Ζωγραφική των σύγχρονων ρωσικών καλλιτεχνών. Καλλιτέχνες της σύγχρονης ζωγραφικής

Εδώ είναι μια επιλογή έργων ζωγραφικής για ακόμα ελάχιστα γνωστά, αλλά πολύ ταλαντούχους καλλιτέχνες. Όλοι οι τύποι από τη Ρωσία και τους συγχρόνους μας. Δείτε, να διαβάσετε και να απολαύσετε.

Παιδιά, γράφω όλη την ώρα εδώ για αρκετά γνωστές και προσωπικότητες. Φυσικά, θα ήταν πολύ πιο ενδιαφέρον να γράψω για αυτούς τους καλλιτέχνες, για τους οποίους δεν είναι ακόμα γνωστό σε κανέναν, αλλά τι να κάνει - είναι στο δημόσιο Vkontakte μπορείτε να γράψετε για οτιδήποτε και το blog μπορεί να γράψει μόνο τι άνθρωποι Ψάχνουν για το Yandex και το Google, διαφορετικά, εκτός από εσάς, κανείς δεν θα πάει εκεί. Αλλά για μια ποικιλία και ευχαρίστηση, αποφάσισα, ωστόσο, να κάνω μια επιλογή από "ελάχιστα γνωστούς σύγχρονους καλλιτέχνες της Ρωσίας και των ζωγραφικών τους".

• Τι άλλο ενδιαφέρον; (αναφορές σε άλλα άρθρα).
• Οι πίνακες του Marchuk - ένας από τους πιο διάσημους σύγχρονους ουκρανικούς καλλιτέχνες
• Ο θρυλικός Κοσμήτορας της Σχολής Γραφικών διάσημων "Repeinki".

Κάποιος από αυτούς τους τύπους είναι ακόμα στην αρχή του μονοπατιού του, και κάποιος έχει ήδη λάβει σχετικά και επιτυχώς πωλεί τα έργα τους στο Vkontakte ή στους εμπόρους για το είδος των εκθέσεων των δασκάλων και είναι ακόμη γνωστές στους στενούς κύκλους, αλλά όλοι είναι United by one - δεν είναι ακόμα γνωστές σε μεγάλες μάζες. Αλλά άγνωστο - δεν σημαίνει ότι στερείται ταλέντου, γι 'αυτό νομίζω ότι θα σας ενδιαφέρει να κοιτάξετε. Αποφάσισα να απευθυνθώ εδώ όχι μόνο τους πραγματικούς συντάκτες, αλλά και αρκετούς γλύπτες.

Ελάχιστα γνωστούς σύγχρονους καλλιτέχνες της Ρωσίας και των ζωγραφων τους. Εικονογράφοι και ζωγράφοι.

Ελάχιστα γνωστούς καλλιτέχνες. Χρώμα σουρεαλιστικό μοντέρνα στους πίνακες της Μαρίας Σουσάρενκο.

Έμαθα για αυτόν τον καλλιτέχνη όχι πολύ καιρό πριν και σχεδόν αμέσως ερωτεύτηκε τις ζωγραφιές της. Εν μέρει επειδή είναι πολύ κοντά σε μένα στο πνεύμα, ως καλλιτέχνης, εν μέρει λόγω του θαυμασμού για την τεχνική και τη βία της φαντασίας. Maria Susarenko - Ένα χαριτωμένο κορίτσι από την Αγία Πετρούπολη και έναν πτυχιούχο του διάσημου SPBGHP τους. Α. Stiglitz. Οι εικόνες της Mary Susarenko είναι ένα φωτεινό μίγμα σύγχρονου και σουρεαλισμού. Φαίνεται πολύ φωτεινό και διακοσμητικό.

Εικόνες από ελάχιστες γνωστές καλλιτέχνες. Εργασία Maria Susarenko

Εκπληκτική λεπτομέρεια!

Ελάχιστα γνωστούς καλλιτέχνες. Subbotina dasha.

Το αιώνιο κίνητρο του Yuralli είναι ένας catan.
Αστεία σκοτώσει. Ένα τέτοιο ρυάκι και θα ήμουν επιφυλακτικός.

Moir - https://vk.com/shamancats

Ελάχιστα γνωστούς σύγχρονους καλλιτέχνες στη Ρωσία. Γλύπτες.

Αφήστε να μην είναι φωτογραφίες εδώ, αλλά διακοσμήσεις, αλλά είναι τόσο προσωρινά και αγαπούν ότι δεν μπορούσα να αντισταθώ. Στο τέλος, ο γλύπτης είναι επίσης καλλιτέχνης. Ναι, ο καλλιτέχνης μπορεί να είναι ζωγράφος, ένα πρόγραμμα, ένα εικονογράφο ή έναν γλύπτη (ο καπετάνιος σας είναι προφανής). Υπάρχουν δύο κορίτσια, των οποίων οι διακοσμήσεις δεν θα δημοσιεύονται από τον ίδιο τον Rena Lalik.

Ελάχιστα γνωστούς καλλιτέχνες. Grimoire μαύρο κοτόπουλο.

Στο εργαστήριο "Grimoire La Poule Noire", το οποίο μεταφράστηκε "Grimoire του μαύρου κοτόπουλου" (ο καπετάνιος σας είναι προφανής), κατέχει Lera Prokopets. Η Lera είναι μια μινιατούρα γλύπτη και μια πανέμορφη κυρία. Λειτουργεί κυρίως με πηλό πολυμερούς και πέτρες. Η Λάρα δημιουργεί εκπληκτική διακοσμήσεις στο ύφος που θα έλεγα το Γοτθικό "Art Nouveau". Μια τέτοια ελαφρώς μαγεία, σκοτεινή, αλλά κομψή ομορφιά. Λοιπόν, θα ήταν ακόμα, επειδή αυτό είναι το "grimar του μαύρου κοτόπουλου".

Ελάχιστα γνωστούς καλλιτέχνες. Αρχική διακόσμηση τέχνη Nouveau. Φωτογραφία από το εργαστήριο "Grimoire Black Chicken".

Hekata, ελληνική θεά της νύχτας.
Μορφίνη. Λεπτός:) Είτε οι δαίμονες, είτε βαμπίρ με αποξηραμένη γλώσσα - ένα από τα αγαπημένα κίνητρα LATA.

Leonardo di Ίδιος Piero Da Vinci (15 Απριλίου 1452-2 Μαΐου 1519) - Ο διάσημος ιταλός ζωγράφος, αρχιτέκτονας, φιλόσοφος, μουσικός, συγγραφέας, ερευνητής, μαθηματικός, μηχανικός, anata, εφευρέτης και γεωλόγος. Είναι γνωστό για τους πίνακές του, το πιο διάσημο από τα οποία είναι το "τελευταίο δείπνο" και το "Mona Lisa", καθώς και πολλές εφευρέσεις, πολύ με το πρωί, αλλά παραμένουν μόνο σε χαρτί. Επιπλέον, ο Leonardo da Vinci συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη της ανατομίας, της αστρονομίας και της τεχνολογίας.

Raphael Santi (28 Μαρτίου, 28 Απριλίου, 28 Απριλίου 1483-6, 1520) - Ο μεγάλος Ιταλός καλλιτέχνης και ένας αρχιτέκτονας που εργάζεται στην εποχή της Αναγέννησης, καλύπτοντας την περίοδο από το τέλος του XV και τα πρώτα χρόνια του XVI αιώνας. Παραδοσιακά, ο Rafael θεωρείται ένας από τους τρεις μεγάλους δασκάλους αυτής της περιόδου, μαζί με τον Michelangelo και τον Leonardo da Vinci. Πολλά από τα έργα του βρίσκονται στο αποστολικό παλάτι στο Βατικανό, σε εσωτερικούς χώρους που ονομάζονται μηχανές Raphael. Μεταξύ άλλων, εδώ είναι η πιο διάσημη δουλειά - "Αθήνα Σχολή".

Diego Rodriguez de Silva-I-Velasquez (6 Ιουνίου 1599-6 Αυγούστου 1660) - Ισπανικός καλλιτέχνης, πορτραίτης, δικαστής καλλιτέχνης βασιλιάς Philip IV, ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της ισπανικής ζωγραφικής του χρυσού αιώνα. Εκτός από πολλούς πίνακες που απεικονίζουν ιστορικές και πολιτιστικές σκηνές από το παρελθόν, έγραψε πολλά πορτρέτα της ισπανικής βασιλικής οικογένειας, καθώς και άλλα γνωστά ευρωπαϊκά στοιχεία. Το πιο διάσημο έργο του Velasquez είναι η εικόνα "Menina" (ή "Filip Philip IV") του 1656 στο Μουσείο Prado στη Μαδρίτη.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan μη υπερβολική Maria de Los Remedios Sizhriano de La Santisima Τρινιδάδ Μάρτυρας Patricio Ruiz και Πικάσο (25 Οκτωβρίου 1881-8, 1973) - Ο παγκοσμίου φήμης Ισπανός καλλιτέχνης και γλύπτης, ιδρυτής κατευθύνσεων σε εξαιρετική τέχνη - Κυβισμός. Θεωρείται ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες που επηρέασαν την ανάπτυξη της τέχνης της τέχνης στο XX αιώνα. Οι ειδικοί, αναγνωρίστηκαν ως ο καλύτερος καλλιτέχνης μεταξύ εκείνων που ζούσαν τα τελευταία 100 χρόνια, καθώς και τα πιο "ακριβά" στον κόσμο. Για τη ζωή του, ο Πικάσο δημιούργησε περίπου 20 χιλιάδες έργα (σύμφωνα με άλλα δεδομένα 80 χιλ.).

Vincent Villem Van Gogh (30 Μαρτίου 1853-29, 1890) - Ο διάσημος Κάτω Χώρες καλλιτέχνης που απέκτησε τη φήμη μόνο μετά το θάνατο. Σύμφωνα με πολλούς ειδικούς, ο Van Gogh είναι ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες στην ιστορία της ευρωπαϊκής τέχνης, καθώς και ένας από τους πιο εντυπωσιακούς εκπροσώπους της τεχνυγισίας. Συγγραφέας περισσότερων από 2100 έργων τέχνης, συμπεριλαμβανομένων 870 έργων ζωγραφικής, 1000 αριθμών και 133 σκίτσων. Τα πολυάριθμα αυτοπροσωπογραφήματα, τα τοπία και τα πορτραίτα είναι ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα και δαπανηρά έργα τέχνης στον κόσμο. Το πιο διάσημο έργο του Vincent Van Gogh, ίσως, θεωρείται μια σειρά από έργα ζωγραφικής που ονομάζονται "ηλιοτρόπια".

Michelangelo Buonaroti (6 Μαρτίου 1475-18 Φεβρουαρίου 1564) - Αναπτύχθηκε ιταλός γλύπτης, καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, ποιητής και στοχαστή που είχε ένα ανεξίτηλο αποτύπωμα σε ολόκληρη την παγκόσμια κουλτούρα. Το πιο διάσημο έργο του καλλιτέχνη είναι ίσως τις τοιχογραφίες στο ανώτατο όριο του παρεκκλησίου της Σιστίνης. Ανάμεσα στα γλυπτά του, τα πιο διάσημα είναι η "Pieta" ("πένθος Χριστός") και ο Δαβίδ. Από τα έργα της αρχιτεκτονικής - ο σχεδιασμός των θόλων της Βασιλικής του Αγίου Πέτρου. Είναι ενδιαφέρον ότι ο Michelangelo έγινε ο πρώτος εκπρόσωπος της Τέχνης της Δυτικής Ευρώπης, του οποίου η βιογραφία γράφτηκε στη ζωή του.

Στην τέταρτη θέση στην κατάταξη των πιο διάσημων καλλιτεχνών του κόσμου είναι το Mazaccho (21 Δεκεμβρίου 1401-1428) - ο μεγάλος Ιταλός καλλιτέχνης που έχει τεράστια επιρροή σε άλλους κυρίους. Ο Mazachcho έζησε μια πολύ σύντομη ζωή, έτσι υπάρχουν λίγα βιογραφικά στοιχεία. Μόνο οι τέσσερις από τις τοιχογραφίες τους διατηρούνται, οι οποίες, χωρίς αμφιβολία, είναι το έργο του Mazacho. Άλλοι, όπως πιστεύεται ότι καταστράφηκε. Το πιο διάσημο έργο του Mazacho θεωρείται η τοιχογραφία "Τριάδα" στην εκκλησία της Santa Maria Novella στη Φλωρεντία της Ιταλίας.

Peter Paul Rubens (28 Ιουνίου 1577-30 Μαΐου 1640) - Φλαμανδική (Νότια Διδέρλαντ) ζωγράφος, ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες της μπαρόκ εποχής, είναι γνωστή για το υπερβολικό στυλ του. Θεωρείται ο πιο ευπροσάρμοστος καλλιτέχνης του χρόνου του. Στα έργα του, το Rubens τόνισε και ενσωματώθηκε τη ζωτικότητα και την αισθησιασμό του χρώματος. Έγραψε πολλά πορτρέτα, τοπία και ιστορικούς πίνακες με μυθολογικά, θρησκευτικά και αλληγορικά οικόπεδα. Το πιο διάσημο έργο του Rubens είναι το τρίπτυχο "Απόσυρση από το Σταυρό" που γράφτηκε κατά την περίοδο από το 1610 έως το 1614 και έφερε τον καλλιτέχνη παγκοσμίως φήμη.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 Σεπτεμβρίου, 1571-18, 1610) - Ο μεγάλος Ιταλός καλλιτέχνης της πρώιμης μπαρόκ περιόδου, ιδρυτής της ευρωπαϊκής ρεαλιστικής ζωγραφικής του XVII αιώνα. Στα έργα του, η Caravaggio χρησιμοποίησε επιδέξια αντιθέσεις του φωτός και της σκιάς, εστιάζοντας στις λεπτομέρειες. Συχνά απεικονίζονται συνηθισμένοι Ρωμαίους, άτομα από δρόμους και αγορές στις εικόνες των Αγίων και της Madonn. Τα παραδείγματα μπορούν να χρησιμεύσουν ως "Ευαγγελιστής Ματθαίος", "Vakh", "Αίτηση Sawla", κλπ. Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες καλλιτέχνη θεωρείται ότι είναι "βούτυρο" (1595), το οποίο ο Caravaggio τον κάλεσε το κομμάτι της ζωγραφικής.

Το Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine (1606-1669) - ο διάσημος Κάτω Χώρες ζωγράφος και χαράκτης, η οποία θεωρείται ο μεγαλύτερος και πιο διάσημος καλλιτέχνης του κόσμου. Ο συγγραφέας περίπου 600 έργων ζωγραφικής, 300 χαρακτικά και 2 χιλιάδες σχέδια. Το χαρακτηριστικό του χαρακτηριστικό είναι ένα εργαστήριο με φωτεινά εφέ και βαθιές σκιές. Το πιο διάσημο έργο του Rembrandt είναι η εικόνα τεσσάρων μέτρων του "νυχτερινού ρολογιού", γραμμένο το 1642 και τώρα αποθηκεύεται στο κρατικό μουσείο του Άμστερνταμ.

Η αξιολόγηση της πιο ακριβά έργου είναι τώρα ζωντανοί καλλιτέχνες - αυτό είναι ένα σχέδιο που μιλάει για το ρόλο και τον τόπο του καλλιτέχνη στην ιστορία της τέχνης είναι πολύ λιγότερο από την ηλικία και το φρούριο της υγείας

Οι κανόνες για την προετοιμασία της βαθμολόγησης μας είναι απλή: καταρχάς, λαμβάνονται υπόψη μόνο οι συναλλαγές με τα έργα ζωντανών συγγραφέων. Δεύτερον, λαμβάνονται υπόψη μόνο οι πωλήσεις δημόσιας δημοπρασίας. Και τρίτον, ο κανόνας "ένας καλλιτέχνης είναι μια δουλειά" (εάν στην κατάταξη της εργασίας δύο αρχεία ανήκουν στον Jones, τότε μόνο το πιο ακριβό πράγμα παραμένει, και τα υπόλοιπα δεν λαμβάνονται υπόψη). Η κατάταξη διεξάγεται από την άποψη των δολαρίων (με το ποσοστό κατά την ημερομηνία πώλησης).

1. Κουνέλι Jeff Kuns. 1986. 91,075 εκατομμύρια δολάρια

Όσο περισσότερο παρατηρείτε την καριέρα δημοπρασιών Jeff Kuns (1955), τόσο περισσότερο είστε πεπεισμένοι ότι δεν υπάρχει τίποτα αδύνατο για την ποπ τέχνη. Μπορείτε να θαυμάσετε τα γλυπτά του Kun με τη μορφή παιχνιδιών από μπαλόνια και μπορείτε να εξετάσετε το Kich και ένα Σώμα - το δικαίωμά σας. Δεν μπορεί κανείς να το αρνηθεί: Οι εγκαταστάσεις του Jeff Kuns είναι τρελά χρήματα.

Ο Jeff Kuns ξεκίνησε το δρόμο του στη φήμη της πιο επιτυχημένης στον κόσμο τώρα ο ζωντανός καλλιτέχνης στο μακρινό 2007, όταν αγοράστηκε η γιγαντιαία μεταλλική εγκατάσταση του "Suspended Heart" για $ 23,6 εκατομμύρια στο Sotheby's Manuction's S. Ο Larry Gagosyan (στον Τύπο έγραψε ότι προς το συμφέρον του ουκρανικού δισεκατομμυριούχου Victor Pinchuk). Η γκαλερί δεν είχε μόλις εγκατασταθεί, αλλά, στην πραγματικότητα το έργο της τέχνης κοσμημάτων. Αφήστε το έργο να εκτελείται και όχι από το χρυσό (από ανοξείδωτο χάλυβα) Και το μέγεθος του είναι σαφώς περισσότερο από το συνηθισμένο coulon (ύψος γλυπτικής. 2.7 m ζυγίζει 1.600 κιλά), αλλά έχει παρόμοιο σκοπό. Πέρασε περισσότερο από έξι και μισή χιλιάδες ώρες για να παράγει μια καρδιά με μια καρδιά με επικάλυψη δέκα στρώματα. Ως αποτέλεσμα, ένα γιγαντιαίο χρήμα που πληρώνεται για μια θεαματική "διακόσμηση".

Στη συνέχεια, ήταν η πώληση ενός "λουλουδιού από ένα μπαλόνι" μοβ χρώμα για £ 12,92 εκατομμύρια (25,8 εκατομμύρια δολάρια) στα Λονδίνια πουλιά Christie 30 Ιουνίου 2008. Είναι ενδιαφέρον ότι τα επτά χρόνια νωρίτερα οι προηγούμενοι ιδιοκτήτες του "λουλουδιού" απέκτησαν δουλειά για 1,1 εκατομμύρια δολάρια. Είναι εύκολο να υπολογιστεί ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου η τιμή της αγοράς έχει αυξηθεί σχεδόν 25 φορές.

Η μείωση της αγοράς τέχνης του 2008-2009 έδωσε στους σκεπτικιστές έναν λόγο να δηλώσει ότι πραγματοποιήθηκε μόδα για τον Kuns. Αλλά λανθασμένα: μαζί με την αγορά τέχνης, το ενδιαφέρον για τα έργα του Kuns αναβίωσε. Ο διάδοχος Andy Warhol στο Throne of King Pop Art ενημέρωσε την προσωπική του εγγραφή τον Νοέμβριο του 2012 προς πώληση στο πολύχρωμο γλυπτό της Christie "τουλίπες" από τη σειρά "εορτασμός" για 33,7 εκατομμύρια δολάρια, λαμβάνοντας υπόψη την Επιτροπή.

Αλλά οι "τουλίπες" ήταν "λουλούδι" με την κυριολεκτική και εικονική έννοια. Μόλις ένα χρόνο αργότερα, τον Νοέμβριο του 2013, η πώληση από ανοξείδωτο χάλυβα γλυπτά "σκυλί από μπαλόνια (πορτοκαλί)": η τιμή του σφυριού ήταν έως και 58,4 εκατομμύρια δολάρια! Το υπέροχο ποσό για τον πλέον ζωντανό καλλιτέχνη. Το προϊόν του σύγχρονου συγγραφέα πωλήθηκε για την τιμή του ζωγραφικού Van Gogh ή Picasso. Αυτά ήταν ήδη μούρα ...

Με αυτό το αποτέλεσμα, ο Kuns βασίστηκε για αρκετά χρόνια στην κορυφή της βαθμολογίας τώρα ζωντανών καλλιτεχνών. Τον Νοέμβριο του 2018, ο David Hokney τον ξεπέρασε για λίγο (βλ. Τη δεύτερη γραμμή της βαθμολογίας μας). Αλλά σε μόλις έξι μήνες, τα πάντα επέστρεψαν στους κύκλους: 15 Μαΐου 2019 στη Νέα Υόρκη στη δημοπρασία του μεταπολεμικού και σύγχρονου τέχνης Christie προς πώληση, το γλυπτό του 1986 έβαλε προς πώληση - ένα ασημένιο "κουνέλι" από ανοξείδωτο Χάλυβας, μιμώντας την σφαίρα αέρα μιας τέτοιας μορφής.

Συνολικά, τα γλυπτά Kuns δημιούργησαν 3 αστεία συν ένα αντίγραφο ενός συγγραφέα. Ένα αντίγραφο του "κουνέλι" ήρθε στη δημοπρασία στον αριθμό 2 - από τη συλλογή του Cult Publisher Saya Newhouse, συνιδιοκτήτης του Εκδοτικού Οίκου του Conde Nast (Vogue περιοδικά, Vogue Magazines, Vogue Fair, Glamour, GQ, κλπ.). Ασημένιο "κουνέλι" αγοράστηκε από τον "πατέρα της γοητείας" λέει το Newhouse το 1992 για ένα εντυπωσιακό ποσό του αθροίσματος εκείνων των ετών - 1 εκατομμύριο δολάρια. Μετά από 27 χρόνια στον αγώνα των 10 προσφέρων, το μέγεθος του γλυπτού γλυπτικής 80 φορές υπερέβη την προηγούμενη τιμή πώλησης. Και λαμβάνοντας υπόψη την προμήθεια πριμοδότησης του αγοραστή, το τελικό αποτέλεσμα ήταν ένα αρχείο για όλους τους ζωντανούς καλλιτέχνες ύψους 91.075 εκατομμυρίων δολαρίων.

