Ρωσική διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη των αιώνων XVIII-XXI. Διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη της μέσης του XVIII αιώνα διακοσμητικά 9 18ος αιώνας
Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα
Οι μαθητές, οι μεταπτυχιακοί φοιτητές, οι νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές τους και τις εργασίες τους θα είναι πολύ ευγνώμονες σε εσάς.
αναρτήθηκε από http://www.allbest.ru//
αναρτήθηκε από http://www.allbest.ru//
"Διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη 18 σε."
Εισαγωγή
Κατά το δεύτερο εξάμηνο του XVIII αιώνα, η ρωσική εφαρμοσμένη τέχνη έχει φτάσει σε σημαντικό ανελκυστήρα. Αυτό διευκολύνθηκε από την ανάπτυξη της οικονομίας, του εμπορίου, της επιστήμης και της τεχνολογίας και ενός σημαντικού βαθμού στενών δεσμών με την αρχιτεκτονική και την οπτική τέχνη. Ο αριθμός των μεγάλων και μικρών εργοστασίων, των φυτών, των εργαστηρίων, των κατασκευαστικών υφασμάτων, γυαλί, πορσελάνη, έπιπλα, έπιπλα. Οι γαιοκτήμονες στα κτήματα τους οργανώθηκαν διάφορα εργαστήρια με βάση το φρούριο.
Ένα από τα φωτεινά φαινόμενα της ρωσικής κουλτούρας είναι η ρωσική λαϊκή δημιουργικότητα, η ιστορία του οποίου έχει την ίδια ηλικία με ένα άτομο ζει στη γη.
Ρωσικές διακοσμητικές και εφαρμοσμένες τέχνες, λαϊκές τέχνες - πρωτότυπα φαινόμενα, που δεν έχουν ανάλογα στον παγκόσμιο πολιτισμό. Η Γη Ρωσική παρεμπόδιση αιώνων είναι διάσημος για τους δασκάλους, οι άνθρωποι που είναι ικανοί να δημιουργήσουν και να δημιουργήσουν πραγματική ομορφιά. Μέσα από την τέχνη των λαϊκών βιοτεχνιών, η σύνδεση του παρελθόντος με το παρόν παρακολουθείται.
Οι λαϊκές βιοτεχνίες είναι ακριβώς αυτό που κάνει τον πολιτισμό μας πλούσιο και μοναδικό. Τα ζωγραφισμένα αντικείμενα, τα παιχνίδια και τα προϊόντα υφάσματος θα απορριφθούν με τους ξένους τουρίστες στη μνήμη της χώρας μας. Σχεδόν κάθε γωνιά της Ρωσίας έχει το δικό του είδος κεντήματος.
Οι κύριοι τύποι των δεξαμενών
Dymkovo παιχνίδι
Dymkovskaya παιχνίδι (Vyatka, Kirov παιχνίδι), ρωσική λαϊκή καλλιτεχνική αλιεία. Υπάρχει από καιρό στο Symnod Symnod (τώρα στην πόλη Kirov). Το Dymkovian παιχνίδι είναι κατασκευασμένο από πηλό, καίει και ζωγραφίζει το έδαφος στο έδαφος, περιλαμβάνει χρυσό χρυσό. Εικόνες Ζώα, αναβάτες, κυρίες σε crinolines, υπέροχα, σκηνές οικιακής χρήσης. Η καλλιτεχνική ιδιαιτερότητα των παιχνιδιών Dymkovsky καθορίζεται από μαζικά λακωνικά πλαστικά, υπογραμμισμένη από μια αρμονική διακοσμητική ζωγραφική με τη μορφή ενός μεγάλου γεωμετρικού στολίδι (διαφορετικοί κύκλοι χρωμάτων, κύτταρα κλπ.).
Το παιχνίδι Dymkovsky είναι το πιο διάσημο από την πηλό αλιείας της Ρωσίας. Διακρίνεται από μια εξαιρετικά απλή και σαφή πλαστική μορφή, ένα συμπτώματα σιλουέτας, μια φωτεινή διακοσμητική ζωγραφική σε λευκό φόντο.
Παραδοσιακά, η αλιεία του παιχνιδιού Dymkovsky δεν έχει παραγωγή σειριακής ροής.
Το Khokhloma είναι μια παλιά ρωσική λαϊκή αλιεία, η οποία προέκυψε τον 17ο αιώνα στην περιοχή Βόλγα (χωριό Semino Nizhny Novgorod επαρχία). Αυτό είναι ίσως η πιο διάσημη εμφάνιση της ρωσικής λαϊκής ζωγραφικής. Είναι μια διακοσμητική ζωγραφική σε ξύλινα πιάτα και έπιπλα από κόκκινο και μαύρο (λιγότερο συχνά πράσινο) τόνους και χρυσό σε χρυσό φόντο. Είναι εκπληκτικό το γεγονός ότι όταν εκτελείτε μια ζωγραφική σε ένα δέντρο δεν εφαρμόζεται χρυσός, αλλά μια σκόνη αργύρου. Στη συνέχεια, το προϊόν καλύπτεται με ειδική σύνθεση και αντιμετωπίζεται τρεις ή τέσσερις φορές στον κλίβανο. Στη συνέχεια, αυτό το ευχάριστο χρώμα του μέλι-χρυσό χρώμα εμφανίζεται, χάρη στην οποία ένα ελαφρύ ξύλινο σκελετό φαίνεται μαζικό.
Bogorodskaya παιχνίδι
Ξύλινο ξύλινο κοτόπουλο στο περίπτερο, τα στοιχεία του Kuznetsov, έναν άνδρα και μια αρκούδα, - παρόν για το μπαρ, και θα κάνουν τα σφυριά σε ένα μικρό άκμονα ... Αστεία παιχνίδια, διάσημη στη Ρωσία από αμνημονεύτων χρόνων, έγινε ο κύριος Λαϊκή σκάφη για τους κατοίκους του χωριού Bogorodskoye.
Το "Bogorodskaya Toy" είναι υποχρεωμένο στη γέννησή του στο χωριό Bogorodskoe, που βρίσκεται τώρα στην περιοχή Sergiev Posad της περιοχής της Μόσχας. Στο XV αιώνα, η διάσημη Μόσχα Boyar MB ανήκει Plescheyev, μετά από του οποίου ο θάνατος, το χωριό μαζί με τους αγρότες πέρασαν την κληρονομιά του μεγαλύτερου γιο του Andrei, και στη συνέχεια τον εγγονό Fyodor.
Από το 1595, το χωριό Bogorodskoye γίνεται ιδιοκτησία της Μονής Τριάδας-Σεργίας και των αγροτών - Μοναστικοί Serfs. Ήταν οι αγρότες που τοποθετήθηκαν στους XVI-XVII αιώνες τα θεμέλια ενός δέντρου νήμα, δοξάζοντας το Bogorodskoye-το τρέχον "πρωτεύουσα του βασιλείου του παιχνιδιού", για ολόκληρο τον κόσμο.
Matryoshka
Το Matryoshka είναι το πιο διάσημο και αγαπημένο από όλα τα ρωσικά σουβενίρ, το φαινόμενο μιας παγκόσμιας κλίμακας. Η πρώτη ρωσική κούκλα εμφανίστηκε στο τέλος του 19ου αιώνα, ωστόσο, κέρδισε πρωτοφανή αναγνώριση ως μία από τις περιεκτικές εικόνες της Ρωσίας, το σύμβολο της ρωσικής λαϊκής τέχνης. Το ειδώλιο ενός καλού φυσαλισμένου φαλακρυσμένου γέρου, βουδιστικό σοφότερο Fiser Fukuruma, στο οποίο υπήρχαν αρκετές περισσότερες μορφές ενσωματωμένες μεταξύ τους. Έφερε αυτό το σχήμα με την Honce Island. Οι Ιάπωνες, παρεμπιπτόντως, υποστηρίζουν ότι το πρώτο παιχνίδι είναι το πρώτο φρυγανισμένο στο νησί του Honsu.
Η ρωσική ξύλινη αποσπώμενη κούκλα ονομάστηκε Matrechka. Στην προ-επαναστατική επαρχία, το όνομα Matrena, το Matresh θεωρήθηκε ένα από τα πιο κοινά ρωσικά ονόματα, τα οποία βασίζονται στη λατινική λέξη "mater", που σημαίνει μητέρα. Αυτό το όνομα συσχετίστηκε με τη μητέρα μιας πολυάριθμης οικογένειας με καλή υγεία και ένα amorrant φιγούρα. Ακολούθως, καταβλήθηκε και άρχισε να σημαίνει μια στροφή αποσπώμενη πολύχρωμο ζωγραφισμένο ξύλινο προϊόν. Αλλά μέχρι σήμερα, η Matryoshka παραμένει ένα σύμβολο της μητρότητας, της γονιμότητας, επειδή μια κούκλα με μια πολυάριθμη οικογένεια μαριονέτας εκφράζεται τέλεια από τη μορφή αυτού του αρχαίου χαρακτήρα της ανθρώπινης κουλτούρας.
Το πρώτο ρωσικό Matryoshka, τρελό από τον Vasily, τον αστερίσκο και ζωγραφισμένο από τον Σεργκέι Μαλυούτ, ήταν ένα οκτώ μαλλί: ένα αγόρι ακολούθησε το κορίτσι με ένα μαύρο κόκορα, τότε ένα κορίτσι και ούτω καθεξής. Όλοι οι αριθμοί διαφέρουν ο ένας από τον άλλον και οι τελευταίοι, ο όγδοος απεικόνισε ένα ώριμο μωρό.
Orenburg Pooh χρώμα
Τα βασικά στοιχεία της εφαρμοσμένης τέχνης, χάρη στην οποία ο Orenburg έγινε γνωστός σε ολόκληρο τον κόσμο, έβαλε τις γυναίκες Cossack στον τελευταίο XVII αιώνα, όταν οι Ρώσοι πρωτοπόροι, ανέβαλλοι στα Ουράλια, εισήλθαν σε εμπορικές σχέσεις με τον τοπικό πληθυσμό.
Το σκληρό κλίμα αυτών των θέσεων ζήτησε τα ρούχα ζεστά, αλλά εύκολα. Κοζάκια που υιοθετήθηκαν εύκολα εναντίον των καζακών και του Kalmykov χειροτεχνία από το χνούδι κατσίκας. Μόνο ένας πλέξιμο στο Stepnyakov ήταν σταθερός και οι γυναίκες Yaitsky άρχισαν να χρησιμοποιούν ρωσικά στολίδια δαντέλας.
Pavloposadsky μαντήλι
Φωτεινά και πνεύμονες, τα κασκόλ του θηλυκού Pavloposad είναι πάντα μοντέρνα και σχετικές. Και σήμερα, τα αρχικά σχέδια συμπληρώνονται από διάφορα στοιχεία όπως τα περιθώρια, δημιουργούνται σε διαφορετικά χρώματα και παραμένουν ένα εξαιρετικό αξεσουάρ σε σχεδόν οποιαδήποτε εικόνα.
Pavlovo-Posadskaya, μάλλινα και μισά τοιχώματα κασκόλ, διακοσμημένα με παραδοσιακά πολύχρωμα τυπωμένα στολίδια, προέκυψαν στην περιοχή της Μόσχας Pavlovsky Posad το 1860-80. Η περιοχή του Pavlovsky Posada (το έδαφος της πρώην Bogorodsky District) είναι ένα από τα παλαιότερα ρωσικά κέντρα κλωστοϋφαντουργίας. Την 18η - το πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Το Bogorodsky κασκόλ και τα υφάσματα που διακρίθηκαν διακρίθηκαν από την ιδιαίτερη ομορφιά του στολίδι κρυμμένων. Αργότερα, ο Shelkototokismish διαδίδεται ευρέως εδώ και από τη δεκαετία του 1860. Η απελευθέρωση μάλλινων και ημιχρόνων μαντίλων, διακοσμημένη με ένα πολύχρωμο τυπωμένο στολίδι. Σταδιακά, η παραγωγή έχει αυξηθεί και απέκτησε έναν έντονο εθνικό χαρακτήρα.
Finiferty Rostov
Rostov Το δικόγραφο - ένας μοναδικός παραδοσιακός αλιευτικός αλιευτικός, ο οποίος προέκυψε στο δεύτερο μισό του XVIII αιώνα. Όπως το ζωγραφισμένο με το ζωγραφισμένο στο εικονίδιο. Σε αυτή τη σειρά, είναι συγγενείς στο Phane, Msøre, ένα Holly, μόνο το υλικό είναι αρκετά σπάνιο - ζωγραφίζοντας από το σμάλτο. Το "Finifty" προέρχεται από την ελληνική ουσιαστική Ceggpt (Fengos), που σημαίνει "τρεμοπαίζει". Ειδικά χρώματα (εφευρέθηκαν το 1632 από το γαλλικό κοσμηματοπωλείο Jean Taen) με βάση το γυαλί με την προσθήκη μεταλλικών οξειδίων εφαρμόζονται στη μεταλλική βάση (χάλυβας, χαλκός, ασήμι, φύλλο χρυσού) και στερεωμένο με πυρκαγιά στον κλίβανο. Η τελειότητα της Ρόστοφ είναι μεταξύ των δέκα πρώτων λαϊκών αλιείας της Ρωσίας.
Το GZHEL είναι το όνομα της γραφικής περιοχής προαστιακής περιοχής, που είναι 60 χιλιόμετρα από τη Μόσχα. Η λέξη "gzhel" είναι απίστευτα δημοφιλής σήμερα. Συνδέεται με την ομορφιά της αρμονίας, ένα παραμύθι και ένα chal. Πορσελάνη με κομψή μπλε ζωγραφική και πολύχρωμο majolica είναι τώρα γνωστή όχι μόνο στη Ρωσία, αλλά και πέρα. Τα προϊόντα GZHEL προσελκύουν όλους εκείνους που αγαπούν την όμορφη, πλούσια φαντασία και την αρμονία, τον υψηλό επαγγελματισμό των δημιουργών τους. Ο Gzhel είναι το λίκνο και το κεντρικό κέντρο της ρωσικής κεραμικής. Εδώ, τα καλύτερα χαρακτηριστικά της δημιουργήθηκαν και τα υψηλότερα επιτεύγματα της λαϊκής τέχνης εκδηλώθηκαν.
Πόσο χρονών είναι αυτή η ρωσική λαϊκή αλιεία; Οι αρχαιολογικές μελέτες στην επικράτεια του Gzhel επιβεβαιώνουν την ύπαρξη ενός κεραμικού σκάφους από την αρχή του XIV αιώνα. Και δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι η Γη Gzhel είναι εδώ και πολύ καιρό πλούσια σε δάση, ποτάμια, υψηλής ποιότητας αργίλους, .. που δεν έχω δει περισσότερο από τη λευκότητα. " Από τότε, για περισσότερο από έξι αιώνα, η ιστορία της Gzle βίωσε διαφορετικές περιόδους.
Τέλος του XIX - η αρχή των αιώνων XX έγινε μια περίοδος βαθιάς κρίσης. Φαινόταν ότι η τέχνη του Gzhel σκοτώθηκε για πάντα.
