Επιμελητήριο όργανο του δελτίου των πίτες μινιατούρα. Είδος Επιμελητηρίου - Οργάνωση Μουσική στο έργο των συνθετών των κλασικών "

Η ανάπτυξη μεμονωμένων ειδών οργάνωσης μουσικής προχώρησε στη δεκαετία του '20 άνισα. Έτσι, μόνο ένα μόνο έργο παρουσιάστηκε με τη λογοτεχνία συναυλιών. Αλλά μεταξύ αυτών υπάρχουν αριστουργήματα όπως οι συναυλίες πιάνου του Προκοπέφ, που ανήκουν στα μεγαλύτερα επιτεύγματα της ρωσικής μουσικής των 20 και στις αρχές της δεκαετίας του 1930. Ενδιαφέρον για το ενδιαφέρον. Αυτό το είδος εκδηλώθηκε με Prokofiev στα χρόνια ασκήσεων του Ωδείου. Οι δύο πρώτες συναυλίες που γράφτηκαν από τον συνθέτη στα νεαρά χρόνια εξακολουθούν να αιχμαλωτίζονται με ασταθή φρεσκάδα και ανεξάντλητη εφευρετικότητα που είναι εγγενής στη νεολαία. Η τρίτη συναυλία είναι ένα δοκίμιο που χαρακτηρίζεται από την ωριμότητα των δεξιοτήτων, η εμπιστοσύνη της κατοχής εκφραστικών μέσων, η οποία είναι ιδιόμορφη για έναν έμπειρο καλλιτέχνη.
Σύμφωνα με τη μαρτυρία του συγγραφέα, το σχέδιο του "μεγάλου και επιβατικού cop hiert" αναφέρεται στο 1911. Δύο χρόνια αργότερα, το θέμα στη συνέχεια τέθηκε με βάση τις παραλλαγές (το δεύτερο μέρος). Η συναυλία περιελάμβανε επίσης δύο θέματα από ένα ανεκπλήρωτο "λευκό" διατονικό κουαρτέτο. Η αρχή μιας συστηματικής εργασίας στη συναυλία ολοκληρώνεται επίσης μέχρι το 1917 και τελικά ολοκληρώθηκε το 1921. Έτσι, το δοκίμιο που έγινε μια από τις κορυφές του Prokofievsky Η δημιουργικότητα, το μακρύ t εισήχθη από τον συγγραφέα..
Στην τρίτη συναυλία, οι καλύτερες ιδιότητες της μουσικής του Prokofiev συγκεντρώθηκαν. Έχει πολλή δυναμική δυναμική απόρριψη, κινητικότητα Bravura, στο Prokofyevsk, στοχοθετημένα περάσματα. Αλλά η εκκίνηση του Virtuoso, εκφράζεται στη συναυλία σε όλη του τη λαμπρότητα, δεν γίνεται από μόνη της, καταστέλλοντας τα υπόλοιπα. Η συναυλία διακρίνεται από την εσωτερική ουσιαστική, ειδικά σε λυρικά επεισόδια, όπου ο Prokofiev προφέρεται ως ένας ρωσικός καλλιτέχνης. Τέλος, σε αυτό το δοκίμιο, πολλά πηγαίνουν από μια αστεία θεατρική παρουσίαση, ένα εντυπωσιακό ρυθμό της κωμωδίας Dell'Art; Με τους καλυμμένους χαρακτήρες της. Αυτή η γραμμή της δημιουργικότητας Prokofiev, τόσο φωτεινά είπε στην όπερα "αγάπη για τρία πορτοκάλια", αντανακλάται στην τρίτη συναυλία.
Οι κύριες εικόνες της συναυλίας εμφανίζονται ήδη στην αρχή του πρώτου μέρους: η φωτισμένη μελωδία εισόδου με τα προσεκτικά πλαίσια της Μοτοσικλέτας του Κυρίου Κόμματος είναι υπεύθυνη για την Procopiev Careli. Αυτή η αντίθεση οδηγεί για το πρώτο μέρος. Αλλά μέσα στα όριά του, έχουν επιτευχθεί μεγάλη ποικιλία αποχρώσεων. Το πιάνο πιάνο είναι ευθεία επίθετα, αποκτούν χάρη και λεπτή ευκρίνεια. Στο ρεύμα της ψεκασμένης έγχυσης, τα μεμονωμένα επεισόδια κρυσταλλώθηκαν, όπου εμφανίζονται κυρτές μελωδικές εικόνες. Μαζί με το θέμα της εισόδου, ένας πολύ μεγάλος ρόλος παίζεται από ένα θέμα Lyric-Skrozny Side, μια εκφραστική γραμμή μελωδίας του οποίου είναι κορεσμένη απροσδόκητη, μερικές φορές παράξενη κάμψη στο φόντο ενός οξεκού στοιβαγμένου συνοδευτικού συνοδείας.
Ένα από τα μαργαριτάρια της δημιουργικότητας Prokofievsky έχει γίνει το δεύτερο μέρος που γράφτηκε στη μορφή διακύμανσης. Στο θέμα της, είναι σε αντίθετα απομακρυσμένα από το ρωσικό τραγούδι, υπάρχει μια μαλακή καταιγίδα ρωσικών τραγουδιών χορού, ομαλή κίνηση του χορού:

Οι απότομες αντιθέσεις διακρίνονται από το θέμα της παραλλαγής ανάπτυξης. Καφέ και περιφερειακές παραλλαγές όπως ένας ανώμαλος φάρος (fi) εναλλακτικός με απαλή, ονειρική (IV). Μια λεπτή διαφανή παρουσίαση αντικαθίσταται από τη λαμπρή τεχνική Virtuoso, ένα ενεργητικό κίνημα οκτάβου. Παραλλαγές ειδικά επιβεβαιώνουν οπτικά τη σκέψη του Β. Asafyev ότι
"Η υφή της τρίτης συναυλίας στηρίζεται σε ένα διαισθητικό υπόβαθρο του Μήλου - τη βάση της μουσικής δυναμικής" *.
Τα στοιχεία του ρωσικού χορού επικρατούν στον τελικό της συναυλίας, το αρχικό τους θέμα λεξικού, όπου οι ειδικές ρυθμικές μορφές επισυνάπτονται στις ιτονιές των λαϊκών τραγουδιών χορού. Αλλά εδώ, η χαρούμενη υπερβολή του πράσου, στην οποία η αναταραχή αισθάνεται από την εκκεντρική κωμωδία, επεκτείνει ένα ευρύχωρο θέμα του μεσαίου επεισοδίου.
Στην τρίτη συναυλία, ο Prokofiev εμπλουτίστηκε την τεχνική πιάνου, κατανόησε το εργαλείο ικανότητας. Ταυτόχρονα, η ανησυχία βασίζεται σταθερά στην παράδοση της παγκόσμιας λογοτεχνίας πιάνου, συνδυάζοντας τη ρωσική εθνική αρχή με τις ιδιότητες του κλασικού στιλ της Βιέννης. Μαζί με την πρώτη συναυλία του Tchaikovsky, της δεύτερης και της τρίτης συναυλίας του Rakhmaninov, ανήκει στα μεγαλύτερα φαινόμενα αυτού του είδους στο έργο των ρωσικών συνθετών.
Με την αρχή της δεκαετίας του '30, το δοκίμιο των δύο επόμενων συναυλιών πιάνου. Η τέταρτη συναυλία (1931) γράφτηκε κατόπιν αιτήσεως | Πιανίστας Wittgenstein, ο οποίος έχασε το δεξί του χέρι στον πόλεμο. STI-Leiseely Αυτή η συναυλία βρίσκεται κοντά στις συνθέσεις των αρχών της δεκαετίας του 1930, εν μέρει από το μπαλέτο "The Bluddy Son" και η τέταρτη συμφωνία. Τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ συναυλίας πιάνο Prokofiev παρουσιάζονται εδώ σε μια πιο μέτρια κλίμακα λόγω ενός σημαντικού περιορισμού των δυνατοτήτων του καλλιτέχνη Virtuoso. Ο πολυάσχολος δρομέας του περάσματος και εδώ αντικαθίσταται από επεισόδια Carnal-Cross, διείσδυση σελίδων στίχων. Διατίθεται σε μια εκπληκτική απλότητα παρουσίασης, ένα λυρικό θέμα, το οποίο ανοίγει το δεύτερο μέρος της συναυλίας. Ωστόσο, αυτή η συναυλία δεν στερείται κάποιου θραύσματος. Σε σύγκριση με άλλες συναυλίες του Prokofiev λιγότερο από ένα ζεύγος θεματικού υλικού.
Οι βίδες σημαντικές αποδείχθηκαν ότι είναι η πέμπτη - η τελευταία συναυλία πιάνου του Προκοπέ Α. Αυτό το προϊόν θα προτιμούσε να ονομάζεται Συναυλία Suga: Έχει πέντε χαρακτηριστικά μέρη του είδους κορεσμένα με αιχμηρές αντιθέσεις θεματικού υλικού. Ένα μεγάλο μέρος στην πέμπτη συναυλία καταλαμβάνεται από εικόνες διασταυρούμενου χορού, στενή σειρά θραυσμάτων "Romeo n Juliett". Το στοιχείο της χαριτωμένης θανάτωσης μπαλέτου κυριαρχεί στο δεύτερο μέρος της συναυλίας που αντιπροσωπεύει. Η φωτεινή ενσωμάτωση του χιούμορ του Prokofiev.
Σε ένα αναπτυγμένο, γραπτό γραπτό πάρτι πιάνου, η ανεξάντλητη εφευρετικότητα του Prokofiev εκδηλώθηκε πλήρως. Dota για να υπενθυμίσει στο πέρασμα μέσω ολόκληρου του πληκτρολογίου από τον τελικό (Piu ήσυχο 1ο). Όπου το αριστερό χέρι ξεπεράσει το δεξί. "Η συναυλία που δεν ήθελα να κάνω σκληρά και ακόμη και να υποτεθεί να τον καλέσω" μουσική για πιάνο με την ορχήστρα "... αλλά αποδείχθηκε ότι το πράγμα ήταν ακόμα
Συγκρότημα, φαινόμενο, με θανάσιμα με διώχνει σε ορισμένους τομείς αυτής της περιόδου. Ποια είναι η εξήγηση; Έψαχνα για απλότητα, αλλά οι περισσότεροι φοβόταν, ανεξάρτητα από το πώς αυτή η απλότητα δεν θα μετατραπεί σε πλήθη παλιές φόρμουλες, στην "παλιά απλότητα", η οποία δεν είναι απαραίτητη στον νέο συνθέτη. Σε αναζήτηση απλότητας, σίγουρα θα αμφισβητήθηκα για τη "νέα απλότητα" και στη συνέχεια αποδείχθηκε ότι η νέα απλότητα με τις νέες τεχνικές και, το σημαντικότερο, οι νέοι ιτονιές δεν ήταν καθόλου αντιληπτές ως τέτοιοι. " Αυτή η κρίσιμη δήλωση του Prokofiev αποκαλύπτει το επίκεντρο της αναζήτησής του Β Β την αρχή της δεκαετίας του '30, δείχνοντας πόσο δύσκολο ήταν οι τρόποι επίτευξης νέου στυλ ποιότητας.
Εκτός από τις συναυλίες του Prokofiev, οι Σοβιετικοί συνθέτες σε αυτά τα χρόνια δεν δημιουργήθηκαν σε αυτόν τον τομέα σχεδόν οτιδήποτε σημαντικό. Αναφέρετε μόνο μια συναυλία για ένα όργανο με ορχήστρα Α. Gediq.
Τα πιο εντυπωσιακά φαινόμενα στο τμήμα οργάνου δημιουργικότητας ανήκαν επίσης στα γραπτά του Prokofiev. Για πρώτη φορά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, αναφέρεται στο είδος ενός συγκροτήματος οργάνου τμήματος, δεν προσέλκυσε προηγουμένως την προσοχή του.
Overture για τα εβραϊκά θέματα (1919) για κλαρινέτο, βιολιά, βιόλα, τσέλο και πιάνο διαφέρουν την απλότητα του στυλ, τα κλασικά τελειώματα της μορφής. Το 1924 γράφτηκε ένα πενταμελάσιο quintet, το οποίο κατέλαβε το Prokofiev, μαζί με τη δεύτερη συμφωνία και το πέμπτο σονάτα για πιάνο, στο "Chricmatic" από τα γραπτά του. Αυτή η εκτίμηση φαίνεται τώρα υπερβολική. Στο στυλ του Quintet πιο κοντά, ίσως η νεοκλασική γραμμή, αν και χρησιμοποιείται σε αυτό εκείνη τη στιγμή, πολύ ριζοσπαστικά μέσα. Συγκεκριμένα, οι κλασικές τάσεις επηρέασαν το πρώτο κουαρτέτο (1930), γραμμένο για να παραγγείλει μια βιβλιοθήκη συνεδρίου στην Ουάσινγκτον. Το τελικό Andante διατίθεται, στο οποίο, σύμφωνα με τον συνθέτη, το σημαντικότερο υλικό αυτού του Opus συγκεντρώνεται.
Με όλο το ενδιαφέρον των γραπτών που απαριθμούνται, εξακολουθούν να μιλάμε για την ξεχωριστή γραμμή ανάπτυξης του εσωτερικού εξοπλισμού του τμήματος, το είδος του συνόλου στο έργο του Prokofiev δεν είναι δύσκολο νόμιμο. Μια πολύ πιο «βαρύ» θέση κατέλαβε τη μουσική του για πιάνο.
Το 1917 ολοκληρώθηκε ο κύκλος των μιμών, του οποίου το όνομα γεννήθηκε από το ποίημα Balmont:
Σε κάθε μεταφορά βλέπω τους κόσμους.
Πλήρες "πτητικό παιχνίδι, παιχνίδι ουράνιου τόξου.
Είκοσι μινιατούρες που συνιστούν αυτόν τον κύκλο, εξαιρετικά συνοπτική, ένα από αυτά δεν υπερβαίνει τις δύο, ή ακόμα και μία σελίδα του κειμένου της δεξαμενής. Σε σύγκριση με ένα αριθμό πρώιμων καλύμματα πιάνου, αυτά τα έργα είναι πιο γραφικά στην παρουσίαση, στερούνται λαμπερής στολή συναυλίας, διαφέρουν την απλότητα του μοτίβου υφής. Ωστόσο, στη γλώσσα τους, αναπτύσσονται στην πολύπλοκη βάση, εφαρμόζονται τολμηροί πλήρεις σφαγοί συνδυασμοί, ελαφριά πολυτονία και πλήρεις επιδράσεις. Κάθε ένα από τα έργα έχει νέα ατομικότητα: διείσδυση άλλων λυρικών σκίτσων εναλλάσσονται με το αυτοκίνητο, το Schero ή το χορό μινιατούρες. Λακωνικά εγκεφαλικά επεισόδια είτε ρίχνουν φωτεινές εικόνες, μερικές φορές δεν στερούνται ωραία "ζωγραφική".
Ακόμη ευκολότερη από τη γλώσσα των "ιστοριών μιας παλιάς γιαγιάς" (1918), κορεσμένη με μελωδίες της ρωσικής αποθήκης, στενές παραδόσεις της δημιουργικότητας του πιάνου του Borodin. Η νεοκλασική γραμμή αντιπροσωπεύει τέσσερα παιχνίδια. 32 (1918), μεταξύ των οποίων κατανέμει η φωτεινότητα του υλικού και η καθαρά prokofyev "πτυσσόμενη" της μορφής του gavot fis-moll. Από τα αργότερα κομμάτια μπορείτε να σημειώσετε δύο "πράγματα στον εαυτό σας" (1928), καθώς και δύο sonatins ή. 54, γραμμένο το 1932.
Το σημαντικότερο σόλο πιάνο γραπτό πέμπτο σονάτα (1923) ήταν το σημαντικότερο σόλο πιάνο-πέμπτο σονάτα (1923), το κύριο θέμα της αντιπροσωπεύει μία από τις φωτεινές ενσαρκώσεις της "νέας απλότητας", η οποία θα είναι στο μέλλον το κύριο leitmotif του Prokofievsky Δημιουργικότητα:

