Ricorda i brani musicali che sai dove allo stesso tempo. La musica classica più famosa

20.06.2019

Concerti per soli e orchestra

Ogni parte di questo elenco è accompagnata da una playlist con tutte le opere citate

Johann Sebastian Bach

Concerti brandeburghesi

Allo stesso tempo, un ciclo su larga scala e compatto di sei capitoli da dieci a venti minuti. Sei concerti completamente diversi, uniti da una gioia di vivere puramente bachiana, ognuno dei quali è stato il primo del suo genere: ad esempio, il Quinto concerto di Brandeburgo è il primo concerto in assoluto per clavicembalo e orchestra.

Albano Berg

"In memoria di un angelo"

Se l'opera Wozzeck è una delle più alte realizzazioni della nuova scuola viennese nel campo del dramma musicale, allora il Concerto per violino è un capolavoro di espressione lirica. Non ti lascerà indifferente, anche se qui non ci sono melodie orecchiabili; d'altra parte, il finale del concerto si basa su una citazione di Bach, organicamente intessuta nel tessuto dell'opera.

Ludwig van Beethoven

Concerto per violino e orchestra

Dimentica tutto ciò che hai sentito sulla pesantezza Sinfonie di Beethoven, - questo concerto sembra parlarti personalmente e non c'è un centesimo di pomposità in esso. Se ti annoi nel mezzo, sarai ricompensato nel finale: ti regalerà una melodia così bella e triste che difficilmente riuscirai a trattenere le lacrime di gratitudine. Uno dei più grandi concerti per violino del mondo.

Johannes Brahms

Concerto per violino, violoncello e orchestra

Se non ci sono tanti concerti per violoncello e orchestra quanti per violino o pianoforte, allora ci sono ancora meno concerti per violino e violoncello, e ognuno è tanto più prezioso. Il più brillante tra questi è il Doppio Concerto di Brahms, che incorpora le migliori caratteristiche delle sue composizioni sinfoniche e da camera. È pieno delle melodie più belle e, con tutta la moderazione esterna, è insolitamente emotivo.

Antonio Vivaldi

"Le stagioni"

Una delle opere più apprezzate musica classica, un successo assoluto noto a tutti. Quattro stagioni: quattro concerti per violino, ognuno dei quali è migliore dell'altro.

Giorgio Gershwin

Blues Rapsodia

Il primo tentativo riuscito di incrociare la classica e il jazz, che ha dato vita a più di una nuova direzione e tuttavia è rimasto unico.

Antonino Dvorak

Concerto per violoncello e orchestra

Una delle prime composizioni su larga scala con un violoncello nel ruolo principale, dove l'armonia e la raffinatezza della composizione si combinano con l'incredibile accessibilità delle melodie, che cadono all'orecchio senza alcuno sforzo.

Félix Mendelssohn

Concerto per violino in mi minore

Marcia nuziale da "Dormi dentro notte di mezza estate Lo sanno tutti, anche se non è affatto l'opera principale di Mendelssohn. Possiede le eccellenti sinfonie italiane e scozzesi, i più bei trii, quartetti e oratori, nonché il Concerto per violino: non meno importante di quello di Beethoven, ma molto più intelligibile.

Sergej Rachmaninov

Concerto per pianoforte e orchestra n. 3

La musica di Rachmaninoff e Mahler non ha molto in comune, ma è stato Mahler a dirigere una delle prime esecuzioni del concerto. Sebbene il Terzo Concerto sia rimasto all'inizio all'ombra del famoso Secondo, è anche una delle più alte realizzazioni del genere ed è una delle prove più serie per i partecipanti ai concorsi pianistici. E il suo tema principale è una delle migliori melodie di tutta la letteratura musicale.

Jean Sibelius

Concerto per violino e orchestra

Per fine XIX secolo, il primato della tradizione austro-tedesca nella musica è stato messo in discussione: uno dopo l'altro, nuovi scuole nazionali- Ungherese, ceco, polacco. Il fondatore di un altro, il finlandese, oggi uno dei più avanzati al mondo, è stato Sibelius, il cui concerto è diverso dagli altri e colpisce ancora nel cuore.

Opera: da Monteverdi a Bizet e capolavori del Novecento

Georges Bizet

"Carmen"

È difficile credere che la prima di "Carmen" non sia stata un successo: i successi qui si susseguono con una densità tale che nessun'altra grande opera può vantare. Overture, habanera, distici del Toreador, seguidilla, "Gypsy dance" sono solo alcuni. Si può solo invidiare coloro che non li hanno ancora ascoltati.

Richard Wagner

"Tannhäuser"

Devi aver rabbrividito da bambino al suono di "Ride of the Valkyries" e sentito molte cose spiacevoli su Wagner. Cerca di farti una tua opinione sulla sua musica; se le opere di Wagner sono troppo lunghe per te, i frammenti orchestrali saranno sufficienti per cominciare. L'incredibilmente bella ouverture dell'opera "Tannhäuser" è un capolavoro in sé, che sicuramente apprezzerai, indipendentemente dalla simpatia per le opinioni socio-politiche dell'autore.

Giuseppe Verdi

"La Traviata"

Don Giovanni, Carmen e La Traviata sono una delle tre migliori opere al mondo. È impossibile resistere al fascino de "La Traviata", anche se si è indifferenti all'opera italiana: la musica è così deliziosa, brillante e allo stesso tempo intrisa di un presentimento di guai. storia famosa amore che nasce e muore davanti ai nostri occhi.

Claudio Monteverdi

"Orfeo"

Inutile inserire una qualsiasi delle tre opere di Monteverdi in una lista delle migliori opere: questa è così originale genio italiano, che in realtà ha fondato l'opera come genere. Comincia con Orfeo, soprattutto perché la toccata che lo apre suona dappertutto e probabilmente lo sai: non riuscirai a staccarti.

Wolfgang Amadeus Mozart

"Don Juan"

Opera d'opera, la principale di tutti i tempi e di tutti i popoli. Nessun'altra grande opera bilancia a tal punto il tragico e il comico, l'alto e il basso, la volontà di vivere e l'inevitabilità della morte. Come ha detto Svyatoslav Richter, "Così fan tutte" è più mistico di "Don Juan". Lì, la statua è la colpa di tutto, che ha preso vita ... E qui la colpa è della donna per essere nata nel mondo.

Wolfgang Amadeus Mozart

"Così fanno tutte le donne" ("Così fan tutte")

Il cinico di mezza età Don Alfonso si impegna a dimostrare a due giovani che la fedeltà delle loro spose è un concetto relativo. I ragazzi sembrano andare in guerra, tornare nelle vesti di stranieri innamorati e ciascuno si prende cura della sposa dell'altro. Le ragazze, non senza piacere, si sottomettono nuovo destino e stanno per sposarsi, ma qui tornano i veri sposi. Decidono di recitare due matrimoni, anche se nessuno sembra felice. Un'opera sulle donne più misteriose e imprevedibili degli uomini.

Leo Janacek

"Le avventure della volpe astuta"

Secondo lo scrittore Milan Kundera, Janáček ha compiuto l'impresa di aprire il mondo della prosa all'opera. In effetti, le melodie di Janáček si basano sul linguaggio umano in tutte le sue sfumature psicologiche. "Le avventure della volpe astuta" - il massimo opera lirica Compositore ceco, che racconta la coesistenza di due mondi - il mondo delle persone e il mondo degli animali - e chiede il loro riavvicinamento.

