Τα ονόματα των πιο διάσημων Γάλλων καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Αναγεννησιακά στοιχεία: λίστα και επιτεύγματα

Το αναμφισβήτητο επίτευγμα της Αναγέννησης ήταν η γεωμετρικά σωστή κατασκευή της εικόνας. Ο καλλιτέχνης έχτισε την εικόνα χρησιμοποιώντας τις τεχνικές που ανέπτυξε. Το κύριο πράγμα για τους ζωγράφους εκείνης της εποχής ήταν να παρατηρούν τις αναλογίες των αντικειμένων. Ακόμα και η φύση έπεσε κάτω από τα μαθηματικά κόλπα του υπολογισμού της αναλογικότητας μιας εικόνας με άλλα αντικείμενα της εικόνας.

Με άλλα λόγια, οι καλλιτέχνες κατά την Αναγέννηση προσπάθησαν να μεταφέρουν μια ακριβή απεικόνιση, για παράδειγμα, ενός ατόμου με φόντο τη φύση. Αν το συγκρίνουμε με σύγχρονες τεχνικές αναδημιουργίας μιας εικόνας που έχει δει σε κάποιον καμβά, τότε, πιθανότατα, η φωτογραφία με μεταγενέστερες προσαρμογές θα βοηθήσει να καταλάβουμε τι προσπαθούσαν οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης.

Οι ζωγράφοι της Αναγέννησης πίστευαν ότι είχαν το δικαίωμα να διορθώσουν τα ελαττώματα της φύσης, δηλαδή, εάν ένα άτομο είχε άσχημα χαρακτηριστικά προσώπου, οι καλλιτέχνες τα διόρθωσαν με τέτοιο τρόπο ώστε το πρόσωπο να γίνει χαριτωμένο και ελκυστικό.

Λεονάρντο Ντα Βίντσι

Η εποχή της Αναγέννησης έγινε τέτοια χάρη στις πολλές δημιουργικές προσωπικότητες που έζησαν εκείνη την εποχή. Ο παγκοσμίου φήμης Leonardo da Vinci (1452 - 1519) δημιούργησε έναν τεράστιο αριθμό αριστουργημάτων, το κόστος των οποίων εκτιμάται σε εκατομμύρια δολάρια και οι γνώστες της τέχνης του είναι έτοιμοι να σκεφτούν τους πίνακές του για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Ο Λεονάρντο ξεκίνησε τις σπουδές του στη Φλωρεντία. Ο πρώτος καμβάς του, γραμμένος γύρω στο 1478, είναι "Benois Madonna". Στη συνέχεια υπήρχαν δημιουργίες όπως "Madonna in the grotto", "Mona Lisa", το προαναφερθέν "Last δείπνο" και πολλά άλλα αριστουργήματα, γραμμένα από το χέρι ενός τιτάνα της Αναγέννησης.

Η σοβαρότητα των γεωμετρικών αναλογιών και η ακριβής αναπαραγωγή της ανατομικής δομής ενός ατόμου είναι αυτά που χαρακτηρίζουν τον πίνακα του Leonard da Vinci. Σύμφωνα με τον ίδιο, η τέχνη της απεικόνισης ορισμένων εικόνων σε καμβά είναι επιστήμη και όχι μόνο ένα είδος χόμπι.

Ραφαέλ Σάντι

Ο Ραφαήλ Σάντι (1483 - 1520) γνωστός στον κόσμο της τέχνης ως Ραφαήλ δημιούργησε τα έργα του στην Ιταλία. Οι πίνακές του είναι διαποτισμένοι από λυρισμό και χάρη. Ο Ραφαήλ είναι εκπρόσωπος της Αναγέννησης, ο οποίος απεικόνισε τον άνθρωπο και τη ζωή του στη γη, του άρεσε να ζωγραφίζει τους τοίχους των καθεδρικών ναών του Βατικανού.

Οι πίνακες πρόδιδαν την ενότητα των μορφών, την ανάλογη αντιστοιχία του χώρου και των εικόνων, την ευφορία του χρώματος. Η καθαρότητα της Παναγίας ήταν η βάση για πολλούς πίνακες του Ραφαήλ. Η πρώτη του εικόνα για τη Μητέρα του Θεού είναι η Sistine Madonna, η οποία ζωγραφίστηκε από έναν διάσημο καλλιτέχνη το 1513. Τα πορτρέτα που δημιουργήθηκαν από τον Ραφαήλ αντανακλούσαν την ιδανική ανθρώπινη εικόνα.

Σάντρο Μποτιτσέλι

Ο Sandro Botticelli (1445 - 1510) είναι επίσης ζωγράφος της Αναγέννησης. Ένα από τα πρώτα του έργα ήταν ο πίνακας «Λατρεία των Μάγων». Η λεπτή ποίηση και η ονειροπόληση ήταν οι αρχικοί του τρόποι στον τομέα της μεταφοράς καλλιτεχνικών εικόνων.

Στις αρχές της δεκαετίας του '80 του 15ου αιώνα, ο μεγάλος καλλιτέχνης ζωγράφισε τους τοίχους του παρεκκλησίου του Βατικανού. Οι τοιχογραφίες από το χέρι του είναι ακόμα εντυπωσιακές.

Με την πάροδο του χρόνου, η ηρεμία των κτιρίων της αρχαιότητας, η ζωντάνια των εικονιζόμενων χαρακτήρων, η αρμονία των εικόνων έγινε εγγενής στους πίνακές του. Επιπλέον, είναι γνωστό το χόμπι του Botticelli για σχέδια σε διάσημα λογοτεχνικά έργα, το οποίο επίσης πρόσθεσε μόνο δόξα στο έργο του.

Μικελάντζελο Μπουοναρότι

Ο Μικελάντζελο Μπουοναρότι (1475 - 1564) είναι Ιταλός ζωγράφος που εργάστηκε επίσης κατά την Αναγέννηση. Αυτό που έκανε αυτό το γνωστό σε πολλούς από εμάς δεν έκανε. Και γλυπτική, και ζωγραφική, και αρχιτεκτονική, καθώς και ποίηση. Ο Μικελάντζελο, όπως ο Ραφαήλ και ο Μποτιτσέλι, ζωγράφισαν τους τοίχους των ναών του Βατικανού. Άλλωστε, μόνο οι πιο ταλαντούχοι ζωγράφοι εκείνης της εποχής συμμετείχαν σε ένα τόσο υπεύθυνο έργο όπως η σχεδίαση εικόνων στους τοίχους των καθολικών καθεδρικών ναών. Έπρεπε να καλύψει περισσότερα από 600 τετραγωνικά μέτρα της Καπέλα Σιξτίνα με τοιχογραφίες που απεικονίζουν διάφορα βιβλικά θέματα. Το πιο διάσημο έργο σε αυτό το στυλ είναι γνωστό σε εμάς ως "Η τελευταία κρίση". Το νόημα της βιβλικής ιστορίας εκφράζεται πλήρως και με σαφήνεια. Μια τέτοια ακρίβεια στη μεταφορά εικόνων είναι χαρακτηριστική για το σύνολο του έργου του Μικελάντζελο.

Αναγέννηση (Αναγέννηση). Ιταλία. XV-XVI αιώνες. Πρώιμος καπιταλισμός. Η χώρα διοικείται από πλούσιους τραπεζίτες. Ενδιαφέρονται για την τέχνη και την επιστήμη.

Οι πλούσιοι και με επιρροή συγκεντρώνουν τους ταλαντούχους και τους σοφούς γύρω τους. Ποιητές, φιλόσοφοι, ζωγράφοι και γλύπτες έχουν καθημερινές συνομιλίες με τους θαμώνες τους. Για μια στιγμή φάνηκε ότι οι άνθρωποι διοικούνταν από σοφούς, όπως ήθελε ο Πλάτων.

Θυμήθηκαν τους αρχαίους Ρωμαίους και Έλληνες. Ο οποίος επίσης έχτισε μια κοινωνία ελεύθερων πολιτών. Όπου η κύρια αξία είναι ένα άτομο (χωρίς να υπολογίζουμε τους σκλάβους, φυσικά).

Η Αναγέννηση δεν είναι απλώς αντιγραφή της τέχνης των αρχαίων πολιτισμών. Αυτό είναι σύγχυση. Μυθολογία και Χριστιανισμός. Ρεαλισμός της φύσης και ψυχικότητα εικόνων. Φυσική ομορφιά και πνευματική ομορφιά.

Justταν απλά μια λάμψη. Η Υψηλή Αναγέννηση είναι περίπου 30 ετών! Από τη δεκαετία του 1490 έως το 1527 Από την αρχή της ακμής της δημιουργικότητας του Λεονάρντο. Πριν την αρπαγή της Ρώμης.

Το θαύμα ενός ιδανικού κόσμου ξεθώριασε γρήγορα. Η Ιταλία αποδείχθηκε πολύ εύθραυστη. Σύντομα υποδουλώθηκε από έναν άλλο δικτάτορα.

Ωστόσο, αυτά τα 30 χρόνια έχουν καθορίσει τα κύρια χαρακτηριστικά της ευρωπαϊκής ζωγραφικής για 500 χρόνια μπροστά! Μέχρι και .

Ρεαλισμός της εικόνας. Ανθρωποκεντρισμός (όταν ένα άτομο είναι ο κύριος χαρακτήρας και ήρωας). Γραμμική προοπτική. Λαδομπογιές. Πορτρέτο. Τοπίο…

Απίστευτα, σε αυτά τα 30 χρόνια πολλοί λαμπροί δάσκαλοι εργάστηκαν ταυτόχρονα. Τα οποία σε άλλες εποχές γεννιούνται ένα στα 1000 χρόνια.

Ο Λεονάρντο, ο Μικελάντζελο, ο Ραφαήλ και ο Τιτσιάν είναι οι τιτάνες της Αναγέννησης. Αλλά δεν μπορεί κανείς να μην αναφέρει τους δύο προκατόχους τους. Giotto και Masaccio. Χωρίς την οποία δεν θα υπήρχε Αναγέννηση.

1. Giotto (1267-1337)

Πάολο Ουτσέλο. Giotto da Bondogni. Θραύσμα του πίνακα "Πέντε Δάσκαλοι της Φλωρεντίνης Αναγέννησης". Αρχές του 16ου αιώνα. ...

XIV αιώνας. Πρωτοαναγέννηση. Ο κύριος χαρακτήρας του είναι ο Giotto. Αυτός είναι ένας δάσκαλος που έφερε μόνος του την επανάσταση στην τέχνη. 200 χρόνια πριν την Υψηλή Αναγέννηση. Αν δεν ήταν αυτός, η εποχή, για την οποία η ανθρωπότητα είναι τόσο περήφανη, δύσκολα θα είχε έρθει.

Πριν από τον Giotto, υπήρχαν εικόνες και τοιχογραφίες. Δημιουργήθηκαν σύμφωνα με τους βυζαντινούς κανόνες. Πρόσωπα αντί για πρόσωπα. Επίπεδες φιγούρες. Μη τήρηση των αναλογιών. Αντί για τοπίο, υπάρχει χρυσό φόντο. Όπως, για παράδειγμα, σε αυτό το εικονίδιο.

Γκουίντο ντα Σιένα. Λατρεία των Μάγων. 1275-1280 Altenburg, Μουσείο Lindenau, Γερμανία.

Και ξαφνικά εμφανίζονται οι τοιχογραφίες του Giotto. Έχουν τρισδιάστατες φιγούρες. Τα πρόσωπα ευγενών ανθρώπων. Λυπημένος. Θλιμμένος. Εκπληκτος. Παλιά και νέα. Διάφορος.

