Rönesans sanatının genel özellikleri. sanatın dönemselleştirilmesi

Rönesans sanatı

Rönesans, tiyatro, edebiyat ve müzik de dahil olmak üzere tüm sanatların en parlak dönemidir, ancak kuşkusuz, zamanının ruhunu en iyi şekilde ifade eden aralarındaki ana, güzel sanatlardı.

Rönesans'ın, sanatçıların artık baskın "Bizans" üslubu çerçevesinden memnun olmadıkları ve çalışmaları için model arayışı içinde antik çağa ilk dönenler olduğu gerçeğiyle başladığına dair bir teori olması tesadüf değildir. "Bizans tarzını" ilk terk edenlerden biri ve fresklerde Pietro Cavallini figürlerinin chiaroscuro modellemesini kullanmaya başladı. Ancak ikonlar yerine, resimler ilk önce Proto-Rönesans'ın en büyük ustası Giotto tarafından yaratıldı.

Gerçek insan duygularının ve deneyimlerinin tasviri yoluyla Hıristiyan etik fikirlerini aktarmaya çalışan ilk kişiydi, sembolizmi gerçek mekan ve belirli nesnelerin tasviri ile değiştirdi. Padua'daki Arena Şapeli'ndeki Giotto'nun ünlü fresklerinde, azizlerin yanında çok sıra dışı karakterler görebilirsiniz: çobanlar veya bir iplikçi. Giotto'daki her bir kişi oldukça kesin deneyimleri, belirli bir karakteri ifade eder.

İtalya'da Ducento (XIII yüzyıl) döneminde, yerine edebi dil Orta Çağ - Latince - yavaş yavaş oluştu yerel- İtalyan. O zamanın en büyük yazarı Dante Alighieri (1256-1321) yaratılışına büyük katkı sağlamıştır. Erken çalışmalarında, Yeni hayat" yazılmış İtalyan Dante, Beatrice'in henüz çok çocukken ilk tanışmalarından 18 yaşındayken sevgilisinin ölümüne kadar olan aşkını anlatıyor.

Şairin sevgisiyle yüceltilen basit bir kasaba kadını imajını tüm hayatı boyunca taşır. Ve tam olarak Rönesans ruhu içinde, onun “ ilahi komedi”, içinde Beatrice'i bir vagonun tepesinde otururken, Araf'ın kapılarındaki Kilise'yi simgeliyor.

Sanatta erken Rönesans döneminde, eski sanatsal mirasın gelişimi gerçekleşir, yeni etik idealler oluşur, sanatçılar bilimin başarılarına (matematik, geometri, optik, anatomi) yönelir. Floransa, erken Rönesans sanatının ideolojik ve üslup ilkelerini şekillendirmede öncü bir rol oynar. Donatello ve Verrocchio gibi ustaların yarattığı görüntülere kahramanlık ve vatanseverlik ilkeleri hakimdir (Donatello'dan “Aziz George” ve “David” ve Verrocchio'dan “David”).

Rönesans resminin kurucusu Masaccio'dur (Brancacci Şapeli'nin duvar resimleri, "Trinity"), Masaccio uzayın derinliğini aktarmayı başardı, figür ve manzarayı tek bir kompozisyon fikriyle birleştirdi ve bireylere portre ifadesi verdi. Ama oluşum ve evrim pitoresk portre Rönesans kültürünün insana olan ilgisini yansıtan , Umrbi okulunun sanatçılarının isimleriyle ilişkilidir: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Sanatçı Sandro Botticelli'nin eseri, Rönesans'ın başlarında ayrı bir yere sahiptir. Yarattığı imgeler ruhsallaştırılmış ve şiirseldir. Araştırmacılar, sanatçının eserlerindeki soyutlama ve rafine entelektüelliğe, karmaşık ve şifreli içeriğe sahip mitolojik kompozisyonlar yaratma arzusuna ("Bahar", "Venüs'ün Doğuşu") dikkat çekiyor.

Botticelli'nin biyografilerinden biri, Madonnas ve Venüslerinin kayıp izlenimi verdiğini ve bize silinmez bir hüzün duygusu verdiğini söyledi ... Bazıları gökyüzünü, diğerleri - dünyayı kaybetti.

İtalyan Rönesansının ideolojik ve sanatsal ilkelerinin gelişimindeki doruk noktası Yüksek Rönesans'tır. Yüksek Rönesans sanatının kurucusu, büyük bir sanatçı ve bilim adamı olan Leonardo da Vinci'dir.

Bir dizi başyapıt yarattı: "Mona Lisa" ("Gioconda"), "Madonna Benois" ve "Madonna Litta", "Ermineli Bayan". Leonardo, çalışmalarında Rönesans insanının ruhunu ifade etmeye çalıştı. Doğada mükemmel sanat biçimlerinin kaynaklarını arıyordu, ancak N. Berdyaev onu yaklaşan mekanizasyon ve mekanizasyon sürecinden sorumlu görüyor. insan hayatı insanı doğadan ayıran şey.

Raphael'in eserlerinde resim klasik uyuma ulaşır. Sanatı, Madonnas'ın (Madonna Conestabile) erken dönem soğuk Umbrian görüntülerinden Floransa ve Roma eserlerinin "mutlu Hıristiyanlık" dünyasına doğru evrilir. "Bir Saka Kuşu ile Madonna" ve "Koltuktaki Madonna", insanlıklarında yumuşak, insancıl ve hatta sıradandır.

Ancak "Sistine Madonna" nın görüntüsü, göksel ve dünyevi dünyaları sembolik olarak birbirine bağlayan görkemli. Hepsinden önemlisi, Raphael, Madonnas'ın nazik görüntülerinin yaratıcısı olarak bilinir. Ancak resimde aynı zamanda Rönesans idealini de somutlaştırdı. evrensel adam(Castiglione'nin portresi) ve tarihi olayların draması.

Michelangelo, sanatında güzel bir fizikselliği, ortaçağ Hıristiyan kültüründen miras kalan derin bir imge maneviyatı ile birleştiren bir ustadır. zaten erken iş Michelangelo, trajik dünya görüşünü (“Çarmıha Gerilme”), görüntülerin ve teknik virtüözlüğün en ince psikolojisini (“Aziz Petrus Katedrali'nden Mesih'in Ağıtı”) gösterdi. Michelangelo'yu ve onun insanlık tarihi kavramını yaratır (Sistine Şapeli'nin tavanını boyamak).

Yüksek Rönesans döneminde özel bir yer, yaşamdan zevk almanın ve doğa sevgisinin hümanist idealle (Giorgione, Titian'ın yaratıcılığı) birleştirildiği Venedik okulu tarafından işgal edilmiştir. Geç Rönesans ve Maniyerizm, Rönesans hümanist ideallerinin krizini yansıtır.

Bu dönemde, Michelangelo'nun çalışmaları, dünya görüşünün büyüyen trajedisini yansıtıyor (Medici şapelinin görüntüleri, özellikle "Gece", "Son Yargı" ve Paolina şapelinin freskleri). Yüksek Rönesans geleneklerini sürdüren sanatçılar arasında, süsleme ve ihtişam (Veronese) için özlem büyüyor, öznelcilik ve maneviyat büyüyor.

Maniyeristler için görüntü, Rönesans sanatçılarında olduğu gibi doğa incelemesi temelinde değil, onların içsel hissi üzerine kuruludur. Maniyerizm, mistisizmi ve saray kültürünün ideallerini tuhaf bir şekilde iç içe geçirir, alegoriler ve sanatsal plastisite ile doludur. Maniyerizmde Rönesans geleneğinin (Correggio, Amanti, vb.)

İtalya'da Rönesans sanatının kriziyle eş zamanlı olarak, Hollanda ve Almanya'da gelişti.

Jan van Eyck - ilk gözeneğin merkezi figürü Kuzey Rönesansı. Bu sanatın temel özelliklerinden biri çalışmalarına yansıdı: Geç Gotik sanatıyla yakın bir bağlantı. Van Eyck kardeşler tarafından yapılan Ghent sunağı, figüratif yapısında katı bir dini duyguyu, dünyevi güzelliğin neşeli ve şiirsel bir algısıyla, ideal görüntüleri portrelerle birleştiriyor. gerçek insanlar, basit insan duygularıyla karmaşık sembolizm. Jan van Eyck'in portrelerinde, psikolojik olarak güvenilir ve doğal olarak doğru görüntülerde manevi dolgunluk ve dindarlığa vurgu yapılır.

Hieronymus Bosch'un çalışmalarında karmaşık sembolizm, fantezi ve grotesk ortaya çıkıyor. Tarzı o dönem için o kadar sıra dışı görünüyor ki birçok modern sanat tarihçisi Bosch'u sürrealizmin öncüsü olarak görüyor.

Kuzey Rönesans sanatının gelişimi, Almanya'da laik türlerin temellerini atan Albrecht Dürer'in adıyla ilişkilidir - portre, manzara, günlük türler. Kuzey Rönesansının bir başka çarpıcı özelliği de çalışmalarında kendini gösteriyor: Bir insanı kusurlu ve ideal, ancak güvenilir olarak gösterme arzusu.

Kuzey Rönesans sanatından bahsetmişken, elbette, Holbein portrelerine ve Brueghel'in çalışmalarına dikkat edilmelidir.

Özetle, İtalya'daki Rönesans ve Kuzey Avrupa'daki Reform'un N. Berdyaev'in yaptığı gibi aşamalar olarak kabul edilebileceği belirtilmelidir. Geçiş dönemi Bu, bir tür uygarlığın (kozmojenik, geleneksel) tarihsel ölçeğinde sonunu ve yeni, teknojenik bir uygarlığın başlangıcını işaret ediyordu.

İtalyan Rönesansı, Kuzey Rönesansı ve Reformun kaynağıydı. Reform, Rönesans fikirlerini tuhaf bir şekilde destekledi ve geliştirdi. İtalyan Rönesansı yeni bir kentsel burjuva kültürünün başlangıcıysa, Reform, Protestanlığı yaratarak Avrupa'da kapitalizmin dinamik gelişimini sağladı.

1. Yüksek Rönesans.
2. Leonardo da Vinci, Titian, Raphael, Michelangelo'nun Yaratıcılığı.
3. Kuzey Rönesansı: Hollanda ve Almanya Sanatı.