Albano Berg

"Wozzeck"

Musica come niente che tu abbia mai sentito prima. Al secondo o terzo tentativo, scoprirai che il linguaggio di quest'opera su un soldato pazzo non è così strano: il compositore semplicemente non compone melodie, ma mette le intonazioni naturali del linguaggio umano alla base della musica. La differenza con Janacek, secondo Kundera, è evidente: “L'espressionismo tedesco si distingue per il suo atteggiamento preferito verso stati d'animo eccessivi, delirio, follia. L'espressionismo di Janacek è il più ricco fan di emozioni, una stretta opposizione di tenerezza e maleducazione, furia e calma.

Kurt Weill

"L'opera da tre soldi"

La composizione, che formalmente appartiene ai classici del XX secolo, è stata venduta in hit, riproposta decine di volte, a cominciare dall'ingegnoso "Macky Knife", uno dei simboli melodici del secolo. Sebbene Weill sia un grande innovatore nel campo della musica accademica, nessun altro compositore della sua generazione ha ricevuto tale attenzione da artisti pop e rock.

Igor Stravinskij

"Edipo Re"

Dissimili "Petrushka" e "The Rite of Spring" non sembrano ancora essere opere di due autori diversi, mentre nell'opera-oratorio "Oedipus Rex" non riconosci certo il creatore di "Petrushka". Non è un caso che Stravinsky fosse chiamato un camaleonte e un uomo dai 1001 stili. Nell'"Edipo" cantano in latino, e la musica - forse la più bella di Stravinsky - risale al tardo barocco: niente arcaismo russo, niente frittelle.

Dmitrij Shostakovich

"Lady Macbeth del distretto di Mtsensk"

I temi principali di una delle opere chiave del Novecento sono stati il sesso e la violenza; ecco perché, poco dopo la trionfante prima del 1934, fu ufficialmente bandito dallo stesso Stalin nel 1936. Presta particolare attenzione al ballo degli ospiti nel terzo atto e al canto dei detenuti nel quarto: una volta ascoltato, è già impossibile dimenticare.

Riccardo Strauss

"Elettra"

L'opera è basata sulla storia della morte del re Agamennone, ucciso dalla moglie e dal suo amante. La figlia del re odia sua madre e vive nella speranza della punizione. Spinta da nobili motivi, l'eroina si sente come uno strumento nelle mani di Dio e questa ossessione la trasforma in un mostro. Al primo momento di una storia così cupa, l'orchestra fa cadere sugli ascoltatori una musica così disperata che i capelli si rizzano. L'opera, che si svolge ininterrottamente per quasi due ore, è come una grandiosa sinfonia, dalla quale non ci si può staccare.

Assolo. pianoforte e violino

Carlo Ives

"Sonata" Concorde "

Più che una sonata, un intero studio sull'argomento: la musica può esprimere qualcosa oltre a come suona? Una delle più importanti composizioni per pianoforte del '900 è rimasta incompiuta solo perché lo stesso autore lo ha deciso: “La sonata mi sembra incompiuta ogni volta che la suono. Forse non mi negherò il piacere di non finirlo affatto. La sonata è intrisa del "tema del destino" di Beethoven, sia che ristabilisca l'ordine in mezzo al caos, sia che giri la storia di 180 gradi.

Johann Sebastian Bach

"Clavicembalo ben temperato" (HTK)

Probabilmente l'opera più perfetta nella storia della musica: due cicli di 24 preludi e fughe in tutte le tonalità esistenti sono come due colossali cattedrali gotiche, una più bella dell'altra. Quasi chiunque può prendere il primo preludio in do maggiore al pianoforte; tuttavia, gradualmente il ciclo diventa più complesso. E tutto è più interessante.

Johann Sebastian Bach

Sonate e partite per violino solo

Non è noioso ascoltare a lungo un violino solitario? Niente affatto: può fare molto di più di quanto possiamo immaginare. Per lo meno, Bach si sforza per la piena copertura delle sue possibilità. La perla del ciclo è la famosa ciaccona, che è la musica più struggente del mondo.

Ludwig van Beethoven

Sonata per pianoforte n. 14

Tra le 32 sonate per pianoforte di Beethoven, Moonlight potrebbe non essere la migliore, ma sicuramente la più famosa; è stato citato da molti - da Shostakovich a Gli scarafaggi. Poche opere al mondo hanno superato i propri confini a tal punto, diventando un simbolo di amore non corrisposto.

Claude Debussy

Preludi

Una sintetica enciclopedia dell'opera del grande compositore, una bizzarra combinazione di romanticismo e impressionismo, antiche tradizioni della musica per pianoforte e paradossi del XX secolo. I nomi di ogni preludio non sono all'inizio, ma alla fine delle note, come se chiedesse all'ascoltatore indovinelli, controllando se ha catturato correttamente l'atmosfera del pezzo, che si tratti di "Vele", "Passi nella neve" , “Nebbie” o “Fuochi d'artificio”.

Olivier Messiaen

"Venti sguardi a Gesù Bambino"

Una delle opere principali di Messiaen, anche nell'anno del suo centenario, è stata recitata più spesso a frammenti che nella sua interezza: questo ciclo richiede troppa dedizione. La più grande composizione per pianoforte dell'epoca, con la quale si possono confrontare solo 24 preludi e fughe di Shostakovich, è una creazione atipica della metà del XX secolo: dov'è l'ironia e la riflessione, dov'è il rigore e il calcolo? Questa è una grande preghiera, due ore e un quarto per eccellenza musica importante con molte ripetizioni.

Wolfgang Amadeus Mozart

Sonata per pianoforte n. 11

Il noto Rondo turco in realtà non è un brano indipendente, ma il finale di una delle sonate di Mozart, le cui altre parti non sono meno piacevoli. Come, infatti, altri sonate per pianoforte Mozart, per non parlare delle sue Fantasie.

Il modesto Musorgskij

"Quadri di una mostra"

Questo ciclo è meglio conosciuto per la sua orchestrazione di Maurice Ravel, che oggi è percepito come un successo brillante, ma molto pop. Ascolta la versione originale di "Pictures", originariamente scritta per pianoforte, e rimarrai stupito da quanto questa musica sia insolita e per nulla di successo.

Niccolò Paganini

24 capricci per violino solo

Una nuova parola per scoprire le possibilità del violino e dei violinisti, che è stata una prova di virtuosismo già dal terzo secolo. Più noto di altri è l'ultimo, ventiquattresimo capriccio - breve, ma tema geniale, variazioni su cui scrissero molti grandi compositori.

Eric Satie

Gimnopedie e altre opere per pianoforte

Sebbene Satie sia un compositore del 20° secolo, molte sue opere sono apparse nel secolo precedente: nel 1888 furono scritte innopedie che anticipavano il genere dell'ascolto facile. Sati possedeva anche l'idea della musica come sfondo discreto: oggi non c'è nessun posto dove andare, ma cento anni fa era nuova.

Frederic Chopin

24 Preludi per pianoforte

Enciclopedia romanticismo musicale e allo stesso tempo un variopinto caleidoscopio di generi: elegia, mazurka, marcia, canzone senza parole e molto altro. Il principale mezzo di espressione, che attira l'attenzione dell'ascoltatore, è il contrasto di maggiore e minore in ciascuna coppia di preludi adiacenti.

Robert Schumann

"Kreisleriana"

Un ciclo di spettacoli di fantasia, il cui nome è stato dato dall'immagine di Johannes Kreisler, il folle capobanda inventato da Hoffmann, che spaventa chi lo circonda con la sua devozione alla musica. Una delle migliori opere di Schumann, il compositore più romantico che sia mai esistito.