Καθαρή μεγάλη, απλή νηφάλια, μέτρια παρουσίαση συνδυάζονται με τα χαρακτηριστικά της μοναδικής πρωτοτυπίας. Το δημιουργικό χέρι γράψιμο του συνθέτη είναι σαφώς ορατό σε μια ειδική ομαλότητα της ροής μιας μελωδίας, κορεσμένη με μη-Zerid στροφές, απαλά ανιχνεύει άλματα, καθώς και στις χαρακτηριστικές βάρδιες που εισάγουν τα στάδια της μινάκης του ίδιου ονόματος .
Σε περαιτέρω ανάπτυξη, ακόμη και οι εξελιγμένες τεχνικές τεθούν σε ισχύ. Τα τελικά θέματα ακονίζονται σταδιακά, τα οποία παίζονται με την αρμονική πολυτονική γλώσσα. Η ένταση που επιτεύχθηκε μέχρι το τέλος της ανάπτυξης απορρίπτεται στην επανεκκίνηση, όπου το θέμα αποκτά την αρχική του εμφάνιση.
Το μεσαίο τμήμα των σονάτων συνδυάζει τις ιδιότητες του λυρικού κέντρου και του Scherzo. Στο πλαίσιο των διαστατικών επαναλήψεων των χορδών στην ποσότητα των τριών όγδοων φορές, η μελωδία, οι λεπτές στροφές των οποίων είναι παρόμοιοι με το παιχνίδι της λάμψης ή του Bizarlye του Arabesque. Οι δυναμικοί τελικοί κυριαρχούν στις εικόνες που είναι ιδιόμορφες με τη μουσική που μεταφέρουν κινητήρα του Prokofiev, με μια χαρακτηριστική ένεση για αυτό στη γενική κορύφωση. Μαζί (με το τρίτο μέρος του Sonata, χαρακτηρίζεται ευκολία, με χαρακτήρα που μοιάζει με το τελικό κλασικό στυλ Rondo Vienna.
Στην πέμπτη οχυρά, οι νεοκλασικές τάσεις της μουσικής του Prokofyev εκφράστηκαν σαφώς: η γραφική αποθήκευση της παρουσίασης, η σαφήνεια του μικρού σχεδίου και της υφής, η κομψότητα των διόδων. Με πολλούς τρόπους εμπόδισε το στυλ του διάσημου Sonata "Triad", που δημιουργήθηκε στις αρχές της δεκαετίας του '40.
Η αίθουσα οργάνωσης της δημιουργικότητας των 20 ετών ως σύνολο είναι πολύ ανόμοια και ποικίλα. Cartoon, έτσι ώστε οι κορυφαίες γραμμές να είναι πολύ δύσκολες εδώ.
Στην περιοχή του κουαρτέτου χορδών, η παλαιότερη γενιά των συνθετών προκάλεσε την κλασική παράδοση του συνόλου του ρωσικού θαλάμου. Αυτά είναι δύο κουαρτέτο Glazunov - το έκτο και το έβδομο (1921 και το 1930). Και οι δύο (ειδικά η έβδομη) προσέγγιση του είδους της σουίτα λογισμικού: η μουσική είναι χαρακτηριστική της μεγαλύτερης ειδικής έκφρασης (που ονομάζονται μεμονωμένα μέρη). Θα πρέπει να σημειωθεί ότι η προφανής επιθυμία του συνθέτη να ωθήσει το πλαίσιο του οχήματος του οχήματος του θαλάμου, το κουαρτέτο C.Monphose. Ειδικά ενδεικτικό από την άποψη αυτή, ο τελικός του έβδομου κουαρτέτου είναι "ρωσικές διακοπές".
Το έργο της μεγάλης ωριμότητας είναι η ικανότητα είναι το τρίτο κουαρτέτο της R. Gliera.
Ενα. Ο Aleksandrov, V. Nechaev, V. Shebalin, στα πρώτα του τεταρτημόρια, έδειξε με αξιοπρεπούς εκπροσώπους της Σχολής της Μόσχας, την προκαθορισμένη και ανεπτυγμένη Taneev παράδοση. Το πρώτο κουαρτέτο ενός. Η Αλεξάνδροβα (1921) ήταν η επεξεργασία του έργου που δημιουργήθηκε το 1914. Η ίδια τάση να ενισχυθεί το είδος του θαλάμου, το οποίο σημειώσαμε στα τρίμηνα του Glazunov ήταν αισθητή. Είναι αισθητό όχι μόνο στην κλίμακα του έργου, στον κορεσμό του ήχου, αλλά και αντίθετα από τις συγκριτικές εικόνες, ένα παράδειγμα του οποίου το τρίτο μέρος του Andante Affettuoso μπορεί να χρησιμεύσει ως φωτεινό, το αξιολύπητο πρώτο gg \\ P συγκρίνεται με την τραγική διάδοση της φύσης του δευτερολέπτου, η οποία βρίσκεται στο παρασκήνιο ένα εκφραστικό οκταβικό ρυθμό σχήμα ll<> Οι ελαφριές λυρικές τόνοι επικρατούν στο κουαρτέτο. Το πρώτο θέμα με το "Snow Maiden" Intonation καθορίζει την εμφάνιση ολόκληρης της εργασίας
Το κουαρτέτο V. Nechaeva (Nam), ο οποίος έφερε τον συγγραφέα του V. Nechayev, ο οποίος έφερε φήμη όχι μόνο στην πατρίδα του, αλλά και στο εξωτερικό, μια πλήρως καθορισμένη εθνική γεύση θεματισμού και την υποστήριξη του NL TP.I Dicin της ρωσικής σχολής σε συνδυασμό με την αναζήτηση νέων στη σύνθεση και το δράμα. Το έργο είναι απίθανο και αντιπροσωπεύει ένα είδος "ποίημα Quartet", με φωτεινά αντίθετα θέματα, αναπτυγμένα και μερικές περιπτώσεις πριν από τα μεγέθη ενός ανεξάρτητου τμήματος μέσα σε μια σύνθεση ενός δωματίου.
Το πρώτο κουαρτέτο V. Shebalina - στη συνέχεια ένας μεγάλος πλοίαρχος αυτού του είδους - γράφτηκε το 1923 (όταν ο συγγραφέας ήταν ακόμα φοιτητής του Ωδείου Μόσχας). Το κουαρτέτο προσέλκυσε αμέσως την προσοχή του μουσικού περιβάλλοντος στον νεαρό συνθέτη. Η μουσική του κουαρτέτου αναπνέει με νεανικότητα και ταυτόχρονα χαρακτηρίζεται με επαρκή ωριμότητα και δεξιότητα. Διακρίνει ήδη τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά του στυλ εργαλείων της Schebalina: την τάση προς την πολυφωνία (Fugato και τα αντίστοιχα σύνθετα θέματα του τελικού), στον συνδυασμό των τμημάτων του κύκλου από την επανάληψη του θεματικού υλικού, στη χρήση του φυσικά εδάφη (πλευρικό τμήμα του τελικού).
Το μεμονωμένο χειρόγραφο του συνθέτη είναι αισθητή στο ίδιο το θέμα * Timme - πολύ καθαρό και πλαστικό, αλλά με απροσδόκητες "στροφές", καθιστώντας τη μουσική σκέψη περισσότερο "αλυσίδα" και αξέχαστη τέτοια, για παράδειγμα, το κύριο θέμα του πρώτου μέρους:

Τα τελειώματα της μορφής του κουαρτέτου, η συνοπτικότητα του (στα τρία τμήματα του κουαρτέτου και το τρίτο ενοποιείται τα χαρακτηριστικά του Scherzo και των τελικών) σας επιτρέπουν να εξετάσετε το κουαρτέτο Schebalina με ένα από τα καλύτερα έργα του θαλάμου των 20.
Μία από τις αισθήσεις της μουσικής δωματίου της δεκαετίας του '20 ήταν η Septhet του Λένινγκραντ, Popov (για το φλάουτο, κλαρινέτο, ένας κόλπος, σωλήνες, βιολιά, τσέλο και διπλά μπάσα). Ένα δοκίμιο υπογραμμίζεται πειραματικό, βασισμένο σε σύγκριση των στοιχείων που αντιτίθενται με την παράδοξη. Στα ρωσικά, το θέμα της ιδιότητας του πρώτου μέρους (Moderato Canlabile) αντιτίθεται σε αιχμηρά, κινητικά θέματα του δεύτερου, δραματικού Largo - ένα εποικοδομητικό, σκληρό φινάλε. Το πιο ελκυστικό χαρακτηριστικό αυτού του έργου είναι μια αίσθηση μορφής, κατανοείται ως "διαδικασία μορφής", ως ανάπτυξη της ρυθμικής ενέργειας που είναι εγγενής σε μουσικά θέματα.
Στη μουσική πιάνου των 20, υπάρχουν εξαιρετικά διαφορετικές τάσεις, ακόμη και το αντίθετο, μεταξύ των οποίων δύο είναι οι ισχυρότεροι. Η πρώτη είναι η συνέχιση της γραμμής της δημιουργικότητας του Scriabinsky Piano: συμβατικά το ονομάζετε μια "ρομαντική" τάση. Η δεύτερη τάση είναι σαφώς και τονιστεί ότι ο αντι-γρασιδιστής άρχισε να αισθάνεται αισθητός στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του '20, όταν οι δυτικές καινοτομίες, και, ειδικότερα, τα έργα των συνθέσεων άρχισαν να διεισδύουν στη ζωή συναυλιών της Μόσχας και ιδιαίτερα του Λένινγκραντ, Και, εκείνη την περίοδο, καταδεικνύει από τον ρομαντισμό και τον ιμπρεσιονισμό στη μουσική (γαλλικά "έξι", hindemite κ.λπ.).
Η επίδραση του Sciabin ήταν αρκετά με διαφορετικούς τρόπους στο έργο των σοβιετικών συνθετών. Ήταν πολύ αισθητά που επηρεάστηκε από αυτό στα σάινα πιάνου του Meskovsky, Fainberg, An. Alexandrova, όπως λέει την πιο ερμηνεία του είδους της Soggaga ως πιάνο poke με μια ενιαία εντατική γραμμή ανάπτυξης (πολλοί από τους Sonatas εκείνης της εποχής είναι εφάπαξ), μια χαρακτηριστική υφή, εξελιγμένο και νευρικό ρυθμό, τυπικές "σχισμή " σε αρμονία.
Ο τρίτος και ο τέταρτος σάτανας του Μέτρυκφσκι (τόσο προ-ανήλικος) βασίζονται στην έννοια της τραγωδίας κοντά στην έννοια της έκτης συμφωνίας του. Αυτή η εγγύτητα είναι ιδιαίτερα ξεκάθαρη στην τρίτη σάπα (ένα κομμάτι) - εντυπωσιακή, επίδοξη. Αλλά η ώθηση δεν φθάνει στο στόχο και η συνεχής αύξηση της τάσης δεν λαμβάνει άδεια. Σε αυτό, η διαφορά της από τη Συμφωνία στην οποία, όπως υποδεικνύεται παραπάνω, το φως, οι λυρικές εικόνες είναι πολύ σημαντικές. Λυρική εικόνα τρίτη! Το Sonatas (πλευρά αποστολής) είναι μόνο φευγαλέα φώτιση.
Το τέταρτο σονάτα στην κλίμακα του μνημειακού κύκλου τεσσάρων μερών και το γεωγραφικό πλάτος του κύκλου των εικόνων είναι πραγματικά συμφωνική. Ο σοβιετικός ερευνητής σημείωσε σωστά τον «Βητονοκτοτισμό» του πρώτου μέρους του Sonata, ξεκινώντας σχεδόν από το Beethoven Sonata op. 111. Το δραματικό πρώτο μέρος, αυστηρό και σοβαρό Saraband, ο τύπος Finaly "Perpetuum Mobile" - αυτή είναι η "κλασική" εμφάνιση αυτού του sonata. Όπως συμβαίνει συχνά στα Συμφωνία του Μέτρυκφσκι, ο κύκλος συνδέεται με την επανάληψη μιας από τις κεντρικές εικόνες: ένα πλευρικό τμήμα του πρώτου τμήματος περνάει στον τελικό.
Η επίδραση του Scriabin που εκδηλώνεται αισθητά, ίσως, στην οχυρά του ποντιανού του S. Fainberg. Η πιο περίπλοκη υφή, ο φανταχτερός ρυθμός, μια συχνή αλλαγή του ρυθμού και η φύση του κινήματος - όλα αυτά θα του δώσουν τα έργα πιάνου (συμπεριλαμβανομένου του Sonatam) τα χαρακτηριστικά του αυτοσχεδιασμού, συναρπάζοντας την ερμηνεία του συγγραφέα, αλλά δημιουργώντας τεράστιες δυσκολίες άλλους καλλιτέχνες. Είναι χαρακτηριστικό της δημιουργικότητας του Fainberg των 20s της έκτης Sonata (1923). Ξεκινά το θέμα της επιγραφής - δώδεκα ώρες ρολογιού. Συμβολισμός Αυτό είναι σαφές: Εδώ αντανακλάται το θέμα των παγκόσμιων ιστορικών κατακλυσμών, που ανησυχούν για πολλούς καλλιτέχνες εκείνη την περίοδο. Αλλά ερμηνεύεται αφηρημένα και σε ένα ζοφερό-υποβαθμιστικό σχέδιο. Παρακολουθήστε τη μάχη στην ένωση, επαναστατικές και ανήσυχες εικόνες του Allegro, το τελικό επεισόδιο πένθους - όλα αυτά προκαλούν τις τρομερές τραγικές ενώσεις
Ένας διαφορετικός κύκλος εικόνων υπογραμμίζει τον τέταρτο σόνατα ενός. Alexandrova, στην οποία συγκρίνονται οι δραματικές εικόνες και μερικές φορές και τραγικές, λυρικές και επίσημες. Το έργο είναι εγγενής "ευρεία αναπνοή", ελεύθερη και φωτεινή ανάπτυξη θεμάτων. Το Sonatas Dramaturgia δεν είναι παραδοσιακό: από ένα δραματικό, παθιασμένο πρώτο μέρος, το κύριο θέμα των οποίων μετατρέπεται σε έναν κώδικα σε έναν νικηφόρο ύμνο, μέσω της λυρικής συστροφής του τραγικού τελικού (στο ανήλικο του ίδιου ονόματος, το οποίο αντιπροσωπεύει μάλλον μάλλον σπάνιες περιπτώσεις). Ο τελικός ολοκληρώνεται από το νέο και ακόμη πιο επίσημα το θέμα του ύμνου. Έτσι, και σε αυτό το έργο εγκρίνονται από το χαρακτηριστικό της δημιουργικότητας ενός. Το θέμα της Αλεξάνδρουβα της χαράς της ζωής. Στο Sanate, ακουγόταν φωτεινότερο, θαρραλέο από ό, τι στα "Αλεξανδριανά τραγούδια", χωρίς ένα λαθρεμπόριο ηδονισμό που είναι εγγενής σε αυτά.
Με όλη τη διαφορά μεταξύ των σονάτα του Meskyovsky, του Fainberg και της Αλεξάνδρουβας σε αυτά υπάρχει κάτι που ενέχει και χαρακτηριστικό της ολικής κατεύθυνσης της Σοβιετικής Μουσικής Επιμελητηρίου. Αυτή είναι η κατανόηση του ονόματος του ονόματος Sonata ως μια δραματική μορφή μεγάλης κλίμακας, μια εκφραστική "αυτοσχεδιασμό" μιας μουσικής δήλωσης, που απαιτεί πλήρη συγχώνευση από τον καλλιτέχνη και, όπως ήταν, "αναγνώριση" με τον συντάκτη του η δουλειά. Συνδυάζει την αναρρόφησή τους, αν και εκφράζεται σε μια πολύ υποκειμενική μορφή, αντικατοπτρίζει τον ρυθμό της εποχής "ανήσυχο της αλλαγής". Είναι αυτό (και όχι μόνο ορισμένα χαρακτηριστικά του σχήματος ή της αρμονίας) και οι συγγενείς που θεωρούνται σοχωζ πιάνο με τη δημιουργικότητα του scriabin και ευρύτερη - με όλη την παράδοση των ρομαντικών σονάτα, τα οποία έλαβαν στο έργο του Scriabin τόσο ξεχωριστά φωτεινή εφαρμογή.
Σε μια άλλη και ακόμη και την αντίθετη κατεύθυνση, το έργο των νέων συνθετών, ο οποίος πρώτα έβλεπε τις καινοτομίες της δυτικής μουσικής πιάνου που μας διείσσει.
Στη σοβιετική μουσική "Aitromantic" το σημερινό δεν έδωσε τίποτα καλλιτεχνικά γεμάτο. Εκδηλώθηκε με διαφορετικούς τρόπους. Οι προσπάθειες ορισμένων συνθετών να προβληματιστούν στη μουσική του πιάνου "βιομηχανικές" εικόνες στην πραγματικότητα, συνήθως μειώνονται σε απλή αντοχή στην ηχητική αντοχή ("Rails" V. Φτηνές). Δεν υπήρχαν δημιουργικά αποτελέσματα της θεωρίας της "μουσικής μουσικής" Ν. Roslaselts, το AR που αναζητούσε σκόπιμα νόστιμα, γραφικές υφές και σκληρή συνένωση.
Αυτά τα χαρακτηριστικά βρίσκουμε έναν αριθμό νέων συγγραφέων που έχουν αρχίσει τις δραστηριότητές τους στη δεκαετία του '20 (Α. Mosolov, L. Polovinkin). Εκείνη την περίοδο, η ακραία εκκεντρότητα ήταν χαρακτηριστική των τίτλων των έργων του σε αυτά τα χρόνια. "Ατυχήματα", "Ηλεκτρικά", "Τελευταία Σονάτα".
Μερικές φορές, ωστόσο, κάτω από τα κενά "αστικά" ονόματα, αρκετά αρμονική και ευημερούσα μουσική κρυμμένη. Τέτοιες, για παράδειγμα, το πιάνο παίζει μισή πόλη. 9 ("Elegy", "Electrificis", "Undiscovered"). Η ακατανόητη επικεφαλίδα "Electrificis" αποδίδεται απλά και στο μουσικό I Ilca και αλλά εκτελεί ένα παιχνίδι στο ρυθμό του εστοσένους ή δεξιά.
Κύκλος Shostakovich "Αφόρους" (OP. 13) Αντιπροσωπεύει το πιο καθαρό δείγμα των τάσεων κατά της σχάρας. Δίνοντας τα έργα σας παραδοσιακά για κομμάτια, "Serenada", "Nocturne", "Elegia", "Funerary March", Canon, "Legend", "Lullaby Song"), "The Legend", "Lullaby Song"), ο συνθέτης τα ερμηνεύει σκόπιμα απροσδόκητα, ασυνήθιστα (όπως είναι πολύ δυνατά και όχι λυρικό "nocturne"). Ο Shostakovich ισχύει σε "αφόρους * παράξενες, σπασμένες μελωδικές κινήσεις, σκληρές συγκρούσεις γραμμικά αναπτυσσόμενες ψήφοι. Σε πολλά έργα, ακόμη και η αίσθηση του τόνα εξαφανίζεται, ο συνθέτης του ερμηνεύει τόσο ελεύθερα. Κάθε παιχνίδι είναι ουσιαστικά μια λύση σε οποιαδήποτε επίσημη εργασία / και, ενδιαφέροντος για τον συνθέτη, αλλά, προφανώς και δεν υπολογίζεται για την άμεση αντίληψη του ακροατή.
Το πιο επεξηγηματικό παράδειγμα είναι το Νο. 8 αυτού του κύκλου τριψυτρικής Canon σε ένα πολύπλοκο "κάθετα και οριζόντια κινητό αντίστοιχο με πολύ ασυνήθιστα διαστήματα ψήφων (κάτω Undisima και άνω δευτερόλεπτο). Το πιο δύσκολο έργο προσδιορίστηκε με τη μέθοδο παρουσίασης: η μελωδική γραμμή κάθε φωνής είναι γωνιακή, σχισμένη από παύσεις (χωρίς τις οποίες οι αιχμοί συνδυασμοί ψήφων θα ακούγονται ακόμη πιο άκαμπτα). Συνολικά, το παιχνίδι αντιπροσωπεύει ένα δείγμα αυτού που είναι συνηθισμένο να καλέσει "μουσική για τα μάτια". Και μόνο σε ένα επεισόδιο του κύκλου - "Lullaby" - ο συνθέτης μιλάει απλή και πιο σαφή γλώσσα.
Τα περισσότερα από τα έργα πιάνου των 20 δεν επιβίωσαν στην πρακτική συναυλιών, παρά το γεγονός ότι μερικοί από αυτούς (ο τρίτος και ο τέταρτος σάτανας του Μέσιφφσκι, η τέταρτη Sonata Alexandrov) επανεξετάστηκαν στη συνέχεια από τους συγγραφείς. Η μουσική συνείδηση \u200b\u200bτης μάζας ακροατών παρέμεινε ότι δεν επηρεάζεται από ένα υποκειμενικά ζωγραφισμένο από την τραγωδία του Pathos της "ρομαντικής" κατεύθυνσης, ούτε των ορθολογιστικών δομών της "Αντιοματικής". Ήταν απαραίτητο να βρούμε διαφορετικό τρόπο και άλλα μέσα εκφραστικότητας. Η μεγαλύτερη δυσκολία ήταν το πρόβλημα του θεματισμού, εξίσου δύσκολο και προς τις δύο κατευθύνσεις. Οι "περίπλοκες" η εκφραστικότητα του θεματισμού αντικαθίσταται συχνά από την εκφραστικότητα των aggohics. Στα προαναφερθέντα εποικοδομητικά πειράματα, στον πειρασμό μέχρι τα άκρα στεγνά και το Nexichent.
Τα έργα της δεκαετίας του '20, που δεν σχετίζονται με τα λαϊκά τραγούδια, με είδη οικιακής χρήσης ή με την εφαρμογή τους στην κλασική μουσική ήταν πολύ πιο υπολείμματα. Εννοούμε, για παράδειγμα, τους κύκλους των μινιατούρων πιάνου των "Faddy" της Μέτρυκφσκι "," Κίτρινες σελίδες "," αναμνήσεις ". Ο δεύτερος από αυτούς τους κύκλους ήταν ιδιαίτερα σταθερά καθιερωμένος στην εκτέλεση και την παιδαγωγική πρακτική.
Ο συγγραφέας που ονομάζεται αυτά τα έργα "μη λεπτά μικρά πράγματα" και αυτοί, το αποτέλεσμα, είναι πολύ απλές για την απόδοση και την αντίληψη. Ωστόσο, δεν υπάρχουν απλοϊκές σκέψεις. Στις "κιτρινωμένες σελίδες" βυθίζουμε πολλά θέματα, πολύ παρόμοια με τις εικόνες της συμφωνίας του Meshkovsky 20, αλλά εκφράζονται με αυτή την "αντικειμενικότητα", την οποία ο συνθέτης ήταν τόσο έντονος στο έργο του. Εδώ θα βρούμε και θα χαρακτηριστεί ένα θέμα με το κρέας, η οποία ακούγεται ως επίμονη, απελπισμένη κλήση, παραμένοντας αναπάντητες (αρ. G), και τα θέματα της αποθήκης της απόδοσης (το μέσο τμήμα της VK "1, το κύριο θέμα Ki 2), Και μελωδικά έμφαση δίνουν θέματα κοντά στη λυρική εικόνα και την έκτη συμφωνία (ο κύριος αριθμός 1, το μεσαίο μέρος και τον κωδικό αριθμό 6).
Σε αυτά τα πιάνο παίζει, η διαδοχική σχέση του Μέτρυκφσκι με το έργο των δασκάλων του αισθάνεται σαφώς, ιδίως στο Λυαδόκο. Έτσι, για παράδειγμα, ο επικός χαρακτήρας του έβδομου παιχνιδιού από τις "κιτρινωμένες σελίδες" μοιάζει άμεσα με τη μπαλάντα της Λυάδβα "για το Starin" και το πέμπτο παιχνίδι είναι πολύ κοντά στο "Lullaby" των "οκτώ τραγουδιών για την ορχήστρα" . Αυτό το παιχνίδι μπορεί να χρησιμεύσει ως παράδειγμα μιας πολύ εξατομικευμένης εφαρμογής των αρχών των εθνικών τραγουδιών. Είναι σαφώς απτό με τα λαϊκά νεράιδα, και ταυτόχρονα δεν θα βρούμε ακριβώς τέτοιους τομείς σε κανένα από τα πιθανά σκίτσα. Χαρακτηριστικό των ηχείων Lullabies, όπως ήταν, επεκτείνονται "εξάπλωση", οι οποίες δίνουν τη μελωδία πιο διαφανή και χαρακτηριστικό ήχο εργαλείων.
Είναι σημαντικό να σημειωθεί ότι αυτό το είδος εικόνων δεν είναι μόνο δίπλα στις εικόνες μιας πιο ατομικής φύσης, αλλά και τους επηρεάζουν, λέγοντάς τους την μεγαλύτερη αντικειμενικότητα της έκφρασης.
Η σαφήνεια και η πληρότητα της μορφής, η ανακούφιση και η εκφραστικότητα των Temotes σας επιτρέπουν να αποδίδετε τον κύκλο κρυστάλλων στο καλύτερο πιάνο γράψιμο των 20s.

Το Synthesizer Digital Casio SA-46, παρά το μικρό μέγεθος και μόνο 32 κλειδιά, δεν είναι μόνο ένα παιχνίδι, αλλά ένα πλήρες μουσικό όργανο για αρχάριους. Πρώτον, έχει ένα συμπαγές πολυφωνικό 8 τόνο και τον υπέροχο ήχο και τα 100 ενσωματωμένα timbres και 50 στυλ. Και δεύτερον, το πληκτρολόγιο MINI αυτού του μοντέλου είναι ιδανικό για τα δάκτυλα των παιδιών.

4690 τρίψιμο

Notebook d / Music 16L. Ρυθμός Jazz / A4 (205 * 280 mm), Μονό μπλοκ, μετατόπιση 65 g, Full-Tartv. Εξώφυλλο, χαρτί αντιστάθμισης 120 g. Στερέωση - μακρά πλευρά /

27 τρίψιμο

Το Digital Casio SA-47 Synthesizer, παρά το μικρό μέγεθος και μόνο 32 κλειδιά, δεν είναι μόνο ένα παιχνίδι, αλλά ένα πλήρες μουσικό όργανο για αρχάριους. Πρώτον, έχει ένα συμπαγές πολυφωνικό 8 τόνο και τον υπέροχο ήχο και τα 100 ενσωματωμένα timbres και 50 στυλ. Και δεύτερον, το πληκτρολόγιο MINI αυτού του μοντέλου είναι ιδανικό για τα δάκτυλα των παιδιών.

Ο αγαπημένος σας ήχος με ένα κλικ: Το κουμπί μεταγωγής πιάνου / οργάνου σας επιτρέπει να επιλέξετε γρήγορα έναν ήχο. Για να μεταβείτε, απλά κάντε κλικ στο κουμπί.

Ένα εκτεταμένο ρεπερτόριο 100 timbres προσφέρει εξαιρετική ποιότητα.

Μελωδίες για κάθε γούστο: 100 μελωδίες για μάθηση επιτρέπουν να κυριαρχήσει διαφορετικά στυλ.

Ομάντασμα και βολική: Η οθόνη LCD παρέχει γρήγορη πρόσβαση σε όλες τις λειτουργίες του εργαλείου.

Επιλέξτε το σωστό ρυθμό. Τα εμπρός μαξιλάρια είναι μια θαυμάσια εισαγωγή στον κόσμο των ψηφιακών εργαλείων σοκ. Πέντε κουμπιά, για ένα ξεχωριστό τύμπανο ή κρουστά, διευκολύνουν το παιχνίδι του ρυθμού και καθιστούν δυνατή την κατανομή με ένα άγγιγμα.

Η ικανότητα να απενεργοποιήσετε τη μελωδία είναι ένας αποτελεσματικός τρόπος για να κυριαρχήσετε το δεξί χέρι. Για μάθηση, προτάθηκαν 10 συνθέσεις.

4690 τρίψιμο

Το Casio SA-76 Digital Synthesizer με 44 πλήκτρα προσφέρει όλες τις αρχαίες μοναδικές μουσικές δυνατότητες. 100 timbres, 50 στυλ, ενσωματωμένες συνθέσεις για μάθηση, ο τελευταίος επεξεργαστής ήχου με σοβαρά συνθετικά 8 πολυφωνίας δεξαμενής, καθώς και μια οθόνη LCD που βοηθάει από τα πρώτα βήματα για να καταλάβουν τις 2-διαστάσεις σημειώσεις - όλα τα εργαλεία κάνουν το εργαλείο Με έναν εξαιρετικό βοηθό για αρχάριους μουσικούς.

Ο αγαπημένος σας ήχος με ένα κλικ: Το κουμπί μεταγωγής πιάνου / οργάνου σας επιτρέπει να επιλέξετε γρήγορα έναν ήχο. Για να μεταβείτε, απλά κάντε κλικ στο κουμπί.

Ένα εκτεταμένο ρεπερτόριο 100 timbres προσφέρει εξαιρετική ποιότητα.

Μελωδίες για κάθε γούστο: 100 μελωδίες για μάθηση επιτρέπουν να κυριαρχήσει διαφορετικά στυλ.

Ομάντασμα και βολική: Η οθόνη LCD παρέχει γρήγορη πρόσβαση σε όλες τις λειτουργίες του εργαλείου.

Επιλέξτε το σωστό ρυθμό. Τα εμπρός μαξιλάρια είναι μια θαυμάσια εισαγωγή στον κόσμο των ψηφιακών εργαλείων σοκ. Πέντε κουμπιά, για ένα ξεχωριστό τύμπανο ή κρουστά, διευκολύνουν το παιχνίδι του ρυθμού και καθιστούν δυνατή την κατανομή με ένα άγγιγμα.

Η ικανότητα να απενεργοποιήσετε τη μελωδία είναι ένας αποτελεσματικός τρόπος για να κυριαρχήσετε το δεξί χέρι. Για μάθηση, προτάθηκαν 10 συνθέσεις.

Ομιλητές: 2 x 0,8 W

Ο προσαρμογέας τροφοδοσίας δεν περιλαμβάνεται.

5890 τρίψιμο

Το Hybrid Slinky Kit Ernie είναι ο τέλειος συνδυασμός της Super Slinky και τακτικής Slinky String. Αυτές οι χορδές μπορούν επίσης να χρησιμοποιηθούν σε ηλεκτροκουστικές κιθάρες. Οι χορδές των σφαιρών Ernie κατασκευάζονται με τα υψηλότερα πρότυπα ποιότητας και σύμφωνα με την τεχνολογία παραγωγικών διαδικασιών, η οποία αποτελεί εγγύηση της δύναμης, της αξιοπιστίας και της ανθεκτικότητάς τους.

Το Hybrid Slinky Ernie Slinky είναι ένας χάλυβας εξάγωνο πυρήνα με χάλυβα με επιχρυσωμένο χάλυβα. Οι χορδές είναι κατασκευασμένες από ειδικά σκληρυμένο χάλυβα υψηλού άνθρακα, το οποίο παρέχει μια καλά ισορροπημένη πρόσληψη ήχου και αποκαλύπτει πλήρως τις δυνατότητες του οργάνου σας.