Yüksek Rönesans

Yüksek Rönesans sanatı, 15. yüzyılın sonlarına ve 16. yüzyılın ilk otuz yılına denk gelir. İtalyan sanatının "altın çağı" kronolojik olarak çok kısaydı ve yalnızca Venedik'te yüzyılın ortalarına kadar daha uzun sürdü. Ancak bu sırada Rönesans titanlarının harika kreasyonları yaratıldı.

Kültürün en yüksek yükselişi en zor zamanlarda gerçekleşti. tarihsel dönemİtalyan devletlerinin keskin bir ekonomik ve siyasi zayıflaması karşısında İtalya'nın hayatı. Doğudaki Türk fetihleri, Amerika'nın keşfi ve Hindistan'a giden yeni bir deniz yolu, İtalyan şehirlerini en önemli rolünden mahrum bırakıyor. alışveriş merkezleri; ayrılık ve sürekli iç çekişme, onları büyüyen merkezi kuzeybatı eyaletleri için kolay bir av haline getiriyor. Sermayenin ülke içinde ticaret ve sanayiden tarıma hareketi ve burjuvazinin tedrici bir toprak sahipleri sınıfına dönüşmesi, feodal gericiliğin yayılmasına katkıda bulundu. 1494'te Fransız birliklerinin işgali, 16. yüzyılın ilk on yıllarının yıkıcı savaşları, Roma'nın yenilgisi İtalya'yı aşırı derecede zayıflattı. Bu sırada, yabancı işgalciler tarafından tamamen köleleştirilme tehdidinin ülkeyi sardığı, ulusal bağımsızlık, cumhuriyetçi bir hükümet biçimi için mücadeleye giren halk güçlerinin ortaya çıktığı ve ulusal özbilinçlerinin ortaya çıktığı zamandı. büyüyordu. Bu, birçok ülkede 16. yüzyılın başlarındaki popüler hareketlerle kanıtlanmıştır. İtalyan şehirleri ve özellikle cumhuriyet yönetiminin iki kez kurulduğu Floransa'da: 1494'ten 1512'ye ve 1527'den 1530'a. Büyük bir sosyal yükseliş, Yüksek Rönesans'ın güçlü kültürünün gelişmesinin temeli olarak hizmet etti. 16. yüzyılın ilk on yıllarının zor koşullarında, yeni tarzın kültür ve sanat ilkeleri oluşturuldu.
Yüksek Rönesans kültürünün ayırt edici bir özelliği, yaratıcılarının sosyal ufuklarının olağanüstü genişlemesi, dünya ve uzay hakkındaki fikirlerinin ölçeğiydi. Bir kişinin görünümü ve dünyaya karşı tutumu değişiyor. Sanatçının türü, dünya görüşü, toplumdaki konumu, hala büyük ölçüde zanaatkar sınıfıyla ilişkili olan 15. yüzyılın ustalarının işgalinden kesinlikle farklıdır. Yüksek Rönesans sanatçıları, yalnızca büyük kültürün insanları değil, aynı zamanda lonca temellerinin çerçevesinden bağımsız, yönetici sınıfların temsilcilerini planlarını hesaba katmaya zorlayan yaratıcı kişiliklerdir.
Sanatlarının merkezinde, sanatsal dilde genelleştirilmiş imge ideal olarak yer alır. güzel insan, fiziksel ve ruhsal olarak mükemmel, gerçeklikten soyutlanmış değil, hayatla dolu, manevi güç ve önem, kendini olumlamanın devasa gücü. Papalık Roma ve aristokrat Venedik, 16. yüzyılın başlarında Floransa ile birlikte yeni sanatın en önemli merkezleri haline geldi. 1530'lardan bu yana, Orta İtalya'da feodal Katolik tepkisi büyüyor ve onunla birlikte, Maniyerizm adı verilen sanatta çökmekte olan bir eğilim yayıldı. Ve zaten 16. yüzyılın ikinci yarısında, Davranışçılık karşıtı sanat eğilimleri ortaya çıktı.
Rönesans kültürünün sadece bireysel merkezlerinin rollerini koruduğu bu geç dönemde, sanatsal değer açısından en önemli eserleri üretenler onlardır. Bunlar Michelangelo, Palladio ve büyük Venediklilerin geç dönem eserleridir.

Leonardo da Vinci'nin eseri

Yüksek Rönesans sanatındaki belirli eğilimler, 15. yüzyılın seçkin sanatçılarının çalışmalarında bekleniyordu ve görkem, anıtsallaştırma ve görüntünün genelleştirilmesi arzusunda ifade edildi. Bununla birlikte, Yüksek Rönesans tarzının gerçek kurucusu, çalışmaları sanatta görkemli bir niteliksel değişime işaret eden bir dahi olan Leonardo da Vinci'ydi. Bilimsel ve sanatsal kapsamlı etkinliğinin önemi, ancak Leonardo'nun dağınık el yazmaları incelendiğinde ortaya çıktı. Notları ve çizimleri, bilim ve teknolojinin çeşitli alanlarında parlak içgörüler içeriyor. Engels'in sözleriyle, "sadece büyük bir ressam değil, aynı zamanda büyük bir matematikçi, makinist ve mühendisti. önemli keşifler fiziğin çeşitli dalları.

Leonardo için sanat, dünyayı anlamanın bir yoluydu. Eskizlerinin çoğu illüstrasyon işlevi görüyor bilimsel çalışma ve aynı zamanda yüksek bir sanat eseridir. Leonardo, yeni bir sanatçı türünü somutlaştırdı - bir bilim adamı, bir düşünür, görüşlerin genişliğinde çarpıcı, yeteneğin çok yönlülüğü.
Leonardo, Vinci kasabası yakınlarındaki Anchiano köyünde doğdu. Bir noter ile basit bir köylü kadının gayri meşru oğluydu. Floransa'da heykeltıraş ve ressam Andrea Verrocchio'nun atölyesinde okudu. Leonardo'nun ilk eserlerinden biri - Verrocchio'nun Vaftizindeki (Floransa, Uffizi) bir melek figürü - ince maneviyatla donmuş karakterler arasında öne çıkıyor ve yaratıcısının olgunluğuna tanıklık ediyor.
Leonardo'nun ilk eserleri arasında, 15. yüzyılın sayısız Madonna'sından kesinlikle farklı olan Hermitage'da tutulan bir Çiçekli Madonna (1478 dolaylarında Benois Madonna olarak adlandırılır). Erken Rönesans ustalarının eserlerinde var olan türü ve titiz detayları reddeden Leonardo, özellikleri derinleştirir ve formları genelleştirir. Yan ışıkla ince bir şekilde modellenmiş genç bir anne ve bebek figürleri, resmin neredeyse tüm alanını dolduruyor. Doğal ve plastik, birbirine organik olarak bağlı figürlerin hareketleridir. Duvarın karanlık arka planında açıkça göze çarpıyorlar. Pencereden açılan masmavi gökyüzü, figürleri doğayla, insanın egemen olduğu uçsuz bucaksız dünyayla birleştirir. Kompozisyonun dengeli yapısında içsel bir desen hissedilir. Ancak hayatta gözlemlenen sıcaklığı, saf çekiciliği dışlamaz.
1480'de Leonardo'nun zaten kendi atölyesi vardı ve siparişler aldı. Bununla birlikte, bilime olan tutkusu, onu genellikle sanattan uzaklaştırdı. Büyük sunak kompozisyonu "Magi'nin Hayranlığı" (Floransa, Uffizi) ve "Aziz Jerome" (Roma, Vatikan Pinakothek) bitmemiş kaldı. İlkinde sanatçı, sunak görüntüsünün karmaşık anıtsal kompozisyonunu, insan duygularının derinliğini iletmek için piramit şeklindeki, kolayca görülebilen bir gruba dönüştürmeye çalıştı. İkincisinde - karmaşık açıların doğru bir görüntüsüne insan vücudu, uzay manzara.
Lorenzo Medici mahkemesinde yeteneğinin mükemmel bir sofistike kültüyle uygun bir değerlendirmesini bulamayan Leonardo, Milano Dükü Lodovico Moro'nun hizmetine girdi. Leonardo'nun yaratıcılığının Milano dönemi (1482-1499) en verimli olduğu ortaya çıktı. Burada bir bilim adamı, mucit ve sanatçı olarak yeteneğinin çok yönlülüğü tüm gücüyle ortaya çıktı.
Kariyerine, Dük Lodovico Moro Francesco Sforza'nın babasının atlı bir heykeli olan heykelsi bir anıtın uygulanmasıyla başladı. Çağdaşlar tarafından oybirliğiyle övülen anıtın büyük bir modeli, Milano'nun 1499'da Fransızlar tarafından ele geçirilmesi sırasında öldü. Sadece çizimler hayatta kaldı - anıtın çeşitli versiyonlarının eskizleri, bir atın dinamikleriyle dolu bir yetiştirme görüntüleri, daha sonra Donatello ve Verrocchio'nun kompozisyon çözümlerini anımsatan ciddiyetle çıkıntılı bir at. Görünüşe göre, bu son seçenek heykelin bir modeline çevrildi. Çağdaşlara ve Leonardo'nun kendisine anıtı "büyük colossus" olarak adlandırmak için bir neden veren Gattamelata ve Colleoni anıtlarının boyutunu önemli ölçüde aştı. Bu çalışma, Leonardo'yu o zamanın en büyük heykeltıraşlarından biri olarak görmemizi sağlıyor.
Leonardo'nun uyguladığı tek bir mimari proje bize ulaşmadı. Yine de çizimleri ve bina tasarımları, ideal bir şehir yaratma fikirleri, onun seçkin bir mimar olarak yeteneğinden bahseder.
Milano dönemi şunları içerir: resimler olgun stil - "Grotto'daki Madonna" ve "Son Akşam Yemeği". "Grotto'daki Madonna" (1483-1494, Paris, Louvre) - Yüksek Rönesans'ın ilk anıtsal sunak kompozisyonu. Karakterleri Meryem, Yuhanna, İsa ve melek, ihtişam, şiirsel maneviyat ve yaşam ifadesinin dolgunluğunun özelliklerini kazandı. Düşünceli olma ve eylem ruh hali ile birleşmiş - bebek İsa Yuhanna'yı kutsar - sanki hafif bir pus tarafından yelpazelenmiş bir ışık perdesi gibi uyumlu bir piramidal grup halinde, müjde efsanesinin karakterleri somutlaşmış gibi görünüyor ideal görüntüler huzurlu mutluluk.