Τοιχογραφίες του Giotto στην εκκλησία Scrovegni στην Πάντοβα (1302-1305). Αριστερά: Θρήνος για τον Χριστό. Μέση: Φιλί του Ιούδα (λεπτομέρεια). Δεξιά: Ευαγγελισμός στην Αγία Άννα (Μητέρα Μαρία), λεπτομέρεια.

Η κύρια δημιουργία του Giotto είναι ένας κύκλος τοιχογραφιών του στο παρεκκλήσι Scrovegni στην Πάδοβα. Όταν αυτή η εκκλησία άνοιξε για ενορίτες, πλήθος κόσμου χύθηκε μέσα της. Γιατί δεν έχουν ξαναδεί κάτι τέτοιο.

Άλλωστε, ο Giotto έκανε κάτι πρωτόγνωρο. Μετέφρασε τις βιβλικές ιστορίες σε απλή, κατανοητή γλώσσα. Και έχουν γίνει πολύ πιο προσιτά στους απλούς ανθρώπους.

Ο Τζιότο. Λατρεία των Μάγων. 1303-1305 Τοιχογραφία στο παρεκκλήσι Scrovegni στην Πάδοβα, Ιταλία.

Αυτό είναι που θα είναι χαρακτηριστικό για πολλούς δασκάλους της Αναγέννησης. Λακωνικές εικόνες. Ζωντανά συναισθήματα των χαρακτήρων. Ρεαλισμός.

Διαβάστε περισσότερα για τις τοιχογραφίες του πλοιάρχου στο άρθρο.

Ο Giotto θαυμάστηκε. Αλλά οι καινοτομίες του δεν αναπτύχθηκαν περαιτέρω. Η μόδα για τη διεθνή γοτθική ήρθε στην Ιταλία.

Μόλις 100 χρόνια αργότερα, θα εμφανιστεί ένας δάσκαλος, άξιος διάδοχος του Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Μασάτσιο. Αυτοπροσωπογραφία (θραύσμα της τοιχογραφίας «Άγιος Πέτρος στον άμβωνα»). 1425-1427 Παρεκκλήσι Brancacci στην εκκλησία Santa Maria del Carmine, Φλωρεντία, Ιταλία.

Αρχές του 15ου αιώνα. Η λεγόμενη Πρώιμη Αναγέννηση. Ένας άλλος καινοτόμος μπαίνει στη σκηνή.

Ο Masaccio ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης που χρησιμοποίησε τη γραμμική προοπτική. Σχεδιάστηκε από τον φίλο του, τον αρχιτέκτονα Brunelleschi. Τώρα ο απεικονιζόμενος κόσμος έχει γίνει παρόμοιος με τον πραγματικό. Η αρχιτεκτονική των παιχνιδιών ανήκει στο παρελθόν.

Μασάτσιο. Ο Άγιος Πέτρος θεραπεύει με τη σκιά του. 1425-1427 Παρεκκλήσι Brancacci στην εκκλησία Santa Maria del Carmine, Φλωρεντία, Ιταλία.

Υιοθέτησε τον ρεαλισμό του Giotto. Ωστόσο, σε αντίθεση με τον προκάτοχό του, γνώριζε ήδη καλά την ανατομία.

Αντί για τους ογκώδεις χαρακτήρες του Giotto, είναι όμορφα χτισμένοι άνθρωποι. Όπως ακριβώς και οι αρχαίοι Έλληνες.

Μασάτσιο. Βάπτιση των νεοφυτών. 1426-1427 Παρεκκλήσι Brancacci, εκκλησία Santa Maria del Carmine στη Φλωρεντία, Ιταλία.
Μασάτσιο. Αποβολή από τον Παράδεισο. 1426-1427 Τοιχογραφία στο παρεκκλήσι Brancacci, εκκλησία της Santa Maria del Carmine, Φλωρεντία, Ιταλία.

Ο Μασάτσιο έζησε μια σύντομη ζωή. Πέθανε, όπως και ο πατέρας του, απροσδόκητα. Σε ηλικία 27 ετών.

Ωστόσο, είχε πολλούς οπαδούς. Οι δάσκαλοι των επόμενων γενεών πήγαν στο παρεκκλήσι του Μπράντσατσι για να μάθουν από τις τοιχογραφίες του.

Έτσι, οι καινοτομίες του Masaccio υιοθετήθηκαν από όλους τους μεγάλους τιτάνες της Υψηλής Αναγέννησης.

3. Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452-1519)

Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Αυτοπροσωπογραφία. 1512 Βασιλική Βιβλιοθήκη στο Τορίνο, Ιταλία.

Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι είναι ένας από τους τιτάνες της Αναγέννησης. Που επηρέασε την ανάπτυξη της ζωγραφικής με κολοσσιαίο τρόπο.

Heταν αυτός που ανέβασε το καθεστώς του ίδιου του καλλιτέχνη. Χάρη σε αυτόν, οι εκπρόσωποι αυτού του επαγγέλματος δεν είναι πλέον μόνο τεχνίτες. Αυτοί είναι οι δημιουργοί και οι αριστοκράτες του πνεύματος.

Ο Λεονάρντο έκανε μια σημαντική ανακάλυψη κυρίως στην προσωπογραφία.

Πίστευε ότι τίποτα δεν πρέπει να αποσπά την προσοχή από την κύρια εικόνα. Το μάτι δεν πρέπει να περιφέρεται από τη μια λεπτομέρεια στην άλλη. Έτσι εμφανίστηκαν τα διάσημα πορτρέτα του. Λακωνικός. Αρμονικός.

Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Κυρία με ερμίνα. 1489-1490 Μουσείο Chertoryski, Κρακοβία.

Η κύρια καινοτομία του Λεονάρντο είναι ότι βρήκε τον τρόπο να κάνει τις εικόνες ... ζωντανές.

Πριν από αυτόν, οι χαρακτήρες στα πορτρέτα έμοιαζαν με μανεκέν. Οι γραμμές ήταν τραγανές. Όλες οι λεπτομέρειες εντοπίζονται προσεκτικά. Το ζωγραφισμένο σχέδιο δεν θα μπορούσε να είναι ζωντανό με κανέναν τρόπο.

Στη συνέχεια, όμως, ο Λεονάρντο εφηύρε τη μέθοδο sfumato. Σκίασε τις γραμμές. Έκανε πολύ απαλή τη μετάβαση από το φως στη σκιά. Οι χαρακτήρες του φαίνεται να καλύπτονται από μια ελάχιστα αντιληπτή ομίχλη. Οι χαρακτήρες ζωντάνεψαν.

... 1503-1519 Λούβρο, Παρίσι.

Από τότε, το sfumato θα μπει στο ενεργό λεξιλόγιο όλων των μεγάλων καλλιτεχνών του μέλλοντος.

Συχνά πιστεύεται ότι ο Λεονάρντο είναι, φυσικά, ιδιοφυΐα. Αλλά δεν ήξερε πώς να τελειώσει τίποτα. Και συχνά δεν τελείωνε τη ζωγραφική. Και πολλά από τα έργα του παρέμειναν στο χαρτί (παρεμπιπτόντως, σε 24 τόμους). Και γενικά, ρίχτηκε στην ιατρική, στη συνέχεια στη μουσική. Και ακόμη και η τέχνη του σερβιρίσματος ταυτόχρονα λάτρεψε.

Ωστόσο, σκεφτείτε μόνοι σας. 19 πίνακες. Και είναι ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης όλων των εποχών και των λαών. Και μερικοί δεν είναι καν κοντά στο μεγαλείο. Παράλληλα, έγραψε 6.000 καμβάδες στη ζωή του. Προφανώς, ποιος έχει υψηλότερη απόδοση.

Διαβάστε για τον πιο διάσημο πίνακα του πλοιάρχου στο άρθρο.

4. Μιχαήλ Άγγελος (1475-1564)

Ντανιέλε ντα Βόλτρα. Μικελάντζελο (λεπτομέρεια). 1544 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη.

Ο Μικελάντζελο θεωρούσε τον εαυτό του γλύπτη. Heταν όμως ένας ευέλικτος κύριος. Όπως και οι άλλοι συνάδελφοί του της Αναγέννησης. Επομένως, η εικονογραφική του κληρονομιά δεν είναι λιγότερο μεγαλοπρεπής.

Είναι αναγνωρίσιμος κυρίως από τους φυσικώς ανεπτυγμένους χαρακτήρες του. Γιατί απεικόνισε έναν τέλειο άνθρωπο. Στο οποίο η φυσική ομορφιά σημαίνει πνευματική ομορφιά.

Επομένως, όλοι οι ήρωές του είναι τόσο μυώδεις και ανθεκτικοί. Ακόμα και γυναίκες και ηλικιωμένοι.

Μικελάντζελο. Τεμάχια της τοιχογραφίας της Τελευταίας Κρίσης στην Καπέλα Σιξτίνα, Βατικανό.

Ο Μικελάντζελο ζωγράφισε συχνά τον χαρακτήρα γυμνό. Και τότε τελείωνα πάνω από τα ρούχα. Έτσι ώστε το σώμα να είναι όσο το δυνατόν πιο εμφανές.

Ζωγράφισε ο ίδιος το ταβάνι της Καπέλα Σιξτίνα. Αν και αυτά είναι αρκετές εκατοντάδες φιγούρες! Δεν άφησε κανέναν να τρίψει το χρώμα. Ναι, ήταν μοναχικός. Διαθέτει έναν ψύχραιμο και φιλονικιακό χαρακτήρα. Κυρίως όμως ήταν δυσαρεστημένος με τον ... εαυτό του.

Μικελάντζελο. Τεμάχιο της τοιχογραφίας «Δημιουργία του Αδάμ». 1511 Καπέλα Σιξτίνα, Βατικανό.

Ο Μικελάντζελο έζησε μια μακρά ζωή. Έχοντας επιβιώσει από την εξαφάνιση της Αναγέννησης. Wasταν μια προσωπική τραγωδία για αυτόν. Τα μεταγενέστερα έργα του είναι γεμάτα θλίψη και θλίψη.

Γενικά, η δημιουργική πορεία του Μικελάντζελο είναι μοναδική. Το πρώιμο έργο του είναι μια δόξα του ανθρώπινου ήρωα. Ελεύθερος και θαρραλέος. Στις καλύτερες παραδόσεις της αρχαίας Ελλάδας. Όπως ο Ντέιβιντ του.

Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, πρόκειται για τραγικές εικόνες. Μια σκόπιμα τραχιά λαξευμένη πέτρα. Σαν να είναι μπροστά μας μνημεία για τα θύματα του φασισμού του 20ού αιώνα. Κοιτάξτε την Πιέτα του.

Γλυπτά του Μικελάντζελο στην Ακαδημία Καλών Τεχνών στη Φλωρεντία. Αριστερά: Ντέιβιντ. 1504 Δεξιά: Pieta of Palestrina. 1555 γρ.

Πώς είναι αυτό δυνατόν? Ένας καλλιτέχνης σε μια ζωή του πέρασε όλα τα στάδια της τέχνης από την Αναγέννηση έως τον 20ό αιώνα. Τι πρέπει να κάνουν οι επόμενες γενιές; Λοιπόν, πήγαινε το δικό σου δρόμο. Συνειδητοποιώντας ότι ο πήχης έχει ανέβει πολύ ψηλά.

5. Ραφαήλ (1483-1520)

... 1506 Γκαλερί Uffizi, Φλωρεντία, Ιταλία.