2. Ο David Hokney πορτρέτο του καλλιτέχνη. Πισίνα με δύο κομμάτια. 1972. $ 90 312 500

Ο David Hokney (1937) είναι ένας από τους σημαντικότερους Βρετανούς καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα. Το 2011, σύμφωνα με τα αποτελέσματα μιας έρευνας, χιλιάδες επαγγελματίες βρετανούς καλλιτέχνες και γλύπτες, ο David Hokney αναγνώρισε τον πιο ισχυρό βρετανικό καλλιτέχνη όλων των εποχών. Ταυτόχρονα, η Hokney παρακάμπτει τέτοια θέματα όπως ο William Törsner και ο Francis Bacon. Η δημιουργικότητά του, κατά κανόνα, ανήκει στην ποπ τέχνη, αν και στην πρώιμη δουλειά περισσότερο στον εξερχρηματισμό στο πνεύμα του Μπέικον Francis.

Ο David Hokney γεννήθηκε και μεγάλωσε στην Αγγλία, στην κομητεία του Γιορκσάιρ. Η μητέρα του μελλοντικού καλλιτέχνη κράτησε την οικογένεια στην Puritan αυστηρότητα και τον πατέρα του, έναν απλό λογιστή, λίγο που σχεδιάστηκε στο ερασιτεχνικό επίπεδο, ενθάρρυνε τις τάξεις του γιου γραφικό. Είκοσι με λίγο Δαβίδ έφυγε στην Καλιφόρνια, όπου υπήρχαν συνολικά περίπου τρεις δεκαετίες. Αυτός και τώρα υπάρχουν δύο εργαστήρια. Ο Hokney έκανε τους ήρωες των έργων του τοπικού πλούσιου, τις βίλες τους, τις πισίνες, γεμάτες με τον ήλιο της Καλιφόρνιας των γκαζόν. Ένα από τα πιο διάσημα έργα της αμερικανικής περιόδου είναι μια ζωγραφική "Splash" - αντιπροσωπεύει μια εικόνα ενός Sprap Snop, που ανυψώνεται από την πισίνα αφού ο άνθρωπος πήδηξε στο νερό. Για να απεικονίσετε αυτό το sheaf, "ζωντανό" όχι περισσότερο από δύο δευτερόλεπτα, η Hokney εργάστηκε για δύο εβδομάδες. Με την ευκαιρία, αυτή η εικόνα το 2006 πωλήθηκε στο Sotheby's για 5,4 εκατομμύρια δολάρια και για κάποιο χρονικό διάστημα θεωρήθηκε το πιο ακριβό έργο.

Ο Hokney (1937) είναι ήδη ογδινός, αλλά εξακολουθεί να λειτουργεί και ακόμη και δεσμεύει νέες τεχνικές χαρακτηριστικών χρησιμοποιώντας τεχνικές καινοτομίες. Μόλις έφτασε με την πραγματοποίηση τεράστιων κολάζ από τις πιστευτές εικόνες, τυπώθηκαν το έργο του σε συσκευές φαξ και σήμερα ο καλλιτέχνης με έμπνευση καταρρεύεται με την κατάρτιση στο iPad. Οι εικόνες που σχεδιάζονται στο tablet καταλαμβάνουν μια άξια θέση στις εκθέσεις του.

Το 2005, ο Hokney επέστρεψε τελικά από τα κράτη στην Αγγλία. Τώρα γράφει στην αιχμαλωσία και στο εργαστήριο τεράστιο (που συχνά αποτελείται από πολλά μέρη) τοπία των τοπικών δασών και της wastelife. Σύμφωνα με την Hokney, για 30 χρόνια που δαπανάται στην Καλιφόρνια, είναι τόσο περιστρεφόμενες από μια απλή αλλαγή εποχών που τον θαυμάζει πραγματικά και συναρπαστικά. Όλοι οι κύκλοι των πρόσφατων έργων του είναι αφιερωμένοι, για παράδειγμα, το ίδιο τοπίο σε διαφορετικές περιόδους του έτους.

Το 2018, οι τιμές των φωτογραφιών της Hokney αρκετές φορές διάτρησαν το σημάδι των 10 εκατομμυρίων δολαρίων. Και στις 15 Νοεμβρίου 2018, ένα νέο απόλυτο ρεκόρ για τη δημιουργικότητα καταχωρήθηκε για τη δημιουργικότητα τώρα ο ζωντανός καλλιτέχνης - $ 90.132.500 για τη ζωγραφική "Πορτρέτο ενός καλλιτέχνη (πισίνα με δύο αριθμούς)".

3. Gerhard Richter. Αφηρημένη ζωγραφική. 1986. 46,3 εκατομμύρια δολάρια

Ζωντανό κλασικό Gerhard Richter (1932) Κατατάχθηκε δεύτερη στην κατάταξή μας. Ο γερμανός καλλιτέχνης ήταν ο ηγέτης μεταξύ των πλέον ζωντανών συναδέλφων μέχρι τα 58 εκατομμύρια ρεκόρ του Jeff Kunsa Lickbed. Αλλά είναι απίθανο ότι αυτή η περίσταση μπορεί να κουνήσει την ήδη σιδερένια αρχή του Richter στην αγορά τέχνης. Σύμφωνα με τα αποτελέσματα του 2012, ο ετήσιος κύκλος εργασιών δημοπρασίας του γερμανικού καλλιτέχνη είναι κατώτερος μόνο σε παρόμοιους δείκτες Andy Warhol και τον Pablo Picasso.

Για πολλά χρόνια, τίποτα δεν προέκυψε αυτή την επιτυχία που έπεσε στο Richter τώρα. Για δεκαετίες, ο καλλιτέχνης κατέλαβε ένα μέτριο μέρος στην αγορά της σύγχρονης τέχνης και καθόλου προσπάθησε να φήμες. Μπορεί να ειπωθεί ότι η δόξα τον προστατεύει. Πολλοί θεωρούν ότι η αγορά του μουσείου της Νέας Υόρκης Moma Moma το 1995 από τα έργα του Richter στις 18 Οκτωβρίου 1977. Το Αμερικανικό Μουσείο πλήρωσε 3 εκατομμύρια δολάρια για 15 πίνακες σε γκρίζα χρώματα και σύντομα σκεφτόταν να κατέχει μια πλήρη αναδρομική εκδρομή του γερμανικού καλλιτέχνη. Η Μεγάλη Έκθεση άνοιξε έξι χρόνια αργότερα, το 2001, και από τότε το ενδιαφέρον για το έργο των Richter Roses όπως στη ζύμη. Από το 2004 έως το 2008, οι τιμές για τη ζωγραφική του έχουν αυξηθεί τρεις φορές. Το 2010, ο Richter έχει ήδη φτάσει τα 76,9 εκατομμύρια δολάρια, το 2011, σύμφωνα με το ARTNet, τα έργα του Richter σε δημοπρασίες στο ποσό των 200 εκατομμυρίων δολαρίων και το 2012 (σύμφωνα με την ARTPRICE) - 262,7 εκατομμύρια δολάρια περισσότερα από έργα οποιουδήποτε άλλου Ζωντανό καλλιτέχνη.

Ενώ ο Jasper Jones, ο Jasper Jones συνοδεύει την εκπληκτική επιτυχία στη δημοπρασία, κυρίως σε πρώιμο έργο, για τα έργα του Richter, ένας τέτοιος απότομος διαχωρισμός δεν είναι χαρακτηριστικός: η ζήτηση είναι εξίσου ανθεκτική στα πράγματα διαφορετικών δημιουργικών περιόδων, η οποία στην καριέρα του Richter ήταν μια μεγάλη σειρά. Τα τελευταία εξήντα χρόνια, αυτός ο καλλιτέχνης προσπάθησε σχεδόν σε όλα τα παραδοσιακά γραφικά γραφικά - πορτραίτο, το τοπίο, τη μαρίνα, γυμνή, νεκρή φύση και, φυσικά, αφαίρεση.

Η ιστορία των αρχείων δημοπρασίας του Richter ξεκίνησε με μια σειρά από ακίνητες ζωές "κεριά". 27 φωτορεαλιστικές εικόνες κεριών στις αρχές της δεκαετίας του 1980, κατά τη διάρκεια της ορθογραφίας τους, κοστίζουν μόνο 15 χιλιάδες γερμανικά εμπορικά σήματα ($ 5.800) για εργασία. Αλλά "κεριά" ούτως ή άλλως, κανείς δεν αγόρασε στην πρώτη τους έκθεση στην γκαλερί του Max Hezler στη Στουτγάρδη. Τότε το θέμα των μοτίβων ονομάστηκε ντεμοντέ. Σήμερα, τα "κεριά" θεωρούν ότι εργάζονται για όλες τις εποχές. Και στέκονται εκατομμύρια δολάρια.

Τον Φεβρουάριο του 2008, το κερί, που γράφτηκε το 1983, αγοράστηκε απροσδόκητα για £ 7,97 εκατομμύρια (16 εκατομμύρια δολάρια). Αυτό το προσωπικό ρεκόρ διήρκεσε τρία και μισή χρόνια. Επειτα Τον Οκτώβριο του 2011 ένα ακόμα "Κερί" (1982) Άφησα το σφυρί στο Christie ήδη για £ 10,46 εκατομμύρια (16,48 εκατομμύρια δολάρια). Με αυτό το ρεκόρ, ο Gerhard Richter εισήλθε για πρώτη φορά στους τρεις κορυφαίους τρεις πιο επιτυχημένους ζωντανούς καλλιτέχνες, λαμβάνοντας τη θέση του για τον Jasper Jones και τον Jeff Kuns.

Στη συνέχεια ξεκίνησε η νικηφόρα πομπή των "αφηρημένων έργων ζωγραφικής" του Richter. Παρόμοια έργα του καλλιτέχνη γράφει σε μια μοναδική τεχνική του συγγραφέα: Κάνει ένα μείγμα απλών χρωμάτων σε ανοιχτόχρωμο φόντο και στη συνέχεια με ένα μακρύ ξύστρα με έναν προφυλακτήρα αυτοκινήτων ταλαντεύοντας τους στον καμβά. Σε αυτή την περίπτωση, λαμβάνονται περίπλοκες μεταβάσεις χρώματος, λεκέδες και λωρίδες. Εξετάστε την επιφάνεια των "αφηρημένων έργων ζωγραφικής" όπως οι ανασκαφές: Είναι ίχνη διαφόρων "φιγούρων" από την παραβίαση των διαλείμματα πολυάριθμων πολύχρωμων στρωμάτων.

9 Νοεμβρίου 2011 Στη δημοπρασία της μεγάλης και μεταπολεμικής τέχνης της μεγάλης κλίμακας της Art Sotheby "Αφηρημένη εικόνα (849-3)" Το 1997 έφυγε από το σφυρί για 20,8 εκατομμύρια δολάρια (£ 13,2 εκατ.). Και μισό χρόνο αργότερα, 8 Μαΐου 2012 Στη δημοπρασία μεταπολεμικών και σύγχρονων τέχνης Christie's στη Νέα Υόρκη "Αφηρημένη εικόνα (798-3)" Το 1993 έφυγε για εγγραφή 21,8 εκατομμύρια δολάρια (λαμβάνοντας υπόψη την Επιτροπή). Μετά από πέντε μήνες - και πάλι ένα αρχείο: "Αφηρημένη εικόνα (809-4)" Από τη συλλογή του Rock Musician Eric Clapton στις 12 Οκτωβρίου 2012 στη δημοπρασία Sotheby στο Λονδίνο άφησε το σφυρί για £ 21,3 εκατομμύρια (34,2 εκατομμύρια δολάρια). Το εμπόδιο των 30 εκατομμυρίων ελήφθη από τον Richter με μια τέτοια ευκολία, σαν να μην ήταν για τη σύγχρονη ζωγραφική, αλλά για τα αριστουργήματα, τα οποία δεν ήταν λιγότερο για χρόνια. Αν και στην περίπτωση του Richter φαίνεται ότι η ένταξη στο "Μεγάλο" Πάνθεον συνέβη κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη. Οι τιμές των γερμανικών έργων συνεχίζουν να αναπτύσσονται.

Το επόμενο αρχείο του Richter ανήκε στο φωτορεαλιστικό έργο - τοπίο "Πλατεία καθεδρικού ναού, Μιλάνο (Domplatz, Mailand)" 1968. Η εργασία πωλήθηκε για 37,1 εκατομμύρια στη δημοπρασία του Sotheby 14 Μαΐου 2013. Η θέα της όμορφης πλατείας γράφτηκε από τον γερμανό καλλιτέχνη το 1968 με εντολή της Siemens Electro, ειδικά για το γραφείο του Μιλάνου της εταιρείας. Τη στιγμή της γραφής του, ήταν το μεγαλύτερο εικονιστικό προϊόν του Richter (σχεδόν τρία τρία μέτρα μεγέθους).

Το ρεκόρ "Πλατεία καθεδρικού ναού" διήρκεσε σχεδόν δύο χρόνια ενώ 10 Φεβρουαρίου 2015 Δεν διακόπτεται "Αφηρημένη εικόνα" (1986): Η τιμή του σφυριού έφτασε £ 30,389 εκατομμύρια (46,3 εκατομμύρια δολάρια). Η "αφηρημένη εικόνα" "αφηρημένο μοτίβο" Η προσφορά του Sotheby με μέγεθος 300,5 × 250,5 cm είναι ένα από τα πρώτα μεγάλα έργα μεγάλης κλίμακας του Richter στην τεχνική της συγκεκριμένης τεχνικής των στρωμάτων βαφής. Για την τελευταία φορά το 1999, η "αφηρημένη εικόνα" αγοράστηκε σε δημοπρασία για $ 607 χιλιάδες (από το τρέχον έτος και μέχρι το τρέχον έργο πωλήσεων εκτέθηκε στο Μουσείο Ludwig στην Κολωνία). Στη δημοπρασία των 10 Φεβρουαρίου 2015, ένα συγκεκριμένο αμερικανικό δημοπρασιακό πλειστηριασμών για £ 2 εκατομμύρια έφτασε στην τιμή ενός σφυριού 46,3 εκατομμυρίων δολαρίων. Από το 1999, η εργασία έχει αυξηθεί σε τιμή κατά περισσότερο από 76 φορές!

4. Cui Zhurzho "Μεγάλα χιονισμένα βουνά". 2013. 39,577 εκατομμύρια δολάρια.

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, δεν ακολουθήσαμε προσεκτικά την ανάπτυξη της κατάστασης στην κινεζική αγορά τέχνης, χωρίς να θέλατε να υπερφορτώσετε τους αναγνώστες μας με μια ολονύκτια ποσότητα πληροφοριών σχετικά με την "όχι την τέχνη μας". Με εξαίρεση το αντίπαλο Ai Weiwei, όχι τόσο ακριβά, ως συντονιστής καλλιτέχνης, οι κινεζικοί συγγραφείς μας φαινόταν πολύ πολυάριθμες και απομακρυσμένες από εμάς για να παραχωρήσουμε σε αυτό που είχαν στην αγορά. Αλλά τα στατιστικά στοιχεία, όπως λένε, η κυρία είναι σοβαρή, και αν μιλάμε για τους πιο επιτυχημένους τώρα ζωντανούς συγγραφείς στον κόσμο, τότε χωρίς μια ιστορία για τους εκκρεμούς εκπροσώπους της σύγχρονης τέχνης, δεν είναι ακόμα να το κάνουμε.

Ας ξεκινήσουμε με τον Κινέζο καλλιτέχνη Cui Zuzhuo (Cui Ruzhuo). Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε το 1944 στο Πεκίνο, από το 1981 έως το 1996 έζησε στις Ηνωμένες Πολιτείες. Μετά την επιστροφή στην Κίνα, άρχισε να διδάσκει στην Εθνική Ακαδημία Τεχνών. Ο Tsui Zhurzho επανεξετάζει το παραδοσιακό κινέζικο Maneru του Σχέου στη Μάκλαρα και δημιουργεί τεράστιους κύλινδρους ιστού που οι Κινέζοι επιχειρηματίες και αξιωματούχοι ως δώρα είναι τόσο αγαπημένοι. Στη Δύση, είναι γνωστό ότι είναι εξαιρετικά μικρό, αν και πρέπει να είναι, πολλοί θυμούνται την ιστορία με ένα κύλινδρο για $ 3,7 εκατομμύρια, τα οποία λανθασμένα ρίχνονται έξω, αποδεκτή για σκουπίδια, καθαριστικά του ξενοδοχείου του Χονγκ Κονγκ. Έτσι ήταν ένας κύλισης του Tsui Zhurzho.

Το Zui Zhurzho είναι ήδη 70, και η αγορά του έργου του ακμάζει. Πάνω από 60 έργα αυτού του καλλιτέχνη διέσχισαν το μπαρ σε 1 εκατομμύριο δολάρια. Ωστόσο, η επιτυχία του έργου του είναι ακόμα μόνο στις κινεζικές δημοπρασίες. Εγγραφές Cui Zhurzho πραγματικά εντυπωσιάζει. Αρχικά "Τοπίο στο χιόνι" Στη δημοπρασία Poly δημοπρασία στο Χονγκ Κονγκ 7 Απριλίου 2014 έφτασε στην τιμή ενός σφυριού σε δολάρια 184 εκατομμυρίων Χονγκ Κονγκ ( 23,7 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ).

Ακριβώς ένα χρόνο αργότερα 6 Απριλίου 2015,Στην ειδική δημοπρασία πολυαιρέτου στο Χονγκ Κονγκ, αφιερωμένο αποκλειστικά στα έργα του Cui Zhurzho, σειρά "Μεγάλο τοπίο χιονιού του βουνού Jiangnan"(Jiannan - Η ιστορική περιοχή στην Κίνα, η οποία καταλαμβάνει τη σωστή όχθη του Nizhtze) Των οκτώ τοπίων μελάνης σε χαρτί, η τιμή ενός σφυριού 236 εκατομμυρίων δολαρίων Χονγκ Κονγκ έφτασε ( 30,444 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ).

Ένα χρόνο αργότερα, η ιστορία επαναλήφθηκε και πάλι: στη σολό-δημοπρασία, Zui Zhurzho, που κατέχονται από poly δημοπρασίες στο Χονγκ Κονγκ 4 Απριλίου 2016 Πολυγπόλι από έξι μέρη "Μεγάλα χιονισμένα βουνά" Το 2013 έφτασε στην τιμή ενός σφυριού (συμπεριλαμβανομένης της Επιτροπής της Δημοπρασίας) 306 εκατομμύρια δολάρια Χονγκ Κονγκ (39,577 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ). Μέχρι στιγμής, αυτό είναι ένα απόλυτο ρεκόρ μεταξύ των ασιατικών τώρα ζωντανών καλλιτεχνών.

Ως αντιπρόσωπος τέχνης Johnson Chan πιστεύει, για 30 χρόνια που εργάζεται με την κινεζική σύγχρονη τέχνη, υπάρχει μια άνευ όρων επιθυμία να αυξήσετε τις τιμές για το έργο αυτού του συγγραφέα, αλλά όλα αυτά συμβαίνουν σε ένα τέτοιο επίπεδο τιμών, όπου έμπειροι συλλέκτες είναι απίθανο να θέλουν να αγοράσουν κάτι. "Οι Κινέζοι θέλουν να αυξήσουν τις αξιολογήσεις των καλλιτεχνών τους, που φουσκώνουν τις τιμές του έργου τους σε μεγάλες διεθνείς δημοπρασίες όπως το γεγονός ότι η πολυ-οργάνωση στο Χονγκ Κονγκ, αλλά δεν πρέπει να αμφιβάλλει ότι αυτές οι αξιολογήσεις είναι πλήρως κατασκευασμένες", σχολιάζει το τελευταίο ρεκόρ του Johnson Chan Tsui Zhurzho.

Αυτό, φυσικά, μόνο η γνώμη ενός ξεχωριστού εμπόρου και έχουμε ένα πραγματικό ρεκόρ που καταγράφεται σε όλες τις βάσεις δεδομένων. Έτσι θα τον υπολογίσουμε. Ο ίδιος ο Τσούι Zuhuo, κρίνει από τις δηλώσεις του, μακριά από τη σεμνότητα του Gerhard Richter, όταν πρόκειται για την επιτυχία του δημοπρασίας του. Φαίνεται ότι αυτός ο αγώνας για αρχεία γοητεύεται σοβαρά. "Ελπίζω ότι για τα επόμενα 5-10 χρόνια, οι τιμές για τη δουλειά μου θα υπερβούν τις τιμές του έργου των Δυτικών Δασκάλων όπως το Picasso και το Van Gogh. Αυτό είναι ένα κινεζικό όνειρο ", λέει ο Tsui Zhurzho.

5. Jasper Jones Σημαία. 1983. $ 36 εκατομμύρια

Η τρίτη θέση στην αξιολόγηση των ζωντανών καλλιτεχνών ανήκει στον Αμερικανό Jasper Johnsu (1930). Τρέχουσα τιμή εγγραφής για Johns - $ 36 εκατομμύρια. Τόσο πολύ πληρωθεί για το διάσημο του "Σημαία" Στο Alard of Christie "s 12 Νοεμβρίου 2014.

Μια σειρά από εικόνες "Σημαίες", που ξεκίνησε ο Jones στα μέσα της δεκαετίας του 1950, αμέσως μετά τον επιστρεφόμενο καλλιτέχνη από το στρατό, έγινε ένα από τα κεντρικά στο έργο του. Ο καλλιτέχνης ήταν ακόμα σε νεολαία που ενδιαφέρεται για την ιδέα της Redi-Meida, στρέφοντας το καθημερινό αντικείμενο στο έργο της τέχνης. Ωστόσο, οι σημαίες του Jones δεν ήταν πραγματικές, γράφτηκαν από το πετρέλαιο σε καμβά. Έτσι, το έργο της τέχνης απέκτησε τις ιδιότητες ενός πράγματος από τη συνηθισμένη ζωή, ήταν ταυτόχρονα και η εικόνα της σημαίας και της ίδιας της σημαίας. Μια σειρά έργων με σημαίες έφερε τον Jasper Juses World Fame. Αλλά η αφηρημένη δουλειά του είναι εξίσου δημοφιλής. Για πολλά χρόνια, ο κατάλογος των πιο ακριβά έργου, που καταρτίστηκε από τους παραπάνω κανόνες, κατέστρεψε την αφηρημένη του "FALSE START". Μέχρι το 2007, αυτός ο πολύ φωτεινός και διακοσμητικός καμβάς, που γράφτηκε από τον Jones το 1959, θεωρήθηκε ο ιδιοκτήτης ενός πρακτικά απροσπέλαστος για τώρα τον ζωντανό καλλιτέχνη (αν και μια Lifetime Classic) - $ 17 εκατομμύρια. Τόσο για αυτό πληρώθηκε σε χρυσό για την αγορά τέχνης 1988..