Leonardo'nun 1495-1497'de Milano'daki Santa Maria della Grazie manastırı için yaptığı anıtsal tabloların en önemlisi Son Akşam Yemeği, gerçek tutkular ve dramatik duygular dünyasına aktarılıyor. Müjde bölümünün geleneksel yorumundan yola çıkan Leonardo, temaya yenilikçi bir çözüm getiriyor, derinlemesine ortaya çıkaran bir kompozisyon. insan duyguları ve deneyimler. Yemekhane ortamının tasvirini en aza indirerek, masanın boyutunu kasıtlı olarak küçülterek ve öne çıkararak, olayın dramatik doruk noktasına, farklı mizaçtaki insanların zıt özelliklerine, karmaşık bir duygu yelpazesinin tezahürüne odaklanır. , hem yüz ifadeleriyle hem de havarilerin Mesih'in sözlerine yanıt verdikleri jestlerle ifade edildi: "Biriniz bana ihanet edecek." Havarilerle kesin bir karşıtlık, kompozisyonun merkezinde yer alan, görünüşte sakin, ama ne yazık ki dalgın olan Mesih'in ve kaba, yırtıcı profili gölgeye dalmış olan, masanın kenarına yaslanmış hain Yahuda'nın görüntüleridir. Cüzdanı kıvranarak tutan bir elin hareketiyle vurgulanan kafa karışıklığı ve kasvetli bir görünüm, onu, aydınlık yüzlerinde bir şaşkınlık, şefkat, öfke ifadesi okunabilen diğer havarilerden ayırır. Leonardo, erken Rönesans ustalarının yaptığı gibi, Yahuda figürünü diğer havarilerden ayırmaz. Yine de Judas'ın tiksindirici görünümü, ihanet fikrini daha keskin ve daha derinden ortaya koyuyor. Mesih'in on iki öğrencisi, öğretmenin her iki yanında üçlü gruplar halinde bulunur. Bazıları heyecanla koltuklarından fırlayıp İsa'ya dönüyorlar. Sanatçı, havarilerin çeşitli iç hareketlerini katı bir düzene tabi kılar. Fresk bileşimi, birliği, bütünlüğü ile etkileyicidir, kesinlikle dengelidir, yapımda merkezlidir. Görüntülerin anıtsallaştırılması, resmin ölçeği, yemekhanenin tüm geniş alanını boyun eğdirerek görüntünün derin öneminin izlenimine katkıda bulunur. Leonardo, resim ve mimarinin sentezi sorununu ustaca çözüyor. Masayı freskle süslenmiş duvara paralel yerleştirdikten sonra düzlemini doğrular. Freskte tasvir edilen yan duvarların perspektif indirgemesi, yemekhanenin gerçek alanını adeta devam ettiriyor.
Fresk ağır hasar görmüş. Leonardo'nun yeni malzemelerle yaptığı deneyler zamanın testine dayanamadı, daha sonraki kayıtlar ve restorasyonlar orijinali neredeyse sakladı, ancak 1954'te temizlendi. Ancak hayatta kalan gravürler ve hazırlık çizimleri, kompozisyonun tüm ayrıntılarını doldurmayı mümkün kılıyor.
Milano'nun Fransız birlikleri tarafından ele geçirilmesinden sonra, Leonardo şehri terk etti. Gezici yıllar başladı. Floransa Cumhuriyeti'nin emriyle, Palazzo Vecchio'daki (şehir hükümet binası) Konsey Salonunun duvarlarından birini süslemesi gereken fresk "Anghiari Savaşı" için karton yaptı. Bu kartonu yaratırken Leonardo, aynı odadaki başka bir duvar için bir fresk "Kaşin Savaşı" emrini yerine getiren genç Michelangelo ile rekabete girdi. Ancak çağdaşları tarafından evrensel olarak tanınan bu kartonlar günümüze ulaşamamıştır. Sadece eski kopyalar ve gravürler, Yüksek Rönesans dehalarının savaş resmi alanındaki yeniliklerini yargılamamıza izin veriyor.
Leonardo'nun kompozisyonunun drama ve dinamikleriyle dolu, afiş için savaş bölümü, savaşçıların güçlerinin en yüksek gerilimi anı verilir, savaşın acımasız gerçeği ortaya çıkar. Dünya resminin en ünlü eserlerinden biri olan Mona Lisa'nın (La Gioconda, yaklaşık 1504, Paris, Louvre) portresinin oluşturulması da aynı döneme aittir. Oluşturulan görüntünün derinliği ve önemi, bireyin özelliklerinin büyük bir genelleme ile birleştirildiği olağanüstüdür. Leonardo'nun yeniliği, Rönesans portresinin gelişmesinde de kendini gösterdi.
Plastik olarak işlenmiş, silueti kapalı, genç bir kadının görkemli figürü, aralarında kayaların ve su kanallarının dolandığı mavimsi bir pusla örtülmüş uzak bir manzaraya hükmediyor. Karmaşık yarı fantastik manzara, tasvir edilen kişinin karakteri ve zekasıyla incelikle uyum sağlar. Görünüşe göre, yaşamın istikrarsız değişkenliği, zar zor algılanabilen bir gülümsemeyle canlanan yüzünün ifadesinde, sakince kendinden emin, delici görünümünde hissediliyor. Asilzadenin yüzü ve bakımlı elleri inanılmaz bir özen ve yumuşaklıkla boyanmıştır. En ince, eriyormuş gibi, chiaroscuro'nun (sözde sfumato) sisi, figürü sarar, konturları ve gölgeleri yumuşatır; resimde tek bir keskin vuruş veya açısal kontur yok.
Leonardo, yaşamının son yıllarında zamanının çoğunu bilimsel araştırmalara adadı. Fransa Kralı I. Francis'in daveti üzerine geldiği ve sadece iki yıl yaşadığı Fransa'da öldü.
Onun sanatı, bilimsel ve teorik çalışmalar, onun kişiliğinin dünya kültürünün gelişimi üzerinde büyük etkisi oldu. El yazmaları, Leonardo'nun dehasının evrenselliğine tanıklık eden sayısız not ve çizim içerir. İşte dikkatle izlenen çiçekler ve ağaçlar, bilinmeyen silahların, makinelerin ve cihazların eskizleri. Analitik olarak doğru görüntülerin yanı sıra, olağanüstü kapsamları, epik veya ince lirizmleri ile ayırt edilen çizimler vardır. Deneysel bilginin tutkulu bir hayranı olan Leonardo, genelleştirici yasaları araştırmak için eleştirel yansıması için çabaladı. Sanatçı, “Deneyim bilginin tek kaynağıdır” dedi. "Resim Kitabı", resmi "hem bir bilim hem de doğanın meşru kızı" olarak gören gerçekçi bir sanat teorisyeni olarak görüşlerini ortaya koyuyor. İnceleme, Leonardo'nun anatomi, perspektif, uyumlu bir insan figürünün yapımında desenler aradığı, renklerin etkileşimi, refleksler hakkında yazdığı ifadeleri içeriyor. Ancak Leonardo'nun takipçileri ve öğrencileri arasında hocaya yetenek açısından yaklaşan bir tane bile yoktu; bağımsız bir sanat görüşünden yoksun bırakılmışlar, onun sanatsal tarzını yalnızca dışsal olarak özümsemişlerdir.

Tiziano Vecellio'nun resimleri ve biyografisi

Titian Urbino Venüsü, 1538 Uffizi Galerisi, Floransa Venüs ve Adonis, 1550'ler Getty Müzesi, Los Angeles.

laik aşk (Dünyanın kibri) 1515	Eldiveni yırtılmış gençlik, 1515-1520	bitki örtüsü 1515	Francesco della Rovere 1538	Genç bir kadının portresi, 1536

dünyevi ve göksel aşk, 1515

Pietro Aretino'nun portresi 1545	Charles V'nin Portresi 1548	Danae 1554	Sisifos 1549	Bir ayna ile Venüs 1555

Meryem'in Göğe Kabulü, (Assunta), 1518	Tarquinius ve Lucretia 1568-1571	Tabuttaki pozisyon 1524-1526	Aziz Sebastian 1570	İsa için ağıt 1576

Pesaro ailesinden Madonna, 1519-1526	Bacchus ve Ariadne 1522	Tapınağa giriş 1534-1538	, 1546	zamanın alegorisi 1565

Titian (aslında Tiziano Vecellio, Tiziano Veccellio) (1488/1490 - 1576 dolaylarında), Yüksek ve Geç Rönesans'ın İtalyan ressamı. Atölyesinde Giorgione ile yakınlaştığı Giovanni Bellini ile Venedik'te çalıştı; Venedik'te olduğu kadar Padua, Ferrara, Mantua, Urbino, Roma ve Augsburg'da da çalıştı. Venedik'in sanat çevreleriyle yakından ilişkili (Giorgione, mimar Jacopo Sansovino, yazar Pietro Aretino), Venedik resim okulunun seçkin bir ustası olan Titian, eserinde Rönesans'ın hümanist ideallerini somutlaştırdı. Hayatı olumlayan sanatı, çok yönlülüğü, gerçekliği kapsamının genişliği ve dönemin derin dramatik çatışmalarının ifşası ile ayırt edilir. Manzaraya, şiire, lirik tefekküre, ince renklendirmeye olan ilgi, Titian'ın ilk eserlerini (“Çingene Madonna” olarak adlandırılan, Sanat Tarihi Müzesi, Viyana; “Mesih ve Günahkar”, Sanat Galerisi, Glasgow) Giorgione'nin çalışmasıyla; sanatçı, Raphael ve Michelangelo'nun eserleriyle tanıştıktan sonra, 1510'ların ortalarında bağımsız bir stil geliştirmeye başladı. Resimlerinin sakin ve neşeli görüntüleri bu dönemde yaşamın doluluğu, duyguların parlaklığı, içsel aydınlanma ile işaretlendi, ana renk derin, saf renklerin uyumu üzerine inşa edildi (“Dünyevi ve cennetsel aşk”, yaklaşık 1514). -1516, Borghese Galerisi, Roma; “Flora”, yaklaşık 1515, Uffizi; “Denarius of Caesar”, 1518, Sanat Galerisi, Dresden). Ardından Titian, kompozisyonda katı ve sakin ve ustaca psikolojik olan birkaç portre çizdi (“Eldivenli Genç Adam”, Louvre, Paris; “Bir Adamın Portresi”, Ulusal Galeri, Londra). Titian'ın çalışmalarının yeni dönemi (1510'ların sonu - 1530'ların sonu), bu çağda İtalya'daki hümanizmin ve kentsel özgürlüklerin ana kalelerinden biri haline gelen Venedik'in sosyal ve kültürel yükselişiyle ilişkilidir. Şu anda, Titian, kompozisyonuna hareket, İncil ve İncil üzerine resimlerle nüfuz eden görkemli pathos (“Meryem'in Göğe Kabulü”, yaklaşık 1516-1518, Santa Maria Gloriosa dei Frari kilisesi, Venedik) ile dolu anıtsal sunaklar yarattı. Urbino Venüsü, 1538 Uffizi Galerisi, Floransa Venüs ve Adonis, 1550'ler Getty Müzesi, Los Angeles.