Core: Χάλυβας

499 τρίψιμο

Ernie Ball Ενισχυμένη πεδιάδα (RPS) Σειρά - Ενισχυμένα Slinky Standard Strings. Τρεις πρώτες χορδές έχουν ένα ιδιαίτερο χάλκινο τύλιγμα, στερέωσης της στερέωσης των μπάλες - αυτό εμποδίζει τη χαλάρωσή τους, η οποία, δυστυχώς, βρίσκεται αρκετά συχνά. Οι τελευταίες τρεις χορδές στις ιδιότητές τους είναι παρόμοιες με τις χορδές από τη σειρά πληγών νικελίου. Οι υβριδικές λασπώδεις συμβολοσειρές πληγών νικελίου RPS είναι κατασκευασμένες από ειδικά σχεδιασμένα υλικά, λόγω των οποίων είναι αρκετά ισχυρά και ανθεκτικά στο διάλειμμα, το οποίο, με τη σειρά τους, αποτελεί εγγύηση της ανθεκτικότητάς τους. Και όλα αυτά δεν είναι σε βάρος του εταιρικού φωτεινού και πλούσιου ήχου των χορδών Ernie Ball, η οποία βοηθά τους μουσικούς παγκοσμίως να δημιουργούν το δικό τους μοναδικό δημιουργικό χώρο.

Caliber Strings: 9-11-16-26-36-46
Navice: χάλυβας από νικέλιο
Core: Χάλυβας

602 τρίψιμο

Τα εγγενή όργανα Kopompete Audio 6 περιέχουν όλα όσα χρειάζεστε για να γράψετε, να παίξετε και να εκτελέσετε μουσική. Σε μια σχετικά μικρή θήκη στερεών μεταλλικών, υπάρχουν τέσσερις αναλογικές εισόδους / εξόδους, μια ψηφιακή είσοδο / έξοδο. Δύο εισόδους μικροφώνου

Στον θάλαμο και η οργάνωση της μουσικής, ο Rakhmaninov κυριαρχεί στη ρομαντική αρχή. Οποιαδήποτε εικόνα, αίσθηση, συγκίνηση έχει ooetized, ανυψωμένο πάνω από τον συνηθισμένο κόσμο. Ρομαντικό Παθό, ρομαντική ονειρική, ρομαντική ριπή - αυτό είναι που διακρίνει πάντα την εμπνευσμένη τέχνη του. Ο ρομαντισμός εκδηλώνεται στο Rachmaninov και στην υποκειμενική φύση της δημιουργικότητάς του, στην οποία όλα όσα έπρεπε να χάσετε μέσα από το πρίσμα μιας προσωπικής στάσης στην πραγματικότητα, μέσα από το πρίσμα της ισχυρής, ισχυρής προσωπικότητάς του. Ναι, και η δραματική της ίδιας της μουσικής του θεωρείται κυρίως ως δράμα ενός ατόμου στην υδρομασάζ των συγκρούσεων της ζωής. Ως εκ τούτου ο μονολογισμός του στυλ του. Ταυτόχρονα, τα έργα του Rachmaninov διακρίνουν την εξαιρετική εικαστική συγκεκριμένη συγκεκριμένη λογιστικότητα, τη μικρότητα, τις υφές που σχεδιάστηκαν με το μέγιστο appraul να εκφράζουν το περιεχόμενο της μουσικής και αυτή η συγκεκριμένη είναι η φύση αυτού του τυποποίησης, που σας επιτρέπει να πείτε τα χαρακτηριστικά του ρεαλισμού.

Στην κληρονομιά του τμήματος Rachmaninov υπάρχουν πολλά όργανα οργάνωσης. Στο ελλιπές κουαρτέτο του 1889, μόνο δύο μέρη είναι ρομαντικά και Scherzo. Το κουαρτέτο είναι αρκετά φοιτητής, μαρτυρούν την επιμελή αντιγραφή του Τσαγόβσκι. Ωστόσο, η ομορφιά της λυρικής ρομαντικής μελωδίας προσελκύει την προσοχή. Σημαντικά πιο περίεργο πρώτο κομψό τρίο. Το λαχτάρα ρομαντισμό του κύριου θέματος του σας κάνει να θυμάστε την όπερα "Aleko". Το δεύτερο Elegy Trio D-Moll ήταν ευρέως φήμη, αφιερωμένη στη "μνήμη του μεγάλου καλλιτέχνη" - P.I. Tchaikovsky). Δομικά, επαναλαμβάνει εντελώς το διάσημο Tchaikovsky Trio, γραμμένο με το θάνατο του Ν. Rubinstein. Ομοίως, σε αυτό, ένα δραματικό Sonataya Allegro, που προηγείται του πένθους Elegy, είναι παρόμοιο με την κεντρική ενότητα που σχηματίζουν παραλλαγές και, όπως ο Tchaikovsky, - στο τέλος της αφαιρέσεως στο κύριο θέμα του πρώτου μέρους.

Στο τρίο, πολλά προβολικά ώριμα Rachmaninov, για παράδειγμα, τα χαρακτηριστικά του μονολογισμού. Το θέμα του Elegy, που εκτίθεται σε σειρά από ένα τσέλο και βιολί, είναι ένας μονόλογος στον οποίο η τάση της μακράς διαμονής είναι χαρακτηριστική για τον συνθέτη σε ένα κράτος. Η ίδια η έλικα γίνεται "στην προσωπικότητα του Rakhmaninovsky", δεν είναι κλειστό, δεν είναι κρυμμένο, και χύνεται με εμπιστοσύνη. Η καλλιτεχνική σημασία της εικόνας που δημιουργήθηκε από το θέμα είναι ένα ψυχολογικό δράμα που δεν λαμβάνει έξοδο, άδειες. Ο Rachmaninovskaya Energy βράζει και στο Allegro, επηρεάζοντας ισχυρούς κινδύνους, δραματουργία των σπιτιών.

Τα όργανα του τμήματος Rachmaninov είτε διατηρούν το κλασικό σχήμα (σονάτα Cello) είτε υποδεικνύουν τα ποιήματα και τις ρομαντικές αρχές του σχηματισμού (Trio). Ο συγγραφέας τους είναι συγκρούσεις, αυτή η σύγκρουση ανιχνεύεται μόνο στη διαδικασία της συναισθηματικής δήλωσης. Η δυναμικά συσσωρευμένη δύναμη των συναισθημάτων που επεκταθεί σε παθιασμένες μελωδίες είναι η ίδια η ουσία του δράματος του. Ως εκ τούτου, τα δύο ημιτελείς κουαρτέτες χορδών (1889, το δεύτερο σε σκίτσα, 1910-1911). Το πρώτο κομψό τρίο του G-Moll (1892), το δεύτερο Elegy Trio D-Moll (1893), Sonata για το τσέλο και το πιάνο (1901). Υπάρχει μια τάση για την ανάπτυξη του τελικού σταδιού, το κλείσιμο των ψηφοφοριών των συνόλων, τους παθητικούς μονόλογους τους, "Νουέτες" ή σύγκριση. Πολλά προσδιορίζονται και από τους δύο παράγοντες σχηματισμού, για παράδειγμα, δέσμη ιστών σε μελωδική δεξαμενή και υποστήριξη. Το τελευταίο είναι συνήθως πολύ δραστήριος σε ένα δραματικό σχέδιο, ενισχυμένη από την ενθουσιασμένη συναισθηματική ένταση της μελωδίας. Ένα χαρακτηριστικό του στυλ είναι και αντέχει σε ένα είδος υφής για ολόκληρες τμήματα της φόρμας.

Τα γνήσια στοιχεία της δημιουργικότητας Rakhmaninovsky ήταν η μουσική πιάνου. Σε αυτό, με τη μεγαλύτερη εφαρμογή, εξέφρασε τα ιδανικά της τέχνης του, και όχι τόσο στο είδος του Sonatas (αν και και τα δύο του μαχαιροπίρουνα του πιάνου έχουν έναν εγγενή συνθέτη με φωτεινή συναισθηματικότητα και δράμα), όπως στα είδη της προπληρωμένης και του etude . Μπορούμε να πούμε ότι ο Rakhmaninov δημιούργησε ένα νέο είδος αυτών των ειδών - "Rakhmaninovskaya" Prevude και "Rakhmaninovsky" Eterude εικόνα.

Και τα δύο είδη έχουν μια σαφώς έντονη λυρική δραματική πτυχή. "Rakhmaninovskoye" σε αυτά - στη σύνθεση ενός εκφραστικού, ρομαντικά υψηλού συναισθηματικού συστήματος με ρεαλιστική συγκεκριμένη οπτική εικόνα. Ταυτόχρονα, η πίεση συναισθήματος είναι τόσο μεγάλη που λυπάται τα πλαίσια των μικρών μορφών, δίνοντάς τους τα μνημειιτικά, τα οποία επίσης συμβάλλουν στον όραμα, Solven στις διαρροές τραγουδιών των μελωδών, αγκαλιάζοντας σε ισχυρή κορύφωση, όλα τα καταχωρητή πληκτρολογίου, κουδούνι -παστικό σε χορδές. Πολλά στο στυλ των προσγείων και οι Epudes εξηγούνται από τις ιδιαιτερότητες της αρμονικής σκέψης του συνθέτη. Με μια γενική αποθήκη διατμικωνών, η αρμονία του Rakhmaninov εμπλουτίζεται με αλλαγές και χρωματισμό, αλλά ταυτόχρονα υπάρχει μια τάση για μια καθυστέρηση σε ορισμένα επίπεδα Lada. Ένα μακρύ ρουλεμάν μιας αρμονικής λειτουργίας ενημερώνει τη μουσική του χωριστιδαχή, ένα είδος πειράζει την ανάπτυξη των περιόδων της.

Ο χαρακτήρας του Prelude Rachmaninov στη διαδικασία της δημιουργικής εξέλιξής του άλλαξε. Τα πρώτα παιχνίδια είναι πιο "κοινωνικά", στίχοι. Είναι αισθητή υποστήριξη για στιγμές του είδους και ένα μελωδικό τραγούδι. Ωστόσο, σε αυτά μπροστά μας ο καλλιτέχνης του 20ού αιώνα. Ήδη εδώ όχι μόνο οι στίχοι, αλλά και η Genreny είναι δραματουργία, αποκτούν τα χαρακτηριστικά του ψυχολογισμού, περνούν από τον εσωτερικό κόσμο του καλλιτέχνη και αρχίζουν να χρησιμεύουν ως μέσο έκφρασης της πνευματικής του διάθεσης. Ας πάρουμε το πιο διάσημο Prelude Cis-Moll: Η αρχή "Nabota" μερικές φορές ερμηνεύεται ως καμπύλη. Ακόμα κι αν συμφωνείτε με αυτό, τότε το κουδούνι είναι ξεχωριστό εδώ. Δεν έχει καμία σχέση με το κουδούνι του Mussorgsky (ή, επιπλέον, glinka). Ανακοινώνει ένα ψυχολογικό δράμα, το οποίο επιβεβαιώνεται από έναν αναστατωμένο ιχνηλάτη του Agitato, αποκαλύπτοντας την αληθινή (υποκειμενική) νόημα. Οι "μπότες" της βαθιάς οκτάβας άρχισαν την αρχή του προκαταρκτικού παιχνιδιού πραγματικά ακούγεται "βία", αλλά όχι από την άποψη των καμπάνων ναμπέ. Αντίθετα, η ασθένεια τους στο συνολικό πλαίσιο της εργασίας αποκτά το χαρακτήρα ενός συγκεκριμένου συμβόλου από εκστατικές, "βίαιου" πνευματικού συναισθήματος.

Η παρουσία συμβόλων στη μουσική του Rachmaninov δεν πρέπει σε καμία περίπτωση να αρνηθεί. Συχνά συχνά, ένα ή ένα άλλο συστατικό της σύνθεσης που παίζει το ρόλο του ενός είδους γενικευμένου "σημείου", έφερε στο επίπεδο του συμβόλου. Μία από αυτές τις γενικευμένες κατηγορίες περιλαμβάνει την καμπινότητα, εκδηλώνεται σε διαφορετικά είδη. Στα "Bells", αυτό το σύμβολο της πνευματικότητας που συνδέεται με τα θρησκευτικά μοτίβα που παρέκκλισε στην ηθική σφαίρα, σε ένα αναφερόμενο ποσό - ένα σύμβολο της ψυχικής στάσης, στο τρίτο μέρος της πρώτης σουίτας για δύο πιάνα (με την επιγραφή από το ποίημα του ποίημα Tyutchev "δάκρυα ανθρώπινων, για τα ανθρώπινα δάκρυα") ducho sounding bass στο δεύτερο πάρτι πιάνου συνδέεται σαφώς με τα κουδούνια της υπηρεσίας ρολογιού. Η καμπυλότητα ως ένα τρομερό Nabat και ως σύμβολο Requiem κρατιέται ως ένα από τα κυρίαρχο Leittem στις πρεμιές όλων των περιόδων, διείσδυσης και στο είδος των ζωγραφων του Eterudes.

Το συμβολικό νόημα έχει το θέμα της άνοιξης στο Rachmaninov. Αυτή η εικόνα στις συνθέσεις του συνθέτη είναι από μόνη της ένα πολύπλευρο συγκρότημα συνεταιρισμένων, στο οποίο η πραγματική εικόνα της αφύπνισης της φύσης συνδέεται με τη συνείδηση \u200b\u200bτου ακροατή με τις εικόνες της ενημερωμένης έκδοσης ελατηρίου στην ευρύτερη αλληγορολογική φιλοσοφική αξία. Μπορείτε να μιλήσετε για άλλα σύμβολα στη μουσική του Rachmaninov, για παράδειγμα, τον αγώνα και την αντιμετώπιση ("καταιγίδα" που προσελκύει το C-Moll και το ES-Moll από το ή. 23), τραγικούς θανάτους του θανάτου (όχι τυχαία, το Prelude D-Moll από το ή. 23 προκάλεσε το y. Σύνδεσμος Keldysh από τον "χορό του θανάτου") κλπ. Ο σχηματισμός της αισθητικής συνείδησης του συνθέτη έλαβε χώρα στην εποχή της έναρξης του συμβολισμού και αν και η αισθητική αυτής της κατεύθυνσης παρέμεινε αλλοδαπός, αλλά στη φύση των καλλιτεχνικών γενικεύσεων, οι αρχές του ήταν ιδιόμορφες. Τα σύμβολά της διακρίνονται από μια οπτική πραγματικότητα της ηχομονωίας, είναι σαν ένα σημάδι (αν χρησιμοποιείτε σύγχρονη ορολογία σε εμάς), υποδεικνύοντας κάτι πραγματικά συγκεκριμένο - "ενιαίο", αλλά προκαλεί πλούσιες ενώσεις. Ο Keldysh είναι απολύτως σωστός όταν γράφει ότι στην καρδιά του Prelude Rachmaninov "βρίσκεται σχεδόν πάντα κάποια στιγμή, μια σταδιακά αποκαλύπτεται ψυχική κατάσταση", αλλά αυτό το "ένα" σχεδόν πάντα αντιλαμβάνεται ως πολύπλευρη, ως μια γενικευμένη "πολλαπλή" όπως τον ενημερώνει τον χαρακτήρα του συμβόλου. Επιπλέον, τα σύμβολα Rakhmaninovsky αντανακλούσαν τις πιο "καυτές" φιλοδοξίες της ρωσικής διανοητικής του χρόνου - το έργο του προσκλήθηκε ενεργά.