Ο Ραφαήλ δεν ξεχάστηκε ποτέ. Η ιδιοφυΐα του ήταν πάντα αναγνωρισμένη. Και κατά τη διάρκεια της ζωής. Και μετά τον θάνατο.

Οι χαρακτήρες του είναι προικισμένοι με αισθησιακή, λυρική ομορφιά. Είναι αυτός που δικαίως θεωρείται η πιο όμορφη γυναικεία εικόνα που δημιουργήθηκε ποτέ. Η εξωτερική τους ομορφιά αντανακλά επίσης την πνευματική ομορφιά των ηρωίδων. Η πραότητα τους. Η θυσία τους.

Ραφαήλ. ... 1513 Old Masters Gallery, Δρέσδη, Γερμανία.

Ο Φιοντόρ Ντοστογιέφσκι είπε τις περίφημες λέξεις «Η ομορφιά θα σώσει τον κόσμο» του π. Αυτός ήταν ο αγαπημένος του πίνακας.

Ωστόσο, οι αισθησιακές εικόνες δεν είναι η μόνη δύναμη του Ραφαήλ. Σκέφτηκε πολύ προσεκτικά τη σύνθεση των πινάκων του. Wasταν ο τέλειος αρχιτέκτονας στη ζωγραφική. Επιπλέον, πάντα έβρισκε την πιο απλή και αρμονική λύση στην οργάνωση του χώρου. Φαίνεται ότι δεν μπορεί να γίνει διαφορετικά.

Ραφαήλ. Σχολείο Αθηνών. 1509-1511 Τοιχογραφία στις στροφές του Αποστολικού Παλατιού, Βατικανό.

Ο Ραφαήλ έζησε μόλις 37 ετών. Πέθανε ξαφνικά. Από κρυολόγημα και ιατρικό λάθος. Αλλά η κληρονομιά του είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθεί. Πολλοί καλλιτέχνες ειδώλωσαν αυτόν τον κύριο. Πολλαπλασιάζοντας τις αισθησιακές εικόνες του σε χιλιάδες πίνακές του ..

Ο Τιτσιάνος ήταν ένας απόλυτος χρωματιστής. Επίσης πειραματίστηκε πολύ με τη σύνθεση. Γενικά, ήταν ένας τολμηρός και λαμπρός καινοτόμος.

Για μια τέτοια λαμπρότητα ταλέντου, όλοι τον αγάπησαν. Αποκαλώντας τον «Ο Βασιλιάς των Ζωγράφων και Ζωγράφος των Βασιλέων».

Μιλώντας για τον Τιτσιάνο, θέλω να βάλω ένα θαυμαστικό μετά από κάθε πρόταση. Μετά από όλα, ήταν αυτός που έφερε τη δυναμική στη ζωγραφική. Πάθος. Ενθουσιασμός. Φωτεινό χρωματισμό. Ακτινοβολία χρωμάτων.

Κοκκινοχρυσός. Ανάληψη της Μαρίας. 1515-1518 Εκκλησία Santa Maria Gloriosi dei Frari, Βενετία.

Προς το τέλος της ζωής του, ανέπτυξε μια ασυνήθιστη τεχνική γραφής. Γρήγορα, χοντρά χτυπήματα. Εφάρμοσε το χρώμα με ένα πινέλο και μετά με τα δάχτυλά του. Από αυτό - οι εικόνες είναι ακόμα πιο ζωντανές, αναπνέουν. Και οι πλοκές είναι ακόμη πιο δυναμικές και δραματικές.

Κοκκινοχρυσός. Ταρκίνιος και Λουκρητία. 1571 Μουσείο Fitzwilliam, Cambridge, Αγγλία.

Αυτό δεν σας θυμίζει τίποτα; Φυσικά, αυτή είναι μια τεχνική. Και η τεχνική των καλλιτεχνών του 19ου αιώνα: Μπαρμπιζονίτες και. Ο Τιτσιάνος, όπως και ο Μικελάντζελο, θα περάσει 500 χρόνια ζωγραφικής σε μια από τις ζωές του. Γι 'αυτό είναι ιδιοφυΐα.

Διαβάστε για το περίφημο αριστούργημα του πλοιάρχου στο άρθρο.

Οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης είναι καλλιτέχνες μεγάλης γνώσης. Για να αφήσει κανείς μια τέτοια κληρονομιά, έπρεπε να γνωρίζει πολλά. Στον τομέα της ιστορίας, της αστρολογίας, της φυσικής κ.ο.κ.

Επομένως, κάθε εικόνα τους μας κάνει να σκεφτόμαστε. Σε τι αποτυπώνεται; Τι είναι το κρυπτογραφημένο μήνυμα εδώ;

Ως εκ τούτου, δεν έκαναν σχεδόν ποτέ λάθος. Γιατί σκέφτηκαν διεξοδικά το μελλοντικό τους έργο. Χρησιμοποιώντας όλες τις αποσκευές των γνώσεών τους.

Moreταν περισσότερο από καλλιτέχνες. Wereταν φιλόσοφοι. Εξηγώντας μας τον κόσμο μέσα από τη ζωγραφική.

Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο θα μας ενδιαφέρουν πάντα βαθιά.

Η Αναγέννηση ή η Αναγέννηση μας χάρισε πολλά σπουδαία έργα τέχνης. Wasταν μια ευνοϊκή περίοδος για την ανάπτυξη της δημιουργικότητας. Τα ονόματα πολλών μεγάλων καλλιτεχνών συνδέονται με την Αναγέννηση. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio είναι μόνο μερικά από τα ονόματα των δημιουργών εκείνης της εποχής.

Η εμφάνιση νέων στυλ και ζωγραφικής συνδέεται με αυτήν την περίοδο. Η προσέγγιση της απεικόνισης του ανθρώπινου σώματος έχει γίνει σχεδόν επιστημονική. Οι καλλιτέχνες προσπαθούν για την πραγματικότητα - δουλεύουν με κάθε λεπτομέρεια. Άνθρωποι και γεγονότα στους πίνακες εκείνης της εποχής φαίνονται εξαιρετικά ρεαλιστικά.

Οι ιστορικοί διακρίνουν αρκετές περιόδους στην ανάπτυξη της ζωγραφικής κατά την Αναγέννηση.

Γοτθικό - 1200s... Δημοφιλές στυλ στο δικαστήριο. Διακρινόταν από μεγαλοπρέπεια, επιδεικτικότητα, υπερβολικό χρώμα. Χρησιμοποιείται ως χρώματα. Οι πίνακες ήταν θεμάτων βωμού. Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποι αυτής της τάσης είναι οι Ιταλοί καλλιτέχνες Vittore Carpaccio και Sandro Botticelli.

Σάντρο Μποτιτσέλι

Πρωτοαναγέννηση - 1300... Αυτή τη στιγμή, πραγματοποιείται αναδιάρθρωση ηθών στη ζωγραφική. Τα θρησκευτικά θέματα υποχωρούν στο παρασκήνιο και τα κοσμικά αποκτούν όλο και μεγαλύτερη δημοτικότητα. Ο πίνακας παίρνει τη θέση της εικόνας. Οι άνθρωποι απεικονίζονται πιο ρεαλιστικά, οι εκφράσεις του προσώπου και οι χειρονομίες γίνονται σημαντικές για τους καλλιτέχνες. Εμφανίζεται ένα νέο είδος καλών τεχνών -. Εκπρόσωποι αυτής της εποχής είναι οι Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Πρώιμη Αναγέννηση - 1400... Η άνθηση της μη θρησκευτικής ζωγραφικής. Ακόμα και τα πρόσωπα στις εικόνες γίνονται πιο ζωντανά - αποκτούν ανθρώπινα χαρακτηριστικά. Καλλιτέχνες παλαιότερων περιόδων προσπάθησαν να ζωγραφίσουν τοπία, αλλά χρησίμευσαν μόνο ως φόντο για την κύρια εικόνα. Κατά την περίοδο της πρώιμης αναγέννησης γίνεται ένα ανεξάρτητο είδος. Το πορτρέτο συνεχίζει να αναπτύσσεται. Οι επιστήμονες ανακαλύπτουν τον νόμο της γραμμικής προοπτικής και οι καλλιτέχνες χτίζουν τους πίνακές τους σε αυτή τη βάση. Στους καμβάδες τους, μπορείτε να δείτε τον σωστό τρισδιάστατο χώρο. Οι εξαιρετικοί εκπρόσωποι αυτής της περιόδου είναι οι Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Υψηλή Αναγέννηση - Χρυσή Εποχή... Η προοπτική των καλλιτεχνών γίνεται ακόμη ευρύτερη - τα ενδιαφέροντά τους εκτείνονται στον χώρο του Κόσμου, θεωρούν τον άνθρωπο ως το κέντρο του σύμπαντος.

Εκείνη την εποχή, εμφανίστηκαν οι "τιτάνες" της Αναγέννησης - ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι, ο Μιχαήλ Άγγελος, ο Τιτσιάνος, ο Ραφαήλ Σάντι και άλλοι. Πρόκειται για ανθρώπους των οποίων τα ενδιαφέροντα δεν περιορίζονταν στη ζωγραφική. Οι γνώσεις τους επεκτάθηκαν πολύ περισσότερο. Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος ήταν ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι, ο οποίος δεν ήταν μόνο ένας μεγάλος ζωγράφος, αλλά και ένας επιστήμονας, γλύπτης, θεατρικός συγγραφέας. Δημιούργησε φανταστικές τεχνικές στη ζωγραφική, όπως η «ομαλή» - η ψευδαίσθηση της ομίχλης, η οποία χρησιμοποιήθηκε για τη δημιουργία της περίφημης «La Gioconda».

Λεονάρντο Ντα Βίντσι

Lστερη Αναγέννηση- η εξαφάνιση της Αναγέννησης (μέσα της δεκαετίας του 1500, τέλη του 1600). Αυτός ο χρόνος συνδέεται με αλλαγές, θρησκευτική κρίση. Η ανθοφορία τελειώνει, οι γραμμές στους καμβάδες γίνονται πιο νευρικές, ο ατομικισμός εξαφανίζεται. Το πλήθος γίνεται όλο και περισσότερο η εικόνα των πινάκων. Τα ταλαντούχα έργα εκείνης της εποχής ανήκουν στην πένα του Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Πάολο Βερονέζε

Η Ιταλία έδωσε στον κόσμο τους πιο ταλαντούχους καλλιτέχνες της Αναγέννησης, αναφέρονται περισσότερο στην ιστορία της ζωγραφικής. Εν τω μεταξύ, σε άλλες χώρες κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η ζωγραφική αναπτύχθηκε επίσης και επηρέασε την ανάπτυξη αυτής της τέχνης. Η ζωγραφική άλλων χωρών κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ονομάζεται Βόρεια Αναγέννηση.

Η εποχή της Αναγέννησης προκάλεσε βαθιές αλλαγές σε όλους τους τομείς του πολιτισμού - φιλοσοφία, επιστήμη και τέχνη. Ένα από αυτά είναι. που γίνεται όλο και πιο ανεξάρτητη από τη θρησκεία, παύει να είναι «υπηρέτης της θεολογίας», αν και απέχει ακόμα από την πλήρη ανεξαρτησία. Όπως και σε άλλους τομείς του πολιτισμού, οι διδασκαλίες των αρχαίων στοχαστών, κυρίως του Πλάτωνα και του Αριστοτέλη, αναβιώνουν στη φιλοσοφία. Ο Μαρσίλιο Φιτσίνο ίδρυσε την Πλατωνική Ακαδημία στη Φλωρεντία, μετέφρασε τα έργα του μεγάλου Έλληνα στα Λατινικά. Οι ιδέες του Αριστοτέλη επέστρεψαν στην Ευρώπη ακόμη νωρίτερα, πριν από την Αναγέννηση. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, σύμφωνα με τον Λούθηρο, ήταν εκείνος και όχι ο Χριστός που «κυβέρνησε στα ευρωπαϊκά πανεπιστήμια».

