Καλλιτέχνες της Αναγέννησης και της λίστας ζωγραφικής τους. Μεγάλοι καλλιτέχνες της Αναγέννησης
Sandro Botticelli (1 Μαρτίου 1445 - 17 Μαΐου 1510) - ένα βαθιά θρησκευτικό πρόσωπο, εργάστηκε σε όλους τους μεγάλους ναούς της Φλωρεντίας και στο παρεκκλήσι της Σιάν του Βατικανού, αλλά στην ιστορία της τέχνης, παρέμεινε κυρίως ως συγγραφέας των μεγάλων- Μορφοποιήστε ποιητικές σπηλαιές στα οικόπεδα εμπνευσμένα από την κλασική αρχαιότητα, - άνοιξη και γέννηση της Αφροδίτης. .
Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η Botticelli ήταν στις σκιές των αναγεννησιακών γίγαντες που εργάστηκαν μετά από αυτόν δεν ήταν ακόμα στη μέση του XIX αιώνα, παραιτούνται από τους βρετανούς προ-αποτυγχάνους, οι οποίοι λατρεύουν την εύθραυστη γραμμικότητα και την ανοιξιάτικη φρεσκάδα του ώριμου καζάνι του για το υψηλότερο σημείο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης.
Γεννήθηκε στην οικογένεια ενός πλούσιου πολίτη του Mariano di Banny Filipei. Πήρε μια καλή εκπαίδευση. Σπούδασε ζωγραφική στον μοναχό Filippo Lippi και υιοθέτησε αυτό το πάθος από αυτόν στην εικόνα των επαφών κίνητρα, τα οποία διαφέρουν στις ιστορικές ζωγραφιές του Lippi. Στη συνέχεια εργάστηκε στον διάσημο γλύπτη Verrocko. Το 1470 οργανώνει το δικό του εργαστήριο.
Πήρε τη λεπτότητα και την ακρίβεια των γραμμών από τον δεύτερο αδελφό του, ο οποίος ήταν κοσμηματοπωλείο. Κάποια στιγμή μελετήθηκε με το Leonardo da Vinci στο εργαστήριο Verrico. Το αρχικό χαρακτηριστικό του δικού του ταλέντου του Botticelli είναι η κλίση να φανταστεί. Ήταν ένας από τους πρώτους που εισάγει την τέχνη της εποχής του έναν αρχαίο μύθο και αλληγορία, και με ιδιαίτερη αγάπη εργάστηκε σε μυθολογικά οικόπεδα. Ιδιαίτερα η επίδραση της Αφροδίτης του, που γκρίνιανε πάνω από τη θάλασσα στο νεροχύτη, και οι θεοί των ανέμων ντους με βροχή από τριαντάφυλλα και κυνηγούν το νεροχύτη στην ακτή.
Η καλύτερη δημιουργία των botticelli, εκείνους που άρχισαν το 1474 στο ξωκλήσι του Σιτίνα του Βατικανού άρχισαν το 1474. Ολοκλήρωσε πολλούς πίνακες ζωγραφικής στις παραγγελίες του Medici. Συγκεκριμένα, ζωγράφισε το πανό του Juliano Medici, Brother Lorenzo υπέροχο. Στις 1470-1480, το πορτρέτο γίνεται ένα ανεξάρτητο είδος στο έργο του Botticelli ("Άνθρωπος με ένα μετάλλιο", εντάξει. 1474; "Νεολαία", 1480s). Ο Botticelli έγινε διάσημος για τη λεπτή αισθητική του γεύση και έργα όπως "Ευαγγελισμός" (1489-1490), "εγκαταλελειμμένο" (1495-1500), κλπ. Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, Botticelli, προφανώς, αριστερά ζωγραφική ..
Το Sandro Botticelli είναι θαμμένο στον επώνυμο Tomb στην εκκλησία του Οντισανίου στη Φλωρεντία. Σύμφωνα με την απόδειξη, θάφτηκε κοντά στον τάφο του Simonetti Vespucci, ενέπνευσε τις πιο όμορφες εικόνες του οδηγού.
Leonardo di Ίδιος Piero da Vinci (15 Απριλίου 1452, το χωριό Άγκιαννο, κοντά στην πόλη Vinci, κοντά στη Φλωρεντία - 2 Μαΐου 1519, - ο μεγάλος ιταλός καλλιτέχνης (ζωγράφος, γλύπτης, αρχιτέκτονας) και επιστήμονας (ανατομία, φυσιοδίφης), εφευρέτης, συγγραφέας, ένα των μεγαλύτερων εκπροσώπων της τέχνης του κόσμου, ένα ζωντανό παράδειγμα ενός "καθολικού προσώπου".
Οι σύγχρονοι μας Leonardo είναι κυρίως γνωστοί ως καλλιτέχνης. Επιπλέον, είναι πιθανό ότι ο Da Vinci θα μπορούσε να είναι ένας γλύπτης: ερευνητές του Πανεπιστημίου Περούτζια - Giancarlo Gennelnie και Carlo Sisi - υποστηρίζουν ότι το κεφάλι της τερακότα που βρήκε από αυτά το 1990 είναι το μόνο γλυπτό έργο του Leonardo da Vinci. Ωστόσο, ο ίδιος ο Vinci, σε διαφορετικές περιόδους της ζωής του, θεωρείται ο ίδιος κυρίως ένας μηχανικός ή επιστήμονας. Έδωσε εικονογραφική τέχνη όχι πολύ χρόνο και λειτούργησε αρκετά αργά. Ως εκ τούτου, η καλλιτεχνική κληρονομιά του Leonardo δεν είναι ποσοτικά μεγάλη, και πολλά από τα έργα του χάνονται ή έχουν υποστεί ζημιά. Ωστόσο, η συμβολή του στην παγκόσμια καλλιτεχνική κουλτούρα είναι εξαιρετικά σημαντική ακόμη και στο παρασκήνιο της ομάδας των ιδιοφυΐων, τις οποίες έδωσε η ιταλική αναβίωση. Χάρη στο έργο του, η τέχνη της ζωγραφικής πέρασε ένα ποιοτικά νέο στάδιο της ανάπτυξής της. Οι προηγούμενοι καλλιτέχνες του Leonardo της Αναγέννησης αρνήθηκαν έντονα πολλές συμβάσεις μεσαιωνικής τέχνης. Ήταν κίνημα προς τον ρεαλισμό και πολλά έχουν ήδη επιτευχθεί στη μελέτη των προοπτικών, της ανατομίας, της μεγαλύτερης ελευθερίας σε σύνθετες λύσεις. Αλλά από την άποψη της ζωγραφικής, η εργασία με το χρώμα, οι καλλιτέχνες ήταν ακόμα αρκετά υπό όρους και εμφανή. Η γραμμή στην εικόνα περιγράφει σαφώς το θέμα και η εικόνα ήταν το είδος ζωγραφισμένου σχεδίου. Το πιο υπόλιλεμο ήταν ένα τοπίο που έπαιξε μικρό ρόλο. .
Ο Leonardo πραγματοποίησε και ενσωματώθηκε μια νέα γραφική τεχνική. Έχει τη γραμμή έχει το δικαίωμα να θολώσει, γιατί έτσι το βλέπουμε. Συνειδητοποίησε τα φαινόμενα της σκέδασης του φωτός στον αέρα και την εμφάνιση του σφουναού - ταλαιπωρία μεταξύ του θεατή και του αντικειμένου που παρουσιάζεται, το οποίο μαλακώνει τις έγχρωμες αντιθέσεις και τις γραμμές. Ως αποτέλεσμα, ο ρεαλισμός στη ζωγραφική μετακόμισε σε ένα ποιοτικά νέο στάδιο. . Revival Picture Botticelli Αναγέννηση
Rafael Santia (28 Μαρτίου, 1483 - 6 Απριλίου 1520) - Μεγάλος Ιταλός ζωγράφος, πρόγραμμα και αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος της ομιλητικής σχολής ..
Ο γιος του ζωγράφου Giovanni Santi πέρασε την αρχική ρουχίνη του Urbino από τον πατέρα του Giovanni Santi, αλλά σε μια νεαρή ηλικία ήταν στο εργαστήριο ενός εξαιρετικού καλλιτέχνη Pietro Perugino. Είναι η καλλιτεχνική γλώσσα και ο σχηματισμός των ζωγραφων του Peezhino με τη βαρύτητά τους σε μια συμμετρική ισορροπημένη σύνθεση, η σαφήνεια της χωρικής λύσης και η απαλότητα στην επίλυση του χρώματος της γεύσης και του φωτισμού, ήταν πρωταρχικής επιρροής στο Maneru των νέων Ραφαήλ.
Είναι απαραίτητο να διευκρινιστεί ότι το δημιουργικό χειρόγραφο του Ραφαήλ περιλάμβανε τη σύνθεση των τεχνικών και τα ευρήματα άλλων δασκάλων. Πρώτον, ο Rafael βασίστηκε στην εμπειρία του Perugino, αργότερα εναλλάξ - για τα ευρήματα Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .
Τα πρώτα έργα ("Madonna Concatented" 1502--1503) εμπλέκονται με χάρη, τον μαλακό λυρισμό. Η γήινη γένεση ενός ατόμου, αρμονία πνευματικών και φυσικών δυνάμεων, δοξασμένη στους πίνακες των δωματίων του Βατικανού (1509-1517), φτάνοντας σε άψογη αίσθηση μέτρου, ρυθμού, αναλογιών, δόλιας γεύσης, ενότητας των αριθμών και τα μεγαλοπρεπή αρχιτεκτονικά υπόβαθρα ..
Στη Φλωρεντία, αγγίζοντας τις δημιουργίες του Michelangelo και του Leonardo, ο Rafael σπούδασε μαζί τους μια ένθετα σωστή εικόνα του ανθρώπινου σώματος. Σε 25 χρόνια, ο καλλιτέχνης πέφτει στη Ρώμη και από αυτή τη στιγμή η περίοδος της υψηλότερης άνθησης του έργου του αρχίζει: εκτελεί μνημειώδεις πίνακες στο παλάτι του Βατικανού (1509--1511), μεταξύ των οποίων το ανεπιφύλακτο αριστούργημα του πλοιάρχου - το Το Fresco "Αθήνα Σχολή", γράφει συνθέσεις βωμών και έργα ζωγραφικής, που χαρακτηρίζεται από την αρμονία του σχεδίου και της απόδοσης, εργάζεται ως αρχιτέκτονας (για κάποιο χρονικό διάστημα ο Ράφαελ οδηγεί ακόμη και την κατασκευή του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου). Στην ακούραστη αναζήτηση για το ιδανικό του, ενσωματώνεται για τον καλλιτέχνη με τη μορφή της Madonna, δημιουργεί την πιο τέλεια δημιουργική δημιουργία - "Sikstinsky Madonna" (1513), ένα σύμβολο της μητρότητας και της αυτο-άρνησης. Οι πίνακες και οι πίνακες του Rafael αναγνωρίστηκαν ως σύγχρονοι, και σύντομα ο Σάντιος έγινε η κεντρική φιγούρα της φυλλοβόλουης ζωής της Ρώμης. Πολλοί ευγενείς άνθρωποι της Ιταλίας ήθελαν να μεγαλώσουν με τον καλλιτέχνη, συμπεριλαμβανομένου ενός στενού φίλου του Raphael Cardinal Bibbien. Ο καλλιτέχνης πέθανε στην ηλικία των τριάντα επτά ετών από την καρδιακή ανεπάρκεια. Οι ημιτελή ζωγραφιές της Farnesina Villa, του Βατικανού Λογγίας και άλλων έργων ολοκληρώθηκαν από τους φοιτητές του Raphael σύμφωνα με τα σκίτσα και τα σχέδια του ..
Ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους της τέχνης υψηλής αναγέννησης, για πίνακες που χαρακτηρίζονται από μια υπογραμμισμένη ισορροπία και αρμονικότητα ολόκληρης της σύνθεσης ισορροπίας, το μέγεθος του ρυθμού και της ευαίσθητης χρήσης των χαρακτηριστικών χρώματος. Η άψογη ιδιοκτησία της γραμμής και η ικανότητα γενικοποίησης και κατανομής του κύριου πράγματος, έκανε τον Rafael έναν από τους σημαντικότερους δασκάλους του σχεδίου όλων των εποχών. Η κληρονομιά του Rafael χρησίμευσε ως ένας από τους πυλώνες στη διαδικασία να γίνει ευρωπαϊκός ακαδημαϊκός. Οι υποστηρικτές του κλασικισμού - αδελφοί Carragechi, Poussin, Mengs, David, Engr, Bullels και πολλοί άλλοι καλλιτέχνες - παραβλέπονται η κληρονομιά του Rafael ως το πιο τέλειο φαινόμενο στην παγκόσμια τέχνη.
Τιτολόγος Veverielio (1476/1477 ή 1480-E - 1576) - Ιταλός ζωγράφος της Αναγέννησης. Το όνομα του Titian είναι σε μια σειρά με τέτοιους καλλιτέχνες της Αναγέννησης, όπως ο Michelangelo, ο Leonardo da Vinci και ο Rafael. Ο Τιττής έγραψε φωτογραφίες σε βιβλικά και μυθολογικά οικόπεδα, έγινε διάσημος και ως πορτραίτο. Διατάχθηκε βασιλιάδες και ρωμαϊκούς μπαμπάδες, καρδινάλια, δούκες και πρίγκιπες. Ο Τίνος δεν ήταν και τριάντα ετών όταν αναγνωρίστηκε ως η καλύτερη Βενετία Ζωγράφος ..
Στον τόπο της γέννησης (Piere-di-Cadore στην επαρχία Belluno), καλείται μερικές φορές ναι στο Kador. Επίσης γνωστό ως Titian Divine ..
Ο Τίνος γεννήθηκε στην οικογένεια των ανθρώπων του Γρηγορίου, του κράτους και του στρατιωτικού ηγέτη. Στην ηλικία των δέκα ετών, στάλθηκε μαζί με τον αδελφό του στη Βενετία για την κατάρτιση στο διάσημο μωσαϊκό Sebastian Dzukkato. Λίγα χρόνια αργότερα, εισήλθε στον μαθητή στο εργαστήριο της Γιοβάννης Bellini. Σπούδασε με Lorenzo Lotto, George Yes Castelfranco (Georgeon) και ένας αριθμός άλλων καλλιτεχνών που αργότερα έγιναν διάσημοι.
Το 1518, ο Τίτς γράφει τη ζωγραφική "Ανάληψη της Παναγίας", το 1515 - Salome με το κεφάλι του Ιωάννη του Βαπτιστή. Από το 1519 έως το 1526, ζωγραφίζει έναν αριθμό βωμών, συμπεριλαμβανομένου του βωμού της οικογένειας Pesaro ..
Ο Τίνος έζησε μια μακρά ζωή. Μέχρι τις τελευταίες ημέρες, δεν σταμάτησε να εργάζεται. Η τελευταία του φωτογραφία, "Περνώντας τον Χριστό", ο Τιττής έγραψε για τη δική του επιτύμβια στήλη. Ο καλλιτέχνης πέθανε από τη πανούκλα στη Βενετία στις 27 Αυγούστου 1576, μολύνθηκε από το γιο του, προκαλώντας τον.
Ο αυτοκράτορας Carl V ονομάζεται Titian στον εαυτό του και περιβάλλεται από αξιότιμο και σεβασμό και είπε περισσότερες από μία φορές: «Μπορώ να δημιουργήσω έναν δούκα, αλλά όπου θα πάρω τον δεύτερο τιτ.» Όταν μια μέρα ο καλλιτέχνης έριξε ένα πινέλο, το Karl V κοίταξε το και είπε: "Σερβίρετε τον Τίχο τιμάται ακόμη και ο αυτοκράτορας". Τόσο οι Ισπανοί και οι Γάλλοι βασιλιάδες κάλεσαν τον τίτλο στον εαυτό τους, εγκατασταθούν στο δικαστήριο, αλλά ο καλλιτέχνης, η εκπλήρωση εντολών, πάντα επέστρεψαν στην μητρική του Βενετία. Από την τιμή του Τιτιανού ονομαζόμενου κρατήρα στον υδράργυρο. .
Αναγέννηση (Αναγέννηση). Ιταλία. XV-XVI αιώνα. Πρώιμος καπιταλισμός. Οι κανόνες της χώρας πλούσιοι τραπεζίτες. Ενδιαφέρονται για την τέχνη και την επιστήμη.
Πλούσια και επιρροή συγκεντρώνονται γύρω από τους ταλαντούχους και σοφούς. Οι ποιητές, οι φιλόσοφοι, οι καλλιτέχνες και οι γλύπτες οδηγούν καθημερινές συνομιλίες με τους προστάτες τους. Για μια στιγμή φαινόταν ότι οι άνθρωποι κυβερνήθηκαν από τους σοφούς, όπως ήθελε ο Πλάτωνας.
Θυμήθηκαν τους αρχαίους Ρωμαίους και τους Έλληνες. Που έχτισαν επίσης μια κοινωνία ελεύθερων πολιτών. Όπου η κύρια αξία είναι ένα άτομο (χωρίς να υπολογίζει τους σκλάβους, φυσικά).
Η αναβίωση δεν αντιγράφει μόνο την τέχνη των αρχαίων πολιτισμών. Αυτό το μείγμα. Μυθολογία και χριστιανισμός. Ρεαλιστική φύση και νοοτροπία εικόνων. Η ομορφιά της φυσικής και ομορφιάς πνευματικής.
Ήταν απλά ένα φλας. Η περίοδος της υψηλής αναγέννησης είναι περίπου 30 ετών! Από το 1490 έως το 1527. Από την αρχή της άνθισης της δημιουργικότητας Leonardo. Πριν από τη λεηλασία της Ρώμης.
Το Mirage του τέλειου κόσμου είναι γρήγορο Dymer. Η Ιταλία ήταν πολύ εύθραυστη. Σύντομα υποδούλωσε ο επόμενος δικτάτορας.
Ωστόσο, αυτά τα 30 χρόνια εντόπισαν τα κύρια χαρακτηριστικά της ευρωπαϊκής ζωγραφικής 500 χρόνια μπροστά! Μέχρι και .
Ρεαλιστική εικόνα. Ανθρωποκεντρισμός (όταν ένα άτομο είναι ο κύριος χαρακτήρας και ο ήρωας). Γραμμική προοπτική. Χρώματα λαδιού. Πορτρέτο. Τοπίο…
Απίστευτο, αλλά αρκετοί έξυπνοι δάσκαλοι έρχονται ταυτόχρονα σε αυτά τα 30 χρόνια. Που σε άλλες εποχές γεννιούνται ένα για 1000 χρόνια.
Leonardo, Michelangelo, Rafael και Titian - τιτάνες της Αναγέννησης. Αλλά είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε τους δύο των προκατόχων τους. Jotto και Mazacho. Χωρίς το οποίο δεν θα υπήρχε αναγέννηση.
1. Jotto (1267-1337)
Paolo stochello. Τζόττο Ναι Δεσχινή. Τμήμα της ζωγραφικής "Πέντε Δάσκαλοι της Γλωσσικής Αναγέννησης". Την αρχή του XVI αιώνα. . XIV αιώνα. Prastoresance. Ο κύριος ήρωας είναι το Jotto. Αυτός είναι ο κύριος που έχει διαπράξει μια επανάσταση στην τέχνη μόνο του. 200 χρόνια πριν από την υψηλή αναγέννηση. Αν δεν ήταν γι 'αυτόν, η εποχή, ποια ανθρωπότητα είναι τόσο υπερήφανη, είναι απίθανο να έρθει.
Το Jotto ήταν εικόνες και τοιχογραφίες. Δημιουργήθηκαν από τους Βυζαντινούς Κανόνες. Αντιμετωπίζει αντί για άτομα. Επίπεδες μορφές. Μη συμμόρφωση με τις αναλογίες. Αντί ενός τοπίου - χρυσό φόντο. Όπως, για παράδειγμα, σε αυτό το εικονίδιο.
Guido ναι Σιένα. Λατρεία του Magi. 1275-1280 Altenburg, Μουσείο Lindenau, Γερμανία. Και ξαφνικά εμφανίζονται οι τοιχογραφίες του Τζόττο. Υπάρχουν ογκομετρικά στοιχεία πάνω τους. Άτομα ευγενών. Λυπημένος. Θλιμμένος. Εκπληκτος. Παλιά και νέος. Διαφορετικός.
Οι τοιχογραφίες του Jotto στην εκκλησία του Brenor στην Πάδοβα (1302-1305). Αριστερά: Περνώντας τον Χριστό. Στη μέση: Kiss Judah (θραύσμα). Δεξιά: Ευαγγελισμός της Αγίας Άννας (μητέρα Μαρία), ένα θραύσμα.
Η κύρια δημιουργία του Τζόττο είναι ο κύκλος των τοιχογραφιών του στο παρεκκλήσι Burgher στην Πάδοβα. Όταν αυτή η εκκλησία άνοιξε για τους ενορίτες, τα πλήθη των ανθρώπων εντάχθηκαν. Επειδή δεν το είδαν ποτέ.
Μετά από όλα, το Jotto έκανε ένα πρωτοφανές. Αυτός, όπως ήταν, μεταφράστηκε τα βιβλικά οικόπεδα σε μια απλή σαφή γλώσσα. Και έγιναν πολύ πιο προσιτές στους απλούς ανθρώπους.
Jotto. Λατρεία του Magi. 1303-1305 Τοιχογραφία στο παρεκκλήσι φλοιού στην Πάδοβα της Ιταλίας. Αυτό θα είναι χαρακτηριστικό πολλών πλοιάρχης της Αναγέννησης. Λακωνικές εικόνες. Ζωντανά συναισθήματα χαρακτήρων. Ρεαλιστικός.
Σχετικά με τις τοιχογραφίες του Master Διαβάστε περισσότερα στο άρθρο.
Jotto θαύμαζε. Αλλά η καινοτομία της δεν αναπτύσσεται περαιτέρω. Η Ιταλία ήρθε μόδα για τη διεθνή γοτθική.
Μόνο μετά από 100 χρόνια ο πλοίαρχος θα εμφανιστεί αξίζει τον διάδοχο του Τζόττο.
2. Mazaccho (1401-1428)
Mazacho. Αυτοπροσωπογραφία (κομμάτι των τοιχογραφιών "Άγιος Πέτρος στο Τμήμα"). 1425-1427 Brankachchi Capella στην εκκλησία της Santa Maria del Carmina, Φλωρεντία, Ιταλία. Την αρχή του αιώνα του XV. Την αποκαλούμενη πρόωρη αναβίωση. Ένας άλλος καινοτόμος έρχεται στη σκηνή.
Ο Mazacho ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης που χρησιμοποίησε μια γραμμική προοπτική. Αναπτύχθηκε από τον φίλο του, αρχιτέκτονας Bruneland. Τώρα ο κόσμος έχει γίνει παρόμοιος με τον πραγματικό. Αρχιτεκτονική παιχνιδιών - στο παρελθόν.