Το περιεχόμενο των κομματιών Rakhmaninov έλαβε την υλοποίησή του μέσω του ρομαντισμού. Στην αρχική περίοδο, αυτά είναι τα παραδοσιακά είδη Elegy, Lyrical στο πνεύμα του ρομαντισμού Tchaikovsky. Μια σειρά παιχνιδιών ονομάζεται μελωδίες που ουσιαστικά σημαίνει το ίδιο ρομαντισμό. Υπάρχουν και τα δύο είδη που έχουν έρθει στη ρωσική μουσική από τη Δυτική Ευρωπαϊκή ρομαντική τέχνη - Nocturne, Barcarol, Serenad και άλλοι. Όλα αυτά τα είδη παρουσιάζονται σε φαντασιώσεις, ΕΠ. 3 (1892) και το σαλόνι παίζει, ΕΠ. 10,894). Στην πρώτη σουίτα για δύο πιάνο, ΕΠ. 5 (1893), ο Rachmaninov χρησιμοποιεί επίσης επιγραφές (από Lermontov, Bayron, Poems Tyutchev). Στην ώριμη περίοδο, αρνείται αυτούς τους προφορικούς ορισμούς - το foreplay, op. 23, δεν οφείλουν σε μια πιο γενικευμένη φύση των εικόνων. Ωστόσο, η εσωτερική υποστήριξη για το είδος παραμένει: Το Prelude FIS-MOLL είναι στην πραγματικότητα ένα Elegy, ένα πρελούδι G-Moll - Μάρτιος (αυτό σημειώνεται στην ονομασία PACE Alia Marcia). Το Prelude D-Moll έχει μια παρατήρηση "Tempo di Menuetto", το οποίο προσελκύει την προσοχή στον εαυτό της, καθώς η έκκληση στο παλιό είδος βρίσκεται σπάνια στα έργα του Rakhmaninov. Η εξειδίκευση του Memenet είναι σαφώς ακουστική στον ρυθμό του προαύου, αν και δεν αναπαράγεται ένας χορευτικός χορός σε αυτό, αλλά μάλλον μια συγκεκριμένη ηρωμένη πομπή - η εικόνα είναι μοντέρνα και σε καμία περίπτωση δεν είναι αρχαϊκή, στυλιζαρισμένη.

Με κάθε νέα περίοδο, η έκφραση των πρασμών γίνεται όλο και πιο δύσκολη, δραματική και ταυτόχρονα θαρραλέα. Σε pludes, op. 32, οι περισσότεροι από τους οποίους φορούσαν μια συναισθηματική-δραματική ή θλιβερή κομψή σκιά και από αυτό είναι δίπλα σε ένα νέο είδος δημιουργικότητας - Eterude-Paintss. Πώς να εξηγήσετε το όνομα του είδους, επειδή το περιεχόμενο των Enudes απεικονίζεται λιγότερο στην τέχνη; Φαίνεται ότι το όνομα προτείνεται από τη φωτεινότητα της εικόνας των ίδιων των εικόνων. Επιπλέον, κάθε Eterude δεν είναι μια εικόνα, αλλά ένα δράμα δράσης που έχει λάβει μια σχεδόν θεατρική ενσωμάτωση και ταυτόχρονα διατηρώντας έναν γενικευμένο χαρακτήρα: τραγικό, δραματικό, επικό κ.λπ.

Στις εικόνες του Etudah, το ύφος της επιστολής αλλάζει κάπως: τα ίδια τα εξωτερικά τραγούδια είναι κατώτερα από συμπιεσμένα όργανα φόρμουλες ή κινήσεις με συμπυκνωμένη εσωτερική δραστηριότητα. Συνεπώς, ο ρόλος των αρμονικών και των συντελεστών μετρήσεων αυξάνεται. Το πιάνο σε αυτά ακούγεται ορχομάρα και η πυκνότητα, η βασικότητα της υφής του δίνει μουσική μια σκιά ιδιαίτερης σημασίας.

Συνεχίζοντας τις παραδόσεις του P.I. Tchaikovsky σε καναπέ-συμφωνικό κύκλο, S.V. Ο Rachmaninov μεταφέρει το νόημά τους και στη μουσική δωματίου, σε σχέση με την οποία είναι νόμιμο να μιλήσουμε για τον κύκλο του δειξίου θαλάμου. Είναι στο έργο του Tchaikovsky ότι εμφανίζεται η διαδικασία σχηματισμού ενός νέου κύκλου, η οποία περιλαμβάνει τις αρχές της μορφής δειγματοληψίας των κλασικών σε συνδυασμό με τη λεγόμενη μέθοδο βλάστησης της αντιμετώπισης. Ο Rachmaninov συνοψίζει και αναπτύσσει διαφορετικές τεχνικές για την επίτευξη της ακεραιότητας του κύκλου δειγματοληπτικού θαλάμου.

Τα πρότυπα της δομής των κύκλων του Σωματίου του Rachmaninov μπορούν να αντιπροσωπεύονται ως εξής: Το μέρος μου είναι μια σοφική μορφή. II, III μέρη - μορφή τριών χωρίς αποκλεισμούς. IV Μέρος - Μορφή Sonataya. Το έντυπο SANATE IV μέρος μπορεί να γίνει περίπλοκο από τα χαρακτηριστικά του Rondo, τις παραλλαγές, τα φυγωτές επεισόδια. Η ενότητα του συνόλου διασφαλίζεται από το ακόλουθο συγκρότημα κεφαλαίων:

intonation-θεματικές συνδέσεις μεταξύ των τμημάτων.

την κοινότητα των κύριων και πλευρικών μερών i του μέρους και του τελικού ·

χρήση των ίδιων δομών ·

την υφή της ενότητας των μεμονωμένων τμημάτων ·

την παρουσία ενός σημαντικού φινάλε στην κύρια ή τη διάγνωση του ίδιου ονόματος ·

Μέσω της ηχητικής ανάπτυξης, της παλαμπανικής πρόβλεψης.

Η καλλιτεχνική αρχή της κίνησης "από το σκοτάδι στο φως", χαρακτηριστικό όλων των κύκλων του Sanatate-Chamber του Rachmaninov, τους φέρνει πιο κοντά στην αισθητική του κλασικισμού, ειδικότερα, στην τόνου αρμονική σφαίρα - ένα σημαντικό τέλος των κυκλικών έργων.

Η θεματική ενότητα είναι ένας από τους σημαντικότερους παράγοντες για την ακεραιότητα των κύκλων του Sangate-Chamber Rakhmaninov. Είναι "εκφρασμένο στη σύνδεση μεμονωμένων εξαρτημάτων μεταξύ τους με την επανεμφάνιση ταυτόσημων θεμάτων" (2, σελ.158). Ο I. Bobykin σημειώνει αρκετές αρχές της θεματικής ενότητας στα Συμφωνικά Έργα του Rakhmaninov:

• 1. LieteMatic Complex, το οποίο γίνεται κορυφαία βασικά θέματα.
• 2. Στερεώστε τους θεμερισμούς που σχετίζονται με τους τομείς που έχουν εξελιχθεί από την Leittema.
• 3. Επαναλαμβανόμενα διεξοδικά μεμονωμένα θεματικά στοιχεία εκτός από το LeiteMost.

Στη δομή του κύκλου Sonata, η σειρά των εξαρτημάτων, που ορίζει σε μεγάλο βαθμό το κοινό-συναισθηματικό περιεχόμενο ολόκληρου του προϊόντος είναι επίσης σημαντικό. Έτσι, η υποβολή του Scherzo (II μέρος) και το αργό τμήμα (III) παρέχει μια ευκαιρία, αφενός, να διακρίνει το λυρικό τμήμα του κύκλου, το οποίο το μετακόμισε στο σημείο "χρυσό τμήμα" και στο Άλλο - Να αυξηθεί η αντίθεση με το τέλος της εργασίας.

Εστίαση για λίγο τα χαρακτηριστικά των μεμονωμένων έργων. Για λόγους σαφήνειας, θα εξετάσουμε αυτά τα 24 δοκίμια για τις συνθέσεις που χρησιμοποιούνται σε αυτά. Όπως αναφέρθηκε, το πιάνο συμμετέχει στα δεκαέξι. Αλλά πρώτα - για τα σύνολα των συμβολοσειρών.
Συνολικά, τα επτά τρία τέταρτα, δύο τεμάχια, δύο αιρέσεις \\ αυτές οι διαφορετικές συνθέσεις στις πολύχρωμες ευκαιρίες τους προσέλκυσαν τον συνθέτη σε διαφορετικές περιόδους δημιουργικότητας: τα έτη 1859-1865, γράφτηκαν π.χ., το 1873-1875 - Κουαρέτες, 1882-1890 - Κουντές. Το περιεχόμενο των πρώτων και αργότερα δοκίμια - σεξουαλικά και κουτιέτες είναι απλούστερη, πιο κοντά στα παλιά δρομολόγια XVIII αιώνα ή ο ορχηστρικός σερενάβα του ίδιου του Bramsa, ενώ η μουσική των τεταδίων είναι πιο εμπεριστατωμένη και υποκειμενική.
Sextes (για δύο βιολιά, δύο alt, δύο τσέλο) b-dur, Or. 18 και g-dur, op. 36 Μελωδική, καθαρή και εύκολη στη σύνθεση. Αυτά είναι τα πρώτα δείγματα της μουσικής του Brahms μιας δημοφιλούς αποθήκης (βλέπε, εκτός από το Serenad, Valsa. 39, ουγγρικά χορό και άλλα). Το πρώτο έργο έχει επηρεάσει τη μελέτη των κλασικών της Βιέννης - Gaidna, Beethoven, Schubert. Το δεύτερο είναι κάπως σταθμισμένο από την ανταπόκριση εργασίας. Αλλά και οι δύο υποστηρίζουν τη φωτεινή, χαρούμενη αποδοχή της ζωής.
Άλλα μέρη αντανακλώνται σε συστατικά συμβολοσειρά.
Ο Brahms παραδέχτηκε κάπως στη συζήτηση ότι πριν από τις αρχές της δεκαετίας του '70 έγραψε περίπου είκοσι έργα για το κουαρτέτο χορδών, αλλά δεν τους δημοσίευσε, το χειρόγραφο καταστράφηκε. Από τα διατηρημένα δύο - C-Moll και A-Moll - ανακυκλώνονται κάτω από το ΕΠ. 51 το 1873; Τρία χρόνια αργότερα, το τρίτο κουαρτέτο του Β-dur, ή, απελευθερώθηκε από την εκτύπωση. 67.
Η ιδέα του πρώτου από τα έργα αυτά εξακολουθεί να βρίσκεται στα μέσα της δεκαετίας του '50, με την περίοδο της κρατικής αστάθειας, θυελλώδεις εμπειρίες του Brahms. Η αξιολύπητη, κύλινδρο διάθεση διαπερνά όλα τα μέρη του κουαρτέτου - εξαιρετικά συναρμολογημένα, συνοπτικά, συνοπτικά. Τα χρώματα ήχου κυριαρχούνται εδώ. Αυτή η μουσική είναι σχετικά συμφωνία G-Moll Mozart. Θυμάμαι επίσης την εικόνα της Gothev Vel-Terra με τα σπασμένα όνειρα του δράματος. Μελαγχολική γεύση του χαρακτηριστικού και του δεύτερου κουαρτέτου του, αλλά ο τόνος του αναπτήρα του. Στο τελικό, και πριν από τα επεισόδια άλλων τμημάτων, τα χαρούμενα συναισθήματα ξεπερνώνουν. Το τρίτο κουαρτέτο στην τέχνη είναι ασθενέστερη από την προηγούμενη, αλλά περιέχει πολλά εκφραστικά επεισόδια, ειδικά στα μεσαία μέρη.
Δύο queints - f-dur, Or. 88 και g-dur, op. 111- γραμμένο για ομοιογενή σύνθεση - δύο βιολιά, δύο άλτο και τσέλο. Η πλειοψηφία του Juicy Altovo-Tree-Povedew1 συμβάλλει στην έκφραση ζεστών, πλούσιων συναισθημάτων, και σαφτυρίων και συντομίας παρουσίασης - η απόγνωσή τους. Άλλο, θαρραλέο χαρακτήρα που είναι εγγενές στο πρώτο quintet. Χαρούμενη ευκολία στο πνεύμα του Ι. Strauss - το δεύτερο. Το φωτεινό φως ακτινοβολεί τη μουσική του πρώτου μέρους του και το τρίο στο τρίτο μέρος, ενώ στο δεύτερο υπάρχουν στιγμές παθιασμένης καταγγελίας. Με τη μεγαλύτερη αντεπαγγελματία, η βροχερή διασκέδαση των τελικών ανθών, ειδικά όπου ο τόνος και οι ρυθμοί του ουγγρικού ήχου Chardas.
Το δεύτερο quintet ανήκει στον αριθμό της καλύτερης εργασίας του Brahms.
Οι σονάς δίνουν μια ποικιλία περιεχομένου - δύο για το τσέλο (1865 και 1886) και τρία για βιολί με πιάνο (1879, 1886 και 1888).
Από το παθιασμένο Elegy του πρώτου μέρους στο λυπηρό, η Βιέννη στις στροφές της μενού του δεύτερου μέρους και ο φυγωτός τελικός με τη διεκδικητική ενέργεια του είναι ένας τέτοιος κύκλος εικόνων του πρώτου σονάτα σονάτα, Or. 38. Το πνεύμα του επαναστατικού ρομαντισμού Sheaven το δεύτερο sonata f-dur, Or. 99; Όλοι διαπερνούν με οξεία σύγκρουση, αναστατωμένες πνευματικές παρορμήσεις. Και αν αυτό το έργο είναι κατώτερο από το προηγούμενο εν όλω, τότε εξακολουθεί να τον ξεπερνάει στα βάθη των συναισθημάτων και του δράματος.
Μια ζωντανή απόδειξη της ανεξάντλητης δημιουργικής φαντασίας Brahms μπορεί να χρησιμεύσει ως βολής Sonatas - καθένας από αυτούς είναι μοναδικά άτομο.
Πρώτη sonata g-dur, ή. 78 προσελκύει ποίηση, ευρύ, υγρό και ομαλή κίνηση. Έχει στιγμές τοπίου σε αυτό. Σαν ένας ήλιος άνοιξη, κάνει το δρόμο του μέσα από τα ζοφερή σύννεφα βροχής. Το δεύτερο sonata a-dur, ή. 100, το τραγούδι, χαρούμενο, περιγράφεται συνοπτικά και συναρμολογείται. Ξαφνικά, η επιρροή της φράσης ανιχνεύεται στο δεύτερο μέρος. Σε γενικές γραμμές, κάποια "Sona-Tinnost" - η έλλειψη μεγάλης ανάπτυξης, δράματος - το διαθέτει μεταξύ άλλων δωματίων του Brahms. Ιδιαίτερα μεγάλες διαφορές από το τρίτο sonatas d-moll, Or. 108. Πρόκειται για ένα από τα πιο δραματικά, τα προϊόντα σύγκρουσης του συνθέτη, στην οποία αναπτύσσονται οι επαναστατικές ρομαντικές εικόνες του δεύτερου σονάτες της δεύτερης τσέλο με μεγάλη τελειότητα.
Το πρώτο μέρος είναι ενδεικτικό από την άποψη αυτή. Παρά την αντίθεση του περιεχομένου, η κύρια και στο Beametle κόμμα είναι κοντά ο ένας στον άλλο. Το δεύτερο θέμα δίνει την έκκληση των κύριων κινήτρων της πρώτης, αλλά σε άλλες αναλογίες διάρκειας.