Μαζί με τις αρχαίες διδασκαλίες, φυσική φιλοσοφίαή φιλοσοφία της φύσης. Το κηρύττουν φιλόσοφοι όπως οι B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Τα έργα τους αναπτύσσουν την ιδέα ότι η φιλοσοφία δεν πρέπει να μελετά έναν υπερφυσικό Θεό, αλλά την ίδια τη φύση, ότι η φύση υπακούει στους δικούς της εσωτερικούς νόμους, ότι η βάση της γνώσης είναι η εμπειρία και η παρατήρηση και όχι η θεϊκή αποκάλυψη ότι ο άνθρωπος είναι μέρος της φύσης.

Η διάδοση των φυσικών φιλοσοφικών απόψεων διευκολύνθηκε από επιστημονικόςανακαλύψεις. Το κυριότερο ήταν ηλιοκεντρική θεωρίαΝ. Κοπέρνικος, ο οποίος έκανε μια πραγματική επανάσταση στην ιδέα του κόσμου.

Θα πρέπει ωστόσο να σημειωθεί ότι οι επιστημονικές και φιλοσοφικές απόψεις εκείνης της εποχής εξακολουθούν να επηρεάζονται από τη θρησκεία και τη θεολογία. Αυτό το είδος της άποψης παίρνει συχνά τη μορφή πανθεϊσμός, στο οποίο η ύπαρξη του Θεού δεν αρνείται, αλλά διαλύεται στη φύση, ταυτίζεται με αυτήν. Σε αυτό πρέπει επίσης να προστεθεί η επιρροή των λεγόμενων απόκρυφων επιστημών - αστρολογία, αλχημεία, μυστικισμός, μαγεία κ.λπ. Όλα αυτά συμβαίνουν ακόμη και με έναν τέτοιο φιλόσοφο όπως ο D. Bruno.

Οι πιο σημαντικές αλλαγές που επέφερε η Αναγέννηση καλλιτεχνική κουλτούρα, τέχνη.Σε αυτόν τον τομέα η διακοπή με τον Μεσαίωνα αποδείχθηκε η βαθύτερη και πιο ριζοσπαστική.

Κατά τον Μεσαίωνα, η τέχνη εφαρμόστηκε σε μεγάλο βαθμό στη φύση, ήταν πλεγμένη στην ίδια τη ζωή και υποτίθεται ότι θα τη διακοσμούσε. Κατά την Αναγέννηση, η τέχνη αποκτά για πρώτη φορά μια εγγενή αξία, γίνεται ένας ανεξάρτητος χώρος ομορφιάς. Ταυτόχρονα, για πρώτη φορά, ένα αμιγώς καλλιτεχνικό, αισθητικό συναίσθημα διαμορφώνεται στον θεατή που αντιλαμβάνεται, για πρώτη φορά μια αγάπη για την τέχνη ξυπνά για χάρη της και όχι για τον σκοπό που εξυπηρετεί.

Ποτέ άλλοτε η τέχνη δεν απολάμβανε τόσο υψηλή εκτίμηση και σεβασμό. Ακόμη και στην αρχαία Ελλάδα, το έργο ενός καλλιτέχνη ήταν αισθητά κατώτερο στην κοινωνική του σημασία από τις δραστηριότητες ενός πολιτικού και ενός πολίτη. Μια ακόμη πιο σεμνή θέση κατέλαβε ο καλλιτέχνης στην αρχαία Ρώμη.

Τώρα τόπο και ρόλο του καλλιτέχνηαυξάνεται απεριόριστα στην κοινωνία. Για πρώτη φορά, θεωρείται ως ένας ανεξάρτητος και σεβαστός επαγγελματίας, επιστήμονας και στοχαστής, μια μοναδική προσωπικότητα. Στην Αναγέννηση, η τέχνη γίνεται αντιληπτή ως ένα από τα πιο ισχυρά μέσα γνώσης και με αυτή την ιδιότητα ταυτίζεται με την επιστήμη. Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι θεωρεί την επιστήμη και την τέχνη ως δύο εντελώς ίσους τρόπους μελέτης της φύσης. Γράφει: «Η ζωγραφική είναι επιστήμη και νόμιμη κόρη της φύσης».

Η τέχνη εκτιμάται ακόμη περισσότερο ως δημιουργικότητα. Όσον αφορά τις δημιουργικές του ικανότητες, ο καλλιτέχνης της Αναγέννησης εξομοιώνεται με τον Θεό τον δημιουργό. Ως εκ τούτου, είναι σαφές γιατί ο Ραφαήλ έλαβε την προσθήκη του "Divine" στο όνομά του. Για τους ίδιους λόγους, η Κωμωδία του Δάντη ονομάστηκε επίσης Θεία.

Στην ίδια την τέχνη, συντελούνται βαθιές αλλαγές.Κάνει μια αποφασιστική στροφή από μεσαιωνικό σύμβολο και σημάδι σε ρεαλιστική εικόνα και αξιόπιστη απεικόνιση. Τα μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης γίνονται νέα. Βασίζονται τώρα στη γραμμική και εναέρια προοπτική, στην τρισδιάστατη ένταση του όγκου και στο δόγμα των αναλογιών. Η τέχνη προσπαθεί σε όλα να είναι πιστή στην πραγματικότητα, να επιτύχει την αντικειμενικότητα, την αξιοπιστία και τη ζωτικότητα.

Η Αναγέννηση ήταν κυρίως Ιταλική. Επομένως, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι στην Ιταλία η τέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έφτασε στην υψηλότερη άνοδο και άνθηση. Είναι εδώ που υπάρχουν δεκάδες ονόματα τιτάνων, ιδιοφυών, μεγάλων και απλώς ταλαντούχων καλλιτεχνών. Άλλες χώρες έχουν επίσης μεγάλα ονόματα, αλλά η Ιταλία είναι πέρα ​​από τον ανταγωνισμό.

Στην Ιταλική Αναγέννηση, συνήθως διακρίνονται διάφορα στάδια:

• Πρωτοαναγέννηση: δεύτερο μισό του 13ου αιώνα - XIV αιώνας.
• Πρώιμη Αναγέννηση: σχεδόν ολόκληρος ο 15ος αιώνας.
• Υψηλή Αναγέννηση: τέλη 15ου αιώνα - το πρώτο τρίτο του 16ου αιώνα.
• Lστερη Αναγέννηση: τα τελευταία δύο τρίτα του 16ου αιώνα.

Οι κύριες μορφές της Πρωτοαναγέννησης είναι ο ποιητής Dante Alighieri (1265-1321) και ο ζωγράφος Giotto (1266 / 67-1337).

Η μοίρα παρουσίασε στον Δάντη πολλές δοκιμασίες. Για τη συμμετοχή του στον πολιτικό αγώνα, διώχθηκε, περιπλανήθηκε, πέθανε σε μια ξένη χώρα, στη Ραβέννα. Η συμβολή του στον πολιτισμό ξεπερνά την ποίηση. Έγραψε όχι μόνο στίχους αγάπης, αλλά και φιλοσοφικές και πολιτικές πραγματείες. Ο Δάντης είναι ο δημιουργός της ιταλικής λογοτεχνικής γλώσσας. Μερικές φορές αποκαλείται ο τελευταίος ποιητής του Μεσαίωνα και ο πρώτος ποιητής της σύγχρονης εποχής. Αυτές οι δύο αρχές - παλιές και νέες - είναι πραγματικά στενά συνυφασμένες στο έργο του.

Τα πρώτα έργα του Δάντη - "Νέα Ζωή" και "Γιορτή" - είναι λυρικά ποιήματα με περιεχόμενο αγάπης, αφιερωμένα στην αγαπημένη του Βεατρίκη, την οποία γνώρισε μια φορά στη Φλωρεντία και πέθανε επτά χρόνια μετά τη συνάντησή τους. Ο ποιητής κράτησε την αγάπη του για το υπόλοιπο της ζωής του. Από το είδος του, οι στίχοι του Δάντη βρίσκονται στην επικρατούσα πορεία της μεσαιωνικής αυλής, όπου η εικόνα της «Όμορφης Κυρίας» αποτελεί αντικείμενο επαίνου. Ωστόσο, τα συναισθήματα που εκφράζει ο ποιητής ανήκουν ήδη στην Αναγέννηση. Προκαλούνται από πραγματικές συναντήσεις και γεγονότα, γεμάτα με ειλικρινή ζεστασιά, που χαρακτηρίζονται από μια μοναδική προσωπικότητα.

Το αποκορύφωμα της δημιουργικότητας του Δάντη ήταν «Η Θεία Κωμωδία", Το οποίο πήρε μια ιδιαίτερη θέση στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού. Με την κατασκευή του, αυτό το ποίημα βρίσκεται επίσης στην κυρίαρχη ροή των μεσαιωνικών παραδόσεων. Λέει για τις περιπέτειες ενός ανθρώπου που έπεσε στη μετά θάνατον ζωή. Το ποίημα έχει τρία μέρη - Κόλαση, Καθαρτήριο και Παράδεισος, καθένα από τα οποία έχει 33 τραγούδια γραμμένα σε στροφές τριών σειρών.

Ο επαναλαμβανόμενος αριθμός "τρία" απηχεί άμεσα το χριστιανικό δόγμα της Τριάδας. Στην πορεία της ιστορίας, ο Δάντης ακολουθεί αυστηρά πολλές από τις απαιτήσεις του Χριστιανισμού. Συγκεκριμένα, δεν παραδέχεται τον σύντροφό του στους εννέα κύκλους της κόλασης και του καθαρτηρίου - ο Ρωμαίος ποιητής Βιργίλιος - στον παράδεισο, γιατί ένας ειδωλολάτρης στερείται αυτού του δικαιώματος. Εδώ ο ποιητής συνοδεύεται από τη νεκρή αγαπημένη του Βεατρίκη.

Ωστόσο, στις σκέψεις και τις κρίσεις του, στη στάση του απέναντι στους χαρακτήρες που απεικονίζονται και τις αμαρτίες τους. Ο Δάντης συχνά και πολύ σημαντικά αποκλίνει από τη χριστιανική διδασκαλία. Ετσι. αντί για τη χριστιανική μομφή της αισθησιακής αγάπης ως αμαρτίας, μιλά για τον «νόμο της αγάπης», σύμφωνα με τον οποίο η αισθησιακή αγάπη περιλαμβάνεται στη φύση της ίδιας της ζωής. Ο Δάντης είναι συμπαθής στην αγάπη της Φραντσέσκα και του Πάολο. αν και ο έρωτάς τους συνδέεται με την προδοσία της Φραντσέσκα στον άντρα της. Το πνεύμα της Αναγέννησης κερδίζει τον Δάντη και σε άλλες περιπτώσεις.

Μεταξύ των εξαιρετικών Ιταλών ποιητών είναι επίσης Φραντσέσκο Πετράρκα.Στον παγκόσμιο πολιτισμό, είναι γνωστός κυρίως για τη δική του σονέτα.Ταυτόχρονα, ήταν μεγάλης κλίμακας στοχαστής, φιλόσοφος και ιστορικός. Θεωρείται δικαίως ο ιδρυτής ολόκληρης της κουλτούρας της Αναγέννησης.