Είναι ενδιαφέρον ότι η εμπειρία του Jasper Jones ως φορέα ενός ρεκόρ δεν ήταν συνεχής. Το 1989, διέκοψε το έργο ενός συνάδελφου στο εργαστήριο Villem de Kunning: η αφαίρεση των δύο μέτρων "Mix" πωλήθηκε στο Sotheby για 20,7 εκατομμύρια δολάρια. Ο Jasper Johns έπρεπε να μετακινηθεί. Αλλά μετά από 8 χρόνια, το 1997, το 1997, , Ο De Cuning πέθανε και ο "Falstart" ο Jones πήρε και πάλι την πρώτη γραμμή δημοπρασιών τώρα ζωντανούς καλλιτέχνες για σχεδόν 10 χρόνια.

Αλλά το 2007 όλα άλλαξαν. Το ρεκόρ "Falstart" αρχικά εκλείνει τα έργα των νέων και φιλόδοξων Damien Hirst και Jeff Kuns. Στη συνέχεια, υπήρξε μια πώληση εγγραφής για $ 33,6 εκατομμύρια "Επιθεωρητής ύπνου για παροχές" Brush Lusien Freud (τώρα ο αποθανών και, ως εκ τούτου, ο οποίος δεν συμμετέχει σε αυτή την κατάταξη). Στη συνέχεια, άρχισαν τα αρχεία του Gerhard Richter. Σε γενικές γραμμές, μέχρι στιγμής με το σημερινό ρεκόρ των 36 εκατομμυρίων Jasper Jones, ένας από τους δασκάλους της αμερικανικής μεταπολεμικής τέχνης, που εργάζονται στο Neo-Dadaism Junction, αφηρημένο εξπρεσιονισμό και Pop Art, βρίσκεται στην αξιότιμη τρίτη θέση.

6. Ed Rushe ΣΠΑΣΙΜΟ. 1963. 30,4 εκατομμύρια δολάρια

Ξαφνική επιτυχία της ζωγραφικής "Smash" του βουρτσίσματος του αμερικανικού καλλιτέχνη Edward Rushaya (r. 1937) σε ευκαιρίες Η Νοέμβρη του Christie's 12, 2014 Έφερε αυτόν τον συγγραφέα στους πιο ακριβούς ζωντανούς καλλιτέχνες. Η προηγούμενη τιμή ρεκόρ για τα έργα του Ed Rushaya (συχνά το όνομα Ruscha προφέρεται στα ρωσικά ως "Ruša", αλλά η σωστή προφορά του Roaster) ήταν "συνολικά" 6,98 εκατομμύρια δολάρια: τόσο πολύ που πληρώθηκαν για τον καμβά του "Burning Benzocolon" το 2007 το 2007 . Επτά χρόνια αργότερα "ΣΠΑΣΙΜΟ" Κάτω από την εκτίμηση 15-20 εκατομμύρια δολάρια έφθασαν την τιμή ενός σφυριού 30,4 εκατομμύρια δολάρια. Προφανώς, η αγορά των έργων αυτού του συγγραφέα ήρθε σε ένα νέο επίπεδο - δεν είναι για τίποτα που το έργο του είναι διακοσμημένο με τον Λευκό Οίκο Μπαράκ Ομπάμα και ο ίδιος ο Larry Gagosyan τον παρουσιάζει στις γκαλερί του.

Ο Ed Rushe δεν προσπάθησε ποτέ να μεταπολεμίσει τη Νέα Υόρκη με το χόμπι του ασθενούς με αφηρημένο εξπρεσιονισμό. Αντ 'αυτού, για πάνω από 40 χρόνια, ψάχνει για έμπνευση στην Καλιφόρνια, όπου μετακόμισε από τη Νεμπράσκι ηλικίας 18 ετών. Ο καλλιτέχνης στάθηκε στην προέλευση μιας νέας πορείας στην τέχνη, που ονομάζεται Pop Art. Μαζί με το Warhol, το Λιχτενστάιν, το Wayne Tibo και άλλους τραγουδιστές, ο Edward Hushet το 1962 συμμετείχαν στην έκθεση "μια νέα εικόνα των συνηθισμένων πραγμάτων" στο Μουσείο Pasaden, το οποίο έγινε το πρώτο μουσείο έκθεση της αμερικανικής ποπ τέχνης. Ωστόσο, ο ίδιος ο Ed Rushe δεν αρέσει όταν το έργο του αποδίδεται στην Pop Art, τον εννοιολογικό ή κάποια άλλη ροή στην τέχνη.

Το μοναδικό στυλ του ονομάζεται "ζωγραφική κειμένου". Από τα τέλη της δεκαετίας του 1950, ο Ed Rushe άρχισε να σχεδιάζει λέξεις. Επίσης, για την Warhol, το έργο της τέχνης ήταν η τράπεζα της σούπας, για την Ed Rushaya ήταν οι συνήθεις λέξεις και φράσεις που έλαβαν από αυτόν ή μια πινακίδα ή συσκευασία στο σούπερ μάρκετ, ή από τους τίτλους της ταινίας (Hollywood ήταν πάντα από το Rusheya Η πλευρά "και σε αντίθεση με πολλούς καλλιτέχνες-καλλιτέχνες, ο Ρούσεφ σεβαστή ένα" εργοστάσιο ονείρων "). Οι λέξεις για τους καμβά του αποκτούν τις ιδιότητες των τρισδιάστατων αντικειμένων, αυτές είναι πραγματικές ακόμα ζωές από τις λέξεις. Όταν κοιτάζετε τον ιστό του, το πρώτο στο μυαλό έρχεται η οπτική και ηχητική αντίληψη της σχεδιαζόμενης λέξης και μετά - σημασιολογική έννοια. Το τελευταίο, κατά κανόνα, δεν είναι επιδεκτικό σε ξεκάθαρη αποκρυπτογράφηση. Οι επιλέξιμες λέξεις και φράσεις μπορούν να ερμηνευθούν με διαφορετικούς τρόπους. Η ίδια φωτεινή κίτρινη λέξη "Smash" σε ένα βαθύ μπλε φόντο μπορεί να γίνει αντιληπτό ως μια επιθετική κλήση να σπάσει σε κάτι ή κάποιον. Ως ένα ενιαίο επίθετο, εξαλείφθηκε από το πλαίσιο (μέρος κάποιου κεφαλιού εφημερίδων, για παράδειγμα), ή απλά ως ξεχωριστή λέξη που πιάστηκε στην αστική ροή οπτικών εικόνων. Το Ed Rushe απολαμβάνει αυτή την αβεβαιότητα. "Πάντα βαθιά σεβαστά παράξενα, ανεξήγητα πράγματα ... οι εξηγήσεις με κάποια έννοια σκοτώνουν το πράγμα", είπε σε μία από τις συνεντεύξεις.

7. Christopher vul Ανώνυμη (ταραχή). 1990. 29,93 εκατομμύρια δολάρια

Αμερικανός καλλιτέχνης Χριστουγεννιάτικος (1955) Πρώτα έσπασε στην αξιολόγηση των ζωντανών καλλιτεχνών το 2013 - μετά την πώληση του έργου της Αποκάλυψης σήμερα για 26,5 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό το ρεκόρ το έβαλε αμέσως σε μια σειρά με τον Jasper Jones και τον Gerhard Richter. Το ποσό αυτής της ιστορικής διαπραγμάτευσης - περισσότερα από 20 εκατομμύρια δολάρια έκπληκτα σε πολλούς, δεδομένου ότι πριν από την τιμή του καλλιτέχνη δεν υπερβαίνει τα 8 εκατομμύρια δολάρια. Ωστόσο, η ταχεία αύξηση του έργου του έργου του Christopher Voura ήταν ήδη εμφανής: υπήρχαν 48 Συναλλαγές δημοπρασίας σε ποσότητα άνω των 1 εκατομμυρίων δολαρίων και 22 από αυτούς (σχεδόν το ήμισυ) πραγματοποιήθηκαν το 2013. Δύο χρόνια αργότερα, ο αριθμός των έργων του Chris Voula, που πωλείται πάνω από 1 εκατομμύριο δολάρια, έφθασε το 70, και το νέο προσωπικό αρχείο δεν έκανε τον εαυτό του να περιμένει. Σε ευκαιρίες Το Sotheby's 12 Μαΐου 2015 εργάζεται "Untitled (Riot)" πωλήθηκε για $ 29,93 εκατ Λαμβάνοντας υπόψη το ασφάλιστρο του αγοραστή.

Το Christopher Vul είναι γνωστό κυρίως στην εργασία μεγάλης κλίμακας με εικόνες μαύρων γραμμάτων σε λευκά φύλλα αλουμινίου. Κατά κανόνα, καθορίζουν αρχεία σε δημοπρασίες. Όλα αυτά είναι τα τέλη της δεκαετίας του 1980 - αρχές της δεκαετίας του 1990. Όπως λέει ο θρύλος, μια μέρα περπάτησε το βράδυ στη Νέα Υόρκη και ξαφνικά είδε σε ένα νέο λευκό γκράφιτι φορτηγών με μαύρα γράμματα - λέξεις σεξ και luv. Αυτό είναι το θέαμα που τον εντυπωσίασε τόσο αμέσως που επέστρεψε στο εργαστήριο και έγραψε την έκδοση με αυτά τα λόγια. Στην αυλή ήταν το 1987 και η περαιτέρω αναζήτηση από τον καλλιτέχνη των λέξεων και των φράσεων για τα «γράμματα» τους αντανακλούν το αμφιλεγόμενο πνεύμα αυτής της περιόδου. Αυτή είναι η κλήση "πουλήσει ένα σπίτι, πωλούν το αυτοκίνητο, πωλούν παιδιά", που λαμβάνονται από το Vult από την ταινία "Αποκάλυψη σήμερα" και τη λέξη "ανόητος" ("ανόητος") με κεφαλαία γράμματα και τη λέξη "ταραχή" ( "REGELLION"), που συχνά βρίσκεται σε τίτλους εφημερίδων της εποχής.

Λέξεις και φράσεις από δονάκι που βάζουν σε φύλλα αλουμινίου με στένσιλ από αλκυδικά ή σμάλτο, αφήνοντας σκόπιμα τύμπανα, ίχνη από στένσιλ και άλλες ενδείξεις της δημιουργικής διαδικασίας. Οι λέξεις καλλιτέχνης χωρίζονται έτσι ώστε ο θεατής να μην κατανοεί αμέσως το νόημα. Αρχικά, βλέπετε μόνο το σύμπλεγμα των γραμμάτων, δηλ. Αντιλαμβάνεστε τη λέξη ως οπτικό αντικείμενο και μόνο τότε διαβάζετε και αποκρυπτογραφείτε την έννοια της φράσης ή των λέξεων. Το VUB χρησιμοποίησε τη γραμματοσειρά, η οποία ήταν κατά τη διάρκεια του αμερικανικού στρατού μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το οποίο ενισχύει την εντύπωση της παραγγελίας, των οδηγιών, του σλόγκαν. Αυτά τα έργα "επιστολής" θεωρούνται ως μέρος του αστικού τοπίου ως παράνομο γκράφιτι, διαταράσσοντας την καθαρότητα της επιφάνειας κάποιου αντικειμένου δρόμου. Αυτή η σειρά έργων του Christopher Vul αναγνωρίζεται ως μία από τις κορυφές της γλωσσικής αφαίρεσης και επομένως εκτιμάται ότι είναι τόσο υψηλό από τους λάτρεις της σύγχρονης τέχνης.

8. Peter Doyig Rovel. 1991. 28,81 εκατομμύρια δολάρια

Βρετανός Peter Doyig.(1959), Παρόλο που αναφέρεται στην παραγωγή των μεταμορφωτή Kuns και του Hirst, επέλεξε ένα πολύ παραδοσιακό είδος του τοπίου για τον εαυτό του, για μεγάλο χρονικό διάστημα πρώην πρώην όχι στους προχωρημένους καλλιτέχνες. Ο Peter Doyig θα αναβιώσει το ενδιαφέρον του κοινού στην εικονιστική ζωγραφική. Το έργο του εκτιμάται ιδιαίτερα τόσο τους κριτικούς όσο και τους μη ειδικούς και τα αποδεικτικά στοιχεία είναι μια ταχεία αύξηση των τιμών των έργων του. Εάν στις αρχές της δεκαετίας του 1990, τα τοπία του κοστίζουν αρκετές χιλιάδες δολάρια, τώρα ο λογαριασμός πηγαίνει σε εκατομμύρια.

Το έργο του Doyig συχνά ονομάζεται μαγικός ρεαλισμός. Με βάση τα πραγματικά τοπία, δημιουργεί φαντασία, μυστηριώδη και συχνά σκοτεινές εικόνες. Ο καλλιτέχνης αγαπά να απεικονίσει τα αντικείμενα που εγκαταλείπονται από τους ανθρώπους: ένα ερειπωμένο κτίριο της κατασκευής του Le Corbusier στη μέση ενός δάσους ή ένα άδειο λευκό κανό σε μια λίμνη Stroy. Εκτός από τη φύση και τη φαντασία, η Doyaga εμπνέει ταινίες τρόμου, παλιές κάρτες, φωτογραφίες, ερασιτεχνικά βίντεο, και ούτω καθεξής. Οι πίνακες Doyig είναι πολύχρωμες, πολύπλοκες, διακοσμητικές και όχι προκλητικές. Μια τέτοια ζωγραφική είναι ωραία. Θερμάνετε το ενδιαφέρον των συλλεκτών επίσης χαμηλή παραγωγικότητα του συγγραφέα: ο καλλιτέχνης που ζει στο Τρινιντάντ δημιουργεί όχι περισσότερο από δώδεκα εικόνες ετησίως.

Στις αρχές της δεκαετίας του 2000, τα ξεχωριστά τοπία του καλλιτέχνη πωλήθηκαν για αρκετές εκατοντάδες χιλιάδες δολάρια. Ταυτόχρονα, η Doyiga ήρθε στη γκαλερί του Saatchi, στην Μπιενάλε στο μουσείο Whitney και στη συλλογή της MOMA. Το 2006, το σχέδιο δημοπρασίας ξεπεράστηκε από 1 εκατομμύριο δολάρια. Και το επόμενο έτος συνέβη μια απροσδόκητη ανακάλυψη: το έργο "White Canoe", που προτείνεται στο Sotheby's στις 7 Φεβρουαρίου 2007 με εκτίμηση ύψους 0,8-1,2 εκατομμυρίων δολαρίων, πέντε φορές υπέρβαση της προκαταρκτικής αξιολόγησης Και πωλήθηκε για £ 5,7 εκατ. (11,3 εκατομμύρια δολάρια). Εκείνη την εποχή ήταν μια τιμή ρεκόρ για το έργο του ζωντανού ευρωπαϊκού καλλιτέχνη.

Το 2008, πραγματοποιήθηκαν προσωπικές εκθέσεις της Doyiga στην Tate Gallery και το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στο Παρίσι. Οι ετικέτες των τιμών πολυίστων για τις εργασίες Doyig έχουν γίνει ο κανόνας. Το Peter Doyig Προσωπικό αρχείο έχει πρόσφατα ενημερωθεί αρκετές φορές το χρόνο - έχουμε μόνο χρόνο να αλλάξουμε την εικόνα και τον τόπο αυτού του καλλιτέχνη στην κατάταξή μας τώρα ζωντανές συγγραφείς.

Μέχρι σήμερα, το πιο ακριβό έργο του Peter Doyiga είναι ένα χιονισμένο τοπίο "Roselyl" ("Rosedale") 1991. Αυτό που είναι ενδιαφέρον, το ρεκόρ δεν εγκαταστάθηκε στο Sotheby's ή Christie, αλλά στη δημοπρασία της σύγχρονης δημοπρασίας τέχνης Phillips. Αυτό συνέβη στις 18 Μαΐου 2017. Η θέα των διαδρομών που καλύπτονται από χιόνι, μία από τις περιοχές του Τορόντο, πωλήθηκε σε έναν αγοραστή τηλεφώνου για 28,81 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό είναι περίπου 3 εκατομμύρια πάνω από το προηγούμενο αρχείο (25,9 εκατομμύρια δολάρια (25,9 εκατομμύρια δολάρια για το έργο "που απορροφάται από το Quagger") . Το συγκρότημα "Rozdeil" συμμετείχε στην βασική έκθεση της Doyig στη γκαλερί Whitechapel στο Λονδίνο το 1998 και γενικά αυτό το έργο για την αγορά ήταν φρέσκο \u200b\u200bκαι επομένως μια τιμή εγγραφής αξίζει πολύ.

9. Frank Stella Cape Pine. 1959. 28 εκατομμύρια δολάρια

Ο Frank Stella (Frank Stella) είναι ένας λαμπρός εκπρόσωπος της αφαίρεσης μετά τη γνώση και ο μινιμαλισμός στην τέχνη. Σε ένα συγκεκριμένο στάδιο, αναφέρεται ως ζωγραφική σκληρού άκρου (ζωγραφική σκληρού άκρου). Αρχικά, η Stella έρχεται σε αντίθεση με την αυστηρή γεωμετρία, ασκητική μονοχρωμικότητα και δομικότητα των ζωγραφιών της αυθορμητισμού και τους χαοτικούς πίνακες αφηρημένων εξπρεσιονιστών όπως το Jackson Pollock.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1950, ο καλλιτέχνης παρατηρήθηκε από τον διάσημο παίκτη του Γκαλερί Leo Castelli και έπεσε για πρώτη φορά την έκθεση. Από αυτήν, παρουσίασε τους λεγόμενους "μαύρους πίνακες" - τον καμβά, ζωγραφισμένα από παράλληλες μαύρες γραμμές με λεπτά διαστήματα ενός ανώριμου καμβά μεταξύ τους. Οι γραμμές διπλωμένες σε γεωμετρικά σχήματα, κάτι που μοιάζει με οπτικές ψευδαισθήσεις, οι περισσότερες εικόνες που κινούνται τα τρεμοπαίζει, σφίγγονται, δημιουργούν ένα αίσθημα βαθύ χώρου, αν τα κοιτάξετε για μεγάλο χρονικό διάστημα. Το θέμα των παράλληλων γραμμών με λεπτές διαχωριστικές λωρίδες Stella συνέχισε στα έργα σε αλουμίνιο και χαλκό. Τα χρώματα αλλάζουν, η γραφική βάση και ακόμη και τη μορφή μοτίβων (μεταξύ άλλων, η εργασία με τη μορφή γραμμάτων U, T, L) κατανέμεται). Αλλά η κύρια αρχή της ζωγραφικής του ήταν ακόμα σε περίγραμμα σαφήνειας, μνημειωτική, απλή μορφή, μονοχρωμικότητα. Τις επόμενες δεκαετίες, η Stella άφησε μια τέτοια γεωμετρική ζωγραφική προς ομαλές, φυσικές μορφές και γραμμές, και από μονοφωνικούς πίνακες - σε φωτεινές και ποικίλες μεταβάσεις χρώματος. Στη δεκαετία του 1970, η Stella κατέλαβε τεράστια σχέδια, με τη βοήθεια της οποίας ζωγραφίζονται τα πλοία. Ο καλλιτέχνης τους χρησιμοποίησε για τεράστιους πίνακες με στοιχεία της συναρμολόγησης - που περιλαμβάνονται κομμάτια χάλυβα ή συρματόπλεγμα.

Στις πρώτες συνεντεύξεις του, ο Frank Stella ειλικρινά υποστηρίζει τις έννοιες που επενδύθηκαν στο έργο τους, με μεγαλύτερη ακρίβεια, για την απουσία τους: "Τι βλέπετε, υπάρχει κάτι που βλέπετε". Η εικόνα είναι το ίδιο το αντικείμενο, αντί να παίζει οτιδήποτε. "Αυτή είναι μια επίπεδη επιφάνεια με το χρώμα σε αυτό και τίποτα περισσότερο", δήλωσε η Στέλλα.

Λοιπόν, που υπογράφηκε από τον Frank Stella, αυτή η "επιφάνεια με το χρώμα σε αυτό" σήμερα μπορεί να κοστίσει εκατομμύρια δολάρια. Για πρώτη φορά στην αξιολόγηση των ζωντανών καλλιτεχνών, ο Frank Stella, το 2015, με την πώληση του έργου "μετάβαση του delaver" (1961) για 13,69 εκατομμύρια δολάρια, λαμβάνοντας υπόψη την Επιτροπή.

Τέσσερα χρόνια αργότερα, στις 15 Μαΐου 2019, το νέο αρχείο έχει καθιερώσει νωρίς (1959) εργασία "Cape Pines": η τιμή του σφυριού ήταν πάνω από 28 εκατομμύρια δολάρια, λαμβάνοντας υπόψη την Επιτροπή. Αυτός είναι ένας από τους 29 "μαύρους πίνακες" - το μεγαλύτερο μέρος με το οποίο η Stella έκανε το ντεμπούτο στην πρώτη του έκθεση στη Νέα Υόρκη. Ένας απόφοιτος του Πανεπιστημίου Princeton Frank Stelle ήταν τότε 23 ετών. Τα χρήματα στο λάδι για καλλιτέχνες συχνά λείπουν. Ο νεαρός καλλιτέχνης εργάστηκε ως εργασίες επισκευής, άρεσε πραγματικά τα καθαρά χρώματα της βαφής, και στη συνέχεια η ιδέα προέκυψε για να εργαστεί αυτό το χρώμα σε καμβά. Το μαύρο σμάλτο χρώμα Stella γράφει παράλληλες λωρίδες, αφήνοντας τις λεπτές γραμμές του μη εγγυημένου καμβά μεταξύ τους. Και γράφει χωρίς γραμμές, στο μάτι, χωρίς προηγούμενο σκίτσο. Η Στέλλα δεν ήξερε Ποτέ πόσες μαύρες γραμμές θα πετύχουν σε μια συγκεκριμένη εικόνα. Για παράδειγμα, στην εικόνα "Cape Soskin", υπήρχαν 35. Το όνομα της εργασίας αναφέρεται στο όνομα του ακρωτηρίου στον κόλπο της Μασαχουσέτης - σημείο πεύκων. Στις αρχές του εικοστού αιώνα, ήταν ένα μεγάλο πάρκο ψυχαγωγίας σε αυτό, και σήμερα είναι μια από τις περιοχές της πόλης της Revir.

