Γενικά χαρακτηριστικά της τέχνης της Αναγέννησης. Περιοδοποίηση της τέχνης

Αναγεννησιακή τέχνη

Η Αναγέννηση είναι η εποχή της ακμής όλων των τεχνών, συμπεριλαμβανομένου του θεάτρου, της λογοτεχνίας και της μουσικής, αλλά, αναμφίβολα, η κυριότερη από αυτές, που εξέφραζε πλήρως το πνεύμα της εποχής της, ήταν οι καλές τέχνες.

Δεν είναι τυχαίο ότι υπάρχει μια θεωρία ότι η Αναγέννηση ξεκίνησε με το γεγονός ότι οι καλλιτέχνες δεν ήταν πλέον ικανοποιημένοι με το πλαίσιο του κυρίαρχου «βυζαντινού» στυλ και, αναζητώντας μοντέλα για το έργο τους, ήταν οι πρώτοι που στράφηκαν στην αρχαιότητα. Ένας από τους πρώτους που εγκατέλειψε το «βυζαντινό τρόπο» και άρχισε να χρησιμοποιεί στις τοιχογραφίες τη μοντελοποίηση chiaroscuro των μορφών του Pietro Cavallini. Αλλά αντί για εικόνες, πίνακες δημιουργήθηκαν για πρώτη φορά από τον μεγαλύτερο δάσκαλο της Πρωτο-Αναγέννησης, τον Τζιότο.

Ήταν ο πρώτος που προσπάθησε να μεταφέρει χριστιανικές ηθικές ιδέες μέσω της απεικόνισης πραγματικών ανθρώπινων συναισθημάτων και εμπειριών, αντικαθιστώντας τον συμβολισμό με την απεικόνιση πραγματικού χώρου και συγκεκριμένων αντικειμένων. Στις διάσημες τοιχογραφίες του Giotto στο παρεκκλήσι Arena στην Πάντοβα, μπορείτε να δείτε πολύ ασυνήθιστους χαρακτήρες δίπλα στους αγίους: βοσκούς ή έναν κλώστη. Κάθε άτομο στο Giotto εκφράζει πολύ συγκεκριμένες εμπειρίες, έναν συγκεκριμένο χαρακτήρα.

Την εποχή του Ducento (XIII αιώνας) στην Ιταλία, αντί λογοτεχνική γλώσσαΜεσαίωνας - Λατινικά - σχηματίστηκε σταδιακά καθομιλουμένη- Ιταλικός. Μεγάλη συνεισφορά στη δημιουργία του είχε ο μεγαλύτερος συγγραφέας εκείνης της εποχής Dante Alighieri (1256-1321). Στην πρώιμη δουλειά του, Νέα ζωή" Γραμμένο σε ιταλικός, ο Dante αφηγείται την ιστορία της αγάπης για τη Beatrice, από την πρώτη τους συνάντηση όταν ήταν ακόμη πολύ παιδιά, μέχρι τον θάνατο του αγαπημένου της, όταν ήταν 18 ετών.

Την εικόνα μιας απλής πόλης, που εξυψώνεται από την αγάπη του ποιητή, κουβαλά σε όλη του τη ζωή. Και αρκετά στο πνεύμα της Αναγέννησης, μια σκηνή από το « Θεία Κωμωδία», στο οποίο απεικονίζει τη Βεατρίκη του να κάθεται πάνω σε ένα βαγόνι, συμβολίζοντας την Εκκλησία στις πύλες του Καθαρτηρίου.

Στην εποχή της πρώιμης Αναγέννησης στην τέχνη, λαμβάνει χώρα η ανάπτυξη της αρχαίας καλλιτεχνικής κληρονομιάς, διαμορφώνονται νέα ηθικά ιδανικά, οι καλλιτέχνες στρέφονται στα επιτεύγματα της επιστήμης (μαθηματικά, γεωμετρία, οπτική, ανατομία). Η Φλωρεντία παίζει πρωταγωνιστικό ρόλο στη διαμόρφωση των ιδεολογικών και στυλιστικών αρχών της πρώιμης αναγεννησιακής τέχνης. Στις εικόνες που δημιουργούνται από δασκάλους όπως ο Donatello και ο Verrocchio κυριαρχούν ηρωικές και πατριωτικές αρχές ("St. George" και "David" του Donatello και "David" του Verrocchio).

Ο ιδρυτής της αναγεννησιακής ζωγραφικής είναι ο Masaccio (τοιχογραφίες του παρεκκλησίου Brancacci, "Trinity"), ο Masaccio μπόρεσε να μεταφέρει το βάθος του χώρου, συνέδεσε τη φιγούρα και το τοπίο με μια ενιαία συνθετική ιδέα και έδωσε στα άτομα εκφραστικότητα πορτρέτου. Αλλά σχηματισμός και εξέλιξη γραφικό πορτρέτο, αντανακλώντας το ενδιαφέρον της αναγεννησιακής κουλτούρας για τον άνθρωπο, συνδέονται με τα ονόματα των καλλιτεχνών της σχολής Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Το έργο του καλλιτέχνη Sandro Botticelli ξεχωρίζει στην πρώιμη Αναγέννηση. Οι εικόνες που δημιούργησε είναι πνευματικοποιημένες και ποιητικές. Οι ερευνητές σημειώνουν την αφαίρεση και τον εκλεπτυσμένο διανοητισμό στα έργα του καλλιτέχνη, την επιθυμία του να δημιουργήσει μυθολογικές συνθέσεις με περίπλοκο και κρυπτογραφημένο περιεχόμενο ("Άνοιξη", "Η Γέννηση της Αφροδίτης").

Ένας από τους βιογράφους του Μποτιτσέλι είπε ότι οι Μαντόνες και οι Αφροδίτες του δίνουν την εντύπωση της απώλειας, προκαλώντας μας ένα αίσθημα ανεξίτηλης θλίψης... Κάποιοι από αυτούς έχουν χάσει τον ουρανό, άλλοι τη γη.

Το αποκορύφωμα στην ανάπτυξη των ιδεολογικών και καλλιτεχνικών αρχών της Ιταλικής Αναγέννησης είναι η Υψηλή Αναγέννηση. Ο ιδρυτής της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης είναι ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, ένας σπουδαίος καλλιτέχνης και επιστήμονας.

Δημιούργησε μια σειρά από αριστουργήματα: «Mona Lisa» («Gioconda»), «Madonna Benois» και «Madonna Litta», «Lady with an Ermine». Στο έργο του, ο Λεονάρντο προσπάθησε να εκφράσει το πνεύμα του ανθρώπου της Αναγέννησης. Αναζητούσε πηγές τέλειων μορφών τέχνης στη φύση, αλλά ο N. Berdyaev τον θεωρεί υπεύθυνο για την επερχόμενη διαδικασία μηχανοποίησης και μηχανοποίησης ΑΝΘΡΩΠΙΝΗ ζωηπου χώριζε τον άνθρωπο από τη φύση.

Η ζωγραφική αγγίζει την κλασική αρμονία στο έργο του Ραφαήλ. Η τέχνη του εξελίσσεται από τις πρώιμες ψυχρές εικόνες της Ούμπριας των Madonnas (Madonna Conestabile) στον κόσμο του «ευτυχισμένου χριστιανισμού» των φλωρεντινών και ρωμαϊκών έργων. Το «Madonna with a Goldfinch» και το «Madonna in an Chair» είναι μαλακά, ανθρώπινα και μάλιστα συνηθισμένα στην ανθρωπιά τους.

Όμως η εικόνα της «Σιξτίνας Μαντόνα» είναι μεγαλειώδης, συνδέοντας συμβολικά τον ουράνιο και τον επίγειο κόσμο. Πάνω απ 'όλα, ο Raphael είναι γνωστός ως ο δημιουργός ευγενικών εικόνων των Madonnas. Στη ζωγραφική όμως ενσάρκωσε και το ιδεώδες της Αναγέννησης οικουμενικός άνθρωπος(πορτρέτο του Καστιλιόνε), και το δράμα των ιστορικών γεγονότων.

Ο Μιχαήλ Άγγελος είναι ένας δάσκαλος που συνδύασε στην τέχνη του μια όμορφη σωματικότητα με μια βαθιά πνευματικότητα εικόνων που κληρονομήθηκαν από τον μεσαιωνικό χριστιανικό πολιτισμό. Ήδη μέσα πρώιμη εργασίαΟ Μιχαήλ Άγγελος έδειξε την τραγική του κοσμοθεωρία («Σταύρωση»), τον πιο λεπτό ψυχολογισμό των εικόνων και την τεχνική δεξιοτεχνία («Θρήνος του Χριστού» από τον Καθεδρικό Ναό του Αγίου Πέτρου). Δημιουργεί τον Μιχαήλ Άγγελο και την αντίληψή του για την ανθρώπινη ιστορία (ζωγραφική οροφή της Καπέλα Σιξτίνα).

Ξεχωριστή θέση στην εποχή της Υψηλής Αναγέννησης κατέχει η βενετσιάνικη σχολή, στην οποία η απόλαυση της ζωής και η αγάπη για τη φύση συνδυάστηκαν με το ανθρωπιστικό ιδεώδες (δημιουργικότητα Giorgione, Titian). Η ύστερη Αναγέννηση και ο Μανιερισμός αντικατοπτρίζουν την κρίση των ανθρωπιστικών ιδεωδών της Αναγέννησης.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, το έργο του Μιχαήλ Άγγελου αντικατοπτρίζει την αυξανόμενη τραγωδία της κοσμοθεωρίας του (εικόνες του παρεκκλησίου των Μεδίκων, ειδικά "Νύχτα", "Τελευταία Κρίση" και οι τοιχογραφίες του παρεκκλησίου της Παολίνα). Μεταξύ των καλλιτεχνών που συνεχίζουν τις παραδόσεις της Υψηλής Αναγέννησης, η λαχτάρα για διακοσμητικότητα και μεγαλοπρέπεια (Veronese) αυξάνεται, ο υποκειμενισμός και ο πνευματισμός αυξάνονται.

Για τους μανιεριστές, η εικόνα χτίζεται όχι με βάση τη μελέτη της φύσης, όπως συνέβαινε με τους καλλιτέχνες της Αναγέννησης, αλλά με βάση το εσωτερικό τους συναίσθημα. Ο μανιερισμός συμπλέκει ιδιότροπα τον μυστικισμό και τα ιδανικά της αυλικής κουλτούρας, είναι γεμάτος αλληγορίες και καλλιτεχνική πλαστικότητα. Στον Μανιερισμό υπάρχει άρνηση της αναγεννησιακής παράδοσης (Correggio, Amanti κ.λπ.).

Ταυτόχρονα με την κρίση της αναγεννησιακής τέχνης στην Ιταλία, άκμασε στην Ολλανδία και τη Γερμανία.

Jan van Eyck - η κεντρική φιγούρα του αρχικού πόρου Βόρεια Αναγέννηση. Ένα από τα θεμελιώδη χαρακτηριστικά αυτής της τέχνης αντικατοπτρίστηκε στο έργο του: μια στενή σύνδεση με την τέχνη του ύστερου γοτθικού. Ο βωμός της Γάνδης, κατασκευασμένος από τους αδερφούς van Eyck, στη μεταφορική του δομή συνδυάζει ένα αυστηρό θρησκευτικό συναίσθημα με μια χαρούμενη και ποιητική αντίληψη της γήινης ομορφιάς, ιδανικές εικόνες με πορτρέτα αληθινοί άνθρωποι, σύνθετος συμβολισμός με απλά ανθρώπινα συναισθήματα. Στα πορτρέτα του Jan van Eyck, η έμφαση δίνεται στην πνευματική πληρότητα και ευσέβεια σε ψυχολογικά αξιόπιστες και νατουραλιστικά ακριβείς εικόνες.

Πολύπλοκοι συμβολισμοί, φαντασία και γκροτέσκο εμφανίζονται στο έργο του Hieronymus Bosch. Το στυλ του φαίνεται τόσο ασυνήθιστο για εκείνη την εποχή που πολλοί ιστορικοί της σύγχρονης τέχνης θεωρούν τον Bosch ως τον πρόδρομο του σουρεαλισμού.

Η ανάπτυξη της τέχνης της Βόρειας Αναγέννησης συνδέεται με το όνομα του Άλμπρεχτ Ντύρερ, ο οποίος έθεσε τα θεμέλια των κοσμικών ειδών στη Γερμανία - πορτρέτο, τοπίο, καθημερινά είδη. Ένα άλλο εντυπωσιακό χαρακτηριστικό της Βόρειας Αναγέννησης εκδηλώνεται στο έργο του: η επιθυμία να απεικονίσει ένα άτομο ως ατελές και ιδανικό, αλλά αξιόπιστο.

Μιλώντας για την τέχνη της Βόρειας Αναγέννησης, φυσικά, θα πρέπει να προσέξει κανείς τα πορτρέτα του Holbein και το έργο του Brueghel.

Συνοψίζοντας, πρέπει να σημειωθεί ότι η Αναγέννηση στην Ιταλία και η Μεταρρύθμιση στη Βόρεια Ευρώπη μπορούν, όπως έκανε ο N. Berdyaev, να θεωρηθούν ως στάδια. μεταβατική περίοδος, που σήμανε το τέλος σε ιστορική κλίμακα ενός τύπου πολιτισμού (κοσμογονικό, παραδοσιακό) και την αρχή ενός νέου, τεχνογενούς πολιτισμού.

Η Ιταλική Αναγέννηση ήταν η πηγή για τη Βόρεια Αναγέννηση και τη Μεταρρύθμιση. Η Μεταρρύθμιση συμπλήρωσε και ανέπτυξε τις ιδέες της Αναγέννησης με έναν περίεργο τρόπο. Αν η ιταλική Αναγέννηση ήταν η αρχή μιας νέας αστικής κουλτούρας, τότε η Μεταρρύθμιση, δημιουργώντας τον Προτεσταντισμό, εξασφάλισε τη δυναμική ανάπτυξη του καπιταλισμού στην Ευρώπη.

1. Υψηλή Αναγέννηση.
2. Δημιουργικότητα Λεονάρντο ντα Βίντσι, Τιτσιάνο, Ραφαήλ, Μιχαήλ Άγγελος.
3. Βόρεια Αναγέννηση: Τέχνη Ολλανδίας και Γερμανίας.