Mazacho. Ο Άγιος Πέτρος θεραπεύει τη σκιά του. 1425-1427 Brankachchi Capella στην εκκλησία της Santa Maria del Carmina, Φλωρεντία, Ιταλία. Ο υιοθέτησε τον ρεαλισμό του Τζόττο. Ωστόσο, σε αντίθεση με τον προκάτοχο, γνώριζε την ανατομία καλά.
Αντί των χαρακτήρων σε σχήμα ταύρου, το jotto είναι όμορφα διπλωμένοι άνθρωποι. Ακριβώς όπως οι αρχαίοι Έλληνες.
Mazacho. Βάπτιση των νεοφτώματα. 1426-1427 Capella Brankachchi, εκκλησία της Santa Maria del Carmina στη Φλωρεντία της Ιταλίας. 
Mazacho. Εξορία από τον παράδεισο. 1426-1427 Τοιχογραφία στο παρεκκλήσι Brankachi, εκκλησία της Santa Maria del Carmina, Φλωρεντία, Ιταλία. Ο Mazacho έζησε μια σύντομη ζωή. Πέθανε, όπως ο πατέρας του, απροσδόκητα. Σε 27 χρονών.
Ωστόσο, είχε πολλούς οπαδούς. Οι ακόλουθοι γενιές Wizard πήγαν στο παρεκκλήσι Brankachi για να μάθουν από τις τοιχογραφίες του.
Έτσι, η καινοτομία του Mazacho πήρε από όλους τους μεγάλους τιτάνες της μεγάλης αναβάτης.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Αυτοπροσωπογραφία. 1512 Βασιλική Βιβλιοθήκη στο Τορίνο της Ιταλίας. Ο Leonardo da Vinci είναι ένας από τους τιτάνες της Αναγέννησης. Που επηρεάζουν εξαιρετικά την ανάπτυξη της ζωγραφικής.
Ήταν αυτός που έθεσε τον ίδιο το καθεστώς του καλλιτέχνη. Χάρη σε αυτόν, εκπρόσωποι αυτού του επαγγέλματος από τώρα και όχι μόνο τεχνίτες. Αυτοί είναι δημιουργοί και αριστοκράτες του Πνεύματος.
Ο Leonardo έκανε μια σημαντική ανακάλυψη κυρίως σε πορτρέτο ζωγραφική.
Πίστευε ότι τίποτα δεν πρέπει να αποσπά την προσοχή από την κύρια εικόνα. Η εμφάνιση δεν πρέπει να περιπλανηθεί από μια λεπτομέρεια στο άλλο. Έτσι εμφανίστηκαν τα περίφημα πορτρέτα. Λακωνικός. Αρμονικός.
Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Κυρία με Ermine. 1489-1490 Μαύρο Μουσείο, Κρακοβία. Η κύρια καινοτομία του Leonardo είναι ότι βρήκε έναν τρόπο να κάνει εικόνες ... ζωντανός.
Πριν από αυτόν, οι χαρακτήρες στα πορτρέτα ήταν σαν μανεκέν. Οι γραμμές ήταν σαφείς. Όλα τα στοιχεία σχεδιάζονται προσεκτικά. Το ζωγραφισμένο σχέδιο δεν θα μπορούσε να είναι ζωντανό.
Αλλά εδώ ο Leonardo εφευρέθηκε τη μέθοδο του σφαιρικού. Δήλωσε τη γραμμή. Έκανε μια μετάβαση από το φως στη σκιά πολύ μαλακό. Οι ήρωές του καλύπτονται με ελάχιστα πιασάρη ομίχλη. Χαρακτήρες ήρθαν στη ζωή.
. 1503-1519. Λούβρο, Παρίσι. Από τότε, το Sphumato θα εισέλθει στο ενεργό λεξικό όλων των μεγάλων καλλιτεχνών του μέλλοντος.
Βρέθηκε συχνά ότι ο Leonardo, φυσικά, ιδιοφυΐα. Αλλά δεν μπορούσα να φέρω τίποτα στο τέλος. Και οι πίνακες που συχνά δεν τελείωσαν. Και πολλά από τα έργα του παρέμειναν σε χαρτί (παρεμπιπτόντως, σε 24 τόμους). Και γενικά, το έριξε στο φάρμακο, στη συνέχεια στη μουσική. Και ακόμη και η τέχνη της εξυπηρέτησης ταυτόχρονα ήταν λάτρης του.
Ωστόσο, σκεφτείτε τον εαυτό σας. 19 πίνακες. Και είναι ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης όλων των εποχών και των λαών. Και κάποιος δεν είναι καν κοντά στο μεγαλείο. Ταυτόχρονα, γράφοντας 6.000 καζουλόν για τη ζωή. Προφανώς, ποιος έχει το CPD υψηλότερο.
Για την πιο διάσημη εικόνα του κύριου διαβάσει στο άρθρο.
4. Michelangelo (1475-1564)
Daniele da volterra. Michelangelo (θραύσμα). 1544 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη. Ο Michelangelo θεωρούσε τον εαυτό του έναν γλύπτη. Αλλά ήταν καθολικός πλοίαρχος. Όπως οι συναδέλφους της αναγέννησης εποχής. Επομένως, η γραφική κληρονομιά του δεν είναι λιγότερο φιλόδοξη.
Αναγνωρίζει κυρίως σε σωματικά ανεπτυγμένους χαρακτήρες. Επειδή απεικόνισε ένα τέλειο άτομο. Στην οποία η φυσική ομορφιά σημαίνει πνευματική ομορφιά.
Ως εκ τούτου, όλοι οι ήρωές του είναι τόσο μυς, ανθεκτικοί. Ακόμη και οι γυναίκες και οι ηλικιωμένοι.
Michelangelo. Θραύσματα του τοιχώματος "τρομακτικό δικαστήριο" στο παρεκκλήσι της Σιάντ, Βατικανό.
Συχνά ο Michelangelo έγραψε το χαρακτήρα γυμνό. Και στη συνέχεια απευθύνθηκε στα ρούχα από ψηλά. Έτσι ώστε το σώμα να είναι όσο το δυνατόν λιγότερο ανακούφιση.
Το ανώτατο όριο του παρεκκλησίου Sicastine ζωγράφισε τον εαυτό του. Αν και αυτό είναι μερικές εκατοντάδες φιγούρες! Δεν έφερε καν χρώματα για να τρίβει από κανέναν. Ναι, ήταν μοναχικός. Που διαθέτουν απότομο και μη συμβουλευτικό χαρακτήρα. Αλλά πάνω απ 'όλα ήταν δυσαρεστημένοι από τον εαυτό του.
Michelangelo. Τμήμα της τοιχογραφίας "Δημιουργία Αδάμ". 1511 Παρεκκλήσι Sycstine, Βατικανό. Ο Michelangelo έζησε μια μακρά ζωή. Έχοντας επέζησε το χαρούμενο της Αναγέννησης. Για αυτόν ήταν μια προσωπική τραγωδία. Αργά τα έργα του είναι γεμάτα θλίψη και θλίψη.
Σε γενικές γραμμές, το δημιουργικό μονοπάτι του Michelangelo είναι μοναδικό. Το πρώιμο έργο είναι ο έπαινος ενός άνδρα ήρωα. Δωρεάν και θαρραλέα. Στις καλύτερες παραδόσεις της αρχαίας Ελλάδας. Πώς ο Δαβίδ του.
Τα τελευταία χρόνια της ζωής, αυτές είναι τραγικές εικόνες. Σκόπιμα αριστερά πέτρα. Σαν τα μνημεία των θυμάτων του φασισμού του 20ού αιώνα. Κοιτάξτε την "Pieta" του.
Γλυπτά Michelangelo στην Ακαδημία Καλών Τεχνών στη Φλωρεντία. Αριστερά: Δαβίδ. 1504 Στα δεξιά: Piest Palestrina. 1555
Πώς είναι αυτό δυνατόν? Ένας καλλιτέχνης για μία από τη ζωή του ήταν όλα τα στάδια της τέχνης από την Αναγέννηση του 20ου αιώνα. Τι να κάνετε τις επόμενες γενιές; Λοιπόν, πηγαίνετε στο δρόμο σας. Συνειδητοποιώντας ότι η σανίδα αυξάνεται πολύ υψηλή.
5. Rafael (1483-1520)
. 1506 Γκαλερί Uffizi, Φλωρεντία, Ιταλία. Ο Ραφαήλ δεν ήταν ποτέ στη λήθη. Η μεγαλοφυία του αναγνωρίστηκε πάντα. Και κατά τη διάρκεια της ζωής. Και μετά το θάνατο.
Οι ήρωές του είναι προικισμένοι με αισθησιακή, λυρική ομορφιά. Είναι το δικαίωμά του να θεωρείται ότι οι πιο όμορφες γυναίκες που δημιουργήθηκαν ποτέ. Η εξωτερική ομορφιά τους αντανακλά την πνευματική ομορφιά της ηρωίδας. Την πραότητα τους. Τη θυσία τους.
Ραφαήλ. . 1513 Γκαλερί παλαιών δασκάλων, Δρέσδη, Γερμανία. Οι περίφημες λέξεις "Ομορφιά θα σώσει τον κόσμο" είπε ακριβώς ο Fedor Dostoevsky. Ήταν η αγαπημένη του εικόνα.
Ωστόσο, οι αισθησιακές εικόνες δεν είναι η μόνη ισχυρή πλευρά του Raphael. Πολύ προσεκτικά σκέφτηκε τις συνθέσεις των ζωγραφικής του. Ήταν ένας αξεπέραστος αρχιτέκτονας στη ζωγραφική. Επιπλέον, βρήκε πάντα την απλούστερη και αρμονική λύση στην οργάνωση του χώρου. Φαίνεται ότι διαφορετικά δεν μπορεί να είναι.
Ραφαήλ. Αθηναϊκό σχολείο. 1509-1511. Τοιχογραφία στα Stans του αποστολικού παλατιού, του Βατικανού. Ο Rafael έζησε μόλις 37 χρόνια. Πέθανε ξαφνικά. Από το ψυχρό και ιατρικό λάθος. Αλλά η κληρονομιά του είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθεί. Πολλοί καλλιτέχνες φυλάσσονται από αυτόν τον πλοίαρχο. Πολλαπλά από τις αισθησιακές του εικόνες σε χιλιάδες υφάσματα ..
Ο τιττής ήταν ένας αξεπέρατος χρωματιστής. Επίσης, πειραματίστηκε πολύ με τη σύνθεση. Γενικά, ήταν ένας τολμηρός και λαμπερός καινοτόμος.
Για μια τέτοια φωτεινότητα του ταλέντου, όλοι τον αγάπησαν. Καλώντας τον "βασιλιά των ζωγράφων και των βασιλιάδων ζωγράφων".
Μιλώντας για τον Τίχο, θέλω να βάλω ένα θαυμαστικό μετά από κάθε πρόταση. Μετά από όλα, ήταν αυτός που θα φέρει τη ζωγραφική της δυναμικής. Πάθος. Ενθουσιασμός. Φωτεινή γεύση. Γυρίστε τα χρώματα.
Κοκκινοχρυσός. Ανάληψη της Μαρίας. 1515-1518. Εκκλησία της Santa Maria Glorosii Dei Frari, Βενετία. Μέχρι το τέλος της ζωής του, ανέπτυξε ένα ασυνήθιστο γράμμα της επιστολής. Στροβιλίζεται, παχύ. Ζωγραφική που προκαλείται από μια βούρτσα, στη συνέχεια με τα δάχτυλά μου. Από αυτό - οι εικόνες είναι ακόμα πιο ζωντανές, αναπνέουν. Και τα οικόπεδα είναι ακόμα πιο δυναμικά και δραματικά.
