17ος αιώναςαποδείχθηκε εκπληκτικά ευνοϊκή για ανάπτυξη καλλιτεχνική κουλτούρα. Έχει γίνει όχι μόνο ο αιώνας της επιστήμης, αλλά και ο αιώνας της τέχνης. Αλήθεια, δεδομένου ότι η άνθηση της επιστήμης μόλις ξεκίνησε, ενώ η τέχνη έχει ήδη φτάσει στο απόγειό της. Παρόλα αυτά, ο ουρανός από πάνω του είναι ακόμα καθαρός και χωρίς σύννεφα. Το κύρος του στην κοινωνία είναι ασυνήθιστα υψηλό. Όσον αφορά τον αριθμό των μεγάλων καλλιτεχνών του 17ου αιώνα, προφανώς ξεπερνά όλους τους άλλους, συμπεριλαμβανομένης της Αναγέννησης. Επιπλέον, αν στην Αναγέννηση, η Ιταλία στον τομέα της τέχνης δεν έχει όμοιο, τότε τον 17ο αιώνα. η τέχνη είναι σε άνοδο σε όλα ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣΑ, και η Γαλλία φαίνεται προτιμότερη τώρα.

Όπως και άλλοι τομείς του πολιτισμού, η τέχνη έχει βιώσει τον αντίκτυπο της διαφοροποίησης. Η απομόνωσή του γίνεται ολοένα και πιο εμφανής και διακριτή. Ακόμη και η σύνδεση με τη θρησκεία εξασθενεί αισθητά. Ως αποτέλεσμα, οι θρησκευτικές και μυθολογικές πλοκές απαλλάσσονται από περιττό πάθος, γεμίζουν με βαθιά ζωντάνια και φυσικότητα.

Μια άλλη συνέπεια της διαφοροποίησης είναι ότι οι καθολικές προσωπικότητες που χαρακτηρίζουν την εποχή εξαφανίζονται μεταξύ των καλλιτεχνών. δεν ήταν μόνο ένας λαμπρός καλλιτέχνης, αλλά και ένας μεγάλος επιστήμονας, στοχαστής, εφευρέτης. Αν και σε μικρότερο βαθμό, αλλά το ίδιο μπορούμε να πούμε για τους L. Alberti, F. Brunelleschi. Piero della Francesca, F. Rabelais και άλλοι.Τώρα τέτοιες φιγούρες μεγάλης κλίμακας γίνονται σπάνιο φαινόμενο. Παράλληλα, αυξάνεται η υποκειμενική αρχή στην τέχνη. Εκδηλώνεται με έναν αυξανόμενο αριθμό έξυπνων ατόμων, με μεγαλύτερη δημιουργική ελευθερία και θάρρος, μια ευρύτητα οπτικής γωνίας για τα πράγματα.

Μέσα στην τέχνη υπάρχει επίσης μια διαδικασία διαφοροποίησης, τα υπάρχοντα είδη αλλάζουν και εμφανίζονται νέα. V ζωγραφικήΤο τοπίο και το πορτρέτο γίνονται εντελώς ανεξάρτητα είδη, στα οποία ενισχύεται ο ψυχολογισμός. Εμφανίζονται νεκρές φύσεις και εικόνες ζώων. Η σημασία του πρωτότυπου διαλύματα σύνθεσης, χρώμα, γραφικότητα, γεύση.

V ΜΟΥΣΙΚΗγεννιέται η όπερα. Ο δημιουργός αυτού του είδους είναι Ιταλός συνθέτηςK. Monteverdi (1567-1643),που έγραψε την όπερα «Ορφέας», που ανέβηκε στο 1607 και έγινε πραγματικό αριστούργημα οπερατική τέχνη... Για πρώτη φορά, η μουσική σε αυτό όχι μόνο συμπληρώνει τα ποιήματα, αλλά είναι η κύρια ηθοποιόςεκφράζοντας το νόημα όλων όσων συμβαίνουν στη σκηνή. Εκτός από την όπερα, στη μουσική εμφανίζονται και καντάτες και ορατόριο.

Τα κύρια στυλ στην τέχνη του 17ου αιώνα. Το μπαρόκ και ο κλασικισμός κατέχουν εξέχουσα θέση. Ορισμένοι κριτικοί τέχνης πιστεύουν ότι ταυτόχρονα ο ρεαλισμός αναδείχθηκε ως ιδιαίτερο στυλ στην τέχνη, ωστόσο αυτή η άποψη αμφισβητείται, αν και αναγνωρίζεται η ύπαρξη ρεαλιστικής τάσης.

Μπαρόκ

Μπαρόκεμφανίζεται στα τέλη του 16ου αιώνα. στην Ιταλια. Η ίδια η λέξη «μπαρόκ» σημαίνει «παράξενο», «περίεργο». Το μπαρόκ στυλ χαρακτηρίζεται από δυναμισμό εικόνων, ένταση, φωτεινότητα, κομψότητα, αντίθεση, επιδίωξη για μεγαλείο, λαμπρότητα και λαμπρότητα, για σύνθεση τεχνών, συνδυασμό πραγματικότητας και ψευδαίσθησης, αυξημένη συναισθηματικότητα και αισθησιασμό. Το μπαρόκ ήταν το στυλ της αριστοκρατικής ελίτ της απερχόμενης φεουδαρχικής κοινωνίας, το στυλ της καθολικής κουλτούρας.

Εξέχων εκπρόσωπος του ιταλικού μπαρόκ είναι ο Ρωμαίος αρχιτέκτονας, γλύπτης και ζωγράφος L. Bernini (1598-1680).Όλα τα πιο χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ, τόσο δυνατά όσο και αδύναμα, ενσωματώθηκαν στο έργο του. Πολλά από τα έργα του συγκεντρώθηκαν στο κύριο μνημείο της Καθολικής Ρώμης - τον Καθεδρικό Ναό του Αγ. Πέτρος. Κάτω από τον τρούλο του, που χτίστηκε από τον μεγάλο Μιχαήλ Άγγελο, υψώνεται μια μεγαλειώδης μνημειακή και διακοσμητική κατασκευή - ένα κουβούκλιο τριάντα μέτρων, και στο βωμό υπάρχει ένας εξίσου μεγαλοπρεπής μαρμάρινος άμβωνας του Πέτρου, διακοσμημένος με χρυσό και φιγούρες που απεικονίζουν αγγέλους και έρους, πατέρες εκκλησιών. και αγίων.

Ένα ακόμα πιο μεγαλοπρεπές δημιούργημα του Μπερνίνι ήταν η μεγαλειώδης κιονοστοιχία, που αποτελείται από 284 κολώνες, τοποθετημένες σε τέσσερις σειρές και πλαισιώνουν την τεράστια πλατεία μπροστά από τον καθεδρικό ναό του Αγ. Πέτρος. Τα πιο σημαντικά γλυπτικά έργα του Μπερνίνι είναι ο Απόλλωνας και η Δάφνη και η Έκσταση του Αγ. Τερέζα."

Η πιο διάσημη φιγούρα του ευρωπαϊκού μπαρόκ είναι ο Φλαμανδός ζωγράφος P. Rubens (1577-1640).Δικαίως μπορεί να ονομαστεί παγκόσμια προσωπικότητα, όχι κατώτερη σε κλίμακα από τους τιτάνες της Αναγέννησης. Ήταν κοντά στους ουμανιστές, ήταν λάτρης των κλασικών της Αρχαιότητας - Πλούταρχου. Ο Σενέκας, ο Οράτιος, γνώριζε έξι γλώσσες, συμπεριλαμβανομένων των λατινικών. Ο Ρούμπενς δεν ήταν επιστήμονας και εφευρέτης, αλλά κατανοούσε τα προβλήματα της αστρονομίας και της αρχαιολογίας, έδειξε ενδιαφέρον για τα ρολόγια χωρίς μηχανισμό, για την ιδέα της αέναης κίνησης, ακολούθησε τις καινοτομίες στη φιλοσοφία, κατάλαβε πολλά για την πολιτική και συμμετείχε ενεργά το. Κυρίως αγαπούσε την ίδια την ανθρώπινη ζωή.

Ο Ρούμπενς ενσάρκωσε τη δέσμευση στον ανθρωπισμό στο έργο του. Έγινε ένας μεγάλος ποιητής μιας ζωής γεμάτη ευτυχία, ευχαρίστηση και λυρισμό. Παραμένει ένας αξεπέραστος τραγουδιστής ανθρώπινης - ανδρικής και κυρίως γυναικείας σάρκας, της αισθησιακής ομορφιάς του ανθρώπινου σώματος. Μόνο ο Ρούμπενς θα μπορούσε, με τόσο θάρρος και αγάπη, να μεταδώσει τη γοητεία της ίδιας της σάρκας, την τρυφερή ζεστασιά, την απαλή ευκαμψία της. Μπόρεσε να δείξει ότι η σάρκα μπορεί να είναι όμορφη χωρίς να έχει όμορφο σχήμα.

Ένα από τα κεντρικά θέματα της δουλειάς του είναι η γυναίκα, η αγάπη και το παιδί ως φυσικό και όμορφο καρπό της αγάπης. Αυτή η πλευρά του έργου του μπορεί να φανεί και να γίνει αισθητή σε πίνακες όπως η Αφροδίτη και ο Άδωνις. Juno και Argus, Περσέας και Ανδρομέδα, Bathsheba.

Ενώ βρισκόταν στην Ιταλία, ο Ρούμπενς πέρασε καλά Σχολή καλών τεχνών... Ωστόσο, το φλαμανδικό ταμπεραμέντο του δεν εισέπραξε τα πάντα από τους μεγάλους Ιταλούς. Είναι γνωστό ότι οι Ιταλοί δάσκαλοι προτιμούσαν την ισορροπία, την ηρεμία και την αρμονία, που τους επέτρεψε να δημιουργήσουν αιώνια ομορφιά. Ο Ρούμπενς τα παραβιάζει όλα αυτά υπέρ της κίνησης. Οι ανθρώπινες μορφές που απεικονίζει συχνά μοιάζουν με ένα συμπιεσμένο ελατήριο, έτοιμο να ξεδιπλωθεί αμέσως. Από αυτή την άποψη, ο Μιχαήλ Άγγελος είναι πιο κοντά του, του οποίου τα γλυπτά είναι γεμάτα εσωτερική ένταση και κίνηση. Τα έργα του είναι επίσης γεμάτα με θυελλώδη δυναμισμό. Πρόκειται, συγκεκριμένα, για τους πίνακες «Η μάχη των Αμαζόνων», «Η απαγωγή των θυγατέρων του Λεύκιππου», «Κυνήγι λιονταριών», «Κυνήγι κάπρου».

Στα έργα του Ρούμπενς το χρώμα και η γραφικότητα υπερισχύουν του σχεδίου. Εδώ παραδειγματίζεται από τον Τιτσιάνο. Στον Ρούμπενς δεν αρέσουν τα πολύ καθαρά περιγράμματα. Αυτός, σαν να λέμε, διαχωρίζει την ύλη από τη μορφή, καθιστώντας την ελεύθερη, ζωντανή και σαρκική. Όσον αφορά το χρώμα, ο καλλιτέχνης προτιμά φωτεινά, καθαρά και πλούσια χρώματα γεμάτα με υγιή ζωντάνια. Αγωνίζεται όχι τόσο για την αρμονία τους όσο για την ενορχήστρωση, για τη δημιουργία μιας έγχρωμης συμφωνίας. Ο Ρούμπενς αποκαλείται δικαίως ο μεγάλος συνθέτης των χρωμάτων.

Κλασσικότης

Πατρίδα κλασσικότηςέγινε Γαλλία. Εάν το μπαρόκ προτιμά τα συναισθήματα, τότε ο κλασικισμός βασίζεται στη λογική. Η αρχαία τέχνη είναι το υψηλότερο πρότυπο και το ιδανικό πρότυπο για αυτόν. Οι βασικές αρχές του είναι η σαφήνεια, η τάξη, η λογική συνέπεια, η αρμονία και η αρμονία.

Σύμφωνα με τον κλασικισμό, το θέμα της τέχνης πρέπει να είναι το υψηλό και το ωραίο, το ηρωικό και το ευγενές. Η τέχνη πρέπει να εκφράζει υψηλά ηθικά ιδανικά, να δοξάζει την ομορφιά και τον πνευματικό πλούτο του ανθρώπου, να δοξάζει τον θρίαμβο του συνειδητού καθήκοντος έναντι του στοιχείου των συναισθημάτων. Κριτής της τέχνης δεν είναι μόνο το γούστο, αλλά και η λογική.

Ο κλασικισμός μοιράζεται τις βασικές διατάξεις του ορθολογισμού και, κυρίως, την ιδέα μιας ορθολογικής δομής του κόσμου. Ωστόσο, κατανοώντας τη σχέση ανθρώπου και φύσης, αποκλίνει από αυτόν, συνεχίζοντας τη γραμμή του αναγεννησιακού ουμανισμού και πιστεύοντας ότι αυτές οι σχέσεις πρέπει να βασίζονται στις αρχές της συναίνεσης και της αρμονίας και όχι της κυριαρχίας και της υποταγής. Αυτό ισχύει ιδιαίτερα για την τέχνη, ένα από τα καθήκοντα της οποίας είναι να δοξάσει την αρμονία του ανθρώπου με την όμορφη φύση.