Ο μεταπολεμικός χρόνος συνδέεται με την αρχή της αναβαλλόμενης αλιείας και την αναζήτηση της εικονικής της γλώσσας. Για το λόγο αυτό, χρειάστηκε χρόνια επίπονης και ακούραστης εργασίας, εκπαιδεύοντας νέους δασκάλους. Ως αποτέλεσμα, αυτό οδήγησε στην επιτυχία. Dymkovsky παιχνίδι Matryoshka Gzhel εφαρμόστηκε
Το 1972 δημιουργήθηκε από τον Σύνδεσμο του "GZHEL", με βάση έξι μικρές βιομηχανίες που βρίσκονται σε διάφορα χωριά. Οι δημιουργικές ομάδες ανέπτυξαν νέα δείγματα. Δημιουργήθηκαν πλήρως νέες μορφές προϊόντων. Η ζωγραφική έχει γίνει πλουσιότερη και εκτελεί τις καλλιτεχνικές απαιτήσεις της υπάρχουσας ημέρας.
Tagil δίσκος
Η ζωγραφική βερνικιού Ural σε μέταλλο προέρχεται από το XVIII αιώνα. κάτω από τα φυτά Nizhnnyagil. Tagil δίσκο παλαιότερο από zhostovsky. Είναι ο Nizhny Tagil που θεωρείται η γενέτειρα της ρωσικής ζωγραφικής για μέταλλο. Οι κτηνοτρόφοι Ural Demidov, οι κύριοι πελάτες των ζωγραφισμένων προϊόντων, με κάθε τρόπο υποστήριξαν την αλιεία βερνικιών. Η ζωγραφική Tagil στο μέταλλο δεν μπορεί να συγχέεται με οποιοδήποτε άλλο: Είναι εγγενές στον πλούτο των χρωμάτων, της καθαριότητας και της χάριτος στην επεξεργασία των χρωμάτων, την πληρότητα της σύνθεσης, την εξελιγμένη ποσότητα διακοσμητικών.
Zhostovskaya ζωγραφική - λαϊκή αλιεία καλλιτεχνική ζωγραφική των μεταλλικών δίσκων, που υπάρχουν στο χωριό Zhostovo Mytishchi περιοχή της περιοχής της Μόσχας. Πεδίο ζωγραφισμένων μεταλλικών δίσκων προέκυψε στη μέση του XVIII αιώνα. Στα Ουράλια, όπου βρίσκονταν τα μεταλλικά φυτά του Demidov. Μόνο στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Οι δίσκοι άρχισαν να κάνουν στα χωριά της επαρχίας Μόσχας - Zhostov, Trinity, Novoseltsev. Η αλιεία της περιοχής της Μόσχας σύντομα έγινε οδηγεί.
Οι δίσκοι Zhostovsky είναι πίνακες, κυρίως στολίδια λουλουδιών των οποίων οι δημιουργοί ήταν συνηθισμένοι ρωσικοί αγρότες. Έφεραν τη ζωγραφική λάκα τη φωτεινή χαρά των χρωμάτων, την απλότητα και την προβολή εικόνων, την ακρίβεια των χαρακτηριστικών, τη σαφήνεια του σχεδίου.
Η ζωγραφική διεξάγεται με την πρόσληψη ελεύθερου σκουπίσματος χωρίς προκαταρκτικό σχέδιο. Πιο συχνά χρησιμοποιημένο μαύρο φόντο. Ο όγκος των χρωμάτων και των φύλλων φαίνεται να αναπτύσσεται από τα βάθη του φόντου. Αυτό γίνεται με σταδιακή μετάβαση από τους σκοτεινούς τόνους σε αναπτήρα. Στη ζωγραφική σαν να έρχονται τα λουλούδια στη ζωή.
Η σύγχρονη τεχνολογία κατασκευής δίσκων διαφέρει ελάχιστα από τα προηγουμένως χρησιμοποιούμενα από τους δασκάλους του χωριού Zhostovo. Ένα λεπτό φύλλο σιδήρου πιέζεται στην επιθυμητή μορφή, για να δώσει δυσκαμψία στην άκρη του δίσκου κυλίεται, η επιφάνεια ισοπεδώνεται. Η μπροστινή επιφάνεια του δίσκου είναι αλεσμένη και σαρώνει, και στη συνέχεια στρέφεται και καλύπτεται με μαύρο (λιγότερο κοινό χρώμα) βερνίκι. Οι δίσκοι ξηραίνονται σε κλίβους σε θερμοκρασία έως και 90 μοίρες C. Η επικάλυψη παράγεται τρεις φορές, μετά την οποία η επιφάνεια χρώματος του δίσκου αποκτά λάμψη.
Fedoskino
Fedoskin Miniature, ο τύπος της παραδοσιακής ρωσικής μινιατούρας ζωγραφικής με χρώματα πετρελαίου σε χαρτί-Masha, που ήταν στα τέλη του 18ου αιώνα. Στο προαστιακό χωριό FedoSkino.
Η παραγωγή προϊόντων Papier-Mache εμφανίστηκε το 1798, όταν ο έμπορος P.I. Ο Gobbov διοργάνωσε τον Danilkov στο χωριό που αγοράστηκε από αυτόν (που περιλαμβάνεται επί του παρόντος στην Fedoskina) ατομική παραγωγή. Λίγα χρόνια αργότερα, το εργοστάσιο Golobvasser επισκέφθηκε το εργοστάσιο Johann Strobvasser, ανέλαβε την τεχνολογία των προϊόντων χαρτιού-Mache εκεί και ξεκίνησε την κατασκευή δημοφιλούς επιστημονικού, διακοσμημένη με χαρακτικά που επικολλάται στο κάλυμμα, μερικές φορές ζωγραφισμένες και καλυμμένες με βερνίκι. Το δεύτερο τρίμηνο του 19ου αιώνα. Το Tobackerki, οι χάντρες, τα καρέκλα και άλλα προϊόντα άρχισαν να διακοσμούν γραφικά μινιατούρες με χρώματα πετρελαίου με κλασικό γραφικό τρόπο.
Οι δάσκαλοι εργάστηκαν στα εργοστάσια απασχόλησης, πολλοί από αυτούς ήταν μετανάστες από τα εργαστήρια ζωγραφισμένα σε εικονίδια του Sergiyev Posad και της Μόσχας, μερικοί είχαν μια καλλιτεχνική εκπαίδευση που έλαβε στο σχολείο Stroganovsky. Τα ονόματα ορισμένων από αυτά είναι γνωστά - S. Ι. Borodkin, Α. Shavrin, Α. V. Tikhomirov, Δ. Α. Κρύλουφ, και άλλοι.
Οι ευνοϊκές ιστορίες των μικρώνυμων ήταν δημοφιλείς τη στιγμή των Fedoskin Miniaturists: "Τρόικα", "Τσάι πίνοντας", σκηνές από τη ρωσική και μικρή ρωσική αγροτική ζωή. Οι πιο συνηθισμένες βαλβίδες αποτιμήθηκαν, διακοσμημένα με πολύπλοκες συνθέσεις πολλαπλών υπολογιστών - αντίγραφα ζωγραφικής ζωγραφικής των καλλιτεχνών της Ρωσίας και της Δυτικής Ευρώπης.
Το FedoSkinskaya Miniature εκτελείται με χρώματα πετρελαίου σε τρία ή τέσσερα στρώματα - που εκτελούνται διαδοχικά από MaleVoles (συνολική σύνθεση), δαχτυλίδια ή μνήμη (λεπτομερέστερη μελέτη), LESING (μοντελοποίηση εικόνας με διαφανή χρώματα) και μια λάμψη (ολοκλήρωση του προϊόντος με Χρώματα φωτός που μεταδίδουν λάμψη σε αντικείμενα).
Η μικρογραφία του παλατιού δεν έχει αναλόγους σε όλο τον κόσμο. Εκτελείται στο Papier Masha και στη συνέχεια μεταφέρεται μόνο στην επιφάνεια των πολυκατοικιών όλων των ειδών μορφών και μεγεθών.
Μια περίεργη και λιχουδιά του λάκα, τις αρχές της αρχαίας ρωσικής ζωγραφικής και της λαϊκής τέχνης. Επί του παρόντος, η μινιατούρα Palekh αποτελεί αναπόσπαστο μέρος της εγχώριας διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης στο σύνολό της. Μαζί με την ανάπτυξη αρχαίων παραδόσεων, είναι από μόνη της ένα ποιητικό όραμα του κόσμου, περίεργο για τα ρωσικά λαϊκά παραμύθια και τα τραγούδια.
Η γέννηση αυτής της τέχνης στο Palekh δεν είναι τυχαία. Ήταν ένα φυσικό αποτέλεσμα της ανάπτυξης των αιώνων-παλιές παραδόσεις σε νέες ιστορικές συνθήκες, που κληρονόμησε την ικανότητα πολλών γενεών ζωγράφων εικονιδίων. Η παλιά εμπειρία Phane είναι πλούσια και ποικίλη. Οι παραδόσεις της αρχαίας ρωσικής τέχνης έχουν μελετηθεί καιρό στο Παλαιόχ.
Μια ανεξάρτητη εικονογραφία στυλ Phane σχηματίστηκε μόνο από τη μέση του XVIII αιώνα. Απορροφήθηκε και ανέπτυξε τις βασικές αρχές και στοιχεία του σχολείου Novgorod και Stroganov και ζωγραφική της περιοχής Βόλγα το δεύτερο μισό του XVII αιώνα. Στους αιώνες XVII-XIX, οι πλοίαρχοι Phanhai έχουν επανειλημμένα εκτελεί παραγγελίες για εικονίδια στο στυλ Novgorod ή στη φύση της Μόσχας Fryzy.
συμπέρασμα
Η ικανότητα προσδιορισμού της αισθητικής ποιότητας του υλικού διακρίνει πάντα τους ρωσικούς δασκάλους, οι οποίοι εκδηλώθηκαν σε όλες τις σφαίρες της ζωής από τη ζωή πριν την αρχιτεκτονική, όπου η δεξιότητα εκφράστηκε σε πέτρινη τέχνη.
Η ακμή κοσμήματος στη Ρωσία έρχεται στη μέση του αιώνα XVIII και συνεχίζεται όλο τον αιώνα.
Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι δάσκαλοι της ασημένιας επιχείρησης φτάνουν στην μεγάλη επιτυχία. Σύμφωνα με τις νέες γεύσεις της μορφής των αργυρών ρυθμίσεων, απλού και ροζάρι. Είναι διακοσμημένα με φλάουτα, αντίκες στολίδια. Σε ασημένια γυαλιά, ο Tabakerki Masters του μεγάλου USTYG αναπαράγει με την εικόνα μιας αντίκες σκηνής, νίκες των ρωσικών στρατευμάτων.
Εξαιρετικό φαινόμενο στην εφαρμοσμένη τέχνη του αιώνα XVIII - χάλυβα καλλιτεχνικά άρθρα του Tula Masters: έπιπλα, κουκκίδες, κηροπήγια, κουμπιά, πόρπες, tobacker.
Η άνθηση των ρωσικών εφαρμοζόμενων τεχνών του XVIII αιώνα συνδέθηκε με το έργο των αρχιτεκτόνων του Καζακόφ, του Σωτόφ, του Καπέρσεγκ, του Cameron, της Βοononikhina και ενός αριθμού εκπαιδευμένων λαϊκών καλλιτεχνών. Αλλά η γνήσια δόξα του δημιουργήθηκε για το μεγαλύτερο μέρος των υπόλοιπων ανεπιθύμητων δασμών του φρουρίου - κατασκευαστές επίπλων, καρβέστες, wreales, πέτρινες κτηνοτρόφοι, κοσμηματοπωλεία, γυαλί, κεραμιστές ....
Βιβλιογραφία
Η ιστορία της ρωσικής τέχνης. Υπεύθυνοι συντάκτες I.A. Bartenev, R.I. Vlasova - Μ., 1987
Η ιστορία της ρωσικής τέχνης. Ed. Δηλ. Grabar. Τ. 1-12 (τμήματα διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης). M.: 1953-1961
Ρωσική διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη. Ed. ΟΛΑ ΣΥΜΠΕΡΙΛΑΜΒΑΝΟΝΤΑΙ. Λεωνόβα. Τ. 1-3. M.: 1962-1965
Ψαράδες B.A. Ρωσική εφαρμοσμένη τέχνη των αιώνων X-XIII. L.: 1971
Vasilenko Β.Μ. Ρωσική εφαρμοσμένη τέχνη. Προέλευση και σχηματισμό. I in. ΠΡΟ ΧΡΙΣΤΟΥ. - XIII αιώνα. ΕΝΑ Δ M.: 1977
Δημοσιεύτηκε στο Allbest.ru.
...Παρόμοια έγγραφα
Παραδόσεις άρθρων κατασκευής. Καλλιτεχνικά προϊόντα από τη Beresta. Bogorodskaya σκαλιστό παιχνίδι. Abramtsevo-kudrinskaya, ή khotkovskaya ξυλογλυπτική. Palehskaya και Fedoskinskaya ζωγραφική λάκας. Αληθινή ρωσική ομορφιά - Matryoshka.
Περίληψη, πρόσθεσε 24.06.2009
Η εθνογραφική και διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη των Αλτάιων του Ύστερη XIX - Πρώιμη XX αιώνα. Κοσμήματα και επεξεργασία μετάλλων. Θεραπεία των αισθητικών και μαλακών υλικών από ύφασμα. Διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη των Καζακών. Χαρακτηριστικά των λαϊκών βιοτεχνιών.
Εργασία μαθημάτων, πρόσθεσε 07.06.2014
Αρχιτεκτονική του XVIII αιώνα. Γλυπτική του XVIII αιώνα. Ζωγραφική του πρώτου μισού του XVIII αιώνα. Ζωγραφίζοντας το δεύτερο μισό του 20ού αιώνα. Το πρώτο μισό των χαρακτικών του 19ου αιώνα. Το δεύτερο μισό της χάραξης του αιώνα του XVIII. Εφαρμοσμένη τέχνη του πρώτου μισού του XVIII αιώνα.
Μαθήματα, προστέθηκαν 10.26.2002
Η περίοδος σύγκρουσης εξαιρουμένων μεταξύ άλλων καλλιτεχνικών φιλοδοξών στους αιώνες XVII-XVIII. Η εκδήλωση των χαρακτηριστικών της κοσμικής τέχνης στη ρωσική ζωγραφική εικονίδιο. Άνοιγμα εργαστηρίου ζωγραφισμένου σε εικονίδια με το θάλαμο οπλισμού στο Κρεμλίνο. Τοιχογραφία ζωγραφική, ιστορικό είδος.
Παρουσίαση, που προστέθηκε στις 12/25/2013
Διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη. Το μυστικό της ανατολικής πορσελάνης. Η εμφάνιση του Faens και Majolica. Κεραμικά στη Ρωσία. Λαϊκή καλλιτεχνική κεραμική αλιεία. Gzhel, παιχνίδι Dymkovsky. Παραγωγή παιχνιδιών στην αρχή του αιώνα XIX. Οδηγίες της ρωσικής κεραμικής.