laik aşk (Dünyanın kibri) 1515	Eldiveni yırtılmış gençlik, 1515-1520	bitki örtüsü 1515	Francesco della Rovere 1538	Genç bir kadının portresi, 1536

Titian, çalışmasının son döneminde hem resim yeteneğinde hem de dini ve mitolojik temaların duygusal ve psikolojik yorumunda zirveye ulaştı. İnsan vücudunun yaşamı onaylayan güzelliği, çevreleyen dünyanın doluluğu, sanatçının eserlerinin ana motifi haline geldi ve antik mitolojiden (“Danae”, yaklaşık 1554, Prado, Madrid ve Hermitage, St. Petersburg; “ Aynanın önünde Venüs”, 1550'ler, Ulusal Sanat Galerisi, Washington; "Diana ve Actaeon", 1556 ve "Diana ve Callisto", 1556-1559, Her iki resim de Edinburgh'daki İskoçya Ulusal Galerisi'nde).

dünyevi ve göksel aşk, 1515

Pietro Aretino'nun portresi 1545	Charles V'nin Portresi 1548	Danae 1554	Sisifos 1549	Bir ayna ile Venüs 1555

Meryem'in Göğe Kabulü, (Assunta), 1518	Tarquinius ve Lucretia 1568-1571	Tabuttaki pozisyon 1524-1526	Aziz Sebastian 1570	İsa için ağıt 1576

Pesaro ailesinden Madonna, 1519-1526	Bacchus ve Ariadne 1522	Tapınağa giriş 1534-1538	Farnese Torunları ile Papa Paul III, 1546	zamanın alegorisi 1565

Rafael Santi'nin işi

Raphael Santi (1483-1520), Rönesans hümanizminin en parlak ve en yüksek idealleri fikrini, çalışmalarında en büyük eksiksizlikle en iyi şekilde somutlaştırdı. Kısa, son derece hareketli bir hayat yaşayan Leonardo'nun daha genç bir çağdaşı olan Raphael, öncüllerinin başarılarını sentezledi ve görkemli mimari veya manzara ile çevrili güzel, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir insan idealini yarattı. Raphael, ilk öğretmeni olan bir ressamın oğlu olarak Urbino'da doğdu. Daha sonra Timoteo della Viti ve Perugino ile çalıştı ve Perugino'nun stilinde mükemmellik konusunda ustalaştı. Rafael, Perugino'dan, olgun kompozisyonlarının karakteristiği haline gelen o çizgilerin düzgünlüğünü, uzayda bir figür yerleştirme özgürlüğünü aldı. On yedi yaşında bir genç olarak, uyum ve ruhsal netlik dolu bir dizi görüntü yaratarak gerçek yaratıcı olgunluğu keşfeder.

Hassas lirizm ve ince maneviyat, ilk eserlerinden birini ayırt eder - "Madonna Conestabile" (1502, St. Petersburg, Hermitage), şeffaf bir Umbria manzarasının fonunda tasvir edilen genç bir annenin aydınlanmış bir görüntüsü. Figürleri uzayda özgürce düzenleme, birbirleriyle ve çevreyle bağlantı kurma yeteneği, “Meryem'in Nişanı” (1504, Milano, Brera Galerisi) kompozisyonunda da kendini gösterir. Peyzajın yapımındaki ferahlık, mimari formların uyumu, kompozisyonun tüm parçalarının dengesi ve bütünlüğü, Yüksek Rönesans ustası olarak Raphael'in oluşumuna tanıklık eder.
Floransa'ya gelişiyle Raphael, belirgin plastik başlangıcı ve geniş gerçeklik kapsamı ile Floransa okulunun sanatçılarının en önemli başarılarını kolayca özümser. Sanatının içeriği, ışığın lirik teması olmaya devam ediyor. anne sevgisiözel bir önem atfetmektedir. Yeşildeki Madonna (1505, Viyana, Sanat Tarihi Müzesi), Saka Kuşu Madonna (Floransa, Uffizi), Güzel Bahçıvan (1507, Paris, Louvre) gibi eserlerde daha olgun bir ifade alır. Özünde, hepsi, daha önce Leonardo tarafından bulunan kompozisyon tekniklerinin ruhuyla, güzel bir kırsal manzara fonunda piramit şeklinde gruplar oluşturan Meryem, bebek İsa ve Vaftizci figürlerinden oluşan aynı tür kompozisyonu değiştirir. Hareketlerin doğallığı, formların yumuşak plastisitesi, melodik çizgilerin düzgünlüğü, ideal Madonna tipinin güzelliği, manzara arka planlarının netliği ve saflığı, bunların figüratif yapısının yüce şiirinin ortaya çıkmasına katkıda bulunur. kompozisyonlar.
1508'de Raphael, başkentinin sanatsal hazinelerini artırmaya ve o zamanın en yetenekli kültürel figürlerini hizmetine çekmeye çalışan otoriter, hırslı ve enerjik bir adam olan Papa II. Julius'un mahkemesinde Roma'da çalışmaya davet edildi. 16. yüzyılın başında Roma, ülkenin ulusal birleşmesi için umutlar esinledi. Ulusal bir düzenin idealleri, sanatta ileri özlemlerin somutlaşması için yaratıcı bir yükseliş için zemin yarattı. Burada, antik çağın mirasına çok yakın bir yerde, Raphael'in yeteneği gelişip olgunlaşarak yeni bir kapsam ve sakin ihtişamın özelliklerini kazanır.
Raphael, Vatikan Sarayı'nın ön odalarını (sözde kıtalar) boyamak için bir emir alır. 1509'dan 1517'ye kadar aralıklı olarak devam eden bu çalışma, Raphael'i İtalyan anıtsal sanatının en büyük ustaları arasına sokarak, mimari ve Rönesans resminin sentezi sorununu güvenle çözmüştür. Bir duvar ressamı ve dekoratör olan Raphael'in hediyesi, Stanzi della Senyatura'yı (baskı odası) boyarken tüm ihtişamıyla kendini gösterdi. Yelkenli tonozlarla kaplı bu odanın uzun duvarlarında, "İtiraz" ve "Atina Okulu" kompozisyonları, dar duvarlara - "Parnassus" ve "Bilgelik, Ilımlılık ve Güç", dört alanı kişileştiren yerleştirilir. insanın manevi etkinliği: teoloji, felsefe, şiir ve hukuk . Dört bölüme ayrılan tonoz, duvar resimleri ile tek bir dekoratif sistem oluşturan alegorik figürlerle süslenmiştir. Böylece odanın tüm alanı resimle dolmuş oldu.

Adem ve Havva 1510	Atina okulu 1509	Galatea'nın Zaferi 1511	Anlaşmazlık 1510	Peygamber Yeşaya 1512