Το έργο του Πετράρχη είναι επίσης εν μέρει στο πλαίσιο μεσαιωνικών αυλικών στίχων. Όπως και ο Δάντης, είχε μια αγαπημένη που την έλεγαν Λάουρα, στην οποία αφιέρωσε το «Βιβλίο των τραγουδιών» του. Ταυτόχρονα, ο Πετράρχος διακόπτει πιο αποφασιστικά τους δεσμούς με τον μεσαιωνικό πολιτισμό. Στα έργα του, τα εκφραζόμενα συναισθήματα - αγάπη, πόνος, απόγνωση, λαχτάρα - φαίνονται πολύ πιο έντονα και γυμνά. Η αρχή της προσωπικότητας ακούγεται ισχυρότερη σε αυτά.

Ένας άλλος εξαιρετικός εκπρόσωπος της λογοτεχνίας ήταν Τζιοβάνι Μπόκατσιο(1313-1375). συγγραφέας του παγκοσμίου φήμης " Δεκαμέρον ».Η αρχή της κατασκευής της συλλογής διηγημάτων του και η πλοκή του Boccaccio δανείζεται από τον Μεσαίωνα. Όλα τα άλλα είναι διαποτισμένα με το πνεύμα της Αναγέννησης.

Οι κύριοι χαρακτήρες των διηγημάτων είναι απλοί και απλοί άνθρωποι. Είναι γραμμένα σε εκπληκτικά φωτεινή, ζωντανή, καθομιλουμένη γλώσσα. Δεν υπάρχουν βαρετές διαλέξεις σε αυτά, αντίθετα, πολλά διηγήματα κυριολεκτικά λάμπουν με αγάπη για τη ζωή και τη διασκέδαση. Τα οικόπεδα ορισμένων από αυτά έχουν ερωτικό και ερωτικό χαρακτήρα. Εκτός από το The Decameron, ο Boccaccio έγραψε επίσης τη νουβέλα Fiametta, η οποία θεωρείται το πρώτο ψυχολογικό μυθιστόρημα στη δυτική λογοτεχνία.

Giotto di Bondoneείναι ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της Ιταλικής Πρωτοαναγέννησης στις εικαστικές τέχνες. Το κύριο είδος του ήταν η τοιχογραφία. Όλα είναι γραμμένα σε βιβλικά και μυθολογικά θέματα, απεικονίζουν σκηνές από τη ζωή της Αγίας Οικογένειας, ευαγγελιστές, αγίους. Ωστόσο, στην ερμηνεία αυτών των θεμάτων, κυριαρχεί σαφώς η αρχή της Αναγέννησης. Στο έργο του, ο Giotto εγκαταλείπει τη μεσαιωνική σύμβαση και στρέφεται στον ρεαλισμό και την πιστότητα. Είναι για εκείνον που αναγνωρίζεται η αξία της αναβίωσης της ζωγραφικής ως καλλιτεχνικής αξίας από μόνη της.

Στα έργα του, το φυσικό τοπίο απεικονίζεται αρκετά ρεαλιστικά, πάνω στο οποίο είναι ευδιάκριτα δέντρα, βράχοι, ναοί. Όλοι οι χαρακτήρες που εμπλέκονται, συμπεριλαμβανομένων των ίδιων των αγίων, εμφανίζονται ως ζωντανοί άνθρωποι, προικισμένοι με φυσική σάρκα, ανθρώπινα συναισθήματα και πάθη. Τα ρούχα τους σκιαγραφούν τα φυσικά σχήματα του σώματός τους. Τα έργα του Giotto χαρακτηρίζονται από έντονο χρώμα και γραφικότητα, λεπτή πλαστικότητα.

Η κύρια δημιουργία του Giotto είναι ο πίνακας της Capella del Arena στην Πάντοβα, ο οποίος αφηγείται τα γεγονότα στη ζωή της Αγίας Οικογένειας. Την πιο έντονη εντύπωση κάνει ο κύκλος του τοίχου, ο οποίος περιλαμβάνει τις σκηνές «Flight into Egypt», «Kiss of Judas», «Lamentation of Christ».

Όλοι οι χαρακτήρες που απεικονίζονται στους πίνακες φαίνονται φυσικοί και αυθεντικοί. Η θέση του σώματός τους, οι χειρονομίες, η συναισθηματική κατάσταση, τα βλέμματα, τα πρόσωπα - όλα αυτά φαίνονται με σπάνια ψυχολογική πειστικότητα. Ταυτόχρονα, η συμπεριφορά του καθενός αντιστοιχεί αυστηρά στον ρόλο που του έχει ανατεθεί. Κάθε σκηνή έχει μια μοναδική ατμόσφαιρα.

Έτσι, στη σκηνή «Πτήση στην Αίγυπτο» επικρατεί ένας συγκρατημένος και γενικά ήρεμος συναισθηματικός τόνος. Το "Kiss of Judas" είναι γεμάτο θυελλώδη δυναμισμό, αιχμηρές και αποφασιστικές ενέργειες των χαρακτήρων που κυριολεκτικά τσακώθηκαν μεταξύ τους. Και μόνο δύο κύριοι συμμετέχοντες - ο Ιούδας και ο Χριστός - πάγωσαν ακίνητοι και οδήγησαν τη μονομαχία με τα μάτια τους.

Η σκηνή «Θρήνος του Χριστού» χαρακτηρίζεται από ένα ιδιαίτερο δράμα. Είναι γεμάτο με τραγική απόγνωση, αφόρητο πόνο και βάσανο, απαρηγόρητη θλίψη και θλίψη.

Η πρώιμη Αναγέννηση ενέκρινε τελικά νέες αισθητικές και καλλιτεχνικές αρχές της τέχνης.Ταυτόχρονα, οι βιβλικές ιστορίες εξακολουθούν να είναι πολύ δημοφιλείς. Ωστόσο, η ερμηνεία τους γίνεται εντελώς διαφορετική, έχει μείνει ήδη λίγο από τον Μεσαίωνα σε αυτό.

Πατρίδα Πρώιμη Αναγέννησηέγινε Φλωρεντία, και οι «πατέρες της Αναγέννησης» είναι ο αρχιτέκτονας Φιλίπ Μπρουνελέσκι(1377-1446), γλύπτης Ντονατέλο(1386-1466). ζωγράφος Μασάτσιο (1401 -1428).

Ο Brunelleschi συνέβαλε τεράστια στην ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής. Έθεσε τα θεμέλια της αρχιτεκτονικής της Αναγέννησης, ανακάλυψε νέες μορφές που υπήρχαν για αιώνες. Έκανε πολλά για να αναπτύξει τους νόμους της προοπτικής.

Το πιο σημαντικό έργο του Brunelleschi ήταν η ανέγερση θόλου πάνω από την τελική δομή του καθεδρικού ναού Santa Maria del Fiore στη Φλωρεντία. Αντιμετώπισε ένα εξαιρετικά δύσκολο έργο, αφού ο απαιτούμενος θόλος έπρεπε να είναι τεράστιος - περίπου 50 μέτρα σε διάμετρο. Με τη βοήθεια ενός πρωτότυπου σχεδίου, βγαίνει λαμπρά από μια δύσκολη κατάσταση. Χάρη στη λύση που βρέθηκε, όχι μόνο ο ίδιος ο θόλος αποδείχθηκε εκπληκτικά ελαφρύς και, όπως ήταν, ψηλά στην πόλη, αλλά ολόκληρο το κτίριο του καθεδρικού ναού απέκτησε αρμονία και μεγαλοπρέπεια.

Το περίφημο παρεκκλήσι Pazzi, που ανεγέρθηκε στην αυλή της εκκλησίας Santa Croce στη Φλωρεντία, δεν ήταν λιγότερο υπέροχο έργο του Brunelleschi. Είναι ένα μικρό, ορθογώνιο κτίριο που καλύπτεται στο κέντρο από έναν τρούλο. Στο εσωτερικό του είναι λευκό μάρμαρο. Όπως και άλλα κτίρια του Brunelleschi, το παρεκκλήσι διακρίνεται από την απλότητα και τη διαύγεια, τη χάρη και τη χάρη.

Το έργο του Brunelleschi είναι αξιοσημείωτο στο ότι ξεπερνά τα θρησκευτικά κτίρια και δημιουργεί υπέροχες κατασκευές κοσμικής αρχιτεκτονικής. Ένα εξαιρετικό παράδειγμα τέτοιας αρχιτεκτονικής είναι το ορφανοτροφείο, χτισμένο σε σχήμα του γράμματος "P", με καλυμμένη γκαλερί-χαγιάτι.

Ο Φλωρεντίνος γλύπτης Donatello είναι ένας από τους σημαντικότερους δημιουργούς της Πρώιμης Αναγέννησης. Εργάστηκε σε μια μεγάλη ποικιλία ειδών, δείχνοντας γνήσια καινοτομία παντού. Στο έργο του, ο Ντονατέλο χρησιμοποιεί την αρχαία κληρονομιά, στηριζόμενος σε μια βαθιά μελέτη της φύσης, ενημερώνοντας τολμηρά τα μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης.

Συμμετέχει στην ανάπτυξη της θεωρίας της γραμμικής προοπτικής, αναβιώνει το γλυπτό πορτρέτο και την απεικόνιση του γυμνού, ρίχνει το πρώτο χάλκινο μνημείο. Οι εικόνες που δημιούργησε είναι η ενσάρκωση του ανθρωπιστικού ιδεώδους μιας αρμονικά ανεπτυγμένης προσωπικότητας. Με το έργο του, ο Donatello είχε μεγάλη επιρροή στην επακόλουθη ανάπτυξη της ευρωπαϊκής γλυπτικής.

Η επιθυμία του Donatello να εξιδανικεύσει το πρόσωπο που απεικονίζεται εκδηλώθηκε σαφώς στο άγαλμα του νεαρού Δαβίδ.Σε αυτό το έργο, ο Ντέιβιντ εμφανίζεται ως νέος, όμορφος, γεμάτος ψυχική και σωματική δύναμη νεαρών ανδρών. Η ομορφιά του γυμνού κορμιού του τονίζεται από έναν κομψά καμπυλωμένο κορμό. Ένα νεαρό πρόσωπο εκφράζει στοχασμό και θλίψη. Αυτό το άγαλμα ακολούθησε μια σειρά από γυμνές φιγούρες σε γλυπτά της Αναγέννησης.

Η ηρωική αρχή είναι δυνατή και ξεκάθαρη άγαλμα του Αγ. Γεώργιος,που έγινε ένα από τα ύψη της δημιουργικότητας του Ντονατέλο. Εδώ κατάφερε να ενσωματώσει πλήρως την ιδέα μιας ισχυρής προσωπικότητας. Μπροστά μας είναι ένας ψηλός, λεπτός, θαρραλέος, ήρεμος και σίγουρος πολεμιστής. Σε αυτό το έργο, ο δάσκαλος αναπτύσσει δημιουργικά τις καλύτερες παραδόσεις της αντίκες γλυπτικής.

Το κλασικό έργο του Donatello είναι το χάλκινο άγαλμα του διοικητή Gattamelatta - το πρώτο ιππικό μνημείο στην τέχνη της Αναγέννησης. Εδώ ο μεγάλος γλύπτης φτάνει στο απόλυτο επίπεδο καλλιτεχνικής και φιλοσοφικής γενίκευσης, που φέρνει αυτό το έργο πιο κοντά στην αρχαιότητα.