Ο ιδρυτής και η κύρια μορφή του κλασικισμού στο ζωγραφικήείναι Γάλλος καλλιτέχνης N. Poussin (1594-1665).Στο έργο του, βασίζεται εξ ολοκλήρου στον ορθολογισμό του R. Descartes, πιστεύοντας ότι η αίσθηση είναι πάντα μερική και μονόπλευρη και μόνο ο λόγος μπορεί να αγκαλιάσει το θέμα ολοκληρωμένα και σε όλη του την πολυπλοκότητα. Επομένως, όλα πρέπει να κρίνονται από τη λογική.

Ο Πουσέν πέρασε σχεδόν ολόκληρη τη ζωή του στην Ιταλία, αλλά αυτό δεν τον εμπόδισε να γίνει ένας αληθινά Γάλλος καλλιτέχνης, ο οποίος δημιούργησε μια από τις κατευθύνσεις των ματιών στην τέχνη που υπάρχει μέχρι σήμερα. Από Ιταλοί δάσκαλοιΟ Ραφαήλ είχε τη μεγαλύτερη επιρροή πάνω του. τα έργα του οποίου είναι ιδανικά δείγματα τελειωμένης τελειότητας, καθώς και ο Τιτσιάνο, από τον οποίο όλοι οι επόμενοι καλλιτέχνες παίρνουν μαθήματα καθαρής ζωγραφικής.

Αν και ο Πουσέν προτιμά τη λογική, η τέχνη του σε καμία περίπτωση δεν μπορεί να ονομαστεί στεγνή, ψυχρή και λογική. Ο ίδιος σημειώνει ότι σκοπός της τέχνης είναι η απόλαυση, ότι όλες οι προσπάθειες του καλλιτέχνη έχουν στόχο να προσφέρει στον θεατή αισθητική απόλαυση. Τα έργα του περιέχουν ήδη δύο βασικά στοιχεία της τέχνης, όταν αυτή γίνεται ένα εντελώς ανεξάρτητο και αυτάρκης φαινόμενο.

Ένα από αυτά συνδέεται με την πλαστική, δημιουργημένη με καθαρά καλλιτεχνικά, ζωγραφικά μέσα, συνδυασμό γραμμών και χρωμάτων, που αποτελεί πηγή ιδιαίτερης, αισθητικής απόλαυσης. Το δεύτερο συνδέεται με την έκφραση, την εκφραστικότητα, με τη βοήθεια των οποίων ο καλλιτέχνης επηρεάζει τον θεατή και του προκαλεί την κατάσταση του νου που βίωσε ο ίδιος.

Η παρουσία αυτών των δύο αρχών επιτρέπει στον Πουσέν να συνδυάσει την ευφυΐα και το συναίσθημα. Η πρωτοκαθεδρία της λογικής συνδυάζεται με την αγάπη για τη σάρκα και τον αισθησιασμό. Αυτό αποδεικνύεται από τους πίνακές του «Αφροδίτη και Άδωνις», «Αφροδίτη κοιμάται», «Βακχανάλια» και άλλοι, όπου βλέπουμε ένα άτομο τέλειο σε σώμα και πνεύμα.

Στην αρχική περίοδο της δημιουργικότητας κυριαρχούν οι καμβάδες του Πουσέν με ιστορικά και θρησκευτικά-μυθολογικά θέματα. Τέτοια έργα όπως "Η απαγωγή των γυναικών σαμπίν", "Η λήψη

Ιερουσαλήμ», «Αρκαδικοί Ποιμενικοί». Στη συνέχεια σε πρώτο πλάνοβγαίνει το θέμα της αρμονίας μεταξύ ανθρώπου και φύσης. Παρουσιάζεται στους πίνακες «Ο θρίαμβος της Φλώρας», «Τοπίο με τον Πολύφημο», «Τοπίο με τον Ορφέα και την Ευρυδίκη» κ.λπ. Η φύση δεν είναι απλώς τόπος διαμονής του ανθρώπου. Μεταξύ τους εγκαθιδρύεται μια βαθιά αισθησιακή αρμονία, ένα είδος κοινότητας ψυχών, αποτελούν ένα ενιαίο σύνολο. Ο Πουσέν δημιούργησε πραγματικές συμφωνίες του ανθρώπου και της φύσης.

V τα τελευταία χρόνιαζωή, ο καλλιτέχνης αφιερώνει όλη του την προσοχή στην εξύμνηση της φύσης. Δημιουργεί την ποιητική σειρά Οι εποχές.

Ο κλασικισμός στην αρχιτεκτονικήβρήκε την ιδανική του ενσάρκωση στο παλάτι των Βερσαλλιών, που χτίστηκε κατ' εντολή του Γάλλου βασιλιά Λουδοβίκου XIV. Αυτό το μεγαλειώδες σύνολο περιλαμβάνει τρία αρχοντικά παλάτια και ένα τεράστιο πάρκο με πισίνες, σιντριβάνια και γλυπτά. Το σύνολο διακρίνεται από αυστηρή διάταξη, γεωμετρικά σοκάκια πάρκων, μεγαλείο γλυπτών, στολισμένα δέντρα και θάμνους.

Ρεαλισμός

Ρεαλιστική τάσηστην τέχνη του 17ου αιώνα. εκπροσωπείται κυρίως από έναν Ολλανδό καλλιτέχνη Ρέμπραντ(1606-1669). Οι απαρχές αυτής της τάσης βρίσκονται στο έργο του Ιταλού ζωγράφου Καραβάτζιο (1573-1610), ο οποίος άσκησε μεγάλη επιρροή σε πολλούς καλλιτέχνες.

Η τέχνη του Ρέμπραντ κατά κάποιο τρόπο καταλαμβάνει μια μέση θέση μεταξύ του μπαρόκ και του κλασικισμού. Στα έργα του, μπορείτε να βρείτε χαρακτηριστικά αυτών των δύο στυλ, αλλά χωρίς τα άκρα που ενυπάρχουν σε καθένα από αυτά. Συγκεκριμένα, η περίφημη «Δανάη» του δείχνει πολύ αισθησιακή και σαρκική, αλλά όχι στο βαθμό που θα την είχε ερμηνεύσει ο Ρούμπενς. Το ίδιο συμβαίνει και με τον κλασικισμό. Μερικά από τα χαρακτηριστικά του είναι παρόντα στα έργα του Ρέμπραντ, αλλά δεν υπάρχει καθαρή, εξιδανικευμένη ομορφιά σε αυτά, δεν υπάρχει τίποτα μεγαλειώδες και ηρωικό. χωρίς πάθος κλπ. Τα πάντα σε αυτά είναι, σαν να λέγαμε, πιο κοντά στη γη, όλα είναι πολύ πιο απλά, πιο φυσικά, πιο αληθινά, πιο ζωτικά.

Ωστόσο, η κύρια ιδιαιτερότητα της τέχνης του Ρέμπραντ έγκειται σε κάτι άλλο. Συνίσταται στο γεγονός ότι χάρη σε αυτόν σε Ευρωπαϊκή ζωγραφικήμια νέα κατεύθυνση έχει προκύψει - ψυχολογισμός.Ο Ρέμπραντ ήταν ο πρώτος που ανταποκρίθηκε σοβαρά στο περίφημο κάλεσμα του Σωκράτη: «Γνώρισε τον εαυτό σου». Έστρεψε το βλέμμα του προς τα μέσα, και ένα τεράστιο και άγνωστο εσωτερικός κόσμοςανάλογη με το άπειρο σύμπαν. Ο ανεξάντλητος πλούτος της πνευματικής ζωής ενός ανθρώπου γίνεται αντικείμενο της τέχνης του.

Ο Ρέμπραντ, σαν να λέμε, κοίταξε και ακούει το ατελείωτο παιχνίδι ψυχολογικές καταστάσεις, ανεξάντλητες εκδηλώσεις ενός ατομικού ανθρώπινου χαρακτήρα. Ως εκ τούτου, μια τέτοια αφθονία όχι μόνο πορτρέτων, αλλά και αυτοπροσωπογραφιών, στα οποία απεικονίζει τον εαυτό του σε διαφορετικές περιόδους της ζωής του - σε νιότη και μεγάλη ηλικία, σε διαφορετικές καταστάσεις - γεμάτο ζωντάνια και μετά από μια ασθένεια. Στα έργα του, το πορτρέτο όχι μόνο γίνεται ανεξάρτητο είδος, αλλά φτάνει και σε πρωτοφανή ύψη. Όλο το έργο του μπορεί να ονομαστεί τέχνη πορτρέτο.

Αυτή η στροφή οφείλεται σε μεγάλο βαθμό στο γεγονός ότι ο Ρέμπραντ -σε αντίθεση με τους Καθολικούς Ρούμπενς και Πουσέν- ήταν προτεστάντης. Πριν από την εμφάνιση του Προτεσταντισμού, ο άνθρωπος δεν επιδίωκε συνειδητά να διαχωρίσει τον εαυτό του από τους άλλους. Αντίθετα, δεν σκεφτόταν τον εαυτό του έξω από τη συλλογική κοινότητα. Στην Αρχαιότητα, μια τέτοια κοινότητα υποστηρίχθηκε από πολιτικούς και ηθικούς κανόνες. Στο Μεσαίωνα, ο Χριστιανισμός ενίσχυσε τα προηγούμενα θεμέλια με κοινή πίστη.

Ο προτεσταντισμός παραβίασε αυτήν την παράδοση, τοποθετώντας την κύρια ευθύνη για τη μοίρα ενός ατόμου στον εαυτό του. Τώρα το θέμα της σωτηρίας έγινε, πρώτα απ' όλα, προσωπική υπόθεση του καθενός. Έγινε μια βαθιά αλλαγή στη συνείδηση ​​ενός δυτικού ανθρώπου και ο Ρέμπραντ ήταν ο πρώτος που ένιωσε βαθιά τις αλλαγές που συντελούνται και τις εξέφρασε στην τέχνη του.

Σχετικά με τη μεγάλη προσοχή στα μυστικά του εσωτερική ζωή, πολλά έργα της αρχικής περιόδου του έργου του Ρέμπραντ, και κυρίως οι αυτοπροσωπογραφίες του, μιλούν για την αναζήτηση της δικής τους, προσωπικής αλήθειας. Αυτό αποδεικνύεται από πίνακές του όπως «Ο Απόστολος Παύλος στο Μπουντρούμι», «Ο Χριστός στο Εμμαούς» και άλλοι, όπου έρχονται στο προσκήνιο ψυχολογικές εμπειρίες, προβληματισμοί για το νόημα της ζωής και της ύπαρξης. V ώριμη περίοδοςκαι ιδιαίτερα μετά το περίφημο "Νυχτερινή βάρδια"αυτές οι τάσεις εντείνονται ακόμη περισσότερο. Εκδηλώνονται ιδιαίτερα έντονα στους καμβάδες «Πορτρέτο ενός γέρου με κόκκινο», «Πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας». Ο πίνακας "Sindica" γίνεται η κορυφή της ομαδικής τέχνης πορτρέτου.

V τελευταία περίοδοδημιουργικότητα Ο Ρέμπραντ βυθίζεται όλο και περισσότερο στα βάθη της ανθρώπινης συνείδησης. Εισβάλλει σε ένα εντελώς νέο πρόβλημα για την ευρωπαϊκή τέχνη - το πρόβλημα της ανθρώπινης μοναξιάς. Ένα παράδειγμα αυτού είναι οι πίνακές του "Ο Φιλόσοφος", "Η Επιστροφή του Άσωτου Υιού".

Διαφορές μπαρόκ και κλασικισμού.

Στην εποχή του κλασικισμού, που ακολούθησε την εποχή του μπαρόκ, ο ρόλος της πολυφωνικής πολυφωνίας μειώθηκε και ήρθε στο προσκήνιο ομοφωνική πολυφωνία
(από την ελληνική. "homos" - "ένα" και "φόντο" - "ήχος", "φωνή")

Διαφορετικός πολυφωνία,όπου όλες οι φωνές είναι ίσες, στο ομοφωνική πολυφωνίαξεχωρίζει ένας,εκτελώντας κύριο θέμακαι οι υπόλοιποι παίζουν το ρόλο συνοδεία(συνοδοί). Η συνοδεία είναι συνήθως ένα σύστημα συγχορδίας (αρμονίας). Εξ ου και το όνομα του νέου τρόπου σύνθεσης μουσικής - ομοφωνικό-αρμονικό.

Υπάρχει λιγότερη διακόσμηση και διακόσμηση στη μουσική. Τα έργα έχουν γίνει πιο αρμονικά, ξεκάθαρα στη δομή, ειδικά αυτά που γράφτηκαν μορφή σονάτας.

Στην εποχή μπαρόκσε ένα μουσικό κομμάτι, κάθε ένα από τα μέρη επικεντρωνόταν στην έκφραση και την αποκάλυψη ένας,φωτεινά ίχνη οι αισθήσεις,που λύθηκε με τη χρήση της παρουσίασης ένα θέμα που άλλαξε (διάφορο)σε όλο το μέρος, και στην εποχή κλασσικότηςσε ένα μέρος του έργου αποκαλύφθηκε πολλά συναισθήματα, τα οποία εκφράστηκαν μέσω παρουσίασης και ανάπτυξης δύο ή περισσότεραθέματα διαφορετικού ευφάνταστου περιεχομένου.