Παρουσίαση, πρόσθεσε 12/18/2014
Skopinsk κεραμικά και παιχνίδι, ιστορία ανάπτυξης. Εποχιακή αλιεία αγγειοπλάστη σε τοπικό κόκκινο πηλό στα χωριά του Kargopol County. Dymkovskaya, Vyatka και Kirov παιχνίδι, τα πιο κοινά οικόπεδα. Τέχνη του Filimon Master.
Περίληψη, πρόσθεσε 15.06.2012
Τάσεις στην ανάπτυξη της ρωσικής ζωγραφικής, κυριαρχούν καλλιτέχνες γραμμικής προοπτικής. Διαδώστε τις τεχνικές της ζωγραφικής από το πετρέλαιο, την εμφάνιση νέων ειδών. Ειδική θέση πορτρέτου ζωγραφικής, η ανάπτυξη της ρεαλιστικής κατεύθυνσης στη ρωσική ζωγραφική του XVIII αιώνα.
Παρουσίαση, προστέθηκε 11/30/2011
Λαϊκή τέχνη αλιεία. Η διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη των ανθρώπων. Κατασκευή πιάτων πηλού. Chernoshinsky παιχνίδι. Πώς δεν έζησε κανένα αρχαίο παιχνίδι. Έκθεση λαϊκών παιχνιδιών. Πώς γεννιέται η ομορφιά. Δημιουργικότητα Evdokia ilinichna Lukyanova.
Εξέταση, πρόσθεσε 08/21/2008
Ανάλυση της δημιουργικότητας των ρωσικών ζωγράφων του Ύστερη XVIII αιώνα: Rockotov, Levitsky, Borovikovsky. Οι πιο ζωντανοί εκπρόσωποι της ρωσικής ζωγραφικής XIX C.: Κύπρος, Τροπίνιν, Βενετσιάν, Bullelov, Fedotov, Ivanov. Αλλαγές στην τεχνική και την ανάπτυξη του πορτρέτου.
Εργασία μαθημάτων, προστέθηκαν 09/21/2012
Ώρα να απογειωθεί η δημόσια αυτοσυνειδησία και η κοινωνική σκέψη, η άνθηση της τέχνης. Ζωγραφική των ρωσικών καλλιτεχνών - Rockotov, Levitsky, Borovikovsky, Losko, Shibowan. Η κυριαρχία της ρεαλιστικής κατεύθυνσης, του ιστορικού, του τοπίου, της οικιακής ζωγραφικής.
Η ιστορία της Ρωσίας του καθυστερημένου XVII - το πρώτο τρίμηνο του 18ου αιώνα είναι αδιαχώριστο για λογαριασμό ενός από τους μεγαλύτερους πολιτικούς της Ρωσίας - Πέτρου Ι. Σημαντικές καινοτομίες εισβάλλουν αυτή τη φορά όχι μόνο στον τομέα του πολιτισμού και της τέχνης, αλλά και στη βιομηχανία - Μεταλλουργία, ναυπηγική, κλπ. Η αρχή του XVIII αιώνα, εμφανίζονται οι πρώτοι μηχανισμοί και μηχανές επεξεργασίας μετάλλων. Πολλά σε αυτόν τον τομέα γίνεται από τη Ρωσική Μηχανική Narla, Surnin, Dogian, κλπ.
Ταυτόχρονα, τοποθετούνται τα θεμέλια του κρατικού συστήματος γενικής και ειδικής εκπαίδευσης. Το 1725, η Ακαδημία Επιστημών είναι εγκατεστημένη, στην οποία προσφέρει ο διαχωρισμός των τέχνης χειροτεχνίας.
Α. Narov.Τόρνος. Περίπου Petrovskaya. Xviii αιώνα
Στο XVIII αιώνα, σχηματίζονται νέες αρχές αρχιτεκτονικής και πολεοδομικού σχεδιασμού. Η περίοδος αυτή χαρακτηρίζεται με την ενίσχυση των ειδών χαρακτηριστικών χαρακτηριστικών του Μπαρόκ της Δυτικής Ευρώπης (Ολλανδία, Αγγλία).
Ως αποτέλεσμα των επιχειρήσεων του Peter I, τα προϊόντα παραδοσιακά ρωσικά έντυπα εξαφανίζονται γρήγορα από το παλάτι Royal και αριστοκρατική ζωή, ενώ εξακολουθούν να υφίστανται στις κατοικίες της μάζας του αγροτικού και του αστικού πληθυσμού, καθώς και στην εκκλησία χρήση. Ήταν το πρώτο τρίμηνο του XVIII αιώνα ότι σχεδιάζεται μια σημαντική διαφορά στο στυλ ανάπτυξης, ο οποίος παρέμεινε για μεγάλο χρονικό διάστημα της επαγγελματικής δημιουργικότητας και των λαϊκών καλλιτεχνικών πεδίων. Στο τελευταίο, οι παλιές παραδόσεις της ρωσικής, ουκρανικής, της Εσθονίας κλπ. Της εφαρμοσμένης τέχνης αναπτύσσονται άμεσα και οργανικά αναπτυγμένα.
Οι κανόνες της ευγενής ζωής απαιτούν επίδειξη πλούτου, βελτίωσης και στιλπνότητας στη ζωή του προσώπου. Οι μορφές της παλιάς ζωής, συμπεριλαμβανομένου του Petrovsky (ακόμη και μια επιχείρηση, αυστηρή), από τη μέση του XVIII αιώνα τελικά εκτοπίζονται. Οι κυρίαρχοι θέσεις στη ρωσική τέχνη παίρνουν το λεγόμενο στυλ Rococo, οι λογικά ολοκληρώθηκαν αργά μπαρόκ τάσεις. Εσωτερικά παρέλαση αυτής της περιόδου, για παράδειγμα, ορισμένες εγκαταστάσεις του Peterhof και Tsarskoral Palaces, σχεδόν εντελώς διακοσμημένα με κλωστές ζεύξης.
Γενικά χαρακτηριστικά της διακόσμησης του ροκού (καμπύλες γραμμές, άφθονη και ασύμμετρη διάταξη των στυλιζαρισμένων ή κοντά στη φύση, τα φύλλα, τα κοχύλια, τα μάτια κ.λπ.) αναπαράγονται πλήρως στη ρωσική αρχιτεκτονική και τα έπιπλα εκείνης της εποχής, των κεραμικών, των ενδυμάτων, των πυροβόλων όπλων Τ. Δ. Αλλά η ανάπτυξη της ρωσικής εφαρμοσμένης τέχνης συνεχίστηκε ακόμα σε ένα πολύ ανεξάρτητο μονοπάτι. Παρά την άνευ όρων ομοιότητα των μορφών των ιδίων προϊόντων με τη Δυτική Ευρώπη, δεν είναι δύσκολο να παρατηρήσουμε τις διαφορές μεταξύ τους. Έτσι, αλλά σε σύγκριση με τα γαλλικά, τα προϊόντα των ρωσικών επίπλων έχουν πολύ πιο κοντά μορφές και μαλακότερο κατά μήκος των περιγραμμάτων, το σχέδιο. Οι δάσκαλοι εξακολουθούν να κρατούσαν τις δεξιότητες λαϊκής νήματος, μεγαλύτερες και γενικευμένες από ό, τι στη Δύση. Όχι λιγότερο χαρακτηριστική πολυχρρωματικότητα των ρωσικών προϊόντων και ένας συνδυασμός επιχρυσών με τη ζωγραφική, σπάνια βρεθεί στη Γαλλία, και στη Ρωσία αποδεκτή παντού.
Από τη δεκαετία του '60 του XVIII αιώνα, η μετάβαση στον κλασικισμό με τις συνοπτικές και αυστηρές μορφές που αντιμετωπίζει την αρχαιότητα και χαρακτηρίζεται από υψηλό συγκράτητο ξεκινά στη ρωσική αρχιτεκτονική. Η ίδια διαδικασία συμβαίνει στην εφαρμοσμένη τέχνη.
Στον προγραμματισμό, τον εξοπλισμό και τη διακόσμηση των αστικών αρχοντικών και των παλατιών (αρχιτέκτονες του Kokorinov, Bazhenov, Kaprengy, Starov, κλπ.), Η σαφή συμμετρία φαίνεται ανάλογη της σαφήνειας. Οι τοίχοι των χώρων (μεταξύ των Windows ή απέναντι αυτών) είναι κρυμμένα από καθρέφτες και πίνακες κατασκευασμένα από βαλβίδες μεταξιού, διακοσμητικά βαμβακερά υφάσματα, ύφασμα.
.
Καναπές - στυλ rococo. Ρωσία (θραύσμα). Μεσαίο XVIII αιώνα.
Στυλ κλασικισμός. Ρωσία. Το δεύτερο μισό του XVIII αιώνα.
Τα δάπεδα προσλαμβάνονται από το ξύλο των διαφόρων φυλών, και μερικές φορές σφίγγονται με καμβά ή ύφασμα. Τα ανώτατα όρια περιγράφονται (για παράδειγμα, μια τεχνική Griezaile που μιμείται την ανάγλυφη μοντελοποίηση). Αντί ενός συνόλου παρκέ, το ελάττωμα που έπεσε μαχητικό "κάτω από το κερί" τα δάπεδα χρησιμοποιούνται. Οι τοίχοι και τα οροφές συχνά συγκλονίζονται με ύφασμα ή ξεπερνούν με ταπετσαρία. Εάν τα εντυπωσιακά μεγέθη μαρμάρου τζάκια είναι διατεταγμένα στις μπροστινές εγκαταστάσεις, στη συνέχεια πιο παραδοσιακοί φούρνοι στους καναπέδες ή τα πόδια που είναι επένδυση με κεραμίδια ανυψώνονται σε οικεία θαλάμους. Η διαφορά στους λαμπτήρες είναι τόσο αξιοσημείωτο: στις αίθουσες - είναι κοσμήματα και ακριβά πολυέλαιοι, Candelabra, Sconces, στο υπόλοιπο - σημαντικά πιο μέτρια κατόχους κεριών και λαμπτήρες. Ακόμη περισσότερη αντίθεση στα σχήματα των εμπρόσθιων και των οικιακών επίπλων. Όλα αυτά λένε όχι τόσο για την επιθυμία των ιδιοκτητών των παλατιών και των αρχοντικών να σώσουν, πόσο για τη λογιστική από το αντικειμενικό περιβάλλον ως ένας σημαντικός παράγοντας της ψυχολογικά σημαντικής ατμόσφαιρας.
Τα περισσότερα έπιπλα και ορισμένα άλλα προϊόντα στο τέλος του XVIII-πρώτου μισού του XIX αιώνα δεν ήταν συνεχώς απαραίτητες. Ελλείψει ανάγκης, είτε καθαρίστηκαν είτε μεταφέρθηκαν σε ανενεργά μέρη των χώρων. Έπιπλα για καθίσματα πρέπει να έχουν εργαστεί. Στην ίδια σύνδεση, ελήφθη μια μεγάλη ανάπτυξη με μετασχηματισμένα έπιπλα με αεροπλάνο εργασίας - τσάι και τραπέζια καρτών, πτυσσόμενο τραπέζι, ένα τραπέζι χειροτεχνίας, ένα σύστημα διαφορών που ταιριάζουν κάτω από τους άλλους πίνακες και άλλους. Όλα αυτά αυξήθηκαν σημαντικά το Η άνεση της ζωής, η λεπτή διαφοροποίηση της λειτουργικής υποστήριξής του και μια ποικιλία εγκαταστάσεων σε διάφορες καθημερινές καταστάσεις. Ταυτόχρονα, επισημάνθηκαν ορισμένες διεργασίες οικιακής χρήσης, που πραγματοποιήθηκαν στη ζεστή περίοδο έξω από το κτίριο - στη βεράντα και στο πάρκο. Ως αποτέλεσμα, οι νέοι τύποι προϊόντων κατανέμονται - τα έπιπλα κηπουρικής, οι τέντες ομπρέλας, οι λαμπτήρες του πάρκου κλπ. Στο XVIII αιώνα, οι Serfs οργανώνονται από τους Serfs, παράγοντας αρκετά μεγάλα έπιπλα, πορσελάνη, παλάτια και άλλα προϊόντα.
Στο τέλος του XVIII αιώνα, ο υποκατάστημα του σχεδιασμού των προϊόντων (έπιπλα, λαμπτήρες, ώρες, περιτυλίγματα και άλλα έπιπλα, φωτιστικά, ρολόγια, tweer, κλπ., Και άλλα αντικείμενα διακόσμησης) επηρεάζονται ήδη σημαντικά στον εξοπλισμό από μεγάλα παλάτια. Ο ρόλος των σχεδιαστών είναι ως επί το πλείστον αρχιτέκτονες και επαγγελματίες καλλιτέχνες. Στην παραγωγή προϊόντων στη μαζική αγορά, χρησιμοποιούνται μηχανές και μηχανικές μέθοδοι επεξεργασίας υλικών, μετατρέποντας τον μηχανικό στο ηγετικό σχήμα παραγωγής. Αυτό οδηγεί σε στρέβλωση και απώλεια επικαλυμμένων προϊόντων υψηλής αισθητικής ιδιότητας, στον διαχωρισμό της βιομηχανίας από την τέχνη. Αυτή η τάση ήταν φυσική στις συνθήκες της καπιταλιστικής ανάπτυξης της κοινωνίας και ενός από τον κύριο XIX αιώνα.
Κατά τη διάρκεια της εντατικής ανάπτυξης των καπιταλιστικών σχέσεων στη Ρωσία του 19 αιώνα, αυξάνεται η βιομηχανική παραγωγική ικανότητα. Μέχρι τη μέση του XIX αιώνα, η ανάγκη για καλλιτεχνικά επαγγελματικό προσωπικό προϊόντων και πλοιάρχων είναι ήδη σε τρομερή. Εξειδικευμένα εκπαιδευτικά ιδρύματα στη Μόσχα (γραφή στρογκανόβα) και η Αγία Πετρούπολη (Baron Stiglitz) ανοίγουν για να προετοιμαστούν. Το όνομά τους είναι "Σχολή Τεχνικής Σχέσης" - υποδεικνύει την εμφάνιση του καλλιτέχνη ενός νέου τύπου. Από το 1860, θα αναπτυχθεί ειδικός σχηματισμός χειροτεχνίας των ερμηνευτών. Πολλά βιβλία για την τεχνολογία επεξεργασίας διαφόρων υλικών είναι διαθέσιμα: ξύλο, χάλκινο, σίδηρο, χρυσό κ.λπ. βγαίνουν εμπορικοί κατάλογοι, αντικατέστησαν το περιοδικό του δημοσιευμένου οικονομικού καταστήματος. Από τη μέση του XIX αιώνα, σχηματίζονται οι επιστήμες που σχετίζονται με τα θέματα υγιεινής της εργατικής υγιεινής και τη χρήση αντικειμένων ζωής. Ωστόσο, καθ 'όλη τη διάρκεια του 19ου αιώνα, όλα τα μαζικά εργοστάσια προϊόντα σε καλλιτεχνικές σχέσεις παραμένουν εντελώς δευτερεύουσες με την αντίστοιχη υπεροχή της ομορφιάς ως διακοσμητικού και διακοσμητικού σχεδιασμού των προϊόντων. Η συνέπεια αυτού εισήχθη με τη μορφή των περισσότερων προϊόντων των στοιχείων στυλ του κλασικισμού: σύνθετες ολοκληρώσεις προφίλ, καναλιευμένες στήλες, υποδοχές, γιρλάντες, διακοσμητικά για αντίκες κίνητρα κλπ. Σε ορισμένες περιπτώσεις, αυτά τα στοιχεία εισήχθησαν στις μορφές ακόμη και βιομηχανικού εξοπλισμού - μηχανές.