Και τα δύο θέματα είναι νευρικά, τα οποία οδηγούν περαιτέρω σε μια διφορούμενη εξέλιξη, ειδικά στο επεισόδιο ενός μακράς ανθεκτικό σημείο οργάνων στο κυρίαρχο (46 ρολόγια). Η τάση ενισχύεται από μια ψευδή αναδιάρθρωση (απόκλιση στο FIS-Moll, στη συνέχεια D-Dur). Μόνο μετά την ταχεία έκρηξη των συναισθημάτων προκύπτουν την αρχική εμφάνιση του κύριου μέρους. Εκφραστικό Barcode στον κωδικό - Διαφωτισμός σε μεγάλες μετά την τελική παράγραφο οργάνων στο Tonic (22 ρολόι).
Εάν η μουσική του δεύτερου μέρους, όπου η πιο θαυματουργή γενναιοδωρία συμπληρώνεται από ένα άλλο, πιο παθιασμένο, γεμάτο θερμότητα και ανθρωπότητα, το ακόλουθο μέρος κυριαρχούν εικόνες των ανατριχιαστικών οραμάτων. Ως μη-ανακλητική σκέψη, ως υπενθύμιση κάποιου εφιάλτη, το αρχηγό σύντομο κίνητρο.
Στους τελικούς με την ίδια δύναμη, μια γρήγορη διαμαρτυρία σπάει. Στη ρυθμική κίνηση του Tarantellah υπάρχουν εικόνες μιας υπερήφανης έγκρισης, τότε μια τυχαία πτώση είναι ως μια αποτελεσματική ατμόσφαιρα του αγώνα δημιουργείται. Αυτός ο τελικός μπορεί να κατατάσσεται ως οι καλύτερες ηρωικές δραματικές σελίδες του Brahms (Τετ. Με την Τρίτη Συμφωνία).
Λιγότερο ακριβώς το περιεχόμενο τριών τριών πιάνο.
Το πρώτο τρίο του H-Dur, OP. 8 ανήκει στον 20χρονο συγγραφέα του Περού. Κατακλείστε τη νεανικότητα της εφεύρεσης, ρομαντικό συναίσθημα. Αλλά, όπως συνέβη στο πρώιμο στάδιο της δημιουργικότητας του Brahms, οι διαμορφωμένες συγκρίσεις δεν είναι πάντα ανάλογες. Ο συνθέτης απέτυχε να εξαλείψει πλήρως αυτό το μειονέκτημα και στην μεταγενέστερη έκδοση (1890) όταν υποβλήθηκε σε μείωση περίπου το ένα τρίτο της μουσικής. Δεύτερο trio c-dur, op. Το 87 (1880-1882) στερείται τέτοιας συναισθηματικής αμεσότητας, αν και σε μορφή είναι πιο εντελώς. Αλλά το τρίτο τρίο C-Moll, OP. 101 (1886) βρίσκεται στο επίπεδο των καλύτερων δοκίμιων δωματίων του Brahms. Αφήνει μια ανεξίτηλη εντύπωση με θαρραλέα δύναμη, αποχυμότητα και μουσική πλήρους αίματος αυτού του τρίτου. Το πρώτο μέρος αμφισβητείται με μια επική εξουσία, όπου η σταθερή ροή των θεμάτων του κύριου μέρους συμπληρώνεται από μια εμπνευσμένη ανθρακική μελωδία.
Οι αρχικοί κόκκοι του τήγματος τους συμπίπτουν. Αυτός ο κύκλος εργασιών διαπερνά περαιτέρω ανάπτυξη. Οι εικόνες του Scherzo, όλη την φανταχτερή της αποθήκη με το τρίτο μέρος, όπου κυριαρχεί η απλή συναρπαστική εμπιστοσύνη στο λαϊκό πνεύμα. Ο τελικός επαρκής ο κύκλος, δοξάζοντας τη δημιουργική θέληση του ανθρώπου, τα dorned εκμεταλλεύτη του.
Σε ένα άλλο, η στειρότητα του Brahs αισθάνθηκε τη χαρά της ζωής στο t r και o es-dur, Or. 40 Χρησιμοποιώντας μια ασυνήθιστη σύνθεση - φυσικός Γάλλος (μπορεί να αντικατασταθεί από το τσέλο), το βιολί και το πιάνο. Δημιουργήθηκε στα μέσα της δεκαετίας του '60, το έργο είναι, ωστόσο, συναρπάζει τη νεαρή και φρέσκια, συναισθηματικά ανοιχτή αντίληψη της ζωής. Η μουσική αναπτύσσεται γρήγορα και εύκολα. Ακούγεται σε μελαγχολικό λίπος και παθιασμένη εξάντληση από τη φύση. Υπάρχουν επίσης αστείες ζωγραφιές του κυνήγι των δασών. Ίσως καμία άλλη έκδοση δεν άνοιξε πλήρως την καθαρή, ενθουσιώδη ψυχή του Brahms-ρομαντισμού!.
Μια ακόμη και προηγούμενη περίοδος περιλαμβάνει τρία τετράγωνα πιάνο, που σχεδιάστηκαν στη στροφή της δεκαετίας του '50 και του 1960. Τα πρώτα δύο - g-moll, op. 25 και a-dur, op. 26 - στη συνέχεια ολοκληρώθηκαν. Δύο διαφορετικές δειγματοληπτικές αποφάσεις δίνονται σε αυτά τα έργα. Το πρώτο κουαρτέτο, καθώς και το πρώτο τρίο, διακρίνεται από μια γενναιόδωρη αφθονία του θεματικού τίτλου, μια ρομαντική αλλαγή εικόνων, μια ευρεία κάλυψη διαφόρων αποχρώσεων των ψυχικών κρατών: pathetics, που δεν στερούνται από τραγωδία, αισθήματα ασαφής άγχος ή γαλήνια χαρά - χρησιμοποιώντας τα ουγγρικά και τσιγγάνικα κίνητρα. Το δεύτερο κουαρτέτο, που εκδίδει ισχυρό αντίκτυπο των κλασικών της Βιέννης, λιγότερη αντίθεση στο περιεχόμενο - ελαφρώς βασιλεύει ελαφρά, χαρούμενη γεύση. Σε ένα σχέδιο, το τρίτο κουαρτέτο C-moll, Or. 60 (που σχεδιάστηκε ταυτόχρονα, τελείωσε μόνο το 1874), αλλά η άλλη αποθήκη του, κοντά στο πρώτο κουαρτέτο χορδών. Και πάλι, όπως εκεί, θυμάμαι την εικόνα του τραγικά δυσαρεστημένου, που έχει κάνει ποτέ τον ίδιο τον θάνατο του Verte. Αλλά οι ριπές απόγνωσης εδώ μεταφέρονται ακόμη και μεγαλύτερο πάθος.
Η τέλεια έκφραση της περιόδου "Storm and Natiska" στη δημιουργική βιογραφία του Brahms δίνει το Piano Quintet F-Moll, Or. 34. Η εργασία αυτή είναι η καλύτερη όχι μόνο σε αυτή την περίοδο, αλλά, ίσως, σε όλη την κοινοτική κληρονομιά του συνθέτη. Ο V. Stasov κάλεσε αρκετά το Quintet "πραγματικά μεγαλοφυία" * σημειώνοντας την "τραγική και νευρική δύναμη" του πρώτου μέρους και την "ασύγκριτη δύναμη", "Colossality" Scherzo.
Ο Brahms γύρισε σε ένα δοκίμιο το 1861, σκέφτοντας το για συμβολοσειρά. Αλλά η δύναμη και η αντίθεση των εικόνων εμπόδισαν τις δυνατότητες των χορδών. Στη συνέχεια, οι συντάκτες γράφτηκαν για δύο πιάνο, αλλά δεν ικανοποίησε τον συνθέτη. Μόνο το 1864 βρέθηκε η επιθυμητή μορφή, όπου το κουαρτέτο χορδών υποστηρίχθηκε από πιάνο σε
Η μουσική Quentte φτάνει την γνήσια τραγωδία. Κάθε τμήμα είναι κορεσμένο με εικόνες δράσης, ενοχλητικές ριπές και παθιασμένο άγχος, αρρενωπότητα και adamant. Το συναρπαστικό πνευματικό δράμα με μεγάλη δύναμη μεταδίδεται στο πρώτο μέρος, τα διάφορα θέματα των οποίων συνδυάζονται με λεπτή αντίστοιχα και ποικίλα έργα, ευέλικτες συνδέσεις κίνητρο που προετοιμάζουν μεταβάσεις από το ένα κράτος στο άλλο (cm, παραδείγματα 39α - e),

Για το δεύτερο μέρος, ένας κύκλος αυτών των εικόνων που εκφράζουν τυπικά για τα συναισθήματα Brahms ενός χλευασμένου πνευματικού πόνου, δειλή ελπίδα. Ο ρυθμός σχισμής του Lullaby συνδυάζεται με στοιχεία του δανειστή. Οι περιγραφόμενες στιγμές των γενικευμένων γενών του είδους ενισχύονται στο Scherzo, στις συγκρούσεις που επιδεινώνουν Bethovenski. Το τρίο θα τονίσει τον χαρακτήρα του Μαρτίου, το οποίο αποκτά έναν επικό ήχο, - γεννήθηκε η ιδέα των λαϊκών πορειών (WED με τον τελικό της πρώτης συμφωνίας). Το τέταρτο μέρος μεταφράζει τη δράση σε μια νέα κατάσταση σύγκρουσης, αλλά δεν δείχνει το αποτέλεσμα της. Οι θεματικοί κυλίνδροι προκύπτουν και με το πρώτο μέρος, και με ένα "lasty" θέμα του Scherzo. Ο τελικός του Quentte μιλάει έναν ατελείωτο αγώνα για την ευτυχία, το πλήρες δράμα και τις αιχμηρές αντιφάσεις.
Στο ίδιο θέμα, κάθε φορά που το λύνει διαφορετικά, οι Brahms επέστρεψαν στο τέλος της ζωής του στο τρίτο ανάτη του βιολιού και στο τρίτο τρίο πιάνο. Αλλά στις τελευταίες τέσσερις ενώσεις του θαλάμου (1891 -1894) άλλα θέματα και οι εικόνες ενσωματώνονται.

Αυτά τα έργα σχετίζονται με το Clarinet!. Όχι μόνο γνωριμία με έναν υπέροχο ερμηνευτή σε αυτό το όργανο (Mülfeld από το Maiangen Orchestra), αλλά και το ίδιο το Timbre του Clarinet - το πλαστικό, το Solven, και ταυτόχρονα ειλικρινής Intonation - προσέλκυσε Brahms.
Μια λιγότερο επιτυχημένη είναι ένα τρίο για κλαρινέτο, βιολί και πιάνο A-moll, Or. 114. Παρά τις μεμονωμένες εκφραστικές σελίδες, όλη η πιο ορθολογισμός της σύνθεσης επικρατεί σε αυτό πάνω από την έμπνευση. Σε μια ιδανική αναλογία, αυτοί οι δύο παράγοντες είναι στην ακόλουθη εργασία - quintet για κλαρινέτο και κορδόνι Quartet H-Moll, Or. 115 \\ Το θέμα είναι αποχαιρετιστήριο στη ζωή, αλλά ταυτόχρονα η χαρά της ύπαρξης, που συγκρατείται από τον πνευματικό πόνο. Παρόμοια θέματα ανησυχούσαν για τους Brahms και στην πρώτη συμβολοσειρά, και στα τρίτα τεταρτημόρια πιάνου. Αλλά εκεί η άδειά τους αποκτήθηκε από μια νευρική, συμπυκνωμένη δραματική σκιά. Εδώ σε όλα τα μέρη του κύκλου, ενωμένοι σε διάθεση, υπάρχει ένα ομαλό θλιβερμένο φως, σαν να εκπέμπεται από ήπια ηλιοβασίλεμα. Η ενότητα της διάθεσης υποστηρίζεται επίσης από τη συνεχή επιστροφή του τροποποιημένου κύριου κίνητρου του έργου, εν γένει, η μουσική του είναι εντυπωσιακή με μια σοφή απλότητα: ο συνθέτης φαίνεται να χάσει τα μέσα εκφόρτωσης.
Δύο sonatops για κλαρινέτο με πιάνο - f-moll και es-dur - Or. 120 Brahms είπε αντίο στο όργανο του θαλάμου. Το πρώτο είναι δραματικό, με τα χαρακτηριστικά του επικού γεωγραφικού πλάτους, το δεύτερο είναι πιο λυρικό, με το χαρακτήρα του παθιασμένου ηλεκτροκίνητου. Δύο χρόνια αργότερα, στο τέλος αυτών των σονάτ, το 1896, ο Brahms δημιούργησε δύο ακόμη, τα τελευταία έργα, αλλά σε άλλα είδη: "τέσσερις αυστηρές γήκες" για μπάσο με πιάνο και "11 χορωδιακές πρελόκ για το όργανο" (δημοσιευμένες μεταθανάτια) .

Μουσική δωματίου Brahms - σχεδόν η πλουσιότερη και πιο διαφορετική περιοχή στην κληρονομιά του συνθέτη. Κατέλησε όλες τις βασικές ιδέες της δημιουργικότητάς του, ξεκινώντας από το πρώιμο στάδιο και έληξε αργά, πλήρως και με συνέπεια αντανακλώντας την εξέλιξη του στυλ. Εδώ εκπροσωπούνται σε μια ποικιλία εκδηλώσεων, όλες οι έννοιες του Brahms των κύκλων: δραματικά και ηλεκτρονικά μηνύματα, λυρικό είδος και ποιμαντική. "Η έννοια των κύκλων είναι", δηλώνει τον L. Kokorev, "Ο βαθτός διανοούμενος της μουσικής εμφανίζεται ως μεταφορείς των πιο χαρακτηριστικών των πιο χαρακτηριστικών του Αυστρο-Γερμανικού Πολιτισμού."

Το ενδιαφέρον για το εσωτερικό του τμήματος οδήγησε στην τάση που χαρακτηρίζει τους Brahms στην λεπτή διακόσμηση των λεπτομερειών της τέχνης. Επιπλέον, σύμφωνα με τον M. Druskin, η παραγωγικότητα του συνθέτη αυξήθηκε στις επόμενες ηλικίες όταν οι Brahms αισθάνονται την ανάγκη για περαιτέρω ανάπτυξη και βελτίωση των δημιουργικών αρχών του. Είναι δυνατόν να περιγράψουμε τρεις περιόδους στο σχηματισμό του δωματίου-όργανο στυλ του Brahms, οι οποίες γενικά αντιστοιχούν στις κύριες περιόδους της δημιουργικότητάς του, αν και εν μέρει και δεν συμπίπτουν μαζί τους.

Για μια δεκαετία, 1854-1865 λογαριασμούς για τον μεγαλύτερο αριθμό έργων. Εννέα διαφορετικά τμήματα συγκράτησης δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια αυτών των ετών: Trio Piano, δύο αιρέσεις συμβολοσειρών, τρία πιάνο τρίτο πιάνο τετράγωνο είναι πάνω από πολύ αργότερα, αλλά συλλέγονται το 1855., τσέλο σονάτα, γαλλικό τρίο, πιάνο quintet. Επιπλέον, πολλά άλλα γραπτά καταστράφηκαν από έναν απαιτητικό συγγραφέα. Όλα αυτά υποδεικνύουν την τεράστια δημιουργική δραστηριότητα του νεαρού συνθέτη, για τις ακούραστες, επίμονες αναζητήσεις στην εξεύρεση και την εδραίωση της καλλιτεχνικής τους ατομικότητας. Το "πειραματικό πεδίο" από αυτή την άποψη ήταν η μουσική δωματίου - για πιάνο και, ειδικά για όργανα οργάνου, αν και τα ίδια χρόνια, ο Brahms δούλεψε πολλά στον τομέα των φωνητικών ειδών. Η περίοδος αυτή ολοκληρώνεται από το "Γερμανικό Requiem". Αυτή είναι η πρώτη μεγάλη πρόθεση και η ενσωμάτωση της εργασίας του συνθέτη. Εισέρχεται στη λωρίδα ώριμης ικανότητας.

Για μια δεκαετία, 1873-1882 Λογαριασμοί για λιγότερους θαλάτες - μόνο έξι: τρία κουαρτέτα με χορδές, το πρώτο βιολί Sonata, το δεύτερο τρίο πιάνο, το πρώτο πιάνο, το πρώτο συμβολοσειρά (και σε δύο τετράγωνα - η μουσική που γράφτηκε κατά την προηγούμενη περίοδο) είναι μεταχειρισμένος. Άλλες καλλιτεχνικές εργασίες ανησυχούσαν για τα χρόνια του Brahms: γύρισε σε μεγάλες συμφωνίες ιδέες. Ο συνθέτης έφτασε στο υψηλότερο σημείο της δημιουργικής ανάπτυξής του.