Resimleri duvar resimlerinde birleştirme Hristiyanlık dini ve pagan mitolojisi, o zamanın hümanistleri arasında, Hıristiyan dininin eski kültürle uzlaştırılması ve laik ilkenin kiliseye karşı koşulsuz zaferi fikirlerinin yayılmasına tanıklık etti. Anlaşmazlığa katılanlar arasında kilise liderlerinin imajına adanmış "Anlaşmazlık" da (kilise babalarının kutsallık hakkındaki anlaşmazlığı) bile, İtalya'nın şairlerini ve sanatçılarını tanıyabilir - Dante, Fra Beato Angelico ve diğer ressamlar ve yazarlar. kutlama hakkında hümanist fikirler Rönesans sanatında, “Atina Okulu” kompozisyonu, antik çağla olan bağlantısından bahseder, güzel ve güçlü bir adamın zihnini, eski bilim ve felsefeyi yüceltir. Resim, daha parlak bir gelecek hayalinin somutlaşmışı olarak algılanıyor. Görkemli kemerli açıklıkların enfiladının derinliklerinden, merkezinde görkemli gri sakallı Platon ve kendinden emin, ilham almış Aristoteles'in bulunduğu bir grup eski düşünür ortaya çıkıyor, kurucuları bir el hareketi ile yere işaret ediyor. idealist ve materyalist felsefe. Aşağıda, merdivenlerde solda, Pisagor, öğrencileriyle çevrili kitabın üzerine eğildi, sağda - Öklid ve burada, en kenarda, Raphael kendini ressam Sodoma'nın yanında tasvir etti. Bu nazik, çekici bir yüze sahip genç bir adam. Fresklerin tüm karakterleri, yüksek ruhsal yükselme havasında birleşiyor, derin Düşünce. Bütünlük ve uyum içinde ayrılmaz olan, her karakterin tam olarak yerini aldığı ve mimarinin kendisinin, katı düzenliliği ve görkemiyle, yaratıcı düşüncede yüksek bir yükseliş atmosferini yeniden yaratmaya yardımcı olduğu gruplar oluştururlar.
Stanza d'Eliodoro'daki fresk "Eliodor'un Sınırdışı Edilmesi" yoğun drama ile dikkat çekiyor. Mucizenin aniden gerçekleşmesi - tapınak soyguncusunun göksel binici tarafından kovulması - bir ışık efekti kullanılarak ana hareketin hızlı köşegeni tarafından aktarılır. Papa II. Julius, Eliodor'un sürgününü izleyen seyirciler arasında tasvir edilmiştir. Bu, Raphael'in çağdaşı olan olaylara bir göndermedir - Fransız birliklerinin Papalık Devletleri'nden kovulması.
Raphael'in çalışmalarının Roma dönemi, portre alanında yüksek başarılarla işaretlenmiştir. Bolsena'daki Ayin'in karakterleri (Stanza d'Eliodoro'daki freskler) hayat dolu keskin portre özellikleri kazanıyor. İle portre türü Raphael ayrıca burada özgünlüğünü gösteren, modelde en karakteristik ve anlamlı olanı ortaya çıkaran şövale resmine döndü. Papa II. Julius (1511, Floransa, Uffizi), Kardinal Ludovico dei Rossi ve Giulio dei Medici (yaklaşık 1518, agy) ile Papa X. Leo'nun portrelerini ve diğer portre resimlerini yaptı. Sanatında önemli bir yer, büyük ihtişam, anıtsallık, güven, güç özellikleri kazanarak Madonna'nın imajını işgal etmeye devam ediyor. Bu, uyumlu kompozisyonu bir daire içinde kapatılmış “Madonna della sedia” (“Sandalyede Madonna”, 1516, Floransa, Pitti Galerisi).
Aynı zamanda, Raphael en büyük eseri olan Sistine Madonna'yı (1515-1519, Dresden, Sanat Galerisi) St. Sixtus, Piacenza'da. Daha önceki, daha hafif, lirik Madonnas'ın aksine, bu derin anlamlarla dolu görkemli bir görüntü. Yanlarda yukarıdan ayrılan perdeler, Mary'nin kucağında bir bebekle bulutların arasında kolayca yürüdüğünü gösterir. Bakışları, deneyimlerinin dünyasına bakmanıza izin veriyor. Ciddi ve hüzünlü, endişeli bir şekilde, öngörüyormuş gibi uzaklara bir yere bakıyor. trajik kader oğul. Madonna'nın solunda, coşkuyla bir mucizeyi düşünen Papa Sixtus, sağda - Saint Barbara, bakışlarını saygıyla indirerek tasvir edilmiştir. Aşağıda iki melek yukarıya bakıyor ve adeta bizi ana görüntüye - Madonna ve onun çocuksu düşünceli bebeğine - döndürüyor. Kompozisyonun kusursuz uyumu ve dinamik dengesi, pürüzsüz çizgisel hatların ince ritmi, doğallık ve hareket özgürlüğü bu bütünün karşı konulmaz gücünü oluşturuyor, güzel fotoğraf. hayati gerçek ve idealin özellikleri, kompleksin manevi saflığı ile birleştirilir. trajik Sistine Madonna. Bazı araştırmacılar prototipini “Peçeli Kadın” (yaklaşık 1513, Floransa, Pitti Galerisi) özelliklerinde buldular, ancak Raphael arkadaşı Castiglione'ye bir mektupta yaratıcı yönteminin temelinin seçim ilkesi olduğunu yazdı. hayat gözlemlerinin genellenmesi: “Bir güzellik yazabilmek için çok güzellikler görmem gerekiyor ama güzel kadınlarda... eksikliğinden dolayı aklıma gelen bir fikri kullanıyorum. Böylece gerçekte sanatçı, tesadüfi ve geçici olanın üzerine çıkan idealine karşılık gelen özellikler bulur.
Raphael otuz yedi yaşında öldü ve geride Villa Farnesina'nın bitmemiş resimlerini, Vatikan sundurmalarını ve öğrencileri tarafından karton ve çizimler üzerine tamamlanan bir dizi başka eser bıraktı. Raphael'in özgür, zarif, kısıtlamasız çizimleri, yaratıcısını dünyanın en büyük ressamları arasında öne çıkarıyor. Mimarlık alanındaki çalışmaları ve uygulamalı SanatlarÇağdaşları arasında büyük ün kazanan Yüksek Rönesans'ın çok yetenekli bir figürü olarak ona tanıklık ediyor. Raphael'in adı daha sonra ideal bir sanatçı için ortak bir isim haline geldi.
Çok sayıda İtalyan öğrenci ve Raphael'in takipçisi, öğretmenin yaratıcı yöntemini tartışılmaz bir dogmaya dönüştürdü, bu da İtalyan sanatında taklitin yayılmasına katkıda bulundu ve yaklaşan hümanizm krizinin habercisi oldu.

Michelangelo Buonarroti'nin eseri

Yüksek Rönesans'ın doruk noktası ve aynı zamanda dönemin kültürünün derin çelişkilerinin bir yansıması, İtalyan sanatının devlerinden üçüncüsü Michelangelo Buonarroti'nin (1475-1564) eseriydi. Çok yönlü yetenekleriyle dikkat çeken Leonardo ve Raphael ile karşılaştırıldığında bile, Michelangelo her alanda farklıdır. artistik yaratıcılıkÇağın en ilerici fikirlerini somutlaştıran, ölçek ve güç açısından görkemli eserler bıraktı. Michelangelo parlak bir heykeltıraş, ressam, mimar, teknik ressam, askeri mühendis, şairdi ve aynı zamanda yüksek hümanist idealler için bir savaşçıydı, anavatanının özgürlüğünü ve bağımsızlığını savunan bir vatandaştı.
Michelangelo fikrinde büyük sanatçı ve savaşçı ayrılmaz bir bütündür. Tüm hayatı, insanın özgürlük ve yaratıcılık hakkının iddiası için bitmeyen bir kahramanca mücadeledir. Uzun boyunca yaratıcı yol sanatçının dikkatinin merkezinde, aktif, aktif, başarıya hazır, büyük bir tutkuyla ele geçirilen bir adam vardı. Geç dönem eserleri, Rönesans ideallerinin trajik çöküşünü yansıtıyor.
Michelangelo, şehir valisinin ailesinde Caprese'de (Floransa yakınlarında) doğdu. On üç yaşında Ghirlandaio'nun atölyesine girdi ve bir yıl sonra - Sanat Okulu Muhteşem Lorenzo de Medici'nin mahkemesinde. Burada, San Marco manastırındaki Medici bahçelerinde, antik çağın sadık bir hayranı olan Bertoldo di Giovanni'nin rehberliğinde çalışmalarına devam etti. Medici sarayının zengin ve rafine kültürüyle, antik ve modern sanatın harika eserleriyle, ünlü şairler ve hümanistlerle tanışan Michelangelo, kendisini zarif bir mahkeme ortamına kapatmadı. Zaten erken bağımsız çalışmalar, kahramanlık ve güçle dolu büyük anıtsal görüntülere olan ilgisini doğrular. "Centaurlar Savaşı" kabartması (1490'ların başı, Floransa, Casa Buonarroti), dövüşün dramatik ve fırtınalı dinamiklerini, savaşçıların korkusuzluğu ve enerjisini, birbirine bağlı güçlü figürlerin güçlü plastisitesini, tek bir hızlı ritimle nüfuz ediyor.
son oluşum kamu bilinci Michelangelo, Medici'nin Floransa'dan kovulması ve orada cumhuriyetçi bir sistemin kurulması sırasında düşer. Bologna ve Roma gezileri tamamlanmaya katkıda bulunur Sanat eğitimi. Antikite, heykelde saklı olan devasa olasılıkları onun önüne açar. Roma'da Pieta mermer grubu (1498-1501, Roma, Aziz Petrus Katedrali) yaratıldı - ustanın ilk büyük orijinal eseri, Rönesans'ın hümanist ideallerinin zaferine inançla dolu. dramatik tema Tanrı'nın Annesi tarafından Mesih'in yası olan heykeltıraş, derin bir psikolojik düzeyde karar verir ve Madonna'nın sol elinin hareketiyle tam olarak bulunan, başını eğerek muazzam kederi ifade eder. ahlaki saflık Meryem'in imajı, duygularının asil kısıtlaması, karakterin gücünü ortaya çıkarır ve klasik olarak net biçimlerde, şaşırtıcı bir mükemmellik ile aktarılır. Her iki figür de, tek bir detayın kapalı silueti, plastik ifadesini ihlal etmediği, çözülmez bir grupta düzenlenmiştir.

David	Meryemana resmi	madonna ve çocuk	Musa

Derin inanç, bir başarı için çabalayan bir kişinin heyecanı, heykeltıraş Floransa'ya döndükten sonra 1501-1504'te yürütülen David heykelinde (Floransa, Güzel Sanatlar Akademisi) yakalanır. Efsanevi kahramanın imajı, sivil başarı, cesur cesaret ve uzlaşmazlık fikrini somutlaştırdı. Michelangelo, seleflerinin anlatısını terk etti. David'i düşmanı yendikten sonra tasvir eden Donatello ve Verrocchio'nun aksine, Michelangelo onu savaştan önce sundu. Plastik araçlarla aktarılan kahramanın tüm güçlerinin güçlü iradeli soğukkanlılığına ve yoğunluğuna odaklandı. Bu devasa heykelde, Michelangelo'nun plastik dilinin tuhaflığı açıkça ifade ediliyor: Kahramanın dışa dönük sakin duruşuyla, güçlü bir gövdeye ve mükemmel bir şekilde modellenmiş kollara ve bacaklara sahip tüm figürüyle, güzel, ilham verici yüzü, fiziksel ve ruhsal konsantrasyonun en yüksek konsantrasyonunu ifade ediyor. kuvvetler. Tüm kaslar hareketle nüfuz ediyor gibi görünüyor. Michelangelo'nun sanatı, eski plastikte sahip olduğu etik anlamı çıplaklığa geri döndürdü. David'in imajı, özgür bir adamın yaratıcı güçlerinin bir ifadesi olarak daha geniş bir anlam kazanır. Daha o günlerde, Floransalılar heykelin yurttaşlık hissini ve önemini anladılar ve onu şehir merkezinde Palazzo Vecchio binasının önüne, anavatanı savunmak ve adil yönetmek için bir çağrı olarak yerleştirdiler.
Heykeli (tek ayaklı) çözmenin, ustaca modellemenin ikna edici bir şeklini bulan Michelangelo, malzemeyle çalışırken üstesinden gelmesi gereken zorlukları unutturdu. Heykel, herkesin inandığı gibi talihsiz bir heykeltıraş tarafından bozulan bir mermer bloktan oyulmuştur. Michelangelo, figürü bitmiş mermer bloğuna sığdırmayı başardı, böylece ona son derece kompakt bir şekilde sığacak.
Davut heykeli ile eşzamanlı olarak, Palazzo Vecchio'nun “Cascine Savaşı” Konsey Salonu'nu boyamak için bir karton yapıldı (gravürlerden ve bir resim kopyasından biliniyor). Leonardo ile rekabete giren genç Michelangelo, çalışmaları hakkında daha yüksek bir halk takdiri aldı; savaşı ve vahşetini ifşa etme temasıyla yüceltmeyi karşılaştırdı. yüce duygular trompet çağrısıyla savaş alanına koşan Floransa askerlerinin cesareti ve vatanseverliği, bir başarıya hazır.
Papa II. Julius'tan mezar taşının inşası için bir emir alan Michelangelo, Kashin Savaşı'nı bitirmeden 1505'te Roma'ya taşındı. Çok sayıda heykel ve kabartma ile süslenmiş görkemli bir türbe için bir proje yaratır. Malzemeyi - mermer blokları - hazırlamak için heykeltıraş Carrara'ya gitti. Onun yokluğunda, papa bir mezar inşa etme fikrine olan ilgisini kaybetti. Rahatsız olan Michelangelo, Roma'dan ayrıldı ve ancak papanın ısrarlı çağrılarından sonra geri döndü. Bu sefer yeni bir büyük sipariş aldı - Sistine Şapeli'nin tavanını boyamak, büyük bir isteksizlikle kabul etti, çünkü kendisini bir ressam değil, öncelikle bir heykeltıraş olarak gördü. Bu resim, İtalyan sanatının en büyük eserlerinden biri haline geldi.