Κοκκινοχρυσός. Tarquinius και Lucretia. 1571 Μουσείο Fitsuillama, Cambridge, Αγγλία. Δεν σας υπενθυμίζετε τίποτα; Φυσικά, αυτή είναι μια τεχνική. Και τεχνικοί καλλιτέχνες του 19ου αιώνα: Barbizontev και. Τίστειος, όπως ο Michelangelo, θα είναι 500 χρόνια ζωγραφικής για μια από τη ζωή της. Αυτός είναι αυτός και ιδιοφυΐα.
Σχετικά με τους διάσημους Masters Masters που διαβάζουν στο άρθρο.
Οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης είναι καλλιτέχνες μεγάλης γνώσης. Για να αφήσετε μια τέτοια κληρονομιά, ήταν απαραίτητο να γνωρίζουμε πολλά. Στον τομέα της ιστορίας, της αστρολογίας, της φυσικής και ούτω καθεξής.
Ως εκ τούτου, κάθε εικόνα τους μας κάνει να σκεφτούμε. Τι απεικονίζεται; Ποιο είναι το μήνυμα κρυπτογραφημένο εδώ;
Επομένως, σχεδόν ποτέ δεν κάνουν λάθος. Επειδή σκεφτόμαστε καλά τη μελλοντική τους δουλειά. Χρησιμοποιώντας ολόκληρη την αποσκευή των γνώσεών τους.
Ήταν περισσότερο από καλλιτέχνες. Ήταν φιλόσοφοι. Ο κόσμος εξηγεί σε εμάς με τη ζωγραφική.
Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο θα είναι πάντα βαθιά ενδιαφέροντες για εμάς.
Η Renaissance είναι η εποχή της πνευματικής ακμή στην Ιταλία, η οποία επηρέασε την ανάπτυξη της ανθρωπότητας. Αυτή η υπέροχη στιγμή έδωσε την έναρξη του στο XIV αιώνα και άρχισε να σκίζει το ηλιοβασίλεμα στο XVI αιώνα. Είναι αδύνατο να βρεθεί οποιοδήποτε πεδίο ανθρώπινης δραστηριότητας που θα είχε επηρεάσει η Αναγέννηση. Η άνθηση της ανθρώπινης κουλτούρας, της δημιουργικότητας, της τέχνης, των επιστημών. Πολιτική, φιλοσοφία, λογοτεχνία, αρχιτεκτονική, ζωγραφική - Όλα αυτά έχουν αποκτήσει μια νέα αναπνοή και άρχισε να αναπτύσσει έναν ασυνήθιστα γρήγορο ρυθμό. Οι περισσότεροι από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες που άφησαν την αιώνια μνήμη για τον εαυτό τους στα έργα και ανέπτυξαν τις περισσότερες από τις αρχές και τους νόμους της ζωγραφικής, ζούσαν και εργάστηκαν αυτή τη στιγμή. Η Αναγέννηση έχει γίνει μια γουλιά φρέσκου αέρα και η αρχή μιας νέας ζωής, μια πραγματική πολιτιστική επανάσταση για τους ανθρώπους. Οι αρχές της ζωής του Μεσαίωνα κατέρρευσαν και ο άνθρωπος άρχισε να προσπαθεί να αγωνιστεί για υψηλά, σαν να συνειδητοποιεί τον πραγματικό σκοπό του στη Γη - να δημιουργήσει και να αναπτυχθεί.
Η αναβίωση δεν σημαίνει τίποτα παρά μια επιστροφή στις τιμές του παρελθόντος. Οι αξίες του παρελθόντος, συμπεριλαμβανομένης της πίστης και της ειλικρινούς αγάπης για την τέχνη, τη δημιουργία, τη δημιουργία, ανατράπηκαν. Ευαισθητοποίηση για ένα άτομο στο σύμπαν: Ένας άνδρας ως στέμμα της φύσης, το στέμμα της θείας δημιουργίας, ο οποίος είναι ο ίδιος ο δημιουργός.
Οι πιο διάσημοι αναγεννησιακοί καλλιτέχνες είναι, Alberti, Michelangelo, Rafael, Albrecht Durer και πολλοί άλλοι. Με το έργο τους, εξέφρασαν τη συνολική έννοια του σύμπαντος, την έννοια της προέλευσης ενός ατόμου που θρησκεία και μύθους. Μπορεί να ειπωθεί ότι ήταν τότε ότι η επιθυμία των καλλιτεχνών φάνηκε να μάθει πώς να δημιουργήσει μια ρεαλιστική εικόνα ενός ατόμου, της φύσης, των πραγμάτων, καθώς και άυλα φαινόμενα - συναισθήματα, συναισθήματα, διάθεση κλπ. Αρχικά, η Φλωρεντία θεωρήθηκε το κέντρο της Αναγέννησης, αλλά μέχρι τον 16ο αιώνα κατέλαβε τη Βενετία. Ήταν στη Βενετία ότι οι σημαντικότεροι ευεργέτες ή οι αναβιώσεις, όπως Medii, ρωμαϊκοί μπαμπάδες και άλλοι.
Το αναμφισβήτητο είναι το γεγονός ότι η εποχή της Αναγέννησης επηρέασε την ανάπτυξη όλης της ανθρωπότητας σε όλες τις αισθήσεις αυτής της λέξης. Τα έργα τέχνης εκείνης της εποχής εξακολουθούν να είναι ένα από τα πιο ακριβά, και οι συγγραφείς τους άφησαν τα ονόματά τους στην ιστορία για πάντα. Οι εικόνες και η γλυπτική της Αναγέννησης θεωρούνται ανεκτίμητα αριστουργήματα και εξακολουθούν να είναι ένα όφελος και ένα παράδειγμα για κάθε καλλιτέχνη. Μοναδική τέχνη εκπομπών με την ομορφιά και το βάθος του σχεδιασμού. Κάθε άτομο είναι υποχρεωμένος να γνωρίζει αυτό το εξαιρετικό χρόνο, το οποίο ήταν στην ιστορία του παρελθόντος μας, χωρίς κληρονομιά του οποίου είναι απολύτως αδύνατο να υποβάλετε το παρόν και το μέλλον μας.
Leonardo da Vinci - Mona Lisa (Jocona)
Rafael Santi - Madonna
Οι πρώτοι προτεινόμενοι της τέχνης της αναβίας εμφανίστηκαν στην Ιταλία στο XIV αιώνα. Καλλιτέχνες αυτού του χρόνου, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) και (Πρώτα) Τσιμπούρι
(1267-1337) Κατά τη δημιουργία παραδοσιακών θρησκευτικών θεμάτων, άρχισαν να χρησιμοποιούν νέες καλλιτεχνικές τεχνικές: Δημιουργώντας μια χύδην σύνθεση, χρησιμοποιώντας ένα τοπίο στο παρασκήνιο, το οποίο τους επέτρεψε να κάνουν εικόνες πιο ρεαλιστικές, ζωντανές. Αυτό ξεθωριάζει απότομα τη δημιουργικότητά τους από την προηγούμενη εικονογραφική παράδοση, άφθονες συμβάσεις στην εικόνα.
Να αναφερθούν στη δημιουργικότητά τους, ο όρος χρήσεις (1300s - "Alpito")
.
Jotto di Bondone
(Εντάξει, 1267-1337) - Ιταλός καλλιτέχνης και αρχιτέκτονας της εποχής του Pratinessan. Ένα από τα βασικά στοιχεία στην ιστορία της δυτικής τέχνης. Η υπέρβαση της βυζαντινής εικονογραφικής παράδοσης, έγινε ο αληθινός ιδρυτής της ιταλικής σχολής ζωγραφικής, ανέπτυξε μια απολύτως νέα προσέγγιση στην εικόνα του χώρου. Τα έργα του Jotto εμπνεύστηκαν από τον Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo.
Πρόωρη αναβίωση (1400s - "Quatrocheto").
Στην αρχή του αιώνα XV Filippo Bruneland
(1377-1446), Florentinent Scientist και αρχιτέκτονας.
Οι Brunelands επιθυμούσαν να κάνουν την αντίληψη του όρου και των θεάτρων ανακατασκευασμένα από αυτά και θέατρα και προσπάθησαν να δημιουργήσουν γεωμετρικά υποσχόμενους πίνακες από τα σχέδιά τους για μια συγκεκριμένη άποψη. Σε αυτές τις αναζητήσεις ήταν ανοιχτό Άμεση προοπτική.
Αυτό επέτρεψε στους καλλιτέχνες να λαμβάνουν τέλειες εικόνες τρισδιάστατου χώρου σε ένα επίπεδο μοτίβο ζωγραφικής.
_________Ένα άλλο σημαντικό βήμα προς την αναβίωση ήταν η εμφάνιση μη θρησκευτικής, κοσμικής τέχνης. Το πορτρέτο και το τοπίο ιδρύθηκαν ως ανεξάρτητα είδη. Ακόμα και τα θρησκευτικά οικόπεδα απέκτησαν διαφορετική ερμηνεία - οι καλλιτέχνες της αναβροχής άρχισαν να εξετάζουν τους χαρακτήρες τους ως ήρωες με έντονη ατομικά χαρακτηριστικά και ανθρώπινα κίνητρα δράσεων.
Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες αυτής της περιόδου - Μαζάχος (1401-1428), Μαζολίνο (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero della francesco (1420-1492), Andrea mantenya (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Girlandiao (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Μαζάχος
(1401-1428) - Ο διάσημος Ιταλικός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος πλοίαρχος της Σχολής Φλωρεντίας, ο μεταρρυθμιστής της ζωγραφικής της εποχής του Quatrocheto.
 |
| Τοιχογραφία. Θαύμα με ανακατέψτε. |
 |
| Εικόνα. Σταύρωση |
 |
| Τοιχογραφία. Η ιστορία της Βασίλισσας Σάβα. Εκκλησία του Σαν Φρανσέσκου στο Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - Μεγάλος Ιταλικός ζωγράφος, εκπρόσωπος της Φλωρεντίας Σχολή Ζωγραφικής.
 |
| Ανοιξη. |
 |
| Γέννηση της Αφροδίτης. |
Υψηλή αναβίωση ("cinkvice").
Η υψηλότερη ανθοφορία της τέχνης της αναβίας ήρθε Στο πρώτο τρίμηνο του XVI αιώνα.
Εργασία Sansovino (1486-1570), Λεονάρντο Ντα Βίντσι (1452-1519), Rafael Santia (1483-1520), Michelangelo Buonotti. (1475-1564), Γιώργος (1476-1510), κοκκινοχρυσός (1477-1576), Antonio Corredjo (1489-1534) αποτελούν ένα χρυσό ταμείο της ευρωπαϊκής τέχνης.
Leonardo di Ίδιος Piero da Vinci (Φλωρεντία) (1452-1519) - Ιταλός καλλιτέχνης (ζωγράφος, γλύπτης, αρχιτέκτονας) και επιστήμονας (ανατομία, φυσιοδίφης), εφευρέτης, συγγραφέας.
 |
| Αυτοπροσωπογραφία |
 |
| Κυρία με Ermine. 1490. Μουσείο Charters, Κρακοβία |
 |
| Mona Lisa (1503-1505 / 1506) |
 |
| Madonna Litta. 1490-1491. Ερημητήριο. |
 |
| Madonna Benua (Madonna με λουλούδι). 1478-1480 |
 |
| Madonna με γαρύφαλλο. 1478 |
Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Leonardo da Vinci έκανε χιλιάδες σημειώσεις και σχέδια αφιερωμένα στην ανατομία, αλλά δεν δημοσίευσε το έργο του. Κάνοντας μια αυτοψία ανθρώπων και ζώων, σίγουρα πέρασε τη δομή του σκελετού και των εσωτερικών οργάνων, συμπεριλαμβανομένων των μικρών λεπτομερειών. Σύμφωνα με τον καθηγητή της κλινικής ανατομίας του Peter Abrams, το επιστημονικό έργο του Da Vinci ξεπέρασε το χρόνο του για 300 χρόνια και ξεπέρασε σε μεγάλο βαθμό τη διάσημη "γκρίζα ανατομία".
