ....
• Εικονογραφημένη ιστορία της τέχνης. Αρχιτεκτονική, γλυπτική, ζωγραφική, μουσική (για σχολεία, αυτο-μελέτη και ενημέρωση), Λούμπε. Ισόβια έκδοση. Αγία Πετρούπολη, 1884. Εκδόθηκε από τον A.S.Suvorin. Βιβλίο με 134 σχέδια. Τυπογραφικό εξώφυλλο. Η συντήρηση είναι καλή. Μικρά δάκρυα στο εξώφυλλο. Πλούσια εικονογραφημένο ...

Η μουσική τέχνη του Μεσαίωνα αναπτύσσεται για πάνω από 1000 χρόνια. Αυτό είναι ένα τεταμένο και αντιφατικό στάδιο στην εξέλιξη της μουσικής σκέψης - από τη μονωδία (μονοφωνία) στην πιο πολύπλοκη πολυφωνία. Κατά τον Μεσαίωνα, πολλά ευρωπαϊκά μουσικά όργανα βελτιώθηκαν, δημιουργήθηκαν είδη τόσο της εκκλησιαστικής όσο και της κοσμικής μουσικής, δημιουργήθηκαν γνωστά μουσικά σχολεία της Ευρώπης: ολλανδικά, γαλλικά, γερμανικά, ιταλικά, ισπανικά κ.λπ.

Κατά τον Μεσαίωνα, υπήρχαν δύο κύριες κατευθύνσεις στην ανάπτυξη της μουσικής: ιερή μουσική και κοσμική, διασκεδαστική. Ταυτόχρονα, η κοσμική μουσική καταδικάστηκε από τη θρησκεία, θεωρήθηκε "διαβολική εμμονή".

Η μουσική ήταν ένα από τα εργαλεία της θρησκείας, ένα «εύχρηστο» εργαλείο που εξυπηρετούσε τους σκοπούς της εκκλησίας, καθώς και μια από τις ακριβείς επιστήμες. Η μουσική παίχτηκε παράλληλα με μαθηματικά, ρητορική, λογική, γεωμετρία, αστρονομία και γραμματική. Η εκκλησία ανέπτυξε σχολές τραγουδιού και σύνθεσης με έμφαση στην αριθμητική μουσική αισθητική (για τους μελετητές εκείνης της εποχής, η μουσική ήταν μια προβολή αριθμού σε ηχητική ύλη). Αυτή ήταν και η επιρροή του ύστερου ελληνισμού, οι ιδέες του Πυθαγόρα και του Πλάτωνα. Με αυτήν την προσέγγιση, η μουσική δεν είχε ανεξάρτητο νόημα, ήταν μια αλληγορία της υψηλότερης, θεϊκής μουσικής.

Έτσι, η μουσική χωρίστηκε σε 3 τύπους:

• Η παγκόσμια μουσική είναι η μουσική των σφαιρών, των πλανητών. Σύμφωνα με τη μουσική-αριθμητική αισθητική του Μεσαίωνα, κάθε πλανήτης του ηλιακού συστήματος ήταν προικισμένος με τον δικό του ήχο, τόνο και η κίνηση των πλανητών δημιούργησε ουράνια μουσική. Εκτός από τους πλανήτες, οι εποχές ήταν επίσης προικισμένες με τον δικό τους τόνο.
• Ανθρώπινη μουσική - κάθε όργανο, μέρος του σώματος, ανθρώπινη ψυχή ήταν προικισμένο με τον δικό του ήχο, ο οποίος σχημάτισε μια αρμονική συμφωνία.
• Η ενόργανη μουσική είναι η τέχνη του να παίζεις όργανα, η μουσική για ψυχαγωγία, ο χαμηλότερος τύπος ιεραρχίας.

Η ιερή μουσική ήταν φωνητική, χορωδιακή και η κοσμική μουσική ενόργανη-φωνητική. Η ενόργανη μουσική θεωρούνταν ελαφριά, επιπόλαιη και οι θεωρητικοί της μουσικής εκείνης της εποχής δεν την έπαιρναν στα σοβαρά. Αν και το σκάφος minstrel απαιτούσε μεγάλες ικανότητες ερμηνείας από τους μουσικούς.

Η περίοδος μετάβασης από τον Μεσαίωνα στη σύγχρονη εποχή στην Ευρώπη, η οποία διήρκεσε σχεδόν δυόμισι αιώνες. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, πραγματοποιήθηκαν σημαντικές αλλαγές σε πολλούς τομείς της ζωής. Η επιστήμη και η τέχνη άνθισαν. Η περίοδος της Αναγέννησης χωρίζεται σε πολλές συνιστώσες και φάσεις ανάπτυξης. Συνδέεται επίσης με διάφορες δεισιδαιμονίες, τόσο βαθιά ριζωμένες που ακόμη και σήμερα χρειάζεται πολλή προσπάθεια για να τις διαψεύσει.

• Η πρώτη και, πιθανότατα, η κύρια αυταπάτη είναι να εξετάσουμε (όπως πολλοί ιδεολόγοι της Αναγέννησης) την Αναβίωση ακριβώς την αναβίωση, την ανάσταση του πολιτισμού και του πολιτισμού, που ήρθε μετά από μια μακρά περίοδο βάρβαρου «Μεσαίωνα», μια σκοτεινή εποχή, περίοδος ρήξης στην ανάπτυξη του πολιτισμού. Αυτή η προκατάληψη βασίζεται στην πλήρη άγνοια του Μεσαίωνα και στη στενή σχέση μεταξύ αυτού και της Αναγέννησης. ως παράδειγμα, θα αρκεί να αναφέρω δύο εντελώς διαφορετικούς τομείς - την ποίηση και την οικονομική ζωή. Ο Δάντης έζησε τον 13ο αιώνα, δηλ. στην κορύφωση του Μεσαίωνα, Πετράρχος - στο XIV. Όσον αφορά την οικονομική ζωή, η πραγματική της αναγέννηση πέφτει επίσης τον 13ο αιώνα, μια εποχή ταχείας ανάπτυξης του εμπορίου και των τραπεζών. Λένε ότι χρωστάμε στην Αναγέννηση την ανακάλυψη των αρχαίων συγγραφέων, αλλά αυτό είναι και δεισιδαιμονία. Είναι γνωστό ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ανακαλύφθηκαν μόνο δύο αρχαία ελληνικά χειρόγραφα, τα υπόλοιπα ήταν ήδη στη Δύση (κυρίως στη Γαλλία), επειδή η Δυτική Ευρώπη γνώρισε μια επιστροφή στην αρχαιότητα που σχετίζεται με το ενδιαφέρον για τον άνθρωπο και τη φύση τον 12ο και τον 13ο αιώνα Το
• Η δεύτερη δεισιδαιμονία συνδέεται με τη μίξη δύο συστατικών της Αναγέννησης, αντίθετα μεταξύ τους, δηλαδή του λεγόμενου ανθρωπισμού και της νέας φυσικής επιστήμης. Ο ανθρωπισμός είναι εχθρικός απέναντι σε κάθε λογική, σε οποιονδήποτε λόγο, σε κάθε φυσική επιστήμη, την οποία θεωρεί «μηχανική» εργασία ανάξια για ένα καλλιεργημένο άτομο που καλείται να είναι συγγραφέας, ρήτορας, πολιτικός. Η φιγούρα του αναγεννησιακού ανθρώπου, που συνδυάζει ταυτόχρονα τον Έρασμα του Ρότερνταμ και τον Γαλιλαίο, είναι μυθική και η πίστη σε μια ενιαία εικόνα του κόσμου που είναι εγγενής στην Αναγέννηση δεν είναι τίποτα περισσότερο από δεισιδαιμονία.
• Η τρίτη προκατάληψη είναι να υμνήσουμε τη φιλοσοφία της Αναγέννησης ως «μεγάλη» σε σύγκριση με τον σχολαστικισμό που προηγήθηκε.

Στην πραγματικότητα, με εξαίρεση τον Νικόλαο του Κουζάνσκι (μακριά από το πνεύμα της Αναγέννησης) και τον Γαλιλαίο (που έζησε στο τέλος της Αναγέννησης), οι φιλόσοφοι της Αναγέννησης, σύμφωνα με τον Κρίστελερ, δεν ήταν ούτε καλοί ούτε κακοί - ήταν καθόλου φιλόσοφοι. Πολλοί από αυτούς ήταν εξαιρετικοί συγγραφείς, επιστήμονες, γνώστες αρχαίων κειμένων, ήταν διάσημοι για το χλευαστικό και αιχμηρό μυαλό τους, τη λογοτεχνική τους ικανότητα. Αλλά δεν είχαν σχεδόν καμία σχέση με τη φιλοσοφία. Έτσι, η αντίθεσή τους στους στοχαστές του Μεσαίωνα είναι καθαρή δεισιδαιμονία.

• • Μια άλλη λανθασμένη αντίληψη είναι να θεωρούμε την Αναγέννηση μια θυελλώδη επανάσταση, μια πλήρη ρήξη με το παρελθόν. Πράγματι, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου πραγματοποιούνται βαθιές αλλαγές, αλλά όλες συνδέονται οργανικά με το παρελθόν και, σε κάθε περίπτωση, η προέλευσή τους μπορεί να βρεθεί στον Μεσαίωνα. Αυτές οι αλλαγές είναι τόσο βαθιά ριζωμένες στο παρελθόν, ώστε ένας από τους μεγαλύτερους ειδικούς της Αναγέννησης, ο Huizinga, είχε κάθε λόγο να αποκαλέσει αυτήν την εποχή «την πτώση του Μεσαίωνα».

Τέλος, μια δεισιδαιμονία είναι η άποψη ότι οι άνθρωποι που ζούσαν στην Αναγέννηση, τουλάχιστον οι περισσότεροι, είναι Προτεστάντες, μονιστές, άθεοι ή ορθολογιστές στο πνεύμα. Στην πραγματικότητα, η συντριπτική πλειοψηφία των διάσημων εκπροσώπων της Αναγέννησης, και στον τομέα της φιλοσοφίας, σχεδόν όλοι, από τον Λεονάρντο και τον Φιτσίνο μέχρι τον Γαλιλαίο και την Καμπανέλλα, ήταν Καθολικοί, συχνά ένθερμοι υποστηρικτές και υπερασπιστές της Καθολικής πίστης. Έτσι, ο Marsilio Ficino, σε ηλικία 40 ετών, υιοθέτησε τη χριστιανική πίστη και δημιούργησε μια καθολική απολογία για τη Νέα Εποχή.

Ο μουσικός θεωρητικός του Μεσαίωνα Guido Aretinsky (τέλη του 10ου αιώνα) ορίζει τη μουσική ως εξής:

«Η μουσική είναι η κίνηση των φωνητικών ήχων».