10. Yoshito Nara μαχαίρι πίσω από την πλάτη σας. 2000. 24,95 εκατομμύρια δολάρια

Το Yoshito Nara (1959) είναι ένα από τα βασικά στοιχεία της ιαπωνικής νεο-ποπ τέχνης. Ιαπωνικά - επειδή, παρά την παγκόσμια φήμη και πολλά χρόνια εργασίας στο εξωτερικό, το έργο του εξακολουθεί να διακρίνει μια έντονη εθνική ταυτότητα. Αγαπημένοι χαρακτήρες της Nara - κορίτσια και σκυλιά στο στυλ της ιαπωνικής κόμικς manga και anime. Οι εικόνες που του εφευρέθηκαν για πολλά χρόνια ως "πήγαν στον λαό": τυπώνονται σε μπλουζάκια, κάνουν αναμνηστικά μαζί τους και διαφορετικά εμπορεύματα. Γεννήθηκε στην φτωχή οικογένεια, μακριά από την πρωτεύουσα, δεν αγαπούσε μόνο για ταλέντο, αλλά επίσης εκτιμά ως άτομο που έχει κάνει τον εαυτό του. Ο καλλιτέχνης εργάζεται γρήγορα, εκφραστικά. Είναι γνωστό ότι μερικά από τα αριστουργήματα του έγιναν κυριολεκτικά ανά διανυκτέρευση. Οι εικόνες και τα γλυπτά του Yosito Nara είναι συνήθως πολύ συνοπτικές, και ακόμη και υπάρχουν τσιγκούνες σε εκφραστικά μέσα, αλλά πάντα φέρουν έντονη συναισθηματική χρέωση. Τα εφηβικά κορίτσια κοντά στη Νάρα συχνά κοιτάζουν τον θεατή με την ακαταλλιγθωμένη πλατεία. Στα μάτια τους - Audacity, πρόκληση και επιθετικότητα. Στα χέρια - τότε ένα μαχαίρι, στη συνέχεια ένα τσιγάρο. Υπάρχει μια άποψη ότι οι απεικονιζόμενες διαστρεβλώσεις της συμπεριφοράς είναι η αντίδραση στη νοημοσύνη της δημόσιας ηθικής, διάφορα ταμπού και οι αρχές της εκπαίδευσης που υιοθετήθηκαν από τους Ιάπωνες. Σχεδόν μεσαιωνικά προβλήματα σοβαρότητας και ντροπή στο εσωτερικό, δημιουργήστε ένα έδαφος για μια αναβαλλόμενη συναισθηματική έκρηξη. "Το μαχαίρι πίσω από το πίσω μέρος" αντικατοπτρίζει ταυτόχρονα μια από τις κύριες ιδέες του καλλιτέχνη. Σε αυτό το έργο υπάρχει η μίσος ενός κοριτσιού, και ένα χέρι που απειλεί πίσω από την πλάτη. Μέχρι το 2019, οι πίνακες και τα γλυπτά του Yosito Nara έχουν επανειλημμένα λάβει ένα σήμα σε ένα εκατομμύριο, ή ακόμα και μερικά εκατομμύρια. Αλλά είκοσι εκατομμύρια - για πρώτη φορά. Η Νάρα είναι ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες στον κόσμο της ιαπωνικής προέλευσης. Και τώρα το πιο ακριβό από τώρα ζωντανό. Στις 6 Οκτωβρίου 2109, στο Sotheby's στο Χονγκ Κονγκ, επέλεξε αυτόν τον τίτλο με τον Takasi Murakami και αξιοσημείωτα από το 90χρονο Avant-Garde της Yoya Kusama (οι μέγιστες τιμές δημοπρασιών για τις ζωγραφιές του πλησιάζουν ήδη 9 εκατομμύρια δολάρια).

11. Zeng Fanchi Το βράδυ. 2001. 23,3 εκατομμύρια δολάρια

Στη δημοπρασία του Sotheby στο Χονγκ Κονγκ 5 Οκτωβρίου 2013. Το έτος μεγάλης κλίμακας ύφασμα "Μυστικός δείπνος" Καλλιτέχνης του Πεκίνο Zeng Fangzhi (1964) Πωλείται για ένα αρχείο ρεκόρ 160 εκατομμύρια δολάρια Χονγκ Κονγκ - 23,3 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ. Το τελικό κόστος του Fangius γράφτηκε, φυσικά, υπό την επίδραση της δημιουργικότητας του Leonardo da Vinci, ήταν διπλάσιο από την προκαταρκτική εκτίμηση περίπου 10 εκατομμυρίων δολαρίων. Προηγούμενη τιμή Τιμή Jeng Fangzhi - $ 9,6 εκατομμύριαΗ Birdtage του Χονγκ Κονγκ του Χονγκ Κονγκ του Μάιο του 2008 για εργασία "Μια σειρά μάσκας. 1996. Όχι 6 ".

Το "Το τελευταίο δείπνο" είναι το μεγαλύτερο (2,2 × 4 μέτρο) του ιστό του Fangi στη σειρά "μάσκες", που καλύπτει την περίοδο από το 1994 έως το 2001. Ο κύκλος είναι αφιερωμένος στην εξέλιξη της κινεζικής κοινωνίας υπό την επίδραση των οικονομικών μεταρρυθμίσεων. Η εισαγωγή της κυβέρνησης της ΛΔΚ των στοιχείων της οικονομίας της αγοράς οδήγησε στην αστικοποίηση και τη διαφωνία των Κινέζων. Το Falggy απεικονίζει τους κατοίκους των σύγχρονων κινεζικών μεγαλοπόσεων, οι οποίες πρέπει να αγωνιστούν για τον τόπο κάτω από τον ήλιο. Όλη η γνωστή σύνθεση των τοιχογραφιών του Leonardo στην ανάγνωση Fangii αποκτά ένα εντελώς διαφορετικό νόημα: ο τόπος δράσης μεταφέρθηκε από την Ιερουσαλήμ στην τάξη της κινεζικής σχολής με τυπικές σανίδες ιερογλυφικά στους τοίχους. Ο "Χριστός" και ο "Απόστολοι" μετατράπηκε σε πρωτοπόρους με τους ντόπιους δεσμούς και μόνο "Ιούδα" φοράει μια χρυσή γραβάτα - αυτή είναι μια μεταφορά του Δυτικού Καπιταλισμού, διεισδύοντας και καταστρέφοντας τον συνηθισμένο τρόπο ζωής σε μια σοσιαλιστική χώρα.

Τα έργα του Jeng Falggy είναι στιλιστικά κοντά στον ευρωπαϊκό εξπρεσιονισμό και είναι εξίσου δραματικές. Αλλά ταυτόχρονα είναι γεμάτα κινέζικα σύμβολα και λεπτομέρειες. Αυτή η ευελιξία προσελκύει τη δημιουργικότητα του καλλιτέχνη τόσο των κινεζικών και δυτικών συλλεκτών. Η άμεση επιβεβαίωση αυτού είναι η προέλευση του "μυστικού δείπνου": το έργο τέθηκε σε διαπραγμάτευση στον διάσημο συλλέκτη της κινεζικής avant-garde της δεκαετίας του 1980 - στις αρχές της δεκαετίας του 1990 - Belgian Baron guy ullens.

12. Robert Rayman Γέφυρα. 1980. 20,6 εκατομμύρια δολάρια

Σε ευκαιρίες Η Christie's 13 Μαΐου 2015 Αφηρημένη εργασία "Γέφυρα" 85χρονο αμερικανικό καλλιτέχνη Robert Raimana (Robert Ryman) πωλήθηκε για 20,6 εκατομμύρια δολάριαΔεδομένης της Επιτροπής - δύο φορές πιο ακριβές από τη χαμηλότερη εκτίμηση.

Robert rayman (1930) Δεν κατάλαβα αμέσως τι ήθελε να γίνει καλλιτέχνης. Στην ηλικία των 23 ετών, μετακόμισε στη Νέα Υόρκη από το Νάσβιλ (Τενεσί), που θέλουν να γίνουν τζαζ σαξοφονικός. Εν τω μεταξύ, δεν έγινε διάσημος μουσικός, έπρεπε να δουλέψω ως φρουρά ασφαλείας στη μαμά, όπου έλαβε χώρα ένας φρουρός ασφαλείας στη μαμά, όπου πραγματοποιήθηκε η γνωριμία του με το Sollar Le Witt και τον Dan Flavin. Το πρώτο εργάστηκε στο Μουσείο της Νυχτερινής Γραμματέας και τη δεύτερη φρουρά και την ανυψωτήρα. Υπό την εντύπωση των αφηρημένων εξπρεσιονιστών, του Rotko, de Cunning, Pollock και Newman, που έχουν δει στη Moma, Robert Raiman, το 1955, ασχολήθηκε με τη ζωγραφική.

Το Riman ταξινομείται συχνά ως μινιμαλιστές, αλλά προτιμά να ονομάζεται "ρεαλιστής", αφού δεν ενδιαφέρεται να δημιουργεί ψευδαισθήσεις, αποδεικνύει μόνο τις ιδιότητες των υλικών που χρησιμοποιεί ο ίδιος. Τα περισσότερα από τα έργα του γράφονται από χρώματα όλων των πιθανών αποχρώσεων του λευκού (από γκριζωπό ή κιτρινωπό - έως εκθαμβωτικό λευκό) με βάση ένα λακωνικό τετράγωνο σχήμα. Για την καριέρα του, ο Robert Rayman προσπάθησε πολλά υλικά και τεχνικούς: έγραψε με πετρέλαιο, ακρυλικό, καζεΐνη, σμάλτο, παστέλ, γκουάς κλπ. Σε καμβά, χάλυβα, πλεξιγκλάς, αλουμίνιο, χαρτί, κυματοειδές χαρτόνι, βινύλιο, ταπετσαρία κλπ. Ο φίλος του Επαγγελματικός αποκαταστατήρας Orrin Riley, τον συνήγαγε για την επίδραση αυτών των υλικών που έπρεπε να το χρησιμοποιήσει. Όπως είπε ο καλλιτέχνης, "Ποτέ δεν προκύπωσα την ερώτηση, τι Γράψτε, το πιο σημαντικό - όπως και γράφω". Είναι όλα σχετικά με την υφή, με το χαρακτήρα των επιχρισμάτων, στα σύνορα μεταξύ της πολύχρωμης επιφάνειας και των άκρων της βάσης, καθώς και στην αναλογία εργασίας και τοίχων. Από το 1975, το ειδικό στοιχείο των έργων του γίνεται δεσμευτής, ο σχεδιασμός του οποίου αναπτύσσεται ο Rayman και σκόπιμα τους αφήνει ορατά, δίνοντας έμφαση στο έργο του "το ίδιο με το πραγματικό με τους πραγματικούς τοίχους στους οποίους κρεμούν". Ο Riman προτιμά να δώσει τα έργα των "ονόματος", αλλά όχι "ονόματα". Το "Όνομα" είναι αυτό που βοηθά να διακρίνει ένα έργο από το άλλο, και η Riman συχνά δίνει ονόματα στα έργα τους σε μάρκες, εταιρείες κ.λπ., και τον τίτλο "ισχυρίζεται σε ορισμένες κατανομές και βαθιά κρυμμένες έννοιες, την παρουσία της οποίας στο δικό τους Έργα, ο καλλιτέχνης αρνείται τακτικά. Τίποτα αλλά το υλικό και η τεχνολογία δεν έχει σημασία.

13. Damien Hearst Sleepy άνοιξη. 2002. 19,2 εκατομμύρια δολάρια

Αγγλικός καλλιτέχνης Damien Heurst (1965) Ήταν προορισμένο να ενεργοποιήσει την πρώτη θέση αυτής της βαθμολογίας σε μια διαφορά με το Live Classic Jasper Jones. Που έχουν ήδη αναφερθεί η εργασία "Falstart" θα μπορούσε ακόμα να παραμείνει ένας μη βελτιστοποιημένος ηγέτης εάν 21 Ιουνίου 2007 Εγκατάσταση εκείνη την εποχή 42χρονες kherst "Sleepy Spring" (2002) δεν πωλήθηκε στο Sotheby "S για £ 9,76 εκατομμύρια, δηλαδή, για 19,2 εκατομμύρια δολάρια. Εργασία, παρεμπιπτόντως, έχει μάλλον ασυνήθιστη μορφή. Από τη μία πλευρά, αυτή είναι μια βιτρίνα ντουλάπας με δισκία (6,136 χάπι), στην πραγματικότητα κλασική εγκατάσταση. Και από την άλλη, αυτή η βιτρίνα γίνεται επίπεδη (βαθιά 10 cm), λαμβάνεται στο πλαίσιο και κρέμεται στον τοίχο, όπως ένα πάνελ πλάσματος, εξασφαλίζοντας έτσι την άνεση της κατοχής, χαρακτηριστικά των έργων ζωγραφικής. Το 2002, η αδελφή αυτής της εγκατάστασης, ο "νυσταγμένος χειμώνας", πήγε για 7,4 εκατομμύρια δολάρια, περισσότερο από δύο φορές πιο φθηνότερα. Η διαφορά στην τιμή κάποιου "εξήγησε" από το γεγονός ότι τα χειμερινά δισκία είναι πιο ξεθωριασμένα. Αλλά είναι σαφές ότι αυτή η εξήγηση είναι απολύτως αβάσιμη, επειδή ο μηχανισμός τιμολόγησης για τέτοια πράγματα δεν συνδέεται πλέον με το διακοσμητικό τους.

Το 2007, πολλές αναγνωρισμένες προσπάθειες από τον συγγραφέα της πιο δαπανηρά έργα μεταξύ των Ελλήνων καλλιτεχνών. Το ερώτημα είναι αλήθεια, από την κατηγορία "ανάλογα με το πώς να μετράνε." Το γεγονός είναι ότι ο Herst πωλήθηκε για ακριβά λίρες και ο Jones για τώρα φθηνότερα δολάρια, και ακόμη και είκοσι χρόνια πριν. Αλλά ακόμα κι αν το θεωρούμε, αποκλείοντας 20 χρόνια πληθωρισμού, το έργο του Hirst ήταν ακριβότερο σε δολάρια και σε λίρες - Jones. Η κατάσταση ήταν ένα σύνορο, και ο καθένας ο ίδιος ήταν κύμα να αποφασίσει ποιος θα εξετάσει το πιο ακριβό. Αλλά ο Herst κράτησε στην πρώτη θέση όχι τόσο πολύ. Το ίδιο 2007, μετατοπίστηκε από την πρώτη θέση Kuns με την "αναρτημένη καρδιά του".

Ακριβώς την παραμονή της παγκόσμιας μείωσης των τιμών της σύγχρονης τέχνης, η HEST ανέλαβε μια άνευ προηγουμένου εκκίνηση για τον νεαρό καλλιτέχνη - τη σόλο δημοπρασία των έργων του, το οποίο έλαβε χώρα στις 15 Σεπτεμβρίου 2008 στο Λονδίνο. Ο Lehman Brothers ανακοίνωσε την παραμονή της πτώχευσης πτώχευσης δεν χαλάσει την όρεξη στους λάτρεις της σύγχρονης τέχνης: από τα προτεινόμενα 223 έργα του Sotheby των νέων ιδιοκτητών δεν βρήκαν μόνο πέντε (ένας από τους αγοραστές, παρεμπιπτόντως, ήταν ο Viktor Pinchuk). Σύνθεση "Χρυσός Ταύρος" - τεράστιο ταύρο σκιάχτρο σε φορμαλδεΰδη, γεμάτο με χρυσό δίσκο ", έφερε ήδη £ 10,3 εκατ. (18,6 εκατομμύρια δολάρια). Αυτό είναι το καλύτερο αποτέλεσμα της κάρτας, αν εξετάσετε σε λίρες (στο νόμισμα στο οποίο πραγματοποιήθηκε η συναλλαγή). Ωστόσο, κατατάσσουμε με την άποψη των δολαρίων, επομένως (ίσως συγχωρείς μας "χρυσός ταύρος") της καλύτερης πώλησης του Hirst θα θεωρηθεί ακόμα "νυσταγμένη πηγή".

Από το 2008, οι πωλήσεις του επιπέδου "Sleepy Spring" και του "Golden Taurus" δεν είχαν. Νωπά αρχεία του 2010th - στα έργα του Richter, Jones, Fangi, της Βούρας και του Kuns - μετακόμισε το Damien στην έκτη γραμμή της βαθμολόγησης μας. Αλλά δεν θα κάνουμε μια κατηγορηματική κρίση για το ηλιοβασίλεμα η εποχή του Hirst. Σύμφωνα με τους αναλυτές, ακούγεται ως "σούπερ σταρ" έχει ήδη εισέλθει στην ιστορία και ως εκ τούτου θα είναι για πολύ καιρό. Ωστόσο, η μεγαλύτερη αξία στο μέλλον προβλέπεται για έργα που δημιουργούνται στην πιο πρωτοποριακή περίοδο της καριέρας του, δηλαδή τη δεκαετία του 1990.

14. Maurizio Kattelan. ΑΥΤΟΝ. 2001. 17,19 εκατομμύρια δολάρια

Ο ιταλικός Maurizio Katteman (1960) ήρθε στην τέχνη αφού εργάστηκε ως φρουρός, μάγειρας, κηπουρός και σχεδιαστής επίπλων. Ο αυτοδίδακτος συγγραφέας έγινε παγκοσμίου φήμης λόγω των ειρωνικών γλυπτών και εγκαταστάσεων του. Καταρρεύει τον μετεωρίτη στον Ρωμαίο του Πάπα, γύρισε τη σύζυγο του πελάτη σε ένα κυνηγετικό τρόπαιο, εξέφρασε το πάτωμα στο Μουσείο των Παλαιών Δασκάλων, έδειξε ένα τεράστιο μεσαίο δάχτυλο του Χρηματιστηρίου στο Μιλάνο, έφερε ένα ζωντανό γαϊδούρι στην ζωντανή έκθεση. Στο εγγύς μέλλον, η Kattelan υπόσχεται να δημιουργήσει μια χρυσή τουαλέτα στο μουσείο Guggenheim. Τελικά, η αντι-καλλιτεχνική αναγνώριση του Maurizio Kattelan ήταν ευρέως αναγνωρισμένη στον κόσμο της τέχνης: προσκλήθηκε στην Ενετική Μπιενάλε ("Άλλο" εγκατάσταση το 2011 - ένα κοπάδι δύο χιλιάδων περιστεριών, τα οποία αναπτύσσονται από όλους τους σωλήνες και δοκούς στα πλήθη Περνώντας στο κάτω μέρος), ρυθμίστε την αναδρομική του στο Μουσείο της Νέας Υόρκης Guggenheim (Νοέμβριος 2011) και, τέλος, πληρώστε για τα μεγάλα χρήματα του γλυπτού.

Από το 2010, το πιο ακριβό έργο του Maurizio Kattelan ήταν ένα γλυπτό κεριού να κοιτάζει από μια τρύπα στο πάτωμα ενός ατόμου, προς τα έξω παρόμοια με τον ίδιο τον καλλιτέχνη ("Untitled", 2001). Αυτή η εγκατάσταση γλυπτικής που υπάρχει στον αριθμό των τριών αντιγράφων συν το αντίγραφο του συγγραφέα καταδείχτηκε για πρώτη φορά στο Μουσείο Beummans Wang Bengna στο Ρότερνταμ. Τότε αυτός ο άτακτος χαρακτήρας κοίταξε έξω από την τρύπα στο πάτωμα με τις εικόνες των ολλανδικών ζωγράφων των XVIII - XIX αιώνων. Το Maurizio Kattelatlan σε αυτό το έργο συσχετίζει τον εαυτό του με μια τολμηρή εγκληματία, εισβάλλει στον ιερό χώρο της αίθουσας του Μουσείου με τις εικόνες των Μεγάλων Δασκάλων. Έτσι, θέλει να στερήσει την τέχνη της αγιότητας της αγιότητας, την οποία τους δίνουν τα τείχη του μουσείου. Εργασία, για την έκθεση του οποίου κάθε φορά που πρέπει να κοιμηθείτε, πωλούνται για 7,922 εκατομμύρια δολάρια σε Sotheby's.

Το ρεκόρ διήρκεσε μέχρι τις 8 Μαΐου 2016, όταν ένα ακόμη πιο προκλητικό έργο του Kattelan "αυτόν", που απεικονίζει τον στροβιλισμένο Χίτλερ, άφησε το σφυρί για 17,189 εκατομμύρια δολάρια. Το πράγμα είναι περίεργο. Το όνομα είναι περίεργο. Επιλογή χαρακτήρων - Κίνδυνος. Όπως όλα στο Kattelan. Τι σημαίνει; "" Του "ή" Infernol Majesty "; Είναι σαφές ότι δεν είναι σίγουρα να μην ψαλμώσει την εικόνα του Fuhrer. Σε αυτό το έργο, ο Χίτλερ εμφανίζεται μάλλον σε αβοήθητους, άθλια. Και παράλογο - η υλοποίηση του Σατανά γίνεται με αύξηση από το παιδί, φορώντας κοστούμι ενός μαθητή και στέκεται στα γόνατά του με μια ταπεινή έκφραση στο πρόσωπό του. Για το Kattelan, αυτή η εικόνα είναι μια πρόσκληση να σκεφτεί τη φύση του απόλυτου κακού και έναν τρόπο να απαλλαγούμε από τους φόβους. Με την ευκαιρία, ο Δυτικός γλυπτικός θεατής "αυτόν" είναι γνωστός. Ο συνάδελφός της στη σειρά εκτέθηκε πάνω από 10 φορές σε κορυφαία μουσεία του κόσμου, συμπεριλαμβανομένου του Κέντρου Πομπιντού και του Μουσείου Σολομώνων Γουγκένχαι.