Υψηλή Αναγέννηση

Η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης πέφτει στα τέλη του 15ου και στις τρεις πρώτες δεκαετίες του 16ου αιώνα. Η «χρυσή εποχή» της ιταλικής τέχνης ήταν χρονολογικά πολύ σύντομη και μόνο στη Βενετία κράτησε περισσότερο, μέχρι τα μέσα του αιώνα. Αλλά ήταν αυτή την εποχή που δημιουργήθηκαν οι υπέροχες δημιουργίες των τιτάνων της Αναγέννησης.

Η υψηλότερη άνοδος του πολιτισμού έγινε στα πιο δύσκολα ιστορική περίοδοςζωής της Ιταλίας, μπροστά σε μια απότομη οικονομική και πολιτική αποδυνάμωση των ιταλικών κρατών. Οι τουρκικές κατακτήσεις στην Ανατολή, η ανακάλυψη της Αμερικής και ένας νέος θαλάσσιος δρόμος προς την Ινδία στερούν από τις ιταλικές πόλεις τον σημαντικότερο ρόλο τους. εμπορικά κέντρα; Η διχόνοια και οι συνεχείς εσωτερικές διαμάχες τους καθιστούν εύκολη λεία για τις αυξανόμενες συγκεντρωτικές βορειοδυτικές πολιτείες. Η μετακίνηση στο εσωτερικό της χώρας του κεφαλαίου από το εμπόριο και τη βιομηχανία στη γεωργία και η σταδιακή μετατροπή της αστικής τάξης σε τάξη γαιοκτημόνων συνέβαλε στη διάδοση της φεουδαρχικής αντίδρασης. Η εισβολή των γαλλικών στρατευμάτων το 1494, οι καταστροφικοί πόλεμοι των πρώτων δεκαετιών του 16ου αιώνα, η ήττα της Ρώμης αποδυνάμωσαν εξαιρετικά την Ιταλία. Ήταν εκείνη την εποχή, όταν η απειλή της πλήρους υποδούλωσης από ξένους εισβολείς κρεμόταν πάνω από τη χώρα, που αποκαλύφθηκαν οι δυνάμεις του λαού, που έμπαιναν στον αγώνα για εθνική ανεξαρτησία, για μια δημοκρατική μορφή διακυβέρνησης και η εθνική τους αυτοσυνείδηση μεγάλωνε. Αυτό αποδεικνύεται από τα λαϊκά κινήματα των αρχών του 16ου αιώνα σε πολλούς ιταλικές πόλεις, και συγκεκριμένα στη Φλωρεντία, όπου η δημοκρατική κυριαρχία καθιερώθηκε δύο φορές: από το 1494 έως το 1512 και από το 1527 έως το 1530. Μια τεράστια κοινωνική έξαρση χρησίμευσε ως βάση για την άνθηση ενός ισχυρού πολιτισμού της Υψηλής Αναγέννησης. Στις δύσκολες συνθήκες των πρώτων δεκαετιών του 16ου αιώνα διαμορφώθηκαν οι αρχές του πολιτισμού και της τέχνης του νέου στυλ.
Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του πολιτισμού της Υψηλής Αναγέννησης ήταν η εξαιρετική διεύρυνση των κοινωνικών οριζόντων των δημιουργών της, η κλίμακα των ιδεών τους για τον κόσμο και το διάστημα. Η άποψη ενός ατόμου και η στάση του απέναντι στον κόσμο αλλάζει. Ο ίδιος ο τύπος του καλλιτέχνη, η κοσμοθεωρία του, η θέση του στην κοινωνία διαφέρουν αποφασιστικά από εκείνον που καταλαμβάνουν οι μάστορες του 15ου αιώνα, οι οποίοι συνδέονταν ακόμη σε μεγάλο βαθμό με την τάξη των τεχνιτών. Οι καλλιτέχνες της Υψηλής Αναγέννησης δεν είναι μόνο άνθρωποι μεγάλου πολιτισμού, αλλά δημιουργικές προσωπικότητες, απαλλαγμένοι από το πλαίσιο των ιδρυμάτων της συντεχνίας, αναγκάζοντας τους εκπροσώπους των κυρίαρχων τάξεων να υπολογίσουν τα σχέδιά τους.
Στο επίκεντρο της τέχνης τους, γενικευμένη στην καλλιτεχνική γλώσσα, η εικόνα βρίσκεται ιδανικά όμορφος άνθρωπος, τέλειο σωματικά και πνευματικά, όχι αφηρημένο από την πραγματικότητα, αλλά γεμάτο ζωή, εσωτερική δύναμηκαι τη σημασία, την τιτάνια δύναμη της αυτοεπιβεβαίωσης. Η Παπική Ρώμη και η πατρίκιος Βενετία έγιναν τα σημαντικότερα κέντρα νέας τέχνης μαζί με τη Φλωρεντία στις αρχές του 16ου αιώνα. Από τη δεκαετία του 1530, η φεουδαρχική καθολική αντίδραση αυξάνεται στην Κεντρική Ιταλία και μαζί της έχει εξαπλωθεί μια παρακμιακή τάση στην τέχνη, που ονομάζεται Μανιερισμός. Και ήδη από το δεύτερο μισό του 16ου αιώνα, εμφανίστηκαν τάσεις αντι-μανεριστικής τέχνης.
Σε αυτήν την ύστερη περίοδο, όταν μόνο ξεχωριστά κέντρα της αναγεννησιακής κουλτούρας διατηρούν το ρόλο τους, είναι αυτά που παράγουν τα πιο σημαντικά έργα από άποψη καλλιτεχνικής αξίας. Τέτοιες είναι οι όψιμες δημιουργίες του Michelangelo, του Palladio και των μεγάλων Ενετών.

Το έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι

Ορισμένες τάσεις στην τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης αναμένονταν στο έργο εξαιρετικών καλλιτεχνών του 15ου αιώνα και εκφράστηκαν στην επιθυμία για μεγαλείο, μνημειοποίηση και γενίκευση της εικόνας. Ωστόσο, ο πραγματικός ιδρυτής του στυλ της Υψηλής Αναγέννησης ήταν ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, μια ιδιοφυΐα του οποίου το έργο σηματοδότησε μια μεγαλειώδη ποιοτική αλλαγή στην τέχνη. Η σημασία της ολοκληρωμένης, επιστημονικής και καλλιτεχνικής του δραστηριότητας, έγινε σαφής μόνο όταν εξετάστηκαν τα διάσπαρτα χειρόγραφα του Λεονάρντο. Οι σημειώσεις και τα σχέδιά του περιέχουν λαμπρές γνώσεις σε διάφορους τομείς της επιστήμης και της τεχνολογίας. Ήταν, σύμφωνα με τα λόγια του Ένγκελς, «όχι μόνο ένας μεγάλος ζωγράφος, αλλά και ένας σπουδαίος μαθηματικός, μηχανικός και μηχανικός, στον οποίο σημαντικές ανακαλύψειςδιάφορους κλάδους της φυσικής.

Η τέχνη για τον Λεονάρντο ήταν ένα μέσο κατανόησης του κόσμου. Πολλά από τα σκίτσα του χρησιμεύουν ως εικονογραφήσεις επιστημονική εργασίακαι ταυτόχρονα είναι ένα έργο υψηλής τέχνης. Ο Λεονάρντο ενσάρκωσε έναν νέο τύπο καλλιτέχνη - έναν επιστήμονα, έναν στοχαστή, εντυπωσιακό στο εύρος των απόψεων, την ευελιξία του ταλέντου.
Ο Λεονάρντο γεννήθηκε στο χωριό Anchiano, κοντά στην πόλη Vinci. Ήταν νόθος γιος συμβολαιογράφου και απλής αγρότισσας. Σπούδασε στη Φλωρεντία, στο εργαστήριο του γλύπτη και ζωγράφου Andrea Verrocchio. Ένα από τα πρώιμα έργα του Λεονάρντο - η μορφή ενός αγγέλου στο Βάπτισμα του Βερόκιο (Φλωρεντία, Ουφίτσι) - ξεχωρίζει ανάμεσα στους παγωμένους χαρακτήρες με λεπτή πνευματικότητα και μαρτυρεί την ωριμότητα του δημιουργού του.
Μεταξύ των πρώιμων έργων του Λεονάρντο είναι η Madonna with a Flower που φυλάσσεται στο Ερμιτάζ (η λεγόμενη Benois Madonna, περίπου το 1478), η οποία διαφέρει καθοριστικά από τις πολυάριθμες Madonna του 15ου αιώνα. Απορρίπτοντας το είδος και τις σχολαστικές λεπτομέρειες που ενυπάρχουν στα έργα των πρώιμων δασκάλων της Αναγέννησης, ο Λεονάρντο εμβαθύνει τα χαρακτηριστικά και γενικεύει τις φόρμες. Οι φιγούρες μιας νεαρής μητέρας και μωρού, με λεπτή μοντελοποίηση από το πλάγιο φως, γεμίζουν σχεδόν ολόκληρο τον χώρο της εικόνας. Φυσικές και πλαστικές είναι οι κινήσεις των μορφών, οργανικά συνδεδεμένες μεταξύ τους. Ξεχωρίζουν ξεκάθαρα στο σκούρο φόντο του τοίχου. Ο καταγάλανος ουρανός που ανοίγει από το παράθυρο συνδέει τις φιγούρες με τη φύση, με τον απέραντο κόσμο που κυριαρχείται από τον άνθρωπο. Στην ισορροπημένη κατασκευή της σύνθεσης γίνεται αισθητό ένα εσωτερικό σχέδιο. Αλλά δεν αποκλείει τη ζεστασιά, την αφελή γοητεία, που παρατηρείται στη ζωή.
Το 1480, ο Λεονάρντο είχε ήδη το δικό του εργαστήριο και λάμβανε παραγγελίες. Ωστόσο, το πάθος του για την επιστήμη τον αποσπούσε συχνά από την τέχνη. Η σύνθεση του μεγάλου βωμού «Λατρεία των Μάγων» (Φλωρεντία, Ουφίτσι) και «Άγιος Ιερώνυμος» (Ρώμη, Βατικανό Pinakothek) παρέμεινε ημιτελής. Στο πρώτο, ο καλλιτέχνης προσπάθησε να μετατρέψει τη σύνθετη μνημειακή σύνθεση της εικόνας του βωμού σε μια πυραμιδοειδή, εύκολα ορατή ομάδα, για να μεταδώσει το βάθος των ανθρώπινων συναισθημάτων. Στο δεύτερο - σε μια αληθινή εικόνα περίπλοκων γωνιών ανθρώπινο σώμα, διαστημικό τοπίο.
Μη βρίσκοντας μια σωστή αξιολόγηση του ταλέντου του στην αυλή του Lorenzo Medici με τη λατρεία του για την εξαιρετική επιτήδευση, ο Leonardo εισήλθε στην υπηρεσία του δούκα του Μιλάνου, Lodovico Moro. Η περίοδος του Μιλάνου της δημιουργικότητας του Λεονάρντο (1482-1499) αποδείχθηκε η πιο γόνιμη. Εδώ αποκαλύφθηκε σε πλήρη ισχύ η πολυχρηστικότητα του ταλέντου του ως επιστήμονα, εφευρέτη και καλλιτέχνη.
Ξεκίνησε την καριέρα του με την εκτέλεση ενός γλυπτικού μνημείου - ενός έφιππου αγάλματος του πατέρα του δούκα Lodovico Moro Francesco Sforza. Ένα μεγάλο ομοίωμα του μνημείου, το οποίο εγκωμιάστηκε ομόφωνα από τους σύγχρονους, χάθηκε κατά την κατάληψη του Μιλάνου από τους Γάλλους το 1499. Έχουν διασωθεί μόνο σχέδια - σκίτσα διαφόρων εκδοχών του μνημείου, εικόνες εκτροφής, γεμάτες δυναμική ενός αλόγου, μετά ένα πανηγυρικά προεξέχον άλογο, που θυμίζει τις συνθετικές λύσεις του Donatello και του Verrocchio. Προφανώς, αυτή η τελευταία επιλογή μεταφράστηκε σε ομοίωμα του αγάλματος. Ξεπέρασε σημαντικά το μέγεθος των μνημείων της Gattamelata και του Colleoni, γεγονός που έδωσε στους σύγχρονους και στον ίδιο τον Λεονάρντο έναν λόγο να αποκαλούν το μνημείο «ο μεγάλος κολοσσός». Αυτό το έργο μας επιτρέπει να θεωρήσουμε τον Λεονάρντο έναν από τους μεγαλύτερους γλύπτες εκείνης της εποχής.
Ούτε ένα υλοποιημένο αρχιτεκτονικό έργο του Λεονάρντο δεν μας έχει φτάσει. Κι όμως, τα σχέδιά του και τα σχέδια κτιρίων του, οι ιδέες για τη δημιουργία μιας ιδανικής πόλης μιλούν για το χάρισμά του ως εξαιρετικό αρχιτέκτονα.
Η Μιλανέζικη περίοδος περιλαμβάνει ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣώριμο στυλ - "Madonna in the Grotto" και "The Last Supper". "Madonna in the Grotto" (1483-1494, Παρίσι, Λούβρο) - η πρώτη μνημειακή σύνθεση βωμού της Υψηλής Αναγέννησης. Οι χαρακτήρες της Μαρία, Ιωάννης, Χριστός και ο άγγελος απέκτησαν χαρακτηριστικά μεγαλείου, ποιητικής πνευματικότητας και πληρότητας ζωτικής εκφραστικότητας. Ενωμένοι από τη διάθεση της στοχασμού και της δράσης - το βρέφος Χριστός ευλογεί τον Ιωάννη - σε μια αρμονική πυραμιδική ομάδα, σαν το chiaroscuro να φουντώνει από μια ελαφριά ομίχλη, οι χαρακτήρες του θρύλου του Ευαγγελίου φαίνεται να είναι η ενσάρκωση ιδανικές εικόνεςειρηνική ευτυχία.