Σε αυτόν τον ορισμό, ο θεωρητικός της μεσαιωνικής μουσικής εξέφρασε τη στάση απέναντι στη μουσική ολόκληρης της ευρωπαϊκής μουσικής κουλτούρας εκείνης της εποχής.

Μουσικά είδη εκκλησιαστικής και κοσμικής μουσικής.

Η πηγή της ιερής μουσικής του Μεσαίωνα ήταν το μοναστηριακό περιβάλλον. Οι ψαλμωδίες μαθαίνονταν από το αυτί στα σχολεία τραγουδιού και διαδίδονταν στο περιβάλλον της εκκλησίας. Λόγω της εμφάνισης μιας μεγάλης ποικιλίας ψαλμών, η Καθολική Εκκλησία αποφάσισε να αγιοποιήσει και να ρυθμίσει ψαλμούς που αντικατοπτρίζουν την ενότητα του χριστιανικού δόγματος.

Έτσι, εμφανίστηκε το χορικό, το οποίο έγινε η προσωποποίηση της εκκλησιαστικής μουσικής παράδοσης. Στη βάση του, αναπτύχθηκαν άλλα είδη, που δημιουργήθηκαν ειδικά για συγκεκριμένες γιορτές και θείες υπηρεσίες.

Η ιερή μουσική του Μεσαίωνα αντιπροσωπεύεται από τα ακόλουθα είδη: Chorale, Γρηγοριανό άσμα - θρησκευτικό άσμα ενός μέρους στα Λατινικά, σαφώς ρυθμισμένο, ερμηνευμένο από τη χορωδία, ορισμένα τμήματα - από τον σολίστ

• • • Η Λειτουργία είναι η κύρια θεία λειτουργία της Καθολικής Εκκλησίας, που αποτελείται από 5 σταθερά μέρη (ordinarium) - I. Kyrie eleison (Κύριε, ελέησον), II. Γκλόρια (δόξα), III. Credo (πιστεύω), IV. Sanctus (άγιος), V. Agnus Dei (αρνί του Θεού).
    • Λειτουργία, λειτουργικό δράμα - Πασχαλινή ή Χριστουγεννιάτικη λειτουργία, όπου οι Γρηγοριανές ψαλμωδίες εναλλάσσονταν με απροσδιόριστες μελωδίες του τροπαίου, λειτουργούσαν χορωδίες, τμήματα χαρακτήρων (Μαρία, Ευαγγελιστής) εκτελούνταν από σολίστ, μερικές φορές εμφανίζονταν κάποια εμφάνιση κοστουμιών
    • Το Mystery είναι ένα λειτουργικό δράμα με λεπτομερή σκηνική δράση, κοστούμια
    • Το Rondel (rondo, ru) είναι ένα πολυφωνικό είδος του ώριμου και ύστερου Μεσαίωνα, βασισμένο στη μελωδία του συγγραφέα (σε αντίθεση με την κανονική χορωδία), η οποία εκτελέστηκε με αυτοσχεδιαστικό τρόπο από σολίστ που μπήκαν με τη σειρά τους (πρώιμη μορφή ο κανόνας)
    • Το Proprium είναι ένα μέρος του είδους μαζικής, το οποίο αλλάζει ανάλογα με το ημερολόγιο της εκκλησίας (σε αντίθεση με το αμετάβλητο μέρος της μάζας - το ordinarium)
    • Το Antiphones είναι το αρχαιότερο είδος εκκλησιαστικής χορωδιακής μουσικής, βασισμένο στην εναλλαγή τμημάτων από δύο χορωδιακές ομάδες

Δείγματα εκκλησιαστικής μουσικής:

1) kyrie eleyson chant

2) Sequence victimae Pashali

Η κοσμική μουσική του Μεσαίωνα ήταν κυρίως η μουσική των πλανόδιων μουσικών και διακρινόταν από ελευθερία, εξατομίκευση και συναισθηματικότητα. Επίσης, η κοσμική μουσική ήταν μέρος της αυλής, ιπποτικής κουλτούρας των φεουδαρχών. Δεδομένου ότι ο κώδικας όριζε τους εκλεπτυσμένους τρόπους του ιππότη, τη γενναιοδωρία, τη γενναιοδωρία, τα καθήκοντα να υπηρετούν την όμορφη κυρία, αυτά τα πάρτι δεν θα μπορούσαν παρά να βρουν την αντανάκλασή τους στα τραγούδια των τροβαδούρων και των minnesingers.

Η κοσμική μουσική ερμηνευόταν από μίμους, ζογκλέρ, τροβαδούρους ή θιάσους, μίντσερ (στη Γαλλία), minnesingers, spielmans (στις γερμανικές χώρες), hohlars (στην Ισπανία), buffoons (στη Ρωσία). Αυτοί οι καλλιτέχνες έπρεπε όχι μόνο να μπορούν να τραγουδούν, να παίζουν και να χορεύουν, αλλά και να μπορούν να δείχνουν παραστάσεις τσίρκου, μαγικά κόλπα, θεατρικές σκηνές και έπρεπε να διασκεδάσουν το κοινό με κάθε δυνατό τρόπο με άλλους τρόπους.
Λόγω του γεγονότος ότι η μουσική ήταν μία από τις επιστήμες και διδάσκονταν σε Πανεπιστήμια, οι φεουδάρχες και οι ευγενείς που έλαβαν εκπαίδευση μπορούσαν να εφαρμόσουν τις γνώσεις τους στην τέχνη.
Έτσι, η μουσική αναπτύχθηκε και στο δικαστικό περιβάλλον. Σε αντίθεση με τον χριστιανικό ασκητισμό, η ιπποτική μουσική υμνούσε την αισθησιακή αγάπη και το ιδανικό της Ωραίας Κυρίας. Μεταξύ των ευγενών ως μουσικοί ήταν γνωστοί - Γκιγιόμ - VII, Κόμης του Πουατιέ, Δούκας της Ακουιτανίας, Ζαν Μπριέν - Βασιλιάς της Ιερουσαλήμ, Πιερ Μόκλερ - Δούκας της Βρετάνης, Τιμπό Σαμπάνια - Βασιλιάς της Ναβάρας.

Τα κύρια χαρακτηριστικά και χαρακτηριστικά της κοσμικής μουσικής του Μεσαίωνα:

• • • με βάση τη λαογραφία, που εκτελείται όχι στα λατινικά, αλλά σε διαλέκτους στις μητρικές γλώσσες,
    • η σημειογραφία δεν χρησιμοποιείται μεταξύ των περιπλανώμενων καλλιτεχνών, η μουσική είναι μια προφορική παράδοση (αργότερα, η μουσική γραφή αναπτύχθηκε στο περιβάλλον της αυλής)
    • το κύριο θέμα είναι η εικόνα ενός ατόμου σε όλη τη διαφορετικότητα της επίγειας ζωής του, εξιδανικευμένη αισθησιακή αγάπη
    • μονοφωνία - ως τρόπος έκφρασης των ατομικών συναισθημάτων σε ποιητική και τραγουδική μορφή
    • φωνητική και οργανική απόδοση, ο ρόλος των οργάνων δεν είναι ακόμη πολύ υψηλός, το όργανο ήταν κυρίως εισαγωγές, ενδιάμεσα και κωδικοί
    • η μελωδία ήταν ποικίλη, αλλά ο ρυθμός ταυτόχρονα - αγιοποιημένος - αυτή ήταν η επιρροή της εκκλησιαστικής μουσικής, υπήρχαν μόνο 6 ποικιλίες ρυθμού (ρυθμικοί τρόποι), και καθένα από αυτά είχε ένα αυστηρά μεταφορικό περιεχόμενο

Trouvers, τροβαδούροι και minnesingers που παίζουν αυθεντική ιπποτική μουσική δημιούργησαν τα δικά τους πρωτότυπα είδη:

• • • Τραγούδια "Weaving" και "May"
    • Rondo - μια μορφή που βασίζεται σε επαναλαμβανόμενο ρεφρέν
    • Μπαλάντα - κείμενο -μουσική μορφή τραγουδιού
    • Virele - Παλαιά γαλλική ποιητική μορφή με τρίστιχο (η τρίτη γραμμή συντομεύεται), ίδια ομοιοκαταληξία και χορωδία
    • Ηρωικό έπος ("Song of Roland", "Song of the Nibelungs")
    • Τραγούδια των Σταυροφόρων (Τραγούδια της Παλαιστίνης)
    • Canzona (οι minnesingers το αποκαλούσαν - alba) - αγάπη, λυρικό τραγούδι

Χάρη στην ανάπτυξη του αστικού πολιτισμού στους X - XI αιώνες. η κοσμική τέχνη άρχισε να αναπτύσσεται πιο ενεργά. Οι πλανόδιοι μουσικοί επιλέγουν ολοένα και περισσότερο έναν καθιστικό τρόπο ζωής, που κατοικεί ολόκληρα τετράγωνα της πόλης.

Είναι ενδιαφέρον ότι οι περιπλανώμενοι μουσικοί από τους XII - XIII αιώνες. επιστροφή στα πνευματικά θέματα. Η μετάβαση από τα λατινικά στις τοπικές γλώσσες και η τεράστια δημοτικότητα αυτών των ερμηνευτών τους επέτρεψαν να λάβουν μέρος σε πνευματικές παραστάσεις στους καθεδρικούς ναούς του Στρασβούργου, Ρουέν, Ρέιμς. Cambrai. Με την πάροδο του χρόνου, ορισμένοι πλανόδιοι μουσικοί απέκτησαν το δικαίωμα να οργανώνουν παραστάσεις στα κάστρα των ευγενών και στα δικαστήρια της Γαλλίας, της Αγγλίας, της Σικελίας και άλλων χωρών.

Μέχρι τον 12ο -13ο αιώνα, φυγόδικοι μοναχοί, πλανόδιοι λόγιοι και απόγονοι του κατώτερου κλήρου - οι Βαγάνοι και οι Γκολάρδες - εμφανίστηκαν ανάμεσα στους περιπλανώμενους μουσικούς.

Οι καθιστικοί μουσικοί σχηματίζουν ολόκληρα μουσικά εργαστήρια σε μεσαιωνικές πόλεις - "The Brotherhood of Saint Julien" (Παρίσι, 1321), "The Brotherhood of Saint Nicholas" (Βιέννη, 1288). Οι στόχοι αυτών των ενώσεων ήταν η προστασία των δικαιωμάτων των μουσικών, η διατήρηση και η μετάδοση των επαγγελματικών παραδόσεων.