Στο ύφος της ανάπτυξης των εφαρμοσμένων και οικιακών προϊόντων του 19ου αιώνα, τρεις κύριες περιόδους διακρίνονται χρονολογικά: η συνέχιση των τάσεων του κλασικισμού κατά τη διάρκεια του λεγόμενου Αμπέρ (πρώτο τρίμηνο του αιώνα). Ο καθυστερημένος κλασικισμός (περίπου 1830-1860) και ο εκλεκισμός (μετά τη δεκαετία του 1860).
Το πρώτο τρίμηνο του 19ου αιώνα χαρακτηρίστηκε από τη γενική ανελκυστήρα του ιδεολογικού και κατασκευαστικού πεδίου στη ρωσική αρχιτεκτονική, η οποία προκάλεσε σημαντική αναβίωση στην εφαρμοσμένη τέχνη.
Αυτοκρατορία καρέκλα στυλ. Το πρώτο τρίμηνο του X1X αιώνα.
Η νίκη στον πόλεμο του 1812 επιταχύνεται σε κάποιο βαθμό και ολοκληρώνει τη διαδικασία σχηματισμού της ρωσικής εθνικής κουλτούρας, αποκτώντας πανευρωπαϊκή σημασία. Η δραστηριότητα των πιο γνωστών αρχιτεκτόνων - Voronikhina, Kvarengi, Kazakov, που συνδέεται στενά με τον κλασικισμό του προηγούμενου πόρου, είναι μόνο για την πρώτη δεκαετία του αιώνα. Το Pleiad αυτών των υπέροχων δασκάλων, όπως ο Rossi, Stasov, ο Γρηγορίου, ο τόξο, ο οποίος έφερε νέες ιδέες στη ρωσική τέχνη, μια νέα ιδέα για τη ρωσική τέχνη, μετατοπίζεται.
Η τοποθέτηση και η μνημειότητα είναι χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά της αρχιτεκτονικής και των μορφών διαφόρων θεμάτων του ανελκυστήρα του στυλ ampir. Στο τελευταίο, τα διακοσμητικά μοτίβα αλλάζουν σημαντικά και η τυπολογία τους επεκτείνεται λόγω της χρήσης διακοσμητικών συμβόλων της αρχαίας Αιγύπτου και της Ρώμης - Griffins, του Σφίγγες, της Φασκίας, των στρατιωτικών χαρακτηριστικών ("τρόπαια"), που στάλθηκαν με στεφάνια γιρλάντα κλπ. Σε σύγκριση με Τα δείγματα του πρώιμου κλασικισμού γενικά τον αριθμό των διακοσμήσεων, το «οπτικό βάρος» της στη διάλυση των προϊόντων της σύνθεσης αυξάνεται. Μονήλευκωμα, μερικές φορές, σαν να λαμβάνονται υπόψη οι μορφές κοπής, λόγω της μεγαλύτερης γενίσεως και της γεωμετρικότητας των κλασικών διακοσμητικών μοτίβων - άκρων, των στεφών, της λίρας, της θωράκισης κλπ., Οι οποίες απομακρύνονται όλο και περισσότερο από τις πραγματικές προ-συνομιλίες τους. Γραφικές (σκηνές, τοπία, μπουκέτα) Τα αντικείμενα ζωγραφικής σχεδόν εξαφανίζονται πλήρως. Το στολίδι αγωνίζεται για λεκέ, περιγράμματος, εφαρμογή. Προϊόντα στα περισσότερα, ειδικά τα έπιπλα, γίνονται μεγάλα, μαζικά, αλλά μια ποικιλία συνολικής διαμόρφωσης, σιλουέτα. Το βάρος ενός αιματηρίου στα αντικείμενα επίπλων σχεδόν εξαφανίζεται στη δεκαετία του 1830.
Από τη μέση της XIX, αρχίζουν νέες αναζητήσεις στον τομέα της αρχιτεκτονικής, της εφαρμοστέα και βιομηχανικής δημιουργικότητας.
Η πανευρωπαϊκή καλλιτεχνική κατεύθυνση, η οποία έλαβε το όνομα "Biedermeyer", που ονομάζεται Bourneois ενός από τους χαρακτήρες του γερμανού συγγραφέα L. Eichrodta (το έργο δημοσιεύθηκε στη δεκαετία του 1870) με την ιδανική άνεση, Intima.
Παραγωγή εργοστασίου σιδήρου. Ρωσία. Το δεύτερο μισό του X1X αιώνα.
Κατά το δεύτερο εξάμηνο του XIX αιώνα, υπάρχει περαιτέρω μετατόπιση της χειρωνακτικής εργασίας από την παραγωγή χρηστικών προϊόντων. Για αιώνες, οι μέθοδοι αναδίπλωσης και οι τεχνικές των αποφάσεών τους, οι αρχές του σχηματισμού έρχονται σε σύγκρουση με νέες οικονομικές τάσεις στη μαζική και κερδοφορία της παραγωγής των πραγμάτων στην αγορά. Η αντίδραση στην μεταβαλλόμενη κατάσταση είναι διπλή. Ορισμένοι δάσκαλοι είναι η πλειοψηφία των συμβιβασμών τους. Λαμβάνοντας υπόψη μια αδιαμφισβήτητη παραδοσιακή εμφάνιση όλων των νοικοκυριών ως θέμα διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, αρχίζουν να συμμετέχουν τα διακοσμητικά μοτίβα του κλασικισμού σε μηχανές και σειριακές τεχνολογίες. Εμφανίζονται "Αποτελεσματικοί" τύποι διακόσμησης και φινιρίσματος προϊόντων. Πίσω στη δεκαετία του 1830, στην Αγγλία, ο Henry Kul βάζει ένα εξωτερικά μεταρρυθμιστικό σλόγκαν για να διακοσμήσει τα εργοστάσια με στοιχεία "από τον κόσμο των τεχνών του σχήματος". Πολλοί βιομήχανοι θα πάρουν πρόθυμα το σύνθημα, επιδιώκοντας να μεγιστοποιήσετε τη χρήση της συνημμένης μάζας των καταναλωτών σε εξωτερικά διακοσμημένες, διακοσμημένες μορφές εσωτερικής επίπλων.
Άλλοι θεωρητικοί και πρακτικές εφαρμοσμένης τέχνης (D. Reskin, W. Morris), αντίθετα, προσφέρονται για να οργανώσουν μια βιομηχανία μποϊκοτάζ. Το Credo τους είναι η καθαρότητα των παραδόσεων μεσαιωνικού σκάφους.
Στις χώρες της Δυτικής Ευρώπης και στη Ρωσία προσελκύουν πρώτα την προσοχή των θεωρητικών και των επαγγελματιών καλλιτεχνών, χειροτεχνίας Areels και Masters, στην εργασία των οποίων οι βαθιές λαϊκές παραδόσεις διατηρούνται ακόμα. Στη Ρωσία, οι εκθέσεις Nizhny Novgorod των 1870-1890 καταδεικνύουν τη βιωσιμότητα αυτών των παραδόσεων στις νέες συνθήκες. Πολλοί επαγγελματίες καλλιτέχνες - V. Vasnetsov, Μ. Vrubel, Ε. Πολύνοβα, Κ. Κορονοί, Ν. Roerich, et αϊ. - Ενθουσιασμός να απευθύνονται στη λαϊκή προέλευση της διακοσμητικής τέχνης. Σε διάφορους τομείς και επαρχίες της Ρωσίας, σε τέτοιες πόλεις όπως ο Pskov, ο Voronezh, ο Τάμποφ, η Μόσχα, η Kamenets-Podolsk, κλπ., Η βιοτεχνία, η βάση του οποίου βασίζεται η χειρωνακτική εργασία. Τα εργαστήρια στο Abramtsov κοντά στη Μόσχα, στο Talashkin κοντά στο Smolensk, η επιχείρηση Π. Vaulin κοντά στην Αγία Πετρούπολη, το κεραμικό αρκούδα "Murava" στην Αγία Πετρούπολη, ήταν ιδιαίτερα σημαντικό για την αναβίωση των δημιουργικών fizzers.
Σαμοβάρι. Xix αιώνα
Ρωσία. Δεύτερο ημίχρονο
Βιομηχανική αντλία. Xix αιώνα
Ωστόσο, τα προϊόντα όλων αυτών των εργαστηρίων αποτελούσαν ένα τόσο μικρό ρόλο στη γενική κατανάλωση, η οποία δεν μπορούσε να επηρεαστεί αισθητά από τα μαζικά προϊόντα, αν και απέδειξαν τη νομιμότητα της ύπαρξης μαζί με τη μαζική μηχανή παραγωγής διακοσμητικών δημιουργικότητας, η οποία αποθηκεύει λαϊκές παραδόσεις . Στο μέλλον, αυτό επιβεβαιώθηκε στην εισβολή των μηχανημάτων σε τέτοιες περιοχές διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, ως κοσμήματα (Bijouterie), χαλιά, προσαρμογή, η οποία οδήγησε σε μια απότομη πτώση της καλλιτεχνικής τους ποιότητας.
Στις μορφές της κύριας μάζας προϊόντων του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, τίποτα δεν έχει ακόμη αναπτυχθεί. Ωστόσο, η καινοτομία της πιο γενικής κατάστασης ήδη συμβάλλει στην προσθήκη εσωτερικών προϋποθέσεων για την καινοτόμο συνείδηση \u200b\u200bαναζήτησης των αναζητήσεων στυλ ως μια σημαντική δημιουργική ανάγκη, ως εκδηλώσεις της καλλιτεχνικής προσωπικότητας του πλοιάρχου. Εάν το ύφος των στιλβωτικών κατευθύνσεων (γοτθική, η αναγεννησιακή, μπαρόκ, η εποχή) γεννήθηκαν και έλαβαν διανομή, κατά κανόνα, ως αποτέλεσμα γενικής, σχεδόν «παγκόσμιων», αυθόρμητες κρυσταλλωμένες τάσεις της αισθητικής ανάπτυξης του κόσμου, τότε Από τη μέση της πρωτοτυπίας του XIX αιώνα, θεωρείται άμεση δημιουργική επίτευξη ξεχωριστού καλλιτέχνη, αρχιτέκτονα. Από την άποψη αυτή, το ενδιαφέρον για την κληρονομιά της τέχνης όλων των εποχών και των λαών ενεργοποιείται απότομα. Αυτή η πλουσιότερη κληρονομιά γίνεται πηγή απομίμησης, άμεσος δανεισμός ή υποβληθεί σε παράξενη δημιουργική επεξεργασία.
Πίνακας με μοντέρνα καρέκλα στυλ. Άκρο του αιώνα του XIX.
Ως αποτέλεσμα, το μεγαλύτερο μέρος των προϊόντων είναι μια ασυνήθιστα μια εικόνα προθεσμίας, η οποία αναβοσβήνει σαφώς, τότε η στενή παραμονή της αρχαιότητας, η εποχή ρομαντισμού, η γοτθική, η ιταλική ή η γαλλική αναγεννησιακή, η τέχνη του Βυζαντίου και της αρχαίας Ρωσίας, μπαρόκ κλπ., Συχνά εκλεκτικώς αναμειγνύεται στην καταχώριση ενός προϊόντος, εσωτερικών κτιρίων. Ως εκ τούτου, αυτή η περίοδος στην ιστορία της αρχιτεκτονικής και της εφαρμοσμένης τέχνης έλαβε το όνομα της εκλεκτικής. Τα προϊόντα (λαμπτήρες, μεταλλικοί κάδοι, γούρνες, πιάτα, κόπρανα κ.λπ.) αρχίζουν να εισάγονται στη ζωή του λαού και περισσότερο από κάθε καλλιτεχνικό στόχο, συχνά σε άσχημες μορφές και κακή ποιότητα.
Η αναζήτηση ενός νέου στυλ βασίζεται στην πραγματική αναγκαιότητα στις συνθήκες της παραγωγής μηχανών, μια θεμελιωδώς νέα προσέγγιση για τη δημιουργία προϊόντων, αφενός, και τη διατήρηση των διακοσμητικών παραδόσεων του παρελθόντος - από την άλλη. Η αστική τάξη που έλαβε χώρα μέχρι το τέλος των ισχυρών θέσεων του XIX αιώνα στη ρωσική οικονομία, ζήτησε τη δική του καλλιτεχνική ιδεολογία στην αρχιτεκτονική και το σχεδιασμό - η λατρεία της ορθολογικής, σχετικής ελευθερίας από τους αρχαιολόγους της ευγενής πολιτισμού, ενθαρρύνοντας την τέχνη, όλα αυτά θα μπορούσε να υποστηρίξει με τα στυλ του παρελθόντος. Έτσι, στο τέλος του 19ου αιώνα, το μοντέρνο στυλ ήταν η "νέα τέχνη" στο Βέλγιο, τη Μεγάλη Βρετανία και τις ΗΠΑ, "Yighdstil" στη Γερμανία, "Steel Style" στην Αυστρία, "ελεύθερο στυλ" στην Ιταλία. Το όνομα του είναι "σύγχρονο" (από το Fr. Moderne) σήμαινε "New, Modern" - από το Lat. Modo - "Μόλις, πρόσφατα." Στην καθαρή του μορφή, εξασθένοντας και ανάμειξη με άλλα ρεύματα στυλ, διήρκεσε σχετικά μακρύ, περίπου το 1920, δηλ. Περίπου 20-25 χρόνια, καθώς σχεδόν όλες οι κατευθύνσεις στυλ των αιώνων XVII-XX.