Κατάλογος εφευρέσεων, τόσο πραγματικό όσο και σε αυτόν:
Αλεξίπτωτο, Κ.Κάστρο Olesz, στοΗλεκτρικό, Τ.ank, L.eugene φορητές γέφυρες για το στρατό, nhornger, Κ.aTAPTET, R.obet, D.Τηλεσκόπιο Sling.
Στο μέλλον, αναπτύχθηκαν αυτές οι καινοτομίες Rafael Santi (1483-1520) - Μεγάλη ζωγραφική, πρόγραμμα και αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος της ομαλητικής σχολής.
| Αυτοπροσωπογραφία. 1483g. |
Michelangelo di Lodoviko di Leonardo di Buonarot Simoni (1475-1564) - Ιταλός γλύπτης, καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, ποιητής, στοχαστής.
Οι πίνακες και τα γλυπτά του Michelangelo Bumonotti είναι γεμάτα ηρωική Παθό και, ταυτόχρονα, η τραγική αίσθηση της κρίσης του ανθρωπισμού. Οι πίνακές του δοξάζουν την εξουσία και τη δύναμη ενός ατόμου, την ομορφιά του σώματός του, τονίζοντας ταυτόχρονα τη μοναξιά του στον κόσμο.
Η Genius Michelangelo προσδίδει ένα αποτύπωμα όχι μόνο στην τέχνη της αναβάτης, αλλά και για ολόκληρη την περαιτέρω παγκόσμια κουλτούρα. Η δραστηριότητά της συνδέεται κυρίως με δύο ιταλικές πόλεις - Φλωρεντία και Ρώμη.
Ωστόσο, οι πιο μεγάλες ιδέες που ο καλλιτέχνης ήταν σε θέση να συνειδητοποιήσει στη ζωγραφική, όπου μίλησε με έναν πραγματικό καινοτόμο χρώματος και μορφών.
Με εντολή του Πάπια Τζούλια ΙΙ, έκανε τη ζωγραφική της οροφής της Sicastin Capella (1508-1512), το οποίο αντιπροσωπεύει τη βιβλική ιστορία από τη δημιουργία του κόσμου στην πλημμύρα και περιλαμβάνει περισσότερους από 300 φιγούρες. Το 1534-1541, στο ίδιο Σικσταντινικό παρεκκλήσι για τον Πάπα Παύλο ΙΙΙ, έκανε ένα μεγαλοπρεπές, γεμάτο δράμα τοιχογραφίας "τρομακτικό δικαστήριο".
Sicstinskaya 3d Chapel.
Η δημιουργικότητα Γιώργος και ο Τίνας διακρίνονται από το ενδιαφέρον για το τοπίο, οικόπεδα ποιητών. Και οι δύο καλλιτέχνες έφτασαν τη μεγάλη κυριαρχία στην τέχνη του πορτρέτου, με τη βοήθεια του οποίου μεταδίδεται ο χαρακτήρας και ο πλούσιος εσωτερικός κόσμος των χαρακτήρων τους.
Georgho Barbarelli ναι Castel Franco ( Γιώργος) (1476 / 147-1510) - Ιταλός καλλιτέχνης, εκπρόσωπος της Σχολής Ζωγραφικής της Βενετίας.
 |
||||
| Ύπνο Αφροδίτη. 1510. |
 |
| Ιουδίθ. 1504 |
Ο Τιττής έγραψε φωτογραφίες σε βιβλικά και μυθολογικά οικόπεδα, έγινε διάσημος και ως πορτραίτο. Διατάχθηκε βασιλιάδες και ρωμαϊκούς μπαμπάδες, καρδινάλια, δούκες και πρίγκιπες. Ο Τίνος δεν ήταν και τριάντα ετών όταν αναγνωρίστηκε ως η καλύτερη Βενετία Ζωγράφου.
 |
| Αυτοπροσωπογραφία. 1567 |
 |
| Venus Urbinskaya. 1538. |
 |
| Πορτρέτο της γέφυρας Tommaso. 1520g. |
Αργότερα αναβίωση.
Μετά τη λεηλασία της Ρώμης από αυτοκρατορικά στρατεύματα το 1527, η ιταλική αναβίωση εισέρχεται στην κρίση. Ήδη στο έργο της καθυστερημένης Raphael, ονομάζεται μια νέα γραμμή τέχνης, που ονομάζεται άτομος.
Για την εποχή αυτή, η φλεγμονή των γραμμών, η επιμήκυνση ή ακόμα και παραμορφώνει τα στοιχεία, συχνά γυμνή, ένταση και αφύσικη θέτει, ασυνήθιστες ή παράξενες επιδράσεις που σχετίζονται με διαστάσεις, φωτισμό ή προοπτική, χρήση του χρωματικού φαγητού Ebbit, την υπερφόρτωση της σύνθεσης κλπ. Το πρώτο μάστερ Parmjanino
, Ποντώμενος
, Μπρονζίνο-
Ζούσαμε και εργάστηκα στην αυλή των Δούκων του Σώματος του Medici στη Φλωρεντία. Αργότερα, ο μόδας του καμινίου εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία και πέρα.
Dzhirola Francesco Maria Mazzola
(Parmjanino
- "κάτοικος της Πάρμας") (1503-1540,) Ιταλός καλλιτέχνης και χαράκτης, αντιπροσωπευτικός του τρόπου.
 |
| Αυτοπροσωπογραφία. 1540. |
 |
| Πορτρέτο μιας γυναίκας. 1530. |
Ποντώμενος (1494-1557) - Ιταλός ζωγράφος, εκπρόσωπος της σχολής της Φλωρεντίας, ένας από τους ιδρυτές της μορφής.
Στη δεκαετία του 1590, η τέχνη έρχεται να μετατοπιστεί μπαρόκ (Μεταβατικά στοιχεία - Tintoretto και Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ).
Jacopo Robusti, πιο γνωστό ως Tintoretto (1518 ή 1519-1594) - Ζωγράφος της Σχολής της Βενετίας της καθυστερημένης αναγέννησης.
 |
| Το βράδυ. 1592-1594. Εκκλησία του San George Maggiore, Βενετία. |
Δομήνικος Θεοτοκόπουλος ("Ελληνικά" ΔΟΝΗΝΙΚΟΣ ΤΕΩΤΟΚΟΠΟΥΛΟΣ ) (1541-1614) - Ισπανός καλλιτέχνης. Με την προέλευση - Ελληνικά, μητρική του νησιού της Κρήτης.
Ο El Greco δεν είχε σύγχρονους οπαδούς και η μεγαλοφυία του άνοιξε εκ νέου σχεδόν 300 χρόνια μετά το θάνατό του.
Ο El Greco σπούδασε σε ένα εργαστήριο τιτητών, αλλά, ωστόσο, η τεχνική της ζωγραφικής διαφέρει σημαντικά από την τεχνική του δασκάλου του. Για έργα, η El Greco χαρακτηρίζεται από την ταχύτητα και την εκφραστικότητα της εκτέλεσης, η οποία τους φέρνει στη σύγχρονη ζωγραφική.
 |
| Ο Χριστός στον Σταυρό. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1577. Ιδιωτική Συνέλευση. |
 |
| Τριάδα. 1579 Prado. |
Σε δύσκολη για την Ιταλία, η δυστυχισμένη "χρυσή εποχή" της ιταλικής αναβίας έρχεται - η λεγόμενη υψηλή αναγέννηση, το υψηλότερο σημείο της ακμή της ιταλικής τέχνης. Η υψηλή αναγέννηση συνέπεσε, επομένως, με μια περίοδο έντονου αγώνα ιταλικών πόλεων για ανεξαρτησία. Η τέχνη αυτού του χρόνου διαπιστώθηκε από τον ανθρωπισμό, την πίστη στις δημιουργικές δυνάμεις ενός ατόμου, στις απεριόριστες δυνατότητες των δυνατοτήτων της, σε μια λογική συσκευή του κόσμου, κατά την αύξηση της προόδου. Στην τέχνη, τα προβλήματα του αστικού χρέους, οι υψηλές ηθικές ιδιότητες, το κατόρθωμα, η εικόνα του όμορφου, αρμονικά αναπτυγμένου, ισχυρού πνεύματος και του ανθρώπινου σώματος, ο οποίος κατάφερε να αυξηθεί πάνω από το επίπεδο της καθημερινής ζωής, ώθησε. Αναζητήστε μια τέτοια ιδανική και οδήγησε τέχνη σε σύνθεση, γενίκευση, στην αποκάλυψη γενικών προτύπων φαινομένων, για τον εντοπισμό της λογικής διασύνδεσης τους. Η τέχνη της υψηλής αναγέννησης είναι γεμάτη από τα στοιχεία, μικρές λεπτομέρειες στο όνομα μιας γενικευμένης εικόνας, στο όνομα της επιθυμίας για την αρμονική σύνθεση των όμορφων κομμάτων στη ζωή. Αυτή είναι μια από τις κύριες διαφορές στην υψηλή αναγέννηση από τα πρώτα.
Ο Leonardo da Vinci (1452-1519) ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης, ενσωματώνοντας σαφώς αυτή τη διαφορά. Ο πρώτος δάσκαλος Leonardo ήταν ο Andrea Vokkio. Η φιγούρα του αγγέλου στη ζωγραφική του δασκάλου "βαπτίσματος" δείχνει ήδη σαφώς τη διαφορά στην αντίληψη του κόσμου από τον καλλιτέχνη της προηγούμενης εποχής και του νέου πόρου: καμία μετωπική επίπεδα του Verokkio, η καλύτερη μαύρη και ασυνήθιστη μοντελοποίηση του εικόνα. . Μέχρι τη στιγμή της αναχώρησης από το εργαστήριο του Βokkio, οι ερευνητές περιλαμβάνουν τη Madonna με ένα λουλούδι ("Madonna Benouua", όπως κλήθηκε πριν, με το όνομα των ιδιοκτητών). Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Leonardo, αναμφισβήτητα επηρεασμένος από το Botticelli για κάποιο χρονικό διάστημα. Από τη δεκαετία του '80 του 13ου αιώνα. Έχουν διατηρηθεί δύο ημιτελείς συνθέσεις Leonardo: "Λατρεία των Magi" και "St. Jerome. " Πιθανώς, στα μέσα της δεκαετίας του '80, η Tempera και η Madonna Litt Technique δημιουργήθηκε στην τέχνη, στην οποία βρέθηκε ο τύπος ομορφιάς Leonard γυναικών: βαριά ημι-μάτια βλέφαρα και μόλις πιασάρικο χαμόγελο δίνουν στο πρόσωπο της Madonna Special Spirituality.
Σύνδεση επιστημονικών και δημιουργικών αρχών, που διαθέτουν τόσο λογική όσο και καλλιτεχνική σκέψη, ο Leonardo έχει ασχοληθεί με επιστήμονες με εικαστικές τέχνες σε ισοτιμία με την οπτική τέχνη. Πίνοντας, φαινόταν αργά και άφησε πίσω από μερικά έργα τέχνης. Στο δικαστήριο του Μιλάνου, ο Leonardo εργάστηκε ως καλλιτέχνης, τεχνικός επιστήμονας, εφευρέτης, ως μαθηματικός και ένας ανατομικός. Το πρώτο μεγάλο έργο που έκανε στο Μιλάνο ήταν η "Madonna στα βράχια" (ή "Madonna in Grote"). Αυτή είναι η πρώτη μνημειώδη σύνθεση βωμού της υψηλής αναγέννησης, ενδιαφέρονται επίσης, τα χαρακτηριστικά του Leonardian γράμμα της επιστολής εκφράστηκαν πλήρως.