Στους XIII - XVI αιώνες. δημιουργούνται νέα είδη, τα οποία αναπτύσσονται περαιτέρω ήδη στην εποχή του Ars Nova:

• • • Το Motet (από τα γαλλικά - "λέξη") είναι ένα πολυφωνικό είδος, που διακρίνεται από τη μελωδική ανομοιότητα των φωνών που ακουστούν διαφορετικά κείμενα ταυτόχρονα, μερικές φορές ακόμη και σε διαφορετικές γλώσσες, θα μπορούσαν να έχουν κοσμικό και πνευματικό περιεχόμενο.
    • Madrigal (από τα ιταλικά - "τραγούδι στη μητρική γλώσσα", δηλαδή ιταλικά) - ερωτικά -στιχουργικά, ποιμαντικά τραγούδια,
    • Η Caccia (από τα ιταλικά - "κυνήγι") είναι ένα φωνητικό κομμάτι με θέμα το κυνήγι.

Κοσμική μουσική από τροβαδούρους και επαγγελματίες συνθέτες.

Επιπλέον πληροφορίες:

Στην εποχή των πληροφοριών μας, την εποχή των υψηλών τεχνολογιών, συχνά ξεχνάμε τις διαρκείς πνευματικές αξίες. Μία από αυτές τις αξίες είναι η κλασική μουσική - η πνευματική κληρονομιά των προγόνων μας. Τι είναι η κλασική μουσική, γιατί το χρειάζεται ένας σύγχρονος άνθρωπος; Γιατί πολλοί πιστεύουν ότι αυτό είναι πολύ βαρετό; Ας προσπαθήσουμε να κατανοήσουμε αυτά τα δύσκολα θέματα. Μπορείτε συχνά να ακούσετε τη γνώμη ότι η κλασική μουσική είναι δήθεν αυτή που γράφτηκε πολύ καιρό πριν. Αυτό δεν συμβαίνει, αφού αυτή η έννοια σημαίνει ό, τι καλύτερο έχει δημιουργηθεί στον κόσμο της μουσικής καθ 'όλη τη διάρκεια της ύπαρξης του ανθρώπινου πολιτισμού. Η σονάτα του Μπετόβεν, που δημιουργήθηκε τον 18ο αιώνα, και το ειδύλλιο του Σβιρίντοφ, γραμμένο πριν από 40 χρόνια, είναι όλα κλασικά! Το κυριότερο είναι ότι αυτή η μουσική έχει αντέξει στο χρόνο. Και στις μέρες του Μπετόβεν, και τώρα υπάρχουν έμποροι τέχνης που παράγουν ένα χαμηλής ποιότητας μουσικό προϊόν. Αυτό το προϊόν αλλοιώνεται πολύ γρήγορα και η γνήσια τέχνη γίνεται όλο και πιο όμορφη κάθε μέρα.

Η εμφάνιση των σημειώσεων

Η γραφή, η μεγάλη εφεύρεση της ανθρωπότητας, κατέστησε δυνατή τη συσσώρευση και τη μετάδοση στις επόμενες γενιές σκέψεων, ιδεών και εντυπώσεων. Μια άλλη εφεύρεση, όχι λιγότερο μεγάλη, μουσική σημειογραφία, επέτρεψε τη μετάδοση ήχων και μουσικής στους απογόνους. Πριν από τις νότες, χρησιμοποιήθηκαν ειδικές πινακίδες στην ευρωπαϊκή μουσική - neumes.

Ο εφευρέτης του σύγχρονου συστήματος μουσικής σημειογραφίας είναι ο Βενεδικτίνος μοναχός Guido Aretinsky (Guido d'Arezzo) (990-1050). Το Arezzo είναι μια μικρή πόλη στην Τοσκάνη, όχι μακριά από τη Φλωρεντία. Στο τοπικό μοναστήρι, ο αδελφός Guido δίδαξε χορωδούς πώς να τραγουδούν εκκλησιαστικούς ύμνους. Αυτή η επιχείρηση δεν ήταν εύκολη και μακρά. Όλες οι γνώσεις και οι δεξιότητες μεταδόθηκαν προφορικά σε άμεση επικοινωνία. Οι τραγουδιστές, υπό την καθοδήγηση του δασκάλου και από τη φωνή του, μάθαιναν με συνέπεια κάθε ύμνο και κάθε ψαλμωδία της Καθολικής Λειτουργίας. Επομένως, η πλήρης «πορεία σπουδών» κράτησε περίπου 10 χρόνια.

Ο Guido Aretinsky άρχισε να σημειώνει ήχους με νότες (από τη λατινική λέξη nota - sign). Οι νότες, σκιασμένα τετράγωνα, τοποθετήθηκαν στο πεντάγραμμο, το οποίο αποτελούνταν από τέσσερις παράλληλες γραμμές. Τώρα υπάρχουν πέντε από αυτές τις γραμμές και οι σημειώσεις απεικονίζονται σε κύκλους, αλλά η αρχή που εισήγαγε ο Guido παρέμεινε αμετάβλητη. Οι υψηλότερες σημειώσεις εμφανίζονται σε έναν υψηλότερο χάρακα. Υπάρχουν επτά νότες, σχηματίζουν μια οκτάβα.

Ο Γκουίντο έδωσε ένα όνομα σε κάθε μία από τις επτά νότες της οκτάβας: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Αυτές είναι οι πρώτες συλλαβές του ύμνου του Αγ. Γιάννης. Κάθε γραμμή αυτού του ύμνου τραγουδιέται με έναν τόνο υψηλότερο από τον προηγούμενο.

Οι νότες της επόμενης οκτάβας ονομάζονται ίδιες, αλλά τραγουδιούνται με υψηλότερη ή χαμηλότερη φωνή. Όταν μετακινείστε από τη μια οκτάβα στην άλλη, η συχνότητα του ήχου που υποδεικνύεται από την ίδια νότα αυξάνεται ή μειώνεται στο μισό. Για παράδειγμα, τα μουσικά όργανα είναι συντονισμένα στη νότα Α της πρώτης οκτάβας. Αυτή η σημείωση αντιστοιχεί σε συχνότητα 440 Hz. Η νότα για την επόμενη, δεύτερη, οκτάβα θα αντιστοιχεί σε συχνότητα 880 Hz.

Τα ονόματα όλων των νότες, εκτός από την πρώτη, τελειώνουν σε φωνήεν, είναι βολικό να τραγουδήσουν. Η συλλαβή ut είναι κλειστή και είναι αδύνατο να την τραγουδήσουμε όπως άλλες. Επομένως, το όνομα της πρώτης νότας της οκτάβας, ut, άλλαξε για να γίνει τον δέκατο έκτο αιώνα (πιθανότατα από τη λατινική λέξη Dominus - Lord). Η τελευταία νότα της οκτάβας, si, είναι μια σύσπαση των δύο λέξεων της τελευταίας γραμμής του ύμνου, Sancte Ioannes. Στις αγγλόφωνες χώρες, το όνομα της νότας "si" αντικαταστάθηκε με "ti" για να μην συγχέεται με το γράμμα C, που χρησιμοποιείται επίσης στη μουσική σημειογραφία.

Έχοντας εφεύρει νότες, ο Guido δίδαξε στους τραγουδιστές αυτό το περίεργο αλφάβητο και τους έμαθε επίσης να τραγουδούν από τις νότες. Αυτό δηλαδή που λέγεται σολφέζ στις σύγχρονες μουσικές σχολές. Τώρα ήταν αρκετό να γράψουμε ολόκληρη τη μάζα σε νότες και οι τραγουδιστές μπορούσαν ήδη να τραγουδήσουν οι ίδιοι την απαραίτητη μελωδία. Δεν υπάρχει πλέον ανάγκη να διδάξουμε κάθε τραγούδι προσωπικά. Ο Guido έπρεπε μόνο να ελέγξει τη διαδικασία. Ο χρόνος εκπαίδευσης των τραγουδιστών μειώθηκε κατά πέντε φορές. Αντί για δέκα χρόνια - δύο χρόνια.!

Αναμνηστική πλάκα στο Arezzo στη Via Ricasolli στο σπίτι στο οποίο γεννήθηκε ο Guido. Απεικονίζει τετράγωνες νότες.

Πρέπει να ειπωθεί ότι ο μοναχός Guido του Arezzo δεν ήταν ο πρώτος που ήρθε με την ιδέα να ηχογραφήσει μουσική χρησιμοποιώντας πινακίδες. Πριν από αυτόν, στη Δυτική Ευρώπη, υπήρχε ήδη ένα σύστημα νεύμων (από την ελληνική λέξη "pneumo" - αναπνοή), πινακίδες τοποθετημένες πάνω στο κείμενο των ψαλμών για να δείξουν την άνοδο ή την πτώση του τόνου του τραγουδιού. Στη Ρωσία, για τον ίδιο σκοπό, χρησιμοποίησαν το δικό τους σύστημα "γάντζων" ή "πανό".

Οι τετράγωνες νότες του Guido Aretinsky, τοποθετημένες στις τέσσερις γραμμές του προσωπικού, αποδείχθηκαν το απλούστερο και πιο βολικό σύστημα εγγραφής μουσικής. Χάρη σε αυτήν, η μουσική σημειογραφία έχει εξαπλωθεί σε όλο τον κόσμο. Η μουσική έφυγε από την εκκλησία και πήγε πρώτα στα παλάτια των ηγεμόνων και των ευγενών, και στη συνέχεια στα θέατρα, τις αίθουσες συναυλιών και τις πλατείες της πόλης, έγινε κοινή ιδιοκτησία.

Τι είναι αγανάκτηση.

Τα φρετ είναι ένας από τους κεντρικούς όρους στη θεωρία της μουσικής. Η κατανόηση του τρόπου κατασκευής τους και η επιδέξια χρήση τους ανοίγουν απεριόριστες δυνατότητες για τον μουσικό. Και είναι συχνά αδύνατο να εξηγήσουμε πώς ακριβώς δημιουργείται μια ενδιαφέρουσα μετάβαση σε μια συγκεκριμένη σύνθεση - εάν ένα άτομο δεν καταλαβαίνει τι είναι η αρμονία. Υπάρχει όμως ένα πρόβλημα: οι ίδιοι οι μουσικοί χρησιμοποιούν τον όρο "αρμονία", που συχνά δεν σημαίνει το ίδιο πράγμα. Γιατί αυτό? Και τι είναι, τέλος πάντων; Η σύγχυση προέκυψε από τις πολύ διαφορετικές έννοιες που δόθηκαν σε αυτή τη λέξη σε διαφορετικές εποχές.