Μουσική της Πρώιμης Μπαρόκ (1600-1654)

Η ανάπτυξη της ιταλικής όπερας από τον Ιταλό συνθέτη μπορεί να θεωρηθεί ως σημείο μετάβασης υπό όρους μεταξύ της εποχής της Αναγέννησης και του Μπαρόκ. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Ο συνθέτης γεννήθηκε στην ιταλική πόλη Κρεμόνα στην οικογένεια ενός γιατρού. Ως μουσικός, ο Μοντεβέρντι αναπτύχθηκε στα νιάτα του. Έγραφε και έκανε μαδριγάλια. έπαιζε όργανο, βιόλα και άλλα όργανα. Σύνθεση μουσικής Ο Monteverdi σπούδασε με τους διάσημους συνθέτες εκείνης της εποχής. Το 1590 προσκλήθηκε ως τραγουδιστής και μουσικός στη Μάντοβα, στην αυλή του δούκα Vincenzo Gonzaga. αργότερα κατευθύνθηκε δικαστήριο παρεκκλήσι... Το 1612 ο Μοντεβέρντι εγκατέλειψε την υπηρεσία στη Μάντοβα και το 1613 εγκαταστάθηκε στη Βενετία. Σε μεγάλο βαθμό χάρη στο Monteverdi, η πρώτη δημόσια όπερα στον κόσμο άνοιξε στη Βενετία το 1637. Εκεί, ο συνθέτης ηγήθηκε του παρεκκλησίου του καθεδρικού ναού του Αγίου Μάρκου. Πριν από το θάνατό του, ο Κλαούντιο Μοντεβέρντι χειροτονήθηκε.

Έχοντας σπουδάσει οπερατική δημιουργικότηταοι συνθέτες της Αναγέννησης Peri και Caccini, Monteverdi δημιούργησε τα δικά του οπερατικά έργα. Ήδη στις πρώτες όπερες - «Ορφέας» (1607) και «Αριάδνη» (1608) - ο συνθέτης κατάφερε με μουσικά μέσα να μεταδώσει βαθιά και παθιασμένα συναισθήματα, να δημιουργήσει μια έντονη δραματική δράση. Ο Μοντεβέρντι είναι ο συγγραφέας πολλών όπερων, αλλά μόνο τρεις έχουν διασωθεί - "Ορφέας", "Επιστροφή του Οδυσσέα στην πατρίδα" (1640, βασισμένο στην πλοκή του αρχαίου ελληνικού επικού ποιήματος "Οδύσσεια") και "Η στέψη της Ποππέας" (1642).

Στις όπερες του Μοντεβέρντι, μουσική και κείμενο συνδυάζονται αρμονικά. Οι όπερες βασίζονται σε μονόλογος - ρετσιτάτο (από τα ιταλικά recitare - "να απαγγέλω"),στο οποίο απαγγέλθηκεκάθε λέξη και η μουσική μεταφέρει ευέλικτα και διακριτικά αποχρώσεις της διάθεσης. Μονόλογοι, διάλογοι και χορωδιακά επεισόδια ρέουν ομαλά μεταξύ τους, η δράση εξελίσσεται αργά (στις όπερες του Μοντεβέρντι υπάρχουν τρεις ή τέσσερις πράξεις), αλλά δυναμικά. Σημαντικός ρόλοςο συνθέτης ανέθεσε την ορχήστρα. Στον «Ορφέα», για παράδειγμα, χρησιμοποίησε σχεδόν όλα τα γνωστά τότε όργανα. Η ορχηστρική μουσική όχι μόνο συνοδεύει το τραγούδι, αλλά μιλάει για τα γεγονότα που διαδραματίζονται στη σκηνή και τις εμπειρίες των χαρακτήρων. Πρωτοεμφανίστηκε στον "Ορφέα" εισαγωγή(Γαλλική ουβερτούρα ή λατινική apertura - "άνοιγμα", "αρχή")- οργανική εισαγωγή σε ένα σημαντικό μουσικό κομμάτι. Οι όπερες του Claudio Monteverdi είχαν σημαντική επίδραση στους Βενετούς συνθέτες, έθεσαν τα θεμέλια της βενετικής σχολής όπερας .

Ο Μοντεβέρντι έγραψε όχι μόνο όπερες, αλλά και ιερή μουσική, θρησκευτικόςκαι κοσμικοί μαδριγάλοι... Έγινε ο πρώτος συνθέτης που δεν αντιτάχθηκε στις πολυφωνικές και ομοφωνικές μεθόδους - τα χορωδιακά επεισόδια των όπερών του περιλαμβάνουν πολυφωνικές τεχνικές.
Στο έργο του Μοντεβέρντι, το νέο σε συνδυασμό με το παλιό - οι παραδόσεις της Αναγέννησης.

ΠΡΟΣ ΤΟ αρχές XVIII v. σχηματίστηκε σχολή όπερας στη Νάπολη... Οι ιδιαιτερότητες αυτής της σχολής είναι η αυξημένη προσοχή στο τραγούδι, ο κυρίαρχος ρόλος της μουσικής. Ήταν στη Νάπολη αυτό φωνητικό στυλ bel canto(it. bel canto - «όμορφο τραγούδι»). Το Bel canto φημίζεται για την εξαιρετική ομορφιά του ήχου, τη μελωδία και την τεχνική του τελειότητα. Ο ερμηνευτής του στυλ bel canto πρέπει να είναι σε θέση να αναπαράγει πολλές αποχρώσεις του τόνου της φωνής, καθώς και να μεταφέρει αριστοτεχνικά πολλές γρήγορες ακολουθίες ήχων που επικαλύπτονται στην κύρια μελωδία - coloratura (ιτ. coloratura - «διακόσμηση»).

Τον 18ο αιώνα ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗέγινε η κύρια μορφή μουσικής τέχνης στην Ιταλία, η οποία προωθήθηκε από ένα υψηλό επαγγελματικό επίπεδοτραγουδιστές που έχουν εκπαιδευτεί σε ωδεία(Ιταλικό ωδείο, err lat. διατήρηση - "προστατεύω") - εκπαιδευτικά ιδρύματα που εκπαίδευαν μουσικούς. Μέχρι εκείνη την εποχή, τέσσερα ωδεία το καθένα είχαν δημιουργηθεί στα κέντρα της ιταλικής τέχνης της όπερας - Βενετία και Νάπολη. Τη δημοτικότητα του είδους υπηρέτησαν και οι όπερες που άνοιξαν σε διάφορες πόλεις της χώρας, προσβάσιμες σε όλα τα στρώματα της κοινωνίας. Ιταλικές όπερες ανέβηκαν σε θέατρα μεγάλων ευρωπαϊκών πρωτευουσών, ενώ συνθέτες από την Αυστρία, τη Γερμανία και άλλες χώρες έγραψαν όπερες βασισμένες σε ιταλικά κείμενα.

Μια σημαντική προσωπικότητα της πρώιμης περιόδου του Μπαρόκ, της οποίας η θέση ήταν στο πλευρό του Καθολικισμού, αντιτιθέμενος στην αυξανόμενη ιδεολογική, πολιτιστική και κοινωνική επιρροή του προτεσταντισμού, ήταν Giovanni Gabrieli (1555-1612).Τα έργα του ανήκουν στο στυλ " Υψηλή αναβίωση«(Η ακμή της Αναγέννησης). Ωστόσο, ορισμένες από τις καινοτομίες του στον τομέα των οργάνων (ανάθεση σε ένα συγκεκριμένο όργανο, συγκεκριμένα καθήκοντα) δείχνουν ξεκάθαρα ότι ήταν ένας από τους συνθέτες που επηρέασαν την εμφάνιση ενός νέου στυλ.

Μία από τις απαιτήσεις της εκκλησίας για τη σύνθεση ιερής μουσικής ήταν ότι κείμενασε έργα με φωνητικά ήταν επιλεκτικοί... Αυτό απαιτούσε μια στροφή από την πολυφωνία στις μουσικές τεχνικές, όπου οι λέξεις ήρθαν στο προσκήνιο. Τα φωνητικά έχουν γίνει πιο σύνθετα, πιο εύθυμα σε σύγκριση με τη συνοδεία.

Συνέβαλε πολύ στη διάδοση των νέων τεχνικών και Γερμανός συνθέτης Heinrich Schütz (1585-1672),Σπούδασε στη Βενετία, είναι ο πιο διάσημος Γερμανός συνθέτης πριν από τον Johann Sebastian Bach και ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες της πρώιμης περιόδου του μπαρόκ μαζί με τους D. Gabrieli και C. Monteverdi. Χρησιμοποίησε νέες τεχνικές στη δουλειά του ενώ υπηρετούσε ως χοράρχης στη Δρέσδη.

Ώριμη μουσική μπαρόκ (1654-1707)

Η περίοδος συγκεντροποίησης της ανώτατης εξουσίας στην Ευρώπη ονομάζεται συχνά Απολυταρχία... Ο απολυταρχισμός έφτασε στο αποκορύφωμά του επί Γάλλου βασιλιά Λουδοβίκου XIV. Για όλη την Ευρώπη, η αυλή του Λούις ήταν πρότυπο. Συμπεριλαμβανομένης της μουσικής που ακούγεται στο γήπεδο. Η αυξημένη διαθεσιμότητα μουσικών οργάνων (ιδιαίτερα των πλήκτρων) έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη θάλαμος - ΔωμάτιοΜΟΥΣΙΚΗ (από αυτό. κάμερα - "δωμάτιο")εκτελούνται σε μικρά δωμάτια ή στο σπίτι.

Ώριμο μπαρόκ είναι διαφορετικόαπό την πρώιμη πανταχού παρούσα διάδοση του νέου πολυφωνικού στυλ ( δωρεάν επιστολή) και αυξημένος διαχωρισμός μουσικές μορφέςειδικά στην όπερα. Όπως και στη βιβλιογραφία, η αναδυόμενη πιθανότητα μεγάλης κυκλοφορίας Τυπώνω μουσικά έργαοδήγησε σε διεύρυνση του κοινού. αυξημένη ανταλλαγή μεταξύ των κέντρων μουσικής κουλτούρας.

Στη θεωρία της μουσικής, το ώριμο μπαρόκ ορίζεται από την εστίαση των συνθετών στην αρμονία και στις προσπάθειες δημιουργίας συνεκτικών συστημάτων μουσικής παιδείας.
Τα επόμενα χρόνια, αυτό οδήγησε στην εμφάνιση πολλών θεωρητικόςέργα. Ένα αξιοσημείωτο παράδειγμα αυτής της δραστηριότητας είναι το έργο της ύστερης περιόδου του μπαρόκ - «Gradus ad Parnassum» (ρωσικά. Βήματα στον Παρνασσό), που εκδόθηκε το 1725 από τον Johann Joseph Φουξ(Γερμανός Johann Joseph Fux) (1660-1741), Αυστριακός θεωρητικός και συνθέτης. Αυτό το δοκίμιο, που συστηματοποίησε τη θεωρία της αντίστιξης, ήταν, σχεδόν μέχρι τα τέλη του 19ου αιώνα, το σημαντικότερο εργαλείο για τη μελέτη της αντίστιξης.

Εξαιρετικός εκπρόσωπος των αυλικών συνθετών της αυλής του Λουδοβίκου XIV ήταν Τζιοβάνι Μπατίστα Λούλι (1632-1687). (Jean-Baptiste)... Ήδη σε ηλικία 21 ετών έλαβε τον τίτλο του «συνθέτη της αυλής ορχηστρική μουσική». Δημιουργική εργασίαΗ Lully είχε από την πρώτη στιγμή ισχυρή σχέση με το θέατρο. Μετά την οργάνωση του δικαστηρίου μουσική δωματίουκαι με τη σύνθεση «airs de cour» (άριες αυλής), άρχισε να γράφει μουσική μπαλέτου. Ο ίδιος ο Λουδοβίκος XIV χόρευε σε μπαλέτα, που ήταν τότε η αγαπημένη διασκέδαση των αρχόντων της αυλής. Η Lully ήταν εξαιρετική χορεύτρια. Είχε την ευκαιρία να συμμετάσχει σε παραγωγές, χορεύοντας με τον βασιλιά. Είναι γνωστός για τα δικά του άρθρωσησυνεργάστηκε με τον Μολιέρο, για τα έργα του οποίου έγραψε μουσική. Αλλά το κύριο πράγμα στη δουλειά του Lully ήταν ακόμα η συγγραφή όπερες... Παραδόξως, ο Lully δημιούργησε ένα πλήρες είδος γαλλικής όπερας. έτσι λέγεται στη Γαλλία λυρική τραγωδία(fr. tragedie lyrique), και έφτασε σε αναμφισβήτητη δημιουργική ωριμότητα στα πρώτα κιόλας χρόνια της δουλειάς του στην όπερα. Η Lully χρησιμοποιούσε συχνά την αντίθεση μεταξύ του μεγαλειώδους ήχου του ορχηστρικού τμήματος και των απλών απαγγελιών και άριων. Μουσική γλώσσαΤο Lully δεν είναι πολύ δύσκολο, αλλά σίγουρα νέος:η σαφήνεια της αρμονίας, η ρυθμική ενέργεια, η καθαρότητα της άρθρωσης της μορφής, η καθαρότητα της υφής μιλούν για τη νίκη των αρχών της ομοφωνικής σκέψης. Σε μεγάλο βαθμό, η επιτυχία του διευκολύνθηκε επίσης από την ικανότητά του να επιλέγει μουσικούς για την ορχήστρα και τη δουλειά του μαζί τους (ο ίδιος διηύθυνε πρόβες). Αναπόσπαστο μέρος της δουλειάς του ήταν η προσοχή στην αρμονία και το σόλο όργανο.