En zor koşullarda, Michelangelo dört yıl (1508-1512) çalıştı ve devasa tavanın (600 metrekare) tüm resmini kendi elleriyle tamamladı. Şapelin mimarisine uygun olarak, onu kaplayan tonozları birkaç alana böldü ve geniş bir orta alana İncil'den dünyanın yaratılışı ve dünyadaki ilk insanların yaşamı hakkında sahneler üzerine dokuz kompozisyon yerleştirdi: “Işığın karanlıktan ayrılması”, “Adem'in Yaratılışı”, “Düşme”, “Nuh'un Sarhoşluğu” vb. Bunların yanlarında, kubbenin eteklerinde peygamber ve sibil (kâhin) figürleri vardır. ), tarlaların köşelerinde - çıplak genç adamlar oturuyor; kemerin yelkenlerinde, pencerelerin üzerindeki sıyırma ve lunetlerde - İncil'den bölümler ve Mesih'in sözde ataları. Üç yüzden fazla figür içeren görkemli topluluk, insanın güzelliğine, gücüne, zihnine, yaratıcı dehasının yüceltilmesine ve kahramanca eylemlerine ilham veren bir ilahi gibi görünüyor. Tanrı'nın imgesinde bile - görkemli, güçlü yaşlı bir adam, her şeyden önce, sanki gerçekten dünyalar yaratma ve bir insana hayat verme yeteneğine sahipmiş gibi, ellerinin hareketlerinde ifade edilen yaratıcı dürtü vurgulanır. Muazzam güç, zeka, falcı bilgelik ve yüce güzellik, peygamberlerin görüntülerini karakterize eder: derinden kederli Yeremya, şiirsel olarak ilham alan İşaya, güçlü Cuma Sibyl, güzel genç Delphi Sibil. Michelangelo'nun yarattığı karakterler muazzam bir genelleme gücüne sahiptir; her karakter için özel bir poz, dönüş, hareket, jest bulur.
Peygamberlerin bireysel görüntülerinde trajik düşünceler somutlaştırıldıysa, o zaman köle olarak adlandırılan çıplak genç erkeklerin görüntülerinde, olma sevinci, önlenemez güç ve enerji hissi aktarılır. Karmaşık kısaltmalarda, hareketlerde sunulan figürleri, en zengin plastik gelişmeyi alır. Hepsi, tonozların düzlemini bozmadan, onları zenginleştirir, tektonikleri ortaya çıkarır, güçlendirir. Genel izlenim uyum. Görkemli ölçeklerin, şiddetli hareket gücünün, güzelliğin ve rengin sakinliğinin birleşimi, insanın zaferinde bir özgürlük ve güven duygusu yaratır.

Kuzey Rönesansı

Canlanma, kendisini en büyük güçle ifade ettiği İtalya'ya ek olarak Hollanda, Almanya, Fransa ve İspanya'yı da kapsayan uluslararası bir fenomendi. bugün ortaya çıktı özel terim Avrupa'nın diğer ülkelerinde Rönesans'ın özelliklerini anlatan "Kuzey Rönesansı". “Yalnızca coğrafi bir özellik değil, aynı zamanda İngiltere, Almanya, İspanya, Hollanda, İsviçre ve Fransa'daki Rönesans'ın bazı özellikleri anlamına gelir. Çok önemli özellik Kuzey Rönesansı, Reform döneminde yer alması ve ayrıca bu ülkelerin halklarının kültüründe, tarihsel nedenlerden dolayı, İtalya'daki kadar çok eski eser olmamasıydı.

reform(lat. reformatio - dönüşümden) şimdi örneğin İslam ülkelerinde köktencilik olan aynı güçlü dini hareketti. Her ikisi de inancın orijinal değerlerine (temellerine) dönüşü savundu ve mevcut dini pratiğin ciddi şekilde değiştirilmesini (reform) talep etti.

Reformun başlangıcı, 1517'de Almanya'da Martin Luther'in (1483-1546) Katolikliğin temel ilkelerini reddeden 95 tez ortaya koyan konuşmasıyla belirlendi. Reformun ideologları, genel olarak hiyerarşisi ve din adamları ile Katolik Kilisesi'nin gerekliliğini, Kilise'nin toprak zenginlikleri haklarını reddederek Katolik Kutsal Geleneğini bir bütün olarak reddetti. Reformasyonun ideolojik bayrağı altında 1524-1526 köylü savaşları gerçekleşti. Almanya, Hollanda ve İngiliz Devrimi'nde. Reform, Protestanlığın başlangıcını işaret ediyordu (dar anlamda Reform, ruhunda dini dönüşümlerin gerçekleştirilmesidir).

Alman Rönesansı Yarım yüzyıl süren ve ortaçağ Almanya'sını büyük ölçüde değiştiren manevi (Lutheran reformu) ve sosyal (köylülüğün yükselişi) krizin sonuydu. Üç sanatçının çalışmasıyla - Grunewald (1470 ve 1475-1528 arasında), Dürer (1471-1528) ve Genç Holbein (1497 veya 1498-1543) - Alman resminin "altın çağı" ilişkilendirilir. İtalyan Rönesansı'nın bütünlüğünden yoksun olan Alman Rönesansı, kronolojik olarak kısa bir sürede gelişmiş ve mantıksal bir devamı olmamıştır.

Çalışmaları Alman sanatını uzun süre belirleyen Almanya'daki Rönesans'ın seçkin bir temsilcisi, ressam ve oymacı Dürer'di. Dürer'in ressam, oymacı ve ressam olarak eşit derecede yetenekli olduğuna inanılır; çizim ve gravür, içinde büyük, hatta bazen önde gelen bir yer işgal eder. Dürer'in 900 sayfadan fazla numaralandırılmış bir ressam olarak mirası, yalnızca Leonardo da Vinci'nin enginliği ve çeşitliliği mirasıyla karşılaştırılabilir. O zaman tüm bilinenlere zekice sahipti grafik teknikleri- gümüş bir iğne ve kamış kalemden bir İtalyan kurşun kalem, karakalem, sulu boyaya İtalya'nın ustalarına gelince, çizim onun için eskizler, kafalar, kollar, bacaklar, perdeler. Bu bir öğrenme aracıdır karakteristik tipler- köylüler, zarif beyler, Nürnberg moda tutkunları. Dürer, ilk Alman sanatının gelişimi üzerinde büyük bir etkiye sahipti. XVI'nın yarısı yüzyıl. Avrupa'nın en büyük oymacısı olan Dürer, Kıyamet temaları üzerine yaptığı çalışmalarla ünlendi (1498).

Çok yönlü etkinliği, Rönesans'ın "titanizminin" somutlaşmış örneklerinden biri haline geldi. İlgi alanlarının yönü ve çok yönlülüğü, sanat yasalarına hakim olma arzusu, insan figürünün mükemmel oranlarının gelişimi ve perspektif inşaat kuralları ile karşılaştırılabilecek Kuzey Rönesansının tek ustasıdır. en büyük ustalarİtalyan Rönesansı. Alman Rönesans sanatının en parlak dönemine genellikle "Dürer dönemi" denir.

Dürer'in çağdaşları, Genç Hans Holbein, Grunewald ve Yaşlı Lucas Cranach (1472-1553) resminin büyük ustalarıydı.

Genç Holbein'in portrelerinde (resim ve çizim) doğru, net, dini temalar üzerine resimleri, gravürler, Rönesans sanatının gerçekçiliği, netliği ve ihtişamı, kompozisyonun anıtsal bütünlüğü ile karakterize edilir (“Ölü Mesih”, 1521). Hayatı hala çok az çalışılan Grunewald, Alman Rönesansının başka bir yönünü temsil ediyor: ona karşı duygular akla ve öznellik nesnel analize hükmediyor. Sanatçının dehası ana eserde somutlaştırıldı - "Isenheim Altar" (1512-1515), burada mistik görüntüler hümanist, aydınlanmış olanlarla birlikte var olur. Alt sınıfların ve sapkınlıkların ideolojisi ile bağlantılı çalışmaları dramatik güç, gerilim ve dinamizmle doludur.

Alman Rönesansının yetenekli yaratıcıları arasında, Bilge Frederick'in mahkeme ressamı ve M. Luther'in arkadaşı olan portre ressamı Yaşlı Lucas Cranach, çalışmaları sayesinde peyzajın özel bir gelişme gösterdiği onurlu bir yer kaplar. Tuna Okulu olarak bilinen peyzaj okulunun temelini attı.