Ταυτόχρονα, ο Donatello δημιούργησε ένα πορτρέτο μιας συγκεκριμένης και μοναδικής προσωπικότητας. Ο διοικητής εμφανίζεται ως ένας πραγματικός ήρωας της αναγέννησης, ένα θαρραλέο, ήρεμο, με αυτοπεποίθηση. Το άγαλμα διακρίνεται από λακωνικές μορφές, διαφανές και ακριβές πλαστικό, φυσική στάση του αναβάτη και του αλόγου. Χάρη σε αυτό, το μνημείο έχει γίνει ένα πραγματικό αριστούργημα μνημειακής γλυπτικής.

Στην τελευταία περίοδο της δημιουργικότητας, ο Donatello δημιουργεί μια χάλκινη ομάδα "Judith and Holofernes". Αυτό το έργο είναι γεμάτο δυναμική και δράμα: Η Τζούντιθ απεικονίζεται τη στιγμή που σηκώνει το ξίφος της πάνω από τον ήδη πληγωμένο Ολοφέρνη. να το τελειώσω.

Μασάτσιοθεωρείται ως ένα από τα κύρια πρόσωπα της Πρώιμης Αναγέννησης. Συνεχίζει και αναπτύσσει τις τάσεις που προέρχονται από τον Giotto. Ο Masaccio έζησε μόνο 27 χρόνια και κατάφερε να κάνει λίγα. Ωστόσο, οι τοιχογραφίες που δημιούργησε έγιναν μια πραγματική σχολή ζωγραφικής για τους επόμενους Ιταλούς καλλιτέχνες. Σύμφωνα με τον Vasari, σύγχρονο της Υψηλής Αναγέννησης και έγκριτο κριτικό, «κανένας δάσκαλος δεν έχει πλησιάσει τόσο κοντά στους σύγχρονους δασκάλους όσο ο Masaccio».

Η κύρια δημιουργία του Masaccio είναι οι τοιχογραφίες στο παρεκκλήσι Brancacci της Εκκλησίας της Santa Maria del Carmine στη Φλωρεντία, που μιλούν για επεισόδια από τους θρύλους του Αγίου Πέτρου, καθώς και απεικονίζουν δύο βιβλικές ιστορίες - "Η πτώση" και "Αποβολή από Παράδεισος".

Αν και οι τοιχογραφίες λένε για τα θαύματα που έκανε ο Αγ. Πέτρο, δεν υπάρχει τίποτα υπερφυσικό και μυστικιστικό σε αυτά. Ο εικονιζόμενος Χριστός, ο Πέτρος, οι απόστολοι και άλλοι συμμετέχοντες στα γεγονότα εμφανίζονται ως εντελώς επίγειοι άνθρωποι. Είναι προικισμένα με ατομικά χαρακτηριστικά και συμπεριφέρονται με έναν απόλυτα φυσικό και ανθρώπινο τρόπο. Συγκεκριμένα, στη σκηνή της Βάπτισης, εμφανίζεται εκπληκτικά αξιόπιστα ένας γυμνός νεαρός που τρέμει από το κρύο. Ο Masaccio χτίζει τη σύνθεσή του χρησιμοποιώντας όχι μόνο γραμμική, αλλά και εναέρια προοπτική.

Από όλο τον κύκλο, αξίζει ιδιαίτερη προσοχή νωπογραφία «Αποβολή από τον Παράδεισο».Είναι ένα πραγματικό αριστούργημα της ζωγραφικής. Η τοιχογραφία είναι εξαιρετικά λακωνική, δεν υπάρχει τίποτα περιττό σε αυτήν. Με φόντο ένα ασαφές τοπίο, οι μορφές του Αδάμ και της Εύας, που άφησαν τις πύλες του Παραδείσου, είναι σαφώς ορατές, πάνω από τις οποίες αιωρείται ένας άγγελος με σπαθί. Όλη η προσοχή στρέφεται στη μαμά και την Εύα.

Ο Masaccio ήταν ο πρώτος στην ιστορία της ζωγραφικής που μπόρεσε να γράψει ένα γυμνό σώμα τόσο πειστικά και αξιόπιστα, να μεταφέρει τις φυσικές του αναλογίες, να του δώσει σταθερότητα και κίνηση. Η εσωτερική κατάσταση των ηρώων είναι εξίσου πειστική και έντονα εκφρασμένη. Προχωρώντας διάπλατα, ο Άνταμ έσκυψε το κεφάλι του από ντροπή και κάλυψε το πρόσωπό του με τα χέρια του. Βροντερή, η Εύα έριξε το κεφάλι της πίσω απελπισμένη με το στόμα ανοιχτό. Αυτή η τοιχογραφία ανοίγει μια νέα εποχή στην τέχνη.

Made by Masaccio συνεχίστηκε από καλλιτέχνες όπως π.χ. Αντρέα Μαντέγνα(1431 -1506) και Σάντρο Μποτιτσέλι(1455-1510). Ο πρώτος έγινε διάσημος κυρίως για τους πίνακές του, μεταξύ των οποίων μια ιδιαίτερη θέση καταλαμβάνουν τοιχογραφίες που λένε για τα τελευταία επεισόδια της ζωής του Αγ. Jacob - η πορεία προς την εκτέλεση και η ίδια η εκτέλεση. Ο Μποτιτσέλι προτίμησε τη ζωγραφική καβαλέτου. Οι πιο διάσημοι πίνακές του είναι η Άνοιξη και η Γέννηση της Αφροδίτης.

Από τα τέλη του 15ου αιώνα, όταν η ιταλική τέχνη φτάνει στην υψηλότερη άνοδο, ξεκινά Υψηλή Αναγέννηση.Για την Ιταλία, αυτή η περίοδος ήταν εξαιρετικά δύσκολη. Κατακερματισμένο και ως εκ τούτου ανυπεράσπιστο, κυριολεκτικά καταστράφηκε, λεηλατήθηκε και αποστραγγίστηκε από αίματα από εισβολές από τη Γαλλία, την Ισπανία, τη Γερμανία και την Τουρκία. Ωστόσο, η τέχνη αυτή την περίοδο, περιέργως, βιώνει μια άνευ προηγουμένου άνθηση. Thisταν εκείνη την εποχή που κάνουν τέτοιους τιτάνες όπως ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Ραφαήλ. Μικελάντζελο, Τιτσιάν.

Στην αρχιτεκτονική, η αρχή της Υψηλής Αναγέννησης συνδέεται με τη δημιουργικότητα Ντόνατο Μπράμαντε(1444-1514). Heταν αυτός που δημιούργησε το στυλ που καθόρισε την ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής αυτής της περιόδου.

Ένα από τα πρώτα έργα του ήταν η εκκλησία του μοναστηριού Santa Maria della Grazie στο Μιλάνο, στην τράπεζα του οποίου ο Λεονάρντο ντα Βίντσι θα ζωγραφίσει τη διάσημη τοιχογραφία του "Ο Μυστικός Δείπνος". Η φήμη του ξεκινά με ένα μικρό παρεκκλήσι που ονομάζεται Τεμπέτο(1502), χτίστηκε στη Ρώμη και έγινε ένα είδος «μανιφέστου» της Υψηλής Αναγέννησης. Το παρεκκλήσι έχει σχήμα ροτόντα, διακρίνεται από την απλότητα των αρχιτεκτονικών μέσων, την αρμονία των τμημάτων και τη σπάνια εκφραστικότητα. Αυτό είναι ένα πραγματικό μικρό αριστούργημα.

Το αποκορύφωμα της δημιουργικότητας του Μπράμαντε είναι η ανακατασκευή του Βατικανού και η μετατροπή των κτιρίων του σε ένα ενιαίο σύνολο. Κατέχει επίσης την ανάπτυξη του έργου για τον καθεδρικό ναό του St. Peter, στο οποίο ο Michelangelo θα κάνει αλλαγές και θα αρχίσει να εφαρμόζει.

Δείτε επίσης:, Michelangelo Buonarroti

Στην τέχνη της Ιταλικής Αναγέννησης, μια ιδιαίτερη θέση καταλαμβάνεται από Βενετία.Το σχολείο που αναπτύχθηκε εδώ ήταν σημαντικά διαφορετικό από τα σχολεία της Φλωρεντίας, της Ρώμης, του Μιλάνου ή της Μπολόνια. Οι τελευταίοι έλκονται προς σταθερές παραδόσεις και συνέχεια · δεν τείνουν προς τη ριζική ανανέωση. Σε αυτά τα σχολεία βασίστηκε ο κλασικισμός του 17ου αιώνα. και ο νεοκλασικισμός των επόμενων αιώνων.

Το βενετσιάνικο σχολείο λειτούργησε ως το είδος αντιστάθμισης και αντίποδός τους. Το πνεύμα της καινοτομίας και της ριζικής, επαναστατικής ανανέωσης βασίλευε εδώ. Από τους εκπροσώπους άλλων ιταλικών σχολείων, ο Λεονάρντο ήταν ο πλησιέστερος στη Βενετία. Perhapsσως εδώ το πάθος του για αναζήτηση και πειραματισμό θα μπορούσε να βρει την κατάλληλη κατανόηση και αναγνώριση. Στη διάσημη διαμάχη μεταξύ «παλιών και νέων» καλλιτεχνών, οι τελευταίοι βασίστηκαν στο παράδειγμα της Βενετίας. Εδώ ξεκίνησαν οι τάσεις που οδήγησαν στο μπαρόκ και τον ρομαντισμό. Και παρόλο που οι ρομαντικοί τιμούσαν τον Ραφαήλ, ο Τιτσιάνος και ο Βερονέζε ήταν οι πραγματικοί τους θεοί. Στη Βενετία, ο Ελ Γκρέκο έλαβε τη δημιουργική του φόρτιση, η οποία του επέτρεψε να κουνήσει την ισπανική ζωγραφική. Οι Βελάσκες πέρασαν από τη Βενετία. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τους Φλαμανδούς ζωγράφους Rubens και Van Dyck.

Ως πόλη -λιμάνι, η Βενετία βρέθηκε στο σταυροδρόμι οικονομικών και εμπορικών δρόμων. Επηρεάστηκε από τη Βόρεια Γερμανία, το Βυζάντιο και την Ανατολή. Η Βενετία έχει γίνει τόπος προσκυνήματος για πολλούς καλλιτέχνες. Ο Α. Ντύρερ βρέθηκε εδώ δύο φορές - στα τέλη του 15ου αιώνα. και στις αρχές του XVI αιώνα. Το επισκέφτηκε ο Γκαίτε (1790). Εδώ ο Wagner άκουσε το τραγούδι των gondoliers (1857), υπό την έμπνευση των οποίων έγραψε τη δεύτερη πράξη του Tristan and Isolde. Ο Νίτσε άκουσε επίσης το τραγούδι των γκοντόλιερ, αποκαλώντας το τραγούδι της ψυχής.

Η εγγύτητα της θάλασσας προκάλεσε ρευστά και κινητά σχήματα, παρά σαφείς γεωμετρικές δομές. Η Βενετία δεν κλόνισε τόσο πολύ τον λόγο με τους αυστηρούς κανόνες της, όσο τα συναισθήματα, από τα οποία γεννήθηκε η καταπληκτική ποίηση της βενετσιάνικης τέχνης. Το επίκεντρο αυτής της ποίησης ήταν η φύση - η ορατή και αισθητή υλικότητά της, η γυναίκα - η συναρπαστική ομορφιά της σάρκας της, η μουσική - που γεννήθηκε από το παιχνίδι των χρωμάτων και του φωτός και από τους μαγευτικούς ήχους της πνευματισμένης φύσης.