15. Ο Mark Grotyan Unnamed (S III κυκλοφόρησε στη Γαλλία πρόσωπο 43.14). 2011. 16,8 εκατομμύρια δολάρια

Στις 17 Μαΐου 2017, ένα από τα πιο ισχυρά γραφικά έργα Mark Grotanna από πάντα που παρουσιάστηκε σε μια προσφορά εμφανίστηκε την προσφορά το βράδυ της Christie στη Νέα Υόρκη. Εικόνα "Unnamed (S III που κυκλοφόρησε στη Γαλλία Πρόσωπο 43.14)" Ο συλλέκτης του Παρισιού Patrick Sagin έβαλε μια εκτίμηση 13-16 εκατομμυρίων δολαρίων και δεδομένου ότι η πώληση πολλών ήταν εγγυημένη από τρίτο, τη δημιουργία ενός νέου προσωπικού Το αρχείο δημοπρασίας του 49χρονου καλλιτέχνη δεν ήταν ιδιαίτερα έκπληκτος. Η τιμή του σφυριού είναι 14,75 εκατομμύρια δολάρια (και λαμβάνοντας υπόψη το ασφάλιστρο των 16,8 εκατομμυρίων αγοραστή ύψους $ 16,8 εκατ.) Υπέρβαση του πρώην καταγραφικού δημοπρασίας του Grintian περισσότερο από 10 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό του επέτρεψε να εισέλθει στο σύλλογο τώρα ζωντανές καλλιτέχνες των οποίων τα έργα πωλούνται για οκτώ- ψηφιακές ποσότητες. Τα αποτελέσματα των επτά νυχιών (οι πωλήσεις είναι ακριβότερες από 1 εκατομμύριο δολάρια, αλλά όχι περισσότερα από 10 εκατομμύρια δολάρια) στη δημοπρασία Piggy Bank, η μάρκα Glyatina είναι ήδη περίπου τριάντα.

Ο Mark Grotyan (1968), στον οποίο οι εμπειρογνώμονες της εργασίας βλέπουν την επίδραση του μοντερνισμού, αφηρημένη μινιμαλισμός, ποπ και op-art, ήρθε στο εταιρικό τους στυλ στα μέσα της δεκαετίας του '90, αφού κινούνταν μαζί με ένα άλλο Brent Peterson στο Λος Άντζελες και το άνοιγμα της γκαλερί εκεί "Δωμάτιο 702". Καθώς ο ίδιος ο καλλιτέχνης θυμάται, εκείνη την εποχή άρχισε να σκέφτεται τι γι 'αυτόν στην τέχνη στην πρώτη θέση. Ψάχνει για το κίνητρο με το οποίο θα ήταν δυνατό να πειραματιστεί. Και συνειδητοποίησα ότι πάντα ενδιαφέρεται για τη γραμμή και το χρώμα. Πειράματα στο πνεύμα της ακτινοβολίας και του μινιμαλισμού με γραμμική προοπτική, πολλά σημεία αναχώρησης και πολύχρωμα αφηρημένα τριγωνικά σχήματα στο τέλος έφεραν μια δόξα Glory World Glory.

Από τα αφηρημένα πολύχρωμα τοπία με πολλαπλές γραμμές ορίζοντα και σημεία συλλογής προοπτικής ως αποτέλεσμα, ήρθε σε τριγωνικές μορφές που μοιάζουν με τα φτερά των πεταλούδων. Εικόνες του Groutyan 2001-2007 Έτσι καλούν - "Πεταλούδες". Σήμερα, μετακινώντας το σημείο της αναχώρησης ή χρησιμοποιώντας διάφορα σημεία της ποικιλομορφίας συλλογής, θεωρείται μία από τις ισχυρότερες τεχνικές του καλλιτέχνη.

Η επόμενη μεγάλη σειρά έργων ονομάστηκε "άτομα". Στις αφηρημένες γραμμές αυτής της σειράς, τα χαρακτηριστικά του ανθρώπινου προσώπου, απλουστευμένες στην κατάσταση της μάσκας στο πνεύμα του Matisse, Yalevsky ή Brankuzy, μαντεύονται. Μιλώντας για την οριακή απλούστευση και τον στύλο των μορφών, σχετικά με τη σύνθετη απόφαση των έργων ζωγραφικής, όταν τα διασκορπισμένα περιγράμματα των ματιών, τα στόμια μας αναζητούν από το δάσος παχιά, οι ερευνητές γιορτάζουν τη σύνδεση των "προσώπων" του groatyan με την τέχνη του Πρωτοκόλλητες φυλές της Αφρικής και της Ωκεανίας, ενώ ο ίδιος ο καλλιτέχνης απλά "σαν το μάτι της εικόνας που κοιτάζει από τη ζούγκλα. Μερικές φορές φαντάστηκα τα πρόσωπα των μπαμπουίνων ή μαρτύρων. Δεν μπορώ να πω ότι συνειδητά ή υποσυνείδητα εγώ επηρεάστηκα από την πρωτόγονη αφρικανική τέχνη, μάλλον, οι καλλιτέχνες επηρεάστηκαν από αυτό υπό την επιρροή του. Ο Πικάσο είναι το πιο προφανές παράδειγμα. "

Τα έργα της σειράς "προσώπων" ονομάζονται βάναυση και κομψά, ευχάριστα μάτια και ευχάριστα για το μυαλό. Με την πάροδο του χρόνου, η υφή αυτών των έργων αλλάζει: για να δημιουργηθεί η επίδραση του εσωτερικού χώρου, ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί ευρεία εγκεφαλικά επεισόδια από παχιά βαφή, ακόμη και πιτσίλισμα στο ύφος του μεσουού, αλλά η επιφάνεια της εικόνας ευθυγραμμίζεται έτσι ώστε να φαίνεται απολύτως επίπεδη με προσεκτική εξέταση. Εγκαθιστούσα αρχείο δημοπρασίας "Untitled (S III που κυκλοφόρησε στη Γαλλία Face 43.14)" αναφέρεται ακριβώς σε αυτή τη δοξασμένη σειρά Mark Groantia.

16. Takasi Murakami Ο μοναχικός μου καουμπόι. 15,16 εκατομμύρια δολάρια

Ιαπωνικά Takasi Murakami (1962) εισήγαγε τη βαθμολογία γλυπτικής μας "Ο μοναχικός μου καουμπόι"Πωλείται στο Sotheby του Μάιο του 2008 για $ 15,16 εκατομμύρια. Με αυτή την πώληση Takasi Murakami εδώ και πολύ καιρό θεωρήθηκε ο πιο επιτυχημένος τώρα ο ζωντανός ασιατικός καλλιτέχνης - ενώ δεν εκλείπτηκε από την πώληση του "μυστικού δείπνου" Zeng Fangzhi.

Ο Takasi Murakami λειτουργεί σαν καλλιτέχνης, γλύπτης, σχεδιαστής ρούχων και εμψυχωτής. Ο Μουρακόφ ήθελε να πάρει ως βάση της δημιουργικότητάς του κάτι πραγματικά ιαπωνικό, χωρίς δυτικό και οποιοδήποτε άλλο δανεισμό. Στα μαθητές του, ήταν γοητευμένος από την παραδοσιακή ιαπωνική ζωγραφική του Nihong, αργότερα η λαϊκή τέχνη του Anime και Manga ήρθε να το αντικαταστήσει. Αυτό γεννήθηκε psychedelic κ. DoB, μοτίβα χαμογελαστά λουλούδια και φωτεινά, λαμπερά γλυπτά από fiberglass, σαν ακριβώς που προέρχεται από τις σελίδες των ιαπωνικών κόμικς. Μερικοί θεωρούν την τέχνη του Fast Food Murakov και την ενσάρκωση της χυδαίας, άλλοι καλούν τον καλλιτέχνη από την Ιαπωνία Andy Warhol - και στις τάξεις του τελευταίου, όπως βλέπουμε, πολλοί πολύ πλούσιοι άνθρωποι.

Ο Μουρακάμι δανείστηκε ένα όνομα για τη γλυπτική της στην ταινία Andy Warhol "Lonely Cowboys" (1968), που ο Ιαπωνός, όπως αυτός ο ίδιος παραδέχτηκε, ποτέ δεν παρακολούθησε, αλλά του άρεσε οδυνηρά τον συνδυασμό λέξεων. Ο Μουρακόφ είναι ένα γλυπτό και ευχαριστημένοι οπαδοί των ερωτικών ιαπωνικών κόμικς, και γέλασαν σε αυτά. Αυξήθηκε σε μέγεθος, και επίσης τρισδιάστατο, ο ήρωας Anime μετατρέπεται σε μια μαζική κουλτούρα. Αυτή η καλλιτεχνική δήλωση είναι αρκετά στο πνεύμα της κλασικής West Pop Art (θυμηθείτε το ακουστικό επίπλων Allen Jones ή το "Pink Panther" Kun), αλλά με ένα εθνικό σημάδι.

17. Kaws. Kaws άλμπουμ. 2005. $ 14,784 505

Kaws - ένα ψευδώνυμο του αμερικανικού καλλιτέχνη Brian Donalely από το New Jersey. Είναι ο νεότερος συμμετέχων της αξιολόγησης μας, που γεννήθηκε το 1974. Ο Donelley ξεκίνησε έναν καλλιτέχνη-animator στο Disney (ζωγραφισμένα υπόβαθρα για το κινούμενο σχέδιο "101 Dalmatian" κλπ.). Από τη νεολαία λάτρης του γκράφιτι. Το εταιρικό του σχέδιο αρχικά ήταν ένα κρανίο με το "iksami" στον τόπο του ματιού. Το έργο του νεαρού Rayer αγαπήθηκε από την εμφάνιση των επιχειρήσεων και των ανθρώπων από τη βιομηχανία μόδας: έκανε μια κάλυψη για το άλμπουμ Kanye West, κυκλοφόρησε τη Nike, Comme des Garçons και Uniqlo συνεργασία. Με την πάροδο του χρόνου, οι Kaws έγιναν μια διάσημη φιγούρα στον κόσμο της σύγχρονης τέχνης. Το επώνυμο ειδώλιο του, που μοιάζει με τον Mickey Maus, ήταν εξοικειωμένο με μουσεία, δημόσιους χώρους και σε ιδιωτικές συλλογές. Κάπως, η Kaws κυκλοφόρησε μια περιορισμένη σειρά παιχνιδιών βινυλίου μαζί με την πλαστική μάρκα καρδιάς μου και απροσδόκητα έγιναν το αντικείμενο υψηλού συλλογικού ενδιαφέροντος. Ένας από τους παθιασμένους συλλέκτες αυτών των "παιχνιδιών" είναι ο ιδρυτής του Black Star Rapper Timati: Σχεδόν συλλέγει εντελώς ολόκληρη τη σειρά των σπηλατικών συντρόφων.

Το έργο του Kaws έθεσε ένα αρχείο για τη δημιουργικότητα του καλλιτέχνη - 14,7 εκατομμύρια δολάρια - στη δημοπρασία του Sotheby στο Χονγκ Κονγκ στις 1 Απριλίου 2019. Προηγουμένως, ήταν στη συλλογή ενός ιαπωνικού σχεδιαστή μόδας Nigo. Μετρητής καμβά Το άλμπουμ Kaws - Obage Εξώφυλλο του διάσημου άλμπουμ The Beatles "Ορχήστρας Club Lonely Hearts Pepper" (SGT. Μόνο αντί των ανθρώπων σε αυτό έχουν σχεδιαστεί Kimpsons - οι στυλιζαρισμένοι ήρωες της κινούμενης σειράς Simpsons με "iksami" αντί για τα μάτια.

18. Jin Shani. Tajik νύφη. 1983. 13,89 εκατομμύρια δολάρια

Μεταξύ των σχετικά νέων και σύγχρονων κινεζικών καλλιτεχνών που όλοι ανήκουν στο λεγόμενο "νέο κύμα" στα τέλη της δεκαετίας του 1980 στην κινεζική τέχνη, ένας εκπρόσωπος μιας εντελώς διαφορετικής γενιάς και άλλου σχολείου χτύπησε εντελώς απροσδόκητα στην βαθμολογία μας. Jin Shanya (Jin Shangyi), η οποία είναι τώρα 80, αναφέρεται στους λαμπερό εκπροσώπους της πρώτης γενιάς καλλιτεχνών της κομμουνιστικής Κίνας. Οι απόψεις αυτής της ομάδας καλλιτεχνών επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τον πλησιέστερο κομμουνιστικό συνεργάτη - την ΕΣΣΔ.

Επίσημη σοβιετική τέχνη, σοσιαλισμός, ασυνήθιστο ακόμη και στη συνέχεια για την ελαιογραφία της Κίνας (σε αντίθεση με την παραδοσιακή κινεζική ζωγραφική) τη δεκαετία του 1950 ήταν στην κορυφή της δημοτικότητας, και στο Πανεπιστήμιο του Πεκίνου για τρία χρόνια (από το 1954 έως το 1957) ήρθε να διδάξει το Σοβιετικός καλλιτέχνης Konstantin Makodievich Maximov. Ο Jin Shani ήρθε σε αυτόν και τον χτύπησε, ποιος εκείνη τη στιγμή ήταν η νεώτερη στην ομάδα. Ο καλλιτέχνης πάντα θυμήθηκε τον δάσκαλό του με μεγάλη ζεστασιά, είπε ότι ήταν ο Maximov που τον δίδαξε να καταλάβει σωστά και να απεικονίσει το μοντέλο. Ο K. Mak Maksimov έφερε ένα ολόκληρο πλούσιο των κινεζικών ρεαλιστών, τώρα κλασικά.

Στο έργο του Jin Shani, αισθάνεται η επιρροή τόσο του σοβιετικού "σκληρού στυλ" και της ευρωπαϊκής σχολής ζωγραφικής. Πολύς χρόνος, ο καλλιτέχνης αφιερώθηκε στη μελέτη της κληρονομιάς της Αναγέννησης και του Κλουτισμού, ενώ θεωρούσε απαραίτητο να διατηρηθεί το κινεζικό πνεύμα στα έργα του. Η ζωγραφική "Tajik Bride", που γράφτηκε το 1983, θεωρείται ότι είναι ένα γενικά αποδεκτό αριστούργημα, ένα νέο ορόσημο στα έργα του Jin Shani. Τοποθετήθηκε στη δημοπρασία κηδεμόνας της Κίνας τον Νοέμβριο του 2013 και πώλησε αρκετές φορές περισσότερο από την εκτίμηση - για 13,89 εκατομμύρια δολάρια, λαμβάνοντας υπόψη την Επιτροπή.

19. Banksy Decayed Κοινοβούλιο. 2008. 12,14 εκατομμύρια δολάρια

Οι τοιχογραφίες τοιχογραφιών με ετικέτα Banksy άρχισαν να εμφανίζονται στους τοίχους των πόλεων (πρώτοι Βρετανοί, και στη συνέχεια σε όλο τον κόσμο) στα τέλη της δεκαετίας του 1990. Το φιλοσοφικό του και ταυτόχρονα αιχμηρό γκράφιτι αφιερώθηκαν στα προβλήματα του κράτους του κράτους στην ελευθερία των πολιτών, εγκλήματα κατά του περιβάλλοντος, ανεύθυνης κατανάλωσης, απάνθρωπης του παράνομου συστήματος μετανάστευσης. Με την πάροδο του χρόνου, οι τοίχοι "επιρροή" του Banksy απέκτησε πρωτοφανή δημοτικότητα των μέσων ενημέρωσης. Στην πραγματικότητα, έγινε ένας από τους κύριους εκδηλώσεις της κοινής γνώμης, καταδικάζοντας την υποκρισία των κρατών και των εταιρειών, η οποία παράγει αυξανόμενη αδικία στο καπιταλιστικό σύστημα.

Η αξία του Banxi, η αίσθηση του "νεύρου του χρόνου" και η ακρίβειά του της μεταφοράς του εκτιμήθηκε όχι μόνο από το κοινό, αλλά και τους συλλέκτες. Το 2010, δόθηκε εκατοντάδες χιλιάδες για τα έργα του, και ακόμη περισσότερο από ένα εκατομμύριο δολάρια. Ήρθε στο σημείο ότι ο Banksy Graffiti ήταν τοποθετημένος και έκλεψε μαζί με κομμάτια τοίχων.

Στην εποχή της αναπτυγμένης ψηφιακής παρακολούθησης, η Banksy συνεχίζει να διατηρείται ανωνυμία. Υπάρχει μια εκδοχή ότι αυτό είναι κάτι περισσότερο από ένα άτομο, αλλά μια ομάδα πολλών καλλιτεχνών, στο κεφάλι των οποίων είναι μια ταλαντούχα γυναίκα. Που θα εξηγούσαν πολλά. Και η εξωτερική ευγένεια των Riures που αλιεύονται στους φακούς των κάμερες μαρτύρων και μια απρόσωπη μέθοδο εφαρμογής (δίνει υψηλή ταχύτητα και δεν απαιτεί την άμεση συμμετοχή του συγγραφέα) και το συγκινητικό ρομαντισμό των οικόπεδων ζωγραφικής (μπάλες , νιφάδες χιονιού κ.λπ.). Ανεξάρτητα από το πώς, οι άνθρωποι από το έργο του Bankxi, συμπεριλαμβανομένων των βοηθών του, είναι σε θέση να κρατήσουν σταθερά τη γλώσσα τους.

Το 2019, το πιο ακριβό έργο του BankXI απροσδόκητα έγινε ο καμβάς τεσσάρων μέτρων που απέχει το Κοινοβούλιο ("υποβαθμισμένο", "αποσυντίθεται" ή "αρχή διαβίβασης"). Οι χιμπατζήδες υποστηρίζουν στο σπίτι των κοινών, σαν να κοροϊδεύουν το κοινό ετησίως του σκανδαλώδους brexit. Είναι εκπληκτικό το γεγονός ότι η εικόνα γράφτηκε 10 χρόνια πριν από αυτό το ιστορικό σημείο καμπής και επομένως κάποιος θεωρεί μια προφητική. Στη δημοπρασία Sotheby's 3 Οκτωβρίου 2019, κατά τη διάρκεια μιας έντονης συμφωνίας, ένας άγνωστος αγοραστής απέκτησε αυτό το πετρέλαιο για $ 12.143.000 - έξι φορές πιο ακριβό.

20. John Carren "Χαριτωμένο και απλό". 1999. 12,007 εκατομμύρια δολάρια

Αμερικανός καλλιτέχνης John Carren (1962)Γνωστή από τους σατυρικούς εικονιστικούς πίνακες του σε προκλητικά σεξουαλικά και κοινωνικά θέματα. Τα έργα του Carren καταφέρνουν να συνδυάσουν τις τεχνικές της ζωγραφικής παλιών πλοιάρχων (ειδικά Lucas Kranah Senior και Mayists) και φωτογραφίες μόδας από γυαλιστερά περιοδικά. Για να επιτευχθεί μεγαλύτερο grotesque, το Carren συχνά στρεβλώνει τις αναλογίες του ανθρώπινου σώματος, αυξάνεται ή μειώνει τα μεμονωμένα μέρη του, απεικονίζει ήρωες σε σπασμένα, ο τρόπος θέτει.

Ξεκίνησα το Carrag το 1989 με πορτρέτα κοριτσιών που διεξήχθησαν από ένα σχολικό άλμπουμ. συνέχισε στις αρχές της δεκαετίας του 1990 πίνακες ζωγραφικής με bullshitis ομορφιές εμπνευσμένες από φωτογραφίες από κοσμοπολίτικο και playboy. Το 1992, εμφανίστηκαν πορτρέτα πλούσιων ηλικιωμένων κυρίες. Και το 1994, ο Carren παντρεύτηκε τον γλύπτη Rachel Finstein, ο οποίος έγινε η κύρια μούσα και το μοντέλο του για πολλά χρόνια. Μέχρι το τέλος της δεκαετίας του 1990, οι τεχνικές δεξιότητες του Carren σε συνδυασμό με το Kitchch και το Grotesque του ζωγραφιές του έφεραν τη δημοτικότητα. Το 2003, ο Larry Gagosyan ελήφθη για την προώθηση του καλλιτέχνη, και αν ένας τέτοιος έμπορος λαμβάνεται από τον συγγραφέα, όπως λαμβάνεται ο Gagosyan, τότε η επιτυχία είναι εγγυημένη. Το 2004 έλαβε χώρα αναδρομική μετακίνηση του John Carren στο μουσείο Whitney.

Σε αυτή τη φορά, άρχισε να πωλείται για εξαψήφια ποσά. Η τρέχουσα εγγραφή για τη ζωγραφική του John Carrena ανήκει στο έργο "Χαριτωμένο και απλά", που πωλείται στις 15 Νοεμβρίου 2016 στο Christie για 12 εκατομμύρια δολάρια. Μια φωτογραφία με δύο γυμνά με δυσκολία να ξεπεράσει την κατώτερη γραμμή της εκτίμησης 12-18 εκατομμυρίων δολαρίων και παρ 'όλα αυτά , για τον John Carren, ο οποίος τώρα για 50 ετών, αυτό είναι σίγουρα μια σημαντική ανακάλυψη στην καριέρα του. Το προηγούμενο αρχείο του 2008 ήταν 5,5 εκατομμύρια δολάρια (πληρωμένο, παρεμπιπτόντως, για το ίδιο έργο "χαριτωμένο και απλό").