İngiltere'de Rönesans. İNGİLİZ Rönesansı resim ve mimariden çok tiyatroyla ünlendi. En parlak dönemi 16. yüzyılın sonunda - 17. yüzyılın başında geldi ve William Shakespeare'in (1564-1616) çalışmasında zirveye ulaştı. 16. yüzyılın sonu, İngiltere'de tiyatro yaşamının eşi benzeri görülmemiş bir canlanma dönemi, ekonomik bir toparlanma ve ülkenin bir dünya gücüne dönüşme dönemiydi. Aynı zamanda "Elizabeth dönemi" olarak da adlandırılır. Tiyatronun prestiji arttı; daha önce gezinen komedyenleri hor gören aktörler, evrensel ilgiyle çevriliydi, hayırsever soyluların himayesinden zevk aldılar. 1576'da Londra'da ilk halk tiyatrosu açıldı; 80'lerin ortalarında zaten bu tür birkaç tiyatro vardı. 1589'da kraliyet statüsü alan Shakespeare'in topluluğu, sonunda 1598-1599'a kadar birden fazla sahne değiştirdi. Globe Theatre adı verilen kalıcı bir bina inşa edilmedi. Oyun yazarı Shakespeare, tiyatronun ortak sahibi oldu. Shakespeare'in oyunları (toplam 37 tane vardır) o dönemde İngiltere'nin siyasi ve manevi yaşamını yansıtıyordu.

Shakespeare'in ilk komedileri, özellikle de Much Ado About Nothing (1598), iyimserlikle doludur. Ancak, XVI ve XVII yüzyılların başında. onun zihniyeti değişti. Son yıllar Elizabeth'in saltanatı, popüler huzursuzluk ve ekonomik gerileme ile işaretlendi. Devletin ve Kilisenin otoritesi düştü. "Romeo ve Juliet" (1595), "Hamlet" (1601), "Othello" (1604), "Kral Lear" (1605) trajedileri, evrensel değerlerin ve ahlakın krizini göstermektedir. Shakespeare'in kahramanları, yaşam yönelimlerinin kaybını yaşayan düşünen, hisseden ve acı çeken bireylerdir ve Dünya kendilerini bulmalarına yardımcı olamaz.

1. GİRİŞ

"Rönesans" (Rönesans), mimar, ressam ve tarihçi Giorgio Vasari tarafından, kültürel hareketin antikiteyi canlandırmak ve Batı kültürünün gelişimi için umutlar açmak için çağrıldığı dönemi tanımlamak için ortaya atılan bir terimdir. Orta Çağ dönemi kültürlerin gelişmesinde bir kırılma olarak görülmüş, barbarlık ve cehalet dönemi olmuştur. Canlanma İtalya'da ortaya çıktı ve öncelikle feodal toplumda burjuva ilişkilerinin ortaya çıkması ve sonuç olarak yeni bir dünya görüşünün ortaya çıkması ile ilişkilendirildi. Eski kültürün unutulmuş başarılarına dönüş başladı. Tüm değişiklikler en çok sanat insanlarının eserlerinde belirgindi.

Şehirlerin büyümesi ve zanaatların gelişmesi, dünya ticaretinin yükselişi, 15. yüzyılın sonları ve 16. yüzyılın başlarındaki büyük coğrafi keşifler, ortaçağ Avrupa'sının yaşamını değiştirdi. Kent kültürü yeni insanlar yarattı ve hayata karşı yeni bir tutum oluşturdu. Edebi ve bilimsel eserlerin yayılması için fırsatlar açan matbaa ortaya çıktı.

Bu zamanda, İtalyan toplumu kültüre aktif bir ilgi duymaya başlar. Antik Yunan ve Roma'da eski yazarların el yazmaları aranmaktadır. Sosyal hayatın çeşitli alanları - sanat, felsefe, edebiyat, eğitim, bilim - kiliseden giderek daha bağımsız ve bağımsız hale geliyor. Rönesans'ta ilgi odağı bir insandı, bu nedenle bu kültürün taşıyıcılarının dünya görüşü “hümanist” (Latin humanitas - insanlıktan) terimi ile gösterilir. İtalyan hümanistler için asıl mesele, insanın kendine odaklanmasıydı. Kaderi büyük ölçüde onun kendi elleri O, Tanrı tarafından özgür irade ile donatılmıştır.

Rönesans hümanistleri, bir insanda önemli olanın kökeni ya da kökeni olmadığına inanıyordu. sosyal durum, a kişisel nitelikleri. Gibi " mükemmel insan”Güçlü, yetenekli ve kapsamlı bir şekilde gelişmiş bir kişilik tanındı. Sivil erdemler, bireyin ana haysiyeti olarak görülmeye başlandı. Eski bir yazarın esprili bir şekilde dediği gibi, "Bir insanı kıyafetlerine göre değil, niteliklerine göre yargılamalısınız", "size neden bu kadar uzun göründüğünü biliyor musunuz? Topuklarının yüksekliğine aldanıyorsunuz: kaide henüz bir heykel değil. Ayaklıklar olmadan bir kişiyi ölçün. Servetini ve rütbesini bir kenara bırakıp tek gömlekle karşınızda dursun.”

Hümanistler, kendilerine bir bilgi kaynağı ve sanatsal yaratıcılık modeli olarak hizmet eden antik çağlardan ilham aldılar. Rönesans sanatı, modern zamanların Avrupa kültürünün temellerini attı. Tüm ana sanat türleri - resim, grafik, heykel, mimari - çok değişti.

çağda İtalyan Rönesansı Birkaç dönemi ayırt etmek gelenekseldir: Proto-Rönesans (13.-14. yüzyılların ikinci yarısı), erken Rönesans (15. yüzyıl), Yüksek Rönesans (15. yüzyılın sonu - 16. yüzyılın ilk on yılları), geç Rönesans (16. yüzyılın son üçte ikisi).

2. RÖNESANS SANATININ DEĞER TEMELLERİ

Rönesans, güzellik kültü, özellikle de insanın güzelliği ile karakterizedir. İtalyan resmi güzel, mükemmel insanları tasvir eder.

Sanatçılar ve heykeltıraşlar, eserlerinde doğallık, dünyanın ve insanın gerçekçi bir yeniden yaratılması için çabaladılar. Düzlemsel görüntü artık kullanılmadı, resim doğrusal ve havadan bir perspektifle zenginleştirildi, insan vücudunun anatomisi ve oranları bilgisi, doğru çizim sorunları, doğal hareket çözüldü.

Sanatın nesneleri insan bedeni, modern ve dini konulardır. Dikkat, sanatçıların ilgisi giderek daha fazla kişiye ve onu çevreleyen her şeye odaklandı. Ancak, sanat Erken Rönesans karmaşıktı, çelişkiliydi ve bu çelişki onu ileriye götürdü. Erken Rönesans sanatında, küçük ayrıntılarla birlikte, mükemmel bir insanın genelleştirilmiş, anıtsal ve kahramanca bir imajının bilinci vardır.

Rönesans'ta insan yine sanatın ana teması haline gelir ve insan vücudu doğadaki en mükemmel form olarak kabul edilir. Rönesans'ın hümanist kültürüne, yeni bir insan ve onun yeni rüyası sızmıştır. ruhsal gelişim. Sivil erdemler, bireyin ana haysiyeti olarak görülmeye başlandı. Teosentrik bilincin yerini antroposentrik almaya başladı. Hümanizm fikirleri, ana teması sınırsız manevi ve ahenkli bir şekilde gelişmiş bir insan olan sanatta en canlı ve tam olarak somutlaştırıldı. yaratıcı olanaklar. Rönesans sanatına hümanizm, insanın yaratıcı güçlerine, olanaklarının sınırsızlığına, ilerlemenin zaferine olan inanç nüfuz eder. Resimdeki figürler, insan vücudunun anatomisini iletmek için hacim ve gözle görülür bir istek kazanıyor, doğrudur.

Burjuva kültürünün belirtileri ve yeni bir dünya görüşünün ortaya çıkışı özellikle 15. yüzyılda telaffuz edildi. Ama tam olarak çünkü formasyon yeni kültür ve yeni dünya görüşü tamamlanmadı, XV yüzyıl yaratıcı özgürlük, cesur cüret, insan bireyselliğine hayranlıkla dolu. Bu, hümanizm çağı, zihnin sınırsız gücüne inanç, entelektüellik çağıdır. Gerçeklik algısı, zihin tarafından kontrol edilen deneyimle test edilir. Bu nedenle, düzen ruhu, Rönesans sanatının çok karakteristik özelliğidir. Anatomi, insan vücudunun oranlarının doktrini sanatçılar için büyük önem taşımaktadır.

Antik çağ, bağımsız bir değerin değerini kazanır ve oynar. büyük rol laik kültürün oluşumunda. Sanat için, antik sadelik ve uyum özellikleri mimaride karakteristik hale gelir. Kütüphaneler zengin bir antik el yazması koleksiyonu içerir. Heykellerle, antik mimarinin parçalarıyla dolu müzeler var. Antik Roma restore ediliyor. Ancak antik çağın etkisi, canlanma kültürüne karmaşık bir karakter kazandıran Orta Çağ gelenekleri ve Hıristiyan sanatı üzerine bindirilir.

Sanatta, vatandaşlık görevi, yüksek ahlaki nitelikler, kahramanlık, uyumlu bir şekilde gelişmiş bir imajın sorunları, ruhu güçlü ve günlük yaşam seviyesinin üzerine çıkmayı başaran bir insan kahramanın vücudu. Yüksek Rönesans sanatı, sanat adına küçük ayrıntılardan vazgeçer. genel görüntü, hayatın güzel yönlerinin uyumu için çabalamak. Portre resmi gelişir ve Rönesans'ın önemli başarılarından biri haline gelir. Heykel en prestijli sanat formuydu ve Barok'un kurulmasıyla gelişti. Geç Rönesans'ta, gerçekliği anlamada daha az yanılsama ve daha fazla gerçekçilik vardı. Güzellik ve uyum idealleri kapsamlı bir şekilde anlaşıldı ve hatta çeşitli yaratıcı aktivite türlerini etkileyen norm haline geldi.