Οι καλλιτέχνες της ενετικής σχολής δεν έδωσαν προτίμηση στη μορφή και το σχέδιο, αλλά στο χρώμα, το παιχνίδι του φωτός και της σκιάς. Απεικονίζοντας τη φύση, προσπάθησαν να μεταφέρουν τις παρορμήσεις και την κίνησή της, τη μεταβλητότητα και τη ρευστότητά της. Είδαν την ομορφιά του γυναικείου σώματος όχι τόσο στην αρμονία των μορφών και των αναλογιών όσο στην ίδια τη ζωντανή και αισθητή σάρκα.

Η ρεαλιστική αληθοφάνεια και η αξιοπιστία δεν τους αρκούσαν. Προσπάθησαν να αποκαλύψουν τον πλούτο που ενυπάρχει στην ίδια τη ζωγραφική. Η Βενετία αξίζει τα εύσημα για την ανακάλυψη μιας καθαρής εικονογραφικής αρχής ή γραφικότητας στην πιο αγνή της μορφή. Οι Βενετοί καλλιτέχνες ήταν οι πρώτοι που έδειξαν τη δυνατότητα διαχωρισμού του γραφικού από αντικείμενα και μορφές, τη δυνατότητα επίλυσης των προβλημάτων της ζωγραφικής με τη βοήθεια ενός έγχρωμου, καθαρά εικονογραφικού μέσου, τη δυνατότητα να θεωρηθεί το γραφικό ως αυτοσκοπός. Όλη η επόμενη ζωγραφική, βασισμένη στην έκφραση και την εκφραστικότητα, θα ακολουθήσει αυτόν τον δρόμο. Σύμφωνα με ορισμένους ειδικούς, μπορεί κανείς να πάει από τον Τιτσιάνο στον Ρούμπενς και τον Ρέμπραντ, στη συνέχεια στον Ντελακρουά και από αυτόν στον Γκωγκέν, τον Βαν Γκογκ, τη Σεζάν κ.λπ.

Ο ιδρυτής του ενετικού σχολείου είναι Giorgione(1476-1510). Στο έργο του, ενήργησε ως πραγματικός καινοτόμος. Τελικά κερδίζει την κοσμική αρχή και αντί για βιβλικά θέματα, προτιμά να γράφει σε μυθολογικά και λογοτεχνικά θέματα. Στο έργο του, επιβεβαιώνεται ο καβαλέτος, ο οποίος δεν θυμίζει πλέον εικόνα ή βωμό.

Ο Giorgione ανοίγει μια νέα εποχή στη ζωγραφική, η πρώτη που ξεκίνησε να ζωγραφίζει από τη φύση. Απεικονίζοντας τη φύση, μετατοπίζει για πρώτη φορά την έμφαση στην κινητικότητα, τη μεταβλητότητα και τη ρευστότητα. Ένα εξαιρετικό παράδειγμα αυτού είναι ο πίνακας του "The Thunderstorm". Giorgταν ο Giorgione που άρχισε να ψάχνει το μυστικό της ζωγραφικής στο φως και τις μεταβάσεις του, στο παιχνίδι του φωτός και της σκιάς, λειτουργώντας ως ο προκάτοχος του Caravaggio και του καραβαγισμού.

Ο Giorgione δημιούργησε έργα διαφορετικών ειδών και θεμάτων - "Rural Concert" και "Judith". Το πιο διάσημο έργο του ήταν Κοιμισμένη Αφροδίτη". Αυτή η εικόνα στερείται οποιουδήποτε σχεδίου. Υμνεί την ομορφιά και τη γοητεία του γυμνού γυναικείου σώματος, αντιπροσωπεύοντας «τη γυμνότητα για λόγους γυμνότητας».

Ο επικεφαλής του ενετικού σχολείου είναι κοκκινοχρυσός(περ. 1489-1576). Το έργο του - μαζί με το έργο των Λεονάρντο, Ραφαήλ και Μικελάντζελο - είναι το αποκορύφωμα της τέχνης της Αναγέννησης. Μεγάλο μέρος της μακράς ζωής του ήταν στην ateστερη Αναγέννηση.

Στο έργο του Τιτσιάνο, η τέχνη της Αναγέννησης φτάνει στην υψηλότερη άνοδο και ανθοφορία. Τα έργα του συνδυάζουν τη δημιουργική αναζήτηση και την καινοτομία του Λεονάρντο, την ομορφιά και την τελειότητα του Ραφαήλ, το πνευματικό βάθος, το δράμα και την τραγωδία του Μικελάντζελο. Έχουν μια εξαιρετική ευαισθησία, χάρη στην οποία έχουν ισχυρή επίδραση στον θεατή. Τα έργα του Τιτσιάνο είναι εκπληκτικά μουσικά και μελωδικά.

Όπως σημειώνει ο Rubens, μαζί με τον Titian, η ζωγραφική απέκτησε τη δική της γεύση και σύμφωνα με τον Delacroix και τον Van Gogh - μουσική. Οι καμβάδες του είναι ζωγραφισμένοι με ανοιχτό κτύπημα, το οποίο είναι ελαφρύ, ελεύθερο και διαφανές ταυτόχρονα. Είναι στα έργα του που το χρώμα, όπως ήταν, διαλύει και απορροφά τη μορφή, και η εικονογραφική αρχή για πρώτη φορά αποκτά αυτονομία, εμφανίζεται στην καθαρή της μορφή. Ο ρεαλισμός στις δημιουργίες του μετατρέπεται σε μαγευτικό και λεπτό λυρισμό.

Στα έργα της πρώτης περιόδου, ο Τιτσιάνος δοξάζει την απρόσεκτη χαρά της ζωής, την απόλαυση των γήινων αγαθών. Δοξάζει την αισθησιακή αρχή, την ανθρώπινη σάρκα που σκάει από υγεία, την αιώνια ομορφιά του σώματος, τη φυσική τελειότητα του ανθρώπου. Σε αυτό είναι αφιερωμένοι οι καμβάδες του όπως η «Γήινη και Ουράνια Αγάπη», «Η Γιορτή της Αφροδίτης», «Βάκχος και Αριάδνη», «Δανάη», «Αφροδίτη και Άδωνις».

Η αισθησιακή αρχή κυριαρχεί στην εικόνα. «Μετανοημένη Μαγδαληνή”, Αν και είναι αφιερωμένο σε μια δραματική κατάσταση. Αλλά και εδώ, ο μετανοημένος αμαρτωλός έχει αισθησιακή σάρκα, ένα μαγευτικό σώμα που εκπέμπει φως, χείλη γεμάτα και αισθησιακά, κατακόκκινα μάγουλα και χρυσά μαλλιά. Ο πίνακας "Αγόρι με σκυλιά" είναι γεμάτος με λυρισμό με ψυχή.

Στα έργα της δεύτερης περιόδου, η αισθητηριακή αρχή διατηρείται, αλλά συμπληρώνεται με αυξανόμενο ψυχολογία και δράμα. Γενικά, ο Τιτσιάνος κάνει μια σταδιακή μετάβαση από το φυσικό και αισθησιακό στο πνευματικό και δραματικό. Οι συνεχείς αλλαγές στο έργο του Τιτσιάνο είναι σαφώς ορατές στην ενσάρκωση θεμάτων και πλοκών στα οποία ο μεγάλος καλλιτέχνης στράφηκε δύο φορές. Χαρακτηριστικό παράδειγμα από αυτή την άποψη είναι ο πίνακας «Saint Sebastian». Στην πρώτη εκδοχή, η μοίρα ενός μοναχικού, εγκαταλελειμμένου πάσχοντα δεν φαίνεται πολύ θλιβερή. Αντίθετα, ο εικονιζόμενος άγιος είναι προικισμένος με ζωντάνια και φυσική ομορφιά. Σε μια μεταγενέστερη εκδοχή του πίνακα, που βρίσκεται στο Ερμιτάζ, η ίδια εικόνα αποκτά τραγικά χαρακτηριστικά.

Ένα ακόμη πιο εντυπωσιακό παράδειγμα είναι η έκδοση του πίνακα "The Crowning of Thorns", αφιερωμένη σε ένα επεισόδιο από τη ζωή του Χριστού. Στην πρώτη από αυτές, φυλάσσεται στο Λούβρο. Ο Χριστός εμφανίζεται ως ένας σωματικά όμορφος και δυνατός αθλητής, ικανός να αποκρούσει τους βιαστές του. Στην έκδοση του Μονάχου, που δημιουργήθηκε είκοσι χρόνια αργότερα, το ίδιο επεισόδιο μεταφέρεται πολύ βαθύτερα, πιο πολύπλοκα και πιο ουσιαστικά. Ο Χριστός απεικονίζεται με λευκό μανδύα, τα μάτια του είναι κλειστά, αντέχει ήρεμα τον ξυλοδαρμό και τον εξευτελισμό. Τώρα το κυριότερο δεν είναι να στεφανώνεις και να χτυπάς, όχι ένα φυσικό φαινόμενο, αλλά ψυχολογικό και πνευματικό. Η εικόνα είναι γεμάτη με βαθιά τραγωδία, εκφράζει τον θρίαμβο του πνεύματος, την πνευματική ευγένεια έναντι της σωματικής δύναμης.

Στα μεταγενέστερα έργα του Τιτσιάνο, ο τραγικός ήχος εντείνεται ολοένα και περισσότερο. Αυτό αποδεικνύεται από τον πίνακα «Θρήνος του Χριστού».

Η Αναγέννηση πραγματοποιήθηκε με κλασική πληρότητα στην Ιταλία, στην οποία διακρίνονται οι πολιτισμικές περίοδοι της Αναγέννησης: Πρωτοαναγέννηση ή εποχές προ-Αναγεννησιακών φαινομένων, ("η εποχή του Δάντη και του Γκιότο", περίπου 1260-1320), που συμπίπτει εν μέρει με την περίοδο του Ducento (13ος αιώνας), καθώς και του Trecento (14ος αιώνας), του Quattrocento (15ος αιώνας) και του Cinquecento (16ος αιώνας). Γενικότερες περίοδοι είναι η Πρώιμη Αναγέννηση (14-15 αιώνες), όταν οι νέες τάσεις αλληλεπιδρούν ενεργά με τη γοτθική, ξεπερνώντας και δημιουργώντας τη δημιουργικά.

Και επίσης η Υψηλή και Lστερη Αναγέννηση, μια ειδική φάση της οποίας ήταν ο Μανιερισμός. Κατά την εποχή του Quattrocento, η σχολή της Φλωρεντίας, αρχιτέκτονες (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino και άλλοι), γλύπτες (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio) και οι ζωγράφοι, Filippo Lippo, Andrea del Castagn , Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) που δημιούργησε μια πλαστικά ολόκληρη αντίληψη του κόσμου με εσωτερική ενότητα, η οποία σταδιακά εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία (έργο του Piero della Francesca στο Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa στη Ferrara Mantegna στο Mantua, Antonello da Messina και τα αδέλφια Gentile και Giovanni Bellini στη Βενετία).