Capolavori della musica vocale

Johann Sebastian Bach

Cantate

Oltre alla magnifica "Passione" e alla Messa in si minore, Bach scrisse oltre duecento cantate. Ancora più di questa lista, meritano le parole " La musica migliore nel mondo". Riempirai una playlist con molti mesi di anticipo se decidi di ascoltarle tutte gradualmente. Per l'impossibilità di individuare i migliori tra i migliori, ne segnaliamo tre: “Gioisce il cielo, esulta la terra” (BWV 31) con un magnifico assolo di tromba nel finale, “Chi crederà e sarà battezzato” (BWV 37) con una meravigliosa aria "La fede crea le ali per l'anima" e probabilmente la più famosa "Ne ho abbastanza" (BWV 82).

Luciano Berio

Canzoni folk

Un saggio veramente universale; Berio, il più importante artista d'avanguardia della seconda metà del 20° secolo, ha elaborato una serie di brani autentici provenienti dall'Europa e dall'Asia, aggiungendovi un paio di suoi. L'ascoltatore, che è lontano dall'avanguardia, sarà felice che anche gli artisti d'avanguardia abbiano opere che sembrano semplici e comprensibili.

Benjamin Britten

Requiem di guerra

Composizione insolita: due orchestre con due direttori, due cori, tre solisti e un organo. Tenore, baritono e orchestra da camera sono responsabili della parte "militare" del requiem, che si basa sulle poesie del poeta morto nella prima guerra mondiale. L'orchestra sinfonica, il coro e il soprano eseguono le parti tradizionali del requiem da "Requiem æternam" e "Dies irae" ad "Agnus Dei" e "Libera me". Un risultato sorprendente, a differenza sia delle messe funebri delle epoche precedenti, sia dei requiem non tradizionali del XX secolo.

Antonio Vivaldi

Arie da opere

Dovresti ascoltare almeno allora per sapere: "The Four Seasons" non è l'unico, e forse nemmeno miglior lavoro Vivaldi. Almeno, una raccolta delle sue arie eseguite da Magdalena Kozhena ti farà dimenticare per un po' il successo evergreen.

Valery Gavrilin

Quaderno russo. Quaderni tedeschi»

Il "quaderno russo" rifletteva l'esperienza del folclorista Gavrilin, e questo è profondamente saggio nazionale- un analogo dei grandi cicli di Schubert e Schumann. Ma con cosa confrontare "Taccuini tedeschi", scritti sui versi di Heine - il più che nessuno dei due è materiale di Schumann? Come spiegare l'apparizione di un ciclo così meraviglioso come il "Primo taccuino tedesco" in uno studente del secondo anno, dal quale il professore, sotto la minaccia di un due, chiede "qualcosa di vocale"? Probabilmente solo un miracolo.

Georg Friedrich Händel

"Messia"

Alla vigilia delle festività religiose, il "Messia" viene eseguito in tutto il mondo; associato a questo storia vera su un'orchestra. Alla domanda "Cosa ti è successo?" ha risposto: “Ho avuto un incubo! Ho sognato di suonare di nuovo "Messiah"! Inoltre, quando mi sono svegliato, si è rivelato essere vero! Le migliori esibizioni di "Messiah" non hanno nulla a che fare con questa realtà, è davvero musica divina. Dopo aver completato Il Messia in tre settimane, Händel disse: "Pensavo che il cielo si fosse aperto e vedo il Creatore".

Gustav Mahler

Canzoni sui bambini morti

Una delle composizioni più terribili nella storia della musica: crediamo nel destino, vero, ma subito dopo la creazione di questo ciclo vocale Mahler ha perso la sua amata figlia. Cinque canzoni incredibilmente belle e inesprimibilmente tristi.

Gustav Mahler

"Canto della Terra"

La prima sinfonia, dove cantano dall'inizio alla fine, e grande orchestra camera dei suoni - in modo da poter ascoltare tutti gli strumenti. L'ultima parte - "Addio" - l'autore considerava suicida, ma voglio tornarci ancora e ancora.

Olivier Messiaen

Tre Piccole Liturgie della Presenza Divina

Cattolicesimo, studio del linguaggio degli uccelli e attenzione alle culture extraeuropee: queste caratteristiche formano l'opera di Messiaen, una direzione separata nella musica del XX secolo. Sebbene il linguaggio di Messiaen sia diverso da quello di chiunque altro, la sua musica è insolitamente contagiosa: ascolta almeno una volta le liturgie e noterai che le stai canticchiando.

Alfred Schnittke

"La storia del dottor Johann Faust"

La cantata di Schnittke non ha nulla in comune con il Faust di Goethe: si basa sul "Libro del popolo sul Faust" del XVI secolo. Una scoperta brillante è Mefistofele, che appare in due forme: il diavolo seducente (controtenore), il diavolo beffardo e punitore (contralto). Sebbene la prevista partecipazione di Alla Pugacheva alla prima di Mosca sia stata annullata, la polizia a cavallo era in servizio vicino alla sala. L'umiliazione dell'eroe culmina in un vivace tango con i sassofoni, che si intromette inaspettatamente nella musica aspra.

Dmitrij Shostakovich

Sinfonia n. 14

Sebbene la penultima sinfonia di Shostakovich sia dedicata a Britten, è più strettamente associata a Mahler. Si tratta, in sostanza, di una continuazione del suo "Canto della Terra", una cantata sinfonica con la partecipazione di due cantanti, completamente dedicata alla morte. Anche tra le cupe sinfonie di Shostakovich, questa in particolare è piena di depressione e senso di solitudine. Due voci si uniscono solo per cantare nel finale: “La morte è onnipotente. È in guardia e nell'ora della felicità.

Franz Schubert

"Via invernale"

cima del mondo musica vocale: 24 canzoni accomunate da un comune stato d'animo amaro e cupe immagini della natura. Il finale, "The Organ Grinder", è una delle canzoni più disperate di Schubert (e ne ha circa 600!): una cupa melodia risuona sullo sfondo dei suoni opachi e monotoni di un organetto.

Grandi sinfonie

Ettore Berlioz

Sinfonia fantastica

Uno dei primi - forse il più eclatante - esempi musica in programma: cioè musica che è preceduta da uno scenario specifico. La storia dell'amore non corrisposto di Berlioz per l'attrice irlandese Harriet Smithson ha costituito la base del capolavoro, dove ci sono "Dreams" e "Ball" e "Scene in the Fields" e "Procession to the Execution" e persino " Sogna nella notte di sabato".

Ludwig van Beethoven

Sinfonia n. 7

Delle tre sinfonie più famose di Beethoven, è meglio iniziare non con la Quinta con il suo "tema del destino" e non con la Nona con il suo finale "Abbraccio, milioni". Nella settima c'è molto meno pathos e più umorismo, e l'ingegnosa seconda parte è familiare anche agli ascoltatori lontani dai classici dall'elaborazione del gruppo dei Deep Purple.

Johannes Brahms

Sinfonia n. 3

La prima sinfonia di Brahms fu chiamata Decima sinfonia di Beethoven, riferendosi alla continuità della tradizione. Ma se le nove sinfonie di Beethoven non sono uguali, ciascuna delle quattro sinfonie di Brahms è un capolavoro. Il pomposo inizio della Terza è solo una luminosa copertura per un'affermazione profondamente lirica, che raggiunge il suo culmine in un indimenticabile allegretto.