Το μεγαλύτερο έργο του Leonardo στο Μιλάνο, το υψηλότερο επίτευγμα της τέχνης του ήταν ο πίνακας ζωγραφικής του μοναστηριού του διανομέα Santa Maria della Grazia στο οικόπεδο του "Τελευταίου Δείπνο" (1495-1498). Ο Χριστός βρίσκεται τελευταία για δείπνο με τους μαθητές του για να τους δηλώσει για την προδοσία ενός από αυτά. Για τον Leonardo, η τέχνη και η επιστήμη υπήρχαν αδιαχώριστες. Κάνοντας την τέχνη, έκανε επιστημονική έρευνα, πειράματα, παρατηρήσεις, βγήκε μέσα από το μέλλον στην περιοχή οπτικών και φυσικών, μέσα από τα προβλήματα των αναλογιών - στην ανατομία και τα μαθηματικά κλπ. "Το τελευταίο δείπνο" συμπληρώνει ολόκληρο το στάδιο στο στάδιο του Επιστημονική έρευνα του καλλιτέχνη. Είναι επίσης ένα νέο στάδιο στην τέχνη.
Από την κατοχή της ανατομίας, της γεωμετρίας, της οχύρωσης, της βελτίωσης, της γλωσσολογίας, τα ποιήματα, τα ποιήματα, τα ποιήματα, τα ποιήματα, η μουσική, ο Leonardo, έσπασε για να εργαστεί στο "άλογο" -Conic μνημείο του Francesco Sforgetz, για τον οποίο πρώτα και ήρθε στο Μιλάνο και ποιος στις αρχές της δεκαετίας του '90 που πληρούνται σε πλήρη μέγεθος σε πηλό. Το μνημείο δεν προοριζόταν να ενσωματωθεί στο Bronze: το 1499, το γαλλικό εισέβαλε το Μιλάνο και οι νεογέννητοι σταυροί πυροβόλησαν ένα ιππικό μνημείο. Από το 1499, τα χρόνια της περιπλάνησης Leonardo αρχίζουν: Mantua, Βενετία και, τέλος, η πατρίδα του καλλιτέχνη - Φλωρεντία, όπου γράφει το χαρτόνι "St. Άννα με τη Μαρία στα γόνατά του ", σύμφωνα με την οποία δημιουργεί μια εικόνα του πετρελαίου στο Μιλάνο (όπου επέστρεψε το 1506)
Στη Φλωρεντία, ο Leonardo ξεκίνησε μια άλλη γραφική δουλειά: ένα πορτρέτο μιας εμπορικής γυναίκας del dzhokondo mona lisa, η οποία έγινε ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο.
Πορτρέτο της Mona Lisa Jokonda είναι ένα αποφασιστικό βήμα προς την ανάπτυξη της αναγεννησιακής τέχνης
Για πρώτη φορά, το είδος πορτρέτου έγινε ένα επίπεδο με συνθέσεις σε θρησκευτικά και μυθολογικά θέματα. Με όλη την αδιαμφισβήτητη φυσιογνωμική ομοιότητα, τα πορτρέτα του Quatrochherto διακρίνονταν αν όχι εξωτερικά, στη συνέχεια εσωτερική δυσκαμψία. Ο μεγεθυντικός φακός της Monet Lisa έχει ήδη αναφερθεί από μία σύγκριση της έντονης υποψήφιας στην άκρη του καμβά υπογράμμισε το χύμα σχήμα με ορατό σαν να από μακριά από το τοπίο με βράχους και ροές, τοποθετημένα, έχοντας προβλήματα και επομένως με όλη την πραγματικότητα , το κίνητρο είναι φανταστικό.
Leonardo το 1515 με την πρόταση του Γάλλου βασιλιά Franciska φύγει για πάντα για τη Γαλλία.
Ο Λεονάρντο ήταν ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης του χρόνου του, μια μεγαλοφυία που άνοιξε νέους ορίζοντες της τέχνης. Άφησε πίσω από μερικά έργα, αλλά καθένας από αυτούς διοργανώθηκε στην ιστορία του πολιτισμού. Ο Leonardo είναι επίσης γνωστός ως ένας ευέλικτος επιστήμονας. Οι επιστημονικές του ανακαλύψεις, για παράδειγμα, οι έρευνες του στον τομέα των αεροσκαφών ενδιαφέρουν τον αιώνα της αστροναυτικής. Χιλιάδες χειρόγραφες σελίδες Leonardo, που καλύπτουν κυριολεκτικά όλους τους τομείς της γνώσης, μαρτυρούν στην καθολικότητα της ιδιοφυΐας του.
Οι ιδέες της μνημειρικής τέχνης της Αναγέννησης, στην οποία οι παραδόσεις της αρχαιότητας και του πνεύματος της χριστιανισμού συγχωνεύονται, βρήκαν την πιο ζωντανή έκφραση στα έργα του Rafael (1483-1520). Στην τέχνη του, βρέθηκε μια ώριμη λύση σε δύο κύρια καθήκοντα: η πλαστική τελειότητα του ανθρώπινου σώματος, η οποία εκφράζει την εσωτερική αρμονία μιας συνολικής ανάπτυξης προσωπικότητας, στην οποία η Rafael ακολούθησε την αρχαιότητα και μια πολύπλοκη πολύπλευρη σύνθεση, που μεταδίδει όλη την ποικιλομορφία του κόσμος. Ο Ραφαήλ έχει εμπλουτίσει αυτές τις ευκαιρίες, έχοντας επιτύχει εκπληκτική ελευθερία στην εικόνα του χώρου και της κίνησης σε αυτό μιας ανθρώπινης μορφής, άψογη αρμονία μεταξύ του περιβάλλοντος και του ανθρώπου.
Κανένας από τους δασκάλους της Αναγέννησης δεν αντιλαμβάνεται τόσο βαθιά και φυσικά την παγανιστική ουσία της αρχαιότητας ως Rafael. Δεν είναι περίεργο ότι θεωρείται καλλιτέχνης που είναι πιο δεσμευμένος αντίκες παραδόσεις με τη δυτική ευρωπαϊκή τέχνη του νέου πόρου.
Ο Rafael Santi γεννήθηκε το 1483 στην πόλη του Urbino, ένα από τα κέντρα της καλλιτεχνικής κουλτούρας της Ιταλίας, στην αυλή του Δούκα του Urbinsky, στην οικογένεια του ζωγράφου του Δικαστηρίου και τον ποιητή, ο οποίος ήταν ο πρώτος δάσκαλος του Μελλοντικός πλοίαρχος
Η πρώιμη περίοδος της δημιουργικότητας του Rafael χαρακτηρίζει τέλεια μια μικρή εικόνα με τη μορφή ενός λεπτομερούς "Madonna Concontabil", με την απλότητα και τη λακονισμό αυστηρά επιλεγμένων στοιχείων (με όλη την ισχυρή σύνθεση) και ένα ειδικό, εγγενές στο έργο του Rafael, τον λεπτό λυισμό και την αίσθηση της ειρήνης. Το 1500, ο Rafael έφυγε από την Urbino στην Περούτζια για να μελετήσει στο εργαστήριο του διάσημου καλλιτέχνη του ομφαλού Perugino, υπό την επιρροή της οποίας γράφεται η "δέσμευση της Μαρίας" (1504). Το αίσθημα του ρυθμού, η αναλογικότητα των πλαστικών μάζων, τα χωρικά διαστήματα, ο λόγος των σχημάτων και το φόντο, ο συντονισμός των κύριων αποχρώσεων (στο "στεφάνι" είναι χρυσή, κόκκινο και πράσινο σε συνδυασμό με ένα απαλό μπλε φόντο του ουρανού) και να δημιουργήσει αυτή την αρμονία, η οποία εκδηλώνεται ήδη στα πρώτα έργα του Rafael και το διακρίνει από τους καλλιτέχνες του προηγούμενου πόρου.
Καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του Rafael ψάχνει για αυτή την εικόνα στη Madonna, τα πολυάριθμα έργα του, η εντυπωσιακή εικόνα της Madonna, αποθαρρύνει την παγκόσμια δόξα. Η αξία του καλλιτέχνη είναι κατά κύριο λόγο ότι κατάφερε να συνειδητοποιήσει όλες τις λεπτότερες αποχρώσεις των συναισθημάτων στην ιδέα της μητρότητας, να συνδυάσουν τη λυχνότητα και τη βαθιά συναισθηματικότητα με μνημειώδη μεγέθη. Μπορεί να φανεί σε όλη του την Madonnakh, ξεκινώντας από τη νεολαία ενός δειλού "Madonna Concreate": στη Madonna σε πράσινο, "Madonna με ένα παπούτσι", "Madonna σε μια καρέκλα" και ειδικά στην κορυφή του πνεύματος Rafaelievsky και Δεξιότητα στη Sistinian Madonna.
Το "Sicstinskaya Madonna" είναι ένα από τα πιο προηγμένα έργα του Raphael και στη γλώσσα: η φιγούρα της Μαρίας με ένα μωρό, σβήνοντας αυστηρά στο φόντο του ουρανού, είναι ενωμένη από το συνολικό ρυθμό κίνησης με τα στοιχεία του Αγίου Αγίου Σελ. Βαρβάδες και Πάπια Συκστά Β, οι χειρονομίες των οποίων απευθύνονται στη Madonne, όπως οι απόψεις δύο αγγέλων (περισσότερο παρόμοιο με το Putti, το οποίο είναι χαρακτηριστικό για την αναβίωση) - στο κάτω μέρος της σύνθεσης. Τα στοιχεία συνδυάζονται και μια κοινή χρυσή γεύση, σαν να προσωποποιεί θεϊκή ακτινοβολία. Αλλά το κύριο πράγμα είναι ο τύπος του προσώπου της Madonna, στην οποία η σύνθεση της αρχαίας ιδεωδίας της ομορφιάς με την πνευματικότητα του χριστιανικού ιδεώδους είναι ο οποίος είναι ενσωματωμένος, ο οποίος είναι τόσο χαρακτηριστικός της υψηλής αναγέννησης κοσμημάτων.
"Sikstinskaya Madonna" - αργότερα το έργο του Raphael.
Στην αρχή του αιώνα XVI. Η Ρώμη γίνεται το κύριο πολιτιστικό κέντρο της Ιταλίας. Η τέχνη της υψηλής αναγέννησης φτάνει στην υψηλότερη άνθηση σε αυτή την πόλη, όπου οι καλλιτέχνες, όπως ο Bramte, ο Michelangelo και ο Rafael, εργάζονται ταυτόχρονα, είναι ταυτόχρονα η βούληση των μαξιλαριών μαξιλαριών.
Ο Rafael ζωγραφίζει τα πρώτα δύο stans. Della Senyanya (αίθουσα υπογραφής), έγραψε τέσσερις τοιχογραφίες-αλληγορία των κύριων σφαίρων των ανθρώπινων πνευματικών δραστηριοτήτων: φιλοσοφία, ποίηση, θεολογία και νομολογία. ("Σχολή Αθηνών", "Parnas", "Διασκέδαση", σοφία, σοφία, σοφία και δύναμη "" Στο δεύτερο δωμάτιο, που ονομάζεται "μοντέλο Elidor", ο Rafael έγραψε τοιχογραφίες σε ιστορικές και θρυλικές σκηνές, δοξάζοντας τους ρωμαϊκούς μπαμπάδες: "εξορία elodor"
Για την τέχνη του Μεσαίωνα και την πρώιμη αναγέννηση, ήταν χαρακτηριστικό της επιστήμης και της τέχνης στην εικόνα των ατομικών αλληγορικών αριθμών. Ο Rafael αποφάσισε αυτά τα θέματα με τη μορφή πολυστρωματικών συνθέσεων που μερικές φορές αντιπροσωπεύουν πραγματικά πορτρέτα της ομάδας, ενδιαφέροντα ως εξατομίκευση και τυπική
Οι μαθητές βοήθησαν τον Ραφαήλ και στη ζωγραφική των μπαμπάδων της Λογγίας του Βατικανού, ζωγραφισμένα στα σκίτσα του και υπό την παρατήρησή του των κινήτρων των αρχαίων στολίων, ελπίζοντας κυρίως από τις νεοσυσταθείσες αρχαίες σπηλιές (εξ ου και το όνομα "Groteski").