Ο πιο σημαντικός από τους μνημειώδεις πίνακες του Λεονάρντο, ο Μυστικός Δείπνος, που εκτελέστηκε το 1495-1497 για το μοναστήρι της Santa Maria della Grazie στο Μιλάνο, μεταφέρεται στον κόσμο των πραγματικών παθών και των δραματικών συναισθημάτων. Ξεφεύγοντας από την παραδοσιακή ερμηνεία του επεισοδίου του γκόσπελ, ο Λεονάρντο δίνει μια καινοτόμο λύση στο θέμα, μια σύνθεση που αποκαλύπτει βαθιά ανθρώπινα συναισθήματακαι εμπειρίες. Ελαχιστοποιώντας την απεικόνιση του σκηνικού της τραπεζαρίας, μειώνοντας σκόπιμα το μέγεθος του τραπεζιού και ωθώντας το στο προσκήνιο, εστιάζει στη δραματική κορύφωση του γεγονότος, στα αντιθετικά χαρακτηριστικά ανθρώπων διαφορετικών ιδιοσυγκρασιών, στην εκδήλωση μιας πολύπλοκης σειράς συναισθημάτων , που εκφράζεται τόσο με εκφράσεις του προσώπου όσο και με χειρονομίες, με τις οποίες οι απόστολοι απαντούν στα λόγια του Χριστού: «Ένας από εσάς θα με προδώσει». Καθοριστική αντίθεση με τους αποστόλους είναι οι εικόνες του εξωτερικά ήρεμου, αλλά δυστυχώς συλλογισμένου Χριστού, που βρίσκεται στο κέντρο της σύνθεσης, και του προδότη Ιούδα που ακουμπά στην άκρη του τραπεζιού, του οποίου το τραχύ, αρπακτικό προφίλ είναι βυθισμένο στη σκιά. Η σύγχυση, που τονίζεται από τη χειρονομία ενός χεριού που κρατά σπασμωδικά ένα πορτοφόλι, και μια ζοφερή εμφάνιση τον διακρίνουν από άλλους αποστόλους, στα φωτισμένα πρόσωπα των οποίων μπορεί κανείς να διαβάσει μια έκφραση έκπληξης, συμπόνιας, αγανάκτησης. Ο Λεονάρντο δεν διαχωρίζει τη μορφή του Ιούδα από τους άλλους αποστόλους, όπως έκαναν οι δάσκαλοι της πρώιμης Αναγέννησης. Ωστόσο, η αποκρουστική εμφάνιση του Ιούδα αποκαλύπτει την ιδέα της προδοσίας όλο και πιο έντονη. Και οι δώδεκα μαθητές του Χριστού βρίσκονται σε ομάδες των τριών, εκατέρωθεν του δασκάλου. Μερικοί από αυτούς αναπηδούν ενθουσιασμένοι από τις θέσεις τους, στρέφοντας προς τον Χριστό. Ο καλλιτέχνης υποτάσσει τις διάφορες εσωτερικές κινήσεις των αποστόλων σε μια αυστηρή τάξη. Η σύνθεση της τοιχογραφίας εντυπωσιάζει με την ενότητα, την ακεραιότητά της, είναι αυστηρά ισορροπημένη, κεντρική στην κατασκευή. Η μνημειοποίηση των εικόνων, η κλίμακα της ζωγραφικής συμβάλλουν στην εντύπωση της βαθιάς σημασίας της εικόνας, υποτάσσοντας ολόκληρο τον μεγάλο χώρο της τραπεζαρίας. Ο Λεονάρντο λύνει έξυπνα το πρόβλημα της σύνθεσης ζωγραφικής και αρχιτεκτονικής. Έχοντας τοποθετήσει το τραπέζι παράλληλα με τον τοίχο, το οποίο είναι διακοσμημένο με τοιχογραφία, επιβεβαιώνει το επίπεδο του. Η προοπτική σμίκρυνση των πλευρικών τοίχων που απεικονίζονται στην τοιχογραφία, όπως λες, συνεχίζει τον πραγματικό χώρο της τραπεζαρίας.
Η τοιχογραφία έχει υποστεί μεγάλες ζημιές. Τα πειράματα του Λεονάρντο με νέα υλικά δεν άντεξαν στη δοκιμασία του χρόνου, οι μεταγενέστερες ηχογραφήσεις και οι αποκαταστάσεις σχεδόν έκρυψαν το πρωτότυπο, το οποίο εκκαθαρίστηκε μόλις το 1954. Αλλά τα σωζόμενα χαρακτικά και τα προπαρασκευαστικά σχέδια καθιστούν δυνατή τη συμπλήρωση όλων των λεπτομερειών της σύνθεσης.
Μετά την κατάληψη του Μιλάνου από τα γαλλικά στρατεύματα, ο Λεονάρντο έφυγε από την πόλη. Άρχισαν τα χρόνια της περιπλάνησης. Με εντολή της Δημοκρατίας της Φλωρεντίας, κατασκεύασε χαρτόνι για την τοιχογραφία "Battle of Anghiari", η οποία υποτίθεται ότι διακοσμούσε έναν από τους τοίχους της αίθουσας του Συμβουλίου στο Palazzo Vecchio (κτήριο της κυβέρνησης της πόλης). Κατά τη δημιουργία αυτού του χαρτονιού, ο Λεονάρντο μπήκε σε ανταγωνισμό με τον νεαρό Μιχαήλ Άγγελο, ο οποίος εκτέλεσε την παραγγελία για την τοιχογραφία "Battle of Kashin" για έναν άλλο τοίχο στο ίδιο δωμάτιο. Ωστόσο, αυτά τα χαρτόνια, τα οποία αναγνωρίστηκαν παγκοσμίως από τους συγχρόνους τους, δεν έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα. Μόνο παλιά αντίγραφα και χαρακτικά μας επιτρέπουν να κρίνουμε την καινοτομία των μεγαλοφυιών της Υψηλής Αναγέννησης στον τομέα της ζωγραφικής μάχης.
Μέσα στο γεμάτο δράμα και δυναμική της σύνθεσης του Λεονάρντο, δίνεται το επεισόδιο της μάχης για το λάβαρο, η στιγμή της υψηλότερης έντασης των δυνάμεων των μαχητών, αποκαλύπτεται η σκληρή αλήθεια του πολέμου. Στην ίδια εποχή ανήκει και η δημιουργία του πορτρέτου της Μόνα Λίζα (La Gioconda, περ. 1504, Παρίσι, Λούβρο), ένα από τα πιο γνωστά έργα της παγκόσμιας ζωγραφικής. Το βάθος και η σημασία της εικόνας που δημιουργείται είναι εξαιρετικό, στην οποία τα χαρακτηριστικά του ατόμου συνδυάζονται με μεγάλη γενίκευση. Η καινοτομία του Λεονάρντο εκδηλώθηκε επίσης στην ανάπτυξη της αναγεννησιακής προσωπογραφίας.
Πλαστικά επεξεργασμένη, κλειστή στη σιλουέτα, η μεγαλειώδης φιγούρα μιας νεαρής γυναίκας δεσπόζει σε ένα μακρινό τοπίο τυλιγμένο σε μια γαλαζωπή ομίχλη με βράχους και κανάλια νερού να τυλίγονται ανάμεσά τους. Το περίπλοκο ημι-φανταστικό τοπίο εναρμονίζεται διακριτικά με τον χαρακτήρα και τη διάνοια του ατόμου που απεικονίζεται. Φαίνεται ότι η ασταθής μεταβλητότητα της ίδιας της ζωής γίνεται αισθητή στην έκφραση του προσώπου της, που ζωντανεύει από ένα ελάχιστα αντιληπτό χαμόγελο, στην ήρεμα σίγουρη, διεισδυτική ματιά της. Το πρόσωπο και τα περιποιημένα χέρια του πατρίκιου είναι ζωγραφισμένα με εκπληκτική φροντίδα και απαλότητα. Η πιο λεπτή, σαν να λιώνει, ομίχλη του chiaroscuro (το λεγόμενο sfumato), που τυλίγει τη φιγούρα, μαλακώνει τα περιγράμματα και τις σκιές. δεν υπάρχει ούτε μία απότομη διαδρομή ή γωνιακό περίγραμμα στην εικόνα.
Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, ο Λεονάρντο αφιέρωσε τον περισσότερο χρόνο του στην επιστημονική έρευνα. Πέθανε στη Γαλλία, όπου ήρθε μετά από πρόσκληση του Γάλλου βασιλιά Φραγκίσκου Α' και όπου έζησε μόνο δύο χρόνια.
Η τέχνη του, επιστημονική και θεωρητικές μελέτες, η ίδια η προσωπικότητά του είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη του παγκόσμιου πολιτισμού. Τα χειρόγραφά του περιέχουν αμέτρητες σημειώσεις και σχέδια που μαρτυρούν την καθολικότητα της ιδιοφυΐας του Λεονάρντο. Εδώ υπάρχουν προσεκτικά εντοπισμένα λουλούδια και δέντρα, σκίτσα άγνωστων όπλων, μηχανές και συσκευές. Μαζί με αναλυτικά ακριβείς εικόνες, υπάρχουν σχέδια που διακρίνονται για την εξαιρετική εμβέλεια, τον επικό ή λεπτό λυρισμό τους. Παθιασμένος θαυμαστής της πειραματικής γνώσης, ο Λεονάρντο προσπάθησε για τον κριτικό στοχασμό της, για την αναζήτηση γενικευτικών νόμων. «Η εμπειρία είναι η μόνη πηγή γνώσης», είπε ο καλλιτέχνης. Το «The Book of Painting» αποκαλύπτει τις απόψεις του ως θεωρητικού της ρεαλιστικής τέχνης, για τον οποίο η ζωγραφική είναι ταυτόχρονα «μια επιστήμη και η νόμιμη κόρη της φύσης». Η πραγματεία περιέχει τις δηλώσεις του Λεονάρντο για την ανατομία, την προοπτική, αναζητά μοτίβα στην κατασκευή μιας αρμονικής ανθρώπινης φιγούρας, γράφει για την αλληλεπίδραση των χρωμάτων, για τα αντανακλαστικά. Μεταξύ των οπαδών και των μαθητών του Λεονάρντο, ωστόσο, δεν υπήρχε ούτε ένας που να προσέγγιζε τον δάσκαλο από άποψη ταλέντου. στερούμενοι μιας ανεξάρτητης θεώρησης της τέχνης, αφομοίωσαν μόνο εξωτερικά τον καλλιτεχνικό του τρόπο.

Πίνακες και βιογραφία του Tiziano Vecellio

κοκκινοχρυσός Αφροδίτη του Ουρμπίνο, 1538 Γκαλερί Ουφίτσι, Φλωρεντία Αφροδίτη και Άδωνις, 1550 Μουσείο Getty, Λος Άντζελες.

κοσμική αγάπη (Ματαιοδοξία της γης) 1515	Νεολαία με σκισμένο γάντι, 1515-1520	Χλωρίδα 1515	Francesco della Rovere 1538	Πορτρέτο μιας νεαρής γυναίκας, 1536

Αγάπη επίγεια και ουράνια, 1515

Πορτρέτο του Πιέτρο Αρετίνο 1545	Πορτρέτο του Charles V 1548	Δανάη 1554	Σίσυφος 1549	Αφροδίτη με καθρέφτη 1555

Κοίμηση της Μαρίας, (Ασούντα), 1518	Tarquinius και Lucretia 1568-1571	Θέση στο φέρετρο 1524-1526	Άγιος Σεβαστιανός 1570	Θρήνος για τον Χριστό 1576

Madonna της οικογένειας Pesaro, 1519-1526	Βάκχος και Αριάδνη 1522	Εισαγωγή στο Ναό 1534-1538	, 1546	Αλληγορία του χρόνου 1565

Τιτσιάνο (στην πραγματικότητα Tiziano Vecellio, Tiziano Veccellio) (περίπου 1488/1490 - 1576), Ιταλός ζωγράφος της Υψηλής και Ύστερης Αναγέννησης. Σπούδασε στη Βενετία με τον Giovanni Bellini, στο εργαστήριο του οποίου ήρθε κοντά στον Giorgione. εργάστηκε στη Βενετία, καθώς και στην Πάντοβα, τη Φεράρα, τη Μάντοβα, το Ουρμπίνο, τη Ρώμη και το Άουγκσμπουργκ. Στενά συνδεδεμένος με τους καλλιτεχνικούς κύκλους της Βενετίας (Giorgione, αρχιτέκτονας Jacopo Sansovino, συγγραφέας Pietro Aretino), εξαιρετικός δεξιοτέχνης της βενετικής σχολής ζωγραφικής, ο Τιτσιάν ενσάρκωσε στο έργο του τα ουμανιστικά ιδεώδη της Αναγέννησης. Η τέχνη του που επιβεβαιώνει τη ζωή διακρίνεται για την ευελιξία της, το εύρος της κάλυψης της πραγματικότητας και την αποκάλυψη των βαθιών δραματικών συγκρούσεων της εποχής. Το ενδιαφέρον για το τοπίο, η ποίηση, ο λυρικός στοχασμός, οι λεπτοί χρωματισμοί κάνουν τα πρώιμα έργα του Τιτσιάν να σχετίζονται (η λεγόμενη «Τσιγγάνα Μαντόνα», Μουσείο Kunsthistorisches, Βιέννη· «Ο Χριστός και ο Αμαρτωλός», Γκαλερί τέχνης, Γλασκώβη) με το έργο του Giorgione. ο καλλιτέχνης άρχισε να αναπτύσσει ένα ανεξάρτητο στυλ από τα μέσα της δεκαετίας του 1510, αφού γνώρισε τα έργα του Ραφαήλ και του Μιχαήλ Άγγελου. Οι ήρεμες και χαρούμενες εικόνες των πίνακών του σημαδεύτηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου από την πληρότητα της ζωής, τη φωτεινότητα των συναισθημάτων, την εσωτερική φώτιση, το κύριο χρώμα είναι χτισμένο στη σύμφωνη γνώμη των βαθιών, καθαρών χρωμάτων («Love earthly and heavenly», περίπου 1514 -1516, Πινακοθήκη Borghese, Ρώμη· «Flora», περίπου 1515, Uffizi· «Denarius of Caesar», 1518, Art Gallery, Δρέσδη). Στη συνέχεια ο Τιτσιάν ζωγράφισε πολλά πορτρέτα, αυστηρά και ήρεμα στη σύνθεση, και διακριτικά ψυχολογικά («Νεαρός με γάντι», Λούβρο, Παρίσι, «Πορτρέτο ενός άνδρα», Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο). Η νέα περίοδος του έργου του Τιτσιάνο (τέλη 1510 - 1530) συνδέεται με την κοινωνική και πολιτιστική άνοδο της Βενετίας, η οποία σε αυτήν την εποχή έγινε ένα από τα κύρια προπύργια του ανθρωπισμού και των αστικών ελευθεριών στην Ιταλία. Εκείνη την εποχή, ο Τιτσιάν δημιούργησε μνημειώδεις βωμούς γεμάτους με μεγαλοπρεπή πάθος («Η Κοίμηση της Μαρίας», περίπου 1516-1518, η εκκλησία της Santa Maria Gloriosa dei Frari, Βενετία), η σύνθεση των οποίων είναι διαποτισμένη από κίνηση, πίνακες σε ευαγγέλιο και Αφροδίτη του Ουρμπίνο, 1538 Γκαλερί Ουφίτσι, Φλωρεντία Αφροδίτη και Άδωνις, 1550 Μουσείο Getty, Λος Άντζελες.