Anton Bruckner

Sinfonia n. 7

Il successore di Bruckner è Mahler; sullo sfondo delle sue tele da montagne russe, le sinfonie di Bruckner possono sembrare noiose, specialmente i loro infiniti adagios. Tuttavia, ogni adagio è seguito da uno scherzo emozionante e la Settima Sinfonia non ti farà annoiare fin dal primo movimento, premuroso e persistente. Non meno belli il finale, lo scherzo e l'adagio dedicati alla memoria di Wagner.

Giuseppe Haydn

Sinfonia n. 45 "Addio"

Sembra impossibile scrivere più facilmente di Haydn, ma questa semplicità ingannevole racchiude il segreto principale della sua abilità. Delle sue centoquattro sinfonie, solo undici sono state scritte in minore, e la migliore tra queste è "Farewell", nel cui finale i musicisti lasciano il palco uno alla volta. Fu da Haydn che il gruppo Nautilus Pompilius prese in prestito questa tecnica per eseguire la canzone "Goodbye America".

Giuseppe Haydn

Sinfonia n. 90

Sullo sfondo dell'impetuoso Farewell, le ultime sinfonie di Haydn sono molto più equilibrate e positive. Sono pieni di calore speciale, bellezza e armonia senza arte. E, naturalmente, umorismo: ultima parte La sinfonia è coronata da un finale "falso", che anche il pubblico sofisticato prende per reale e inizia ad applaudire quando l'orchestra sta ancora suonando.

Antonino Dvorak

Sinfonia n. 9 "Dal nuovo mondo"

Raccogliendo materiale per la sinfonia, Dvořák ha studiato musica nazionale L'America, invece, ha fatto a meno di citare, cercando in primo luogo di incarnarne lo spirito. La sinfonia in molti modi risale sia a Brahms che a Beethoven, ma è priva della pomposità insita nelle loro opere.

Gustav Mahler

Sinfonia n. 5

Le due migliori sinfonie di Mahler sembrano somigliarsi solo all'inizio. La confusione delle prime parti della Quinta porta a un adagietto da manuale, pieno di languore, più volte utilizzato nel cinema e nel teatro. E alla sinistra fanfara dell'introduzione risponde un finale ottimista del tutto tradizionale.

Gustav Mahler

Sinfonia n. 6

Chi avrebbe mai pensato che la prossima sinfonia di Mahler sarebbe stata la musica più oscura e senza speranza del mondo! Il compositore sembra piangere l'intera umanità: un tale stato d'animo si afferma fin dalle prime note e peggiora solo verso il finale, che non contiene un raggio di speranza. Non per i deboli di cuore.

Gustav Mahler

Sinfonia n. 7

La trilogia si conclude con una sinfonia-mistero. È generalmente considerato scomodo per l'esecuzione e la percezione, sebbene questa sia una vera celebrazione della musica: se volenti o nolenti cerchi ancora il conflitto nel resto delle sinfonie di Mahler, è quasi impossibile trovarlo qui. Si può solo intuire perché, tra le parti estreme della settima, sia posta, per così dire, un'altra sinfonia interna di due ottavi e uno scherzo centrale.

Wolfgang Amadeus Mozart

Sinfonia n. 25

Tra le oltre quaranta sinfonie di Mozart, solo due sono scritte in tonalità minore, e nella stessa: Sol minore unisce alcune sue opere chiave. Il venticinquesimo e il quarantesimo sono separati da quindici anni, nel caso di Mozart, quasi mezza vita. Entrambi sono ugualmente tristi, ma se il quarantesimo si svolge pensieroso e lentamente, il venticinquesimo cade su di te con tutta la rapidità dell'era di "tempesta e stress".

Wolfgang Amadeus Mozart

Sinfonia n. 40

Un altro super successo, il cui inizio provoca irritazione involontaria. Cerca di accordare l'orecchio come se sentissi per la prima volta la quarantesima (meglio se lo fosse): questo ti aiuterà a sopravvivere alla prima parte brillante, se completamente battuta, e saprai che è seguita da non meno meravigliosa seconda, terza e quarto.

Sergei Prokofiev

Sinfonia classica

Prokofiev ha spiegato il nome della sinfonia come segue: "Per malizia, per stuzzicare le oche e nella segreta speranza che ... lo batterò se, nel tempo, la sinfonia si rivelerà così classica". Dopo una serie di composizioni audaci che hanno entusiasmato il pubblico, Prokofiev ha composto una sinfonia nello spirito di Haydn; è diventato un classico quasi subito, anche se le altre sue sinfonie non hanno nulla in comune con esso.

Pyotr Ciajkovskij

Sinfonia n. 5

La Quinta Sinfonia di Ciajkovskij non è così popolare come i suoi balletti, sebbene il suo potenziale melodico non sia da meno; su due o tre minuti qualsiasi potrebbe avere successo, per esempio, Paul McCartney. Se vuoi capire cos'è una sinfonia, ascolta la Quinta di Čajkovskij, uno dei migliori e più completi esempi del genere.

Dmitrij Shostakovich

Sinfonia n. 5

Nel 1936 Shostakovich fu oggetto di diffamazione a livello statale. In risposta, chiedendo aiuto alle ombre di Bach, Beethoven, Mahler e Mussorgsky, il compositore ha creato un'opera che è diventata un classico già al momento della prima. Secondo la leggenda, Boris Pasternak ha parlato della sinfonia e del suo autore: "Ha detto tutto ciò che voleva - e non ha ottenuto nulla per questo".

Dmitrij Shostakovich

Sinfonia n. 7

Uno dei simboli musicali del Novecento e sicuramente il principale simbolo musicale Seconda guerra mondiale. Un insinuante rullo di tamburi inizia il famoso "tema dell'invasione", illustrando non solo il fascismo o lo stalinismo, ma qualsiasi epoca storica basato sulla violenza.

Franz Schubert.** Sinfonia incompiuta

L'Ottava Sinfonia si chiama Unfinished - invece di quattro parti, ce ne sono solo due; tuttavia, sono così saturi e forti da essere percepiti come un tutto completo. Dopo aver interrotto il lavoro sull'opera, il compositore non lo toccò più.

Bela Bartok.

Concerto per orchestra

Bartók è meglio conosciuto come l'autore di innumerevoli opere teatrali per scuole di musica. Il fatto che questo sia lontano dall'insieme di Bartok è evidenziato dal suo concerto, dove l'austerità accompagna la parodia e allegre melodie popolari accompagnano una tecnica sofisticata. Infatti, la sinfonia d'addio di Bartók, così come le Danze sinfoniche di Rachmaninov.

Sergej Rachmaninov

"Danze sinfoniche"

L'ultima opera di Rachmaninov è un capolavoro di potenza senza precedenti. L'inizio sembra avvertire di un terremoto: è sia un presagio degli orrori della guerra sia una consapevolezza della fine epoca romantica nella musica. Rachmaninov ha definito "Danze" il suo lavoro migliore e preferito.

I tesori della musica da camera

Johannes Brahms

Sonata per violino e pianoforte n. 3

L'ensemble da camera è uno dei migliori tipi di produzione musicale: una sonata per violino, un trio con pianoforte o un quartetto d'archi possono spesso esprimere molto di più di un balletto o di una sinfonia. Sinonimo musica da camera- il nome di Brahms, in cui ogni opera da camera è un capolavoro. Compresa questa sonata, il cui inizio indimenticabile nasce da una frase, come interrotta a metà frase.

Ludwig van Beethoven

Quartetto d'archi n. 11 "Serioso"

I tardi quartetti di Beethoven sono uno degli apici della musica da camera. Prima di allora, il compositore non li scriveva da quasi quindici anni, dopo essersi soffermato dopo l'ingegnoso quartetto in fa minore con il sottotitolo "Serioso" - "Serious". Nonostante la sua brevità, è incredibilmente ricco di idee e sbalzi d'umore, in particolare la parte veloce, la cui intonazione scorre senza sosta tra interrogativo e affermativo.