21. Bryce Marden Οι παρακολούθησαν. 1996-1999. 10,917 εκατομμύρια δολάρια

Ένας άλλος τώρα ζωντανός αμερικανός αφαίρεσης στην κατάταξή μας είναι ο Bryce Marden (1938). Το έργο του Marden στο ύφος του μινιμαλισμού και από τα τέλη της δεκαετίας του 1980 - τη φυκινική ζωγραφική, ξεχωρίζουν από μια μοναδική αυθεντική, ελαφρώς σιωπηλή παλέτα. Ο συνδυασμός λουλουδιών στα έργα του Marden εμπνέεται από τα ταξίδια του σε όλο τον κόσμο - Ελλάδα, Ινδία, Ταϊλάνδη, Σρι Λάνκα. Μεταξύ των συγγραφέων που επηρέασαν τον σχηματισμό του Marden - Jackson Pollock (στις αρχές της δεκαετίας του 1960, ο Mardard εργάστηκε ως φρουρά ασφαλείας στο Εβραϊκό Μουσείο, όπου ο ίδιος παρακολούθησε τους "Jrippings" του Pollock), Alberto Dzhacometti (συναντήθηκε με έργα του στο Παρίσι) και Robert Raushenberg (Κάποια στιγμή ο Marden εργάστηκε ως βοηθός του). Το πρώτο στάδιο της δημιουργικότητας του Marden δίνεται σε κλασικούς μινιμαλιστικούς καμβάδες που αποτελούνται από χρωματιστά ορθογώνια μπλοκ (οριζόντια ή κάθετα). Σε αντίθεση με πολλούς άλλους μινιμαλιστές που πέτυχαν την τέλεια ποιότητα των έργων, σαν να τυπώθηκαν από ένα μηχάνημα και δεν ζωγραφίστηκαν από ένα άτομο, το Marden διατηρούσε ίχνη του καλλιτέχνη, σε συνδυασμό διαφορετικά υλικά (κερί και λάδια πετρελαίου). Από τα μέσα της δεκαετίας του '80, υπό την επιρροή της ανατολικής καλλιγραφίας, η εκκαθάριση, οι γραμμές που μοιάζουν με ενόχληση ήρθαν να αντικαταστήσουν τη γεωμετρική αφαίρεση, το υπόβαθρο για το οποίο σερβίρονται όλα τα ίδια μονοχρωματικά έγχρωμα πεδία. Ένα από αυτά τα έργα "Meandrovaya" - "η παρακολούθηση" - στο Sotheby "τον Νοέμβριο του 2013 πωλήθηκε για 10,917 εκατομμύρια δολάρια, λαμβάνοντας υπόψη την Επιτροπή.

22. Pierre Sulazh PEINTURE 186 x 143 cm, 23 décembre 1959. 10,6 εκατομμύρια δολάρια

23. Zhang Xiaogan Αιώνια αγάπη. 10,2 εκατομμύρια δολάρια

Ένας άλλος εκπρόσωπος της κινεζικής σύγχρονης τέχνης - συμβολιστής και σουρεαλιστής Zhang Xiaogan (1958). Στη δημοπρασία του Sotheby στο Χονγκ Κονγκ 3 Απριλίου 2011όπου η κινεζική πρωτοπόρος από τη συλλογή του Βελγίου Baroni Gi Ullensa, Triptych Zhang Syogan "Αιώνια αγάπη" πωλήθηκε για $ 10,2 εκατομμύρια. Εκείνη την εποχή, ήταν ένα ρεκόρ όχι μόνο για τον καλλιτέχνη, αλλά και για όλη την κινεζική αντίρρηση της τέχνης. Λέγεται ότι το έργο του Xoyogana αγόρασε τη σύζυγο ενός δισεκατομμυριούχου Van Wei (Wang Wei), η οποία πρόκειται να ανοίξει το δικό του μουσείο.

Ο Zhang Xiaogan, ο οποίος αγόρει από τον μυστικισμό και την ανατολική φιλοσοφία, έγραψε την ιστορία της "αιώνιας αγάπης" σε τρία μέρη, το θάνατο και την αναβίωση. Αυτό το τρίπτυχο συμμετείχε στην πολιτιστική έκθεση το 1989 "Κίνα / Avangard" στο Εθνικό Μουσείο Τέχνης. Την ίδια χρονιά 1989, οι φοιτητικές διαδηλώσεις ήταν σκληρά ενσωματωμένες στην πλατεία Tiananmen. Μετά από αυτό το τραγικό γεγονός, άρχισε η περιστροφή των καρυδιών - η έκθεση στο Εθνικό Μουσείο διασκορπίστηκε, πολλοί καλλιτέχνες μετανάστευταν. Σε απάντηση, ένας κυνικός ρεαλισμός, ένας από τους κύριους εκπροσώπους των οποίων έγινε Zhang Xiaogan, προέκυψε ως απάντηση από την κορυφή στον σοσιαλισμό.

24. Bruce Nauman Ανήμπορος Henry Moore. 1967. 9,9 εκατομμύρια δολάρια

Αμερικανός Bruce Nauman (1941), ιδιοκτήτης του κύριου βραβείου 48 βενετσιάνικη Μπιενάλε (1999), πήγε για μεγάλο χρονικό διάστημα στο ρεκόρ του. Η Nauman ξεκίνησε την καριέρα του στη δεκαετία του εξήντα. Οι εμπειρογνώμονες τον αποκαλούν, μαζί με το Andy Warhol και Joseph Boys, ένα από τα πιο σημαντικά στοιχεία της τέχνης του δεύτερου μισού του εικοστού αιώνα. Ωστόσο, η κορεσμένη διανοητικότητα και η απόλυτη μη απογοήτευση ορισμένων από τις εργασίες του εμπόδισε προφανώς την ταχεία αναγνώριση και την επιτυχία του στο ευρύ κοινό. Nauman συχνά πειράματα με τη γλώσσα, ανοίγοντας τις απροσδόκητες έννοιες των συνήθων φράσεων. Οι λέξεις γίνονται κεντρικοί χαρακτήρες πολλών από τα έργα του, συμπεριλαμβανομένων νέων Pseudovskys και πάνελ. Ο ίδιος ο Nauman ονομάζει τον εαυτό του έναν γλύπτη, αν και στα τελευταία σαράντα χρόνια προσπάθησε σε απολύτως διαφορετικά είδη - γλυπτική, φωτογραφίες, videoart, παραστάσεις, γραφικά. Στην αρχή της δεκαετίας του '90, ο Larry Gagosyan δήλωσε προφητικές λέξεις: "Η πραγματική αξία των έργων της NISAN δεν πρέπει να πραγματοποιηθεί ακόμα." Έτσι βγήκε: 17 Μαΐου 2001 για το έργο της Christie του Naughn 1967 "Αβοήθητος Henry Moore (Πίσω όψη)" Ο Henry Moore δεσμεύεται να αποτύχει (backview) βάλτε μια νέα εγγραφή στο τμήμα της μεταπολεμικής τέχνης. Κατασκευασμένο από γύψο και κερί του cast πίσω από το πίσω μέρος των χεριών της Nauman πήγε με ένα σφυρί για $ 9,9 εκατομμύρια Για τη συλλογή γαλλικών μεγαθών Francois Pinot (σύμφωνα με άλλα δεδομένα, αμερικανικά Phillies Wattis). Η εκτίμηση του έργου ήταν μόνο 2-3 εκατομμύρια δολάρια, οπότε το αποτέλεσμα ήταν για όλη μια πραγματική έκπληξη.

Πριν από αυτή τη θρυλική πώληση, μόνο δύο έργα της Nauman διέσχισαν το μπαρ σε ένα εκατομμύριο δολάρια. Και σε όλη τη σταδιοδρομία δημοπρασίας, μόνο έξι έργα, εκτός από τον Henry Mura, αριστερά για επτά δολάρια ποσά, αλλά τα αποτελέσματά τους εξακολουθούν να μην πηγαίνουν σε οποιαδήποτε σύγκριση με το εννέα εκατομμύρια.

"Ο αβοήθητος Henry Moore" είναι μία από τις σειρές πολεμικών έργων της Naughn για το σχήμα του Henry Mura (1898-1986), ο Βρετανός καλλιτέχνης, των οποίων η δεκαετία του εξήντα σχετίζεται με τους μεγαλύτερους γλύπτες του εικοστού αιώνα. Νέοι συγγραφείς που ήταν στη σκιά ενός αναγνωρισμένου κύριου, στη συνέχεια τον επιτέθηκαν με μια κρίσιμη κριτική. Το έργο είναι nauman - η απάντηση σε αυτή την κριτική και ταυτόχρονα αντανακλώντας το θέμα της δημιουργικότητας. Το όνομα του έργου γίνεται μια λέξη, καθώς συνδέει τις δύο έννοιες της αγγλικής λέξης που συνδέονται με δεσμευμένο (κυριολεκτικά) και καταδικασμένο σε κάποιο είδος μοίρας.

Προσοχή! Όλα τα υλικά και οι βάσεις δεδομένων των αποτελεσμάτων των αποτελεσμάτων δημοπρασίας, συμπεριλαμβανομένων των εικονογραφημένων αναφορών των έργων που πωλούνται σε δημοπρασίες, προορίζονται για χρήση αποκλειστικά σύμφωνα με την τέχνη. 1274 του Αστικού Κώδικα της Ρωσικής Ομοσπονδίας. Δεν επιτρέπεται η χρήση για εμπορικούς σκοπούς ή με παραβίαση των κανόνων που καθορίζονται από τον αστικό κώδικα της Ρωσικής Ομοσπονδίας. Ο ιστότοπος δεν είναι υπεύθυνος για το περιεχόμενο των υλικών που εκπροσωπούνται από τρίτους. Σε περίπτωση παραβίασης των δικαιωμάτων τρίτων, η διοίκηση του τόπου διατηρεί το δικαίωμα να τους αφαιρέσει από τον τόπο και τη βάση δεδομένων με βάση την προσφυγή του εγκεκριμένου φορέα.

Η τέχνη της σύγχρονης ζωγραφικής είναι έργα που δημιουργούνται σήμερα ή στο κοντινό παρελθόν. Ένα ορισμένο αριθμό ετών θα περάσει και αυτές οι εικόνες θα είναι ιδιοκτησία της ιστορίας. Τα έργα της ζωγραφικής, που δημιουργήθηκαν κατά την περίοδο από τη δεκαετία του '60 του περασμένου αιώνα και μέχρι σήμερα, αντανακλούν αρκετές κατευθύνσεις της σύγχρονης τέχνης, τα οποία μπορούν να αποδοθούν στην κατηγορία του μεταμοντερνισμού. Τη στιγμή της νεωτερικότητας, το έργο των καλλιτεχνών ζωγραφικής παρουσίασε ευρύτερο και στη δεκαετία του '70 του εικοστού αιώνα υπήρξε μια αλλαγή στον κοινωνικό προσανατολισμό της τέχνης ζωγραφικής.

Πραγματική τέχνη

Οι καλλιτέχνες της σύγχρονης ζωγραφικής είναι κατά κύριο λόγο νέες τάσεις στην οπτική δημιουργικότητα. Στην πολιτιστική ορολογία, υπάρχει η έννοια της "τρέχουσας τέχνης", η οποία σχετίζεται με κάτι με την έννοια της "σύγχρονης ζωγραφικής". Κάτω από την τέχνη, οι καλλιτέχνες σημαίνουν συχνότερα την καινοτομία όταν ο ζωγράφος απευθύνεται σε θέματα εξαιρετικά μοντέρνων, ανεξάρτητα από την κατεύθυνσή τους. Η εικόνα μπορεί να γραφτεί και να απεικονίσει οποιαδήποτε βιομηχανική επιχείρηση. Ή στον καμβά υπάρχει ένα τοπίο τοπίου με ένα πεδίο σιταριού, ένα λιβάδι, δάσος, αλλά ταυτόχρονα το συνδυασμό σίγουρα θα τραβηχτεί. Το σύγχρονο στυλ ζωγραφικής περιλαμβάνει τον κοινωνικό προσανατολισμό της εικόνας. Ταυτόχρονα, τα τοπία των σύγχρονων καλλιτεχνών χωρίς κοινωνικό υποκείμενο αποτιμώνται πολύ ψηλότερα.

Επιλογή κατεύθυνσης

Από το τέλος της δεκαετίας του '90, οι καλλιτέχνες της σύγχρονης ζωγραφικής αρνούνται τα θέματα παραγωγής και μεταφράζουν τη δημιουργικότητά τους προς την κατεύθυνση της καθαρής τέχνης. Υπάρχουν πλοίαρχοι της ζωγραφικής λεπτής πορτρέτου, οικόπεδα τοπίου, ακόμα μήνες με το στυλ του φλαμανδικού σχεδίου. Και σταδιακά στη σύγχρονη ζωγραφική, η γνήσια τέχνη άρχισε να εκδηλώνεται, χωρίς κατώτερη από τους πίνακες που δημιουργούνται από τους εξωκρεμούς καλλιτέχνες του 18ου και 19ου αιώνα, και σε κάτι ακόμα πιο ανώτερο από αυτούς. Οι σημερινοί δάσκαλοι της βούρτσας βοηθούν μια αναπτυγμένη τεχνική βάση, μια αφθονία νέων κεφαλαίων που επιτρέπουν πλήρη αντανακλάται σε καμβά. Έτσι, οι καλλιτέχνες της σύγχρονης ζωγραφικής μπορούν να δημιουργήσουν ως ικανότητές τους. Φυσικά, η ποιότητα των χρωμάτων ή των βούρτσων είναι σημαντική στη διαδικασία γραφής εικόνων, αλλά το κύριο πράγμα είναι το ταλέντο.

Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες τηρούν τις μεθόδους ζωγραφικής που επιτρέπουν τη χρήση μη γεωμετρικών εγκεφαλικών επεισοδίων που εφαρμόζονται σε μια ποικιλία υφασμάτων μεγάλου μεγέθους. Υπάρχουν μεγάλες βούρτσες, μερικές φορές ζωγραφισμένες. Αυτή η ζωγραφική είναι δύσκολο να καλέσει την τέχνη με την κλασική έννοια αυτής της λέξης, αλλά η αφαίρεση είναι η συνέχιση του σουρεαλισμού, η οποία εμφανίστηκε το 1920 λόγω των ιδεών του Andre Breton και αμέσως βρήκε πολλούς οπαδούς, όπως ο Salvator Dali, Hans Hofman , Adolf Gotlib. Ταυτόχρονα, οι καλλιτέχνες της σύγχρονης ζωγραφικής κατανοούν τον εξπρεσιονισμό με τον δικό τους τρόπο. Σήμερα, αυτό το είδος διαφέρει από τον προκάτοχό του στο μέγεθος του καμβά, το οποίο μπορεί να φτάσει σε τρία μέτρα.

Ποπ art

Ο αφηρημένος αφαίρεσης ήταν μια εννοιολογική νέα avant-garde, προωθώντας τις αισθητικές αξίες. Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες άρχισαν να περιλαμβάνουν εικόνες των διάσημων προσωπικοτήτων στους πίνακές τους, όπως το Mao Zedong ή Marilyn Monroe. Αυτή η τέχνη ονομάστηκε ποπ τέχνη - μια δημοφιλής, γενικά αποδεκτή κατεύθυνση στη ζωγραφική. Η μαζική κουλτούρα ήρθε να αντικαταστήσει τον αφαίρεσης και οδήγησε σε έναν ειδικό τύπο αισθητικής, το οποίο σε ένα πολύχρωμο, θεαματικό τρόπο που παρουσιάστηκε στο κοινό, τι ήταν καθόλου ακρόαση, μερικά γεγονότα πρόσφατης ή εικόνας γνωστών ανθρώπων σε διαφορετικές καταστάσεις ζωής .

Οι ιδρυτές και οι οπαδοί της ποπ τέχνης ήταν η Andy Warhol, ο Tom Duskelman, ο Peter Blake, Roy Λιχτενστάιν.

Φωτορεαλισμός

Η σύγχρονη τέχνη είναι πολύπλευρη, είναι συχνά μια νέα κατεύθυνση που συνδυάζει δύο ή περισσότερα είδη οπτικής δημιουργικότητας. Μια τέτοια μορφή αυτο-έκφρασης του καλλιτέχνη έγινε φωτορεαλισμός. Αυτή η κατεύθυνση της ζωγραφικής εμφανίστηκε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1968. Επινοήθηκε από τον καλλιτέχνη-Avant-Gardeist Louis Meizel και η παρουσίαση του είδους συνέβη δύο χρόνια αργότερα, στο Μουσείο της Whitney κατά τη διάρκεια της έκθεσης "είκοσι δύο ρεαλιστικά".

Η ζωγραφική στο στυλ του φωτορεαλισμού συνδέεται με μια φωτογραφία, η κίνηση του αντικειμένου φαίνεται να παγώνεται εγκαίρως. Ο φωτορεαλιστικός καλλιτέχνης συλλέγει την εικόνα του που θα συλληφθεί στην εικόνα, με τη βοήθεια φωτογραφιών. Από την αρνητική ή τη διαφάνεια, η εικόνα μεταφέρεται στον καμβά με προβολή ή χρησιμοποιώντας ένα πλέγμα μεγάλης κλίμακας. Στη συνέχεια, δημιουργείται μια πλήρης εικόνα χρησιμοποιώντας τεχνολογίες ζωγραφικής.

Ο ανθηρός φωτορεαλισμός έπεσε στα μέσα της δεκαετίας του '70, τότε υπήρξε μια μείωση της δημοτικότητας και στις αρχές της δεκαετίας του '90 το είδος ξαναγεννήθηκε. Οι μαστίχοι καλλιτέχνες εργάστηκαν κυρίως στις Ηνωμένες Πολιτείες, υπήρχαν πολλοί γλύπτες μεταξύ τους, οι οποίες δημιούργησαν επίσης τα έργα τους χρησιμοποιώντας την προβολή εικόνας. Οι πιο διάσημοι δάσκαλοι της ζωγραφικής που βασίζονται σε φωτορεαλισμό είναι ο Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Desekis, Donald Eddie, Duyne Hanson.

Καλλιτέχνης-Φωτορεαλιστές της νέας γενιάς - Raphaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive είχε.

Σύγχρονοι καλλιτέχνες της Ρωσίας

• Ο Serge Fedulov (γεννημένος 1958), ντόπιος της επικράτειας του Σταυρούπολη της Νέβιννοσμσσκ. Συμμετέχων πολλών εκθέσεων στη Λατινική Αμερική και την Ευρώπη. Οι πίνακές του διακρίνονται από ρεαλιστικούς και αντίθετους συνδυασμούς χρωμάτων.
• Mikhail Golubev (ράβδος 1981), αποφοίτησε από την τάξη της τέχνης της Σχολής Ζωγραφικής OMSK. Αυτή τη στιγμή ζει στην Αγία Πετρούπολη. Διακρίνεται από έναν ασυνήθιστο τρόπο δημιουργικότητας, όλα τα έργα του είναι πίνακες-αντανακλάσεις με βαθύ φιλοσοφικό υποκατάστημα.
• Dmitry Annenkov (γεννημένος 1965) στη Μόσχα. Αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Τέχνης που ονομάστηκε μετά το Stroganov. Δημοφιλές στο εξωτερικό, αλλά προτιμάτε τις ρωσικές εκθέσεις. Η τέχνη της Annenkova είναι ρεαλιστική, ο καλλιτέχνης είναι αναγνωρισμένος κύριος της νεκρή φύση.

Ρωσικοί ιμπρεσιονιστές

• Alexey Chernigin, Ρώσος νταμιθιονιστής καλλιτέχνης (γεννημένος 1975), είναι ο γιος του διάσημου καλλιτέχνη Αλεξάνδρου Chernigigin. Σπούδασε ζωγραφική και γραφιστική στο σχολείο της τέχνης του Nizhny Novgorod. Αποφοίτησε από το αρχιτεκτονικό Ινστιτούτο Nizhny Novgorod στην ειδικότητα "Σχεδιασμός στη βιομηχανία". Μέλος της Ένωσης Καλλιτεχνών της Ρωσίας από το 1998. Από το 2001, ένας δάσκαλος στο NGASU στο τμήμα εσωτερικών χώρων.
• Konstantin Lupanov, καλλιτέχνης Κρασνοντάρ (γεννημένος 1977). Αποφοίτησε από τη Βιομηχανική Ακαδημία με το Κρατικό Πανεπιστήμιο Πολιτισμού και Τέχνες στην ειδικότητα "Μνημειώδης ζωγραφική". Μέλος πολλών εκθέσεων τέχνης στην Αγία Πετρούπολη. Διαφέρει σε σπάνιο τρόπο ελαιογραφίας με μια συστροφή επίστρωσης. Οι πίνακες του Lupanov είναι εντελώς στερούνται αντιθέσεις συνδυασμών χρωμάτων, οι εικόνες κάνουν ένα στο άλλο. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης καλεί το έργο του "Καλά, ανεύθυνο Mazni", αλλά σε αυτή τη δήλωση υπάρχει ένα μερίδιο της Coquetry: Οι πίνακες ζωγραφίζουν πραγματικά αρκετά επαγγελματικά.

Οι Ρώσοι καλλιτέχνες που σχεδιάζουν στο στυλ του γυμνού

• Ο Σεργκέι Μαρναϊκόφ (γεννημένος το 1971), ένας από τους πιο διάσημους ρώσους καλλιτέχνες της νεωτερικότητας. Αποφοίτησε από το UFA College of Arts. Οι πίνακές του είναι ένα παράδειγμα κρανιακού ρεαλισμού. Τα έργα κάνουν μια εντύπωση μιας φωτογραφίας τέχνης, η σύνθεση είναι τόσο ακριβής και αφαιρεί κάθε άγγιγμα. Στο ρόλο ενός προσομοιωτή συχνά στέκεται στη σύζυγο του ζωγράφου Natalia και τον βοηθά στη δημιουργία μιας αισθησιακής εικόνας.
• Βέρα Βασιλερέβνα Donskoy-Khilko (γεννημένος το 1964), εγγονή του διάσημου τραγουδιού της όπερας της Λαύρειας Ντμιντζιτς Donskoy. Ο λαμπρός εκπρόσωπος της σύγχρονης ρωσικής ζωγραφικής. Σχεδιάζει στο στυλ μιας ιστορίας γυμνό. Στη δημιουργική παλέτα του καλλιτέχνη, μπορείτε να βρείτε ομορφιές από το East Harem και γυμνά ρουστίκ κορίτσια στις όχθες του ποταμού τη νύχτα των διακοπών του Ιβάν Κουπαλά, ένα ρωσικό λουτρό με την απελευθέρωση των αγγλικών γυναικών στο χιόνι και το κολύμπι στη γωνία. Ο καλλιτέχνης τραβάει πολλά και ταλαντούχα.

Σύγχρονοι καλλιτέχνες της Ρωσίας, η δημιουργικότητά τους ενδιαφέρονται όλο και περισσότερο για τους συνδέσμους των κομψών τεχνών παγκοσμίως.