Το σύγχρονο είναι διαφορετικό σε διάφορες χώρες και στο έργο των μεμονωμένων πλοιάρχων, γεγονός που περιπλέκει την κατανόηση των καθηκόντων που δίστανται. Ωστόσο, χαρακτηριζόταν σχεδόν πλήρης εξάλειψη όλων των διακοσμητικών και διακοσμητικών κινήτρων και τεχνικών που χρησιμοποιήθηκαν προηγουμένως, χαρακτηριζόταν, οι αυτόχθονες ενημερώσεις τους. Παραδοσιακές μαρκίζες, πρίζες, πρωτεύουσες, φλάουτα, ζώνες του "εισερχόμενου κύματος" και ούτω καθεξής με στυλιζαρισμένα φυτά τοπικής ανάπτυξης (κρίνα, ίριδα, γαρύφαλλο κλπ.), Γυναικεία κεφάλια με μακρά σγουρά μαλλιά κλπ. Συχνά η διακόσμηση Απουσιάζει καθόλου και το καλλιτεχνικό αποτέλεσμα επιτυγχάνεται με την εκφραστικότητα της σιλουέτας, του μέλους σχήματος, οι γραμμές, κατά κανόνα, είναι ζωγραφισμένες λεπτομέρειες, σαν να τρέχουν ελεύθερα, παλλόμενα. Στις μορφές σύγχρονων προϊόντων, κάποια ξέφρενη βούληση του καλλιτέχνη, η ένταση στενώς τεντωμένο συμβολοσειράς, η υπερβολή των αναλογιών είναι σχεδόν πάντα αισθητή. Σε ακραίες εκδηλώσεις, όλα αυτά επιδεινώνονται έντονα, ανυψώνονται κατ 'αρχήν. Μερικές φορές υπάρχει μια παραμέληση της εποικοδομητικής λογικής της μορφής, σχεδόν ένα πάθος από τη λίμνη για την εντυπωσιακή πλευρά του προβλήματος, ειδικά στην επίλυση των εσωτερικών χώρων, συχνά αποτελεσματικά θεατρυλική.
Με όλες τις αδυναμίες - απογύμνωση, μερικές φορές κρυμμένες μορφές, υπήρξε μια νέα προσέγγιση για τη λύση του κτιρίου, το εσωτερικό, την κατάσταση με τη λογοτέχνη της λειτουργικής, εποικοδομητικής και τεχνολογικής λύσης.
Μοντέρνο κηροπήγιο στυλ. Την αρχή του εικοστού αιώνα
Σετ πιάτων. Το τέλος του αιώνα x1x.
Τουαλέτα του τρόπου λειτουργίας της νεωτερικότητας. Ξεκινήστε το XX αιώνα.
Το σύγχρονο στο συντριπτικό μέρος των δειγμάτων του δεν αρνήθηκε να διακοσμήσει τα προϊόντα και αντικατέστησε μόνο παλιά διακοσμητικά μοτίβα και τεχνικές με νέες. Ήδη στις αρχές του 20ού αιώνα, κατά τη στιγμή των θριάμβων ενός νέου στυλ, και πάλι, πρώτα, και στη συνέχεια η μόδα μόδα για παλιά στυλ επιστρέφει ευρέως, η οποία είχε μια διάσημη σύνδεση με την προετοιμασία για τον εορτασμό του Κεντρικού Jubilee του πατριωτικού πολέμου του 1812. Η έκθεση "Σύγχρονη Τέχνη", που διοργανώνονται στην Αγία Πετρούπολη το 1903, έδειξε σαφώς τη γέννηση του "κλασικού σύγχρονου Moda".
Τα αποτελέσματα της νεωτερικότητας είναι πολύπλοκα. Αυτός ο καθαρισμός της εφαρμοσμένης τέχνης και από τον εκλεκτικισμό, και από τον "αντιμαινισμό" των θαλάμων χειροτεχνίας και από τις αποτυχημένες προσπάθειες αποκατάστασης των στυλ του παρελθόντος. Αυτά είναι τα πρώτα συμπτώματα της παραγωγής της αρχιτεκτονικής και της εφαρμοσμένης τέχνης στην πορεία της λειτουργικότητας και του κονστρουκτιβισμού, στην πορεία του μοντέρνου σχεδιασμού. Ταυτόχρονα, σύντομα θα βρω την τάση της εθνικοποίησης του στυλ, το σύγχρονο έχει προκαλέσει ένα νέο κύμα καθαρά διακοσμητικής αναζήτησης. Πολλοί ζωγράφοι (S. Malyutin, V. Vasnetsov, Α. Benua, S. Golovin κ.λπ.) εφαρμόζονται στην εφαρμοσμένη τέχνη και στο εσωτερικό σχεδιασμό, S. Golovin κ.λπ.), σε "μελόψωμο", κλπ. Στο μέλλον στο μέλλον , η ακόλουθη ιστορική διαδικασία, λύσεις στα τρέχοντα προβλήματα της μαζικής βιομηχανικής παραγωγής, τα πειράματα αυτά δεν θα μπορούσαν να έχουν σοβαρό ιδεολογικό και καλλιτεχνικό νόημα, αν και έδωσαν μια ώθηση στην ανάπτυξη ενός άλλου κλάδου εφαρμοσμένης τέχνης - τέχνης και ιδιαίτερα θεατρικής και σκηνικής τέχνης .
Σύγχρονη, όπως έκλεισε και προετοίμασε τον τρόπο έγκρισης της τέχνης της δημιουργίας νοικοκυριών νέων αισθητικών και δημιουργικών αρχών, επιταχύνθηκε την εμφάνιση ενός νέου καλλιτεχνικού επαγγέλματος - καλλιτεχνικό σχέδιο (σχεδιασμός).
Η καταχώρηση του λειτουργικότητα και ο κονστρουκτιβισμός σε ειδικές κατευθύνσεις στην αρχιτεκτονική και καλλιτεχνικός σχεδιασμός των δυτικών χωρών συνέβη στα τέλη της δεκαετίας του 1910 λόγω της σταθεροποίησης της ζωής και της επιτυχίας της οικονομίας μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Αλλά οι θεμελιώδεις αρχές της νέας σύγχρονης αρχιτεκτονικής καθορίστηκαν στην προ-πολεμή περίοδο στο έργο τέτοιων αρχιτεκτόνων, όπως ο Τ. Garnier και ο. Perre (Γαλλία), X. Bergrand (Ολλανδία), Α. Loos (Αυστρία), P. Berens (Γερμανία), F. Wright (ΗΠΑ), I. Shechtel, I. Reberg (Ρωσία) κ.λπ. Καθένας από αυτούς ξεπερνώντας τον αντίκτυπο της σύγχρονης και πολέμης.
Το 1918, το Τμήμα Ναρκομπουπρού σχηματίζεται από ειδικούς τρόπους σχετικά με τα θέματα της αρχιτεκτονικής και της βιομηχανίας τέχνης. Η σοβαρή προσοχή δίνεται στην εκπαίδευση των ειδικών. Το 1920, ο V.I. Lenin υπέγραψε διάταγμα σχετικά με τη δημιουργία της υψηλότερης κρατικής τέχνης και των τεχνικών εργαστηρίων (VHUTEMAS). Οι απόφοιτοι δημιούργησαν νέα δείγματα υφασμάτων, επίπλων, πιάτων κλπ.
Εκπαίδευση σε εργαστήρια (το 1927, το ινστιτούτο Art-Union-Τεχνικό Ινστιτούτο μετατράπηκε σε Vhutein), που διεξήχθη στις σχολές: αρχιτεκτονική, κεραμικά, κλωστοϋφαντουργικά κ.λπ. στη σχολή ξύλου και μεταλλικής επεξεργασίας υπό την κατεύθυνση του Α. Rodchenko, . Lisitsky, V. Tatlin και άλλοι δάσκαλοι αναζητούσαν νέες μορφές και σχέδια διαφόρων αντικειμένων. Όλες οι δραστηριότητες του Vhowemas είχαν ως στόχο τη δημιουργία φοιτητών σε φοιτητές σε μια ολοκληρωμένη προσέγγιση του σχεδιασμού του αντικειμενικού περιβάλλοντος και του περιβάλλοντος παραγωγής.
Στη δεκαετία του 1920, η ροή της "βιομηχανικής τέχνης", η οποία ανέπτυξε τις αρχές της λειτουργικότητας και του κονστρουκτιβισμού, η προσπάθεια να εγκρίνει το αισθητικό ιδανικό της ορθολογικά οργανωμένης παραγωγής υλικών στη συνείδηση \u200b\u200bκαλλιτεχνών. Οποιεσδήποτε προηγούμενες μορφές τέχνης ανακοινώθηκαν από τους αστοί «Βιομηχανικοί», απαράδεκτοι για το προλεταριάτο. Από εδώ, οι αρνήσεις τους όχι μόνο "ουσιαστικά άχρηστες" εικαστικές τέχνες, αλλά και το σύνολο της καθαρά διακοσμητικής δημιουργικότητας, για παράδειγμα, το κόσμημα. Στη δεκαετία του 1920, οι τεχνικές και οικονομικές συνθήκες για την υλοποίηση των ιδεών τους δεν έχουν ακόμη ωριμάσει.
Ο Vhutemas και η "παραγωγή" των ιδεολογικών και αισθητικά της δεκαετίας του 1920 ήταν στενά συνδεδεμένες με το Bauhauz και σε διάφορα σημαντικά σημεία που εκπροσωπούνταν μαζί του ουσιαστικά μια κοινή πορεία στον καλλιτεχνικό σχεδιασμό του χρόνου. Στο πλαίσιο αυτής της νέας κίνησης, σχηματίστηκε η αισθητική του σύγχρονου σχεδίου, ξεπερνώντας τις αντιφάσεις στην εφαρμοσμένη τέχνη της προηγούμενης περιόδου. Οι πρακτικές καλλιτεχνικές δραστηριότητες των ιδρυτών του σχεδιασμού ήταν επίσης μια ανάπτυξη του οπλοστασίου καλλιτεχνικών και εκφραστικών μέσων δημιουργίας πραγμάτων. Στα έργα τους (έπιπλα, λάμπες, πιάτα, ιστούς κ.λπ.), δόθηκε η ιδιαίτερη προσοχή σε τέτοιες ιδιότητες των υλικών και των μορφών, ως υφή, χρώμα, πλαστική εκφραστικότητα, ρυθμικό σύστημα, σιλουέτα κ.λπ., οι οποίες έχουν αποκτήσει κρίσιμη Σημασία στα προϊόντα της σύνθεσης χωρίς να εισέλθουν στη σύγκρουση με τις απαιτήσεις της δομικής λογικής και της μορφωσιμότητας της μορφής. Μια άλλη κατεύθυνση που έχει αναπτύξει επιτυχώς στη χώρα μας στο 20s, σχεδιασμός μηχανικής. Το 1925, στη Μόσχα, το διάσημο ραδιοφωνικό βαγόνι ανεγέρθηκε στη Μόσχα από το έργο ενός εξαιρετικού μηχανικού V. Shukhov, η σιλουέτα του οποίου ήταν το σύμβολο του Σοβιετικού Ραδιόφωνο για μεγάλο χρονικό διάστημα. Ένα χρόνο νωρίτερα, Ya. Ο Γκάντκελ δημιουργεί με βάση τα πιο πρόσφατα επιτεύγματα της τεχνικής, την πρώτη σοβιετική ατμομηχανή ντίζελ, η μορφή της οποίας ακόμη και σήμερα φαίνεται αρκετά σύγχρονη. Στη δεκαετία του '20, πραγματοποιείται η ανάγκη επιστημονικών μελετών της ανθρώπινης δραστηριότητας στην τεχνητά δημιουργημένη από το θέμα περιβάλλον. Το Κεντρικό Ινστιτούτο Εργασίας οργανώνεται, βρίσκονται σε εξέλιξη μελέτες σχετικά με την επιστημονική οργάνωση της εργασίας, την καλλιέργεια παραγωγής. Η προσοχή των επιστημόνων και των σχεδιαστών προσελκύουν βιομηχανική, οργανοληπτικές, κλπ. Μεταξύ των αξιοσημείωτων έργων αυτών των ετών - το έργο του χώρου εργασίας του οδηγού τραμ (Ν. Kornstein).
Ya. Gakkel.Κινητήριος. Έναρξη 1930s
Ήδη στην τέχνη του XVII αιώνα, ειδικά το δεύτερο εξάμηνο του μισού, παρατηρούνται τέτοιες τάσεις, οι οποίες προετοίμασαν το έδαφος για την ταχεία ανάπτυξη της κοσμικής ρεαλιστικής τέχνης του XVIII αιώνα. Η εικονογραφική συμβατικότητα είναι κατώτερη από τη ζωή της αναπαραγωγής ανθρώπων, τοπίων και ιστορικών γεγονότων. Το παραδοσιακό floral στολίδι, η αναπαραγωγή αρκετά υπό όρους, αντικαθίσταται από την αναπαραγωγή ρεαλιστικών μεταδιδόμενων χρωμάτων, φρούτων, φύλλων, γιρλάντων και κοχύλια. Σχετικά με τα έργα της εφαρμοσμένης τέχνης, η ζωγραφική σε θρησκευτικά οικόπεδα παίρνει σχεδόν κοσμικό χαρακτήρα, μερικές φορές τόνισε διακοσμητικό και θεατρικό. Οι μορφές αντικειμένων γίνονται πλούσιες, επίσημες, με μεγάλη ποικιλία κοσμημάτων. Πολλοί αρχαίοι τύποι οικιακών αντικειμένων εξαφανίζονται, όπως η γοητεία με επίπεδη ράφια, οι ασημένιοι αδελφοί εξαφανίζονται. Οι παραδοσιακοί αρχαίοι κάδοι μετατρέπονται σε καθαρά διακοσμητικά είδη πριμοδότησης που έχουν χάσει το πρακτικό νόημά τους. Νέοι τύποι σκευών εμφανίζονται: Κύπελλα διακοσμημένα με μπαρόκ στολίδια, σκηνές οικιακής χρήσης και επιγραφές κοσμικής περιεχομένου, κύπελλα με τη μορφή αετού, κύπελλα από τα κέρατα σε στάση και πολλούς άλλους. Τα εκκλησιαστικά σκεύη και τα είδη οικιακής χρήσης του κλειδιού Stud τώρα δεν διαφέρουν από καθαρά κοσμικά πράγματα, και μερικές φορές υπερέβαιναν την μεγαλύτερη πομπή τους και την υλική αξία τους.
Μετά την εκκωτικοποίηση της γης το 1764, η δάφνη Trinity-Sergiyev χάνει τη δική του ιδιοκτησία, αλλά ο πλούτος της από αυτή τη φορά ήταν τόσο μεγάλη που η μεταρρύθμιση αυτή δεν επηρέασε ούτε τις κατασκευαστικές εργασίες στο μοναστήρι, ούτε στον πλούσιο σχεδιασμό των εσωτερικών χώρων της εκκλησίας , Προσωπικοί επιμελητές του Διοικητή και του Μητροπολίτη που έζησαν στη Laurence, καθώς και στον πλούτο της Sacristy και το Treasury της. Το μοναστήρι συνέχισε να εισάγει καταθέσεις από την αυτοκράτειρα και τα υψηλότερα Sanborn της αυλής, τη Μόσχα Μητροπολιτική και άλλα πνευματικά πρόσωπα. Κατά κανόνα, αυτά ήταν έργα που έγιναν από τους καλύτερους δασκάλους της Μόσχας, της Αγίας Πετρούπολης, το μεγάλο USTYG, ROSTOV-Yaroslavl και άλλα κέντρα εφαρμοσμένης τέχνης. Ως εκ τούτου, η συλλογή των εφαρμοσμένων τεχνών του XVIII αιώνα. Αντιπροσωπεύει τους πιο διαφορετικούς τύπους κοσμημάτων αυτής της περιόδου.