Ο Rafael πραγματοποίησε το έργο διαφόρων ειδών. Το δώρο του διακοσμητή, καθώς και ο διευθυντής, ο αφηγητής εκδηλώθηκε εντελώς στη σειρά των οκτώ καρδιών στο πέργκολα για τα παρεκκλήσια σιστίνη στα οικόπεδα από τη ζωή των Αποστόλων Πέτρου και του Παύλου ("Υπέροχο ψάρι αλιευμάτων", παράδειγμα). Αυτές οι εικόνες πάνω από τους αιώνες XVI-XVIII. Σερβίρεται για κλασικιστές ενός είδους προτύπου.
Ο Rafael ήταν το μεγαλύτερο πορτρέτο της εποχής του. ("Papa Julius II", "Leo X", ένας φίλος του καλλιτέχνη συγγραφέα Castiglione, όμορφη "Donna Velat" κλπ.). Και στις εικόνες πορτρέτου του, κατά κανόνα, η εσωτερική ισορροπία και η αρμονία κυριαρχεί.
Στο τέλος της ζωής του Rafael φορτώθηκε απαγορευτικά με μια ποικιλία εργασίας και παραγγελίες. Είναι ακόμη δύσκολο να φανταστούμε ότι όλα αυτά θα μπορούσαν να εκπληρώσουν ένα άτομο. Ήταν μια κεντρική φιγούρα της μυθοπλασίας της Ρώμης, μετά το θάνατο του Bramte (1514) έγινε ο αρχιτέκτονας του καθεδρικού ναού του Αγίου Ο Πέτρος, διεξήγαγε αρχαιολογικές ανασκαφές στη Ρώμη και το περιβάλλον και την προστασία των αρχαίων μνημείων.
Ο Rafael πέθανε το 1520. Ο πρόωρος θάνατός του ήταν απροσδόκητος για τους συγχρόνους. Η σκόνη του θαμμένη στο Πάνθεον.
Ο τρίτος μεγαλύτερος κύριος της υψηλής αναγέννησης είναι ο Michelangelo - πολύ έμπειρος Leonardo και Raphael. Το πρώτο μισό του δημιουργικού του μονοπατιού πέφτει στην ακμή της τέχνης της υψηλής αναγέννησης και το δεύτερο είναι για το χρόνο της αντίθετης επεξεργασίας και την έναρξη του σχηματισμού της μπαρόκ τέχνης. Από τις λαμπρές Πλειάδες των Καλλιτεχνών της Υψηλής Αναγέννησης, ο Michelangelo ξεπέρασε όλο τον κορεσμό των εικόνων, τον πολιτικό Παθό, ευαισθησία στην αλλαγή της δημόσιας διάθεσης. Ως εκ τούτου, η δημιουργική ενσάρκωση της σύγκρουσης των ιδεών αναγέννησης.
Michelangelo Buonaroti (1475-1564) Το 1488 στη Φλωρεντία άρχισε να μελετά προσεκτικά το αντίκες πλαστικό. Η ανακούφιση του "Μάχη των Κενταύρων" στην εσωτερική αρμονία είναι ήδη έργο υψηλής αναγέννησης. Το 1496, ένας νεαρός καλλιτέχνης φεύγει στη Ρώμη, όπου τα έργα των έργων του πρώτου, "Vakh" και "Pieta" δημιουργούν το πρώτο του. Κυριολεκτικά συλλαμβάνονται από εικόνες αρχαιότητας. Το "Pieta" - ανοίγει ορισμένα έργα του πλοιάρχου σε αυτό το οικόπεδο και προωθεί μεταξύ των πρώτων γλύπτων της Ιταλίας.
Επιστρέφοντας το 1501 στη Φλωρεντία, ο Michelangelo στις οδηγίες της σηματοδότησης έβγαλε τη φιγούρα του Δαβίδ από τον απροσδόκητο γλύπτη του μαρμάρου σε αυτόν. Το 1504, ο Michelangelo τελείωσε το διάσημο άγαλμα, που ονομάζεται Florentine "Giant" και βάζουν μπροστά από το Palazzo Vecchika, μια πόλη της πόλης. Το άνοιγμα του μνημείου μετατράπηκε σε λαϊκή γιορτή. Η εικόνα του Δαβίδ ενέπνευσε πολλούς καλλιτέχνες Quatrocheto. Αλλά όχι ένα αγόρι, όπως το Donatello και το Verokkio, απεικονίζει τον Michelangelo του, και τους νέους άνδρες σε πλήρη άνθιση, και όχι μετά τη μάχη, με ένα γιγαντιαίο κεφάλι στα πόδια, και πριν από τη μάχη, κατά τη διάρκεια της υψηλότερης τάσης των δυνάμεων . Στην όμορφη εικόνα του Δαβίδ, στο σκληρό του πρόσωπο, ο γλύπτης έδωσε την τιτανική δύναμη του πάθους, μια απεριόριστη θέληση, πολιτικό θάρρος, την απεριόριστη δύναμη ενός ελεύθερου ανθρώπου.
Το 1504, ο Michelangelo (όπως ήδη αναφέρεται σε σχέση με τον Leonardo) αρχίζει να εργάζεται για τη ζωγραφική "αίθουσα πεντακοσίων" στο Palazzo Signoria
Το 1505, ο Πάπας Ιούλιο ΙΙ κάλεσε τον Michelangelo στη Ρώμη για τις εγκαταστάσεις των τάφων, αλλά στη συνέχεια αρνήθηκε να παραγγείλει και διέταξε μια λιγότερο σημαντική ζωγραφική της οροφής του παρεκκλησίου του Σιστίνου στο παλάτι του Βατικανού.
Σχετικά με τη ζωγραφική του Plafon του Sistine Chapel, ο Michelangelo εργάστηκε μόνος του, από το 1508 έως το 1512, παίζοντας έκταση περίπου 600 τετραγωνικών μέτρων. M (48x13 m) σε ύψος 18 μ.
Το κεντρικό τμήμα της οροφής Michelangelo αφιερωμένο σκηνές της Ιερής Ιστορίας, που κυμαίνεται από τη δημιουργία του κόσμου. Αυτές οι συνθέσεις πλαισιώνονται από το γραπτό, αλλά δημιουργούν μια ψευδαίσθηση αρχιτεκτονικής, γείσο και διαχωρισμένα, γραφική, έλξη. Τα γραφικά ορθογώνια υπογραμμίζονται και εμπλουτίζουν την πραγματική αρχιτεκτονική της οροφής. Κάτω από τις γραφικές μαρκίζες του Michelangelo, οι προφήτες και η Siville έγραψαν (κάθε φιγούρα περίπου τρία μέτρα), στους Luins (καμάρες πάνω από τα παράθυρα) που απεικονίζουν επεισόδια από τη Βίβλο και τους προγόνους του Χριστού ως συνηθισμένοι άνθρωποι που ασχολούνται με καθημερινές υποθέσεις.
Στις εννέα κεντρικές συνθέσεις, τα γεγονότα των πρώτων ημερών δημιουργίας, η ιστορία του Αδάμ και της Εύα, ο παγκόσμιος πλημμύρας, και όλες αυτές οι σκηνές είναι ουσιαστικά ένας ύμνος που τοποθετείται σε αυτό. Σύντομα μετά το τέλος της εργασίας στο Sicstin, ο Julius II πέθανε και οι κληρονόμοι του επέστρεψαν στις σκέψεις για την επιτύμβια στήλη. Το 1513-1516 Ο Michelangelo εκτελεί την εικόνα του Μωυσή και τους σκλάβους (κρατούμενους) για αυτόν τον ταφόπλακο. Η εικόνα του Μωυσή είναι ένα από τα ισχυρότερα στο έργο ενός ώριμου οδηγού. Επενδύθηκε σε αυτόν το όνειρο του ηγέτη του Mudrome, μια κοιλάδα, πλήρες τιτανικές δυνάμεις, έκφραση, ιδιότητες, τόσο απαραίτητες τότε για να ενώσει την πατρίδα του. Οι αριθμοί σκλάβων δεν εισήλθαν στην τελική έκδοση του τάφου.
Από το 1520 έως το 1534, ο Michelangelo εργάζεται σε ένα από τα σημαντικότερα και πιο τραγικά γλυπτά έργα - πάνω από το Patribute της Medici (Blorentent Church of San Lorenzo), εκφράζοντας όλες τις εμπειρίες που έπεσαν στο μερίδιο του πλοιάρχου και της δικής του πόλης κατά τη διάρκεια αυτού περίοδο και ολόκληρες χώρες εν γένει. Από τα τέλη της δεκαετίας του '20, η Ιταλία καταπλήθηκε κυριολεκτικά τόσο από εξωτερικούς όσο και εσωτερικούς εχθρούς. Το 1527, οι μισθωμένοι στρατιώτες νίκησαν τη Ρώμη, οι προτεστάντες λεηλατοποίησαν τα καθολικά ιερά της Αιώνιας πόλης. Η Florentine Bourgeoisie πέρασε Medici, κανόνες και πάλι από το 1510g
Στη διάθεση της πιο σκληρής απαισιοδοξίας, σε μια κατάσταση αυξανόμενης βαθιάς θρησκείας και το Michelangelo εργάζεται πάνω από την πατρίβευση του Medici. Ο ίδιος χτίζει μια επέκταση στην εκκλησία της Φλωρεντίας του San Lorenzo -nomboy, αλλά ένα πολύ υψηλό δωμάτιο, επικαλύπτεται με έναν θόλο και αποτελεί δύο τοίχους της Σακίστινας (εσωτερικός χώρος) γλυπτικοί τοίχοι. Ένας τοίχος διακοσμεί την εικόνα του Lorenzo, το αντίθετο - giuliano, και στο κάτω μέρος των ποδιών τους, υπάρχουν σαρκοφάγοι, διακοσμημένα με αλληγορικές γλυπτικές εικόνες ενός στόλου ενός χρόνου γρήγορης πορείας: "πρωί" και "βράδυ", στην επιτύμβια στήλη του Lorenzo, "Νύχτα και" Ημέρα "- στον τάφο του Juliano.
Και οι δύο εικόνες - Lorenzo και Giuliano - δεν έχουν ομοιότητα πορτρέτου από ότι διαφέρουν από τις παραδοσιακές αποφάσεις του αιώνα του XV.
Το Pavel III αμέσως μετά την εκλογή του άρχισε να ζήτησε επίμονα από την εκπλήρωση της Michelangelo αυτής της ιδέας και το 1534, διακόπτοντας το έργο στον τάφο, το οποίο ολοκλήρωσε μόνο το 1545 φύλλα Michelangelo για τη Ρώμη, όπου αρχίζει να εργάζεται στο παρεκκλήσι της Σιάντ - Για τη ζωγραφική "τρομακτικό δικαστήριο" (1535-1541) -grandiosis δημιουργία, εξέφρασε την τραγωδία της ανθρώπινης φυλής. Τα χαρακτηριστικά του συστήματος νέας τέχνης που εκδηλώνονται σε αυτό το έργο Michelangelo είναι ακόμα φωτεινότερο. Το δημιουργικό δικαστήριο, τιμωρεί τον Χριστό, τοποθετείται στο κέντρο της σύνθεσης και γύρω του στην περιστροφική κυκλική κίνηση που απεικονίζονται οι αμαρτωλές, ανέβηκαν από τον παράδεισο, που στέκονται από τους τάφους του Θεού τους νεκρούς. Όλα είναι γεμάτα φρίκη, απελπισία, θυμό, σύγχυση.