Συνθέτης και βιολιστής Αρκάντζελο Κορέλι(1653-1713) γνωστός για το έργο του για την ανάπτυξη του είδους του concherto grosso (κονσέρτο γκρόσο -" μεγάλη συναυλία") ... Ο Κορέλι ήταν ένας από τους πρώτους συνθέτες των οποίων τα έργα εκδόθηκαν και παίχτηκαν σε όλη την Ευρώπη. Όπως οι οπερατικές συνθέσεις του JB Lully, το είδος του κοντσέρτο γκρόσο είναι χτισμένο σε μια αντίθεση του ήχου μικρών σόλο ομάδων μιας ορχήστρας και του ήχου μιας πλήρους ορχήστρας. Η μουσική βασίζεται σε απότομες μεταβάσεις από μέρη που ακούγονται δυνατά σε ήσυχα, γρήγορα περάσματα αντιτίθενται στα αργά. Μεταξύ των οπαδών του Arcangelo Corelli ήταν ο Antonio Vivaldi, ο οποίος αργότερα συνέθεσε εκατοντάδες έργα γραμμένα με τις αγαπημένες φόρμες του Corelli: τρίο σονάτες και κονσέρτα.

V Αγγλίαώριμο μπαρόκ που χαρακτηρίζεται από μια επιδεικτική ιδιοφυΐα Χένρι Πέρσελ(1659-1695). Πέθανε νέος, σε ηλικία 36 ετών, γράφοντας ένας μεγάλος αριθμός απόεργάζεται και έγινε ευρέως γνωστό όσο ζούσε. Ο Purcell ήταν εξοικειωμένος με το έργο του Corelli και άλλων Ιταλών συνθετών του μπαρόκ. σύντομη ζωήΟ Purcell έγραψε πολλά φωνητικά, οργανικά, μουσικά και θεατρικά έργα, το πιο σημαντικό από τα οποία είναι η όπερα «Διδώ και Αινείας»(1689). Αυτό είναι το πρώτο αγγλικό εθνική όπερα... Της παρήγγειλε μια δασκάλα χορού από ένα οικοτροφείο για ευγενείς κοπέλες. Ο ιδιωτικός χαρακτήρας της παραγγελίας επηρέασε την εμφάνιση του έργου: σε αντίθεση με τις μνημειώδεις όπερες του Monteverdi ή του Lully, το έργο του Purcell μικρό σε μέγεθος, η δράση αναπτύσσεται ραγδαία... Το λιμπρέτο της όπερας του Νίκολας Τέιτ βασίστηκε στο ηρωικό έπος «Αινειάδα» του Ρωμαίου ποιητή Βιργίλιου.

Ο Βιργίλιος έχει έναν από τους υπερασπιστές της Τροίας - ο Αινείας, μετά την άλωση της πόλης, πηγαίνει να περιπλανηθεί. Μια καταιγίδα οδηγεί το πλοίο του στις ακτές της Αφρικής. εδώ συναντά τη Διδώ, βασίλισσα της Καρχηδόνας. Η Διδώ ερωτεύτηκε τον Αινεία και, όταν ο ήρωας την άφησε με εντολή των θεών, αυτοκτόνησε. Στην όπερα του Purcell, ο αγγελιοφόρος που χώριζε τους ήρωες δεν στέλνεται από τους θεούς, αλλά από τις μάγισσες του δάσους (δημοφιλείς χαρακτήρες στην αγγλική λαογραφία). Ο Αινείας πήρε την εξαπάτηση για ένα ιερό καθήκον προς τους θεούς και κατέστρεψε το πολυτιμότερο πράγμα - την αγάπη.

Ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό της τέχνης του Purcell είναι αρμονία... Ο συνθέτης είχε ένα εκπληκτικό χάρισμα για τη δημιουργία τέλειων μελωδιών - ήρεμες, μεγαλειώδεις και άψογες στη φόρμα. Μετά τον Henry Purcell στην αγγλική μουσική μέχρι τον 20ο αιώνα. είναι δύσκολο να ονομάσουμε τέτοιους εξαιρετικούς δασκάλους.

Σε αντίθεση με τους παραπάνω συνθέτες Dietrich Buxtehude (1637-1707) δεν ήταν δικαστικός συνθέτης. Ο Buxtehude δούλεψε οργανοπαίκτης, πρώτα στο Helsingborg (1657-1658), μετά στην Elsinore (1660-1668) και στη συνέχεια, ξεκινώντας το 1668, στην εκκλησία του St. Η Μαρία στο Λούμπεκ. Κέρδισε χρήματα όχι με τη δημοσίευση των έργων του, αλλά από την ερμηνεία τους, και προτιμούσε από την προστασία των ευγενών να συνθέτει μουσική για εκκλησιαστικά κείμενα και να ερμηνεύει τις δικές του οργανικές συνθέσεις. απροσδόκητες και πολύχρωμες συγκρίσεις και βαθύ δράμα.αυτός ο συνθέτης. Η μουσική του Buxtehude είναι σε μεγάλο βαθμό χτισμένη στην κλίμακα των ιδεών, στον πλούτο και την ελευθερία της φαντασίας, μια τάση για πάθος, δράμα, λίγους ρητορικούς τόνους. Το έργο του είχε ισχυρή επιρροή σε συνθέτες όπως ο J.S.Bach και ο G.F. Telemann.

Μουσική του ύστερου μπαρόκ (1707-1760)

Η ακριβής γραμμή μεταξύ ώριμου και όψιμου μπαρόκ είναι θέμα συζήτησης. αυτή λέει ψέματα κάπου ενδιάμεσα 1680 και 1720. Σε καθόλου μικρό βαθμό πολυπλοκότητας του ορισμού του είναι το γεγονός ότι σε διαφορετικές χώρεςΤα στυλ άλλαξαν εκτός συγχρονισμού. Οι καινοτομίες, που ήταν ήδη αποδεκτές κατά κανόνα σε ένα μέρος, ήταν φρέσκα ευρήματα σε άλλο. Ιταλίαχάρη στον Arcangelo Κορέλικαι οι μαθητές του Francesco Geminiani και Pietro Locatelli γίνεται η πρώτη χώρα στην οποία Μεταβάσεις του μπαρόκ από την ώριμη στην όψιμη περίοδο... Ένα σημαντικό ορόσημο μπορεί να θεωρηθεί το σχεδόν απόλυτο υπεροχή τονικότηταςως δομική αρχή της σύνθεσης μουσικής. Αυτό είναι ιδιαίτερα αισθητό σε θεωρητικές εργασίες Jean Philippe Rameau, ο οποίος πήρε τη θέση του Lully ως επικεφαλής Γάλλος συνθέτης... Ταυτόχρονα, η εμφάνιση του μεγάλου έργου του Johann Joseph Fuchs «Degree hell Parnassum» (1725), αφιερωμένο στην πολυφωνία ενός αυστηρού ύφους, μαρτυρούσε την παρουσία στη μουσική. δύοστυλ γραφής - ομοφωνικά-αρμονικά και πολυφωνικά.

Έντυπαάνοιξε την προηγούμενη περίοδο, έφτασε στην ωριμότητακαι μεγάλη μεταβλητότητα? συναυλία, σουίτα, σονάτα, κοντσέρτο γκρόσο, ορατόριο, όπερα και μπαλέτο δεν είχαν πλέον έντονη εθνικά χαρακτηριστικά... Τα γενικά αποδεκτά σχήματα έργων είναι ευρέως αποδεκτά: η επαναλαμβανόμενη δίμερη μορφή (AABB), η απλή τριμερής μορφή (ABC) και το rondo.

Αντόνιο Βιβάλντι (1678-1741)- Ιταλός συνθέτης, γεννημένος στη Βενετία.
Το 1703 χειροτονήθηκε Καθολικός ιερέας... Την πρώτη Δεκεμβρίου του ίδιου έτους, έγινε μαέστρος του βιολιού στο Pio Ospedale della Pieta, ένα βενετσιάνικο ορφανοτροφείο κοριτσιών. Η φήμη του Βιβάλντι δεν προήλθε από παραστάσεις συναυλιών ή συνδέσεις στο δικαστήριο, αλλά από τις δημοσιεύσεις των έργων του, που περιελάμβαναν τις τρίο σονάτες του, τις σονάτες για βιολί και τις συναυλίες του. Δημοσιεύτηκαν στο Άμστερνταμ και διανεμήθηκαν ευρέως σε όλη την Ευρώπη. Ήταν σε αυτά ορχηστρικά είδηαναπτυσσόμενος ακόμη εκείνη την εποχή (μπαρόκ σονάτα και μπαρόκ συναυλία), ο Βιβάλντι έκανε την πιο σημαντική συνεισφορά του. Η μουσική του Βιβάλντι χαρακτηρίζεται από ορισμένες τεχνικές: τριμερής κυκλική φόρμα για το συναυλιακό γκρόσο και τη χρήση ριτουρνέλι στα γρήγορα μέρη. Ο Βιβάλντι έχει συνθέσει περισσότερες από 500 συναυλίες. Έδωσε επίσης τίτλους προγραμμάτων σε κάποια έργα του, όπως οι περίφημες Εποχές. Η καριέρα του Vivaldi δείχνει την αυξημένη ευκαιρία για έναν συνθέτη να υπάρχει ανεξάρτητα: με έσοδα από συναυλιακές δραστηριότητες και την έκδοση των έργων του.

Domenico Scarlatti(1685-1757) ήταν ένας από τους κορυφαίους συνθέτες και ερμηνευτές πλήκτρων της εποχής του. Ξεκίνησε την καριέρα του ως δικαστικός συνθέτης. πρώτα στην Πορτογαλία και από το 1733 στη Μαδρίτη, όπου πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του. Ο πατέρας του, Alessandro Scarlatti, θεωρείται ο ιδρυτής της ναπολιτάνικης σχολής όπερας. Ο Ντομένικο συνέθεσε επίσης όπερες και εκκλησιαστική μουσική, αλλά η φήμη (μετά τον θάνατό του) τον παρείχε λειτουργεί για πληκτρολόγια... Κάποια από αυτά τα έργα τα έγραψε για δική του ευχαρίστηση, κάποια για ευγενείς πελάτες του.

Ο πιο διάσημος δικαστικός συνθέτης της εποχής του μπαρόκ ήταν Georg Frideric Handel(1685-1759). Γεννήθηκε στη Γερμανία, σπούδασε στην Ιταλία για τρία χρόνια, αλλά έφυγε από το Λονδίνο το 1711, όπου ξεκίνησε τα λαμπρά και εμπορικά του επιτυχημένη καριέραένας ανεξάρτητος συνθέτης όπερας που εκτελεί εντολές για τους ευγενείς. Με ακούραστη ενέργεια, ο Χέντελ ξαναδούλευε το υλικό άλλων συνθετών και μάλιστα συνεχώς αλλοιώθηκετις δικές τους συνθέσεις. Για παράδειγμα, είναι γνωστός για την αναθεώρηση του περίφημου ορατόριου του Μεσσία τόσες φορές που δεν υπάρχει πλέον καμία έκδοση που να μπορεί να ονομαστεί πρωτότυπη. Παρά το γεγονός ότι η οικονομική του κατάσταση βελτιώθηκε και έπεσε σε παρακμή, η φήμη του, βασισμένη σε δημοσιευμένα έργα για πλήκτρα, τελετουργική μουσική, όπερες, συναυλίες grosso και ορατόριο, συνέχισε να αυξάνεται. Μετά το θάνατό του, αναγνωρίστηκε ως κορυφαίος Ευρωπαίος συνθέτης και μελετήθηκε από μουσικούς της εποχής του κλασικισμού. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Handel έγραψε για 50 όπερες ("Almira", "Agrippina", "Rinaldo", "Julius Caesar" κ.λπ.), 23 ορατόριο ("Messiah", "Samson", "Judas Macovei", "Hercules"), αμέτρητα εκκλησιαστικά άσματα, συναυλίες οργάνων, καθώς και μια σειρά από κομμάτια ψυχαγωγίας ("Music on the Water", "Music for Royal Fireworks") .

Ενας από μεγαλύτεροι συνθέτεςη εποχή του μπαρόκ - Γιόχαν Σεμπάστιαν Μπαχγεννήθηκε
21 Μαρτίου 1685 στην πόλη Eisenach της Γερμανίας. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, συνέθεσε περισσότερα από 1000 έργα διαφορετικά είδη, εκτός από την όπερα... Αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του, δεν πέτυχε καμία ουσιαστική επιτυχία. Μετακινούμενος πολλές φορές, ο Μπαχ άλλαζε τη μία όχι πολύ υψηλή θέση μετά την άλλη: στη Βαϊμάρη ήταν ο μουσικός της αυλής του δούκα της Βαϊμάρης Johann Ernst και στη συνέχεια έγινε ο φύλακας του οργάνου στην εκκλησία του St. Ο Βονιφάτιος στο Άρνσταντ, λίγα χρόνια αργότερα δέχτηκε τη θέση του οργανίστα στην εκκλησία του Αγ. Blasius στο Mühlhausen, όπου εργάστηκε μόνο για περίπου ένα χρόνο, μετά τον οποίο επέστρεψε στη Βαϊμάρη, όπου πήρε τη θέση του οργανίστα της αυλής και του διοργανωτή συναυλιών. Έμεινε σε αυτή τη θέση για εννέα χρόνια. Το 1717, ο Leopold, δούκας του Anhalt-Köthen, προσέλαβε τον Bach ως Kapellmeister και ο Bach άρχισε να ζει και να εργάζεται στο Köthen. Το 1723 ο Μπαχ μετακόμισε στη Λειψία, όπου παρέμεινε μέχρι το θάνατό του το 1750.