3. İTALYAN RÖNESANSI

Yetenekli zanaatkarların bolluğu, sanatsal yaratıcılığın kapsamı ile İtalya, 15. yüzyılda diğer tüm Avrupa ülkelerinin önündeydi. Sanattaki değişimler öncelikle heykeltıraşlığı etkilemiştir. Usta Niccolo Pisano'nun eserlerinde antik çağın açık bir etkisi izlenebilir. Ancak yeni bir çağın başlangıcı, ressam Giotto di Bondone'nin (1266?-1337) adıyla ilişkilidir. Eserlerinden Padua'daki Chapel del Arena'nın müjde sahnelerindeki freskleri en iyi şekilde korunur, burada insan vücudunun anatomisini sadakatle iletme arzusunun zaten izlenebildiği yer. Giotto'nun adamı kaderin darbelerine direnir. Cesaretini kaybetmeden, insanlara karşı katılaşmadan, zorluklara göğüs germeye hazırdır. Böyle bir anlayış, ortaçağ kilise ahlakına aykırı değildi, ancak bir kişiyi kaldırdı, kendini iddia etti, ona güç verdi.

Görsel sanatlarda, kendine özgü üslup özellikleri ile birçok okul oluşmuştur.

3.1. FLORANTİN OKULU XV yüzyıl

Sadece 15. yüzyılda yeni tarzın özellikleri İtalya mimarisinde ortaya çıkmaya başladı. Filippo Brunelleschi (1377-1446) 1434'te devasa bir kubbeli Floransa Katedrali'ni tamamladı, 1295'te Gotik bir yapı başladı. Palazzo'nun laik mimarisi, dış kalenin emprenye edilemezliği ile iç konfor atmosferinin bir kombinasyonu ile karakterize edilir.

Kilise mimarisinde, kiliselerin cephelerinin çok renkli mermerle kaplanması ortaya çıkar, bu nedenle cephe "çizgili" hale gelir - İtalyan Rönesansının karakteristik bir özelliği.

Yeni heykel, Floransa Katedrali'nin vaftiz kapılarının kapılarını süslemek için bir yarışma düzenlendiğinde 1401'de doğdu. Avrupa'nın plastisite sorunlarını - yuvarlak heykel, anıt - çözmesi gereken heykeltıraş Donato di Niccolò di Betto Bardi'ydi (1386?-1466). Sanatında gotik hatıralar da görülmektedir. Donatello, eski zamanlarda geliştirilen, ancak Orta Çağ'da unutulan plastisite yasalarına uygun olarak bir insan figürü yetiştirme sorununu çözüyor. Donatello tarafından yürütülen St. George heykeli, erken Rönesans idealini somutlaştırıyor: bu görüntüde bir özbilinç ve güven duygusu, bir sütuna benzeyen bir figürün özgür, sakin pozu ile vurgulanıyor. Bu, “antik çağın insanlaştırılmış bir tanrısı değil, yeni bir çağın tanrılaştırılmış bir insanıdır” (N. Punin).

Donatello ayrıca Rönesans'taki ilk binicilik anıtını yaratma onuruna da sahiptir. Bu, Padua'daki Condottiere Erasmo di Narni'nin atlı bir heykeli.

Orta Çağ sanatının en iyi geleneklerini kullanan, antik plastik sanatı inceleyen Donatello, kendi kararları, sonraki tüm Avrupa heykelleri üzerindeki büyük etkisini açıklayan derin insanlık ve gerçek gerçekçilik görüntülerine.

Floransalı erken Rönesans resminde lider rol, Masaccio (1401-1428) olarak bilinen Tommaso di Giovanni di Simone Cassan Guidi'ye düştü. Giotto'nun daha önce ortaya koyduğu resim sanatı sorunlarını çözdü. Masaccio, figürleri uzaya nasıl yerleştireceğini, onları birbirleriyle ve manzarayla nasıl bağlayacağını, insan vücudunun anatomisinin yasalarının neler olduğunu açıkça bilen bir sanatçı olduğunu gösterdi. Rönesans'ın temel problemlerini çözdü - doğrusal ve hava perspektifi.

Rönesans veya Rönesans bize birçok harika sanat eseri verdi. Yaratıcılığın gelişimi için uygun bir dönemdi. Birçok büyük sanatçının adı Rönesans ile ilişkilendirilir. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio - bu, o zamanın yaratıcılarının adlarının sadece küçük bir kısmı.

Bu dönem, yeni stillerin ve resmin ortaya çıkmasıyla ilişkilidir. İnsan vücudunu tasvir etme yaklaşımı neredeyse bilimsel hale geldi. Sanatçılar gerçeklik için çabalar - her ayrıntıyı işlerler. O dönemin resimlerinde yer alan kişiler ve olaylar son derece gerçekçi görünmektedir.

Tarihçiler, Rönesans döneminde resmin gelişiminde birkaç dönem tanımlar.

Gotik - 1200'ler. Mahkemede popüler stil. Gösteriş, gösteriş, aşırı renklilik ile ayırt edildi. Boya olarak kullanılır. Resimler, sunak çizimleri olan konulardı. Bu akımın en ünlü temsilcileri İtalyan sanatçılar Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli'dir.

Sandro Botticelli

Proto-Rönesans - 1300'ler. Şu anda resimde bir ahlak yeniden yapılanması var. Dini temalar arka planda kayboluyor ve seküler giderek daha fazla popülerlik kazanıyor. Resim ikonun yerini alır. İnsanlar daha gerçekçi tasvir edilir, yüz ifadeleri ve jestler sanatçılar için önemli hale gelir. Yeni bir güzel sanat türü ortaya çıkıyor -. Bu zamanın temsilcileri Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini'dir.

Erken Rönesans - 1400'ler. Dini olmayan resmin yükselişi. Simgelerdeki yüzler bile daha canlı hale geliyor - insan özellikleri yüzler. Daha önceki dönemlerin sanatçıları manzaraları boyamaya çalıştılar, ancak ana görüntüye yalnızca bir ek olarak, arka plan olarak hizmet ettiler. Erken Rönesans sırasında bağımsız bir tür haline gelir. Portre gelişmeye devam ediyor. Bilim adamları lineer perspektif yasasını keşfederler ve sanatçılar resimlerini bu temel üzerine inşa ederler. Tuvallerinde doğru üç boyutlu alanı görebilirsiniz. Bu dönemin önde gelen temsilcileri Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna'dır.

Yüksek Rönesans - Altın Çağ. Sanatçıların ufku daha da genişliyor - ilgi alanları Kozmos'un alanına uzanıyor, insanı evrenin merkezi olarak görüyorlar.

Şu anda, Rönesans'ın "devleri" ortaya çıkıyor - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi ve diğerleri. Bunlar ilgi alanları resimle sınırlı olmayan insanlar. Onların bilgisi çok daha genişledi. En önde gelen temsilcisi, sadece büyük bir ressam değil, aynı zamanda bir bilim adamı, heykeltıraş, oyun yazarı olan Leonardo Da Vinci'ydi. Ünlü "La Gioconda" yı yaratmak için kullanılan pus yanılsaması olan "smuffato" gibi resimde fantastik teknikler yarattı.

Leonardo da Vinci

Geç Rönesans- Rönesans'ın solması (1500'lerin ortası - 1600'lerin sonu). Bu sefer değişikliklerle, dini bir krizle ilişkilidir. Altın gün biter, tuvallerdeki çizgiler daha gergin hale gelir, bireysellik bırakır. Resimlerin görüntüsü giderek kalabalıklaşıyor. O zamanın yetenekli eserleri Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto'nun kalemine aittir.

Paolo Veronese

İtalya dünyaya en fazlasını verdi yetenekli sanatçılar Rönesans'ın, resim tarihinde en çok bahsedilir. Bu arada, bu dönemde diğer ülkelerde resim de gelişti ve bu sanatın gelişimini etkiledi. Bu dönemde diğer ülkelerin resmine Kuzey Rönesansı denir.

Rönesans veya Rönesans (İtalyan Rinascimento, Fransız Rönesansı) - restorasyon, eski eğitim, canlanma klasik edebiyat, sanat, felsefe, idealler Antik Dünya, çarpıtılmış veya "karanlığa" unutulmuş ve "gecikmiş" Batı Avrupa Orta Çağ dönemi. 14. yüzyılın ortalarından 16. yüzyılın başlarına kadar hümanizm adı altında bilinen kültür hareketinin aldığı biçimdi (bununla ilgili kısa ve makalelere bakınız). Hümanizmi, dünya görüşüne klasik antikitede destek arayan hümanizmin yalnızca en karakteristik özelliği olan Rönesans'tan ayırmak gerekir. Rönesans'ın doğum yeri, İtalyanlar için ulusal bir karaktere sahip olan eski klasik (Greko-Romen) geleneğinin asla solmadığı İtalya'dır. İtalya'da, Orta Çağ'ın baskısı hiçbir zaman özellikle güçlü bir şekilde hissedilmedi. İtalyanlar kendilerine "Latinler" adını verdiler ve kendilerini eski Romalıların torunları olarak gördüler. Rönesans'ın ilk itici gücü kısmen Bizans'tan gelmesine rağmen, Bizans Yunanlılarının buna katılımı önemsizdi.

Rönesans. video filmi

Fransa ve Almanya'da, Rönesans'ın ilk döneminde, Erken Rönesans'ta, sonraki dönemlerde olduğundan daha belirgin olan ulusal unsurlarla karıştırılan antik stil. Geç Rönesans, antik tasarımları daha lüks ve güçlü formlara dönüştürdü ve barok yavaş yavaş gelişti. İtalya'da Rönesans ruhu hemen hemen bütün sanat dallarına nüfuz ederken, diğer ülkelerde sadece mimari ve heykel eski modellerden etkilenmiştir. Rönesans ayrıca Hollanda, İngiltere ve İspanya'da ulusal bir revizyondan geçti. Rönesans'ın yozlaşmasından sonra rokoko, tepki geldi, en katı bağlılıkla ifade edildi tarihi Sanat, Yunan ve Roma tasarımları tüm ilkel saflıklarıyla. Ancak bu taklit (özellikle Almanya'da) sonunda XIX yüzyılın 60'lı yıllarının başlarında aşırı kuruluğa yol açtı. Rönesans'a dönüşün üstesinden gelmeye çalıştı. Ancak Rönesans'ın mimari ve sanattaki bu yeni hakimiyeti ancak 1880'e kadar sürdü. O zamandan itibaren barok ve rokoko, onun yanında yeniden gelişmeye başladı.