Δεν συνειδητοποιούμε πόσο η αντίληψή μας μεγαλώνει και συνδέεται με την κλασική μουσική. (Ενώ η έννοια της "σύγχρονης μουσικής" είναι μια απόκλιση από τις κλασικές αρχές). Η εποχή του κλασικισμού είναι μια μεγάλη ιστορική κατάρρευση στην ανθρώπινη αντίληψη του κόσμου. Μετά τον Μεσαίωνα, οι άνθρωποι ανακάλυψαν και γοητεύτηκαν από την αρχαία τέχνη. Κάθε έργο κλασικισμού βασίζεται σε αυστηρούς κανόνες, αποκαλύπτοντας έτσι την αρμονία και τη συνέπεια του ίδιου του σύμπαντος. Ο κλασικισμός δημιούργησε μια δομική τάξη - μια σαφή ιεραρχία του υψηλότερου και του κατώτερου, του κύριου και του δευτερεύοντος, του κεντρικού και του δευτερεύοντος. Ως εκ τούτου, για παράδειγμα, ξεκινώντας από τα βιεννέζικα κλασικά και ρομαντική μουσική, νομίζουμε στο σύστημα - "μείζων -ελάσσονες". Τι είναι και πώς επηρεάζει την αντίληψή μας;

Οι κύριες και οι δευτερεύουσες είναι τονικές κλίμακες. Ο τόνος είναι ένα συγκεκριμένο σύστημα σχέσεων μεταξύ των τόνων. Τι σημαίνει? Τι είναι ο τόνος; Ας προσπαθήσουμε να το καταλάβουμε. Ας υποθέσουμε ότι έχετε ένα πιάνο μπροστά σας: κοιτάξτε το πληκτρολόγιο: το συνηθισμένο do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 λευκά πλήκτρα και 5 ακόμη μαύρα πλήκτρα μεταξύ τους, συνολικά 12. Η απόσταση μεταξύ του καθενός δύο από αυτά είναι ημιτόνια. Υπάρχει πάντα ένα ημίτονο μεταξύ παρακείμενου μαύρου και λευκού. Μεταξύ παρακείμενων λευκών-ένας τόνος (υπάρχουν εξαιρέσεις mi-fa, και το si-do είναι ημίτονο).

Οποιοδήποτε σύνολο ήχων και ημιτονών είναι μια κλίμακα. Στην εποχή του κλασικισμού, άρχισαν να το χτίζουν με αυστηρή υπαγωγή όλων των τόνων στο τονωτικό - τον κύριο τόνο. Αυτή είναι η κύρια ή δευτερεύουσα κλίμακα. Όλη η τονική μουσική (όλα τα κλασικά) βασίζεται ακριβώς στη σχέση μεταξύ των κύριων και των δευτερευόντων συμφώνων. Με το αυτί, διακρίνουμε διαισθητικά μεταξύ μεγάλων και δευτερευόντων από τον τρόπο που έχουν χρώμα - "χαρούμενοι" ή "λυπημένοι". Μια μεταβλητή λειτουργία είναι όταν ένα κομμάτι περιέχει ταυτόχρονα και κύρια και δευτερεύοντα χαρακτηριστικά. Έχουν όμως μια κοινή αρχή - τονικό.

Ωστόσο, αυτή η αρχή δεν είναι η μόνη δυνατή. Πριν από την εποχή του κλασικισμού, όταν όλα τακτοποιήθηκαν τελικά σε ένα αρμονικό σύστημα τονικότητας, η μουσική σκέψη ήταν διαφορετική. Επτανησιακό, Δωριανό, Φρυγικό, Λυδικό, Μιξολυδικό, Αιολικό, Λοκιανό ... Αυτές είναι οι οκτάβες λειτουργίες των Ελλήνων. Και μετά υπήρχαν οι εκκλησιαστικοί τρόποι της Γρηγοριανής μουσικής. Όλα αυτά είναι modal modes. Συνέθεσαν μουσική στην αρχαιότητα, τον Μεσαίωνα, η ανατολική μουσική παράδοση είναι μοντάλ (ινδική ραγάς ή αραβική μάκαμ, για παράδειγμα). Το modality επικράτησε επίσης στη μουσική της Ευρώπης της Αναγέννησης.

Ποια είναι η βασική διαφορά από την τονική εμφάνιση που έχουμε συνηθίσει; Σε τονικούς τρόπους υπάρχει μια αυστηρή οριοθέτηση των λειτουργιών των κύριων συμφωνιών και συγχορδιών, και στη μοντάλ μουσική είναι πολύ πιο θολές. Για την τροπική κλίμακα, η ίδια η κλίμακα είναι σημαντική στο σύνολό της - και οι έννοιες και τα χρώματα που μπορεί να φέρει στη μουσική. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο μπορούμε εύκολα να διακρίνουμε την ινδική μουσική από τα μεσαιωνικά χορικά στο αυτί - σύμφωνα με ορισμένες συμφωνίες και μουσικές κινήσεις.

Μέχρι τον εικοστό αιώνα, οι συνθέτες φαίνεται να δοκίμασαν κάθε είδους ήχο μέσα στην τονική μουσική. «Βαριέμαι, διάβολε!» Είπαν και σε αναζήτηση νέων χρωμάτων στράφηκαν στις παλιές - τροπικές στροφές και κινήσεις. Έτσι προέκυψε μια νέα μέθοδος. Στη σύγχρονη μουσική εμφανίστηκαν νέοι τρόποι - για παράδειγμα, τα blues. Επιπλέον, προέκυψε ένα ιδιαίτερο είδος - η τζαζ modal. Ο Μάιλς Ντέιβις, για παράδειγμα, χαρακτήρισε τη modal μουσική «απόκλιση από την κανονική κλίμακα των επτά νότες, όπου κάθε νότα φαίνεται να είναι εκτός εστίασης». Και είπε ότι «πηγαίνοντας προς αυτή την κατεύθυνση, πηγαίνετε στο άπειρο». Το συμπέρασμα είναι ότι οι τονικές και οι μέθοδοι δεν αποκλείουν αμοιβαία. Σε ένα κομμάτι, τα σημάδια τους μπορούν να αναμειχθούν. Το modality είναι, άλλωστε, ένα άλλο στρώμα που υπερτίθεται στο "μείζον / δευτερεύον" που έχουμε συνηθίσει. Και η χρήση διαφορετικών τρόπων μετατροπής αλλάζει το χρώμα της μουσικής: για παράδειγμα, οι στροφές φρυγικού φρεζαριού είναι ζοφερές, επειδή η κλίμακα του αποτελείται κυρίως από χαμηλούς βαθμούς. Η γνώση αυτών των ενοχλητικών δυνατοτήτων μπορεί να σας βοηθήσει να αποκτήσετε ενδιαφέροντα ήχο αν γράφετε μουσική.

Χρώμα, διάθεση, χαρακτήρας - αυτά είναι τα σημάδια της αρμονίας που ακούμε, αλλά συχνά δεν το αντιλαμβανόμαστε. Συχνά στα τραγούδια μας ελκύουν οι τροπικές στροφές - επειδή είναι ασυνήθιστες. Η ακρόαση, που έχει αναπτυχθεί για την κλασική μουσική, προκαλεί αυτή την απομάκρυνση από την καθημερινότητα. Όλα αυτά και πολλά άλλα αποκαλύπτονται όταν καταλαβαίνετε τη γλώσσα της μουσικής.

Η μουσική του Μεσαίωνα είναι μια περίοδος ανάπτυξης της μουσικής κουλτούρας, που καλύπτει μια χρονική περίοδο από περίπου τον 5ο έως τον 14ο αιώνα μ.Χ.

Ο Μεσαίωνας είναι μια μεγάλη εποχή στην ανθρώπινη ιστορία, η εποχή της κυριαρχίας του φεουδαρχικού συστήματος.

Περιοδικότητα του πολιτισμού:

Πρώιμος Μεσαίωνας - V - X αιώνες

Matριμος Μεσαίωνας - XI - XIV αιώνες

Το 395, η Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία χωρίστηκε σε δύο μέρη: Δυτική και Ανατολική. Στο δυτικό τμήμα, στα ερείπια της Ρώμης τον 5ο-9ο αιώνα, υπήρχαν βάρβαρα κράτη: Οστρογότθοι, Βησιγότθοι, Φράγκοι κλπ. Τον 9ο αιώνα, ως αποτέλεσμα της κατάρρευσης της αυτοκρατορίας του Καρλομάγνου, σχηματίστηκαν τρία κράτη εδώ: Γαλλία, Γερμανία, Ιταλία. Πρωτεύουσα του ανατολικού τμήματος ήταν η Κωνσταντινούπολη, που ιδρύθηκε από τον αυτοκράτορα Κωνσταντίνο στη θέση της ελληνικής αποικίας του Βυζαντίου - εξ ου και το όνομα του κράτους.

Στο Μεσαίωνα, ένας νέος τύπος μουσικής κουλτούρας αναδύεται στην Ευρώπη - μια φεουδαρχική, που συνδυάζει επαγγελματική τέχνη, ερασιτεχνική μουσική παραγωγή και λαογραφία. Δεδομένου ότι η εκκλησία κυριαρχεί σε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής, η βάση της επαγγελματικής μουσικής τέχνης είναι η δραστηριότητα των μουσικών σε ναούς και μοναστήρια. Η κοσμική επαγγελματική τέχνη αντιπροσωπεύεται αρχικά μόνο από τραγουδιστές που δημιουργούν και ερμηνεύουν επικά παραμύθια στο δικαστήριο, στα σπίτια των ευγενών, μεταξύ πολεμιστών κ.λπ. Με την πάροδο του χρόνου, αναπτύσσονται ερασιτεχνικές και ημιεπαγγελματικές μορφές ιπποτισμού: στη Γαλλία - η τέχνη των τροβαδούρων και των θιάσων (Adam de la Hal, XIII αιώνα), στη Γερμανία - Minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII -XIII αιώνες), καθώς και αστικούς τεχνίτες. Όλα τα είδη των γενών, των ειδών και των μορφών τραγουδιών καλλιεργούνται σε φεουδαρχικά κάστρα και σε πόλεις (έπος, «αυγή», rondo, le, viirele, μπαλάντες, canzones, laudas, κ.λπ.).

Νέα μουσικά όργανα μπαίνουν στην καθημερινή ζωή, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που ήρθαν από την Ανατολή (βιόλα, λαούτο κ.λπ.), εμφανίζονται σύνολα (ασταθείς συνθέσεις). Η λαογραφία ανθεί στο αγροτικό περιβάλλον. Υπάρχουν επίσης «λαϊκοί επαγγελματίες»: παραμυθάδες, περιπλανώμενοι συνθετικοί καλλιτέχνες (ζογκλέρ, μίμοι, τσιγκούνηδες, σπιλμάνες, μπουμπούκια). Η μουσική εκτελεί και πάλι κυρίως εφαρμοσμένες και πνευματικές-πρακτικές λειτουργίες. Η δημιουργικότητα εμφανίζεται σε ενότητα με την απόδοση (συνήθως σε ένα άτομο).