Ο J.S.Bach ήταν πολύ γνωστός στη Γερμανία κατά τη διάρκεια της ζωής του ως συνθέτης, ερμηνευτής, δάσκαλος και πατέρας των Jr. Bachs, κυρίως του Karl Philip Emanuel. Αλλά στα τελευταία χρόνια της ζωής του και μετά τον θάνατο του Μπαχ, η φήμη του ως συνθέτη άρχισε να μειώνεται: το στυλ του θεωρήθηκε ντεμοντέ σε σύγκριση με τον κλασικισμό που ανερχόταν.

Το 1802, ο Johann Nikolai Forkel δημοσίευσε την πρώτη πιο ολοκληρωμένη βιογραφία του Johann Sebastian Bach. Το 1829, 79 χρόνια μετά τον θάνατο του JS Bach, ο Felix Mendelssohn εμφανίστηκε στο Matthew Passion του Βερολίνου Bach. Η επιτυχία αυτής της συναυλίας αναβίωσε το ενδιαφέρον για το έργο του J.S.

Τώρα ο J.S.Bach είναι ένας από τους περισσότερους δημοφιλείς συνθέτεςόλων των εποχών: για παράδειγμα, στην ψηφοφορία " Καλύτερος ΣυνθέτηςΗ Millennium "στο Cultureciosque.com ο Μπαχ πήρε την πρώτη θέση.

Κλασσικισμός (από το lat.classicus - υποδειγματικό) - στυλ τέχνηςκαι σκηνοθεσία στην τέχνη Ευρώπη XVII- XIX αιώνες. Βασίζεται στις ιδέες του ορθολογισμού, ο κύριος στόχος του οποίου είναι να εκπαιδεύσει το κοινό στη βάση ενός συγκεκριμένου ιδεώδους, ενός μοντέλου, όπως φαίνεται. Ο πολιτισμός του αρχαίου κόσμου χρησίμευσε ως παράδειγμα. Οι κανόνες, οι κανόνες του κλασικισμού ήταν υψίστης σημασίας. έπρεπε να τηρούνται από όλους τους καλλιτέχνες που εργάζονται στα πλαίσια αυτής της κατεύθυνσης και του στυλ.

Ιστορία προέλευσης

Ως τάση, ο κλασικισμός αγκάλιασε όλα τα είδη τέχνης: ζωγραφική, μουσική, λογοτεχνία, αρχιτεκτονική.

Ο κλασικισμός, ο κύριος στόχος του οποίου είναι να εκπαιδεύσει το κοινό με βάση ένα συγκεκριμένο ιδανικό και την τήρηση όλων των γενικά αποδεκτών κανόνων, είναι εντελώς αντίθετος, ο οποίος αρνήθηκε όλους τους κανόνες και ήταν μια εξέγερση ενάντια σε οποιαδήποτε καλλιτεχνική παράδοση προς οποιαδήποτε κατεύθυνση.

Στην ανάπτυξή του, ο κλασικισμός πέρασε από 3 στάδια:

1. Πρώιμος κλασικισμός(1760 - αρχές 1780).
2. Αυστηρός κλασικισμός(1780 - 1790)
3. Ύστερος κλασικισμός, που έλαβε το όνομα (τα πρώτα 30 χρόνια του XIX αιώνα).

Η φωτογραφία δείχνει την Αψίδα του Θριάμβου στο Παρίσι - ένα ζωντανό παράδειγμα κλασικισμού.

Χαρακτηριστικά στυλ

Ο κλασικισμός χαρακτηρίζεται από σαφή γεωμετρικά σχήματα, υλικά υψηλής ποιότητας, ευγενές φινίρισμα και συγκράτηση. Μεγαλειότητα και αρμονία, χάρη και πολυτέλεια - αυτά είναι τα κύρια χαρακτηριστικά του κλασικισμού. αργότερα εμφανίστηκε στους εσωτερικούς χώρους με το στυλ του μινιμαλισμού.

Γενικά χαρακτηριστικά στυλ:

• λείοι τοίχοι με απαλά φυτικά μοτίβα.
• στοιχεία της αρχαιότητας: ανάκτορα και στήλες.
• χύτευση στόκου?
• εξαίσιο παρκέ?
• υφασμάτινη ταπετσαρία στους τοίχους.
• κομψά, κομψά έπιπλα.

Ήρεμα ορθογώνια σχήματα, συγκρατημένος και ταυτόχρονα ποικίλος διακοσμητικός σχεδιασμός, επαληθευμένες αναλογίες, αξιοπρεπή εμφάνιση, αρμονία και γεύση έχουν γίνει χαρακτηριστικό του ρωσικού κλασικιστικού στυλ.

Εξωτερικός

Τα εξωτερικά σημάδια της κλασικής αρχιτεκτονικής είναι έντονα, μπορούν να αναγνωριστούν με την πρώτη ματιά στο κτίριο.

• Κατασκευές:σταθερό, ογκώδες, ορθογώνιο και τοξωτό. Οι συνθέσεις είναι σαφώς σχεδιασμένες, παρατηρείται αυστηρή συμμετρία.
• Έντυπα:σαφής γεωμετρία, όγκος και μνημειακότητα. αγάλματα, κίονες, κόγχες, ροτόντα, ημισφαίρια, αετώματα, ζωφόροι.
• Γραμμές:αυστηρός; σύστημα τακτικού προγραμματισμού· ανάγλυφα, μετάλλια, ομαλό σχέδιο.
• Υλικά:πέτρα, τούβλο, ξύλο, στόκος.
• Στέγη:περίπλοκο, περίπλοκο σχήμα.
• Χρώματα που επικρατούν:κορεσμένο λευκό, πράσινο, ροζ, μωβ, μπλε του ουρανού, χρυσό.
• Χαρακτηριστικά στοιχεία: διακριτική διακόσμηση, κολώνες, παραστάδες, αντίκες στολίδι, μαρμάρινη σκάλα, μπαλκόνια.
• Παράθυρο:ημικυκλικό, ορθογώνιο, επίμηκες προς τα πάνω, σεμνά διακοσμημένο.
• Πόρτες:ορθογώνιο, με επένδυση, συχνά διακοσμημένο με αγάλματα (λιοντάρι, σφίγγα).
• Ντεκόρ:σκάλισμα, επιχρύσωση, μπρούτζος, φίλντισι, ένθετο.

Εσωτερικό

Στο εσωτερικό των χώρων της εποχής του κλασικισμού, υπάρχει αρχοντιά, αυτοσυγκράτηση και αρμονία. Ωστόσο, όλα τα εσωτερικά αντικείμενα δεν μοιάζουν με εκθέματα μουσείου, αλλά τονίζουν μόνο το λεπτό καλλιτεχνικό γούστο και την αξιοπρέπεια του ιδιοκτήτη.

Το δωμάτιο έχει το σωστό σχήμα, γεμάτο με μια ατμόσφαιρα αρχοντιάς, άνεσης, ζεστασιάς, εκλεπτυσμένης πολυτέλειας. δεν είναι υπερφορτωμένος με λεπτομέρειες.

Την κεντρική θέση στην εσωτερική διακόσμηση κατέχουν φυσικά υλικά, κυρίως πολύτιμα ξύλα, μάρμαρο, πέτρα, μετάξι.

• Ταβάνια:ελαφρύ ψηλό, συχνά πολυεπίπεδο, με στόκο, στολίδια.
• Τοίχοι:διακοσμημένα με υφάσματα, ελαφριά, αλλά όχι φωτεινά, παραστάδες και κολώνες, γυψομάρμαρο ή βαφή είναι δυνατά.
• Παρκέ:παρκέ από πολύτιμα είδη ξύλου (merbau, kamsha, teak, jatoba) ή μάρμαρο.
• Φωτισμός:πολυέλαιοι από κρύσταλλο, πέτρα ή ακριβό γυαλί. επιχρυσωμένοι πολυέλαιοι με σκιές σε μορφή κεριών.
• Υποχρεωτικά εσωτερικά χαρακτηριστικά:καθρέφτες, τζάκια, άνετες χαμηλές πολυθρόνες, χαμηλά τραπεζάκια τσαγιού, ελαφριά χειροποίητα χαλιά, πίνακες ζωγραφικής με αντικέ θέματα, βιβλία, ογκώδη επιδαπέδια βάζα στυλιζαρισμένα ως αρχαιότητα, τρίποδα για λουλούδια.

Τα μοτίβα αντίκες χρησιμοποιούνται συχνά στη διακόσμηση του δωματίου: μαίανδροι, φεστιβάλ, γιρλάντες δάφνης, κορδόνια από μαργαριτάρια. Για διακόσμηση χρησιμοποιούνται ακριβά υφάσματα, συμπεριλαμβανομένων ταπετσαριών, ταφτά και βελούδου.

Επιπλα

Τα έπιπλα της εποχής του κλασικισμού διακρίνονται από καλή ποιότητα και σεβασμό, κατασκευασμένα από ακριβά υλικά, κυρίως από πολύτιμο ξύλο. Αξίζει να σημειωθεί ότι η υφή του ξύλου δεν λειτουργεί μόνο ως υλικό, αλλά και ως διακοσμητικό στοιχείο. Τα έπιπλα είναι χειροποίητα, διακοσμημένα με σκάλισμα, επιχρύσωση, ένθετο, πολύτιμοι λίθοικαι μέταλλα. Αλλά η μορφή είναι απλή: αυστηρές γραμμές, ακριβείς αναλογίες. Τα τραπέζια και οι καρέκλες της τραπεζαρίας είναι φτιαγμένα με χαριτωμένα σκαλιστά πόδια. Πιάτα - πορσελάνινα, λεπτά, σχεδόν διάφανα, με σχέδια, επιχρυσωμένα. Ένα από τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά των επίπλων ήταν μια γραμματέας με κυβικό σώμα στα ψηλά πόδια.

Αρχιτεκτονική

Ο κλασικισμός στράφηκε στα θεμέλια της αρχαίας αρχιτεκτονικής, χρησιμοποιώντας όχι μόνο στοιχεία και κίνητρα, αλλά και μοτίβα στην κατασκευή. Η βάση της αρχιτεκτονικής γλώσσας είναι η τάξη με την αυστηρή συμμετρία της, η αναλογικότητα της δημιουργημένης σύνθεσης, η κανονικότητα της διάταξης και η σαφήνεια της ογκομετρικής μορφής.

Ο κλασικισμός είναι το εντελώς αντίθετο με την επιδεξιότητα και τις διακοσμητικές υπερβολές του.

Δημιουργήθηκαν ανοχύρωτα παλάτια, σύνολα κήπων και πάρκων, τα οποία αποτέλεσαν τη βάση του γαλλικού κήπου με τα ευθυγραμμισμένα σοκάκια του, τους στολισμένους χλοοτάπητες σε μορφή κώνων και μπάλες. Χαρακτηριστικές λεπτομέρειες του κλασικισμού είναι οι σκάλες με έμφαση, η κλασική αντίκα διακόσμηση, οι θόλοι σε δημόσια κτίρια.

Ο ύστερος κλασικισμός (Αυτοκρατορία) απέκτησε στρατιωτικά σύμβολα («Αψίδα του Θριάμβου» στη Γαλλία). Στη Ρωσία, ο κανόνας αρχιτεκτονικό στυλΟ κλασικισμός μπορεί να ονομαστεί Αγία Πετρούπολη, στην Ευρώπη - είναι το Ελσίνκι, η Βαρσοβία, το Δουβλίνο, το Εδιμβούργο.

Γλυπτική

Στην εποχή του κλασικισμού, τα δημόσια μνημεία ήταν ευρέως διαδεδομένα, προσωποποιώντας τη στρατιωτική ανδρεία και τη σοφία των πολιτικών. Επιπλέον, η κύρια λύση για τους γλύπτες ήταν το μοντέλο της εικόνας διάσημων μορφών στην εικόνα των αρχαίων θεών (για παράδειγμα, Suvorov - με τη μορφή του Άρη). Έχει γίνει δημοφιλές στους ιδιώτες να παραγγέλνουν επιτύμβιες στήλες για γλύπτες για να διαιωνίσουν τα ονόματά τους. Γενικά, τα γλυπτά της εποχής χαρακτηρίζονται από ηρεμία, εγκράτεια χειρονομιών, απαθείς εκφράσεις, καθαρότητα γραμμών.

Μόδα

Το ενδιαφέρον για την αρχαιότητα για τα ρούχα άρχισε να εκδηλώνεται τη δεκαετία του '80 του 18ου αιώνα. Αυτό φάνηκε ιδιαίτερα σε γυναικείο κοστούμι... Ένα νέο ιδανικό ομορφιάς έχει εμφανιστεί στην Ευρώπη, που γιορτάζει τις φυσικές φόρμες και τις όμορφες γυναικείες γραμμές. Τα πιο λεπτά λεία υφάσματα ανοιχτόχρωμων χρωμάτων, ειδικά το λευκό, έχουν μπει στη μόδα.