Μια περίεργη άποψη, ειδικά από τη μέση του XVIII αιώνα, αποκτά την τέχνη του ασημένιου κυνηγού. Αυτό είναι κυρίως γεμάτο βιρτουόζο με μάλλον υψηλή ανακούφιση. Μεγάλες μπαρόκ μπούκλες σε συνδυασμό με την εικόνα των φρούτων, καλάθια με λουλούδια, Amuriss, γιρλάντες λουλουδιών και φύλλα. Η Chasonka έγινε συχνά ανοιχτά και, σε αυτή την περίπτωση, είχε ένα επιπλέον φόντο που έδωσε τον φωτισμό του σχεδίου.
Ένα κλασικό παράδειγμα ενός τέτοιου Chacon είναι ο τεράστιος μισθός του Ευαγγελίου της εργασίας της Μόσχας του 1754. Η συμβολή της αυτοκράτειρας Ελισάβετ1. Οι ασημένιες πλάκες αποτελούνται από πολύ κυνηγού και επιστήμες με ζωγραφισμένες εικόνες σμάλτου από τριάδα, ευαγγελιστές, σκηνές από τη ζωή του Χριστού. Διαφέρουν στον κοσμικό χαρακτήρα.
Moscow Master P. Sparrow κατασκευασμένο το 1768 G.2 Silver Bowl (χρησιμοποιείται στο μοναστήρι ως βαφής νερού). Είναι διακοσμημένο με ένα εξαιρετικό κυνηγητό στολίδι από ένα περίεργο κυρτωμένο κινούμενο σχέδιο και φαρδιά φύλλα σε ένα επιχρυσωμένο φόντο. Τα πόδια του μπολ σερβίρουν τα πόδια λιονταριών, κρατώντας ομαλές μπάλες σε νύχια. Moskovsky Master Solonka 1787, διακοσμημένο με κυνηγετικό και κινητό, είναι το δώρο της Catherine II Metropolitan Platon3.
Το νέο κέντρο κοσμημάτων είναι η Αγία Πετρούπολη - που παρουσιάστηκε στη συνάντηση του μουσείου με το χέρι με ασημένιο χέρι με ένα στόμιο με τη μορφή του κεφαλιού του αετού, που εκτελείται το 1768 από τον Master Klasa Ashouse Johann Elers4. Ο ίδιος κύριος έκανε ένα κυνηγημένο ασημένιο πιάτο με ένα μπαρόκ στολίδι στο πεδίο και την εικόνα της βιβλικής σκηνής: ο Keith ρίχνει το ION5 στην ξηρά. Ταυτόχρονα, ο πλοίαρχος χτύπησε την Τράπεζα της Αγίας Πετρούπολης με το φρούριο Petropavlovsk και το Spire του καθεδρικού ναού εδώ. Ένα χέρι και το πιάτο είναι η συμβολή του Metropolitan του Πλάτωνα.
Τα πράγματα του τελετουργικού προορισμού απέκτησαν επίσης ένα κοσμικό διακοσμητικό χαρακτήρα και η επίσημη τους υπογράμμισε πρωτοφανή από μεγάλα μεγέθη. Που πληκτρολογούνται για το XVIII αιώνα. Ένα σύνολο λειτουργικών σκαφών (Patir, Diskos, Star και δύο πιάτων) της συμβολής του 1789 A. V. Sheremetyeva6. Το ψηλό μπολ για την Κοινωνία εδώ έχει μια μεγάλη κυνηγημένη παλέτα σχήματος καμπάνας, ένα ανοιχτό ασημένιο περίβλημα στο σώμα των κύπελλων και των φυλών με ζωγραφισμένα φινιστήρια. Η μεγάλη διάμετρος των ντυπς και η πλάκα, ειδικά κατασκευασμένη για αυτό, είναι διακοσμημένα με χάραξη παραδοσιακών εικονογραφικών ιστοριών.
Ένας εντελώς διαφορετικός χαρακτήρας αποκτά την τέχνη της Scany. Αντί για μια επίπεδη μπούκλα με εκροές, καμπύλη σε ένα ακόμη κιβώτιο μέταλλο σε αρχαία έργα, μια εικόνα του Scany XVIII αιώνα. Εντελώς ενσωματωμένο στην κορυφή των διακοσμήσεων μερικές φορές σε συνδυασμό με σμάλτο και πολύτιμους λίθους. Σε ορισμένες περιπτώσεις, η σάρωση γίνεται ανοιχτή και υπερκαλύπτεται σε ένα επιπλέον φόντο. Μερικές φορές το πράγμα έγινε από τους σαρωτές.
Το εξαιρετικό έργο της θήκης σάρωσης είναι ο εισηγητής του 1789 στη συμβολή του μητροπολιτικού Πλατωρίου. Εδώ και ανοιξιάτικη σάρωση και σαρώστε σε συνδυασμό με σμάλτο και σάρωση, που επιβάλλεται σε ένα ομαλό φόντο ασημί. Το Daerachnant έχει θέα σε μια κοσμική κασέτα, καθώς λένε μια εντελώς μη εκκλησιαστική μορφή, κομψό φινίρισμα και φυτεύονται λουλούδια από λεπτά μεταλλικά μέρη με σμάλτο.
Ένα δείγμα μιας επιδέξιας ανάγλυφης σκάλας μπορεί να είναι ο μισθός του βιβλίου "υπάλληλος της υπηρεσίας Bishop", επίσης η συμβολή του Μητροπολιτικού Πλατωρίου 1789.8.
Μια μεγάλη ανάπτυξη λαμβάνεται στο XVIII αιώνα. Solverchych έτος και το σμάλτο Velikustyuvski με το μονόχρωμο (μπλε ή λευκό) υπόβαθρο, τα οποία εφαρμόζονται με τη μορφή ξεχωριστών μεταλλικών πλακών. Ανθρώπινες μορφές, λουλούδια και άλλες εικόνες, μερικές φορές επιπλέον ψεκάζονται επιπλέον σμάλτο. Το μουσείο έχει μια μεγάλη συλλογή από οικιακά στερεά του Solvychychy-Skoy και Ustyuga.
Στον XVIII αιώνα Για το εσωτερικό των δάφνες, οι μνημειώδεις δομές του αργύρου ήταν κατασκευασμένες από σχέδια διάσημων καλλιτεχνών της Μόσχας και της Αγίας Πετρούπολης. Για το βωμό του καθεδρικού ναού της Τριάδας με εντολή του μητροπολιτικού Πλάτωνα, ένα μεγάλο ασημένιο επτά κερί έγινε με τη μορφή δάφνης δάφνης9, ήταν επίσης διακοσμημένα με ασημένια πότες του τέμπλου του καθεδρικού ναού της Τριάδας. Ο Moskovsky Master David Bef έγινε στο σχέδιο του Karavakka Silver Seña πάνω από τον Crail Sergius Radonezh (Εισαγωγή Int. Anna Ivanovna10). Έτσι, η εφαρμοσμένη τέχνη του XVIII αιώνα. Που παρουσιάζεται στο μουσείο που συναντά τα πιο χαρακτηριστικά έργα.
Τα έργα του καλλιτεχνικού σκάφους στη συνάντηση του μουσείου καθιστούν δυνατή την ανίχνευση της ανάπτυξής της από τα πρώτα μνημεία του μεγαλείου της Μόσχας μέχρι το τέλος του XVIII αιώνα. Καθ 'όλη τη διάρκεια αυτής της μεγάλης περιόδου, οι τεχνικές δεξιότητες άλλαξαν και αναπτύχθηκαν, οι παλιές και νέες μορφές αντικειμένων εξαφανίστηκαν, η φύση της διακόσμησης άλλαξε, εξαρτάται πάντοτε από τις αισθητικές απόψεις που ορίζονται από τις κοινωνικοοικονομικές και πολιτικές συνθήκες της εποχής του, την ανάπτυξη του Η εσωτερική και η εξωτερική αγορά, η κλίμακα και η μέθοδος παραγωγής.
Σχετικά με τα έργα των αιώνων XIV-XV. Η εικόνα της σταδιακής αναβαλλίδας των τέχνης μετά την αποκαλυπτική καταστροφή της Τάτρα-Μογγολίας της Ρωσικής Γης αποκαλύπτεται στον XIII αιώνα. Οι πλοίαρχοι της Μόσχας και άλλων καλλιτεχνικών κέντρων της αρχαίας Ρωσίας γνωρίζουν διάφορες καλλιτεχνικές τεχνικές και βελτιώνουν την τεχνική των δεξιοτήτων.
Στον XVI αιώνα Η Μόσχα τελικά κατακτά την ηγετική θέση στην πολιτιστική ζωή της χώρας. Η εφαρμοσμένη τέχνη αυτής της περιόδου διακρίνεται από μια ποικιλία μορφών και καλλιτεχνικών διακοσμήσεων, καθώς και μεγάλες τεχνικές δεξιότητες. Η πολύπλοκη τέχνη του σμάλτου, ο οποίος υιοθέτησε κυρίως διακοσμητικό χαρακτήρα, η τέχνη των κινητών τηλεφώνων για χρυσό, κυνηγητικό και χάραξη φτάνει περισσότερη δεξιότητα.
Έργα από ασημένιο οικιακό και εκκλησιαστικό προορισμό Ακολουθούν τις παραδόσεις της λαϊκής τέχνης και συνδέονται με τις συνθήκες διαβίωσης των ανθρώπων, τις τελετές και τη ζωή του.
Η χρώματα και η διακοσμητική των προϊόντων του XVII αιώνα, η επιπλοκή του στολίδι, η εμφάνιση ζωγραφισμένων σμάλτων, η χρήση μεγάλου αριθμού πολύτιμων λίθων, μαργαριταριών και χρωματισμένων γυαλιών δίνουν πιο κοσμικό χαρακτήρα της εφαρμοσμένης τέχνης.
Στον XVIII αιώνα Νέες μορφές αντικειμένων έχουν υιοθετηθεί, η ρεαλιστική φύση του στολισμού και της ζωγραφικής στο σμάλτο, στη συναρμολόγηση του μουσείου Zagorsk, αυτή η περίοδος αντιπροσωπεύεται από τα καλύτερα εργαστήρια της Μόσχας και της Αγίας Πετρούπολης. Τα έργα τους καθιστούν δυνατή την κρίση νέων αλλαγών που συμβαίνουν στην εφαρμοσμένη τέχνη.
Υψηλή καλλιτεχνική κυριαρχία έργων εφαρμοσμένων τεχνών που παρουσιάζονται σε περισσότερους από πέντε αιώνες, θέτει μια συνάντηση του Μουσείου Ζαγορσκ σε εξέχουσα θέση στην ιστορία της ρωσικής καλλιτεχνικής κουλτούρας
Η έκθεση βρίσκεται στον δεύτερο όροφο του νότιου σώματος του ιστορικού και αρχιτεκτονικού συγκροτήματος των XVIII-XIX αιώνες. "Ιππικός". Εισάγει τους επισκέπτες στο μουσείο με ένα ευρύ φάσμα εκθεμάτων που αντιπροσωπεύουν την παραδοσιακή αλιεία τέχνης και την παραγωγή της Ρωσίας. Αυτά είναι τα έργα των παγκοσμίων διάσημων κέντρων επεξεργασίας δέντρων και τα οστά, τη ζωγραφική λάκας σε Papier-Mache και μέταλλο, κορυφαία πηλό παιχνίδια, καθώς και φτιαγμένα από ρωσικούς δασκάλους τυπωμένα και χρυσά κασκόλ, προϊόντα γυαλιού, πορσελάνη, φακό.
Αυτά τα κέντρα συγκεντρώνονται στη Μόσχα, το Βλαντιμίρ, τη Βολόγκα, τον Ιβάνοβο, Nizhny Novgorod και σε άλλες περιοχές. Η αρχή της συνάντησης βρέθηκε τη δεκαετία του 1920, όταν τα λίγα έργα των ανθρώπων που ήταν μεταξύ των εθνικοποιημένων θησαυρών της Τριάδας-Σεργέου Λαύρας συμπληρώθηκαν από τα εκθέματα του Μουσείου Τοπικής Επικράτειας και του Μουσείου "Έρημο Optina". Το 1941, το Μουσείο μεταφέρθηκε στο Sergiev-Posadsky (εκείνη τη στιγμή Zagorsk). Αριθμούσε για σαράντα χιλιάδες εκθέματα, περιελάμβαναν μια σειρά από μοναδικά έργα λαϊκής βιοτεχνίας και πειραματικού έργου που εκτελούνται από τους πλοίαρχους διαφόρων καλλιτεχνικών κέντρων στα εργαστήρια που δημιουργήθηκαν από το MNHR. Από τη δεκαετία του 1950, το μουσείο άρχισε μια στοχοθετημένη, συστηματική απόκτηση συνάντησης των ρωσικών παραδοσιακών διακοσμητικών τεχνών και η εργασία αυτή έχει γίνει μία από τις οδηγίες προτεραιότητας των δραστηριοτήτων της.
Μια σημαντική θέση στις αίθουσες έκθεσης που έχουν εκχωρηθεί έργα από τα έργα των δασκάλων και των καλλιτεχνών των ανθρώπων της περιοχής Sergiev-Posad. Ειδική φήμη της πόλης έφερε παιχνίδια. Ήταν κατασκευασμένα από ξύλο - σκαλισμένα, στροφή, ξυλουργική. Από Papier Mache και Mastic - με κίνηση και ήχο. Το μουσείο εκθέτει σκαλισμένα από τριπλή τσάντα και ζωγραφισμένες κούκλες - Μπάρτες, Χουσάρ, Κορμιλίτσα, διάσημο Matryoshki, δημοφιλές στο δεύτερο μισό του XIX - αρχές του εικοστού αιώνα. Σετ αρχιτεκτονικών παιχνιδιών, μεταξύ αυτών "Trinity-Sergiyev Lavra".
Με την αλιεία παιχνιδιών Sergiyevoposad είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με την παραγωγή παιχνιδιών με. Bogorodskoe. Συλλογή μουσείων του Bogorodskaya σκαλιστό πλαστικό περιλαμβάνει παιχνίδια, γλυπτά, γλυπτικές συνθέσεις και έχει περίπου τέσσερις χιλιάδες εκθέματα. Μεγάλης ενδιαφέροντος είναι τα έργα του XIX C.: "Γενικά Skobelev στο Kone" - P.F. Bardakova, "Οδηγός με μια αρκούδα" - D.I. Puchkov; Διασκεδάζοντας πολυστρωματικές συνθέσεις στα θέματα των ρωσικών λαϊκών παραμυθιών και της νέας σοβιετικής πραγματικότητας, που εκτελούνται στις 30 του εικοστού αιώνα. (Εργασία A.F. Balaeva, Ν.Ε. Ershkina, V.T. Polynova, Α.Γ. Shishkin).