κοσμική αγάπη (Ματαιοδοξία της γης) 1515	Νεολαία με σκισμένο γάντι, 1515-1520	Χλωρίδα 1515	Francesco della Rovere 1538	Πορτρέτο μιας νεαρής γυναίκας, 1536

Στην ύστερη περίοδο του έργου του, ο Τιτσιάν έφτασε στα ύψη τόσο στη ζωγραφική του δεινότητα όσο και στη συναισθηματική και ψυχολογική ερμηνεία θρησκευτικών και μυθολογικών θεμάτων. Η ομορφιά του ανθρώπινου σώματος που επιβεβαιώνει τη ζωή, η πληρότητα του γύρω κόσμου έγιναν το κορυφαίο μοτίβο των έργων του καλλιτέχνη με σκηνές προερχόμενες από την αρχαία μυθολογία («Δανάη», γύρω στο 1554, Πράδο, Μαδρίτη και Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη· « Η Αφροδίτη μπροστά από έναν καθρέφτη», 1550, Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσιγκτον· «Diana and Actaeon», 1556, και «Diana and Callisto», 1556-1559, και οι δύο πίνακες στην Εθνική Πινακοθήκη της Σκωτίας στο Εδιμβούργο).

Αγάπη επίγεια και ουράνια, 1515

Πορτρέτο του Πιέτρο Αρετίνο 1545	Πορτρέτο του Charles V 1548	Δανάη 1554	Σίσυφος 1549	Αφροδίτη με καθρέφτη 1555

Κοίμηση της Μαρίας, (Ασούντα), 1518	Tarquinius και Lucretia 1568-1571	Θέση στο φέρετρο 1524-1526	Άγιος Σεβαστιανός 1570	Θρήνος για τον Χριστό 1576

Madonna της οικογένειας Pesaro, 1519-1526	Βάκχος και Αριάδνη 1522	Εισαγωγή στο Ναό 1534-1538	Ο Πάπας Παύλος Γ' με τα εγγόνια Farnese, 1546	Αλληγορία του χρόνου 1565

Το έργο του Ραφαέλ Σάντι

Ο Ραφαήλ Σάντι (1483-1520) ενσάρκωσε πλήρως την ιδέα των πιο φωτεινών και υψηλών ιδανικών του αναγεννησιακού ουμανισμού με τη μεγαλύτερη πληρότητα στο έργο του. Ένας νεότερος σύγχρονος του Λεονάρντο, ο οποίος έζησε μια σύντομη, εξαιρετικά γεμάτη γεγονότα ζωή, ο Ραφαήλ συνέθεσε τα επιτεύγματα των προκατόχων του και δημιούργησε το ιδανικό του για ένα όμορφο, αρμονικά αναπτυγμένο άτομο που περιβάλλεται από μαγευτική αρχιτεκτονική ή τοπίο. Ο Ραφαήλ γεννήθηκε στο Ουρμπίνο, γιος ενός ζωγράφου που ήταν ο πρώτος του δάσκαλος. Αργότερα σπούδασε με τον Timoteo della Viti και τον Perugino, κατακτώντας το στυλ του τελευταίου στην τελειότητα. Από τον Περουτζίνο, ο Ραφαέλ πήρε αυτή την ομαλότητα των γραμμών, αυτή την ελευθερία να στήνει μια φιγούρα στο χώρο, που έγινε χαρακτηριστικό των ώριμων συνθέσεων του. Ως δεκαεφτάχρονος νέος, ανακαλύπτει πραγματική δημιουργική ωριμότητα, δημιουργώντας μια σειρά από εικόνες γεμάτες αρμονία και πνευματική διαύγεια.

Ο λεπτός λυρισμός και η λεπτή πνευματικότητα διακρίνουν ένα από τα πρώιμα έργα του - το "Madonna Conestabile" (1502, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ), μια φωτισμένη εικόνα μιας νεαρής μητέρας που απεικονίζεται με φόντο ένα διαφανές τοπίο της Ούμπρια. Η ικανότητα να τακτοποιεί κανείς ελεύθερα τις μορφές στο χώρο, να τις συνδέει μεταξύ τους και με το περιβάλλον, εκδηλώνεται και στη σύνθεση «The Betrothal of Mary» (1504, Μιλάνο, Γκαλερί Brera). Η ευρυχωρία στην κατασκευή του τοπίου, η αρμονία των αρχιτεκτονικών μορφών, η ισορροπία και η ακεραιότητα όλων των μερών της σύνθεσης μαρτυρούν τη διαμόρφωση του Ραφαήλ ως μάστερ της Υψηλής Αναγέννησης.
Με την άφιξή του στη Φλωρεντία, ο Ραφαήλ απορροφά εύκολα τα σημαντικότερα επιτεύγματα των καλλιτεχνών της φλωρεντινής σχολής με την έντονη πλαστική αρχή και την ευρεία κάλυψη της πραγματικότητας. Το περιεχόμενο της τέχνης του παραμένει το λυρικό θέμα του φωτός μητρική αγάπηστο οποίο αποδίδει ιδιαίτερη σημασία. Λαμβάνει μια πιο ώριμη έκφραση σε έργα όπως η Madonna in the Green (1505, Βιέννη, Μουσείο Kunsthistorisches), η Madonna with a Goldfinch (Φλωρεντία, Ουφίτσι), Η όμορφη κηπουρός (1507, Παρίσι, Λούβρο). Στην ουσία, όλα ποικίλλουν τον ίδιο τύπο σύνθεσης, που αποτελείται από τις μορφές της Μαρίας, του βρέφους Χριστού και του Βαπτιστή, σχηματίζοντας πυραμιδικές ομάδες με φόντο ένα όμορφο αγροτικό τοπίο στο πνεύμα των τεχνικών σύνθεσης που είχε βρει νωρίτερα ο Λεονάρντο. Η φυσικότητα των κινήσεων, η απαλή πλαστικότητα των μορφών, η ομαλότητα των μελωδικών γραμμών, η ομορφιά του ιδανικού τύπου της Madonna, η σαφήνεια και η καθαρότητα του φόντου του τοπίου συμβάλλουν στην αποκάλυψη της εξαιρετικής ποίησης της παραστατικής δομής αυτών. συνθέσεις.
Το 1508, ο Ραφαήλ προσκλήθηκε να εργαστεί στη Ρώμη, στην αυλή του Πάπα Ιούλιου Β', ενός αγέρωχου, φιλόδοξου και ενεργητικού ανθρώπου που προσπάθησε να αυξήσει τους καλλιτεχνικούς θησαυρούς της πρωτεύουσάς του και να προσελκύσει στην υπηρεσία του τις πιο ταλαντούχες πολιτιστικές προσωπικότητες εκείνης της εποχής. Στις αρχές του 16ου αιώνα η Ρώμη ενέπνευσε ελπίδες για εθνική ενοποίηση της χώρας. Τα ιδανικά μιας εθνικής τάξης δημιούργησαν το έδαφος για μια δημιουργική έξαρση, για την ενσάρκωση των προηγμένων φιλοδοξιών στην τέχνη. Εδώ, κοντά στην κληρονομιά της αρχαιότητας, το ταλέντο του Ραφαήλ ανθίζει και ωριμάζει, αποκτώντας νέα εμβέλεια και χαρακτηριστικά ήρεμης μεγαλοπρέπειας.
Ο Ραφαήλ λαμβάνει εντολή να ζωγραφίσει τα μπροστινά δωμάτια (τις λεγόμενες στροφές) του Παλατιού του Βατικανού. Αυτό το έργο, που συνεχίστηκε κατά διαστήματα από το 1509 έως το 1517, έθεσε τον Ραφαήλ ανάμεσα στους μεγαλύτερους δασκάλους της ιταλικής μνημειακής τέχνης, λύνοντας με σιγουριά το πρόβλημα της σύνθεσης της αρχιτεκτονικής και της αναγεννησιακής ζωγραφικής. Το δώρο του Ραφαήλ - τοιχογράφου και διακοσμητή - εκδηλώθηκε με όλο του το μεγαλείο όταν ζωγράφιζε το Stanzi della Senyatura (τυπογραφείο). Στους μακριούς τοίχους αυτής της αίθουσας, καλυμμένους με ιστιοπλοϊκούς θόλους, τοποθετούνται οι συνθέσεις «Disputation» και «The School of Athens», στους στενούς τοίχους - «Parnassus» και «Wisdom, Moderation and Strength», προσωποποιώντας τις τέσσερις περιοχές του ανθρώπινη πνευματική δραστηριότητα: θεολογία, φιλοσοφία, ποίηση και νομολογία. Ο θόλος, χωρισμένος σε τέσσερα μέρη, διακοσμείται με αλληγορικές μορφές που σχηματίζουν ένα ενιαίο διακοσμητικό σύστημα με τοιχογραφίες. Έτσι, όλος ο χώρος του δωματίου αποδείχθηκε ότι γέμισε ζωγραφική.

Αδάμ και Εύα 1510	Αθηναϊκό σχολείο 1509	Θρίαμβος της Γαλάτειας 1511	Διαμάχη 1510	Προφήτης Ησαΐας 1512