Σταδιακά, έστω και αργά, εμπλουτίζεται το περιεχόμενο της μουσικής, τα είδη της, οι μορφές της, τα μέσα έκφρασης. Στη Δυτική Ευρώπη από τον 6ο έως τον 7ο αιώνα. διαμορφώθηκε ένα αυστηρά ρυθμισμένο σύστημα μονοφωνικής (μονοδικής) εκκλησιαστικής μουσικής βασισμένο σε διατονικούς τρόπους (Γρηγοριανό τραγούδι), συνδυάζοντας απαγγελία (ψαλμωδία) και τραγούδι (ύμνους). Στο τέλος της 1ης και 2ης χιλιετίας, γεννιέται η πολυφωνία. Δημιουργούνται νέα φωνητικά (χορωδιακά) και φωνητικά-όργανα (χορωδία και όργανο) είδη: όργανο, μοτέτ, διεύθυνση, και μετά μάζα. Στη Γαλλία, τον XII αιώνα, δημιουργήθηκε η πρώτη (δημιουργική) σχολή του συνθέτη στον καθεδρικό ναό Notre-Dame (Λεονίν, Περοτίν). Στο γύρισμα της Αναγέννησης (στυλ ars nova στη Γαλλία και την Ιταλία, XIV αιώνας) στην επαγγελματική μουσική, η μονοφωνία αντικαθίσταται από την πολυφωνία, η μουσική αρχίζει σταδιακά να απελευθερώνεται από καθαρά πρακτικές λειτουργίες (εξυπηρέτηση εκκλησιαστικών τελετουργιών), τη σημασία των κοσμικών ειδών, συμπεριλαμβανομένων των τραγουδιών, αυξάνεται σε αυτό (Guillaume de Machaut).

Η υλική βάση του Μεσαίωνα αποτελούνταν από φεουδαρχικές σχέσεις. Ο μεσαιωνικός πολιτισμός διαμορφώνεται στις συνθήκες ενός αγροτικού κτήματος. Στο μέλλον, το αστικό περιβάλλον - διαρρήκτες - γίνεται η κοινωνική βάση του πολιτισμού. Με τον σχηματισμό κρατών, σχηματίζονται τα κύρια κτήματα: ο κλήρος, η αρχοντιά, οι άνθρωποι.

Η τέχνη του Μεσαίωνα συνδέεται στενά με την εκκλησία. Η χριστιανική πίστη είναι η βάση της φιλοσοφίας, της ηθικής, της αισθητικής και ολόκληρης της πνευματικής ζωής αυτής της εποχής. Γεμάτη θρησκευτικούς συμβολισμούς, η τέχνη κατευθύνεται από το γήινο, παροδικό - στο πνευματικό, το αιώνιο.

Μαζί με την επίσημη εκκλησιαστική κουλτούρα (υψηλή), υπήρχε μια κοσμική κουλτούρα (λαϊκή βάση) - λαϊκή (χαμηλότερα κοινωνικά στρώματα) και ιπποτική (αυλή).

Τα κύρια κέντρα επαγγελματικής μουσικής του πρώιμου Μεσαίωνα ήταν οι καθεδρικοί ναοί, τα σχολεία που ψάλλονταν μαζί τους, τα μοναστήρια - τα μόνα κέντρα εκπαίδευσης εκείνης της εποχής. Σπούδασαν ελληνικά και λατινικά, αριθμητική και μουσική.

Η Ρώμη ήταν το κύριο κέντρο της εκκλησιαστικής μουσικής στη Δυτική Ευρώπη κατά τον Μεσαίωνα. Στα τέλη του 6ου - αρχές του 7ου αιώνα. διαμορφώνεται η κύρια ποικιλία της δυτικοευρωπαϊκής εκκλησιαστικής μουσικής - η Γρηγοριανή ψαλμωδία, που πήρε το όνομά της από τον Πάπα Γρηγόριο Α, ο οποίος πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση του εκκλησιαστικού τραγουδιού, συγκεντρώνοντας και παραγγέλνοντας διάφορες εκκλησιαστικές ψαλμωδίες. Το Γρηγοριανό άσμα είναι ένα μονοφωνικό καθολικό άσμα στο οποίο έχουν συγχωνευθεί οι αιώνιες παραδόσεις τραγουδιού διαφόρων λαών της Μέσης Ανατολής και της Ευρώπης (Σύροι, Εβραίοι, Έλληνες, Ρωμαίοι κ.λπ.). Preciselyταν ακριβώς η ομαλή μονοφωνική εξέλιξη μιας μελωδίας που κλήθηκε να προσωποποιήσει μια μόνο θέληση, το επίκεντρο της προσοχής των ενοριτών σύμφωνα με τα δόγματα του καθολικισμού. Ο χαρακτήρας της μουσικής είναι αυστηρός, απρόσωπος. Η χορωδία ερμηνεύτηκε από χορωδία (εξ ου και το όνομα), ορισμένα τμήματα από σολίστ. Η κίνηση προς τα εμπρός με βάση τις διατονικές λειτουργίες επικρατεί. Το Γρηγοριανό τραγούδι επέτρεψε πολλές διαβαθμίσεις, που κυμαίνονταν από μια πολύ αργή χορωδιακή ψαλμωδία έως επετείους (μελισματική ψαλμωδία μιας συλλαβής), που απαιτούσε βιρτουόζικη φωνητική ικανότητα για την απόδοσή τους.

Το Γρηγοριανό άσμα αποξενώνει τον ακροατή από την πραγματικότητα, προκαλεί ταπείνωση, οδηγεί σε περισυλλογή, μυστικιστική απόσπαση. Αυτή η επιρροή διευκολύνεται επίσης από το κείμενο στα λατινικά, το οποίο είναι ακατανόητο για το μεγαλύτερο μέρος των ενοριτών. Ο ρυθμός του τραγουδιού καθορίστηκε από το κείμενο. Είναι ασαφές, αόριστο, λόγω της φύσης των τόνων της διακήρυξης του κειμένου.

Τα διάφορα είδη γρηγοριανών ψαλμών συγκεντρώθηκαν στην κύρια λατρεία της Καθολικής Εκκλησίας, τη Λειτουργία, στην οποία καθιερώθηκαν πέντε σταθερά μέρη:

Kyrie eleison (Κύριε ελέησον)

Γκλόρια (δόξα)

Credo (πιστεύω)

Sanctus (ιερό)

Agnus Dei (Αρνί του Θεού).

Με την πάροδο του χρόνου, στοιχεία της λαϊκής μουσικής αρχίζουν να εισχωρούν στο Γρηγοριανό άσμα μέσω ύμνων, ακολουθιών και τροπών. Εάν τα ψαλμωδία τραγουδούνταν από μια επαγγελματική χορωδία τραγουδιστών και κληρικών, τότε οι ύμνοι αρχικά εκτελούνταν από ενορίτες. Ταν ένθετα στην επίσημη λατρεία (είχαν τα χαρακτηριστικά της λαϊκής μουσικής). Αλλά σύντομα τα μέρη του ύμνου της μάζας άρχισαν να αντικαθιστούν τα ψαλμωδικά, γεγονός που οδήγησε στην εμφάνιση της πολυφωνικής μάζας.

Οι πρώτες ακολουθίες ήταν ένα υπόκείμενο στη μελωδία της επετείου, έτσι ώστε ένας ήχος της μελωδίας να έχει ξεχωριστή συλλαβή. Η αλληλουχία γίνεται ένα διαδεδομένο είδος (τα πιο δημοφιλή είναι τα "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater"). Το "Dies irae" χρησιμοποιήθηκε από τους Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninoff (πολύ συχνά ως σύμβολο του θανάτου).

Τα πρώτα παραδείγματα πολυφωνίας προέρχονται από μοναστήρια - organum (κίνηση σε παράλληλα πέμπτα ή τέταρτα), gimel, foburdon (παράλληλες έκτη χορδές), διεύθυνση. Συνθέτες: Λεονίνη και Περοτίνη (12-13 αιώνες - Καθεδρικός Ναός της Notre Dame).

Οι φορείς της κοσμικής λαϊκής μουσικής τον Μεσαίωνα ήταν οι μίμοι, οι ζογκλέρ, οι τσιγγάνες στη Γαλλία, οι σπίλμαν στις χώρες του γερμανικού πολιτισμού, οι γομφίοι στην Ισπανία, οι βουβοί στη Ρωσία. Αυτοί οι πλανόδιοι καλλιτέχνες ήταν ευέλικτοι δάσκαλοι: συνδύασαν τραγούδι, χορό, παίζοντας διάφορα όργανα με μαγεία, τέχνη τσίρκου και κουκλοθέατρο.

Η άλλη πλευρά του κοσμικού πολιτισμού ήταν ο ιπποτικός (αυλικός) πολιτισμός (η κουλτούρα των κοσμικών φεουδαρχών). Σχεδόν όλοι οι ευγενείς άνθρωποι ήταν ιππότες - από φτωχούς πολεμιστές έως βασιλιάδες. Διαμορφώνεται ένας ειδικός ιπποτικός κώδικας, σύμφωνα με τον οποίο ο ιππότης, μαζί με το θάρρος και τη γενναιότητα, έπρεπε να έχουν εξαιρετικούς τρόπους, να είναι μορφωμένοι, γενναιόδωροι, μεγαλόψυχοι, να υπηρετούν πιστά την Όμορφη Κυρία. Όλες οι πτυχές της ιπποτικής ζωής αντικατοπτρίζονται στη μουσική και ποιητική τέχνη των τροβαδούρων (Προβηγκία - νότια Γαλλία), θίασων (βόρεια Γαλλία), minnesingers (Γερμανία). Η τέχνη των τροβαδούρων συνδέεται κυρίως με στίχους αγάπης. Το πιο δημοφιλές είδος στίχων αγάπης ήταν το canzona (μεταξύ των minnesingers - "Morning Songs" - Albs).

Οι Truvers, αξιοποιώντας εκτενώς την εμπειρία των τροβαδούρων, έχουν δημιουργήσει τα δικά τους πρωτότυπα είδη: «ύφανση τραγουδιών», «Τραγούδια του Μαΐου». Ένας σημαντικός τομέας των μουσικών ειδών των τροβαδούρων, των θιάσων και των minnesingers ήταν τα είδη τραγουδιού και χορού: rondo, μπαλάντα, viirele (μορφές ρεφρέν), καθώς και ηρωικό έπος (γαλλικό έπος "Song of Roland", Γερμανικά - "Song of the Nibelungs "). Τα τραγούδια των Σταυροφόρων ήταν κοινά μεταξύ των minnesingers.

Χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά της τέχνης των τροβαδούρων, των ενοχλητών και των minnesingers:

Η μονοφωνία είναι συνέπεια της άρρηκτης σύνδεσης μεταξύ της μελωδίας και του ποιητικού κειμένου, η οποία απορρέει από την ίδια την ουσία της μουσικής και της ποιητικής τέχνης. Η μονοφωνία αντιστοιχούσε επίσης στη ρύθμιση για μια εξατομικευμένη έκφραση των δικών του εμπειριών, για μια προσωπική εκτίμηση του περιεχομένου μιας έκφρασης (συχνά η έκφραση των προσωπικών εμπειριών πλαισιωνόταν από την περιγραφή εικόνων της φύσης).