Το μουσείο αντιπροσωπεύεται ευρέως μια συλλογή έργων μέχρι το τέλος του xix - έναρξη. Xx in. Εκπαιδευτικό παιχνίδι και καλλιτεχνικά και ξυλουργικά εργαστήρια Sergiyev Posada και Abramsev. Αυτά είναι κασέτες, Lars, είδη επίπλων που κατασκευάζονται σύμφωνα με δείγματα που αναπτύσσονται από διάσημους καλλιτέχνες S.V. Malyutin, E.D. Polenova, AP. Μ. Vasnetsov, N.D. Bartmom, vl.i. Sokolov και άλλοι. Το έργο του εργαστηρίου Abramtsevsky, το οποίο οδηγήθηκε από E.D. Η Polenova είχε άμεσο αντίκτυπο στο σχηματισμό και την ανάπτυξη της αλιείας του Abramtsevsky-Kudrinskaya σκάλισμα ενός δέντρου με χαρακτηριστικό επίπεδο βλαστικού σχεδίου επίπεδης αποβλήτων. Ένας από τους ιδρυτές της αλιείας ήταν ο V.P. Αλεση. Το μουσείο αποθηκεύει πολλά έργα του πλοιάρχου, μεταξύ των διακοσμητικών πιάτων των αρχών του εικοστού αιώνα., Porogoganhran Portal 1937
Μαζί με την ψυχαγωγία της ξυλουργικής, η πανταχού παρούσα εξάπλωση στη Ρωσία είχε κεραμική, συνήθως τα παιχνίδια ήταν η Ledden δίπλα στα πιάτα. Αυτή η τέχνη επιστρέφει στον παγανισμό, όταν μικρές μορφές από πηλό, συμμετέχουν σε μαγικές τελετουργίες, έκαναν το ρόλο των ιδιόμορφων θρησκευτικών αντικειμένων. Το μουσείο παρουσιάζει τις συλλογές του Καρργοπόλου (περιοχή Arkhangelsk), Filimonovskaya (περιοχή Tula), Abashevsky (περιοχή της Penza), Skopinskaya (περιοχή Ryazan). Το παιχνίδι Dymkovsky (περιοχή Kirov) του τέλους του XIX - νωρίς XX αιώνες έχει μεγάλο ενδιαφέρον. Αυτά είναι τα έργα άγνωστων συγγραφέων και Α.Α. Mezrina: Κορμιλίτσα, καπέλο, χορευτικά ζευγάρια, κλπ. Το πολύτιμο μέρος της συλλογής του Νυμμού είναι το έργο της δεκαετίας του 1930. Μεταξύ των έργων του δεύτερου μισού του εικοστού αιώνα. Διατίθεται για τη σύνθεση πολλαπλών πόλεων "γάμου", που γίνεται από μια ομάδα τεχνιτών Dymkovsky με επικεφαλής τον Ε.Ι. Cossa-Day.
Το δέντρο ήταν ένα από τα πιο δημοφιλή υλικά στη Ρωσία και η αλιεία στην καλλιτεχνική της επεξεργασία υπήρχε σε διαφορετικές περιοχές. Μαζί με την Sergievoposad, το μουσείο αντιπροσωπεύεται πληρέστερα από την αλιεία της περιοχής Nizhny Novgorod - Khokhloma και Gorodets. Τα ελαφρά ξύλινα κύπελλα Khokhloma, τα αδέλφια, τα σαλόνια ζωγραφισμένα με ένα φωτεινό σχέδιο λαχανικών και που μοιάζουν με πολύτιμα χρυσά σκάφη ήταν ευρέως γνωστά στον Xih αιώνα. Η παραγωγή τους ήταν παραδοσιακά ασχολείται με τους αγρότες μιας σειράς χωριών και χωριών που βρίσκονται στην επικράτεια της σύγχρονης περιοχής Kourninsky της περιοχής Nizhny Novgorod. Μεταξύ των εκθεμάτων της συλλογής μουσείων - δείγματα των αγροτικών πιάτων του 19ου αιώνα. και έπιπλα της δεκαετίας του 1930 με μια ασυνήθιστη ζωγραφική του "Khokhloma" σε λευκό και ασημένιο υπόβαθρο.
Η αλιεία Gorodetsky άρχισε να σχηματίζει στο τέλος του XVIII αιώνα, όταν οι αγρότες πολλών μικρών χωριών που βρίσκονται κοντά στο μεγάλο εμπορικό χωριό της Γκοόδσα, άρχισαν να κάνουν ένα γαϊδούρι για σνακ. Κάθισαν πάνω τους κατά τη διάρκεια της εργασίας, ενισχύοντας σε μια ειδική τρύπα υψηλής χτένας με λινά ή μάλλινο κάδο. Παρ 'όλα αυτά, η δωδεκάτα προσπάθησε να κάνει όμορφο: ήταν το θέμα της υπερηφάνειας της οικοδέσποινας, εκτιμήθηκε και καίγεται και μετά την εργασία τοποθετήθηκε στον τοίχο ως διακόσμηση στο σπίτι. Στο τοπίο, τα donets χρησιμοποίησαν μια πολύ σπάνια στη ρωσική λαϊκή πρόσληψη από κομμάτια σκούρου μορίης βελανιδιάς. Μέχρι τη δεκαετία του 1870, τα νήματα με την Inlay μεταφέρθηκαν στη ζωγραφική, τα γρήγορα γραφικά επιχρίσματα απεικονίστηκαν πλούσια "Rosans", αναβάτες, σκηνές πόσιμου τσαγιού και εκδηλώσεις. Μέχρι τη δεκαετία του 1920, η αναγκαιότητα των μεταφορών είχε πέσει, και οι γραφικές δεξιότητές τους των Gorodetsky Masters άρχισαν να χρησιμοποιούν ευρέως στη διακόσμηση άλλων αντικειμένων: κουτιά, Lars, διακοσμητικά πάνελ, παιχνίδια.
Η συλλογή Gorodetskaya του Μουσείου όχι μόνο σας επιτρέπει να εντοπίσετε τα κύρια στάδια της ανάπτυξης αυτού του κέντρου από το τέλος του XVIII μέχρι το τέλος των XX αιώνες, αλλά επίσης δίνει μια ιδέα για το έργο σχεδόν όλων των πλοιάρχων που έφυγαν ένα αξιοσημείωτο σημάδι στην ιστορία του. Η συλλογή περιλαμβάνει έργα που αναγνωρίζονται από τα "κλασικά" δείγματα Gorodetsky Art: Donz A.V. και l.v. Melnikovy, G.L. Polyakova, V.K.Smirnova, Πάνελ Ι.Κ. Mazina, Shirma I.K. Lebedeva και D.I. Kryukov et αϊ.
Τα ρωσικά καλλιτεχνικά βερνίκια απολαμβάνουν την παγκόσμια φήμη. Το Μουσείο Συνέλευσης σας επιτρέπει να αντικατοπτρίζετε την ιστορία τους και εισάγει όλα τα σημαντικά κέντρα ζωγραφικής λάκας. Η έκθεση του μουσείου στους βαμμένους μεταλλικούς δίσκους του Nizhny Tagil και του Zhostov (περιοχή της Μόσχας), "λακαρισμένα" προϊόντα από χαρτί-Masha XIX - XX αιώνες. κοντά στη Μόσχα Το Fedoskino, καθώς και τα κέντρα των περιοχών του Ιβάνοβο και του Βλαντιμίρ: Phane, Holoi και MSTERS, όπου η τέχνη των μινιατούρων λακκούβας αναπτύχθηκε μόνο στους σοβιετικούς χρόνους και βασίστηκε στις καθιερωμένες παραδόσεις της ζωγραφικής εικονιδίων. Από τη δεκαετία του 1830 στο εργαστήριο, O.F. Vishnyakova, που βρίσκεται στο χωριό Zhostovo, μαζί με τα προϊόντα από Papier-Masha, άρχισε να κάνει δίσκους από μέταλλο. Σταδιακά, η αλιεία απέκτησε ανεξάρτητη αξία. Στη διακόσμηση των δίσκων, η προτίμηση άρχισε να δίνει τις συνθέσεις λουλουδιών γραμμένες από ζουμερά γραφικά εγκεφαλικά επεισόδια.
Μια ειδική αξία είναι η συλλογή του Palekh Lakova Miniature 1920-1930, η οποία περιλαμβάνει έργα ενός πολύ υψηλού επιπέδου τέχνης. Μεταξύ αυτών είναι τα έργα των καλλιτεχνών που ήταν μέρος του Plyhan Artel της αρχαίας ζωγραφικής ": A.V. Kotukhina, i.v. Markacheva, im. Μπακάνοβα, Ι.Ρ. Vakurova, I.I. Zubkov et αϊ., Συμπεριλαμβανομένου του Virtuoso σχετικά με την εκτέλεση του έργου της ζωγραφικής ζωγραφικής που προκαλεί ζωγραφική στο Palekh I.I. Golikova.
Η ιστορία των χωριών των κέντρων (Π. Fedoskino και P. Zhostovo) αφήνει τις ρίζες στο τέλος του XVIII αιώνα, όταν ο έμπορος P.I. Ο Korobov διοργάνωσε μια επιχείρηση για την κατασκευή προϊόντων λάκας από Papier-Masha με. Danilkov, που βρίσκεται κοντά s. Fedoskino. Σύντομα η αλιεία εξαπλώθηκε σε ολόκληρη την περιοχή. Το Συνέδριο του Μουσείου παρουσιάζει τα έργα του εργοστασίου Lukutin (διάδοχοι του P.I. Korobov) και των μικρών αγροτικών επιχειρήσεων του χωριού Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino και άλλοι που βρίσκονται στην Τριάδα Ενορία της κομητείας της Μόσχας. Τα πρώτα έργα της συλλογής ανήκουν στα μέσα του 19ου αιώνα. Τα προϊόντα αυτών των εργαστηρίων είναι στιλιστικά ομοιογενή: κουτιά, τα φίλτρα, τα τσιγάρα, τα πορτοφόλια, τα Papier-Mahas, είναι διακοσμημένα με γραφικές, ρεαλιστικές παραμελημένες μινιατούρες με έντονο εθνικό θέμα. Παραδοσιακές εικόνες του "TROK", "Τσάι πίνοντας", σκηνές από την αγροτική ζωή, κατά κανόνα, είναι δωρεάν αντίγραφα της μηχανής ζωγραφικής και γραφικών έργων ρωσικών καλλιτεχνών.
Μια εξέχουσα θέση στην έκθεση δίνεται στις συλλογές των ρωσικών μαντίλων και των Χαλίων. Αυτά είναι κασκόλ και άλλα προϊόντα της Tver και Nizhny Novgorod Crafts και άλλα προϊόντα Tverskaya και Nizhny Novgorod Tarmers και τις κομψές σκάλες του XIX - πρώιμη XX αιώνα. Το μεγαλύτερο, και επί του παρόντος και το μόνο στη Ρωσία, ο κατασκευαστής των μάλλινων Scuffers και τα χαλακάπτερα είναι η κοντινή Μόσχα Pavlovsky Posad, όπου η απελευθέρωσή τους κατακτήθηκε στις αρχές της δεκαετίας του 1860 σε ένα εργοστάσιο που ανήκουν στους εμπόρους ya.i. Labsin και V.I. Βρώμικος. Η παραγωγή των Chaleses ήταν σχεδόν εντελώς χειροκίνητη. Τα μοτίβα στο ύφασμα εφαρμόστηκαν με ξυλόγλυπτα ξύλινες σανίδες, "λουλούδι" και "τρόπος". Το αγαπημένο κίνητρο των σχεδίων του καλωδίου Pavlovsky καθώς και των δίσκων Zhostovsky, ζωγραφισμένες εικόνες λουλουδιών. Μεταξύ των εκθεμάτων του Μουσείου Pavlovoposad ξυρισμένους διαφορετικούς χρόνους. Αυτά είναι το κεφάλι του θρυλικού συρταριού του XIX αιώνα. S.v. Postigova "πέταλο" και "εκτροπή" και έργα των σύγχρονων μας E.P. Regovoy, Κ.Σ. Zinovieva, i.p. Dondovaya et αϊ.
Οι τέχνες τέχνης αποτελούν σημαντικό μέρος της εθνικής κουλτούρας της Ρωσίας. Το έργο που παρουσιάζεται στο μουσείο δείχνει το μεγάλο δώρο των ρωσικών δασκάλων, μια λεπτή καλλιτεχνική γεύση και την ταυτότητα του ταλέντου τους.
Το υλικό για τους Ρώσους Δασκάλους είναι πολύ ελκυστική και ποικίλη στις διακοσμητικές τους ιδιότητες και τις τεχνικές δυνατότητες. Ήδη στο XVII αιώνα. Οι παραδόσεις της Art Costelle άρχισαν να αναπτύσσονται στην περιοχή της επαρχίας Posada Kholmogora Arkhangelsk. Το Holmogorsk Masters μαζί με το σετ (συνηθισμένο ζωικό οστό) χρησιμοποίησε το οστό του Walrus, λιγότερο συχνά το μαμούθ, τα προϊόντα των οποίων ήταν ιδιαίτερα αποτιμημένα. Το μεγαλύτερο πλαίσιο ήταν οι κορυφογραμμές, τα κουτιά, τα κουτιά, τα κουτιά και τα καλαθοσφαίρια, διακοσμημένα με τα καλύτερα μοτίβα λαχανικών, εικόνες ζώων και πτηνών, έκαναν ανοιχτό νήμα και χάραξη. Στο δεύτερο μισό του XIX - αρχές του εικοστού αιώνα. Οι κόκαλες των οστών ασχολήθηκαν με το μοναστήρι της Trinity-Sergiev και το Sergiev Posad, όπως αποδεικνύεται από το εικονίδιο υποπερίδας "Trinity" του 1869, που πραγματοποιήθηκε από τον Ivan Iliin (Monk Ion) και ένα μικρό εικονίδιο από το ελεφαντόδοντο που απεικονίζει τον Sergius του τοπικού πλοιάρχου και του. . Khrustacheva.
Οι παραδόσεις μινιατούρα οστού και ξύλου, οι παραδόσεις των μικροσκοπικών νημάτων και του δέντρου, είχαν αντίκτυπο στο σχηματισμό cosstiles κατά το δεύτερο μισό των 40 ετών του περασμένου αιώνα, που βρίσκεται κοντά σε Sergiyev Posad, Khotkovo. Η πρωτοτυπία αυτού του Κέντρου εκδηλώθηκε στην εφαρμογή διαφόρων τεχνικών επεξεργασίας οστών, συνδυάζοντας οστού με ένα δέντρο, ευρεία χρήση του σετ. Αυτά τα χαρακτηριστικά βρήκαν μια ιδιαίτερα φωτεινή ενσωμάτωση στα έργα της δεκαετίας του 1950, ειδικότερα, στο Basque V.E. Loginova "Michurin", ένθετα οστών των οποίων εκτελούνται βιολογικά στην αρχική τεχνική της πολυδιάστατης ανακούφισης. Η έκθεση του Μουσείου καθιστά επίσης δυνατή την εξοικονόμηση με τα έργα της παραδοσιακής αλιείας των οστών, τα οποία έχουν αναπτυχθεί στα ανατολικά της Ρωσίας: Tyumen (Tobolsk), Yakutia, Chukotka. Η ταυτότητα καθενός από αυτά βασίζεται στις εθνοτικές και καλλιτεχνικές παραδόσεις του τοπικού πληθυσμού.