Τα γυναικεία φορέματα έχασαν τους σκελετούς, τις φόδρες και τα μεσοφόρια τους και πήραν τη μορφή μακριών χιτώνων ντυμένων με πτυχώσεις, κομμένες στα πλάγια και κομμένες με ζώνη κάτω από το στήθος. Φοριόντουσαν σε ένα σοκολατάκι στο χρώμα της σάρκας. Σανδάλια με κορδέλες χρησίμευαν ως παπούτσια. Τα χτενίσματα αντιγράφτηκαν από την αρχαιότητα. Παραμένει στη μόδα η πούδρα που κάλυπτε πρόσωπο, χέρια, λαιμόκοψη.

Μεταξύ των αξεσουάρ που χρησιμοποιήθηκαν ήταν είτε μουσελίνα τουρμπάνι διακοσμημένα με φτερά, είτε τούρκικα κασκόλ ή σάλια από το Κασμίρ.

ΜΕ αρχές XIXαιώνες, τα τελετουργικά φορέματα άρχισαν να ράβονται με τρένα και βαθιά λαιμόκοψη. Και σε casual φορέματα, η λαιμόκοψη ήταν καλυμμένη με ένα δαντελένιο φουλάρι. Το χτένισμα αλλάζει σταδιακά και η πούδρα βγαίνει εκτός χρήσης. Τα κοντά μαλλιά είναι στη μόδα, στριμμένα σε μπούκλες, δεμένα με χρυσή κορδέλα ή διακοσμημένα με ένα στέμμα από λουλούδια.

Η ανδρική μόδα επηρεάστηκε από τους Βρετανούς.Το αγγλικό μάλλινο φράκο, το φόρεμα (εξωτερικά ενδύματα που θυμίζουν φόρεμα), το φινίρισμα και οι μανσέτες γίνονται δημοφιλή. Ήταν στην εποχή του κλασικισμού που ήρθαν στη μόδα οι ανδρικές γραβάτες.

Τέχνη

Στη ζωγραφική, ο κλασικισμός χαρακτηρίζεται επίσης από εγκράτεια και αυστηρότητα. Τα κύρια στοιχεία της φόρμας είναι η γραμμή και το chiaroscuro.Το τοπικό χρώμα τονίζει την πλαστικότητα των αντικειμένων και των μορφών, διαχωρίζει το χωρικό σχέδιο της εικόνας. Ο μεγαλύτερος δάσκαλος του 17ου αιώνα. - Lorrain Claude, γνωστός για τα «ιδανικά τοπία» του.Το αστικό πάθος και ο λυρισμός συνδυάζονται σε «διακοσμητικά τοπία» Γάλλος ζωγράφος Jacques Louis David (18ος αιώνας). Από τους Ρώσους καλλιτέχνες διακρίνεται ο Karl Bryullov, ο οποίος συνδύασε τον κλασικισμό με τον (19ο αιώνα).

Ο κλασικισμός στη μουσική συνδέεται με μεγάλα ονόματα όπως ο Μότσαρτ, ο Μπετόβεν και ο Χάιντν, που καθόρισαν την περαιτέρω ανάπτυξη της μουσικής τέχνης.

Λογοτεχνία

Η λογοτεχνία της εποχής του κλασικισμού προώθησε το μυαλό, κατακτώντας τις αισθήσεις. Η σύγκρουση μεταξύ καθήκοντος και πάθους είναι η βάση της πλοκής ενός λογοτεχνικού έργου.Σε πολλές χώρες έγιναν μεταρρυθμίσεις της γλώσσας και τέθηκαν τα θεμέλια της ποιητικής τέχνης. Οι κορυφαίοι εκπρόσωποι της σκηνοθεσίας είναι οι François Malherbes, Cornel, Racine. Η κύρια συνθετική αρχή του έργου είναι η ενότητα χρόνου, τόπου και δράσης.

Στη Ρωσία, ο κλασικισμός αναπτύσσεται υπό την αιγίδα του Διαφωτισμού, οι κύριες ιδέες του οποίου ήταν η ισότητα και η δικαιοσύνη. Πλέον φωτεινός εκπρόσωποςλογοτεχνία της εποχής του ρωσικού κλασικισμού - M. Lomonosov, που έθεσε τα θεμέλια της στιχουργίας. Η κωμωδία και η σάτιρα έγιναν το κύριο είδος. Ο Fonvizin και ο Kantemir εργάστηκαν προς αυτή την κατεύθυνση.

Η «Χρυσή Εποχή» θεωρείται η εποχή του κλασικισμού για θεατρική τέχνη, που αναπτύχθηκε πολύ δυναμικά και βελτιώθηκε. Το θέατρο ήταν αρκετά επαγγελματικό και ο ηθοποιός στη σκηνή δεν έπαιζε απλώς, αλλά ζούσε, ανησυχούσε, ενώ παρέμενε ο ίδιος. Το θεατρικό ύφος ανακηρύχθηκε η τέχνη της απαγγελίας.

Προσωπικότητες

Μεταξύ των πιο λαμπρών κλασικιστών, μπορεί κανείς να διακρίνει ονόματα όπως:

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (αρχιτεκτονική);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (γλυπτική);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (ζωγραφική);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitser (λογοτεχνία).

Ανασκόπηση βίντεο του κλασικισμού

συμπέρασμα

Οι ιδέες της εποχής του κλασικισμού χρησιμοποιούνται με επιτυχία στο μοντέρνο σχεδιασμό. Διατηρεί την αρχοντιά και τη χάρη, την ομορφιά και το μεγαλείο. Τα κύρια χαρακτηριστικά είναι τοιχογραφία, κουρτίνες, γυψομάρμαρο, έπιπλα από φυσικό ξύλο. Υπάρχουν λίγα διακοσμητικά, αλλά είναι όλα πολυτελή: καθρέφτες, πίνακες ζωγραφικής, τεράστιοι πολυέλαιοι. Σε γενικές γραμμές, το στυλ εξακολουθεί να χαρακτηρίζει τον ιδιοκτήτη ως έναν αξιοσέβαστο, μακριά από φτωχό άτομο.

Αργότερα εμφανίζεται ακόμα, που προανήγγειλε την άφιξη μιας νέας εποχής - αυτό. έγινε ένας συνδυασμός πολλών μοντέρνων στυλ, που περιλαμβάνουν όχι μόνο το κλασικό, αλλά και το μπαρόκ (στη ζωγραφική), αρχαίο πολιτισμό, και την Αναγέννηση.

Πανεπιστήμιο της Ρωσικής Ακαδημίας Εκπαίδευσης

Χαρακτηριστικά του μπαρόκ και του κλασικισμού.

Τα κύρια στυλ στην τέχνη του 17ου αιώνα.

Ολοκληρώθηκε: 2ο έτος φοιτητής

Τμήμα πλήρους απασχόλησης

Ειδική πολιτισμολογία

Yakubova K.N.

Δάσκαλος: Mareeva N.S.

Μόσχα 2010

Εισαγωγή …………………………………………………………………………………… 3

1. Χαρακτηριστικά του πολιτισμού του XVII αιώνα ……………………………………………… 4

2. Το μπαρόκ ως καλλιτεχνική τάση του 17ου αιώνα …………………………………… ..5

2.1. Προϋποθέσεις και χαρακτηριστικά του Μπαρόκ …………………………………………..… ..5

2.2. Το μπαρόκ στην αρχιτεκτονική ………………………………………………….. 6

2.3. Το μπαρόκ στη λογοτεχνία ……………………………………………………………………………………………………………………

2.4. Μπαρόκ στη ζωγραφική και στη γλυπτική ……………………………………………………

3. Ο κλασικισμός ως καλλιτεχνική τάση του 17ου αιώνα ... ... ... ... ... ... ... ... ..10

3.1. Προϋποθέσεις και γνωρίσματα του κλασικισμού ………………………………………….… .10

3.2. Ο κλασικισμός στη λογοτεχνία ……………………………………… ..… ..... 11

3.3. Ο κλασικισμός στην αρχιτεκτονική και τη ζωγραφική …………………………………… 12

3.4. Ο κλασικισμός στη γλυπτική …………………………………………………….. 13

Συμπέρασμα ………………………………………………………………………… .14

Παραπομπές ……………………………………………………………….. 15

Εισαγωγή

Το θέμα μου δοκιμαστική εργασία«Κλασσικισμός και μπαρόκ στα ευρωπαϊκά πολιτισμός XVIIΕρ.: Ιδέες και Υλοποίηση». Αυτό το θέμα επιλέχθηκε για διάφορους λόγους:

Πρώτον, το μπαρόκ και ο κλασικισμός είναι δύο από τα ευρύτερα και πιο επιδραστικά καλλιτεχνικά κινήματα της εν λόγω εποχής.

Δεύτερον, αυτές οι περιοχές είναι πολύπλοκες και διττής φύσης, γεγονός που καθιστά αυτό το θέμα ένα από τα πιο επίκαιρα στην πολιτιστική γνώση.

Τρίτον, το μπαρόκ και ο κλασικισμός αντιπροσωπεύουν μια εξαιρετική συνεισφορά στο παγκόσμιο θησαυροφυλάκιο της τέχνης, που προκαλεί ακόμη μεγαλύτερο ενδιαφέρον για τις γνώσεις τους.

Στόχος της δουλειάς μου είναι να μελετήσω τέτοιες τάσεις στην τέχνη του 17ου αιώνα όπως ο κλασικισμός και το μπαρόκ.

Για να επιτύχω αυτόν τον στόχο, πρέπει να λύσω μια σειρά από εργασίες:

· Εξετάστε τα γενικά πρότυπα ανάπτυξης του ευρωπαϊκού πολιτισμού τον 17ο αιώνα.

· Εξερευνήστε τα χαρακτηριστικά του μπαρόκ και του κλασικισμού ως τις κύριες καλλιτεχνικές τάσεις της καθορισμένης περιόδου.

1. Χαρακτηριστικά του πολιτισμού του XVII αιώνα

Ο 17ος αιώνας - ο αιώνας του Descartes και του Port-Royal, του Pascal και του Spinoza, του Rembrandt και του Milton, ο αιώνας των γενναίων ναυτικών, των μεταναστεύσεων σε υπερπόντιες χώρες, το τολμηρό εμπόριο, η άνθηση της φυσικής επιστήμης, η ηθικοποίηση της λογοτεχνίας - και ... η εποχή της περούκας, που έφτασε στο μεγαλείο της τη δεκαετία του '60, μια περούκα που φορούσαν όλοι - από τον βασιλιά, τον ναύαρχο μέχρι τον έμπορο.

Δεν είναι τυχαίο που ο 17ος αιώνας ανοίγει την περίοδο της Νέας Εποχής: ήταν πραγματικά ο αιώνας ενός νέου ανθρώπου, μιας νέας επιστήμης, μιας νέας τέχνης.

Στην Ευρώπη, η σύγχρονη εποχή αποκαλύπτεται στη διαμόρφωση και την ενίσχυση των καπιταλιστικών τάσεων, και στην Αγγλία ο καπιταλισμός επιβεβαιώνεται πιο ξεκάθαρα στην πραγματικότητα. Την ίδια εποχή ήταν η περίοδος της πρώτης αστικής επανάστασης, που αποκάλυψε την τραγικότητα και την απανθρωπιά των βίαιων αλλαγών στην κοινωνία και τη σκληρότητα των οργανωτών της.

Μια ορθολογιστική προσέγγιση της πραγματικότητας ξεχώρισε και ενισχύθηκε, ο λόγος αρχίζει να παίζει τον κύριο ρόλο στον κόσμο. Αυτό εκφράστηκε, πρώτα απ' όλα, με τη διαμόρφωση μιας νέας επιστήμης, τόσο πειραματικής όσο και θεωρητικής. Τα επιστημονικά επιτεύγματα του 17ου αιώνα δημιουργούν τις προϋποθέσεις για την περαιτέρω ανάπτυξη των θεμελιωδών επιστημών μέχρι σήμερα και αποτελούν τα θεμέλια μιας νέας φιλοσοφικής θεώρησης του κόσμου.

Ο 17ος αιώνας είναι η αρχική περίοδος στη διαμόρφωση του αστικού τρόπου παραγωγής. Αυτή είναι μια εξαιρετικά δύσκολη και αμφιλεγόμενη εποχή στη ζωή των ευρωπαϊκών κρατών. Η εποχή των πρώιμων αστικών επαναστάσεων και η άνθηση των απολυταρχικών μοναρχιών. την εποχή της επιστημονικής επανάστασης και το τελικό στάδιο της Αντιμεταρρύθμισης. την εποχή του μεγαλεπήβολου, εκφραστικού μπαρόκ και του στεγνού, ορθολογικού κλασικισμού.