Κυρίως φωνητική απόδοση. Ο ρόλος των οργάνων δεν ήταν σημαντικός: περιορίστηκε στην απόδοση εισαγωγών, ενδιάμεσων και μεταπτυχιακών, πλαισιώνοντας τη φωνητική μελωδία.

Είναι ακόμα αδύνατο να μιλήσουμε για την ιπποτική τέχνη ως επαγγελματική, αλλά για πρώτη φορά στις συνθήκες της κοσμικής μουσικής, δημιουργήθηκε μια ισχυρή μουσική και ποιητική τάση με ένα ανεπτυγμένο συγκρότημα εκφραστικών μέσων και μια σχετικά τέλεια μουσική γραφή.

Ένα από τα σημαντικά επιτεύγματα του ώριμου Μεσαίωνα, ξεκινώντας από τους X-XI αιώνες, ήταν η ανάπτυξη πόλεων (κουλτούρα burgher). Τα κύρια χαρακτηριστικά του αστικού πολιτισμού ήταν ο αντιεκκλησιαστικός, ο ελευθεριαστικός προσανατολισμός, η σύνδεση με τη λαογραφία, το γέλιο και ο αποκριάτικος χαρακτήρας του. Το γοτθικό αρχιτεκτονικό στυλ αναπτύσσεται. Διαμορφώνονται νέα πολυφωνικά είδη: από τον 13-14ο έως τον 16ο αιώνα. - μοτέτ (από τα γαλλικά - "λέξη". Για ένα μοτέτ, τυπικά μελωδική ανομοιότητα φωνών που ακουστούν διαφορετικά κείμενα ταυτόχρονα - συχνά ακόμη και σε διαφορετικές γλώσσες), madrigal (από τα ιταλικά - "τραγούδι στη μητρική γλώσσα", δηλαδή ιταλικά. Κείμενα αγάπη -λυρικά, ποιμενικά), κατσχά (από τα ιταλικά - "κυνήγι" - ένα φωνητικό κομμάτι βασισμένο σε κείμενο που απεικονίζει το κυνήγι).

Οι πλανόδιοι λαϊκοί μουσικοί μετακινούνται από έναν νομαδικό τρόπο ζωής σε έναν καθιστικό, γεμίζουν ολόκληρα τετράγωνα της πόλης και σχηματίζουν ένα είδος «εργαστηρίων μουσικών». Ξεκινώντας από τον 12ο αιώνα, οι Vagants και Goliards εντάχθηκαν σε λαϊκούς μουσικούς - αποχαρακτηρίστηκαν άνθρωποι από διαφορετικές τάξεις (μαθητές σχολείου, φυγάδες μοναχοί, περιπλανώμενοι κληρικοί). Σε αντίθεση με τους αναλφάβητους ζογκλέρ - τυπικούς εκπροσώπους της τέχνης της προφορικής παράδοσης - οι αδέσποτοι και οι γκολάροι ήταν εγγράμματοι: γνώριζαν τα λατινικά και τους κανόνες της κλασικής ερμηνείας, συνέθεσαν μουσική - τραγούδια (ο κύκλος των εικόνων σχετίζεται με τη σχολική επιστήμη και μαθητές ζωή) ακόμη και σύνθετες συνθέσεις όπως αγωγοί και μοτέτ ...

Τα πανεπιστήμια έχουν γίνει ένα σημαντικό κέντρο μουσικής κουλτούρας. Η μουσική, ή μάλλον η μουσική ακουστική, μαζί με την αστρονομία, τα μαθηματικά, τη φυσική, μπήκαν στο τετράγωνο, δηλ. ένας κύκλος τεσσάρων κλάδων που μελετήθηκαν στα πανεπιστήμια.

Έτσι, στη μεσαιωνική πόλη υπήρχαν κέντρα μουσικής κουλτούρας διαφορετικής φύσης και κοινωνικού προσανατολισμού: ενώσεις λαϊκών μουσικών, αυλή μουσικής, μουσική μοναστηριών και καθεδρικών ναών, πανεπιστημιακή μουσική πρακτική.

Η μουσική θεωρία του Μεσαίωνα ήταν στενά συνδεδεμένη με τη θεολογία. Στις λίγες μουσικο-θεωρητικές πραγματείες που μας ήρθαν, η μουσική θεωρήθηκε ως «υπηρέτης της εκκλησίας». Ανάμεσα στις εξέχουσες πραγματείες του πρώιμου Μεσαίωνα ξεχωρίζουν 6 βιβλία "On Music" του Αυγουστίνου, 5 βιβλία του Boethius "On the Establishment of Music" και άλλα. Μια μεγάλη θέση σε αυτές τις πραγματείες δόθηκε σε αφηρημένα σχολικά ζητήματα, το δόγμα του ο κοσμικός ρόλος της μουσικής κ.ο.κ.

Το μεσαιωνικό σύστημα fret αναπτύχθηκε από εκπροσώπους της εκκλησιαστικής επαγγελματικής μουσικής τέχνης - ως εκ τούτου, το όνομα "εκκλησιαστικά φρεσκάκια" αποδόθηκε στους μεσαιωνικούς φρεναρίδες. Ως κύριοι τρόποι καθιερώθηκαν το Ιόνιο και το Αιολικό.

Η μουσική θεωρία του Μεσαίωνα έθεσε το δόγμα των εξάχορδων. Σε κάθε φρεσκάδα χρησιμοποιήθηκαν στην πράξη 6 μοίρες (για παράδειγμα: do, re, mi, fa, sol, la). Το Χ αποφεύχθηκε τότε επειδή μαζί με το φα, σχημάτισε ένα διευρυμένο τέταρτο, το οποίο θεωρήθηκε πολύ παραφωνικό και μεταφορικά ονομάστηκε "ο διάβολος στη μουσική".

Η μη έγκυρη εγγραφή χρησιμοποιήθηκε ευρέως. Ο Guido Aretinsky βελτίωσε το σύστημα μουσικής σημειογραφίας. Η ουσία της μεταρρύθμισής του ήταν η εξής: η παρουσία τεσσάρων γραμμών, η τρίτη αναλογία μεταξύ των επιμέρους γραμμών, το βασικό πρόσημο (αρχικά αλφαβητικό) ή ο χρωματισμός των γραμμών. Εισήγαγε επίσης συλλαβικούς χαρακτηρισμούς για τους πρώτους έξι βαθμούς της κλίμακας: ut, re, mi, fa, sol, la.

Εισάγεται η γραπτή σημειογραφία, όπου σε κάθε νότα εκχωρήθηκε ένα συγκεκριμένο ρυθμικό μέτρο (λατινικά mensura - μέτρο, μέτρηση). Το όνομα της διάρκειας: maxim, long, breve κ.λπ.

XIV αιώνας - μια μεταβατική περίοδος μεταξύ του Μεσαίωνα και της Αναγέννησης. Η τέχνη της Γαλλίας και της Ιταλίας του XIV αιώνα ονομάστηκε "Ars nova" (από τα λατινικά - νέα τέχνη) και στην Ιταλία κατείχε όλες τις ιδιότητες της πρώιμης Αναγέννησης. Κύρια χαρακτηριστικά: άρνηση χρήσης αποκλειστικά ειδών εκκλησιαστικής μουσικής και έκκληση σε κοσμικά είδη φωνητικών και οργάνων δωματίου (μπαλάντα, κατσά, μαντριγκάλ), σύγκλιση με την καθημερινή συγγραφή τραγουδιών, χρήση διαφόρων μουσικών οργάνων. Το Ars nova είναι το αντίθετο του λεγόμενου. ars antiqua (λατ. ars antiqua - παλιά τέχνη), που σημαίνει μουσική τέχνη πριν από τις αρχές του XIV αιώνα. Οι μεγαλύτεροι εκπρόσωποι της ars nova ήταν ο Guillaume de Machaut (14ος αιώνας, Γαλλία) και ο Francesco Landino (14ος αιώνας, Ιταλία).

Έτσι, η μουσική κουλτούρα του Μεσαίωνα, παρά τα σχετικά περιορισμένα μέσα, αντιπροσωπεύει ένα υψηλότερο επίπεδο σε σύγκριση με τη μουσική του Αρχαίου Κόσμου και περιέχει τις προϋποθέσεις για μια υπέροχη άνθηση της μουσικής τέχνης στην Αναγέννηση.

μουσική μεσαίωνας γρηγοριανός τροβαδούρος

Μουσική του Μεσαίωνα

Ο μουσικός πολιτισμός του Μεσαίωνα είναι ένα εξαιρετικά ογκώδες και ευέλικτο ιστορικό φαινόμενο, χρονολογικά τοποθετημένο μεταξύ των εποχών της αρχαιότητας και της Αναγέννησης. Είναι δύσκολο να το φανταστούμε ως μια ενιαία περίοδο, αφού σε διαφορετικές χώρες η ανάπτυξη της τέχνης προχώρησε με τους δικούς της ειδικούς τρόπους.

Ένα συγκεκριμένο χαρακτηριστικό του Μεσαίωνα, που άφησε το σημάδι του σε όλους τους τομείς της ανθρώπινης ζωής εκείνη την εποχή, ήταν ο πρωταγωνιστικός ρόλος της εκκλησίας στην πολιτική, την ηθική, την τέχνη κλπ. Η μουσική επίσης δεν ξέφυγε από αυτή τη μοίρα: δεν ήταν ακόμη χωρισμένος από τη θρησκεία και είχε κυρίως πνευματική λειτουργία. Το περιεχόμενό του, η εικόνα, ολόκληρη η αισθητική του ουσία ενσάρκωνε την άρνηση των αξιών της επίγειας ζωής χάριν της ανταμοιβής μετά το θάνατο, το κήρυγμα ασκητισμού, την αποσύνδεση από εξωτερικά οφέλη. Η λαϊκή τέχνη, η οποία συνέχισε να φέρει το αποτύπωμα των ειδωλολατρικών πεποιθήσεων, δέχθηκε συχνά επίθεση από την «επίσημη» τέχνη της Καθολικής Εκκλησίας.

Η πρώτη περίοδος - ο πρώτος Μεσαίωνας - υπολογίζεται συνήθως από την εποχή που ακολούθησε αμέσως μετά την πτώση της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας, δηλαδή από τον VI αιώνα μ.Χ. NS Εκείνη την εποχή, πολλές φυλές και λαοί σε διαφορετικά στάδια ιστορικής ανάπτυξης υπήρχαν και μετανάστευσαν στο έδαφος της Ευρώπης. Ωστόσο, τα σωζόμενα μνημεία της μουσικής τέχνης αυτής της περιόδου είναι μόνο η μουσική της Χριστιανικής Εκκλησίας (κυρίως σε μεταγενέστερη σημειογραφία), κληρονομώντας, αφενός, τον πολιτισμό της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας, αφετέρου, τη μουσική της Ανατολής (Ιουδαία, Συρία, Αρμενία, Αίγυπτος). Υποτίθεται ότι οι παραστατικές παραδόσεις του χριστιανικού τραγουδιού - αντιφώνου (αντιπαράθεση δύο χορωδιακών ομάδων) και ανταπόκρισης (εναλλαγή σόλο τραγουδιού και "απαντήσεις" της χορωδίας) - διαμορφώθηκαν με βάση ανατολίτικα δείγματα.