Το 1885, ο Brahms τελείωσε την τέταρτη συμφωνία. Ένιωσε μια τεράστια παλίρροια δημιουργικών δυνάμεων, αλλά ταυτόχρονα σχεδιάστηκαν οι στιγμές κρίσης. Αυτό είναι ένα από τα σημαντικά σημεία στροφής στη βιογραφία του. Έρχεται η γόνιμη περίοδος του "δημιουργικού φθινοπώρου". Σε αυτή την περίοδο αυξάνεται ο αριθμός των δοκίμων των δωματίων και αυξάνεται το βάρος τους. Μόνο το καλοκαίρι του 1886, ο Brahms έγραψε τέσσερα υπέροχα έργα: το δεύτερο και το τρίτο (ολοκληρωμένο δύο χρόνια αργότερα) βιολί Sonatas, το δεύτερο σονάτα Cello, το τρίτο τρίο πιάνο. Στα επόμενα χρόνια - το δεύτερο quintet συμβολοσειρά, το Clarinet Trio, Clarinet Quintet και δύο Clarinet Sonsata.

Τρεις διαφορετικές περιόδους καθορίζουν τις διαφορές στην εικονιστική-συναισθηματική σφαίρα και στο στυλιστικό των στελεχών του Brahms. Το γεγονός αυτό υποδεικνύεται από πολλούς ερευνητές. Έτσι, ειδικότερα, ο M. Druskin θεωρεί την πιο διαφορετική ομάδα των πρώτων εννέα έργων. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο συνθέτης ήταν σε κατάσταση δημιουργικής ζύμωσης, ο μουσικολόγος γράφει ", είναι μια ριπή και ασταθής, προσπαθεί να βρεθεί σε μια μεγάλη ποικιλία κατευθύνσεων. Αυτό χωρίς να σκέφτεται, έχοντας καταρρεύσει την χιονοστιβάδα των υποκειμενικών εμπειριών του στον ακροατή, αναζητούσε τρόπους να δημιουργήσει πιο κατανοητή και αντικειμενική, "κοινή-time" μουσική. Η κατώτερη περιοχή των φρέσκων, γευστικών ρομαντικών συναισθημάτων με γενναιόδωρη ομορφιά αποκαλύπτεται σε αυτά τα έργα, μεταξύ των οποίων το λαμπρό πιάνο quintet είναι ανυψωμένο. "

Η δεύτερη ομάδα φαίνεται λιγότερο στερεά. Ο Brahms επιστρέφει μερικές φορές σε θέματα και εικόνες που τον ανησυχούσαν τα προηγούμενα χρόνια, αλλά τα μεταφέρουν σε μια κάπως σχηματική μορφή. Σύμφωνα με τον M. Druskin, εδώ εννοείται "η κυριαρχία της ορθολογικής έναρξης σε αυτά τα έργα πάνω από το συναισθηματικό".

Η τρίτη ομάδα επαναλαμβάνει την κορυφή της δημιουργικότητας του θαλάμου του Brahms. Η πληρότητα και η ποικιλία του εικονιστικού-συναισθηματικού περιεχομένου συνδυάζονται εδώ με ώριμη ικανότητα. Προσοχή σχεδιάζεται στην ενίσχυση, αφενός, η ηρωική-επική γραμμή, και από την άλλη - ακόμα πιο προσωπική, υποκειμενική. Μια τέτοια αντίφαση είναι ένας δείκτης των χρόνων κρίσης κατά την τελευταία περίοδο ζωής του Brahms.

Εστίαση για λίγο τα χαρακτηριστικά των μεμονωμένων έργων.

Brahms - ο συγγραφέας των επτά σύνολο συμβολοσειρών - τρία κουαρτέτα, δύο πεντώνια και δύο αιρέσεις στο quintet ή. 115 Κάρτα Clarinet, όπως αναφέρεται ο συγγραφέας, μπορεί να αντικατασταθεί από την Alt. Έτσι, αυτό το έργο μπορεί να θεωρηθεί γραμμένο για ένα σύνολο συμβολοσειρών. Αυτές οι διαφορετικές συνθέσεις στις πολύχρωμες ευκαιρίες τους προσελκύουν τον συνθέτη σε διάφορες περιόδους δημιουργικότητας: στα έτη 1859-1865, οι αιρέσεις γράφονται, το 1882-1875 - Κουαρέτες, το 1882 -1890-Κυβέρνηση. Το περιεχόμενο των πρώτων και αργότερα δοκίμια - σεξουαλικά και κουτιέτες είναι απλούστερη, πιο κοντά στα παλιά δρομολόγια XVIII αιώνα ή ο ορχηστρικός σερενάβα του ίδιου του Bramsa, ενώ η μουσική των τεταδίων είναι πιο εμπεριστατωμένη και υποκειμενική.

Άλλα μέρη αντανακλώνται σε συστατικά συμβολοσειρά. Ο Brahms παραδέχτηκε κάπως στη συζήτηση ότι πριν από τις αρχές της δεκαετίας του 1870 έγραψε περίπου είκοσι έργα για το κουαρτέτο χορδών, αλλά δεν τους δημοσίευσε, το χειρόγραφο καταστράφηκε. Από τα διατηρημένα δύο - C-Moll και A-Moll - ανακυκλώνονται κάτω από το ΕΠ. 51 το 1873; Τρία χρόνια αργότερα, το τρίτο κουαρτέτο του Β-Dur απελευθερώθηκε, Or. 67.

Μέχρι τη δημιουργία τριών τετραγωνικών στοιχείων (1873-1875), ο Brahms είχε συσσωρεύσει μια πλούσια εμπειρία στον τομέα της δημιουργικότητας του θαλάμου και εισήλθε στη λωρίδα της πιο φωτεινής ακμή του. Τρία κουαρτέτα με χορδές που γράφονται το ένα μετά το άλλο στις αρχές της δεκαετίας του 1870 επισημαίνονται από τα χαρακτηριστικά της πλήρους ωριμότητας, των υψηλών καλλιτεχνικών δεξιοτήτων, του εξοπλισμού Virtuoso της κατοχής του σκορ κουαρτέτου. Αυτά είναι αριστουργήματα των μουσικών δωματίων Brahms. Οι βαθιές και πολύπλοκες ψυχολογικές διεργασίες αποκαλύπτονται σε αυτούς σε ένα δυναμικό στρες με μια περιοριστική συγκέντρωση και λακονισμό. Η σημασία του σχεδίου και η ένταση της ανάπτυξης μας επιτρέπουν να μιλάμε για την αληθινή συμφωνία αυτών των έργων, κληρονομώντας την παράδοση του Μπετόβεν, δηλώνει τον L. Kokoreva: "Οι βαθιές εγχώριες συνδέσεις με την κλασική μουσική - οι ηρωικές και δραματικές ιδέες του Μπετόβεν, φιλοσοφικές Στίχοι - διαθλάστες χωριστά, σε καθαρά δράμα κύκλου Brahms. Η ρομαντική ώθηση και ο πάθος είναι κατώτεροι από την αυστηρή συγκράτηση της έκφρασης. "

Οι τετραγωνιστές συμβολοσειρών, καθώς και πιάνο, σχηματίζουν τρία από το περιεχόμενο των έργων που έχουν ενσωματώσει τις τρεις σημαντικότερες έννοιες Brahms: δραματικό, λυρικό και ποιμαντικό είδος. Γράφτηκε την παραμονή της συμφωνίας, τα κουαρτέτα ήταν ένα σημαντικό ορόσημο στο δρόμο προς αυτούς: ήταν στο πλαίσιο των σύνολο των συμβολοσειρών ότι το συμφωνικό στυλ του συνθέτη ήταν θυμωμένος. Από εδώ, η εσωτερική σχέση δύο ειδών, η διασύνδεση, καθώς και η αλληλεξάρτηση δύο εκκινήσεων - η κάμερα και ο simphonism, χύνεται στην ποιότητα της μουσικής Brahms. Το Συμφωνικό Επιμελητήριο τοποθετείται στην ψυχολογική πολυπλοκότητα, οι λεπτές αποχρώσεις των διαβαθμίσεων στη μεταφορά διαφόρων αποχρώσεων του συναισθηματικού περιεχομένου, το κουαρτέτο είναι με την πλήρη αίσθηση της σύφιλου.

Η ειδική οικειότητα γίνεται αισθητή μεταξύ του κουαρτέτου OP C-Moll. 51 και Συμφωνία στον ίδιο τόνο, τα πρώτα μέρη των οποίων γράφονται σε μια συναισθηματική φλέβα. Προβλέπει τον μελλοντικό κύκλο συμφωνίας και στη συνέχεια γράφει τον L. Kokorev ότι αντί για ένα Scherzo, το οποίο εξακολουθούσε να επικρατούσε στα σύνολα, εδώ εμφανίζεται ένα είδος internezzo στο ρυθμό του Allegretto, το οποίο συνημμένο ένα κουαρτέτο της μοναδικής ατομικής εμφάνισης. Το κουαρτέτο C-Moll συνέχισε τη γραμμή δραματοποίησης του τελικού, η οποία αργότερα θα γίνει ένα διακριτικό σημάδι ενός ώριμου συμφωνικού στυλ. Αλλά ακόμη και μεταξύ των πιο ώριμων αγωγών Brahms, το κουαρτέτο C-Moll επισημαίνεται από σπάνιες λακωνισμός, τη συγκέντρωση της σκέψης, την ενότητα του κύκλου, τα επιμέρους τμήματα των οποίων διασυνδέονται από την ανάπτυξη μιας ιδέας, ειδική ολίσθηση μέσα σε κάθε μία μέρος.

Το δεύτερο κουαρτέτο A-Moll Op. 51 Στην τριάδα των τεμαχίων χορδών, η λειτουργία του λυρικού κέντρου εκτελεί και χαρακτηρίζεται από ένα μαλακό εσωτερικό τόνο, το τραγούδι, τη διαφανή υφή. Μετά τις δυναμικές αντιθέσεις του Κουαρτέτου C-Moll, την παρορμητική και έντονη κορύφωση, ταχεία ανάπτυξη, η ομαλότητα της ανακούφισης αισθάνεται εδώ, η μαλακή πλαστικότητα των μελωδικών περιγραμμάτων, μια χαλαρή μουσική. Το Scholerent Start σε αυτό αντιτίθεται στο Beetheovensky, επικρατούσε στο πρώτο κουαρτέτο. Ωστόσο, αυτό ισχύει μόνο για τρία πρώτα μέρη στα οποία αποκαλύπτει σταθερά ο πλούσιος και ο ιδιόμορφος κόσμος των στίχων Brahms. Ο τελικός είναι γεμάτος μη εξειδικευμένη ενέργεια, δραματική αντοχή και είναι το αποτέλεσμα του περιγράμματος, στην οποία κατευθύνεται όλη η ανάπτυξη.

Το τρίτο κουαρτέτο σε dur ή. 67, που δημιουργήθηκε από τον συνθέτη το 1875, δύο χρόνια μετά τα δύο πρώτα, τα αντιτίθενται με το χαρούμενο, ελαφρύ τόνο τους. Δασικές ζωγραφιές φυσικής φύσης, αστεία ζωντανά ρυθμούς, μελωδίες τραγουδιών διαπερνούν αυτό το δοκίμιο, όπου η αντίθεση του ολόκληρου χαρούμενου κόσμου-μύλου, ενσωματώνεται σε τρία μέρη, είναι το agitato allogetto non troppo (τρίτο μέρος) d-moll.

Δύο queints - f-dur, Or. 88 και g-dur, Or. 111 - γραμμένο για ομοιογενή σύνθεση - δύο βιολιά, δύο άλτο και τσέλο. Άλλο, θαρραλέο χαρακτήρα που είναι εγγενές στο πρώτο quintet. Χαρούμενη ευκολία στο πνεύμα του Ι. Strauss - το δεύτερο. Το δεύτερο quintet ανήκει στον αριθμό της καλύτερης εργασίας του Brahms.

Οι σονάς δίνουν μια ποικιλία περιεχομένου - δύο για το τσέλο (1865 και 1886) και τρία για βιολί με πιάνο (1879, 1886 και 1888).

Από το παθιασμένο Elegy του πρώτου μέρους στο λυπηρό, η Βιέννη στις στροφές της μενού του δεύτερου μέρους και ο φυγόδικος τελικός με τη δυναμική της ενέργειας είναι ένας τέτοιος κύκλος εικόνων του πρώτου σονίνου Sonata Sonata, OP. 38. Το πνεύμα επαναστατικού ρομαντισμού Sheaven το δεύτερο sonata f-dur, op. 99; Όλοι διαπερνούν από οξεία σύγκρουση.

Μια ζωντανή απόδειξη της ανεξάντλητης δημιουργικής φαντασίας Brahms μπορεί να χρησιμεύσει ως βολής Sonatas - καθένας από αυτούς είναι μοναδικά άτομο. Πρώτη sonata g-dur, op. 78 προσελκύει ποίηση, ευρύ, υγρό και ομαλή κίνηση. Έχει στιγμές τοπίου. Δεύτερη sonata a-dur, op. 100, το τραγούδι, χαρούμενο, περιγράφεται συνοπτικά και συναρμολογείται. Ξαφνικά, η επιρροή της φράσης ανιχνεύεται στο δεύτερο μέρος. Σε γενικές γραμμές, η έλλειψη μεγάλης ανάπτυξης και δράματος - το διαθέτει μεταξύ άλλων δοκίμιο δωματίου του Brahms. Ιδιαίτερα μεγάλες διαφορές από το τρίτο sonatata d-moll, OP. 108. Πρόκειται για ένα από τα πιο δραματικά, συγκρούματα έργα του συνθέτη, στην οποία αναπτύσσονται οι επαναστατικές και ρομαντικές εικόνες με μεγάλη τελειότητα του δεύτερου σονάτα.

Η τέλεια έκφραση της περιόδου "Storm and Natiska" στη δημιουργική βιογραφία του Brahms δίνει το Piano Quintet F-Moll, OP. 34. Σύμφωνα με τον M. Druskin, η εργασία αυτή είναι η καλύτερη όχι μόνο σε αυτή την περίοδο, αλλά ίσως σε όλη την κοινοτική κληρονομιά του συνθέτη του συνθέτη: "Η μουσική του QUINTET φτάνει στην γνήσια τραγωδία. Κάθε τμήμα είναι κορεσμένο με εικόνες δράσης, ενοχλητικές ριπές και παθιασμένο άγχος, αρρενωπότητα και adamant. " Ο Brahms γύρισε σε ένα δοκίμιο το 1861, σκέφτοντας το για συμβολοσειρά. Αλλά η δύναμη και η αντίθεση των εικόνων εμπόδισαν τις δυνατότητες των χορδών. Στη συνέχεια, οι συντάκτες γράφτηκαν για δύο πιάνο, αλλά δεν ικανοποίησε τον συνθέτη. Μόνο το 1864 αποδείχθηκε ότι βρήκε την επιθυμητή μορφή, όπου το κουαρτέτο χορδών υποστηρίχθηκε από το πιάνο.

Στο ίδιο θέμα, κάθε φορά που το λύνει διαφορετικά, οι Brahms επέστρεψαν στο τέλος της ζωής του στο τρίτο ανάτη του βιολιού και στο τρίτο τρίο πιάνο. Αλλά στις τελευταίες τέσσερις ενώσεις του θαλάμου (1891-1894) άλλα θέματα και οι εικόνες ενσωματώνονται.

Στο πλαίσιο της θεματικής δημιουργικότητας του θαλάμου του Brahs, το πιάνο του αξίζει ιδιαίτερη προσοχή.