Συνδυασμός εικόνων σε τοιχογραφίες χριστιανική θρησκείακαι η παγανιστική μυθολογία μαρτυρούσε τη διάδοση μεταξύ των ουμανιστών εκείνης της εποχής των ιδεών συμφιλίωσης της χριστιανικής θρησκείας με τον αρχαίο πολιτισμό και την άνευ όρων νίκη της κοσμικής αρχής επί της εκκλησίας. Ακόμη και στη "Διαμάχη" (διαμάχη των πατέρων της εκκλησίας για το μυστήριο), αφιερωμένη στην εικόνα των ηγετών της εκκλησίας, μεταξύ των συμμετεχόντων στη διαμάχη, μπορεί κανείς να αναγνωρίσει τους ποιητές και τους καλλιτέχνες της Ιταλίας - Dante, Fra Beato Angelico και άλλους ζωγράφους και συγγραφείς. Σχετικά με τη γιορτή ανθρωπιστικές ιδέεςστην τέχνη της Αναγέννησης, η σύνθεση «Η Σχολή των Αθηνών» μιλά για τη σύνδεσή της με την αρχαιότητα, δοξάζοντας το μυαλό ενός όμορφου και δυνατού άνδρα, την αρχαία επιστήμη και τη φιλοσοφία. Ο πίνακας γίνεται αντιληπτός ως η ενσάρκωση ενός ονείρου για ένα φωτεινότερο μέλλον. Από τα βάθη του φιλελάδου των μεγαλοπρεπών τοξωτών ανοιγμάτων, αναδύεται μια ομάδα αρχαίων στοχαστών, στο κέντρο της οποίας βρίσκεται ο μεγαλοπρεπής γκριζογένιος Πλάτωνας και ο γεμάτος αυτοπεποίθηση, εμπνευσμένος Αριστοτέλης, δείχνοντας το έδαφος με μια κίνηση του χεριού του, τους ιδρυτές. της ιδεαλιστικής και υλιστικής φιλοσοφίας. Κάτω, στα αριστερά στις σκάλες, ο Πυθαγόρας έσκυψε πάνω από το βιβλίο, περιτριγυρισμένος από τους μαθητές του, στα δεξιά - ο Ευκλείδης, και εδώ, στην άκρη, ο Ραφαήλ απεικόνισε τον εαυτό του δίπλα στον ζωγράφο Σοδόμα. Αυτός είναι ένας νεαρός άνδρας με ένα απαλό, ελκυστικό πρόσωπο. Όλοι οι χαρακτήρες της τοιχογραφίας ενώνονται με τη διάθεση υψηλής πνευματικής ανάτασης, βαθιά σκέψη. Συνθέτουν ομάδες αδιαχώριστες στην ακεραιότητα και την αρμονία τους, όπου κάθε χαρακτήρας παίρνει ακριβώς τη θέση του και όπου η ίδια η αρχιτεκτονική, στην αυστηρή κανονικότητα και μεγαλοπρέπειά της, βοηθά στην αναδημιουργία της ατμόσφαιρας μιας υψηλής άνοδο της δημιουργικής σκέψης.
Με έντονο δράμα ξεχωρίζει η νωπογραφία «Η εκδίωξη του Eliodor» στο Stanza d' Eliodoro. Το ξαφνικό του θαύματος - η εκδίωξη του ληστή του ναού από τον ουράνιο καβαλάρη - μεταφέρεται από τη γρήγορη διαγώνιο της κύριας κίνησης, χρησιμοποιώντας ένα ελαφρύ εφέ. Ο Πάπας Ιούλιος Β' απεικονίζεται ανάμεσα στους θεατές που παρακολουθούν την εξορία του Έλιοντορ. Αυτή είναι μια νύξη για τα γεγονότα της εποχής του Ραφαήλ - την εκδίωξη των γαλλικών στρατευμάτων από τα Παπικά κράτη.
Η ρωμαϊκή περίοδος του έργου του Ραφαήλ χαρακτηρίζεται από υψηλά επιτεύγματα στον τομέα της προσωπογραφίας. Οι χαρακτήρες της Λειτουργίας στη Μπολσένα (τοιχογραφίες στο Stanza d'Eliodoro) αποκτούν αιχμηρά πορτρέτα γεμάτα ζωή. ΠΡΟΣ ΤΟ είδος πορτρέτουΟ Ραφαήλ στράφηκε και στη ζωγραφική με καβαλέτο, δείχνοντας εδώ την πρωτοτυπία του, αποκαλύπτοντας στο μοντέλο ό,τι πιο χαρακτηριστικό και σημαντικό. Ζωγράφισε πορτρέτα του Πάπα Ιούλιου Β' (1511, Φλωρεντία, Ουφίτσι), του Πάπα Λέοντα Χ με τον καρδινάλιο Λουδοβίκο ντει Ρόσι και τον Τζούλιο ντει Μέντιτσι (γύρω στο 1518, ό.π.) και άλλα πορτραίτα. Σημαντική θέση στην τέχνη του συνεχίζει να κατέχει η εικόνα της Madonna, αποκτώντας χαρακτηριστικά μεγάλου μεγαλείου, μνημειακότητας, αυτοπεποίθησης, δύναμης. Τέτοια είναι η «Madonna della sedia» («Madonna in the Chair», 1516, Φλωρεντία, Πινακοθήκη Pitti) με την αρμονική της σύνθεση κλειστή σε κύκλο.
Παράλληλα, ο Ραφαήλ δημιούργησε το μεγαλύτερο δημιούργημά του, τη Σιξτίνα Μαντόνα (1515-1519, Δρέσδη, Πινακοθήκη), που προοριζόταν για την εκκλησία του Αγ. Sixtus στην Piacenza. Σε αντίθεση με τις παλαιότερες, πιο ανάλαφρες στη διάθεση, λυρικές Madonnas, αυτή είναι μια μεγαλειώδης εικόνα γεμάτη βαθύ νόημα. Οι κουρτίνες που χωρίζονται από πάνω στα πλάγια αποκαλύπτουν τη Μαίρη, που περπατά εύκολα μέσα από τα σύννεφα, με ένα μωρό στην αγκαλιά της. Το βλέμμα της σου επιτρέπει να κοιτάξεις τον κόσμο των εμπειριών της. Σοβαρά και λυπημένα, ανήσυχα, κοιτάζει κάπου μακριά, σαν να προβλέπει τραγική μοίραυιός. Αριστερά της Παναγίας εικονίζεται ο Πάπας Σίξτος, να σκέπτεται με ενθουσιασμό ένα θαύμα, στα δεξιά - η Αγία Βαρβάρα, χαμηλώνοντας ευλαβικά το βλέμμα της. Παρακάτω είναι δύο άγγελοι, που κοιτάζουν ψηλά και, σαν να λέγαμε, μας επιστρέφουν στην κύρια εικόνα - τη Madonna και το παιδαριωδώς στοχαστικό μωρό της. Η άψογη αρμονία και η δυναμική ισορροπία της σύνθεσης, ο λεπτός ρυθμός των ομαλών γραμμικών περιγραμμάτων, η φυσικότητα και η ελευθερία κινήσεων συνθέτουν την ακαταμάχητη δύναμη αυτού του συνόλου, όμορφη εικόνα. ζωτική αλήθειακαι τα χαρακτηριστικά του ιδανικού συνδυάζονται με την πνευματική καθαρότητα του συμπλέγματος τραγικόςΣιξτίνα Μαντόνα. Μερικοί ερευνητές βρήκαν το πρωτότυπό του στα χαρακτηριστικά της «Κυρίας με το Πέπλο» (περίπου 1513, Φλωρεντία, Πινακοθήκη Pitti), αλλά ο ίδιος ο Ραφαήλ έγραψε σε μια επιστολή προς τον φίλο του Castiglione ότι η δημιουργική του μέθοδος βασιζόταν στην αρχή της επιλογής και της γενίκευσης παρατηρήσεις ζωής: «Για να γράψω μια ομορφιά, πρέπει να δω πολλές ομορφιές, αλλά λόγω της έλλειψης... σε όμορφες γυναίκες, χρησιμοποιώ κάποια ιδέα που μου έρχεται στο μυαλό. Έτσι, στην πραγματικότητα, ο καλλιτέχνης βρίσκει χαρακτηριστικά που ανταποκρίνονται στο ιδανικό του, που υψώνεται πάνω από το τυχαίο και παροδικό.
Ο Ραφαήλ πέθανε σε ηλικία τριάντα επτά ετών, αφήνοντας ημιτελείς πίνακες της βίλας Farnesina, τις λότζες του Βατικανού και μια σειρά από άλλα έργα που ολοκληρώθηκαν σε χαρτόνι και σχέδια από τους μαθητές του. Τα ελεύθερα, χαριτωμένα, απεριόριστα σχέδια του Ραφαήλ έθεσαν τον δημιουργό τους ανάμεσα στους μεγαλύτερους σχεδιαστές στον κόσμο. Το έργο του στην αρχιτεκτονική και εφαρμοσμένες τέχνεςτον μαρτυρούν ως πολυτάλαντη προσωπικότητα της Υψηλής Αναγέννησης, που κέρδισε μεγάλη φήμη μεταξύ των συγχρόνων του. Το ίδιο το όνομα του Ραφαήλ αργότερα μετατράπηκε σε κοινό ουσιαστικό για έναν ιδανικό καλλιτέχνη.
Πολλοί Ιταλοί μαθητές και οπαδοί του Ραφαήλ δημιούργησαν τη δημιουργική μέθοδο του δασκάλου σε ένα αδιαμφισβήτητο δόγμα, το οποίο συνέβαλε στη διάδοση της μίμησης στην ιταλική τέχνη και προμήνυε μια επικείμενη κρίση ανθρωπισμού.

Το έργο του Michelangelo Buonarroti

Το αποκορύφωμα της Υψηλής Αναγέννησης και ταυτόχρονα μια αντανάκλαση των βαθιών αντιφάσεων του πολιτισμού της εποχής ήταν το έργο του τρίτου από τους τιτάνες της ιταλικής τέχνης - Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Ακόμη και σε σύγκριση με τον Λεονάρντο και τον Ραφαήλ, με εντυπωσιακό ταλέντο τους, ο Μιχαήλ Άγγελος διαφέρει σε αυτό σε κάθε έναν από τους τομείς καλλιτεχνική δημιουργικότηταάφησε έργα μεγαλεπήβολα σε κλίμακα και δύναμη, ενσαρκώνοντας τις πιο προοδευτικές ιδέες της εποχής. Ο Μιχαήλ Άγγελος ήταν λαμπρός γλύπτης, ζωγράφος, αρχιτέκτονας, σχεδιαστής, στρατιωτικός μηχανικός, ποιητής και ταυτόχρονα ήταν μαχητής των υψηλών ανθρωπιστικών ιδανικών, πολίτης, στα όπλα υπερασπιζόμενος την ελευθερία και την ανεξαρτησία της πατρίδας του.
Ο μεγάλος καλλιτέχνης και μαχητής είναι αχώριστοι στην ιδέα του Μιχαήλ Άγγελου. Όλη του η ζωή είναι ένας αδιάκοπος ηρωικός αγώνας για τη διεκδίκηση του ανθρώπινου δικαιώματος στην ελευθερία, στη δημιουργικότητα. Σε όλη τη διάρκεια δημιουργικό τρόποστο επίκεντρο της προσοχής του καλλιτέχνη βρισκόταν ένας άνθρωπος, δραστήριος, δραστήριος, έτοιμος για ένα κατόρθωμα, συλληφθεί με μεγάλο πάθος. Τα έργα του της ύστερης περιόδου αντικατοπτρίζουν την τραγική κατάρρευση των ιδεωδών της Αναγέννησης.
Ο Μιχαήλ Άγγελος γεννήθηκε στο Caprese (στην περιοχή της Φλωρεντίας), στην οικογένεια του κυβερνήτη της πόλης. Σε ηλικία δεκατριών ετών, μπήκε στο εργαστήριο του Ghirlandaio και ένα χρόνο αργότερα - στο Σχολή καλών τεχνώνστην αυλή του Lorenzo de Medici του Μεγαλοπρεπούς. Εδώ, στους λεγόμενους κήπους των Μεδίκων στο μοναστήρι του Αγίου Μάρκου, συνέχισε τις σπουδές του υπό την καθοδήγηση του Μπερτόλντο ντι Τζιοβάνι, ένθερμου θαυμαστή της αρχαιότητας. Έχοντας εξοικειωθεί με την πλούσια και εκλεπτυσμένη κουλτούρα της αυλής των Μεδίκων, με υπέροχα έργα αρχαίας και σύγχρονης τέχνης, με διάσημους ποιητές και ουμανιστές, ο Μιχαήλ Άγγελος δεν κλείστηκε σε ένα εξαίσιο αυλικό περιβάλλον. Ήδη πρώιμα ανεξάρτητα έργα επιβεβαιώνουν την έλξη του για μεγάλες μνημειακές εικόνες, γεμάτες ηρωισμό και δύναμη. Το ανάγλυφο «Μάχη των Κενταύρων» (αρχές της δεκαετίας του 1490, Φλωρεντία, Casa Buonarroti) αποκαλύπτει το δράμα και τη θυελλώδη δυναμική του αγώνα, την αφοβία και την ενέργεια των μαχητών, την ισχυρή πλαστικότητα των αλληλένδετων ισχυρών μορφών, που διαπερνούν έναν μόνο γρήγορο ρυθμό.
τελικός σχηματισμός δημόσια συνείδησηΟ Μιχαήλ Άγγελος πέφτει την εποχή της εκδίωξης των Μεδίκων από τη Φλωρεντία και της εγκαθίδρυσης ενός δημοκρατικού συστήματος εκεί. Τα ταξίδια στη Μπολόνια και τη Ρώμη συμβάλλουν στην ολοκλήρωση καλλιτεχνική εκπαίδευση. Η αρχαιότητα ανοίγει μπροστά του τις γιγάντιες δυνατότητες που κρύβει η γλυπτική. Στη Ρώμη, δημιουργήθηκε η ομάδα μαρμάρου Pieta (1498-1501, Ρώμη, Καθεδρικός Ναός του Αγίου Πέτρου) - το πρώτο μεγάλο πρωτότυπο έργο του δασκάλου, διαποτισμένο με πίστη στον θρίαμβο των ανθρωπιστικών ιδανικών της Αναγέννησης. δραματικό θέμαΤο πένθος του Χριστού από τη Μητέρα του Θεού, ο γλύπτης αποφασίζει με έναν βαθιά ψυχολογικό τρόπο, εκφράζοντας απέραντη θλίψη γέρνοντας το κεφάλι του, που βρέθηκε ακριβώς από τη χειρονομία του αριστερού χεριού της Παναγίας. Ηθική Καθαρότηταη εικόνα της Μαρίας, η ευγενής συγκράτηση των συναισθημάτων της αποκαλύπτουν τη δύναμη του χαρακτήρα και μεταφέρονται σε κλασικά καθαρές μορφές, με εκπληκτική τελειότητα. Και οι δύο φιγούρες είναι διατεταγμένες σε μια αδιάσπαστη ομάδα, στην οποία καμία λεπτομέρεια δεν παραβιάζει την κλειστή σιλουέτα, την πλαστική της εκφραστικότητα.

Δαβίδ	Αποκαθήλωση	Μαντόνα και παιδί	Μωυσής

Βαθιά πεποίθηση, ο ενθουσιασμός ενός ατόμου που αγωνίζεται για ένα κατόρθωμα αποτυπώνεται στο άγαλμα του Δαβίδ (Φλωρεντία, Ακαδημία Καλών Τεχνών), που εκτελέστηκε το 1501-1504 μετά την επιστροφή του γλύπτη στη Φλωρεντία. Η εικόνα του θρυλικού ήρωα ενσάρκωσε την ιδέα του πολιτικού άθλου, της γενναίας ανδρείας και της αδιαλλαξίας. Ο Μιχαήλ Άγγελος εγκατέλειψε την αφήγηση των προκατόχων του. Σε αντίθεση με τον Donatello και τον Verrocchio, που απεικόνισαν τον David αφού νίκησε τον εχθρό, ο Michelangelo τον παρουσίασε πριν από τη μάχη. Επικεντρώθηκε στην ισχυρή ψυχραιμία και την ένταση όλων των δυνάμεων του ήρωα, που μεταφέρονται με πλαστικά μέσα. Σε αυτό το κολοσσιαίο άγαλμα, εκφράζεται ξεκάθαρα η ιδιαιτερότητα της πλαστικής γλώσσας του Μιχαήλ Άγγελου: με μια εξωτερικά ήρεμη πόζα του ήρωα, ολόκληρη η φιγούρα του με δυνατό κορμό και υπέροχα διαμορφωμένα χέρια και πόδια, το όμορφο εμπνευσμένο πρόσωπό του εκφράζει τη μέγιστη συγκέντρωση σωματικής και πνευματικής δυνάμεις. Όλοι οι μύες φαίνεται να διαπερνούν την κίνηση. Η τέχνη του Μιχαήλ Άγγελου επέστρεψε στο γυμνό το ηθικό νόημα που είχε στο αρχαίο πλαστικό. Η εικόνα του Δαβίδ αποκτά ευρύτερο νόημα ως έκφραση των δημιουργικών δυνάμεων ενός ελεύθερου ανθρώπου. Ήδη εκείνες τις μέρες, οι Φλωρεντινοί κατάλαβαν το αστικό πάθος του αγάλματος και τη σημασία του, τοποθετώντας το στο κέντρο της πόλης μπροστά από το κτίριο Palazzo Vecchio ως έκκληση για υπεράσπιση της πατρίδας και δικαιοσύνης.
Έχοντας βρει μια πειστική μορφή επίλυσης του αγάλματος (με βάση το ένα πόδι), διαμορφώνοντάς το με μαεστρία, ο Μιχαήλ Άγγελος τον έκανε να ξεχάσει τις δυσκολίες που έπρεπε να ξεπεράσει στην εργασία με το υλικό. Το άγαλμα ήταν σκαλισμένο από ένα τετράγωνο μάρμαρο, το οποίο, όπως πίστευαν όλοι, χάλασε ένας άτυχος γλύπτης. Ο Μιχαήλ Άγγελος κατάφερε να προσαρμόσει τη φιγούρα στο τελειωμένο μαρμάρινο τετράγωνο, έτσι ώστε να ταιριάζει σε αυτό με τη μέγιστη συμπαγή.
Ταυτόχρονα με το άγαλμα του Δαβίδ, κατασκευάστηκε ένα χαρτόνι για τη ζωγραφική της Αίθουσας του Συμβουλίου του Palazzo Vecchio «The Battle of Cascine» (γνωστό από γκραβούρες και ένα αντίγραφο ζωγραφικής). Μπαίνοντας σε ανταγωνισμό με τον Λεονάρντο, ο νεαρός Μιχαήλ Άγγελος έλαβε μεγαλύτερη δημόσια εκτίμηση για το έργο του. στο θέμα της αποκάλυψης του πολέμου και των θηριωδιών του, αντιπαραβάλλει τη δοξολογία υψηλά συναισθήματαανδρεία και πατριωτισμός των στρατιωτών της Φλωρεντίας, που όρμησαν στο πεδίο της μάχης στο κάλεσμα της σάλπιγγας, έτοιμοι για έναν άθλο.
Έχοντας λάβει εντολή από τον Πάπα Ιούλιο Β' για την κατασκευή της ταφόπλακας του, ο Μιχαήλ Άγγελος, χωρίς να τελειώσει τη μάχη του Kashin, μετακόμισε στη Ρώμη το 1505. Δημιουργεί ένα έργο για ένα μεγαλοπρεπές μαυσωλείο, διακοσμημένο με πολλά αγάλματα και ανάγλυφα. Για να ετοιμάσει το υλικό - μαρμάρινες πλάκες - ο γλύπτης πήγε στην Καρράρα. Κατά τη διάρκεια της απουσίας του, ο πάπας έχασε το ενδιαφέρον του για την ιδέα της κατασκευής ενός τάφου. Προσβεβλημένος ο Μιχαήλ Άγγελος έφυγε από τη Ρώμη και μόνο μετά από επίμονες εκκλήσεις του πάπα επέστρεψε. Αυτή τη φορά έλαβε μια νέα μεγάλη παραγγελία - ζωγραφική της οροφής της Καπέλα Σιξτίνα, την οποία δέχτηκε με μεγάλη απροθυμία, αφού θεωρούσε τον εαυτό του πρωτίστως γλύπτη, όχι ζωγράφο. Αυτός ο πίνακας έχει γίνει μια από τις μεγαλύτερες δημιουργίες της ιταλικής τέχνης.