2. Το μπαρόκ ως καλλιτεχνικό κίνημα του 17ου αιώνα

2.1. Ιστορικό και χαρακτηριστικά του μπαρόκ

Το μπαρόκ (ιταλ. Barosso - παράξενο, παράξενο) είναι ένα από τα κύρια στυλ της ευρωπαϊκής τέχνης στα τέλη του 16ου - μέσα του 18ου αιώνα. Προέρχεται από την Ιταλία και εξαπλώθηκε στις περισσότερες ευρωπαϊκές χώρες. Ενσαρκώνοντας νέες ιδέες για την αιώνια μεταβλητότητα του κόσμου, το μπαρόκ έλκεται προς τα θεαματικά θεάματα, τις έντονες αντιθέσεις, τον συνδυασμό του απατηλού και του πραγματικού, προς τη συγχώνευση των τεχνών (σύνολα πόλης και παλατιών και πάρκων, όπερα, cult μουσική, ορατόριο) ; ταυτόχρονα - μια τάση προς την αυτονομία ορισμένων ειδών (Concerto Grosso, Sonata, Suite in instrumental music).

Το μπαρόκ στυλ διαδόθηκε κυρίως στις καθολικές χώρες που επηρεάστηκαν από τις διαδικασίες της Αντιμεταρρύθμισης. Η Προτεσταντική Εκκλησία που εμφανίστηκε κατά τη διάρκεια της Μεταρρύθμισης ήταν πολύ απαίτητη για την εξωτερική θεαματική πλευρά της λατρείας. Η θεαματικότητα μετατράπηκε σε κύριο δόλωμα του καθολικισμού, η ίδια η θρησκευτική ευλάβεια θυσιάστηκε σε αυτήν. Το μπαρόκ στυλ με τη χάρη του, μερικές φορές υπερβολική εκφραστικότητα, αξιολύπητη, προσοχή στην αισθησιακή, σωματική αρχή, που εμφανίζεται πολύ καθαρά ακόμη και όταν απεικονίζει θαύματα, οράματα και θρησκευτικές εκστάσεις, ανταποκρίθηκε στους στόχους της επιστροφής του ποίμνιο στους κόλπους της Καθολικής Εκκλησίας. .

Αλλά η ουσία του μπαρόκ είναι ευρύτερη από τα γούστα της Καθολικής Εκκλησίας και της φεουδαρχικής αριστοκρατίας, η οποία προσπάθησε να χρησιμοποιήσει τα αποτελέσματα του μεγαλειώδους και εκθαμβωτικού που ενυπάρχει στο μπαρόκ, για να δοξάσει τη δύναμη, τη λαμπρότητα και τη λαμπρότητα του κράτους και των οικοτόπων. προσώπων κοντά στο θρόνο.

Το μπαρόκ στυλ με ιδιαίτερη οξύτητα εκφράζει την κρίση του ανθρωπισμού, μια αίσθηση δυσαρμονίας στη ζωή, άσκοπες παρορμήσεις στο άγνωστο. Στην ουσία ανακαλύπτει τον κόσμο σε κατάσταση γίγνεσθαι, και ο κόσμος του γίγνεσθαι ήταν τότε ο κόσμος της αστικής τάξης. Και σε αυτόν τον κόσμο που θα τον ανακαλύψει ο ίδιος, ο αστός αναζητά σταθερότητα και τάξη. Για αυτόν η πολυτέλεια και ο πλούτος είναι συνώνυμα με τη βιωσιμότητα της θέσης του στον κόσμο. Αποδεικνύεται ότι το μπαρόκ στυλ συνδυάζει το ασυμβίβαστο: μνημειακότητα - με δυναμισμό, θεατρική λαμπρότητα - με στιβαρότητα, μυστικισμό, φαντασμαγορία, παραλογισμό - με νηφαλιότητα και ορθολογισμό, πραγματικά burgher efficiency.

Κέντρο για την ανάπτυξη της μπαρόκ τέχνης στα τέλη του XVI-XVII αιώνα. ήταν η Ρώμη. Σύνολα πάρκων και παλατιών, λατρευτική αρχιτεκτονική, διακοσμητική ζωγραφική και γλυπτική, τελετουργικό πορτρέτο, και αργότερα νεκρή φύση και τοπίο, - γίνονται τα κύρια είδη και είδη της μπαρόκ τέχνης.

2.2. Μπαρόκ στην αρχιτεκτονική

Η μπαρόκ αρχιτεκτονική (L. Bernini, F. Borromini στην Ιταλία, B.F. Rastrelli στη Ρωσία) χαρακτηρίζεται από χωρική εμβέλεια, συνοχή, ρευστότητα πολύπλοκων, συνήθως καμπυλόγραμμων μορφών. Συχνά απαντώνται κιονοστοιχίες μεγάλης κλίμακας, πληθώρα γλυπτών στις προσόψεις και στους εσωτερικούς χώρους, βολίδες, μεγάλος αριθμός πριτσινιών, προσόψεις με τόξο με σχίσιμο στη μέση, ρουστίκ κίονες και παραστάδες. Οι θόλοι αποκτούν σύνθετα σχήματα, είναι συχνά πολυεπίπεδα, όπως ο καθεδρικός ναός του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. Χαρακτηριστικές λεπτομέρειες μπαρόκ είναι το telamon (atlant), η καρυάτιδα, το mascaron.

Στην ιταλική αρχιτεκτονική, ο πιο επιφανής εκπρόσωπος της τέχνης του μπαρόκ ήταν ο Carlo Maderna (1556-1629), ο οποίος έσπασε με τον μανιερισμό και δημιούργησε το δικό του στυλ. Το κύριο δημιούργημά του είναι η πρόσοψη της ρωμαϊκής εκκλησίας της Santa Susanna (1603). Η κύρια μορφή στην ανάπτυξη της μπαρόκ γλυπτικής ήταν ο Lorenzo Bernini, του οποίου τα πρώτα αριστουργήματα σε νέο στυλ χρονολογούνται γύρω στο 1620. Ο Μπερνίνι είναι επίσης αρχιτέκτονας. Του ανήκει η διακόσμηση της πλατείας του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη και οι εσωτερικοί χώροι, καθώς και άλλα κτίρια. Σημαντική συνεισφορά είχαν οι D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Στη Σικελία, μετά από έναν μεγάλο σεισμό το 1693, εμφανίστηκε ένα νέο στυλ ύστερου μπαρόκ-σιλικιανού μπαρόκ.

Το παρεκκλήσι Coranaro στην εκκλησία της Santa Maria della Vittoria (1645-1652) θεωρείται το κατεξοχήν μπαρόκ, μια εντυπωσιακή συγχώνευση ζωγραφικής, γλυπτικής και αρχιτεκτονικής.

Το μπαρόκ στυλ εξαπλώνεται στην Ισπανία, τη Γερμανία, το Βέλγιο (τότε Φλάνδρα), την Ολλανδία, τη Ρωσία, τη Γαλλία. Το ισπανικό μπαρόκ, ή το τοπικό Churrigueresco (προς τιμήν του αρχιτέκτονα Churriguera), διαδόθηκε επίσης στη Λατινική Αμερική. Το πιο δημοφιλές μνημείο του είναι ο καθεδρικός ναός στο Σαντιάγο ντε Κομποστέλα, ο οποίος είναι επίσης μια από τις πιο σεβαστές εκκλησίες στην Ισπανία. Στη Λατινική Αμερική, το μπαρόκ αναμειγνύεται με τις τοπικές αρχιτεκτονικές παραδόσεις, αυτή είναι η πιο περίτεχνη εκδοχή του και ονομάζεται υπερ-μπαρόκ.

Στη Γαλλία, το μπαρόκ στυλ είναι πιο μέτριο από ό,τι σε άλλες χώρες. Προηγουμένως, πίστευαν ότι το στυλ δεν αναπτύχθηκε καθόλου εδώ και τα μπαρόκ μνημεία θεωρούνταν μνημεία του κλασικισμού. Μερικές φορές ο όρος «κλασσικισμός μπαρόκ» χρησιμοποιείται σε σχέση με τη γαλλική και την αγγλική εκδοχή του μπαρόκ. Σήμερα, το Παλάτι των Βερσαλλιών, μαζί με ένα κανονικό πάρκο, το παλάτι του Λουξεμβούργου, το κτίριο της Γαλλικής Ακαδημίας στο Παρίσι και άλλα έργα κατατάσσονται στο γαλλικό μπαρόκ. Έχουν μερικά από τα χαρακτηριστικά του κλασικισμού. Χαρακτηριστικό γνώρισμα του μπαρόκ στυλ είναι το κανονικό στυλ στην κηπουρική τέχνη, παράδειγμα του οποίου είναι το πάρκο των Βερσαλλιών.

2.3. Το μπαρόκ στη λογοτεχνία

Οι συγγραφείς και οι ποιητές στην εποχή του μπαρόκ αντιλαμβάνονταν τον πραγματικό κόσμο ως μια ψευδαίσθηση και ένα όνειρο. Οι ρεαλιστικές περιγραφές συχνά συνδυάζονταν με τις αλληγορικές τους απεικονίσεις. Χρησιμοποιούνται ευρέως σύμβολα, μεταφορές, θεατρικές τεχνικές, γραφικές εικόνες (στις ποιητικές γραμμές σχηματίζουν ένα σχέδιο), κορεσμός με ρητορικά σχήματα, αντιθέσεις, παραλληλισμοί, διαβαθμίσεις, οξύμωρα. Υπάρχει μια μπουρλέσκ-σατιρική στάση απέναντι στην πραγματικότητα.

Η μπαρόκ λογοτεχνία χαρακτηρίζεται από μια προσπάθεια για διαφορετικότητα, για άθροιση γνώσεων για τον κόσμο, περιεκτικότητα, εγκυκλοπαιδισμό, που μερικές φορές μετατρέπεται σε χάος και συλλέγοντας περιέργειες, μια προσπάθεια για τη μελέτη του όντος στις αντιθέσεις του (πνεύμα και σάρκα, σκοτάδι και φως , χρόνος και αιωνιότητα). Η ηθική του μπαρόκ χαρακτηρίζεται από μια λαχτάρα για τον συμβολισμό της νύχτας, το θέμα της παροδικότητας και της παροδικότητας, ονειροζωή (F. de Quevedo, P. Calderon). Το διάσημο έργο του Καλντερόν «Η ζωή είναι ένα όνειρο». Αναπτύσσονται επίσης είδη όπως το γενναίο-ηρωικό μυθιστόρημα (J. de Scudery, M. de Scudery), το πραγματικό και σατιρικό μυθιστόρημα (Fueretier, C. Sorel, P. Scarron). Στο πλαίσιο του μπαρόκ στυλ γεννιούνται οι ποικιλίες, οι κατευθύνσεις του: ναυτικός, γονγκορισμός (κουλταρενισμός), κονσεπτισμός (Ιταλία, Ισπανία), η μεταφυσική σχολή και ο ευφουισμός (Αγγλία).

Οι δράσεις των μυθιστορημάτων συχνά μεταφέρονται στον φανταστικό κόσμο της αρχαιότητας, στην Ελλάδα, οι κύριοι και οι κυρίες της αυλής απεικονίζονται ως βοσκοπούλες και βοσκοπούλες, που ονομάζεται ποιμενικό (Honoré d'Urfe, «Astrea»). Η επιτηδειότητα και η χρήση σύνθετων μεταφορών ανθούν στην ποίηση. Μορφές όπως το σονέτο, το rondo, το conchetti (ένα μικρό ποίημα που εκφράζει κάποια πνευματώδη σκέψη), τα madrigals είναι ευρέως διαδεδομένα.

Στη δύση, στο χώρο του μυθιστορήματος, εξαιρετικός εκπρόσωπος είναι ο G. Grimmelshausen (το μυθιστόρημα «Simplicissimus»), στο χώρο του δράματος ο P. Calderon (Ισπανία). Στην ποίηση έγιναν διάσημοι οι V. Vuatur (Γαλλία), D. Marino (Ιταλία), Don Luis de Gongora y Argote (Ισπανία). Στη Ρωσία, η μπαρόκ λογοτεχνία περιλαμβάνει τους S. Polotsky, F. Prokopovich, πρώιμο M. Lomonosov. Η «λογοτεχνία ακριβείας» άνθισε στη Γαλλία αυτή την περίοδο. Καλλιεργούνταν τότε, κυρίως, στο σαλόνι της Μαντάμ ντε Ραμπουιγιέ, ένα από τα αριστοκρατικά σαλόνια του Παρισιού, το πιο μοδάτο και διάσημο.

2.4. Μπαρόκ στη ζωγραφική και τη γλυπτική

(Π.Π. Ρούμπενς «Αλυσοδεμένος Προμηθέας») (Λ. Μπερνίνι «Αινείας και Αγχίσης»)

Έτσι, το μπαρόκ είναι ένα από τα κύρια στυλ στην τέχνη της Ευρώπης του 17ου αιώνα. Για αυτόν η πολυτέλεια και ο πλούτος είναι συνώνυμα με τη βιωσιμότητα της θέσης του στον κόσμο. Το μπαρόκ στυλ με τα αριστουργήματά του αντιπροσωπεύει μια εξαιρετική συμβολή στο θησαυροφυλάκιο τέχνης του κόσμου.

3. Ο κλασικισμός ως καλλιτεχνική τάση του 17ου αιώνα

3.1. Προϋποθέσεις και χαρακτηριστικά του κλασικισμού

Κλασσικισμός (από το Lat.classicus - υποδειγματικός) - μια δημιουργική κατεύθυνση που διαμορφώθηκε καλλιτεχνική κοσμοθεωρία, που διαμορφώθηκε στην εποχή της συγκρότησης και ενίσχυσης των ευρωπαϊκών μοναρχιών και βασίστηκε στα πρότυπα και τα δείγματα της αρχαίας τέχνης. Οι περίοδοι και οι τάσεις στην ιστορία του ευρωπαϊκού καλλιτεχνικού πολιτισμού, όταν οι μορφές της αρχαίας τέχνης αποτελούν αισθητικό πρότυπο, ονομάζονται επίσης κλασικισμός.