Johannes Brahms.

Quartetto per pianoforte, violino, viola e violoncello n. 1

Un'altra chicca, dove ogni capitolo è pieno di sorprese, soprattutto gli ultimi due: non sorprende questa marcia esultante nel mezzo della parte lirica? La finale "Rondo in the Hungarian Style" non si lascia alle spalle nessuna delle "Danze ungheresi"? Il quartetto fu creato da Brahms molto prima della sua prima sinfonia, ma ai quattro strumenti fu data una tale ricchezza di melodie e armonie che sarebbe bastata per un'intera orchestra.

Antonino Dvorak

Quintetto per pianoforte, due violini, viola e violoncello №2

Il secondo quintetto Dvorak fu creato nel 1887, un quarto di secolo dopo il quartetto di Brahms. Un'altra composizione tardo romantica, ancora più contrastante e ancora più densamente condita con motivi dell'Europa orientale: c'è posto sia per il pensiero ucraino che per le danze boeme. Ci sono tre personaggi principali qui: violoncello e viola, i cui assoli aprono il primo e il secondo movimento, così come il pianoforte, che collega il tessuto del quintetto con fili invisibili.

Wolfgang Amadeus Mozart

Sonata per violino e pianoforte n. 21

La musica più triste del mondo.

Cesare Franco

Sonata per violino e pianoforte

Una delle migliori sonate per violino mai scritte è una composizione completamente romantica, che si sforza con tutte le sue forze di andare oltre il romanticismo. Senza dubbio, ricorderai per la prima volta la prima frase incredibilmente bella, e non solo.

Pyotr Ciajkovskij

"In memoria di un grande artista"

Per molti, Tchaikovsky - "Lo Schiaccianoci", "La bella addormentata", il Primo Concerto per pianoforte. Il trio "In Memory of a Great Artist" non ha nulla a che fare con queste opere: un'affermazione tragica, profondamente intima, priva di ogni tipo di pesantezza e pomposità. Non hai mai sentito Čajkovskij del genere.

Dmitrij Shostakovich

Quartetto d'archi n. 8

Il nome "In memoria delle vittime del fascismo e della guerra" è solo una copertura per il vero nome che Shostakovich aveva in mente: "In memoria dell'autore di questo quartetto". Non è affatto l'ultima opera del compositore, tuttavia, è diventata il suo monumento a se stesso: un triste epitaffio, stratificato con citazioni dalle migliori opere di Shostakovich.

Franz Schubert

Trio per pianoforte n. 2

Le composizioni cameristiche di Schubert non sono meno espressive e penetranti di quelle vocali. Ne è un esempio il trio per pianoforte, violino e violoncello: il tema principale del suo secondo movimento è ricordato dalla prima volta e per tutta la vita, guardalo.

Classici del 20° secolo

Carlo Ives

"La domanda senza risposta"

Un piccolo capolavoro è la chiave di tutta la musica del 20° secolo: gli archi suonano una cosa, i flauti un'altra, la tromba una terza. Non c'è una melodia accattivante, ma suona bella e ammaliante.

Arnold Schönberg

Serenata

Un altro, insieme a Wozzeck, esempio di "dodecafonia con volto umano". Sebbene sia improbabile che qualcuno riesca a cantare alcune battute di una serenata, è piena di grinta e umorismo: tra gli strumenti c'è una chitarra e un mandolino, che conferiscono al suono freddo dell'ensemble un po' di informalità e persino folk.

Arnold Schönberg

"Moon Pierrot"

Se la serenata è un esempio di uno stile rigoroso e consolidato, Lunar Pierrot è solo una ricerca: Schoenberg non ha ancora scoperto la dodecafonia, ma ha già abbandonato la tonalità, maggiore e minore. Con l'accompagnamento di un piccolo ensemble suona parte vocale nel modo di parlare cantando - nel mezzo tra il canto e il discorso umano eccitato. Uno degli scritti più rivoluzionari del XX secolo.

Pierre Boulez

"Martello senza maestro"

Il musicista che ha creato le registrazioni di riferimento delle composizioni di Schoenberg ha risposto alla sua morte con un articolo dal titolo provocatorio "Schoenberg è morto". E tre anni dopo, "The Hammer Without a Master" è apparso per voce e ensemble, una sorta di "Lunar Pierrot" della seconda metà del XX secolo. Stravinsky, che identificò il "Lunar Pierrot" come il plesso solare nuova musica, in seguito senza esitazione chiamerà "Hammer without a master" il migliore saggio contemporaneo, che suona "come cubetti di ghiaccio che si scontrano in un bicchiere".

Claude Debussy

"Il pomeriggio di un fauno"

Il giorno della prima dell'opera - 22 dicembre 1894 - divenne il compleanno impressionismo musicale. "Faun" inizia con un indimenticabile assolo di flauto che ha aperto nuovi orizzonti nella world music.

Zoltan Kodai

"Ballando da Galanta"

Un gioco efficace basato su autentiche melodie popolari, dove ritmo lento cambia così velocemente da togliere il fiato. Questo cambio di passo caratteristica saliente verbunkos, una danza ungherese eseguita nelle stazioni di reclutamento e in occasione dell'addio all'esercito. Quindici minuti di pura gioia.

Dario Millau

"Creazione del mondo"

I compositori francesi del gruppo Six hanno proposto una versione europea di ciò che Gershwin è riuscito a realizzare: unire la tradizione classica con il jazz e le sonorità della grande città, rivolgendosi a forme semplici e melodie accattivanti. Milhaud ha avuto particolare successo con i suoi balletti Il toro sul tetto e La creazione del mondo. "Mi piace, e anche questo è un classico!?" - tu chiedi. Certamente sì.

Arthur Honegger

"Pacifico 231"

Altro simbolo musicale del Novecento in generale e progresso tecnico in particolare. Dopo aver terminato un energico pezzo orchestrale, l'autore per divertimento gli ha dato il nome della locomotiva a vapore più potente del mondo. Il pubblico ha preso sul serio la battuta quando ha sentito in Pacifica il ritratto sonoro di una locomotiva a vapore che accelera, ronza e poi rallenta; grande musica che dà molto spazio all'immaginazione.

Krzysztof Penderecki

"Lamento per le vittime di Hiroshima"

Il gioco, come Pacific 231, è stato glorificato principalmente dal titolo. Scritta nella lingua più avanzata per la metà del 20° secolo, la partitura non ebbe successo con il nome originale "8.37", ma con il nuovo nome divenne molto popolare, anche se non fu cambiata una sola nota. Per quanto Pacific sia positivo, Lament è altrettanto deprimente, anche se dovresti assolutamente conoscerlo.

Sergei Prokofiev

"Romeo e Giulietta"

La migliore delle incarnazioni musicali Tragedia shakespeariana, numerando diversi successi - in primis a tutti argomento famoso"Danza dei Cavalieri" (popolarmente chiamata "Montaghi e Capuleti"). È incredibile che grande teatro, su cui fu scritto il balletto, in un primo momento lo rifiutò, ritenendo la musica fuori scena e impensabile per il teatro.

Maurizio Ravel

"Bolero"

Rullo di tamburi, il flauto suona un tema ingannevolmente semplice, che viene gradualmente ripreso da altri strumenti dell'orchestra. Sembra uno schema semplice, ma l'ascoltatore rimarrà comunque a bocca aperta, anche se conosce Bolero a memoria.