Στις πιο δύσκολες συνθήκες, ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε για τέσσερα χρόνια (1508-1512), ολοκληρώνοντας με το χέρι του όλο το βάψιμο της τεράστιας οροφής (600 τ.μ.). Σύμφωνα με την αρχιτεκτονική του παρεκκλησιού, χώρισε το θησαυροφυλάκιο που το κάλυπτε σε διάφορα πεδία, τοποθετώντας σε ένα ευρύ κεντρικό πεδίο εννέα συνθέσεις σε σκηνές από τη Βίβλο για τη δημιουργία του κόσμου και τη ζωή των πρώτων ανθρώπων στη γη: «Διαχωρισμός του φωτός από το σκοτάδι», «Δημιουργία του Αδάμ», «Πτώση», «Η μέθη του Νώε» κ.λπ. Στα πλαϊνά τους, στις πλαγιές του θόλου, οι μορφές των προφητών και των σιβύλλων (μάντες ), στις γωνίες των χωραφιών - κάθονται γυμνοί νέοι. στα πανιά της αψίδας, γδύσιμο και λουνέτες πάνω από τα παράθυρα - επεισόδια από τη Βίβλο και τους λεγόμενους προγόνους του Χριστού. Το μεγαλειώδες σύνολο, που περιλαμβάνει περισσότερες από τριακόσιες φιγούρες, μοιάζει να είναι ένας εμπνευσμένος ύμνος στην ομορφιά, τη δύναμη, το μυαλό του ανθρώπου, την εξύμνηση της δημιουργικής ιδιοφυΐας και των ηρωικών του κατορθωμάτων. Ακόμη και στην εικόνα του Θεού - ενός μεγαλοπρεπούς ισχυρού γέρου, η δημιουργική παρόρμηση τονίζεται πρώτα απ 'όλα, που εκφράζεται στις κινήσεις των χεριών του, σαν να είναι πραγματικά ικανός να δημιουργήσει κόσμους και να δώσει ζωή σε ένα άτομο. Τιτανική δύναμη, διάνοια, διορατική σοφία και υπέροχη ομορφιά χαρακτηρίζουν τις εικόνες των προφητών: βαθιά θρηνητικός Ιερεμίας, ποιητικά εμπνευσμένος Ησαΐας, η πανίσχυρη Cuma Sibyl, η όμορφη νεαρή Δελφική Σίβυλλα. Οι χαρακτήρες που δημιούργησε ο Μιχαήλ Άγγελος έχουν μια τεράστια δύναμη γενίκευσης. για κάθε χαρακτήρα βρίσκει μια ειδική πόζα, στροφή, κίνηση, χειρονομία.
Εάν οι τραγικές σκέψεις ενσωματώνονταν σε μεμονωμένες εικόνες των προφητών, τότε στις εικόνες των γυμνών νεαρών ανδρών, των λεγόμενων σκλάβων, μεταφέρεται ένα αίσθημα χαράς της ύπαρξης, ακατάσχετη δύναμη και ενέργεια. Οι φιγούρες τους, που παρουσιάζονται σε περίπλοκες περικοπές, σε κινήσεις, λαμβάνουν την πιο πλούσια πλαστική ανάπτυξη. Όλοι τους, χωρίς να καταστρέψουν το επίπεδο των θόλων, τους εμπλουτίζουν, αποκαλύπτουν τεκτονικές, ενισχύοντας γενική εντύπωσηαρμονία. Ο συνδυασμός μεγαλειώδους ζυγαριάς, έντονης δύναμης δράσης, ομορφιάς και ηρεμίας του χρώματος γεννά ένα αίσθημα ελευθερίας και εμπιστοσύνης στον θρίαμβο του ανθρώπου.

Βόρεια Αναγέννηση

Η αναβίωση ήταν ένα διεθνές φαινόμενο που αγκάλιασε, εκτός από την Ιταλία, όπου εκφράστηκε με τη μεγαλύτερη δύναμη, και την Ολλανδία, τη Γερμανία, τη Γαλλία και την Ισπανία. εμφανίστηκε σήμερα ειδικός όρος«Northern Renaissance», που περιγράφει τα χαρακτηριστικά της Αναγέννησης σε άλλες χώρες της Ευρώπης. Σημαίνει «όχι μόνο ένα καθαρά γεωγραφικό χαρακτηριστικό, αλλά και ορισμένα χαρακτηριστικά της Αναγέννησης στην Αγγλία, τη Γερμανία, την Ισπανία, την Ολλανδία, την Ελβετία και τη Γαλλία. Πολύ σημαντικό χαρακτηριστικόΗ Βόρεια Αναγέννηση ήταν ότι έλαβε χώρα κατά την περίοδο της Μεταρρύθμισης, και επίσης ότι στον πολιτισμό των λαών αυτών των χωρών, για ιστορικούς λόγους, δεν υπήρχε τόση αφθονία μνημείων της αρχαιότητας όπως στην Ιταλία.

Αναμόρφωση(από το λατ. reformatio - μεταμόρφωση) ήταν το ίδιο ισχυρό θρησκευτικό κίνημα, που είναι τώρα, για παράδειγμα, ο φονταμενταλισμός στις ισλαμικές χώρες. Και οι δύο υποστήριξαν την επιστροφή στις αρχικές αξίες της πίστης (στα θεμέλιά της) και απαίτησαν σοβαρές αλλαγές (μεταρρύθμιση) της υπάρχουσας θρησκευτικής πρακτικής.

Η αρχή της Μεταρρύθμισης σηματοδοτήθηκε από μια ομιλία το 1517 στη Γερμανία από τον Μάρτιν Λούθηρο (1483-1546), ο οποίος πρότεινε 95 θέσεις που απέρριπταν τις βασικές αρχές του Καθολικισμού. Οι ιδεολόγοι της Μεταρρύθμισης αρνήθηκαν την αναγκαιότητα της Καθολικής Εκκλησίας με την ιεραρχία και τον κλήρο της γενικότερα, τα δικαιώματα της Εκκλησίας στα πλούτη, απορρίπτοντας την Καθολική Ιερά Παράδοση στο σύνολό της. Κάτω από το ιδεολογικό λάβαρο της Μεταρρύθμισης έγιναν οι πόλεμοι των αγροτών του 1524-1526. στη Γερμανία, την Ολλανδία και την Αγγλική Επανάσταση. Η Μεταρρύθμιση σηματοδότησε την αρχή του Προτεσταντισμού (με τη στενή έννοια, η Μεταρρύθμιση είναι η πραγματοποίηση θρησκευτικών μετασχηματισμών στο πνεύμα της).

Γερμανική Αναγέννησηήταν το τέλος της πνευματικής (λουθηρανική μεταρρύθμιση) και της κοινωνικής (άνοδος της αγροτιάς) κρίσης, που κράτησε μισό αιώνα και άλλαξε πολύ τη μεσαιωνική Γερμανία. Με το έργο τριών καλλιτεχνών - του Grunewald (μεταξύ 1470 και 1475-1528), του Dürer (1471-1528) και του Holbein the Younger (1497 ή 1498-1543) - συνδέεται η «χρυσή εποχή» της γερμανικής ζωγραφικής. Χωρίς την ακεραιότητα της Ιταλικής Αναγέννησης, η Γερμανική Αναγέννηση αναπτύχθηκε σε μια χρονολογικά σύντομη περίοδο και δεν είχε τη λογική της συνέχεια.

Ένας εξαιρετικός εκπρόσωπος της Αναγέννησης στη Γερμανία, το έργο του οποίου καθόρισε τη γερμανική τέχνη για μεγάλο χρονικό διάστημα, ήταν ο ζωγράφος και χαράκτης Dürer. Πιστεύεται ότι ο Dürer ήταν εξίσου προικισμένος ως ζωγράφος, χαράκτης και σχεδιαστής. Το σχέδιο και η χαρακτική καταλαμβάνουν μια μεγάλη, μερικές φορές ακόμη και ηγετική θέση σε αυτόν. Η κληρονομιά του Dürer ως συντάκτη, που αριθμεί περισσότερα από 900 φύλλα, μπορεί να συγκριθεί μόνο με την κληρονομιά του Leonardo da Vinci στην απεραντοσύνη και την ποικιλομορφία της. Κατέκτησε έξοχα όλα τα γνωστά τότε γραφικές τεχνικές- από μια ασημένια καρφίτσα και ένα στυλό από καλάμι σε ένα ιταλικό μολύβι, κάρβουνο, ακουαρέλα Όσο για τους δασκάλους της Ιταλίας, το σχέδιο έγινε γι 'αυτόν το πιο σημαντικό στάδιο της δουλειάς στη σύνθεση, συμπεριλαμβανομένων σκίτσων, μελετών κεφαλιών, χεριών, ποδιών, κουρτίνες. Είναι ένα εργαλείο μάθησης χαρακτηριστικούς τύπους- χωρικοί, κομψοί κύριοι, fashionistas της Νυρεμβέργης. Ο Dürer είχε τεράστια επιρροή στην ανάπτυξη της γερμανικής τέχνης από την πρώτη μισό του XVIαιώνας. Ο μεγαλύτερος χαράκτης της Ευρώπης, ο Dürer έγινε διάσημος για τον κύκλο έργων του με θέμα την Αποκάλυψη (1498).

Η πολύπλευρη δραστηριότητά του έγινε μια από τις ενσαρκώσεις του «τιτανισμού» της Αναγέννησης. Είναι ο μόνος κύριος της Βόρειας Αναγέννησης, ο οποίος, προς την κατεύθυνση και την ευελιξία των ενδιαφερόντων του, την επιθυμία να κυριαρχήσει τους νόμους της τέχνης, την ανάπτυξη τέλειων αναλογιών της ανθρώπινης φιγούρας και τους κανόνες της προοπτικής κατασκευής, μπορούν να συγκριθούν με τους μεγαλύτερους δασκάλουςΙταλική Αναγέννηση. Η ακμή της τέχνης της γερμανικής Αναγέννησης αποκαλείται συχνά «εποχή Dürer».

Σύγχρονοι του Dürer ήταν οι μεγάλοι δεξιοτέχνες της ζωγραφικής Hans Holbein ο νεότερος, Grunewald και Lucas Cranach ο Πρεσβύτερος (1472-1553).

Ακριβή, καθαρά στον χαρακτηρισμό πορτρέτα (ζωγραφική και σχέδιο) του Holbein the Younger, πίνακές του με θρησκευτικά θέματα, χαρακτικά χαρακτηρίζονται από ρεαλισμό, σαφήνεια και μεγαλείο της τέχνης της Αναγέννησης, μνημειακή ακεραιότητα της σύνθεσης («Dead Christ», 1521). Ο Grunewald, του οποίου η ζωή είναι ακόμη ελάχιστα μελετημένη, αντιπροσωπεύει μια άλλη κατεύθυνση της γερμανικής Αναγέννησης: τα συναισθήματα για αυτόν κυριαρχούν στη λογική και η υποκειμενικότητα - έναντι της αντικειμενικής ανάλυσης. Η ιδιοφυΐα του καλλιτέχνη ενσωματώθηκε στο κύριο έργο - "Isenheim Altar" (1512-1515), όπου μυστικιστικές εικόνεςσυνυπάρχουν με ανθρωπιστικούς, φωτισμένους. Το έργο του, που συνδέεται με την ιδεολογία των κατώτερων τάξεων και τις αιρέσεις, είναι γεμάτο δραματική δύναμη, ένταση και δυναμισμό.

Μεταξύ των ταλαντούχων δημιουργών της Γερμανικής Αναγέννησης, τιμητική θέση κατέχει ο προσωπογράφος Lucas Cranach ο Πρεσβύτερος, ο αυλικός ζωγράφος του Φρειδερίκου του Σοφού και φίλος του Μ. Λούθηρου, χάρη στο έργο του οποίου το τοπίο έλαβε ιδιαίτερη ανάπτυξη. Έθεσε τα θεμέλια για τη σχολή του τοπίου, γνωστή ως Σχολή του Δούναβη.