Σύγχρονη ζωγραφική ως παγκόσμια τέχνη

Επί του παρόντος, η οπτική δημιουργικότητα έλαβε σχήματα εκτός από εκείνους που ζήτησαν τον 18ο και τον 19ο αιώνα. Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες του κόσμου στράφηκαν στην πρωτοπορία σε μια στενότερη ερμηνεία, ο καμβάς απέκτησε τη βελτίωση και έγινε πιο ουσιαστική. Η κοινωνία σήμερα χρειάζεται την τέχνη ενημέρωση, η ανάγκη ισχύει για όλους τους τύπους δημιουργικότητας, συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής. Εικόνες από σύγχρονους καλλιτέχνες, αν εκτελούνται σε αρκετά υψηλό επίπεδο, αγοράζονται, αποτελούν αντικείμενο διαπραγμάτευσης ή ανταλλαγής. Ορισμένες καμβάδες περιλαμβάνονται στους καταλόγους ιδιαίτερα πολύτιμων έργων τέχνης. Οι πίνακες από το παρελθόν, γραμμένο από μεγάλους ζωγράφους, εξακολουθούν να απαιτούν, αλλά οι σύγχρονοι καλλιτέχνες γίνονται όλο και πιο δημοφιλείς. Λάδι, θερμοκρασία, ακουαρέλα, άλλα χρώματα, να τους βοηθήσουν στη δημιουργικότητα και την επιτυχή εφαρμογή του σχεδιασμού. Χρώματα, κατά κανόνα, τηρούν με κάποιο στυλ. Μπορεί να είναι τοπίο, πορτραίτο, σκηνές μάχης ή άλλο είδος. Συνεπώς, για το έργο του, ο καλλιτέχνης επιλέγει μια συγκεκριμένη ποικιλία χρωμάτων.

Σύγχρονοι καλλιτέχνες του κόσμου

Οι πιο διάσημοι σύγχρονοι καλλιτέχνες διαφέρουν με τον τρόπο της επιστολής, το βούρτσα τους αναγνωρίσιμο, μερικές φορές δεν χρειάζεται καν να κοιτάξουν την υπογραφή στο κάτω μέρος του καμβά. Διάσημος Δάσκαλος της σύγχρονης ζωγραφικής - Perlshin Philip, Αλέξανδρος Ισαχέφ, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Paris, Guy Johnson, Eric Physle, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Η εφημερίδα τέχνης ΡωσίαΑντιπροσωπεύει την αξιολόγηση: οι πιο ακριβοί καλλιτέχνες της Ρωσίας από τώρα ζουν. Εάν είστε ακόμα σίγουροι ότι δεν υπήρχαν ρωσικοί καλλιτέχνες στο δυτικό ίδρυμα, είμαστε έτοιμοι να το υποστηρίξουμε. Αριθμούς γλώσσας.

Οι συνθήκες ήταν απλές: κάθε ένας από τους ζωντανούς καλλιτέχνες θα μπορούσε να εκπροσωπείται μόνο από ένα, το πιο ακριβό έργο. Κατά την προετοιμασία της βαθμολογίας, όχι μόνο τα αποτελέσματα της διαπραγμάτευσης δημόσιων δημόσιων πλειστηρίων, αλλά οι περισσότερες ιδιωτικές πωλήσεις υψηλής τεχνολογίας ελήφθησαν υπόψη. Οι συντάκτες της βαθμολογίας καθοδηγούνταν από την αρχή "αν πωλείται κάτι δυνατά, αυτό σημαίνει ότι κάποιος το χρειάζεται" και επομένως εκτιμά το έργο των εμπόρων και των στελεχών των καλλιτεχνών που έχουν καταγράψει ιδιωτικές πωλήσεις στο κοινό. ΣΗΜΑΝΤΙΚΗ ΣΗΜΕΙΩΣΗ: Η αξιολόγηση καταρτίζεται αποκλειστικά από οικονομικούς δείκτες. Αν βασίστηκε στην εκθεσιακή δραστηριότητα των καλλιτεχνών, θα φαινόταν κάπως διαφορετικό. Οι εξωτερικές πηγές για τις αναλύσεις εξυπηρετούνται πόροι Artnet.com, Artprice.com, SkatePress.comκαι Artinvestment.ru..

Το νόμισμα της παγκόσμιας κατάταξης επιλέχθηκε από το δολάριο ΗΠΑ, η βρετανική λίρα στερλίνα ελήφθη ως το ισοδύναμο των πωλήσεων των ρωσικών καλλιτεχνών (από το 90% των εγχώριων πωλήσεων πραγματοποιήθηκε στο Λονδίνο σε αυτό το νόμισμα). Το υπόλοιπο 10% των έργων που πωλούνται σε δολάρια ΗΠΑ και το ευρώ, με το ποσοστό κατά τη στιγμή της συναλλαγής, ως αποτέλεσμα της οποίας ορισμένες θέσεις άλλαξαν τον τόπο. Εκτός από το πραγματικό κόστος της εργασίας, τα δεδομένα συλλέχθηκαν για τη συνολική κεφαλαιοποίηση των καλλιτεχνών (ο αριθμός των κορυφαίων έργων που πωλούνται ανά πάσα χρόνια), για τον τόπο ενός σύγχρονου καλλιτέχνη στην κατάταξη των καλλιτεχνών όλων των εποχών, για τον τόπο της αγαπητέ θέματος του συμμετέχοντα μεταξύ όλων των έργων άλλων συγγραφέων, καθώς και για την εθνικότητα και τη χώρα διαμονής. Σημαντικές πληροφορίες περιέχουν στατιστικά στοιχεία των επαναλαμβανόμενων πωλήσεων κάθε καλλιτεχνών ως αντικειμενικός δείκτης επενδύσεων
Ελκυστικότητα.

Το τελευταίο έτος, το 2013 άλλαξε σημαντικά τη θέση των σύγχρονων καλλιτεχνών στη διεθνή κατάταξη πωλήσεων. Από τα κορυφαία 50 πιο ακριβά έργα της τέχνης την περασμένη σεζόν, 16 μοντέρνα πωλήθηκαν - ένας αριθμός ρεκόρ (για σύγκριση, 17 έργα έλαβε από το 2010 έως το 2012, στον εικοστό αιώνα υπάρχει μόνο μία πώληση). Η ζήτηση για ζωντανούς καλλιτέχνες είναι πανομοιότυπος εν μέρει από τη ζήτηση για όλη τη σύγχρονη τέχνη, εν μέρει μια κυνική κατανόηση ότι η κεφαλαιοποίηση των περιουσιακών στοιχείων μετά το θάνατό τους θα αυξηθεί πάντοτε.

Μεταξύ των ρωσικών συμμετεχόντων, οι περισσότεροι σέβητοι ήταν αδελφοί Σεργκέι και Alexey Tkachevy (r. 1922 και 1925), το νεότεροι - Anatoly Osmolovsky (r. 1969). Το ζήτημα του ποιος θα γίνει νέο Jean-Michel Baskia, ενώ ανοίξτε. Στις πωλήσεις των καλλιτεχνών μας, οι σαφείς τάξεις των αγοραστών είναι ορατοί: οι ηγέτες αγοράζουν ξένους συλλέκτες και ρωσικούς ολιγάρχες, μέρη από τον 10ο έως τον 30ο να παρέχουν συλλεκτικούς συλλέκτες και ο υπό όρους κάτω top-50 είναι το μέλλον μας, το οποίο ήρθε στην αγορά νεαρή Συλλέκτες με "νέα" χρήματα.

1. Ilya Kabakov
Φαίνεται, γενικά, ο αρχηγός ρώσος καλλιτέχνης (ο οποίος δεν εμποδίζει τον Kabakov που γεννήθηκε στο Dnepropetrovsk, γράψτε τον εαυτό του ουκρανικό »), ο ιδρυτής του πατέρα της Μόσχας (ένα από), ο συγγραφέας του όρου και ο επαγγελματίας της συνολικής εγκατάστασης. Από το 1988 ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη. Λειτουργεί σε συνεργασία με τη σύζυγό του, την Emily Kabakuchi, γιατί ο τίτλος θα πρέπει να μοιάζει με το "Ilya και την Emilia Kabakova", αλλά δεδομένου ότι η Ilya Iosifovich έγινε γνωστή νωρίτερα από την Ilya-Emilia, έπειτα παραμένει. Τα έργα βρίσκονται στη γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο, το Ερμιτάζ, MMA, Ίδρυμα Τέχνης Kolodzei (ΗΠΑ) και άλλοι.
Έτος γέννησης: 1933
Εργασία: "Σκαθάρι". 1982.
Ημερομηνία Πώλησης: 28.02.2008
Τιμή (GBP) 1: 2 932 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 10 686 000
Τοποθεσία: 1.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 117 429
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 12

2. Eric Bulatov
Χρησιμοποιώντας τις τεχνικές, οι οποίες θα κληθούν αργότερα κοινωνική τέχνη, που συνδέονται με την ετικέτα εικονιστική ζωγραφική με κείμενο. Στους σοβιετικούς χρόνους, ένας επιτυχημένος εικονογράφος των παιδικών βιβλίων. Από το 1989, ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη, από το 1992 - στο Παρίσι. Ο πρώτος Ρώσος καλλιτέχνης με προσωπική έκθεση στο κέντρο του Πομπιντού. Τα έργα αποθηκεύονται στις συλλογές της γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο, το κέντρο της Πομπιντού, το Μουσείο του Ludwig στην Κολωνία κλπ., Περιλαμβάνονται στις συλλογές των αμοιβαίων κεφαλαίων Dina Vernika, Viktor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Catherine και Vladimir Semenichina, Igor Tsukanova.
Έτος γέννησης: 1933
Εργασία: "Δόξα του CPSU". 1975.
Ημερομηνία Πώλησης: 28.02.2008
Τιμή (GBP) 1: 1 084 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 8 802 000
Τοποθεσία: 2.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 163 000
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 11

3. Vitaly Komar και Alexander Melami
Οι δημιουργοί της Κοινωνικής Τέχνης - οι Ερνικές κατευθύνσεις σε ανεπίσημη τέχνη, παθητική συμβολισμό και δεξιώσεις του υπαλλήλου. Από το 1978 ζουν στη Νέα Υόρκη. Μέχρι τα μέσα του 2000 να εργαστούν σε ένα ζευγάρι. Ως έργο τέχνης, οργανωμένη "πώληση ντους" διάσημων καλλιτεχνών μέσω δημοπρασίας (ψυχή Άντυ Γουόρχολ Από τότε ανήκει στον καλλιτέχνη της Μόσχας Alena krilovova). Τα έργα βρίσκονται σε συναντήσεις MMA, Μουσείο Guggenheim, Μητροπολιτικό Μουσείο, Λούβρο, σε συλλογές Shalva Breus, Darya Zhukovaκαι Ρωμαίος Αμπράμοβιτς και τα λοιπά.
Έτος γέννησης: 1943, 1945
Εργασία: "Συνάντηση Solzhenitsyn και Böllia στη χώρα του Rostropovich". 1972.
Ημερομηνία Πώλησης: 04/23/2010
Τιμή (GBP) 1: 657 250
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 3 014 000
Τοποθεσία: 7.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 75 350
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 3

Πρώην Αρχείο Comar & Melamid Artstudio

4. Σημείο Faibisovich
Καλλιτέχνης-φωτορεαλιστική, παραμένοντας έναν κατάλληλο ρεαλιστή και τώρα, όταν η ζωγραφική είναι συναρπαστικό σπόρο Nathanovich λιγότερη δημοσιογραφία. Εφαρμόστηκε στο μικρό Γεωργιανό, όπου το 1985 παρατηρήθηκε από τους αντιπροσώπους και τους συλλέκτες της Νέας Υόρκης. Από το 1987, εκτίθεται τακτικά στις Ηνωμένες Πολιτείες και τη Δυτική Ευρώπη. Ένας ενεργός υποστηρικτής της κατάργησης του νόμου για την προπαγάνδα της ομοφυλοφιλίας στη Ρωσία. Ζει και εργάζεται στη Μόσχα. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της Γκαλερί Tretyakov, φωτογραφίες του Σπίτι της Μόσχας, μουσεία της Γερμανίας, Πολωνία, ΗΠΑ, περιλαμβάνονται στη συλλογή Darya Zhukovaκαι Ρωμαϊκή Abramovich, Igor Markina, Igor
Tsukanova.
Έτος γέννησης: 1949
Εργασία: "Στρατιώτες" (από τη σειρά "σταθμού"). 1989
Ημερομηνία Πώλησης: 10/13/2007
Τιμή (GBP) 1: 311 200
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 3 093 000
Τοποθεσία: 6.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 106 655
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 7

5. Grigory (Grisha) Bruskin
Ο κύριος χαρακτήρας της πρώτης και τελευταίας σοβιετικής δημοπρασίας Sotheby's. Το 1988, όπου το έργο του ήταν ένα θεμελιώδες λεξικό έγινε η κορυφαία παρτίδα (£ 220 χιλ.). Κατά την πρόσκληση της γερμανικής κυβέρνησης, δημιούργησε το μνημειώδες τρίπτυχο για ανακατασκευασμένο Reichstag στο Βερολίνο. Νικητής του βραβείου Kandinsky στο διορισμό "Έργο του έτους" για την έκθεση Χρόνος Γ. Στο μουσείο τέχνης πολυμέσων. Ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη και τη Μόσχα. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της Γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο, τους GMI. Α. S. Pushkin, Μουσείο Ludwig στην Κολωνία, Moma, Μουσείο Εβραϊκού Πολιτισμού (Νέα Υόρκη), κλπ., Περιλαμβάνονται στη βασίλισσα της Ισπανίας Σόφια, Peter Aven, Shalva Breus, Βλαντιμίρ και Catherine Semenihina, Milla Forman.
Έτος γέννησης: 1945
Εργασία: "Logia. Μέρος 1". 1987.
Ημερομηνία Πώλησης: 07.11.2000
Τιμή (GBP) 1: 424 000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 720 000
Τοποθεσία: 15.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 24 828
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 5

6. Oleg Kamkov
Μία από τις πιο διάσημες εξήντα, στη δεκαετία του 1960 άρχισε και εξακολουθεί να συνεχίζει τον κύκλο των έργων ζωγραφικής, όπου χοντρό, σαν να είναι κολλημένο από πηλό, ανθρώπινα πρόσωπα (ή αριθμητικά πρόσωπα) ζωγραφισμένα με λαμπερά λουλούδια ανιλίνης. Από το 1977 ζει στο Παρίσι. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο, το Ερμιτάζ, το Μουσείο του Tsimmeril Ratger University, κλπ., Περιλαμβάνονται στη συλλογή Mikhail Baryshnikova, Arthur Miller, Igor Tsukanova.Οι μεγαλύτερες ιδιωτικές δοκιμές εργασίας του κολλεγίου της Ρωσίας ανήκουν ΕΥΓΕΝΙΑ ΕΥΤΣΟΥΛΚΟ.
Έτος γέννησης: 1934
Εργασία: "Αγόρι με μπαλόνια". 1957.
Ημερομηνία Πώλησης: 11/26/2008
Τιμή (GBP) 1: 238 406
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 4 232 000
Τοποθεσία: 5.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 53 570
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 14

7. Oscar Rabin
Ηγέτης της ομάδας Lianozov (καλλιτέχνες της Μόσχας-μη συμμόρφωσης 1950-1960s), ο διοργανωτής του σκανδαλώδεις Έκθεση Bulldozer 1974. Το πρώτο στη Σοβιετική Ένωση άρχισε να πωλεί εργασία με συγκεκριμένο τρόπο. Το 1978, η σοβιετική ιθαγένεια στερήθηκε. Ζει και εργάζεται στο Παρίσι. Το 2006, έγινε δεκτό του βραβείου καινοτομίας για τη συμβολή του στην τέχνη. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο, το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Μόσχας, το Μουσείο Tsimmeril του Πανεπιστημίου Ratger, περιλαμβάνονται στη συλλογή του Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Cronik, Yveta και Tamaz Manageov, Evgenia Chutovich , Aslan Chekhova.
Έτος γέννησης: 1928
Εργασία: "Πόλη και Σελήνη (Σοσιαλιστική
πόλη)". 1959.
Ημερομηνία Πώλησης: 04/15/2008
Τιμή (GBP) 1: 171 939
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 5 397 000
Τοποθεσία: 3.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 27 964
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 45

8. Zurab Tsereteli
Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της ήδη μνημειακής τέχνης. Ο συγγραφέας του μνημείου του Πέτρου Ι στη Μόσχα και το Μνημείο Καλό κερδίζει κακό Πριν από το κτίριο του ΟΗΕ στη Νέα Υόρκη. Ιδρυτής του Μουσείου Σύγχρονης Τέχνης Μόσχας, Πρόεδρος της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών, ο Δημιουργός της Γκαλερί Τέχνης του Zurab Tsereteli, που συνεργάζεται με την προαναφερθείσα ακαδημία. Zuraba Zuraba Tsereteli, εκτός από τη Ρωσία, διακοσμούν τη Βραζιλία, τη Μεγάλη Βρετανία, τη Γεωργία, την Ισπανία, τη Λιθουανία, τις ΗΠΑ, τη Γαλλία και την Ιαπωνία.
Έτος γέννησης: 1934
Εργασία: "γιος athon"
Ημερομηνία Πώλησης: 01.12.2009
Τιμή (GBP) 1: 151 250
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 498 000
Τοποθεσία: 19.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 27 667
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 4

9. Victor Pivovarov
Ένας από τους ιδρυτές της εννοιολογίας της Μόσχας. Όπως το Καμπάκι, ο εφευρέτης του είδους του εννοιολογικού άλμπουμ. Όπως το Καμπάκι, ο Bulat και ο Oleg Vasilyev - ένας επιτυχημένος εικονογράφος των παιδικών βιβλίων, συνεργάζοντας με Murzilka και Merry Pictures ". Από το 1982 ζει και εργάζεται στην Πράγα. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της Γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο, τους GMI. Α. S. Pushkin, Ίδρυμα Kolodzei Art (ΗΠΑ), στις συλλογές του Βλαντιμίρ και της Catherine Semenichina, Igor Tsukanov.
Έτος γέννησης: 1937
Εργασία: "Triptych με ένα φίδι." 2000.
Ημερομηνία πώλησης: 10/18/2008
Τιμή (GBP) 1: 145 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 482 000
Τοποθεσία: 20.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 17 852
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 6

10. Αλέξανδρος Melamim
Μισό δημιουργικό tandem Komar - Melamimπασπαλισμένο το 2003. Μαζί με το βασικό μέλος του Vitali Έκθεση Bulldozer (όπου πέθαναν Διπλό αυτοπροσωπογραφία, θεμελιώδες έργο κοινωνικής τέχνης). Από το 1978 ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη. Σχετικά με τις γνωστές συναντήσεις είναι τα έργα του μελαμιδίου που δημιουργήθηκε ανεξάρτητα από αυτόν, δεν υπάρχουν πληροφορίες.
Έτος γέννησης: 1945
Εργασία: "Καρδινάλιος Jose Saraila Martinsh". 2007.
Ημερομηνία πώλησης: 10/18/2008
Τιμή (GBP) 1: 145 250
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 145 000
Τοποθεσία: 36.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 145 000
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

11. Francisco Infanta-Aran
Ο ιδιοκτήτης είναι ίσως ο πιο στοργικός μεταξύ των ρωσικών καλλιτεχνών του καταλόγου των εκθέσεων. Μέλος της ομάδας κινητών "ΚΙΝΗΣΗ στους ΔΡΟΜΟΥΣ"Στη δεκαετία του 1970, βρήκε την έκδοση των φωτοπορικών μορφών ή "τεχνούργημα" - γεωμετρικά έντυπα ενσωματωμένα στο φυσικό τοπίο.
Έτος γέννησης: 1943
Εργασία: "Τοποθέτηση ενός σημείου". 1984.
Ημερομηνία Πώλησης: 05/31/2006
Τιμή (GBP) 1: 142 400
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 572 000
Τοποθεσία: 17.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 22 000
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

12. Vladimir Nemhin
Μεταφυσικός. Κλασικό του δεύτερου κύματος της ρωσικής avant-garde, συμμετέχοντα της ομάδας Lianozov, ένας από τους συμμετέχοντες της έκθεσης μπουλντόζα, τον επιμελητή (ή τον εκκινητή) σημαντικών εκθέσεων της δεκαετίας του 1980, όταν ο ανεπίσημος σοβιετικός
Η τέχνη μόλις συνειδητοποίησε.
Έτος γέννησης: 1925
Εργασία: "Ατελής πασιέντζα". 1966.
Ημερομηνία Πώλησης: 04/26/2006
Τιμή (GBP) 1: 240 000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 4 338 000
Τοποθεσία: 4.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 36 454
Αριθμός επαναλήψεων πωλήσεων: 26

13. Vladimir Yankilevsky
Surrealist, ένα από τα κύρια ονόματα της μεταπολεμικής Μόσχας ανεπίσημης τέχνης, ο δημιουργός μνημειακών φιλοσοφικών πολυπυτών.
Έτος γέννησης: 1938
Εργασία: "Triptych No. 10. Ανατομία της ψυχής. ΙΙ. " 1970.
Ημερομηνία Πώλησης: 04/23/2010
Τιμή (GBP) 1: 133 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 754 000
Τοποθεσία: 14.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 12 780
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 7

14. Alexander Vinogradov και Vladimir Dubosar
Γραφικό έργο Εικόνες για παραγγελίαΞεκίνησε σε απελπισία για τη ζωγραφική τη δεκαετία του 1990, που έλαβε η αξία στη δεκαετία του 2000. Το ντουέτο έγινε δημοφιλές με συλλέκτες και μια εικόνα έπεσε στη συλλογή του Κέντρου Πομπιντού.
Έτος γέννησης: 1963, 1964
Εργασία: "Night Fitness". 2004.
Ημερομηνία Πώλησης: 06/22/2007
Τιμή (GBP) 1: 132 000
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 1 378 000
Τοποθεσία: 11.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 26.500
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 4

15. Sergey Volkov
Ένας από τους ήρωες της τέχνης Perestroika, γνωστός από εκφραστικούς πίνακες με βαθιές δηλώσεις. Μέλος της Σοβιετικής Δημοπρασίας. Sotheby's. Το 1988.
Έτος γέννησης: 1956
Εργασία: "Διπλή όραση.
Τρίπτυχο"
Ημερομηνία Πώλησης: 05/31/2007
Τιμή (GBP) 1: 132 000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 777 000
Τοποθεσία: 12.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 38 850
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 4