Τα απολυταρχικά κράτη δεν θα μπορούσαν παρά να εντυπωσιαστούν από την ιδέα της κρατικής τάξης, της αυστηρής υποταγής και της εντυπωσιακής ενότητας. Διεκδικώντας τον «ορθολογισμό», το κράτος προσπάθησε να φανεί σε αυτό ως μια εξισορροπητική, ενωτική, ηρωικά ύψιστη αρχή. Σε αντίθεση με το μπαρόκ, ο κλασικισμός εξέφρασε την επιθυμία για μια λογική, αρμονική τάξη ζωής, και αυτές οι φιλοδοξίες ήταν εγγενείς όχι μόνο στους μονάρχες, αλλά και στη συνείδηση ​​του λαού, με τα ιδανικά της ειρήνης, της ηρεμίας και της συνοχής της χώρας. Επιπλέον, η ελκυστική πλευρά του κλασικισμού ήταν το ηθικό πάθος και ο αστικός προσανατολισμός του.

Η αισθητική του κλασικισμού είναι προσανατολισμένη στη μίμηση κλασικά σχέδια: Η διατριβή του Αριστοτελιανού για τη μίμηση της τέχνης από τη φύση είναι καθοριστική για αυτόν, μοιράζεται μια σημαντική αρχή του αρχαίου θεάτρου για τρεις ενότητες - τόπο, χρόνο και δράση. Στην πραγματικότητα όμως βασίζεται στην ορθολογιστική φιλοσοφία του R. Descartes. Ο κλασικισμός έγινε ευρέως διαδεδομένος στην απολυταρχική Γαλλία, καθώς και σε μια σειρά από άλλες χώρες (Ιταλία, Γερμανία, Αγγλία).

Κλασσικισμός του 17ου αιώνα. συνδέθηκε στενά με την ευγενή κουλτούρα του γαλλικού απολυταρχικού κράτους. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, διαμορφώθηκε μια κανονιστική αισθητική, που απαιτούσε από την τέχνη να συμμορφώνεται με ορισμένους νόμους και κανόνες. Καλλιτεχνικές εικόνεςΟ κλασικισμός διακρίθηκε από τη συνέπεια και την αρμονία της έκφρασης. ήταν εύλογα οργανωμένα, λογικά δομημένα και, κατά κανόνα, στερούνται μεμονωμένων χαρακτηριστικών. Η θέσπιση αυστηρών κανόνων για τη δημιουργικότητα είναι ένα από τα ιδιαίτερα χαρακτηριστικάαισθητική του κλασικισμού. Ένα έργο τέχνης κατανοήθηκε από τους κλασικιστές όχι ως ένας φυσικός οργανισμός, αλλά ως ένα τεχνητό έργο, δημιουργημένο, δημιουργημένο από ανθρώπινα χέρια σύμφωνα με ένα σχέδιο, με συγκεκριμένο έργο και σκοπό.

Το πιο ολοκληρωμένο πολιτιστικό και αισθητικό πρόγραμμα διαμορφώθηκε από τον γαλλικό κλασικισμό. Η ιδεολογική του βάση ήταν ο ορθολογισμός του Ρενέ Ντεκάρτ (1596-1650).

3.2. Ο κλασικισμός στη λογοτεχνία

Θεμελιωτής της ποιητικής του κλασικισμού θεωρείται ο Γάλλος Francois Malherbe (1555-1628), ο οποίος πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση γαλλική γλώσσακαι στίχο και ανέπτυξε ποιητικούς κανόνες. Οι κορυφαίοι εκπρόσωποι του κλασικισμού στο δράμα ήταν οι τραγικοί Corneille και Racine (1639-1699), των οποίων το κύριο θέμα δημιουργικότητας ήταν η σύγκρουση μεταξύ του δημόσιου καθήκοντος και των προσωπικών παθών. Ο Pierre Corneille έγραψε τις ποιητικές κωμωδίες "Melita, or Forged Letters" (1629, δημοσιεύτηκε το 1633), "The Widow, or the Punished Traitor" (1631-1632) κ.λπ., την τραγική κωμωδία σε στίχο "Sid" (1637), η τραγωδία «Οράτιος» (1641), «Σίνα, ή το έλεος του Αυγούστου» (1643) κ.λπ. Η τραγωδία του Ζαν Ρασίν «Ανδρομάχη» εκφράζει τον ηρωισμό της αντίθεσης στη δεσποτική αυθαιρεσία. Η τραγωδία της Φαίδρας είναι διαφορετική υψηλό επίπεδοψυχολογισμός στην περιγραφή της προσωπικότητας της ηρωίδας.

Υψηλή ανάπτυξη έφτασαν και τα «χαμηλά» είδη - μύθος (J. La Fontaine), σάτιρα (Boileau), κωμωδία (Molière 1622-1673). Γάλλος συγγραφέαςΟ Jean de La Fontaine είναι γνωστός ως συγγραφέας παραμυθιών, κωμωδιών, μύθων, που απεικονίζουν σατιρικά τη ζωή στην απολυταρχική Γαλλία.

Ο Γάλλος θεατρικός συγγραφέας Jean-Baptiste Moliere ανέπτυξε το είδος στα έργα του λαϊκή κωμωδίακοροϊδεύοντας την αδράνεια και τις προκαταλήψεις των ευγενών. Οι χαρακτήρες του μιλούν σε συνηθισμένη γλώσσα. Στην κωμωδία «Bourgeois in the Nobility» σε σατιρική μορφή απεικονίζεται ένας εκπρόσωπος της τρίτης τάξης, που ήθελε να θυμίσει ευγενή. Ο Μολιέρος ειρωνεύτηκε την ευγενή αδράνεια, τον εγωισμό («Δον Ζουάν»), τη στρέβλωση του χρήματος («Ο τσιγκούνης»), την εκκλησιαστική υποκρισία («Ταρτούφ»). Αρνητικούς χαρακτήρεςάλλοι ήρωες του Μολιέρου είναι αντίθετοι - πολυμήχανοι, πνευματώδεις άνθρωποι από τον λαό. Η παραγωγή του «Δον Ζουάν» του καταδικάστηκε από επίσημους κύκλους για αθεϊσμό και ελεύθερη σκέψη.

Ο Boileau έγινε διάσημος σε όλη την Ευρώπη ως ο «νομοθέτης του Παρνασσού», ο μεγαλύτερος θεωρητικός του κλασικισμού, που εξέφρασε τις απόψεις του στην ποιητική πραγματεία «Ποιητική Τέχνη». Υπό την επιρροή του στη Μεγάλη Βρετανία ήταν οι ποιητές Τζον Ντράιντεν και Αλεξάντερ Πόουπ, που έκαναν την Αλεξάνδρινα την κύρια μορφή της αγγλικής ποίησης. Για Αγγλική πεζογραφίαη εποχή του κλασικισμού (Addison, Swift) χαρακτηρίζεται επίσης από μια λατινοποιημένη σύνταξη.

3.3. Ο κλασικισμός στην αρχιτεκτονική και τη ζωγραφική.

(ένα αρχιτεκτονικό συγκρότημα στην περιοχή της πόλης του Πότσνταμ) (Leighton Frederick "Girl")

3.4. Ο κλασικισμός στη γλυπτική

(J.A. Goodon "Το γλυπτό του Βολταίρου")

Συμπέρασμα.

Ολοκληρώνοντας τη δουλειά μου, μπορώ να βγάλω σημαντικά συμπεράσματα.

Ο 17ος αιώνας είναι μια εξαιρετικά δύσκολη και αντιφατική εποχή στη ζωή των ευρωπαϊκών κρατών. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου - η περίοδος των πρώιμων αστικών επαναστάσεων, η ακμή των απολυταρχικών μοναρχιών, η επιστημονική επανάσταση, γεννήθηκαν τέτοια στυλ στην τέχνη όπως το μπαρόκ και ο κλασικισμός.

Το μπαρόκ δεν μπορεί να θεωρηθεί μόνο ως καλλιτεχνικό στυλ, είναι επίσης μια ιδιαίτερη εικόνα της σχέσης με τον κόσμο και τον κόσμο. Συνδέεται με την κρίση των ιδανικών του ουμανισμού, τις κοινωνικοπολιτικές ανατροπές χαρακτηριστικές του 17ου αιώνα.

Ο κλασικισμός, όπως και το μπαρόκ, ήταν έμφυτος σε ολόκληρο τον πολιτισμό του 17ου αιώνα. Εάν το μπαρόκ, με τον πλούτο και την ποικιλία των αισθήσεών του, έλκει προς τον αισθησιασμό ως τρόπο αισθητηριακής γνώσης του κόσμου, τότε ο κλασικισμός απαιτεί ορθολογιστική σαφήνεια, μια τακτική μέθοδο διαίρεσης του συνόλου σε μέρη και συνεπή εξέταση καθενός από αυτά.

Σκοπός της δοκιμής μου ήταν να μελετήσω τον κλασικισμό και το μπαρόκ ως τα κύρια στυλ του 17ου αιώνα. Για την επίτευξη αυτού του στόχου παρουσιάστηκε το πρώτο κεφάλαιο γενικά χαρακτηριστικάπολιτισμού της καθορισμένης περιόδου. Στο δεύτερο και τρίτο κεφάλαιο, προσπάθησα να αποκαλύψω όσο το δυνατόν πληρέστερα τα χαρακτηριστικά των στυλιστικών κατευθύνσεων του μπαρόκ και του κλασικισμού σε διάφορους τομείς της τέχνης: ζωγραφική, αρχιτεκτονική, λογοτεχνία, γλυπτική. Συνοψίζοντας, μπορώ να πω ότι ο στόχος της εργασίας έχει επιτευχθεί.

Έτσι, το μπαρόκ και ο κλασικισμός είναι ένα από τα κύρια στυλ στην τέχνη της Ευρώπης του 17ου αιώνα. Αντιπροσωπεύουν μια εξαιρετική συνεισφορά στο παγκόσμιο θησαυροφυλάκιο τέχνης

Βιβλιογραφία

1. Δραχ Γ.Β. «Πολιτισμός: Φροντιστήριογια φοιτητές ανώτατων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων "Rostov on Don 1999

2. Kravchenko A. I. "Culturology (εγχειρίδιο για πανεπιστήμια)" M. 2003

3. N.V. Shishova, T.V. Akulich, M.I.Boyko (Επιμέλεια N.V. Shishova.) "History and Culturology" M. 2000

4." ευρωπαϊκή ιστορία 17ος αιώνας «Μ. 2005

Στην τέχνη και αρχιτεκτονική XVIIIαιώνα, επικράτησαν δύο θεμελιώδη στυλ - μπαρόκ και κλασικισμός. Δεν είναι τυχαίο ότι συνυπήρξαν δίπλα δίπλα για αρκετό καιρό, την ίδια εποχή. Δεν μπορεί κανείς να μην σημειώσει τη στενή τους σχέση, αν και υπάρχουν επίσης πολλά χαρακτηριστικά γνωρίσματα εγγενή μόνο σε μια συγκεκριμένη κατεύθυνση. Ποια είναι η διαφορά μεταξύ του μπαρόκ και του κλασικισμού και πώς, κοιτάζοντας έναν πίνακα ή ένα κτίριο, καθορίζετε σε ποιο στυλ ανήκουν;

Ορισμός

Μπαρόκ- ένα καλλιτεχνικό στυλ που ξεκίνησε από την Ιταλία και ήταν ευρέως διαδεδομένο στην ευρωπαϊκή τέχνη μέχρι τα μέσα του 18ου αιώνα.

Μπαρόκ

Κλασσικότης- ένα καλλιτεχνικό στυλ χαρακτηριστικό της ευρωπαϊκής τέχνης και ιδιαίτερα εμφανές στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα.

Σύγκριση

Το μπαρόκ και ο κλασικισμός είναι ανταγωνιστικές κατευθύνσεις, αν και έχουν πολλές κοινά χαρακτηριστικά, γιατί διαμορφώθηκαν την ίδια εποχή.

Ιστότοπος συμπερασμάτων

1. Το μπαρόκ χαρακτηρίζεται από ταραχή και δυναμισμό μορφών. Ο κλασικισμός χαρακτηρίζεται από αρμονία και ισορροπία όλων των λεπτομερειών.
2. Το μπαρόκ θέτει την πολυτέλεια, τη λαμπρότητα, τη μεγαλοπρέπεια, τη μεγαλοπρέπεια και τον πλούτο της διακόσμησης στο προσκήνιο. Ο κλασικισμός εκτιμά την αυτοσυγκράτηση και την απλότητα των γραμμών, η διακόσμηση χρησιμοποιείται πολύ προσεκτικά.
3. Στο μπαρόκ χρησιμοποιούνται χωρικές ψευδαισθήσεις, παραμορφώνοντας τις αναλογίες και δίνοντας κλίμακα. Ο κλασικισμός βασίζεται στην αρμονία των αναλογιών που προέρχονται από την αρχαία παράδοση.