Αναγέννηση στην Αγγλία. Η ΑΓΓΛΙΚΗ Αναγέννηση έγινε διάσημη όχι τόσο για τη ζωγραφική και την αρχιτεκτονική όσο για το θέατρο. Η ακμή του ήρθε στα τέλη του 16ου - αρχές του 17ου αιώνα, φτάνοντας στο απόγειό του στο έργο του Ουίλιαμ Σαίξπηρ (1564-1616). Το τέλος του 16ου αιώνα ήταν μια περίοδος άνευ προηγουμένου αναβίωσης της θεατρικής ζωής στην Αγγλία, εποχή οικονομικής ανάκαμψης και μετατροπής της χώρας σε παγκόσμια δύναμη. Ονομάζεται και «ελισαβετιανή εποχή». Το κύρος του θεάτρου μεγάλωσε. ηθοποιοί, προηγουμένως περιφρονημένοι περιπλανώμενοι κωμικοί, περιβαλλόταν από την καθολική προσοχή, απολάμβαναν την προστασία των προστάτων των ευγενών. Το 1576, άνοιξε το πρώτο δημόσιο θέατρο στο Λονδίνο· στα μέσα της δεκαετίας του '80, υπήρχαν ήδη αρκετά τέτοια θέατρα. Ο θίασος του Σαίξπηρ, ο οποίος έλαβε βασιλικό καθεστώς το 1589, άλλαξε περισσότερες από μία σκηνές, μέχρι που τελικά το 1598-1599. κανένα μόνιμο κτίριο δεν χτίστηκε για αυτό, που ονομαζόταν Globe Theatre. Ο θεατρικός συγγραφέας Σαίξπηρ έγινε συνιδιοκτήτης του θεάτρου. Τα έργα του Σαίξπηρ (συνολικά είναι 37) αντανακλούσαν την πολιτική και πνευματική ζωή της Αγγλίας εκείνης της εποχής.

Οι πρώτες κωμωδίες του Σαίξπηρ, ιδιαίτερα το «Πολλή φασαρία για το τίποτα» (1598), είναι εμποτισμένες με αισιοδοξία. Ωστόσο, στο γύρισμα του XVI και XVII αιώνα. η νοοτροπία του έχει αλλάξει. Τα τελευταία χρόνιαΗ βασιλεία της Ελισάβετ σημαδεύτηκε από λαϊκή αναταραχή και οικονομική παρακμή. Έπεσε η εξουσία του κράτους και της Εκκλησίας. Οι τραγωδίες "Romeo and Juliet" (1595), "Amlet" (1601), "Othello" (1604), "King Lear" (1605) δείχνουν την κρίση των οικουμενικών αξιών και ηθικής. Οι ήρωες του Σαίξπηρ είναι άτομα που σκέφτονται, αισθάνονται και υποφέρουν που βιώνουν την απώλεια προσανατολισμών ζωής και ο κόσμοςανίκανοι να τους βοηθήσουν να βρουν τον εαυτό τους.

1. ΕΙΣΑΓΩΓΗ

«Αναγέννηση» (Renaissance) είναι ένας όρος που εισήγαγε ο αρχιτέκτονας, ζωγράφος και ιστορικός Giorgio Vasari για να ορίσει την εποχή κατά την οποία το πολιτιστικό κίνημα κλήθηκε να αναβιώσει την αρχαιότητα και να ανοίξει προοπτικές για την ανάπτυξη του δυτικού πολιτισμού. Η εποχή του Μεσαίωνα θεωρήθηκε ως ένα διάλειμμα στην ανάπτυξη των πολιτισμών, ήταν μια περίοδος βαρβαρότητας και άγνοιας. Η αναγέννηση ξεκίνησε από την Ιταλία και συνδέθηκε πρωτίστως με την εμφάνιση των αστικών σχέσεων στη φεουδαρχική κοινωνία, και ως εκ τούτου, την εμφάνιση μιας νέας κοσμοθεωρίας. Ξεκίνησε μια επιστροφή στα ξεχασμένα επιτεύγματα του αρχαίου πολιτισμού. Όλες οι αλλαγές ήταν πιο εμφανείς στο έργο των ανθρώπων της τέχνης.

Η ανάπτυξη των πόλεων και η ανάπτυξη της βιοτεχνίας, η άνοδος του παγκόσμιου εμπορίου, οι μεγάλες γεωγραφικές ανακαλύψεις του τέλους του 15ου και των αρχών του 16ου αιώνα, άλλαξαν τη ζωή της μεσαιωνικής Ευρώπης. Ο αστικός πολιτισμός δημιούργησε νέους ανθρώπους και διαμόρφωσε μια νέα στάση ζωής. Εμφανίστηκε η τυπογραφία, η οποία άνοιξε ευκαιρίες για τη διάδοση λογοτεχνικών και επιστημονικών έργων.

Αυτή τη στιγμή, η ιταλική κοινωνία αρχίζει να ενδιαφέρεται ενεργά για τον πολιτισμό. Αρχαία Ελλάδακαι Ρώμη, αναζητούνται χειρόγραφα αρχαίων συγγραφέων. Διάφοροι τομείς της κοινωνικής ζωής - τέχνη, φιλοσοφία, λογοτεχνία, εκπαίδευση, επιστήμη - γίνονται όλο και πιο ανεξάρτητοι και ανεξάρτητοι από την εκκλησία. Το κέντρο της προσοχής στην Αναγέννηση ήταν ένα άτομο, επομένως η κοσμοθεωρία των φορέων αυτού του πολιτισμού υποδηλώνεται με τον όρο "ανθρωπιστικό" (από το λατινικό humanitas - ανθρωπότητα). Για τους Ιταλούς ουμανιστές, το κύριο πράγμα ήταν η εστίαση του ανθρώπου στον εαυτό του. Η μοίρα του βρίσκεται σε μεγάλο βαθμό στη δική του δικά τους χέριαΕίναι προικισμένος από τον Θεό με ελεύθερη βούληση.

Οι ουμανιστές της Αναγέννησης πίστευαν ότι αυτό που έχει σημασία σε έναν άνθρωπο δεν είναι η καταγωγή του ή κοινωνική θέση, ένα προσωπικές ιδιότητες. Οπως και " τέλειο άτομο«Αναγνωρίστηκε μια ισχυρή, ταλαντούχα και πλήρως ανεπτυγμένη προσωπικότητα. Οι αστικές αρετές άρχισαν να θεωρούνται η κύρια αξιοπρέπεια του ατόμου. «Πρέπει να κρίνεις έναν άνθρωπο από τις ιδιότητές του και όχι από τα ρούχα του», όπως λέει έξυπνα ένας αρχαίος συγγραφέας, «ξέρεις γιατί σου φαίνεται τόσο ψηλός; Σε ξεγελάει το ύψος των τακουνιών του: η πλίνθος δεν είναι ακόμα άγαλμα. Μετρήστε ένα άτομο χωρίς ξυλοπόδαρα. Αφήστε τον να αφήσει στην άκρη τα πλούτη και τη θέση του και να σταθεί μπροστά σας με ένα πουκάμισο».

Οι ουμανιστές εμπνεύστηκαν από την αρχαιότητα, που τους χρησίμευσε ως πηγή γνώσης και υπόδειγμα καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. Η τέχνη της Αναγέννησης έθεσε τα θεμέλια του ευρωπαϊκού πολιτισμού της σύγχρονης εποχής. Όλα τα κύρια είδη τέχνης - ζωγραφική, γραφικά, γλυπτική, αρχιτεκτονική - έχουν αλλάξει πολύ.

Στην εποχή Ιταλική ΑναγέννησηΣυνηθίζεται να διακρίνουμε διάφορες περιόδους: την Πρωτο-Αναγέννηση (δεύτερο μισό 13ου-14ου αιώνα), την πρώιμη Αναγέννηση (15ος αιώνας), την Υψηλή Αναγέννηση (τέλη 15ου - πρώτες δεκαετίες του 16ου αιώνα), την ύστερη Αναγέννηση (τα δύο τελευταία τρίτα του 16ου αιώνα).

2. ΑΞΙΑΚΑ ΘΕΜΕΛΙΑ ΤΗΣ ΑΝΑΓΕΝΝΙΣΤΙΚΗΣ ΤΕΧΝΗΣ

Η Αναγέννηση χαρακτηρίζεται από τη λατρεία της ομορφιάς, ιδιαίτερα την ομορφιά του ανθρώπου. Η ιταλική ζωγραφική απεικονίζει όμορφους, τέλειους ανθρώπους.

Οι καλλιτέχνες και οι γλύπτες προσπάθησαν στη δουλειά τους για φυσικότητα, για μια ρεαλιστική αναπαράσταση του κόσμου και του ανθρώπου. Η επίπεδη εικόνα δεν χρησιμοποιήθηκε πλέον, η ζωγραφική εμπλουτίστηκε με γραμμική και εναέρια προοπτική, λύθηκαν οι γνώσεις της ανατομίας και των αναλογιών του ανθρώπινου σώματος, τα προβλήματα ακριβούς σχεδίασης, φυσικής κίνησης.

Τα αντικείμενα τέχνης είναι το ανθρώπινο σώμα, μοντέρνα και θρησκευτικά θέματα. Προσοχή, το ενδιαφέρον των καλλιτεχνών επικεντρωνόταν όλο και περισσότερο στον άνθρωπο και σε οτιδήποτε τον περιβάλλει. Ωστόσο, η τέχνη Πρώιμη Αναγέννησηήταν πολύπλοκο, αντιφατικό, και αυτή η αντίφαση τον οδήγησε μπροστά. Στην τέχνη της Πρώιμης Αναγέννησης, μαζί με τις μικρολεπτομέρειες, υπάρχει μια συνείδηση ​​μιας γενικευμένης, μνημειακής και ηρωικής εικόνας ενός τέλειου ανθρώπου.

Ο άνθρωπος στην Αναγέννηση γίνεται πάλι το κύριο θέμα της τέχνης και το ανθρώπινο σώμα θεωρείται η πιο τέλεια μορφή στη φύση. Ο ανθρωπιστικός πολιτισμός της Αναγέννησης διαποτίζεται από το όνειρο ενός νέου ανθρώπου και του νέου του πνευματική ανάπτυξη. Οι αστικές αρετές άρχισαν να θεωρούνται η κύρια αξιοπρέπεια του ατόμου. Η θεοκεντρική συνείδηση ​​άρχισε να αντικαθίσταται από την ανθρωποκεντρική. Οι ιδέες του ανθρωπισμού ενσωματώθηκαν πιο ζωντανά και πλήρως στην τέχνη, το κύριο θέμα της οποίας ήταν ένα όμορφο, αρμονικά ανεπτυγμένο άτομο με απεριόριστα πνευματικά και δημιουργικές δυνατότητες. Η τέχνη της Αναγέννησης είναι διαποτισμένη από ανθρωπισμό, πίστη στις δημιουργικές δυνάμεις του ανθρώπου, στο απεριόριστο των δυνατοτήτων του, στον θρίαμβο της προόδου. Οι φιγούρες στη ζωγραφική αποκτούν όγκο και μια αισθητή επιθυμία, είναι αλήθεια, να αποδώσουν την ανατομία του ανθρώπινου σώματος.

Τα σημάδια της αστικής κουλτούρας και η εμφάνιση μιας νέας κοσμοθεωρίας ήταν ιδιαίτερα έντονα τον 15ο αιώνα. Ακριβώς όμως επειδή ο σχηματισμός νέο πολιτισμό, και η νέα κοσμοθεωρία δεν ολοκληρώθηκε, ο XV αιώνας είναι γεμάτος δημιουργική ελευθερία, τολμηρή τόλμη, θαυμασμό για την ανθρώπινη ατομικότητα. Αυτή είναι η εποχή του ανθρωπισμού, της πίστης στην απεριόριστη δύναμη του μυαλού, η εποχή του διανοούμενου. Η αντίληψη της πραγματικότητας ελέγχεται από την εμπειρία, που ελέγχεται από το μυαλό. Επομένως, το πνεύμα της τάξης είναι τόσο χαρακτηριστικό της τέχνης της Αναγέννησης. Η ανατομία, το δόγμα των αναλογιών του ανθρώπινου σώματος έχει μεγάλη σημασία για τους καλλιτέχνες.

Η αρχαιότητα αποκτά αξία ανεξάρτητης αξίας και παίζει μεγάλο ρόλοστη διαμόρφωση του κοσμικού πολιτισμού. Για την τέχνη, χαρακτηριστικά αρχαίας απλότητας και αρμονίας γίνονται χαρακτηριστικά στην αρχιτεκτονική. Οι βιβλιοθήκες περιέχουν μια πλούσια συλλογή αρχαίων χειρογράφων. Υπάρχουν μουσεία γεμάτα με αγάλματα, θραύσματα αρχαίας αρχιτεκτονικής. Η αρχαία Ρώμη αποκαθίσταται. Όμως η επιρροή της αρχαιότητας υπερκαλύπτεται στις παραδόσεις του Μεσαίωνα και στη χριστιανική τέχνη, που προσδίδει σύνθετο χαρακτήρα στον πολιτισμό της αναβίωσης.

Στην τέχνη, τα προβλήματα του πολιτικού καθήκοντος, οι υψηλές ηθικές ιδιότητες, ο ηρωισμός, η εικόνα ενός αρμονικά αναπτυγμένου, δυνατός στο πνεύμακαι το σώμα ενός ανθρώπινου ήρωα που κατάφερε να ανέβει πάνω από το επίπεδο της καθημερινότητας. Η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης αποκηρύσσει μικρές λεπτομέρειες στο όνομα του γενική εικόνα, επιδιώκοντας την αρμονία των όμορφων πτυχών της ζωής. Η ζωγραφική πορτρέτων αναπτύσσεται και γίνεται ένα από τα σημαντικά επιτεύγματα της Αναγέννησης. Η γλυπτική ήταν η πιο διάσημη μορφή τέχνης και άκμασε με την καθιέρωση του μπαρόκ. Στην ύστερη Αναγέννηση, υπήρχαν λιγότερες ψευδαισθήσεις και περισσότερος ρεαλισμός στην κατανόηση της πραγματικότητας. Τα ιδανικά της ομορφιάς και της αρμονίας κατανοήθηκαν πλήρως και έγιναν ακόμη ο κανόνας, γεγονός που επηρέασε διάφορους τύπους δημιουργικής δραστηριότητας.

3. ΙΤΑΛΙΚΗ ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗ

Με την αφθονία των ταλαντούχων τεχνιτών, το εύρος της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, η Ιταλία ήταν μπροστά από όλες τις άλλες ευρωπαϊκές χώρες τον 15ο αιώνα. Οι αλλαγές στην τέχνη επηρέασαν πρώτα απ' όλα τη γλυπτική. Στα έργα του πλοιάρχου Niccolo Pisano, μπορεί να εντοπιστεί μια σαφής επίδραση της αρχαιότητας. Όμως η αρχή μιας νέας εποχής συνδέεται με το όνομα του ζωγράφου Giotto di Bondone (1266;-1337). Από τα έργα του, διατηρούνται καλύτερα οι τοιχογραφίες του παρεκκλησίου ντελ Αρένα στην Πάντοβα σε σκηνές ευαγγελίου, όπου μπορεί ήδη να ανιχνευθεί η επιθυμία να αποδοθεί πιστά η ανατομία του ανθρώπινου σώματος. Ο άντρας του Τζιότο αντιστέκεται στα χτυπήματα της μοίρας. Είναι έτοιμος να υπομείνει τις αντιξοότητες χωρίς να χάσει την καρδιά του, χωρίς να σκληραγωγηθεί ενάντια στους ανθρώπους. Μια τέτοια κατανόηση δεν έρχεται σε αντίθεση με την μεσαιωνική εκκλησιαστική ηθική, αλλά ανύψωσε ένα άτομο, επιβεβαίωσε τον εαυτό του, του έδωσε σθένος.