Με τα χρόνια του Μουσείου, συλλέγεται η πλουσιότερη συλλογή ρωσικού γυαλιού και πορσελάνης. Αυτοί οι τύποι εφαρμοσμένης τέχνης κέρδισαν ταχεία ανάπτυξη στη Ρωσία στους αιώνες XVIII-XIX. Στις αίθουσες του μουσείου μπορείτε να δείτε μια ποικιλία χρήσης φυτών εκείνης της εποχής: Imperial πορσελάνη και γυαλί στην Αγία Πετρούπολη, ιδιωτικά πορσελάνη φυτά Gardner, Popov, Kuznetsov, Korornov, Glasswater - Maltshie, Bakhmetyevaya κλπ. Μεταξύ των εκθεμάτων Σκιαστικά δείγματα ρωσικού γυαλιού και κεραμικών, τα οποία, για παράδειγμα, είναι γυαλί χαραγμένα κύπελλα XVIII αιώνα. ή τα προϊόντα Majolica που εκτελούνται σε ένα από τα πρώτα κεραμικά φυτά στη Ρωσία, ανοίγοντας το 1724 στη Μόσχα Α στο Α. Grebenchikov. Το Μουσείο αποθηκεύει μια υπέροχη συλλογή πλαστικών από πορσελάνη, η οποία περιλαμβάνει μια ποικιλία γλυπτών του είδους και μια ολόκληρη σειρά - "λαοί της Ρωσίας", η οποία στο XIX αιώνα. Επανειλημμένα επαναληφθεί στα φυτά της Μόσχας του Gardner και του Kuznetsov.
Η συλλογή από γυαλί και πορσελάνη της σοβιετικής και μετα-σοβιετικής περιόδου αντιπροσωπεύεται κυρίως από έργα του 1960-1980, που πραγματοποιείται από κορυφαίους δασκάλους και καλλιτέχνες των μεγαλύτερων φυτών στη Ρωσία. Στην ιστορία της εγχώριας πορσελάνης, η ηγετική θέση ήταν πάντα καταληφθεί από το εργοστάσιο πορσελάνης Leningrad που ονομάζεται μετά από m.v. Lomonosov (πρώην αυτοκρατορική) και δύο εργοστάσια περιοχής της Μόσχας: εργοστάσιο πορσελάνης Dmitrovsky (πρώην Gardner) και Dulevsky πορσελάνη εργοστάσιο που ονομάζεται μετά την εφημερίδα Pravda (πρώην Kuznetsovsky). Αυτές οι επιχειρήσεις είναι δύο πρωτότυπα και φωτεινά σχολεία με το στυλ τους, την υψηλή κουλτούρα εργασίας με υλικό και πλουσιότερες παραδόσεις. Η διαφορά μεταξύ των δύο σχολείων της πορσελάνης στο γεγονός ότι κληρονόμησαν διαφορετικά ιστορικά στρώματα της ρωσικής κουλτούρας: η Μόσχα επικεντρώθηκε στην εθνική παράδοση, Leningradskaya - στην εξαιρετικά επαγγελματική τέχνη των XVIII - XIX αιώνες στη γραμμή.
Στη συνέλευση του Μουσείου διακρίνεται από μια λεπτή καλλιτεχνική γεύση και μια κλασική αίσθηση μέτρων, εξαιρετικά και επίσημα έργα καλλιτεχνών της Αγίας Πετρούπολης (Λένινγκραντ): A.V. Vorobyevsky, Α.Α. Yatskevich, Β.Μ. Gorodetsky, Ν.Ρ. Σλαβίνα, Ι. Olevskaya; Σύμφωνο σε σχήμα και ζωγραφίζοντας την κατανόηση των ανθρώπων για τα όμορφα, φωτεινά, διαβεβαίωτα έργα καλλιτεχνών της περιοχής της Μόσχας: P.V. Λεωνόβα. Vc. Yasnetsova, N.N. Ρόπβαβα και άλλοι. Στην έκθεση, μπορείτε επίσης να εξοικειωθείτε με τη συλλογή γυαλιού και το κρύσταλλο το δεύτερο μισό του εικοστού αιώνα. Οι μορφές ιδιοκτησίας, διακοσμητικά αγγεία και σύνολα, χωρικές συνθέσεις όγκου, πλαστικό γυαλί κατασκευάζονται χρησιμοποιώντας μια μεγάλη ποικιλία τεχνικών και τεχνολογιών από κορυφαίους καλλιτέχνες των παλαιότερων φυτών υαλοπινάκων στη Ρωσία. Πρόκειται για ένα εργοστάσιο στην περιοχή της περιοχής Gus-Crystal Vladimir (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. MURATOV). Γυάλινο φυτό "Κόκκινο Μαΐο" στην περιοχή Vyshnevoltsky της περιοχής Tver (Α.Μ. Μιλάκολο, Δ.Μ. Beskinskaya). Dyatkovsky Crystal Plant (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.Ya. Shevchenko).
Η υπερηφάνεια της Συνέλευσης του Μουσείου είναι μια αρκετά σημαντική συλλογή του γυάλινου φυτού της Τέχνης του Λένινγκραντ, με τις δραστηριότητες των οποίων το έργο τέτοιων κυριτών της εφαρμοσμένης τέχνης συνδέεται με το L.O. Jürgen, Α.Α. Actitzaturyan, Α.Μ. Ostumov, π.χ. Yanovskaya, HM Puld, B.A. Eremin, yu.m. Bzzyaks. Τα περισσότερα έργα γυαλιού και πορσελάνης είναι μοναδικά δείγματα που δημιουργούνται για τις μεγαλύτερες διεθνείς ή old-ρώσες εκθέσεις. Έτσι, στην πολλαπλή της, η πληρότητα της παρουσίασης μεμονωμένων κέντρων, το υψηλό επίπεδο τέχνης του έργου της Συνέλευσης του Μουσείου της Ρωσικής παραδοσιακής διακοσμητικής τέχνης μπορεί να αποδοθεί σε ένα από τα καλύτερα στη χώρα. Τα εξαρτήματα των έργων του δείχνουν τη Μεγάλη Ρωσική Δασκάλες, μια λεπτή καλλιτεχνική γεύση και την ταυτότητα του ταλέντου τους.
Το ύφος των μέσων του αιώνα επηρεάζει τη διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη. Για τα προϊόντα από μια πορσελάνη, όπως η "δική της" εξυπηρέτηση της Elizabeth Petrovna και άλλα υλικά χαρακτηρίζονται από καμπυλόγραμμες μορφές, καθώς και ένα χυμώδες στολίδι από γυψομάρμαρο, ανερχόμενη στο σχέδιο στο νεροχύτη και ευέλικτες βλαστοί φυτών. Η φανταχτερή σιλουέτα των αντικειμένων συνδυάζεται οργανικά με φωτεινά χρώματα, αφθονία επιχρυσών, λάμψη επιφανειών καθρέφτη που συμπληρώνουν την εορταστική εικόνα του εσωτερικού.
Ζωγραφική του πρώτου μισού του XVIII αιώνα
Ξεκινώντας από την εποχή Petrovsk, οι τεράστιες αλλαγές υφίστανται ζωγραφική. Η τέχνη της μηχανής ζωγραφικής με τα σημασιολογικά και σύνθετα χαρακτηριστικά του συνίσταται. Μια αντικατάσταση της αντίστροφης προοπτικής έρχεται άμεση και σχετική μετάδοση του βάθου του χώρου. Το πιο σημαντικό χαρακτηριστικό είναι η εικόνα του σχήματος σύμφωνα με τις αρχές της ανατομικής ορθότητας. Εμφανίζονται νέοι όγκοι μετάδοσης όγκου. Σε βασική ποιότητα υπάρχει ένα ελαφρύ σημείο που ξεθωριάζει μια υπό όρους συμβολική γραμμή περιγράμματος. Η τεχνική της ελαιογραφίας με χαρακτηριστικές συγκεκριμένες τεχνικές και το σύστημα σχέσεων συστήματος είναι σταθερά, αν και όχι αμέσως, εισέρχεται στην καλλιτεχνική χρήση. Η αίσθηση της υφής επιδεινώνεται. Ο καλλιτέχνης αποκτά την ικανότητα να μεταδίδει συγκεκριμένες ιδιότητες μαλακού βελούδου, σκληρού ορεινού γούνα, σοβαρή χρυσή μπροκάρ και λεπτή δαντέλα. Στην ιστορία της ιστορίας, μπορείτε να εντοπίσετε νέες αρχές της διασύνδεσης των αριθμών. Μια εικόνα ενός γυμνού σώματος είναι ένα νέο και πιο δύσκολο έργο. Η δομή της ζωγραφικής γίνεται πιο διακλαδισμένη. Από την αρχή του αιώνα XVIII, η κοσμική τέχνη καλλιεργεί διαφορετικούς τύπους έργων μηχανημάτων, μνημειώδη ζωγραφική με τη μορφή πάνελ και plafones, μικροσκοπική επιστολή. Το πορτρέτο περιλαμβάνει όλες τις γνωστές ποικιλίες - το μπροστινό μέρος, το θάλαμο, στη συνήθη και κοσμική έκδοση, το δίκλινο και ατμόλουτρο. Καλλιτέχνες Κύρια αλληγορικά και μυθολογικά οικόπεδα. Η παρουσία αυτών των χαρακτηριστικών, αν και αποκαλυφθεί αρχικά σε συμβιβασμό, σας επιτρέπει να μιλήσετε για την εμφάνιση της ζωγραφικής ενός νέου τύπου.
Τα πρώτα βήματα για το να γίνουν πορτραίτο συνδέονται με τις δραστηριότητες του γραφικού εργαστηρίου του οπλισμού. Τα έργα που εκτελούνται από τους Ρώσους και τους ξένους τεχνίτες, στη φύση τους, βρίσκονται σε επίπεδα. Από όλες τις τυπολογικές επιλογές, η Parsuna προτιμά ένα πορτρέτο παρέλασης και βρίσκεται σε αυτή την ικανότητα σε διάφορες ποικιλίες. Μεταξύ αυτών, η "πορτρέτα-διατριβή" είναι η πιο αρχαϊκή. Συνδυάζει εικόνες πορτρέτου και πολλές επεξηγηματικές επιγραφές στο πλαίσιο του υπό όρους εικονικού χώρου. Μπορείτε να μιλήσετε για την "πορτρέτα-απόθεση". Αυτοί είναι οι ζωγραφιές πορτρέτων, που συμβολίζουν τα σφιχτά επιτεύγματα του Πέτρου Ι. Είναι κοινά και τα συνηθισμένα πορτρέτα του Πέτρου, του Μενσικού, το sheremetev στην ανάπτυξη και με άλογο.
Ο χώρος ερμηνεύεται παντού πολύ στερεότυπος και η γενική θέση των αντικειμένων χρησιμεύει μάλλον ως συμβολική ονομασία πραγματικών χωρικών σχέσεων. Το πρόβλημα του εσωτερικού και εξωτερικού χώρου είναι εξίσου υπό όρους στη σχέση σημασιολογικού και μεγάλης κλίμακας. Το Parsun είναι κάπως απομακρυνόμενο από πολύχρωμο πλούτο χαρακτηριστικό της εικόνας ζωγραφικής XVII αιώνα. Ωστόσο, η σχολαστική μετάδοση της διακόσμησης των ρόμπων και των διαφόρων εξαρτημάτων δίνει στον καμβά ανυψωμένο διακοσμητικό ήχο.
Ο πλοίαρχος εξακολουθεί να μην κατέχει πλήρως τις νέες αρχές της μετάδοσης του όγκου, η σύνδεση υπογραμμίστηκε έμφαση από τα γραπτά πρόσωπα και τα στρογγυλά επίπεδα. Τα μεγάλα μεγέθη καμβά, το εντυπωσιακό πνεύμα τους, ο πλούτος της κατάστασης και τα αναπαραγωγημένα κοσμήματα έχουν σχεδιαστεί για να απεικονίζουν την κοινωνική σημασία των απεικονισθέντων. Μια εικόνα ενός αυτόνομου, επικεντρώνεται στον εαυτό του και είναι αδιάφορο για τους άλλους. Η ζωγραφική, που δεν έχει ακόμη ωριμάσει πριν από τη μεταφορά του ατόμου, με τον δικό του τρόπο προσπαθεί να παρατηρήσει τα χαρακτηριστικά που ενυπάρχουν σε αυτόν τον χαρακτήρα. Ωστόσο, το Γενικό και το άτομο δεν είναι ακόμη συντηρημένο στη βιολογική ενότητα και οι συγκεκριμένες ιδιότητες της καθυστέρησης εμφανίζονται κάτω από την ενοποιημένη μάσκα γραφομηχανής.
Η γραμμή ParsUna, η οποία υπήρξε σχετικά μακρύ, κυρίως στη δεκαετία του '80 και ειδικά στη δεκαετία του '90 του XVII αιώνα, στη συνέχεια αντιμετωπίζει πολύ ισχυρό, πρακτικά στερεώθηκε η ροή των προϊόντων αλλοδαπών και καλλιτεχνών συνταξιοδότησης. Ταυτόχρονα, δεν πρέπει να θεωρηθεί ότι αποδείχθηκε ότι ήταν ένα τυχαίο επεισόδιο στη γενική διαδικασία της ανάπτυξης του ρωσικού πορτρέτου. Που ωθούνται από τις κύριες θέσεις, η Persuna συνέχισε να υπάρχει. Επιπλέον, τα χαρακτηριστικά της εκδηλώθηκαν στο έργο πολλών προηγμένων καλλιτεχνών ως απόδειξη μιας ημιτελή μετάβασης από τη μεσαιωνική γραφή με νέο τρόπο. Υπό την ικανότητα αυτή, μπορεί να βρεθεί στα έργα της Ι. Νικήτίνης, Ι. Vishnyakova και Α. Antropova.
Φιλμ μικρού μήκους του Persanny και στο δεύτερο μισό του XVIII αιώνα, ειδικά στα έργα των Serfs ή των επαρχιακών καλλιτεχνών που έφτασαν ανεξάρτητα στη νέα τέχνη, κατά κανόνα, προχωρώντας από την εικονογραφία. Σημειώστε ότι η ασυνήθιστη ως καλλιτεχνικό φαινόμενο δεν είναι μόνο στη ρωσική σχολή, αλλά και στην Ουκρανία και στην Πολωνία. Επίσης, συναντά τη Βουλγαρία, τη Γιουγκοσλαβία, ακόμη και στις χώρες της Μέσης Ανατολής, δηλαδή, όπου η ζωγραφική σε μια στενή ιστορική κατάσταση αντιμετωπίζει θεμελιωδώς παρόμοια προσκόλληση στην τέχνη της νέας ώρας και της κοσμικής τέχνης.