Maurizio Ravel

Valzer

Da un rombo indistinto, un tipico valzer viennese. I ballerini girano sempre più veloci e finalmente scoppia la molla di questo infuriato carillon. Una rappresentazione inquietante e perfetta della fine di un'epoca bellissima, che è stata sostituita da un secolo di guerre mondiali.

Arvo Part

Frati

Pärt è il compositore contemporaneo più eseguito, le sue composizioni sono ascoltate in tutto il mondo centinaia di volte l'anno. A metà degli anni '70, Pärt è passato dall'avanguardia alla musica lenta tranquilla, che si è rivelata insolitamente richiesta: molti fan di Pärt sono lontani dai classici e percepiscono le sue opere come una sorta di sedativo musicale. La composizione di riferimento è "Fratres", che suona in modo diverso in ciascuna delle numerose edizioni, ma non perde l'intonazione di un triste punto interrogativo.

Steve Reich

"Treni diversi"

Un altro classico vivente, un tempo noto come avanguardia. “Other Trains” è un monumento alle vittime dell'Olocausto: Reich contrappone i treni della sua infanzia, sui quali ha attraversato più volte l'America, ad altri che hanno mandato i suoi coetanei europei nei campi di concentramento. Saggio scritto per quartetto d'archi e una colonna sonora, che include il suono delle ruote, i fischi delle locomotive, le storie dei sopravvissuti all'Olocausto. Frammenti del linguaggio umano, registrati con note, sono diventati la base delle parti strumentali. Ideale per il primo incontro con Reich.

Igor Stravinskij

"Prezzemolo"

Una delle espressioni più perfette dello spirito russo nella musica: Carnevale, ghironda, armonica, zingari, un orso addestrato, "Along the Piterskaya", "Oh, my baldacchino, baldacchino", carnevale, divertimento, frittelle.

Igor Stravinskij

"Sacra primavera"

L'esatto contrario di "Petrushka": paganesimo, paura della morte, danze lente e cupe, sacrificio nella speranza di placare gli elementi, spazzare via completamente le armonie - una delle partiture più rivoluzionarie e scandalose nella storia della musica.

Alfred Schnittke

concerto grosso №1

Biglietto da visita del capo compositore sovietico dopo Shostakovich: elementi di stili che si escludono a vicenda si fondono qui in un tutto unico. "Come parte del Concerto grosso, ho introdotto un corale per bambini sbarazzino, una serenata nostalgica-atonale - un trio garantito per essere genuino Corelli (prodotto in URSS) e il tango preferito di mia nonna, che la sua bisnonna suona al clavicembalo. "

Alfred Schnittke

"Racconto di revisione"

Un'introduzione ideale alla musica di Schnittke per coloro che la trovano troppo complessa. La combinazione del clavicembalo con strumenti pop crea uno spazio sfaccettato, dove trovano posto il "tema del destino" di Beethoven e una parodia di Haydn, le cui intonazioni sono portate allo zucchero, e le ombre di Mozart e Ciajkovskij, ballare il tango e cancan.

Solo capolavori

Johann Sebastian Bach

Suites per Orchestra n. 2 e 3

Rispetto a HTK, due suite suonano come musica leggera, tanto più che ognuno contiene almeno un super hit: rispettivamente "Joke" e "Aria", che da tempo sono venduti in suonerie e screensaver televisivi e radiofonici. Tuttavia, ciò potrebbe accadere con altri frammenti di queste suite, piene di melodie luminose.

Johannes Brahms

"Danze ungheresi"

Se una Orchestra Sinfonica fa il bis, in un caso su tre il direttore sceglierà il Primo ballo ungherese; in casi estremi - il quinto. Due dozzine di miniature per due pianoforti, poi arrangiate per orchestra, furono create sulla base di autentiche melodie ungheresi; risultato - 21 bis esemplari.

Edvard Grieg

"Peer Gynt"

Il dramma di Ibsen "Peer Gynt" è famoso in tutto il mondo e la musica di Grieg scritta per la sua prima è ancora più popolare: "Solveig's Song" e "In the Cave re della montagna sicuramente lo sai. Non negarti il piacere di ascoltare "Peer Gynt" nella sua interezza.

Alexander Scriabin

"Prometeo"

Nella sua ultima e, forse, la sua opera sinfonica più significativa, Scriabin ha cercato di esprimere l'idea del trionfo dello spirito, per ottenere il massimo splendore. Pertanto, "Prometheus" (aka "The Poem of Fire") è stato scritto non solo per orchestra, pianoforte, organo e coro, ma anche per la tastiera illuminata, coinvolgendo sala concerti in un bagliore di un colore o dell'altro. Tuttavia, di per sé la musica di "Prometheus" è letteralmente traboccante di luce solare.

Bedrich Smetana

"La mia patria"

Il ciclo di poemi sinfonici è un ritratto musicale della Repubblica Ceca, della sua storia, natura e leggende. Particolarmente popolare è la "Vltava", in cui si può ascoltare lo scorrere del fiume, e la caccia nella foresta sulle sue sponde, e le danze notturne delle sirene. argomento principale trae origine dalla canzone italiana del 17° secolo "La Mantovana". Più tardi, la stessa melodia formò la base dell'inno di Israele.

Nikolai Rimsky-Korsakov

"Scherzade"

In primo luogo, l'autore ha dato i nomi delle parti della suite: "Il mare e la nave di Sinbad", " storia di fantasia Il principe Kalender", "Il principe e la principessa", "Vacanze a Baghdad. Mare. La nave si schianta su una roccia il cavaliere di bronzo. Conclusione”, ma in seguito ha deciso di rimuoverli. Ciononostante sono ben noti e, ascoltando la musica, associamo involontariamente il violino alla voce di Scheherazade, le esclamazioni degli strumenti a fiato con una tempesta in mare, l'assolo di flauto con la nave di Sinbad il Marinaio. Uno dei migliori esempi di musica a programma.

Riccardo Strauss

"Don Chisciotte"

Tra le opere di Strauss, la poesia più famosa è "Così parlò Zarathustra", la cui introduzione funge da salvaschermo per il programma "Cosa? Dove? Quando?". Tuttavia, Don Chisciotte, dove il violoncello canta per conto del famoso cavaliere, è molto più ricco di colpi di scena inaspettati e, come poche altre musiche al mondo, assomiglia a un film emozionante.

Quindi, al centro della nostra attenzione oggi ci sono i brani di musica classica più famosi. La musica classica ha entusiasmato i suoi ascoltatori per diversi secoli, provocando loro una tempesta di sentimenti ed emozioni. È entrato a lungo nella storia e si intreccia con il presente con fili sottili.

Indubbiamente, in un lontano futuro, la musica classica non sarà meno richiesta, poiché un tale fenomeno nel mondo della musica non può perdere la sua rilevanza e significato.

Dai un nome a qualsiasi opera classica: sarà degna del primo posto in qualsiasi hit parade musicale. Ma poiché non è possibile confrontare tra loro le opere musicali classiche più famose, a causa della loro unicità artistica, le opere qui nominate sono presentate solo come opere di conoscenza.

"Serenata al chiaro di luna"

Ludwig van Beethoven

Nell'estate del 1801, la brillante opera di L.B. Beethoven, destinato a diventare famoso in tutto il mondo. Il nome di quest'opera, "Moonlight Sonata", è noto a tutti, dai vecchi ai giovani.