16. AES + F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Βλαντιμίρ Friedkes)
Τα έργα AES διέφεραν από μια καλή ζωοτροφή στις κυματισμούς της δεκαετίας του 1990 από ό, τι και θυμούνται. Τώρα κάνουν μεγάλες κινούμενες τοιχογραφίες που μεταδίδονται σε δεκάδες οθόνες.
Έτος γέννησης: 1955, 1958, 1957, 1956
Εργασία: "Πολεμιστής αριθ. 4"
Ημερομηνία Πώλησης: 03/12/2008
Τιμή (GBP) 1: 120 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 305.000
Τοποθεσία: 27.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 30.500
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

17. Tabenkin Lev
Γλύπτης και ζωγράφος με ένα γλυπτό όραμα, σαν να χτυπάει τους ήρωες του από πηλό.
Έτος γέννησης: 1952
Εργασία: "Ορχήστρα τζαζ". 2004.
Ημερομηνία Πώλησης: 06/30/2008
Τιμή (GBP) 1: 117 650
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 263 000
Τοποθεσία: 28.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 26 300
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 7

18. Mikhail (Misha Shavich) Brusilovsky
Sverdlovsky Surrealist, συγγραφέας μιας αυστηρής αλληγορίας.
Έτος γέννησης: 1931
Εργασία: "Ποδόσφαιρο". 1965.
Ημερομηνία Πώλησης: 11/28/2006
Τιμή (GBP) 1: 108 000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 133 000
Τοποθεσία: 38.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 22 167
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

19. Olga Bulgakov
Ένας από τους κύριους αριθμούς της πνευματικής "καρναβαλικής" ζωγραφικής της εποχής του Brezhnev. Ανταποκριτής
Ρωσική Ακαδημία Τεχνών.
Έτος γέννησης: 1951
Εργασία: "Κόκκινο κόκκινο
Πουλί. 1988.
Ημερομηνία Πώλησης: 11/22/2010
Τιμή (GBP) 1: 100 876
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 219 000
Τοποθεσία: 31.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 36.500
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

20. Alexander Ivanov
Αφαίρεσης, η οποία είναι γνωστή κυρίως ως επιχειρηματίας, συλλέκτης και ο δημιουργός του μουσείου Faberge στο Baden-Baden (Γερμανία).
Έτος γέννησης: 1962
Εργασία: "Αγάπη". 1996.
Ημερομηνία Πώλησης: 06/05/2013
Τιμή (GBP) 1: 97 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 201 000
Τοποθεσία: 33.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 50 250
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

21. Ivan Chuikov
Ανεξάρτητη πτέρυγα της γραφικής εννοιολογίας της Μόσχας. Ο συγγραφέας μιας σειράς εικόνων αντικειμένων του παραθύρου. Κάπως στη δεκαετία του 1960 καίει όλη τη γραφική εργασία, η οποία εξακολουθεί να δοκιμάζει τους ιδιοκτήτες γκαλερί.
Έτος γέννησης: 1935
Εργασία: "Untitled". 1986.
Ημερομηνία Πώλησης: 03/12/2008
Τιμή (GBP) 1: 96 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 1 545 000
Τοποθεσία: 10.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 36 786
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 8

22. Κωνσταντίνος Στάργας
Στη νεολαία του, ο συμμετέχων της ομάδας πατρίνων, ο οποίος κάλεσε τον εαυτό του, "οι πατέρες του" νέου κύματος "στη Σοβιετική Ένωση" -
με πλήρη βάση. Με την έναρξη της δημιουργικής ωριμότητας, ο συμμετέχων της βενετσιάνικης Μπιενάλε και Kassel
Documenta. Ερευνητής και γνώστης του Connoisseur στη σοβιετική χαμηλή κουλτούρα.
Έτος γέννησης: 1958
Εργασία: "Perdo-k-62m"
Ημερομηνία Πώλησης: 06/13/2008
Τιμή (GBP) 1: 92 446
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 430 000
Τοποθεσία: 22.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 22 632
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 2

23. Natalia Nesterova
Ένα από τα κύρια τέχνη αστέρια της στασιμότητας Brezhnevsky. Συλλέκτες αγάπης για ένα γραφικό στυλ εργοστασίου.
Έτος γέννησης: 1944
Εργασία: "Melnik και του
υιός". 1969.
Ημερομηνία Πώλησης: 06/15/2007
Τιμή (GBP) 1: 92 388
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 1 950 000
Τοποθεσία: 9.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 20 526
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 15

24. Maxim Kantor.
Ο εξπρεσιονιστής ζωγράφος ενεργεί στο ρωσικό περίπτερο στην Μπιενάλε της Βενετίας το 1997 - καθώς και ένας δημοσιονομικός και συγγραφέας, συγγραφέας του φιλοσοφικού και σατυρικού μυθιστορήματος Σχέδιο φροντιστηρίου Για τον ναυτικό ρωσικό κόσμο τέχνης.
Έτος γέννησης: 1957
Εργασία: "Η δομή της δημοκρατίας". 2003.
Ημερομηνία πώλησης: 10/18/2008
Τιμή (GBP) 1: 87 650
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 441 000
Τοποθεσία: 21.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 44 100
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 2

25. Andrei Sidersky
Δημιουργεί ζωγραφική στο στυλ της τέχνης PSI εφευρέθηκε. Μεταφράστηκε σε ρωσικά δοκίμια Carlos Castaneda και Richard Baha.
Έτος γέννησης: 1960
Εργασία: "Triptych"
Ημερομηνία Πώλησης: 04.12.2009
Τιμή (GBP) 1: 90 000
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 102 000
Τοποθεσία: 42.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 51 000
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

26. Valery Koslyakov
Γνωστές πίνακες ζωγραφικής με αρχιτεκτονικά μοτίβα. Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του "νότιου ρωσικού κύματος". Συχνά χρησιμοποιεί κουτιά από χαρτόνι, πακέτα, ταινία. Η πρώτη έκθεση με τη συμμετοχή του πραγματοποιήθηκε στη δημόσια τουαλέτα στο Rostov-on-don το 1988.
Έτος γέννησης: 1962
Εργασία: "Βερσαλλίες". 1993.
Ημερομηνία Πώλησης: 03/12/2008
Τιμή (GBP) 1: 72 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 346 000
Τοποθεσία: 26.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 21 625
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 8

27. Alexey Sundukov
Λακωνονική, οδηγήστε σε έγχρωμες ζωγραφιές για το "Lead Volatos" της συνηθισμένης ρωσικής ζωής.
Έτος γέννησης: 1952
Εργασία: "Η ουσία της ύπαρξης". 1988.
Ημερομηνία Πώλησης: 04/23/2010
Τιμή (GBP) 1: 67 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 255.000
Τοποθεσία: 29.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 25.500
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 1

28. Igor Novikov
Ανήκει στην παραγωγή καλλιτεχνών της Μόσχας-μη συμμόρφωσης των τέλη της δεκαετίας του 1980.
Έτος γέννησης: 1961
Εργασία: "Κρεμλίνο πρωινό ή Μόσχα προς πώληση." 2009.
Ημερομηνία Πώλησης: 03.12.2010
Τιμή (GBP) 1: 62 092
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 397 000
Τοποθεσία: 24.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 15 880
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 3

29. Vadim Zakharov
Ο αρχειοφύλακας της εννοιολογίας της Μόσχας. Ο συγγραφέας των θεαματικών εγκαταστάσεων στα βαθιά θέματα, αντιπροσώπευε τη Ρωσία στο Ενετικό
Μπιενάλε.
Έτος γέννησης: 1959
Εργασία: "Μπαρόκ". 1986-1994.
Ημερομηνία πώλησης: 10/18/2008
Τιμή (GBP) 1: 61 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 243 000
Τοποθεσία: 30.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 20 250
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

30. Yuriy κόκκινο
Συγγραφέας καλλιτεχνικών προγραμμάτων για παιδιά με ειδικές ανάγκες.
Έτος γέννησης: 1925
Εργασία: "καπνιστές"
Ημερομηνία Πώλησης: 04/04/2008 Τιμή (GBP) 1: 59 055
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 89 000
Τοποθεσία: 44.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 11 125
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 8

31. Sergey και Alexey Tkachev
Κλασικά του lovyovtsky Impressionism, φοιτητές του Arkady Plastov, γνωστό για τους πίνακές τους από τη ζωή του ρωσικού χωριού.
Έτος γέννησης: 1922, 1925
Εργασία: "Στον τομέα." 1954.
Ημερομηνία Πώλησης: 01.12.2010
Τιμή (GBP) 1: 58 813
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 428 000
Τοποθεσία: 23.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 22 526
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 4

32. Svetlana Kopsseanskaya
Γνωστή με εγκαταστάσεις από γραφικές καμβάδες. Μετά τη δημοπρασία της Μόσχας Sotheby's. Το 1988 εργάζεται στο εξωτερικό.
Έτος γέννησης: 1950
Εργασία: "Seascape"
Ημερομηνία Πώλησης: 10/13/2007
Τιμή (GBP) 1: 57 600
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 202 000
Τοποθεσία: 32.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 22 444
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 2

33. Boris Orlov
Γλυπτό, κοντά στην κοινωνική τέχνη. Είναι διάσημο για τα έργα του στο ειρωνικό "αυτοκρατορικό" στυλ και το εργαστήριο του χαρακτηριστικού των χάλκινων προτομών και των ανθοδέσμες.
Έτος γέννησης: 1941
Εργασία: "Sailor". 1976.
Ημερομηνία Πώλησης: 10/17/2013
Τιμή (GBP) 1: 55 085
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 174 000
Τοποθεσία: 34.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 17 400
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 1

34. Vyacheslav Kalinin
Ο συγγραφέας των εκφραστικών έργων ζωγραφικής από τη ζωή των αστικών βάσεων και το ποτό Bohemians.
Έτος γέννησης: 1939
Εργασία: "Αυτοπροσωπογραφία με το delteplane"
Ημερομηνία Πώλησης: 11/25/2012
Τιμή (GBP) 1: 54 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 766 000
Τοποθεσία: 13.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 12 767
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 24

35. Evgeny Semenov
Γνωμένο photoserium με νόσο Dauna, που εκτελεί τους ρόλους των χαρακτήρων του Ευαγγελίου.
Έτος γέννησης: 1960
Εργασία: "Καρδιά". 2009.
Ημερομηνία πώλησης: 06/29/2009
Τιμή (GBP) 1: 49 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 49 000
Τοποθεσία: 48.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 49 000
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

36. Yuri Cooper
Έγινε διάσημος για νοσταλγικές καμβά με αντικείμενα παλιάς ζωής. Συγγραφέας Δώδεκα πίνακες από τον καλλιτέχνηβάλτε τα mht τους. Α. Π. Chekhov.
Έτος γέννησης: 1940
Εργασία: "Παράθυρο. Dassa Street, 56. 1978.
Ημερομηνία Πώλησης: 06/09/2010
Τιμή (GBP) 1: 49 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 157 000
Τοποθεσία: 35.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 2 754
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 14

37. Alexander Kosolapov
Κοινωνικός καλλιτέχνης των οποίων τα έργα έγιναν ο στόχος για κάθε είδους επιθέσεις. Κατά τη διάρκεια της δίκαιης "τέχνης Μόσχα - 2005", ένα από τα έργα του καταστράφηκε από έναν θρησκευτικό φανατικό με ένα σφυρί.
Έτος γέννησης: 1943
Εργασία: "Malboro Malevich". 1987.
Ημερομηνία Πώλησης: 03/12/2008
Τιμή (GBP) 1: 48 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 510 000
Τοποθεσία: 18.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 15 938
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 1

38. Leonid Sokov
Ο κορυφαίος γλύπτης της κοινωνικής τέχνης που συνδέει τη λαογραφία με την πολιτική. Μεταξύ των διάσημων έργων Συσκευή για τον προσδιορισμό της εθνικής μύτης.
Έτος γέννησης: 1941
Εργασία: "Αρκούδα χτυπώντας ένα σφυρί στο δρεπάνι". 1996.
Ημερομηνία Πώλησης: 03/12/2008
Τιμή (GBP) 1: 48 500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 352 000
Τοποθεσία: 25.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 13 538
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 7

39. Vladimir Ovchinnikov
Ένας από τους πατριάρχες της ανεπίσημης τέχνης του Λένινγκραντ. Ορθόδοξη έκδοση Fernando Botero.
Έτος γέννησης: 1941
Εργασία: "Άγγελοι και σιδηροδρομικοί". 1977.
Ημερομηνία Πώλησης: 04/17/2007
Τιμή (GBP) 1: 47 846
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 675 000
Τοποθεσία: 16.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 15 341
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

40. Konstantin Khudyakov
Πρότυπο σε θρησκευτικά οικόπεδα. Τώρα λειτουργεί στον τεχνικό ψηφιακής τέχνης.
Έτος γέννησης: 1945
Εργασία: "Το τελευταίο δείπνο". 2007.
Ημερομηνία Πώλησης: 02/18/2011
Τιμή (GBP) 1: 46 850
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 97 000
Τοποθεσία: 43.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 32 333
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

41. Ernst άγνωστο
Εικονίδιο του Σοβιετικού μη συμμόρφωσης - Δεδομένου ότι η Secureku Nikita Khrushchev άνοιξε την υπερνίκια της θρυλικής έκθεσης στην 30ή επέτειο της Ένωσης Καλλιτεχνών της Μόσχας. Μετά από αυτό, ένα μνημείο έγινε στον τάφο του Χρουστσιόφ και το μνημείο πριν από την οικοδόμηση του ευρωπαϊκού αρχοντιά του ΟΗΕ.
Έτος γέννησης: 1925
Εργασία: "Untitled"
Ημερομηνία Πώλησης: 08.06.2010
Τιμή (GBP) 1: 46 850
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 2 931 000
Τοποθεσία: 8.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 24 839
Αριθμός επαναλήψεων πωλήσεων: 13

42. Ανατόλι Osmolovsky
Ένας από τους κύριους ηγέτες της κατάλυμα της Μόσχας της δεκαετίας του 1990, ο θεωρητικός τέχνης, επιμελητής, εκδότης και επικεφαλής του ερευνητικού και εκπαιδευτικού προγράμματος "βασικό ινστιτούτο", νικητής του πρώτου βραβείου Kandinsky.
Έτος γέννησης: 1969
Εργασία: "Ψωμί" (από τη σειρά "Gentiles"). 2009.
Ημερομηνία Πώλησης: 04/23/2010
Τιμή (GBP) 1: 46 850
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 83 000
Τοποθεσία: 46.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 11 857
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

43. Dmitry Vrubel
Ο ζωγράφος-φωτορεαλιστής, γνωστός κυρίως λόγω της εικόνας με την εικόνα του φιλιά Brezhnev και Honneker (ή μάλλον, χάρη στην αναπαραγωγή του συγγραφέα στον τοίχο του Βερολίνου).
Έτος γέννησης: 1960
Εργασία: "Faternal Kiss (Triptych)". 1990.
Ημερομηνία Πώλησης: 25 Νοεμβρίου 2013
Τιμή (GBP) 1: 45 000

Τοποθεσία: 40.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 16 429
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 2

44. Leonid Lamm.
Συγγραφέας εγκαταστάσεων που συνδέονται με τα κίνητρα της ρωσικής avant-garde και της σκηνής της σοβιετικής ζωής της φυλακής. Ζει στην Αμερική. Στη δεκαετία του 1970, πέρασε τρία χρόνια σε φυλακές και στρατόπεδα.
Έτος γέννησης: 1928
Εργασία: "Apple II" (από τη σειρά "έβδομο ουρανό"). 1974-1986.
Ημερομηνία Πώλησης: 12/16/2009
Τιμή (GBP) 1: 43 910
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 115 000
Τοποθεσία: 41.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 14 375
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

Οι γραφικές δόσεις του Irina Nakhova 1980 στο διαμέρισμά της μπορούν να τύχουν συντάκτης στο είδος "εντελώς.

45. Irina Nahova
Μούσα της εννοιολογίας της Μόσχας. Laureate του βραβείου Kandinsky 2013 για το "έργο του έτους". Το 2015, στην 56η Βενετική Μπιενάλε
θα εκπροσωπήσει τη Ρωσία.
Έτος γέννησης: 1955
Εργασία: "Triptych". 1983.
Ημερομηνία Πώλησης: 03/12/2008
Τιμή (GBP) 1: 38 900
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 85 000
Τοποθεσία: 45.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 17.000
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 1

46. \u200b\u200bKatya Filippova
Ο πρωτοποριακός σχεδιαστής των ρούχων, ο οποίος έγινε διάσημος στην αναδιάρθρωση. Διακοσμημένες βιτρίνες του πολυκατοικίου του Παρισιού Galeries Lafayette, ήταν φίλοι με το Pierre Cardin.
Έτος γέννησης: 1958
"Εργασία: Μαρίνα Ladynina" (από τη ρωσική σειρά του Χόλιγουντ)
Ημερομηνία Πώλησης: 03/12/2008
Τιμή (GBP) 1: 38 900
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 39 000
Τοποθεσία: 49.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 39 000
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

47. Boris Zaborov
Καλλιτέχνης θεάτρου, εικονογράφος βιβλίο. Το 1980, μετανάστευσα στο Παρίσι, εργάστηκα σε κοστούμια για "comedi frances".
Έτος γέννησης: 1935
Εργασία: "Κόμμα" .1981
Ημερομηνία πώλησης: 10/30/2006
Τιμή (GBP) 1: 36 356
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 67 000
Τοποθεσία: 47.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 13 400
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 2

48. Rostislav Lebedev
Κλασικός κοινωνικός καλλιτέχνης, συνεργάτης (και γείτονας στο εργαστήριο) Boris Orlova και Dmitry Prigova. Δημιουργικά μετατρέποντας την οπτική ανάδευση των σοβιετικών χρόνων.
Έτος γέννησης: 1946
Εργασία: "Ρωσική παραμύθια" .1949
Ημερομηνία Πώλησης: 03.06.2008
Τιμή (GBP) 1: 34 000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 122 000
Τοποθεσία: 39.
Το μέσο κόστος εργασίας (GBP): 24 400
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 2

49. Andrei Filippov
Ανήκει στο εννοιολογικό σχολείο της Μόσχας. Ο συγγραφέας των έργων ζωγραφικής και εγκαταστάσεων, United από το θέμα "Μόσχα - Τρίτη Ρώμη". Από το 2009, σε συνδυασμό με τον Yuri Albert και το Viktor Skeservis εισέρχεται στην ομάδα Cupid.
Έτος γέννησης: 1959
Εργασία: "Επτά πόδια κάτω από την καρίνα". 1988.
Ημερομηνία Πώλησης: 05/31/2006
Τιμή (GBP) 1: 33 600
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 137 000
Τοποθεσία: 37.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 12 455
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων: 3

50. Vladimir Shinkarev
Ο ιδρυτής και ο ιδεολόγος της ομάδας τέχνης του Λένινγκραντ "Mitki", στο οποίο ρωμαϊκό Mitkee, για πρώτη φορά και ακουγόταν αυτόν τον όρο. Ο Ρωμαίος έγραψε από την πλήξη, που εργάζεται στο λεβητοστάσιο.
Έτος γέννησης: 1954
Εργασία: "Lenin Square I". 1999.
Ημερομηνία Πώλησης: 06/30/2008
Τιμή (GBP) 1: 32 450
Γενική κεφαλαιοποίηση (GBP): 33 000
Τοποθεσία: 50.
Το μέσο κόστος της εργασίας (GBP): 16.500
Αριθμός επαναληπτικών πωλήσεων:

Πωλήσεις έναντι εκθέσεων

Η αναγνώριση της αγοράς και η αναγνώριση της επαγγελματικής κοινότητας σε πολλούς φαίνεται να είναι διαφορετικά πράγματα, αλλά η διαίρεση για τους "εμπορικούς" και τους "μη εμπορικούς" καλλιτέχνες είναι πολύ υπό όρους. Έτσι, από τους ρώσους καλλιτέχνες που έχουν εκθέσει τα τελευταία δέκα χρόνια στη βενετσιάνικη Μπιενάλε της σύγχρονης τέχνης (και αυτή είναι η κορυφή μιας επαγγελματικής σταδιοδρομίας), επτά μονάδες (αν θεωρήσετε το προσωπικό, τότε 11 άτομα) έπεσαν στην βαθμολογία μας. Και τους κορυφαίους 10 καλλιτέχνες από τη βαθμολογία ή να εκτίθενται στην Μπιενάλε στη Βενετία νωρίτερα ή είχαν προσωπικές εκθέσεις σε μεγάλα μουσεία. Όσον αφορά τους υπέροχες μάστερ, οι οποίοι δεν εμπίπτουν στην αξιολόγηση, η απουσία τους ή όχι πολύ εξαιρετικές πωλήσεις εξηγούνται απλά και το τρίτα. Οι συλλέκτες είναι συντηρητικοί και ακόμη και στους πιο πρωταγωνιστές δημιουργούς προτιμούν να αγοράζουν πίνακες ζωγραφικής (πίνακες, παρόμοιες με τις εικόνες αντικειμένων ή φωτογραφιών) ή γλυπτικής (ή αντικείμενα παρόμοια με το γλυπτό). Στην κατάταξή μας δεν υπάρχουν εμφανίσεις ρεκόρ ή γιγαντιαίες εγκαταστάσεις (οι εγκαταστάσεις συνήθως αγοράζουν μουσεία, αλλά και η τιμή υπάρχει ένα μουσείο, με έκπτωση). Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο αυτά τα αστέρια δεν πέφτουν στην αξιολόγηση όπως Andrei Monastic, Oleg Kulik, Pavel Peprestein(μέχρι πρόσφατα προγραμματισμό, και τα γραφικά ενός priori είναι φθηνότερα από τη ζωγραφική) ή, για παράδειγμα, Nikolai poliskyΣτο ποια μεγάλες κατασκευές δεν βρήκαν μέχρι στιγμής τους συλλέκτες.

Επιπλέον, η αγορά είναι συντηρητική επίσης επειδή η αναγνώριση έρχεται αργά - σημειώστε ότι στο Top-10, όλοι οι καλλιτέχνες δεν είναι νεότεροι από το 1950. Δηλαδή, οι μελλοντικοί συμμετέχοντες της Μπιενάλε είναι ακόμα μπροστά.