Το πρώτο τρίο για πιάνο, βιολί και τσέλο H-Dur, OP. 8 ανήκει στον 20χρονο συγγραφέα του Περού. Κατακλείστε τη νεανικότητα της εφεύρεσης, ρομαντικό συναίσθημα.

Θα πρέπει να δηλωθεί ότι σε αίθουσες συναυλιών και εκπαιδευτικά ιδρύματα αυτό το τρίο ακούγεται στη δεύτερη έκδοση που δημιουργήθηκε από τον συνθέτη το 1890. Τραβένουν από τον φίλο του, γνωστό από τον αυστριακό μουσικολόγο Ε. Hanslik, Brahms στράφηκε στην πρώιμη Opus του και την υποχώρησε σε μια καρδινική αλλοίωση. Στη νέα έκδοση, η αρχή των εξαρτημάτων και τα κύρια θέματα τους διατηρήθηκαν από την αρχική επιλογή. Το δεύτερο μέρος παρέμεινε σχεδόν αμετάβλητο. Εξοικονόμηση στη δεύτερη έκδοση, ο κανονικός αριθμός του Opus, ο συγγραφέας τόνισε έτσι την επιθυμία του να βελτιώσει μόνο το έργο που γράφτηκε στα νεαρά χρόνια. Ωστόσο, βελτιώθηκε από την άποψη ενός ώριμου κύριου, εξαιρετικά απαιτητικές και αυστηρές για τον εαυτό του, και, ουσιαστικά, αποτελούσε σχεδόν τρία τέταρτα του τρίτου. Οι κύριες διαφορές μεταξύ των δύο επιλογών αφορούν τις έννοιες της έννοιας, αρχές της δραματουργίας ανάπτυξης και σχηματισμού, μέθοδοι παρουσίασης του υλικού.

Trio es-dur op. 40 Για το πιάνο, τα βιολιά και το γαλλικό κέρατο, στο ES γράφτηκε το 1865 και για πρώτη φορά που δημοσιεύθηκε το 1866 από τον εκδοτικό οίκο Breitkopf & Hartel. Η μουσική λογοτεχνία μιλάει μερικές φορές ότι το τρίο (ή μεμονωμένα μέρη του) δημιουργήθηκε στη δεκαετία του 1850 και ανήκει στην πρώιμη περίοδο της δημιουργικότητας του συνθέτη. Αυτή η υπόθεση, ωστόσο, δεν είναι εύλογη πειστική, Α. Bondurensky, χωρίς αμφιβολία, γράφεται από το χέρι ενός ώριμου κύριου: "Δεν υπάρχουν ίχνη της υπερκείμενης μορφής με μουσικό υλικό, με αυτό που συναντάμε στις αρχές Γραφεία Brahms, ιδίως στην πρώτη έκδοση του Trio H-Dur op. 8. Αντίθετα, το τρίο ES-DUR προσελκύει ακριβώς την αλληλογραφία και τη μορφή, με την επιθυμία για τον Λακών και την απλότητα της δήλωσης, τα οποία είναι εγγενή στις μεταγενέστερες οπές του συνθέτη, για παράδειγμα, το τρίο. 87 και. 101 "Ο Bondurinsky αναφέρει ένα άλλο - εννοιολογικό δράμα - επιχείρημα υπέρ του τι δημιουργήθηκε το τρίο το 1865. Φέτος στη ζωή του Brahms συνδέεται με ένα από τα πιο τραγικά γεγονότα - ο θάνατος της μητέρας του είναι ζεστά αγαπημένη του. Μια άμεση ανταπόκριση του συνθέτη σε αυτό το γεγονός ήταν το "Γερμανικό Requiem" του ή. 45, γραμμένο κατά το ίδιο έτος. Αλλά στο Trio ES-DUR, η επιθυμία για την ανάπτυξη θλιβερών εικόνων βρίσκεται - από το ηλεκτρονικό ταχυδρομείο των επεισοδίων στο πρώτο μέρος σε μια γνήσια τραγωδία στο Adagio Mesto .. Σύμφωνα με τον M. Druskin, ούτε το ηλεκτρονικό φιλικό δοκίμιο δεν το έκανε Ανοίξτε πλήρως την καθαρή, ενθουσιώδη ψυχή του Romance Brahms.

Τρίο για πιάνο, βιολί και τσέλο C-dur op. 87 (1880-1882) ανήκει στην επόμενη περίοδο της δημιουργικής βιογραφίας του J. Bramsa. Από το τέλος της δεκαετίας του 1870, ο συνθέτης βρίσκεται στο ζενίθ της δόξας. Το 1876, το Πανεπιστήμιο του Cambridge τον εκχωρεί τον επίτιμο τίτλο του γιατρού της μουσικής, ένα χρόνο αργότερα, η Φιλαρμονική Εταιρεία του Λονδίνου (Φιλαρμονική Εταιρεία) τιμάται με ένα χρυσό μετάλλιο. Από το 1880, είναι επίτιμος γιατρός του Πανεπιστημίου στο Breslau. Ο Brahms συναυλίες ως πιανίστας και ο αγωγός πραγματοποιούνται με μεγάλη επιτυχία στην Αυστρία, τη Γερμανία, την Ελβετία, την Ολλανδία, την Ουγγαρία, την Πολωνία. Το σημάδι της αξίας του ως συνθέτη και μουσικό σχήμα ήταν οι προσκλήσεις της θέσης του μουσικού διευθυντή στο Ντίσελντορφ (το οποίο με δύο δεκαετίες νωρίτερα κρατήθηκε από τον R. Schuman) και για τη θέση του Cantor της Εκκλησίας του Αγίου FOMA στη Λειψία.

Η παραμονή του 1878 χαρακτηρίστηκε από την πρεμιέρα της δεύτερης συμφωνίας, η οποία ακουγόταν στη Βιέννη υπό τον έλεγχο του Hans Richter. Η απόδοση της ίδιας συμφωνίας το Σεπτέμβριο του 1878 στην πατρίδα του Brahms - Αμβούργο - με τον εορτασμό της πενταετής επέτειας από το ίδρυμα της Φιλαρμονικής ήταν το γνήσιο θρίαμβο του συνθέτη. Την πτώση του Brahms και ο διάσημος βιολιστής Joachim, ο οποίος δεσμεύει στενά φιλικά ομόλογα, πηγαίνουν σε ένα μεγάλο ταξίδι συναυλιών κατά μήκος της Ουγγαρίας και τον Φεβρουάριο του 1880 - στην Πολωνία. Σχεδόν ταυτόχρονα, ο Brahms αρχίζει να εργάζεται σε ένα τρίο για πιάνο, βιολί και τσέλο C-dur op. 87. Μια στενή δημιουργική και φιλική επικοινωνία με το Joachima κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, καθώς ο Α. Bondurinsky πιστεύει, επηρέασε την πρόθεση του Trio.

Ολοκληρώθηκε τον Ιούνιο του 1882, η παράδοση Beethoben-Schubert σε αυτό το είδος μουσικής του δωματίου συνεχίζεται τον Ιούνιο του 1882. Οι ερευνητές σημειώνουν τη γενικότητα των αρχών της κατασκευής ενός κύκλου στο σύνολό του, των μεμονωμένων τμημάτων του, της χρήσης των τυχαίων τεχνικών για την παρουσίαση μουσικού υλικού που παράγονται από τους μεγάλους προκάτοχούς του και ακόμη και τη σχέση αντιμετώπισης ορισμένων από αυτά. Ταυτόχρονα, παραμένοντας μια προσκολλημένη των κλασσικών παραδόσεων στον τομέα της μορφής, ο Brahms ταιριάζει στο περιεχόμενο με μια ειδική, εγγενή ρομαντική μαζέστο.

Τρίο για πιάνο, βιολί και τσέλο C-Moll, ΕΠ. 101 (1886) βρίσκεται στο επίπεδο των καλύτερων δοκίμιων δωματίων του Brahms. Εντοπίζει όχι μόνο λάμπει, τον πλούτο της φαντασίας του συνθέτη, αλλά και εξαιρετικές δεξιότητες σύνθεσης. Σε ένα μικρό τρίο, επιτυγχάνεται πλήρης συμμόρφωση και μορφή. Οι μουσικές σκέψεις είναι εξαιρετικά σημαντικές, η παρουσίαση είναι εξαιρετικά συνοπτική. Θαυμάζει την ποικιλία των τεχνικών εκτέλεσης που χρησιμοποιεί ο συνθέτης. Κάθε ένας από τους συμμετέχοντες του συγκροτήματος είναι η πιθανότητα εκδήλωσης των σόλο δεξιοτήτων τους και ταυτόχρονα, οι συνθέσεις της σύνθεσης απαιτούν τη συγκέντρωση της βούλησης και των τριών στην επίτευξη ενός κοινού στόχου.

Το τρίο C-Moll ακουγόταν αρχικά στη Βουδαπέστη στις 20 Οκτωβρίου 1886 στην εκτέλεση του συγγραφέα, Ε. HUBAY και D. Popper και αμέσως έλαβε αναγνώριση. Στις ενθουσιώδεις απαντήσεις των σύγχρονων Brahms, σημειώθηκε η κλίμακα του σχεδιασμού και της συντομογραφίας της παρουσίασης, του εικαστικού πλούτου και της εκπληκτικής συγκέντρωσης της μορφής.

Τρίο για πιάνο, κλαρινέτο σε A και Cello A-Moll ή. Το 114 μπορεί σωστά να ονομαστεί το "Swan Song" του συνθέτη στο είδος του πιάνου Trio. Και όχι μόνο επειδή μετά από τον Brahms δεν έκανε πλέον άσκηση στο τρίο, αλλά και επειδή σε αυτό το έργο, μια φωτεινή έκφραση βρέθηκε όλα τα καλύτερα από το τρίο του γερμανικού καλλιτέχνη, - η ρομαντική συσσώρευση των εικόνων, το παθιασμένο στοιχείο του ουγγρικού Λαογραφία, ήρεμη ειρήνη του Γερμανού Lieder. Εδώ βρήκαν την υλοποίηση των τελικών μεθόδων για την κατασκευή μιας φόρμας δοκίμιου, την επιθυμία για τη Συμφωνία του Είδου Τιμών.

Όπως ήδη αναφέρθηκε, η εμφάνισή του είναι υποχρεωμένη από τον Clarnetist Richard Mühlfeld, τον σολίστ της Ορχήστρας Mininghen. Η τέχνη του κατέλαβε τον συνθέτη. Χάρη στην απαλότητα του ήχου του εργαλείου, η τρυφερότητα του τόνου Mülimfeld αξίζει το ψευδώνυμο "Fraulein-Clasainette" "Clarinet-Girl" (IT.). Ο Brahms "απονεμήθηκε". Ήταν τα έκτακτα μουσικά και καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα του Clarnetist χρησίμευσε ως λόγος για να δημιουργήσετε έναν συνθέτη τεσσάρων καλύψεων για αυτό το εργαλείο. Εκτός από το τρίο ή. 114 - αυτό είναι το quintet ή. 115 για κουαρτέτο κορνίζα και κλαρίνο και δύο ή σόνατα. 120 για κλαρίνο και πιάνο.

Στα σύνολα Clarinet, ο J. Brahms φτάνει σε μια νέα ποιότητα εικόνων και δράματος, ενώ παράλληλα συνοψίζει όλη τη δημιουργικότητά του. Η συνολική ατμόσφαιρα αυτών των έργων - στίχοι, ο συνολικός αντίθετος χαρακτήρας - η αποστολή, το μήκος, το μήκος, το μήκος των γραμμών: «Ο τελικός ρόλος της αρχής τραγουδιού στο έργο του συνθέτη εγκρίνεται στα τελευταία γραπτά», Υποδεικνύει την Ε. Τσαρέβα. Οι ιδιαιτερότητες του κλαρίνου αντιστοιχεί τέλεια σε αυτή την ποιότητα. Η χειροτεχνία του συνόλου εδώ φέρεται στην τελειότητα. Κάθε εργαλείο χρησιμοποιείται σύμφωνα με την εξειδίκευση του. Για την αποκάλυψη της συναισθηματικής ιδιαιτερότητας των έργων, η κατηγορία Clarinet ήταν ιδιαίτερα εκφραστική. Αυτό το εργαλείο ορείχαλκου φορτίζεται με λυρικές μελωδίες τραγουδιού και η έντονη δραματική απόσβεση και το Virtuoso περνά σε διαφορετικά μητρώα και πολύχρωμες μορφές, Trill, Tremolo, συνοδευόμενη. Matte, στο χαμηλό κώτιο μητρώου, κατά μέσο όρο - ένα εκπληκτικά που μοιάζει με ανθρώπινη φωνή, λέγοντας ή διαμαρτύρονται, ο Gradm of Clarinet είναι πολύ κατάλληλος τόσο για το elegic χρώμα που επικρατεί στον στιχουργία των τελευταίων brahms. Το κλαρίνο συγχωνεύεται με τη συμβολοσειρά, δίνοντάς τους έναν ήχο με κάποια απόσπαση, τότε τους περιβάλλει σε ελαφρύ κινούμενο Arpeggios, σποράζει σε μελωδίες-αυτοσχεδιασμούς.

Τα ονόματα των Brahms είπε αντίο στο όργανο του θαλάμου. Δύο χρόνια αργότερα, στο τέλος αυτών των σονάτ, το 1896, ο Brahms δημιούργησε δύο ακόμη, τα τελευταία έργα, αλλά σε άλλα είδη: "τέσσερις αυστηρές γήκες" για μπάσο με πιάνο με πιάνο και "και χορωδιαία πρελόκ για το όργανο" (μεταγενέστερα δημοσιεύονται) .

Κανένας από τους συγχρόνους του Brahms δεν μίλησε στον τομέα του θαλάμου και την οργάνωση δημιουργικότητας τόσο φυσικά, με μια τέτοια πληρότητα και καλλιτεχνική τελειότητα, όπως έκανε ο Brahms. Στη συνέχεια, υπό την επιρροή του ισχυρότερου παλμού, η οποία προέρχεται από το έργο του, η μουσική της αίθουσας στη δημιουργικότητα της ξινιάς κρέμας και των αηψεών, η Frank και Grieg αναπτύσσεται με επιτυχία. Ένα ιδιόμορφο παράλληλο στη ρωσική μουσική με τη σειρά των αιώνων αντιπροσωπεύει το έργο του TaneyEv.

Μπορείτε επίσης να πείτε ότι αυτή η γραμμή τέχνης του Brahms, τόσο προσεκτικά και συνεχώς αναπτυγμένη από αυτόν στο δεύτερο μισό του XIX αιώνα, δίνει πλούσια φυτά στη σύγχρονη μουσική. Brahms, όπως ήταν, μια γέφυρα από τα κλασικά της Βιέννης στον νέο κλασικισμό του 20ού αιώνα με την ειδικότητά του για την κάμερα. Ο άμεσος οπαδός της Bramsa στην αρχή του αιώνα μας εκτελεί τον Μ. Reger. Μετά από αυτό, ο εξαιρετικός πλοίαρχος του τμήματος Ensemble P. Hindemit, ο οποίος έχει κληρονομηθεί με εκτεταμένη λογοτεχνία του θαλάμου, συμπεριλαμβανομένων των κουαρτέτων, των ντουέτς, δεν είναι δύσκολα για όλες τις χορδές και τα αιολικά όργανα. Ειδική τεχνική των στελεχών του θαλάμου με τον πολύφωθρα του, τον θεματικό κορεσμό των λεπτομερειών υφάσματος και υφή, και το σημαντικότερο - τέτοια αλληλένδετα στοιχεία που επιτρέπει σε όλη την ανάπτυξη να πραγματοποιήσει ένα σιτάρι, έχει μεγάλη επιρροή στις αρχές της σκέψης του Schonberg και Το σχολείο του και βρήκε μια άμεση συνέχιση στα πρώιμα τμήματα Schönberg Ensembles, Berg και Weberna.