Ma inizialmente l'opera aveva il nome "Quasi Fantasia", che l'autore dedicò alla sua giovane allieva, l'amata Giulietta Guicciardi. E il nome con cui è noto fino ad oggi è stato inventato dal critico musicale e poeta Ludwig Relshtab dopo la morte di L.V. Beethoven. Quest'opera appartiene a una delle opere musicali più famose del compositore.

A proposito, un'eccellente collezione di musica classica è rappresentata dalle edizioni del quotidiano Komsomolskaya Pravda: libri compatti con dischi per ascoltare musica. Puoi leggere e ascoltare la sua musica - molto conveniente! Consigliato ordina i dischi di musica classica direttamente dalla nostra pagina : premi il pulsante “acquista” e vai subito in negozio.

"Marcia Turca"

Wolfgang Amadeus Mozart

Quest'opera è il terzo movimento della Sonata n. 11, nata nel 1783. Inizialmente si chiamava "Turkish Rondo" ed era molto popolare tra i musicisti austriaci, che in seguito lo ribattezzarono. All'opera è stato assegnato il nome "Marcia Turca" anche perché consonante con le orchestre giannizzere turche, per le quali è molto caratteristico il suono delle percussioni, che si può rintracciare anche nella "Marcia Turca" di V.A. Mozart.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Lo stesso compositore scrisse quest'opera al poema "La signora del lago" di W. Scott, o meglio al suo passaggio, e non avrebbe scritto una composizione così profondamente religiosa per la Chiesa. Qualche tempo dopo la comparsa dell'opera, un musicista sconosciuto, ispirato dalla preghiera "Ave Maria", ne ha impostato il testo sulla musica del geniale F. Schubert.

"Fantasia improvvisata"

Frederic Chopin

F. Chopin, il genio del periodo del romanticismo, dedicò quest'opera all'amico. E fu lui, Julian Fontana, a disobbedire alle indicazioni dell'autore ea pubblicarlo nel 1855, sei anni dopo la morte del compositore. F. Chopin credeva che il suo lavoro fosse simile all'improvvisato I. Moscheles, allievo di Beethoven, famoso compositore e un pianista, motivo del rifiuto di pubblicare "Fantasy-Impromptu". Tuttavia, nessuno ha mai considerato questo brillante lavoro un plagio, tranne l'autore stesso.

"Il volo del calabrone"

Nikolai Rimsky-Korsakov

Il compositore di quest'opera era un fan del folklore russo: era interessato alle fiabe. Ciò ha portato alla creazione dell'opera "The Tale of Tsar Saltan" basata sulla trama di A.S. Puskin. Parte di questa opera è l'intermezzo "Il volo del calabrone". Magistralmente, incredibilmente vividamente e brillantemente imitato nell'opera i suoni del volo di questo insetto N.A. Rimsky-Korsakov.

"Caprio n. 24"

Niccolò Paganini

Inizialmente, l'autore compose tutti i suoi capricci esclusivamente allo scopo di migliorare e affinare l'abilità nel suonare il violino. Alla fine, hanno portato musica per violino molte cose nuove e sconosciute prima. E il 24° capriccio, l'ultimo dei capricci composti di N. Paganini, porta una veloce tarantella con intonazioni popolari, ed è anche riconosciuto come una delle opere mai create per il violino, che non ha eguali in complessità.

"Vocalise, opus 34, n. 14"

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Questo lavoro completa la 34a opera del compositore, che combina quattordici brani scritti per voce con accompagnamento di pianoforte. La vocale, come previsto, non contiene parole, ma viene eseguita su una vocale. SV Rachmaninov lo dedicò ad Antonina Nezhdanova - Cantante di opera. Molto spesso questo lavoro viene eseguito al violino o al violoncello, accompagnato da accompagnamento di pianoforte.

"Chiaro di luna"

Claude Debussy

Questo lavoro è stato scritto dal compositore sotto l'impressione dei versi del poema poeta francese Campi di Verlaine. Il nome trasmette molto chiaramente la morbidezza e la commozione della melodia, che colpisce l'anima dell'ascoltatore. In 120 film generazioni diverse suona come una canzone popolare brillante compositore C. Debussy.

Come sempre, la migliore musica è nel nostro gruppo in contatto .

La musica ha un incredibile potere di influenzare una persona e quindi è uno dei mezzi più belli e potentissimi del suo sviluppo interiore. Sperimenta la musica nel modo in cui potrebbe vivere eventi reali nella sua vita e conoscere la musica è un'opportunità per un'esperienza di vita positiva.

“Qualsiasi forma di comunicazione con la musica insegna ad ascoltare la musica, migliorando costantemente la capacità di ascoltarla e pensarci”, diceva il famoso maestro D.B. Kabalevsky. Ma la forma più attiva e accessibile di comunicazione con la musica che risveglia pensieri e sentimenti sono i momenti in cui una persona agisce come un ascoltatore. È in questi momenti che gli è richiesto più attenzione, concentrazione e tensione forza mentale. "Ascolto" è il tipo principale di attività musicale. E quindi, è necessario sfruttare ogni occasione per formare un gusto musicale, la capacità di confrontare, contrastare, distinguere e riconoscere ciò che si è sentito.

Raffaello. Parnaso. Apollo e le Muse.

Cosa si può ascoltare nella musica oltre alla musica stessa? Se chiedi: cosa si vede nella foto dell'artista? Cosa si può leggere nel libro? Cosa si può vedere nel film? In tutti questi casi la risposta sarà più o meno specifica, perché il contenuto di queste opere d'arte è del tutto certo. Riflette alcuni aspetti della vita delle persone, lo stato della natura che li circonda, può essere raccontato a parole.

Ma se immagini l'esecuzione di un'orchestra o l'esecuzione di un brano strumentale di un musicista. È giusto chiedersi: a cosa stanno giocando? Domanda non relativa alla musica. Perché, allora, per cosa e per chi suona la musica? Ovviamente per chi lo ascolta. Quindi, puoi sentire qualcosa nella musica. Questo è ciò che attira le persone a lei.

Come ogni altra opera d'arte, la musica ci fa sentire eccitati, a volte provando dei sentimenti insoliti e forti. Se la musica fosse un vuoto gioco di suoni, non troverebbe una risposta spirituale, una persona rimarrebbe indifferente ad essa, indifferente ad essa. Ciò significa che la musica contiene qualcosa di importante, di significativo per una persona, cioè è significativa.

Qual è questo contenuto e come si manifesta? prima di tutto in quello. che la musica può trasmettere qualcosa stato mentale persona, per esprimere i suoi sentimenti, le sue esperienze. A volte il compositore inizia gli ascoltatori alla sua idea. Quindi in un modo o nell'altro spiega il contenuto dell'opera, ad esempio, gli dà il nome appropriato. Se il contenuto delle opere per strumenti o orchestra viene trasmesso principalmente solo dai mezzi espressivi della musica stessa, di cui cercherò di parlare separatamente, allora in voce, opere teatrali la parola, e l'azione, e la danza, e decorazione scene.

E quanto si può esprimere con l'aiuto dei soli suoni? Che cosa esattamente? Sono in grado di dipingere qualsiasi quadro, trasmettere movimento, raccontare la vita delle persone? Per fare ciò, devi rivolgerti alla musica stessa e cercare di "ascoltare" il contenuto che è in ogni opera.