Μέχρι τον 8ο αιώνα, μια παράδοση λειτουργικού τραγουδιού διαμορφώθηκε σταδιακά στις ευρωπαϊκές χώρες, η βάση της οποίας ήταν το Γρηγοριανό άσμα - μια συλλογή μεμονωμένων χορωδιών που συστηματοποιήθηκε από τον Πάπα Γρηγόριο Α. Εδώ είναι απαραίτητο να σταθούμε λεπτομερέστερα στην προσωπικότητα του ίδιου του Γρηγορίου, ο οποίος, χάρη στη σημασία της φιγούρας του στην ιστορία, απονεμήθηκε τον τίτλο του Μεγάλου.

Γεννήθηκε στη Ρώμη το 540 σε μια οικογένεια ευγενών, χωρίς να αντιμετωπίζει οικονομικές δυσκολίες. Μετά το θάνατο των γονιών του, ο Γρηγόριος έλαβε μια πλούσια κληρονομιά και μπόρεσε να βρει πολλά μοναστήρια στη Σικελία και ένα στη Ρώμη, στο λόφο του Καηλιανού, στο σπίτι των προγόνων του. Το τελευταίο μοναστήρι, το μοναστήρι του Αγίου Αποστόλου Ανδρέα, το επέλεξε ως τόπο διαμονής.

Το 577, ο Γρηγόριος χειροτονήθηκε διάκονος, το 585 εξελέγη ηγούμενος της μονής που ίδρυσε, το 590 εξελέγη με ομόφωνη απόφαση της Ρωμαϊκής Γερουσίας, κληρικών και ανθρώπων στον παπικό θρόνο, τον οποίο κράτησε μέχρι το θάνατό του, που ακολούθησε το 604 ...

Ακόμα και κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Γρηγόριος απολάμβανε μεγάλο σεβασμό στη Δύση και δεν τον ξέχασαν ούτε μετά το θάνατό του. Υπάρχουν πολλές ιστορίες θαυμάτων που έκανε ο ίδιος. Έγινε επίσης διάσημος ως συγγραφέας: οι βιογράφοι τον εξισώνουν από αυτή την άποψη με τους μεγάλους φιλοσόφους και σοφούς. Επιπλέον, ο Γρηγόριος ο Μέγας είναι μία από τις σημαντικότερες προσωπικότητες στην ανάπτυξη της εκκλησιαστικής μουσικής. Του αποδίδεται η επέκταση του συστήματος των τρόπων Amb-Rosian και η δημιουργία μιας ειδικής σχολής τραγουδιού που ονομάζεται cantus gregorianus.

Για πολλά χρόνια ο Γρηγόριος συνέλεγε μελωδίες από διάφορες χριστιανικές εκκλησίες, κάνοντας αργότερα μια συλλογή από αυτές που ονομάζεται "Αντιφωνάριος", η οποία ήταν αλυσοδεμένη στο βωμό της εκκλησίας του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη ως παράδειγμα χριστιανικού τραγουδιού.

Ο Πάπας εισήγαγε το σύστημα οκτάβας για να αντικαταστήσει το ελληνικό σύστημα των τετράχορδων και τα ονόματα των τόνων που ήταν προηγουμένως ελληνικοί ορίστηκαν με τα λατινικά γράμματα Α, Β, Γ, κ.λπ., και ο όγδοος τόνος έλαβε και πάλι το όνομα του πρώτου Το Ολόκληρη η κλίμακα του Γρηγορίου του Μεγάλου αποτελείτο από 14 τόνους: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. Το γράμμα B (b) είχε διπλή έννοια: B στρογγυλό (B rotundum) και B τετράγωνο (B quadratum), δηλαδή B-flat και B-bekar, ανάλογα με την περίπτωση.

Αλλά πίσω στον πάπα Γρηγόριο, ο οποίος, μεταξύ άλλων, έγινε ο ιδρυτής της σχολής τραγουδιού στη Ρώμη, ακολούθησε με ζήλο τη διδασκαλία και μάλιστα δίδαξε τον εαυτό του, τιμωρώντας αυστηρά τους μαθητές για αμέλεια και τεμπελιά.

Πρέπει να σημειωθεί ότι σταδιακά το Γρηγοριανό άσμα, αποτελούμενο από ύμνους δύο τύπων - ψαλμωδίες (μετρημένη απαγγελία του κειμένου των Αγίων Γραφών, κυρίως σε ένα ηχητικό βήμα, στο οποίο μια νότα της μελωδίας πέφτει σε μια συλλαβή του κειμένου) και ιωβηλαίους ύμνους (δωρεάν ψαλμωδίες των συλλαβών της λέξης "Hallelujah"), που έδιωξε το τραγούδι του Ambrosian από την εκκλησία. Διαφέρει από το τελευταίο στο ότι ήταν ομοιόμορφο, ανεξάρτητο από το κείμενο. Αυτό, με τη σειρά του, επέτρεψε τη μελωδία να ρέει φυσικά και ομαλά, και ο μουσικός ρυθμός έγινε πλέον ανεξάρτητος, το οποίο ήταν το πιο σημαντικό γεγονός στην ιστορία της μουσικής.

Ο αντίκτυπος του χορωδιακού τραγουδιού στους ενορίτες ενισχύθηκε από τις ακουστικές δυνατότητες των εκκλησιών, με τους υψηλούς θόλους τους, να αντανακλούν τον ήχο και να δημιουργούν την επίδραση της θεϊκής παρουσίας.

Στους επόμενους αιώνες, με την εξάπλωση της επιρροής της Ρωμαϊκής Εκκλησίας, το Γρηγοριανό άσμα εισήχθη (μερικές φορές με βία εμφυτεύτηκε) στις θείες υπηρεσίες σχεδόν όλων των ευρωπαϊκών χωρών. Ως αποτέλεσμα, μέχρι το τέλος του 11ου αιώνα, ολόκληρη η Καθολική Εκκλησία ενώθηκε με κοινές μορφές λατρείας.

Η μουσική επιστήμη εκείνη την εποχή αναπτύχθηκε σε στενή σχέση με τον μοναστικό πολιτισμό. Τον 8ο - 9ο αιώνα, ένα σύστημα μεσαιωνικών τρόπων εκκλησίας διαμορφώθηκε με βάση το Γρηγοριανό άσμα. Αυτό το σύστημα συνδέεται με μια μονοφωνική μουσική αποθήκη, με μονωδία, και αντιπροσωπεύει οκτώ διατονικές κλίμακες (Δωριανή, Υπόδωρη, Φρυγική, Υποφρυγική, Λυδική, Υπόλυδη, Μικολυδική, Υπομιξολυδική), καθεμιά από τις οποίες έγινε αντιληπτή από μεσαιωνικούς θεωρητικούς και ασκούμενους ως συνδυασμός ορισμένες εκφραστικές δυνατότητες (η πρώτη αρμονία - "επιδέξια", η δεύτερη - "σοβαρή", η τρίτη - "ορμητική" κ.λπ.).

Την ίδια περίοδο, άρχισε να σχηματίζεται σημειογραφία, που αρχικά αντιπροσωπεύεται από τα λεγόμενα nevmas - εικονίδια που δείχνουν σαφώς την κίνηση της μελωδίας πάνω ή κάτω. Σημειώσεις σημείωσης που αναπτύχθηκαν στη συνέχεια από τους νεύρους. Η μεταρρύθμιση της μουσικής σημειογραφίας πραγματοποιήθηκε στο δεύτερο τέταρτο του 11ου αιώνα από τον Ιταλό μουσικό Guido D'Arezzo, ο οποίος γεννήθηκε το 990. Λίγα είναι γνωστά για τα παιδικά του χρόνια. Έχοντας ενηλικιωθεί, ο Guido έγινε μοναχός στο μοναστήρι των Βενεδικτίνων του Πομπόσα κοντά στη Ραβέννα.

Γκουίντο Ντ 'Αρέτσο

Η φύση τον χάρισε απλόχερα με διάφορα ταλέντα, τα οποία του έδωσαν την ευκαιρία στη διδασκαλία να ξεπεράσει εύκολα τους συντρόφους του. Οι τελευταίοι ζήλεψαν την επιτυχία του και πόσο καλά εμφανίστηκε ο Guido ως δάσκαλος τραγουδιού. Όλα αυτά συνεπαγόταν μια έντονα αρνητική, και εν μέρει ακόμη και εχθρική στάση των γύρω του προς τον Guido, και τελικά αναγκάστηκε να μετακομίσει σε άλλο μοναστήρι - στο Arezzo, από το όνομα του οποίου έλαβε το ψευδώνυμό του Aretinsky.

Έτσι, ο Guido ήταν ένας από τους εξαιρετικούς μουσικούς της εποχής του και οι καινοτομίες του στον τομέα της διδασκαλίας του πνευματικού τραγουδιού έδωσαν λαμπρά αποτελέσματα. Επέστησε την προσοχή στη σημειογραφία και εφηύρε ένα σύστημα τεσσάρων γραμμών, στο οποίο προσδιόρισε με ακρίβεια τη θέση των ημιτόνων (τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του ενός ή του άλλου φρενίτιδας, καθώς και η μελωδία που βασίζεται σε αυτό το άγχος, εξαρτώνταν από αυτά, τα οποία έπεσαν μεταξύ των βημάτων των Γρηγοριανών τρόπων).

Προσπαθώντας να καταγράψει τη μελωδία όσο το δυνατόν ακριβέστερα, ο Guido κατέληξε σε διάφορους κανόνες, τους οποίους διαμόρφωσε σε ένα πολύπλοκο και περίπλοκο σύστημα με νέα ονόματα για τόνους: ut, re, mi, fa, sol, la. Παρά τις διάφορες δυσκολίες που προκλήθηκαν από τη χρήση ενός τέτοιου συστήματος, διήρκεσε πολύ καιρό και τα ίχνη του βρίσκονται μεταξύ των θεωρητικών του 18ου αιώνα.

Είναι ενδιαφέρον ότι στην αρχή ο Guido D'Arezzo διώχθηκε για τις καινοτομίες του. Αλλά επειδή το σύστημα ενός ταλαντούχου μουσικού διευκόλυνε σημαντικά την εγγραφή και την ανάγνωση μελωδιών, ο Πάπας τον επέστρεψε με τιμές στο μοναστήρι Pomposa, όπου ο Guido D'Arezzo έζησε μέχρι το θάνατό του, δηλαδή μέχρι το 1050.