Στις εικαστικές τέχνες έχουν διαμορφωθεί αρκετές σχολές με τα δικά τους μοναδικά στιλιστικά χαρακτηριστικά.

3.1. ΣΧΟΛΕΙΟ ΦΛΩΡΕΝΤΙΝΗΣ XV αιώνας

Μόλις τον 15ο αιώνα άρχισαν να εμφανίζονται τα χαρακτηριστικά του νέου στυλ στην αρχιτεκτονική της Ιταλίας. Ο Filippo Brunelleschi (1377-1446) ολοκλήρωσε το 1434 τον καθεδρικό ναό της Φλωρεντίας με έναν τεράστιο τρούλο, ένα γοτθικό κτίριο που ξεκίνησε το 1295. Η κοσμική αρχιτεκτονική του palazzo χαρακτηρίζεται από έναν συνδυασμό του απόρθητου εξωτερικού φρουρίου με μια εσωτερική ατμόσφαιρα άνεσης.

Στην εκκλησιαστική αρχιτεκτονική εμφανίζεται η όψη των προσόψεων των εκκλησιών με πολύχρωμο μάρμαρο, γι' αυτό και η πρόσοψη γίνεται «ριγέ» - χαρακτηριστικό γνώρισμα της ιταλικής Αναγέννησης.

Το νέο γλυπτό γεννήθηκε το 1401, όταν διοργανώθηκε διαγωνισμός για τη διακόσμηση των θυρών των βαπτιστικών θυρών του καθεδρικού ναού της Φλωρεντίας. Ο γλύπτης που έπρεπε να λύσει τα προβλήματα της ευρωπαϊκής πλαστικότητας - στρογγυλή γλυπτική, μνημείο - ήταν ο Donato di Niccolò di Betto Bardi (1386;-1466). Γοτθικές αναμνήσεις παρατηρούνται και στην τέχνη του. Ο Ντονατέλο λύνει το πρόβλημα της ανατροφής μιας ανθρώπινης φιγούρας σύμφωνα με τους νόμους της πλαστικότητας, που αναπτύχθηκαν στην αρχαιότητα, αλλά ξεχάστηκαν στον Μεσαίωνα. Το άγαλμα του Αγίου Γεωργίου, που εκτελέστηκε από τον Donatello, ενσαρκώνει το ιδανικό της πρώιμης Αναγέννησης: μια αίσθηση αυτοσυνείδησης και εμπιστοσύνης σε αυτή την εικόνα τονίζεται από την ελεύθερη, ήρεμη στάση μιας φιγούρας που μοιάζει με στήλη. Αυτός δεν είναι «ένας εξανθρωπισμένος θεός της αρχαιότητας, αλλά ένας θεοποιημένος άνθρωπος μιας νέας εποχής» (N. Punin).

Ο Donatello έχει επίσης την τιμή να δημιουργήσει το πρώτο ιππικό μνημείο στην Αναγέννηση. Αυτό είναι ένα έφιππο άγαλμα του condottiere Erasmo di Narni στην Πάντοβα.

Χρησιμοποιώντας τις καλύτερες παραδόσεις της τέχνης του Μεσαίωνα, έχοντας μελετήσει την αρχαία πλαστική τέχνη, ο Donatello ήρθε στα δικά του δικές του αποφάσεις, σε εικόνες βαθιάς ανθρωπιάς και γνήσιου ρεαλισμού, που εξηγεί τη μεγάλη επιρροή του σε όλη τη μετέπειτα ευρωπαϊκή γλυπτική.

Ο πρωταγωνιστικός ρόλος στη ζωγραφική της πρώιμης Αναγέννησης της Φλωρεντίας έπεσε στον Tommaso di Giovanni di Simone Cassan Guidi, γνωστό ως Masaccio (1401-1428). Έλυσε εκείνα τα προβλήματα της εικαστικής τέχνης που είχε θέσει ο Τζιότο πριν. Ο Masaccio έδειξε ότι είναι ένας καλλιτέχνης, για τον οποίο ήταν ξεκάθαρο πώς να τοποθετούν φιγούρες στο διάστημα, πώς να τις συνδέουν μεταξύ τους και με το τοπίο, ποιοι είναι οι νόμοι της ανατομίας του ανθρώπινου σώματος. Έλυσε τα κύρια προβλήματα της Αναγέννησης - γραμμική και εναέρια προοπτική.

Η Αναγέννηση ή Αναγέννηση μας χάρισε πολλά σπουδαία έργα τέχνης. Ήταν μια ευνοϊκή περίοδος για την ανάπτυξη της δημιουργικότητας. Τα ονόματα πολλών σπουδαίων καλλιτεχνών συνδέονται με την Αναγέννηση. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio - αυτό είναι μόνο ένα μικρό μέρος των ονομάτων των δημιουργών εκείνης της εποχής.

Αυτή η περίοδος συνδέεται με την εμφάνιση νέων στυλ και ζωγραφικής. Η προσέγγιση για την απεικόνιση του ανθρώπινου σώματος έχει γίνει σχεδόν επιστημονική. Οι καλλιτέχνες προσπαθούν για την πραγματικότητα - επεξεργάζονται κάθε λεπτομέρεια. Οι άνθρωποι και τα γεγονότα στους πίνακες εκείνης της εποχής φαίνονται εξαιρετικά ρεαλιστικά.

Οι ιστορικοί εντοπίζουν αρκετές περιόδους στην ανάπτυξη της ζωγραφικής κατά την Αναγέννηση.

Gothic - 1200s. Δημοφιλές στυλ στο δικαστήριο. Διακρίθηκε από πομπωδία, επιπολαιότητα, υπερβολική χρωματικότητα. Χρησιμοποιείται ως βαφές. Οι πίνακες ήταν τα θέματα των οποίων ήταν οικόπεδα του βωμού. Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποι αυτής της τάσης είναι οι Ιταλοί καλλιτέχνες Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Σάντρο Μποτιτσέλι

Πρωτο-Αναγέννηση - 1300. Αυτή την εποχή, υπάρχει μια αναδιάρθρωση των ηθών στη ζωγραφική. Τα θρησκευτικά θέματα ξεθωριάζουν στο παρασκήνιο και τα κοσμικά κερδίζουν όλο και μεγαλύτερη δημοτικότητα. Ο πίνακας παίρνει τη θέση της εικόνας. Οι άνθρωποι απεικονίζονται πιο ρεαλιστικά, οι εκφράσεις του προσώπου και οι χειρονομίες γίνονται σημαντικές για τους καλλιτέχνες. Εμφανίζεται ένα νέο είδος καλών τεχνών -. Εκπρόσωποι αυτής της εποχής είναι οι Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Πρώιμη Αναγέννηση - 1400. Η άνοδος της μη θρησκευτικής ζωγραφικής. Ακόμα και τα πρόσωπα στα εικονίδια γίνονται πιο ζωντανά - αποκτούν ανθρώπινα χαρακτηριστικάπρόσωπα. Καλλιτέχνες παλαιότερων περιόδων προσπάθησαν να ζωγραφίσουν τοπία, αλλά χρησίμευσαν μόνο ως προσθήκη, ως φόντο στην κύρια εικόνα. Κατά την Πρώιμη Αναγέννηση γίνεται ανεξάρτητο είδος. Το πορτρέτο συνεχίζει να αναπτύσσεται. Οι επιστήμονες ανακαλύπτουν το νόμο της γραμμικής προοπτικής και οι καλλιτέχνες χτίζουν τους πίνακές τους σε αυτή τη βάση. Στους καμβάδες τους μπορείτε να δείτε τον σωστό τρισδιάστατο χώρο. Οι εξέχοντες εκπρόσωποι αυτής της περιόδου είναι οι Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Υψηλή Αναγέννηση - Χρυσή Εποχή. Οι ορίζοντες των καλλιτεχνών γίνονται ακόμη ευρύτεροι - τα ενδιαφέροντά τους εκτείνονται στον χώρο του Κόσμου, θεωρούν τον άνθρωπο ως το κέντρο του σύμπαντος.

Αυτή τη στιγμή εμφανίζονται οι «τιτάνες» της Αναγέννησης - ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι, ο Μιχαήλ Άγγελος, ο Τιτσιάν, ο Ραφαέλ Σάντι και άλλοι. Πρόκειται για ανθρώπους που τα ενδιαφέροντά τους δεν περιορίζονταν στη ζωγραφική. Οι γνώσεις τους επεκτάθηκαν πολύ περισσότερο. Ο πιο επιφανής εκπρόσωπος ήταν ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι, ο οποίος ήταν όχι μόνο σπουδαίος ζωγράφος, αλλά και επιστήμονας, γλύπτης, θεατρικός συγγραφέας. Δημιούργησε φανταστικές τεχνικές στη ζωγραφική, όπως το «smuffato» - η ψευδαίσθηση της ομίχλης, που χρησιμοποιήθηκε για τη δημιουργία της περίφημης «La Gioconda».

Λεονάρντο Ντα Βίντσι

Ύστερη Αναγέννηση- το ξεθώριασμα της Αναγέννησης (μέσα του 1500 - τέλη του 1600). Αυτή η περίοδος συνδέεται με αλλαγές, μια θρησκευτική κρίση. Η ακμή τελειώνει, οι γραμμές στους καμβάδες γίνονται πιο νευρικές, ο ατομικισμός φεύγει. Η εικόνα των πινάκων γίνεται όλο και περισσότερο πλήθος. Ταλαντούχα έργα εκείνης της εποχής ανήκουν στην πένα του Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Πάολο Βερονέζε

Η Ιταλία έχει δώσει στον κόσμο τα περισσότερα ταλαντούχους καλλιτέχνεςτης Αναγέννησης, αναφέρονται περισσότερο στην ιστορία της ζωγραφικής. Εν τω μεταξύ, σε άλλες χώρες κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, αναπτύχθηκε και η ζωγραφική, και επηρέασε την ανάπτυξη αυτής της τέχνης. Η ζωγραφική άλλων χωρών κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ονομάζεται Βόρεια Αναγέννηση.

Αναγέννηση ή Αναγέννηση (ιταλικά Rinascimento, Γαλλική Αναγέννηση) - αποκατάσταση, αρχαία εκπαίδευση, αναβίωση κλασική λογοτεχνία, τέχνη, φιλοσοφία, ιδανικά αρχαίος κόσμος, παραμορφωμένο ή ξεχασμένο σε "σκοτεινό" και "καθυστερημένο" για Δυτική Ευρώπηπερίοδο του Μεσαίωνα. Ήταν η μορφή που πήρε, από τα μέσα του 14ου έως τις αρχές του 16ου αιώνα, το πολιτιστικό κίνημα που είναι γνωστό με το όνομα ουμανισμός (βλ. συνοπτικά και άρθρα σχετικά). Είναι απαραίτητο να διακρίνουμε τον ουμανισμό από την Αναγέννηση, που είναι μόνο το πιο χαρακτηριστικό γνώρισμα του ουμανισμού, που αναζήτησε υποστήριξη για την κοσμοθεωρία του στην κλασική αρχαιότητα. Η γενέτειρα της Αναγέννησης είναι η Ιταλία, όπου η αρχαία κλασική (ελληνορωμαϊκή) παράδοση, που είχε εθνικό χαρακτήρα για τους Ιταλούς, δεν μαράζωσε ποτέ. Στην Ιταλία, η καταπίεση του Μεσαίωνα δεν έγινε ποτέ ιδιαίτερα έντονη. Οι Ιταλοί αυτοαποκαλούνταν «Λατίνους» και θεωρούσαν τους εαυτούς τους απόγονους των αρχαίων Ρωμαίων. Παρά το γεγονός ότι η αρχική ώθηση για την Αναγέννηση ήρθε εν μέρει από το Βυζάντιο, η συμμετοχή των Βυζαντινών Ελλήνων σε αυτήν ήταν αμελητέα.

Αναγέννηση. ταινία βίντεο

Στη Γαλλία και τη Γερμανία, το αρχαίο στυλ αναμειγνύεται με εθνικά στοιχεία, τα οποία στην πρώτη περίοδο της Αναγέννησης, την Πρώιμη Αναγέννηση, ήταν πιο έντονα από ό,τι στις επόμενες εποχές. Η ύστερη Αναγέννηση ανέπτυξε τα σχέδια αντίκες σε πιο πολυτελείς και ισχυρές μορφές, από τις οποίες αναπτύχθηκε σταδιακά το μπαρόκ. Ενώ στην Ιταλία το πνεύμα της Αναγέννησης διείσδυσε σχεδόν ομοιόμορφα σε όλες τις τέχνες, σε άλλες χώρες μόνο η αρχιτεκτονική και η γλυπτική επηρεάστηκαν από αρχαία μοντέλα. Η Αναγέννηση υπέστη επίσης εθνική αναθεώρηση στην Ολλανδία, την Αγγλία και την Ισπανία. Αφού η Αναγέννηση εκφυλίστηκε σε ροκοκό, ήρθε η αντίδραση, εκφρασμένη με την πιο αυστηρή τήρηση αρχαία τέχνη, ελληνικά και ρωμαϊκά σχέδια σε όλη τους την πρωτόγονη καθαρότητα. Αλλά αυτή η μίμηση (ειδικά στη Γερμανία) οδήγησε τελικά σε υπερβολική ξηρότητα, η οποία στις αρχές της δεκαετίας του '60 του XIX αιώνα. προσπάθησε να ξεπεράσει την επιστροφή στην Αναγέννηση. Ωστόσο, αυτή η νέα κυριαρχία της Αναγέννησης στην αρχιτεκτονική και την τέχνη κράτησε μόνο μέχρι το 1880. Από εκείνη την εποχή το μπαρόκ και το ροκοκό άρχισαν να ανθίζουν ξανά δίπλα του.