Ζωγράφος, γλύπτης, ποιητής, Michelangelo ήταν επίσης ένας λαμπρός αρχιτέκτονας. Ήταν η ικανοποίηση της σκάλας της Φλωρεντικής Βιβλιοθήκης της Laurrencyan, η πλατεία Capitol στη Ρώμη ήταν διακοσμημένη, η πύλη Pius (Porta Pia) ανεγερθήκαμε, από 1546 εργάζεται στον καθεδρικό ναό του Αγίου Ο Πέτρος ξεκίνησε ακόμα τον Bramte. Το Michelangelo ανήκει στο σχέδιο και το σχέδιο του θόλου, το οποίο εκπληρώθηκε μετά το θάνατο του πλοιάρχου και εξακολουθεί να είναι ένα από τα κυριότερα κυρίαρχη στο πανόραμα της πόλης.
Ο Michelangelo πέθανε στη Ρώμη στην ηλικία των 89 ετών. Το σώμα του εξήχθη τη νύχτα στη Φλωρεντία και θαμμένη στην παλαιότερη εκκλησία της μητρικής πόλης Santa Croce. Η ιστορική σημασία της τέχνης του Michelangelo, ο αντίκτυπός τους στους συγχρόνους και για τις επόμενες εποχές είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθεί. Ορισμένοι ξένοι ερευνητές το ερμηνεύουν ως ο πρώτος καλλιτέχνης και ο μπαρόκ αρχιτέκτονας. Αλλά το μεγαλύτερο μέρος του είναι ενδιαφέρον ως φορέας των μεγάλων ρεαλιστικών παραδόσεων της Αναγέννησης.
George Barbarelli ναι Castelfranco, στο ψευδώνυμο Georgeon (1477-1510), - ο άμεσος οπαδός του δασκάλου του και ένας τυπικός ζωγράφος υψηλής αναγέννησης. Μετατράπηκε στα θέματα του λογοτεχνικού, στα οικόπεδα μυθολογικών στο βενετσιάνικο έδαφος. Το τοπίο, η φύση και το όμορφο γυμνό ανθρώπινο σώμα έχουν γίνει το θέμα της τέχνης και το αντικείμενο της λατρείας.
Ήδη στο πρώτο διάσημο έργο της "Madonna Castelfranko" (περίπου 1505), ο Georgeon φαίνεται να καθορίζεται από τον καλλιτέχνη. Η εικόνα της Madonna είναι γεμάτη από ποίηση, προσεκτική ονειρική ονειρική, διαπερνάται από τη διάθεση της θλίψης, η οποία είναι χαρακτηριστική όλων των γυναικών εικόνων του Georgeon. Τα τελευταία πέντε χρόνια της ζωής του, ο καλλιτέχνης δημιούργησε τα καλύτερα έργα του που εκτελείται στην τεχνολογία πετρελαίου, το κύριο στο Ενετικό Σχολείο εκείνη την εποχή. . Στη ζωγραφική του 1506, η Gorzone απεικονίζει ένα άτομο ως μέρος της φύσης. Νοσηλευτική γυναίκα μωρών, ένας νεαρός άνδρας με ένα προσωπικό (το οποίο μπορεί να ληφθεί για έναν πολεμιστή με την Alabard) δεν συνδυάζεται με οποιαδήποτε ενέργεια, αλλά συνδέονται σε αυτό το μαγευτικό τοπίο με μια κοινή διάθεση, μια κοινή ψυχική κατάσταση. Το βαρέων βαρών και η ποίηση διαπερνάται από την εικόνα του "ύπνου Venus" (περίπου 1508-1510). Το σώμα της γράφεται εύκολα, ελεύθερα, κομψό, δεν είναι περίεργο οι ερευνητές μιλούν για τη "μουσική" του Rhymes Georgeon. Δεν στερείται αισθησιακές γοητείες. "Αγροτική συναυλία" (1508-1510)
Titian Veverielio (1477; -1576) - Θεωρούμενος καλλιτέχνης της Βενετικής Αναγέννησης. Δημιούργησε έργα και το μυθολογικό και τα χριστιανικά οικόπεδα, εργάστηκε στο είδος του πορτρέτου, το πολύχρωμο ταλέντο του αποκλειστικά, η σύνθετη εφευρετικότητα είναι ανεξάντλητη, και η ευτυχισμένη μακροζωία του τον επέτρεψε να φύγει πίσω από την πλουσιότερη δημιουργική κληρονομιά, η οποία είχε τεράστια επιρροή στους απογόνους .
Ήδη το 1516 γίνεται ο πρώτος ζωγράφος της Δημοκρατίας, από τη δεκαετία του '20 - ο πιο διάσημος καλλιτέχνης Βενετία
Περίπου το 1520, ο δούκας του Ferrarsky τον διατάζει έναν κύκλο έργων ζωγραφικής στους οποίους ο τιτιστής εμφανίζεται στον τραγουδιστή της αρχαιότητας, ο οποίος κατάφερε να αισθανθεί, το κύριο πράγμα, να ενσωματώσει το πνεύμα του παγανισμού ("Vakhanalia", "Venus Holiday", "Vakh και ariadne ").
Πλούσια βενετσιάνικη Patricia διέταξε τις εικόνες του Titian βωμού, και δημιουργεί τεράστιες εικόνες: "Ανάληψη της Μαρίας", "Madonna Pesaro"
"Εισαγωγή της Μαρίας στο ναό" (περίπου 1538), "Venus" (περίπου 1538)
(Ομαδική πορτρέτο του Πάπας Παύλου ΙΙΙ με τους Γουρνιάι και ο Αλέξανδρος Φερίνο, 1545-1546)
Ακόμα γράφει πολλά στις αρχαίες ιστορίες ("Venus και Adonis", "Shepherd and Nymph", "Diana και Akteon", "Δία και Αντία", αλλά όλο και περισσότερο μετατρέπεται στα θέματα των Χριστιανών, στις σκηνές του μαρτύρου, Στην οποία η παγανιστική χαρά, η αντίκες αρμονία αντικαθίσταται από την τραγική πρωτοβουλία ("Bacheling of Christ", "Crawling Maria Magdalene", "St. Sebastian", "πένθος"),
Αλλά στα τέλη του αιώνα, τα χαρακτηριστικά της επικείμενης νέας εποχής στην τέχνη, μια νέα καλλιτεχνική κατεύθυνση είναι ήδη προφανή. Αυτό θεωρείται από το παράδειγμα της δημιουργικότητας των δύο μεγαλύτερων καλλιτεχνών του δεύτερου μισού αυτού του αιώνα - Paolo Veronese και Jacopo Tintroretto.
Ο Paolo Cagliari, η παρατσούκλα Veronese (έρχεται από τη Βερόνα, 1528-1588), προοριζόταν να γίνει ο τελευταίος τραγουδιστής της εορταστικής, ατυχής Βενετία του XVI αιώνα.
: "Pier στο σπίτι του Levi" "Γάμος στο Cana Galilee" για τη Δασική Μονή του Σαν Γιώργου Maggiore
Jacopo Robusto, γνωστός στην τέχνη ως Tintoretto (1518-1594) ("Tintoretto" -Crashlar: Ο πατέρας του καλλιτέχνη ήταν ένας βαθύς του μετάξι). "Θαύμα του Αγίου Μάρκου" (1548)
("Εξοικονόμηση Αρσινόη", 1555), "Εισαγωγή στον ναό" (1555),
Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro στο Pyombino, Villa Rotonda στη Vicenza, ολοκληρώθηκε μετά το θάνατό του από τους μαθητές στο έργο του, πολλά κτίρια στη Vicenza). Το αποτέλεσμα της μελέτης της αρχαιότητας ήταν τα βιβλία των "ρωμαϊκών αρχαιοτήτων" (1554), "τέσσερα βιβλία για την αρχιτεκτονική" (1570-1581), αλλά η αρχαιότητα ήταν "ζωντανός οργανισμός" γι 'αυτόν, σύμφωνα με την δίκαιη παρατήρηση του ερευνητή .
Η ολλανδική αναβίωση στη ζωγραφική αρχίζει με τους αδελφούς "Gent Altar" Gubert (πέθανε το 1426) και Yana (περίπου 1390-1441) Wang Eyki, που τελείωσε από τον Jan Eyk το 1432. Wang Eyki βελτιώθηκε ο εξοπλισμός πετρελαίου: το πετρέλαιο επέτρεψε να μεταδώσει περισσότερα Glitter, βάθος, πλούτο του αντικειμενικού κόσμου, προσελκύοντας την προσοχή των ολλανδικών καλλιτεχνών, της πολύχρωμης υπερηχισμού της.
Από την πολυάριθμα Madonn Yana Wang Eyka είναι η πιο διάσημη "Madonna rollen chancellor" (περίπου 1435)
("Άνθρωπος με γαρύφαλλο"; "Άνθρωπος στο Turban", 1433; Πορτρέτο της συζύγου του καλλιτέχνη Μαργαρίτα Van Eyk, 1439
Πολύ στην επίλυση τέτοιων προβλημάτων, η ολλανδική τέχνη υποχρεούται από τον Rogir Van der Wayden (1400; -1464) "Αφαίρεση από το Σταυρό" - ένα τυπικό έργο του Vaiden.
Στο δεύτερο μισό του αιώνα του XV. Λογαριασμός του για το έργο του Master of Exclusive Diving Gogo Van der Gus (περίπου 1435-1482) "θάνατος της Μαρίας").
Jerome Bosch (1450-1516), ο δημιουργός των ζοφερών μυστικιστικών οραμάτων στα οποία μετατρέπεται στον μεσαιωνικό αλληλοσυγκλωμό, "Κήπος της ευχαρίστησης"
Η κορυφή της ολλανδικής αναγέννησης ήταν αναμφισβήτητα η δημιουργικότητα του Peter Bruegel Senior, το παρατσούκλι Menitsky (1525 / 30-1569) ("Κουζίνα", "Κουζίνα"), Ειδική Φήμη από τους απογόνους "Χειμερινό τοπίο" που άξιζε από το "Seascape" του χρόνου "Κύκλος" (Άλλο Το όνομα είναι "Κυνηγοί χιονιού", 1565), "Μάχη του Καρναβαλιού και της Ταχυδρομικής" (1559).
Albrecht Dürera (1471-1528).
"Συλλογή διακοπών" (άλλο όνομα - "Madonna με ροζάρι", 1506), "Rider, θάνατος και διάβολος", 1513; "Άγιος Jerome "και" μελαγχολία ",
Hans Golbien Jr. (1497-1543), "Triumph of Death" ("Χορός του Θανάτου") Πορτρέτο της Jane Seymour, 1536
Albrecht Altdorfer (1480-1538)
Renaissance Lucas Cranes (1472-1553),
Jean Fuku (περίπου 1420-1481), Πορτρέτο του Charles VII
Jean Clue (περίπου 1485 / 88-1541), γιος Francois Clue (περίπου 1516-1572) - μεγάλος καλλιτέχνης της Γαλλίας XVI αιώνα. Πορτρέτο της Αυστριακής Ελισάβετ, περίπου το 1571, (Πορτρέτο του Heinrich II, Mary Stewart, κλπ.)