Είναι φυσικό ότι ο χρόνος, ο οποίος έδωσε κεντρική σημασία στην ανθρώπινη δημιουργικότητα «ίση με τον Θεό», προέβαλε στην τέχνη άτομα που - με όλη την αφθονία των τότε ταλέντων - έγιναν προσωποποίηση ολόκληρων εποχών του εθνικού πολιτισμού (προσωπικότητες "τιτάνας") , όπως ρομαντικά ονομάστηκαν αργότερα). Ο Giotto έγινε η προσωποποίηση της Πρωτοαναγέννησης, οι αντίθετες όψεις του Quattrocento - εποικοδομητική αυστηρότητα και λυρισμός με ψυχή - εκφράστηκαν αντίστοιχα από τους Masaccio και Angelico και Botticelli. Οι «Τιτάνες» της Μέσης (ή «Υψηλής») Αναγέννησης Ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι, ο Ραφαήλ και ο Μιχαήλ Άγγελος είναι καλλιτέχνες - σύμβολα των μεγάλων συνόρων της Νέας Εποχής. Τα σημαντικότερα στάδια της αρχιτεκτονικής της Ιταλικής Αναγέννησης - πρώιμα, μεσαία και όψιμα - ενσωματώνονται μνημειωδώς στα έργα των F. Brunelleschi, D. Bramante και A. Palladio.

Στην Αναγέννηση, η μεσαιωνική ανωνυμία αντικαταστάθηκε από τη μεμονωμένη, δημιουργικότητα του συγγραφέα. Η θεωρία της γραμμικής και εναέρια προοπτικής, των αναλογιών, των προβλημάτων της ανατομίας και της αποκοπής της μοντελοποίησης έχει μεγάλη πρακτική σημασία. Το κέντρο των καινοτομιών της Αναγέννησης, ένας καλλιτεχνικός "καθρέφτης της εποχής" ήταν ένας παραπλανητικός πίνακας με τη φύση, στη θρησκευτική τέχνη μετατοπίζει την εικόνα και στην κοσμική τέχνη δημιουργεί ανεξάρτητα είδη τοπίου, καθημερινής ζωγραφικής, πορτρέτου ( το τελευταίο έπαιξε πρωταρχικό ρόλο στην οπτική επιβεβαίωση των ιδανικών της ανθρωπιστικής virtu). Η τέχνη της τυπωμένης ξυλογραφίας και της χαρακτικής μετάλλου, η οποία έγινε πραγματικά διαδεδομένη κατά τη διάρκεια της Μεταρρύθμισης, αποκτά την τελική εγγενή της αξία. Η σχεδίαση από ένα σκίτσο εργασίας μετατρέπεται σε ξεχωριστό τύπο δημιουργικότητας. Το ατομικό στυλ εγκεφαλικού επεισοδίου, εγκεφαλικού επεισοδίου, καθώς και η υφή και η επίδραση της ατελούς (μη τελειωτικής) αρχίζουν να εκτιμώνται ως ανεξάρτητα καλλιτεχνικά εφέ. Η μνημειακή ζωγραφική γίνεται επίσης γραφική, απατηλή, τρισδιάστατη, αποκτώντας όλο και μεγαλύτερη οπτική ανεξαρτησία από τη μάζα του τοίχου. Όλοι οι τύποι εικαστικών τεχνών τώρα, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, παραβιάζουν τη μονολιθική μεσαιωνική σύνθεση (όπου επικρατούσε η αρχιτεκτονική), αποκτώντας συγκριτική ανεξαρτησία. Δημιουργούνται τύποι απολύτως στρογγυλού αγάλματος, ιππικού μνημείου, προτομής προτομής (που από πολλές απόψεις αναβιώνει την αρχαία παράδοση) και σχηματίζεται ένας εντελώς νέος τύπος πανηγυρικής γλυπτικής και αρχιτεκτονικής ταφόπλακας.

Κατά τη διάρκεια της Υψηλής Αναγέννησης, όταν ο αγώνας για τα ανθρωπιστικά ιδανικά της Αναγέννησης πήρε έναν τεταμένο και ηρωικό χαρακτήρα, η αρχιτεκτονική και οι εικαστικές τέχνες χαρακτηρίστηκαν από το εύρος της κοινωνικής απήχησης, τη συνθετική γενίκευση και τη δύναμη των εικόνων γεμάτων πνευματική και φυσική δραστηριότητα. Στα κτίρια των Donato Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo, η τέλεια αρμονία, η μνημειακότητα και οι σαφείς διαστάσεις έφτασαν στο απόγειό τους. η ανθρωπιστική πληρότητα, μια τολμηρή πτήση καλλιτεχνικής φαντασίας, το εύρος της πραγματικότητας είναι χαρακτηριστικά του έργου των μεγαλύτερων δασκάλων των εικαστικών τεχνών αυτής της εποχής - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian. Από το δεύτερο τέταρτο του 16ου αιώνα, όταν η Ιταλία εισήλθε σε εποχή πολιτικής κρίσης και απογοήτευσης με τις ιδέες του ανθρωπισμού, το έργο πολλών δασκάλων απέκτησε έναν σύνθετο και δραματικό χαρακτήρα. Στην αρχιτεκτονική της ateστερης Αναγέννησης (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi), το ενδιαφέρον για τη χωρική ανάπτυξη της σύνθεσης, η υπαγωγή του κτιρίου σε μια ευρεία έννοια αστικού σχεδιασμού, αυξήθηκε. στα δημόσια κτίρια, ναούς, βίλες και παλάτσο που έλαβαν πλούσια και σύνθετη ανάπτυξη, η σαφής τεκτονική της Πρώιμης Αναγέννησης αντικαταστάθηκε από την έντονη σύγκρουση τεκτονικών δυνάμεων (κτίρια από τους Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Η ζωγραφική και η γλυπτική της Lστερης Αναγέννησης εμπλουτίστηκαν από την κατανόηση της αντιφατικής φύσης του κόσμου, το ενδιαφέρον για την απεικόνιση δραματικής μαζικής δράσης, σε χωρική δυναμική (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano). τα ψυχολογικά χαρακτηριστικά των εικόνων στα μεταγενέστερα έργα του Μικελάντζελο και του Τιτσιάνο έφτασαν σε ένα άνευ προηγουμένου βάθος, πολυπλοκότητα, εσωτερική τραγωδία.

Ενετικό σχολείο

Το Ενετικό Σχολείο, ένα από τα κύρια σχολεία ζωγραφικής στην Ιταλία με κέντρο την πόλη της Βενετίας (εν μέρει και στις μικρές πόλεις Terraferma - περιοχές της ηπειρωτικής περιοχής δίπλα στη Βενετία). Το ενετικό σχολείο χαρακτηρίζεται από την επικράτηση της εικονογραφικής αρχής, ιδιαίτερη προσοχή στα προβλήματα του χρώματος, την επιθυμία να ενσωματώσει την αισθησιακή πληρότητα και λαμπρότητα του είναι. Στενά συνδεδεμένη με τις χώρες της Δυτικής Ευρώπης και της Ανατολής, η Βενετία αντλούσε από τον ξένο πολιτισμό ό, τι μπορούσε να χρησιμεύσει ως διακόσμησή της: η κομψότητα και η χρυσή λάμψη των βυζαντινών ψηφιδωτών, το πέτρινο περιβάλλον των μαυριτανικών κτιρίων, η φανταστική φύση των γοτθικών ναών. Ταυτόχρονα, αναπτύχθηκε εδώ το δικό του πρωτότυπο στυλ στην τέχνη, τείνοντας στην τελετουργική λαμπρότητα. Το Ενετικό σχολείο χαρακτηρίζεται από μια κοσμική, επιβεβαιωτική αρχή ζωής, ποιητική αντίληψη του κόσμου, του ανθρώπου και της φύσης, λεπτό χρωματισμό.

Το βενετσιάνικο σχολείο έφτασε στη μεγαλύτερη ακμή του στην εποχή της Πρώιμης και Υψηλής Αναγέννησης, στο έργο του Antonello da Messina, ο οποίος άνοιξε για τους συγχρόνους του τις εκφραστικές δυνατότητες της ελαιογραφίας, δημιουργών ιδανικά αρμονικών εικόνων του Giovanni Bellini και Giorgione, ο μεγαλύτερος χρωματιστής Τιτσιάνος, ο οποίος ενσάρκωσε στους καμβάδες του τη πολύχρωμη ευθυμία που ενυπάρχει στη βενετσιάνικη ζωγραφική και πληθώρα. Στα έργα των δασκάλων της βενετικής σχολής του δεύτερου μισού του 16ου αιώνα, η ευστροφία στη μετάδοση της πολυχρωμίας του κόσμου, η αγάπη για τα εορταστικά θεάματα και το πολύπλευρο πλήθος, συνυπάρχουν με το ρητό και κρυφό δράμα, μια ανησυχητική αίσθηση τη δυναμική και το άπειρο του σύμπαντος (πίνακες των Paolo Veronese και Jacopo Tintoretto). Τον 17ο αιώνα, το παραδοσιακό βενετσιάνικο σχολικό ενδιαφέρον για τα προβλήματα του χρώματος στα έργα των Domenico Fetti, Bernardo Strozzi και άλλων καλλιτεχνών συνυπήρχε με τις τεχνικές της μπαρόκ ζωγραφικής, καθώς και τις ρεαλιστικές τάσεις στο πνεύμα του καραβαγισμού. Η βενετσιάνικη ζωγραφική του 18ου αιώνα χαρακτηρίζεται από την άνθηση της μνημειακής και διακοσμητικής ζωγραφικής (Giovanni Battista Tiepolo), είδος είδους (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), ντοκιμαντέρ - ακριβές αρχιτεκτονικό τοπίο - μόλυβδο (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) και καθημερινή ζωή του αστικού τοπίου της Βενετίας (Francesco Guardi).

Σχολή της Φλωρεντίας

Το School of Florence, ένα από τα κορυφαία ιταλικά σχολεία τέχνης της Αναγέννησης, με κέντρο την πόλη της Φλωρεντίας. Ο σχηματισμός της φλωρεντικής σχολής, η οποία τελικά διαμορφώθηκε τον 15ο αιώνα, διευκολύνθηκε από την άνθηση της ανθρωπιστικής σκέψης (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola, κ.λπ.), η οποία στράφηκε στην κληρονομιά της αρχαιότητας. Ο ιδρυτής της σχολής της Φλωρεντίας στην εποχή της Πρωτοαναγέννησης ήταν ο Giotto, ο οποίος έδωσε στις συνθέσεις του την πλαστική πειστικότητα και τη γνησιότητα της ζωής.
Τον 15ο αιώνα, θεμελιωτές της τέχνης της Αναγέννησης στη Φλωρεντία ήταν ο αρχιτέκτονας Filippo Brunelleschi, ο γλύπτης Donatello, ο ζωγράφος Masaccio, ακολουθούμενος από τον αρχιτέκτονα Leon Battista Alberti, οι γλύπτες Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano και άλλους πλοιάρχους. Στην αρχιτεκτονική της σχολής της Φλωρεντίας τον 15ο αιώνα, δημιουργήθηκε ένας νέος τύπος παλάτσο της Αναγέννησης, η αναζήτηση για έναν ιδανικό τύπο κτιρίου ναού που θα πληρούσε τα ανθρωπιστικά ιδανικά της εποχής.

Η τέχνη της σχολής της Φλωρεντίας του 15ου αιώνα χαρακτηρίζεται από γοητεία με τα προβλήματα της προοπτικής, την επιθυμία για μια πλαστικά σαφή κατασκευή της ανθρώπινης φιγούρας (έργα των Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), και για πολλοί από τους δασκάλους του - μια ιδιαίτερη πνευματικότητα και μια οικεία λυρική περισυλλογή (πίνακας Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). Τον 17ο αιώνα, η φλωρεντική σχολή έπεσε σε φθορά.

Τα στοιχεία αναφοράς και τα βιογραφικά στοιχεία της "Γκαλερί ζωγραφικής Small Bay Planet" ετοιμάζονται με βάση τα υλικά από την "Ιστορία της ξένης τέχνης" (επιμ. MT Kuzmina, NL Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great Russian Εγκυκλοπαιδεία".