Στους XI-XII αιώνες, σημειώθηκε ένα σημείο καμπής στην ανάπτυξη της καλλιτεχνικής κουλτούρας του Μεσαίωνα, λόγω των νέων κοινωνικο-ιστορικών διαδικασιών (η ανάπτυξη των πόλεων, οι Σταυροφορίες, η πρόοδος νέων κοινωνικών στρωμάτων, συμπεριλαμβανομένου του ιπποτισμού, ο σχηματισμός των πρώτων κέντρων της κοσμικής κουλτούρας κ.λπ.). Νέα πολιτιστικά φαινόμενα εξαπλώνονται σε όλη την Ευρώπη. Υπάρχει μια αναδίπλωση και διάδοση του μεσαιωνικού μυθιστορήματος, το γοτθικό στυλ στην αρχιτεκτονική, η ανάπτυξη της πολυφωνικής γραφής στη μουσική, ο σχηματισμός κοσμικών μουσικών και ποιητικών στίχων.

Το κύριο χαρακτηριστικό της ανάπτυξης της μουσικής τέχνης κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ήταν η έγκριση και ανάπτυξη της πολυφωνίας, η οποία βασίστηκε στο Γρηγοριανό άσμα: οι τραγουδιστές πρόσθεσαν μια δεύτερη φωνή στην κύρια μελωδία της εκκλησίας. Στα πρώτα παραδείγματα διμερών, που καταγράφηκαν στα μουσικά δείγματα του 9ου-11ου αιώνα, οι φωνές κινούνται παράλληλα σε έναν ενιαίο ρυθμό (στα διαστήματα ενός τέταρτου, πέμπτου ή οκτάβας). Αργότερα, εμφανίζονται δείγματα μη παράλληλης κίνησης φωνών ("Ο ένας τραγουδιστής οδηγεί την κύρια μελωδία, ο άλλος περιπλανιέται επιδέξια πάνω από άλλους ήχους", γράφει ο θεωρητικός Guido D'Arezzo). Αυτός ο τύπος δύο και πολυφωνίας με το όνομα της προστιθέμενης φωνής ονομάζεται όργανο. Αργότερα, η προστιθέμενη φωνή άρχισε να διακοσμείται με μελισσάκια, άρχισε να κινείται πιο ελεύθερα με ρυθμικό τρόπο.

Η ανάπτυξη νέων μορφών πολυφωνίας ήταν ιδιαίτερα ενεργή στο Παρίσι και τη Λιμόζ στους XII-XIII αιώνες. Αυτή η περίοδος εισήλθε στην ιστορία του μουσικού πολιτισμού ως "εποχή της Notre Dame" (μετά το όνομα του παγκοσμίου φήμης αρχιτεκτονικού μνημείου, όπου δούλευε το παρεκκλήσι της χορωδίας). Μεταξύ των συγγραφέων των οποίων τα ονόματα έχουν διατηρηθεί από την ιστορία είναι ο Λεονίν και ο Περοτίνος, συνθέτες οργάνων και άλλα πολυφωνικά έργα. Ο Λεονίν δημιούργησε το «Μεγάλο Βιβλίο των Οργανών», σχεδιασμένο για τον ετήσιο κύκλο του εκκλησιαστικού τραγουδιού. Το όνομα του Περοτίν συνδέεται με τη μετάβαση σε τρεις και τέσσερις φωνές, εμπλουτίζοντας περαιτέρω τη μελωδική γραφή. Πρέπει να σημειωθεί ότι η σημασία του σχολείου της Notre Dame είναι σημαντική όχι μόνο για τη Γαλλία, αλλά και για όλη την ευρωπαϊκή τέχνη εκείνης της εποχής.

Ο σχηματισμός κοσμικών ειδών κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου προετοιμάστηκε από το έργο των πλανόδιων λαϊκών μουσικών - ζογκλέρ, τσιμπητών και σπιελμάνων. Απορριφθέντες και ακόμη και διωγμένοι από την επίσημη εκκλησία, οι πλανόδιοι μουσικοί ήταν οι πρώτοι φορείς κοσμικών στίχων, καθώς και μια αμιγώς ενόργανη παράδοση (χρησιμοποιούσαν διάφορα πνευστά και τόξα, άρπα κ.λπ.).

Εκείνη την εποχή, οι καλλιτέχνες ήταν ηθοποιοί, ερμηνευτές τσίρκου, τραγουδιστές και οργανοπαίχτες, όλοι ενωμένοι. Ταξίδευαν από πόλη σε πόλη, έπαιζαν σε γιορτές σε γήπεδα, κάστρα, εκθεσιακούς χώρους κ.λπ. Βαγάδες και γκολάρηδες, άτυχοι μαθητές και φυγάδες μοναχοί, εντάχθηκαν επίσης στους ζογκλέρ, τους σπιλεμάνους και τους τσιράδες - άτυχους μαθητές και φυγάδες μοναχούς, χάρη στους οποίους εξαπλώθηκαν το «καλλιτεχνικό» περιβάλλον.γράμματος. Σταδιακά, η εξειδίκευση σκιαγραφήθηκε σε αυτούς τους κύκλους, οι περιπλανώμενοι καλλιτέχνες άρχισαν να δημιουργούν εργαστήρια, να εγκαθίστανται σε πόλεις.

Την ίδια περίοδο, προέκυψε ένα είδος στρώματος "διανοούμενων" - ιπποτισμός, μεταξύ των οποίων (κατά τη διάρκεια περιόδων ανακωχής) φούντωσε επίσης το ενδιαφέρον για την τέχνη. Τον XII αιώνα στην Προβηγκία, γεννήθηκε η τέχνη των τροβαδούρων, η οποία έγινε η βάση ενός ειδικού δημιουργικού κινήματος. Οι τροβαδούροι ως επί το πλείστον προέρχονταν από την υψηλότερη ευγένεια, διέθεταν μουσική παιδεία. Δημιούργησαν μουσικά και ποιητικά έργα σύνθετης μορφής, στα οποία τραγούδησαν γήινες χαρές, τον ηρωισμό των Σταυροφοριών κ.λπ.

Ο τροβαδούρος ήταν κυρίως ποιητής, αλλά η μελωδία δανείστηκε συχνά από αυτόν από την καθημερινή ζωή και αναθεωρήθηκε δημιουργικά. Μερικές φορές οι τροβαδούροι προσέλαβαν μικρούς για τη συνοδεία του τραγουδιού τους, προσέλκυαν ζογκλέρ να ερμηνεύσουν και να συνθέσουν μουσική. Μεταξύ των τροβαδούρων, τα ονόματα των οποίων έφτασαν στο πέπλο των αιώνων, είναι οι Juafre Ruedel, Bernart de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vakeiras και άλλοι.

Η ποίηση των τροβαδούρων είχε άμεσο αντίκτυπο στη διαμόρφωση του έργου των θιάσων, η οποία ήταν πιο δημοκρατική, αφού οι περισσότεροι από τους θιασώτες προέρχονται από τους κατοίκους της πόλης. Ορισμένοι μπελάδες δημιούργησαν έργα κατά παραγγελία. Ο πιο διάσημος από αυτούς ήταν ο Άνταμ ντε λα Χαλ, γέννημα θρέμμα της Αρράς, Γάλλος ποιητής, συνθέτης, θεατρικός συγγραφέας του δεύτερου μισού του 13ου αιώνα.

Η τέχνη των τροβαδούρων και των τροβαδούρων εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη. Υπό την επιρροή του, στη Γερμανία έναν αιώνα αργότερα (XIII αιώνας), αναπτύχθηκαν οι παραδόσεις της σχολής minnesinger, των οποίων οι εκπρόσωποι, χαρισματικοί μουσικοί και συνθέτες, υπηρετούσαν κυρίως στα δικαστήρια.

Ο 14ος αιώνας μπορεί να θεωρηθεί ως ένα είδος μετάβασης στην Αναγέννηση. Αυτή η περίοδος σε σχέση με τη γαλλική μουσική ονομάζεται συνήθως "Ars Nova" ("Νέα Τέχνη") μετά τον τίτλο ενός επιστημονικού έργου που δημιουργήθηκε γύρω στο 1320 από τον Παριζιάνο θεωρητικό και συνθέτη Philippe de Vitry.

Θα πρέπει να σημειωθεί ότι την καθορισμένη στιγμή εμφανίζονται ουσιαστικά νέα στοιχεία στην τέχνη: για παράδειγμα, υπάρχει ένας ισχυρισμός (συμπεριλαμβανομένου του θεωρητικού επιπέδου) των νέων αρχών της ρυθμικής διαίρεσης και των νέων συστημάτων μετάδοσης φωνής (ιδίως, τροποποιήσεις και τονικές βαρύτητες - δηλαδή "Sharp" και "flats"), νέα είδη, που φτάνουν σε ένα νέο επίπεδο επαγγελματικών δεξιοτήτων.

Εκτός από τον Philippe de Vitry, ο οποίος δημιούργησε μοτέτ με βάση τα δικά του κείμενα, ο Guillaume de Machaut, ο οποίος γεννήθηκε στην πόλη Machaut, στην Champagne, γύρω στο 1300, θα πρέπει να συμπεριληφθεί σε έναν από τους μεγαλύτερους μουσικούς του XIV αιώνα, εκτός από τον Philippe de Vitry.

Ο Guillaume de Machaut κάποτε υπηρέτησε στην αυλή του John of Navarre, συζύγου του Philip the Fair, αργότερα έγινε προσωπικός γραμματέας του Βασιλιά Ιωάννη του Λουξεμβούργου της Βοημίας και στο τέλος της ζωής του ήταν στην αυλή του Charles V της Γαλλίας. Οι σύγχρονοι σεβάστηκαν το εξαιρετικό μουσικό του ταλέντο, χάρη στο οποίο δεν ήταν μόνο ένας λαμπρός ερμηνευτής, αλλά και ένας εξαιρετικός συνθέτης, ο οποίος άφησε πίσω του έναν τεράστιο αριθμό έργων: τις μοτέτες, τις μπαλάντες, τα ροντό, τους κανόνες και άλλες μορφές τραγουδιού (τραγούδι και χορός) κατέβηκαν σε εμάς.

Η μουσική του Guillaume de Machaut διακρίνεται από εκλεπτυσμένη εκφραστικότητα, γοητεία και, σύμφωνα με τους ερευνητές, είναι η έκφραση του πνεύματος της εποχής «Ars Nova». Το κύριο πλεονέκτημα του συνθέτη είναι ότι έγραψε την πρώτη μάζα συγγραφέα στην ιστορία με αφορμή την άνοδο στο θρόνο του Καρόλου Ε.