TA Cechova nel suo lavoro offre i seguenti consigli ai principianti e agli ascoltatori non molto esperti:

1. All'inizio è meglio scegliere opere brevi fino a quando non si sviluppa l'abilità di "tracciare ad orecchio" i suoni.

2. Per l'ascolto è necessario scegliere composizioni di musica sia vocale (per voce) che strumentale (per vari strumenti musicali). Va ricordato che il testo opere vocali aiuta a comprendere il contenuto e le opere del programma musica strumentale con una certa trama, espressa nel titolo della composizione, è più facile per la percezione ed è meglio iniziare a fare esperienza nell'ascoltare la musica da loro.

3. Durante il suono, è necessario monitorare attentamente ciò che sta accadendo nella musica dall'inizio alla fine, abbracciando suono dopo suono con l'orecchio, senza perdere di vista nulla.

4. Di tanto in tanto, dovresti assolutamente tornare ad ascoltare opere familiari per imparare a riconoscerle facilmente e rapidamente, ad immaginarne mentalmente il suono (voce “interiore”).

5. In alcuni casi, puoi prendere un'illustrazione che si adatta al tuo umore a ciò che senti o disegnare il tuo " immagine musicale". Linee di opere letterarie, in particolare poetiche, che possono essere trovate in un'ampia varietà di scrittori e poeti famosi, aiuteranno anche a risvegliare la fantasia e l'immaginazione. Pensare al motivo per cui questi e non altri versi sono così in sintonia con quelli musicali ti aiuterà anche a sentire di più.

6. Alcuni composizioni musicali hanno gli stessi nomi, ma nel loro umore i sentimenti sono completamente diversi. Si dovrebbe ascoltare in modo particolare il suono di tali opere, memorizzarle e notare questa dissomiglianza per se stessi. (Cerca di distinguere caratteri e immagini).

P.Picasso. Tre musicisti

Per determinare la natura dell'opera, la sua percezione emotivo-figurativa, puoi prima utilizzare il dizionario delle emozioni estetiche che esistono nella musica come segni della natura del suono, offerto dallo scienziato, insegnante e psicologo V.G. Razhnikov.

GIOIA: divertente, festosa, rumorosa, frizzante, allegra, vivace, vivace, luminosa, radiosa

SOLENNALMENTE: maestoso, vittorioso, invitante, entusiasta, aggraziato, che afferma la vita

DELICATO: affettuoso, cordiale, commovente, affabile, fiducioso, gentile, senza malizia

TRANQUILLAMENTE: pacificamente, serenamente, bonariamente, con leggerezza, con trasparenza, con benevolenza

ECCITATO: ansioso, ansioso

PESANTE: goffo, spigoloso

TERRIBILE: dinamico, tragico

POETICO: sognante, melodioso, pieno di sentimento, riverente, cordiale

Un buon esempio qui è, per esempio, l'album "Seasons" di P.I. Ciajkovskij. Dove ogni mese ha il suo carattere e il suo umore. Immagini sonore della natura create da compositori di talento, può essere confrontato con le pagine artisti famosi, con una descrizione della bellezza del mondo in poesia. accattivante Notte al chiaro di luna, pieno di fascino magico, misterioso ed enigmatico: questa è l'immagine dell'opera teatrale "Moonlight" di K. Debussy. L'approccio tranquillo del mattino trasmette l'introduzione all'opera di Musorgskij L'alba sul fiume Moscova.

Debussy - Chiaro di luna

La musica ha accesso sia al mondo favoloso e fantastico che al mondo reale, in cui le persone vivono, si svolgono eventi quotidiani e vengono eseguite varie azioni. Come viene rappresentato nella musica? Nel primo caso, le opere del compositore russo, narratore musicale, Rimsky-Korsakov, saranno molto adatte. Ad esempio, le sue opere "The Tale of Tsar Saltan", "Sadko", "The Snow Maiden", "The Golden Cockerel", la suite "Scheherazade". Un bel po' immagini favolose tra i drammi di Musorgskij, uniti sotto nome comune"Quadri di una mostra", Anatoly Lyadov - un'immagine favolosa "Lago magico".

I. Levitano. Lago di foresta

La musica può trasmettere il carattere di una persona? Per cominciare, puoi conoscere i personaggi di "Carnevale" compositore tedesco Schumann. se confrontiamo i ritratti musicali di Florestan ed Eusebio, diventa chiaro quanto siano opposti: Florestan è impulsivo, sempre in movimento. mentre Eusebio è calmo, incline a sognare ad occhi aperti. Anche le maschere familiari sfarfallano al carnevale: il Pierrot spigoloso e leggermente divertente e il leggero Arlecchino con un'andatura saltellante.

Eusebio (da Carnevale) - Eusebio

Un altro carnevale è noto anche nella letteratura musicale... compositore francese Saint-Saens lo chiamava "Carnevale degli animali".

E dentro lavoro orchestrale"Il risveglio degli uccelli" di O. Messiaen trasmette in modo molto accurato i vari suoni di una foresta estiva piena di voci di uccelli, vengono creati ritratti di "cantanti della foresta".

Anton Arensky ha una suite "Silhouettes". La suite comprende cinque schizzi di ritratti, scritti in modo elegantemente rilassato, che attirano con la sottigliezza e l'arguzia delle immagini sonore.

La musica può dare un'idea di qualsiasi evento? Da un brano musicale puoi conoscere gli eventi di un lontano passato. Uno di loro è stato catturato in musica da Rimsky-Korsakov. La sua "Battaglia di Kerzhents" è un'immagine vivida di una feroce battaglia.

"Battaglia di Kerzhents"

Ascoltare e ascoltare musica sono due cose diverse. Il contenuto della musica è ricco e vario come il contenuto di altre forme d'arte. Solo si rivela con l'aiuto dei mezzi espressivi caratteristici della musica. A differenza dei suoni non musicali suoni musicali avere altezza esatta e una certa durata. Inoltre, possono avere un colore diverso, suonare forte o morbido, essere eseguiti rapidamente o lentamente. Melodia e accompagnamento, modo e armonia, metro e ritmo, registro e timbro, dinamica e tempo - tutto questo è mezzo di espressione arte musicale. Imparare ad ascoltarli e distinguerli, a capire il linguaggio della musica, in cui il compositore si rivolge all'ascoltatore, è tanto necessario quanto capire testo letterario, mezzo di pittura. Allora il contenuto delle opere d'arte musicale si rivelerà in tutta la sua ricchezza.

“Qualsiasi forma di comunicazione con la musica insegna ad ascoltare la musica, migliorando costantemente la capacità di ascoltarla e pensarci”, diceva il famoso maestro D.B. Kabalevsky. Ma la forma più attiva e accessibile di comunicazione con la musica che risveglia pensieri e sentimenti sono i momenti in cui una persona agisce come un ascoltatore. È in questi momenti che ha bisogno della massima attenzione, concentrazione e tensione della forza mentale. "Ascolto" è il tipo principale di attività musicale. E quindi, è necessario sfruttare ogni occasione per formare un gusto musicale, la capacità di confrontare, contrastare, distinguere e riconoscere ciò che si è sentito.

Raffaello. Parnaso. Apollo e le Muse.

Qual è questo contenuto e come si manifesta? Prima di tutto, il fatto che la musica sia in grado di trasmettere l'uno o l'altro stato d'animo di una persona, di esprimere i suoi sentimenti, le sue esperienze. A volte il compositore inizia gli ascoltatori alla sua idea. Quindi in un modo o nell'altro spiega il contenuto dell'opera, ad esempio, gli dà il nome appropriato. Se il contenuto delle opere per strumenti o orchestra viene trasmesso principalmente solo dai mezzi espressivi della musica stessa, di cui cercherò di parlare separatamente, allora nelle opere vocali, teatrali, questo coinvolge già la parola, e l'azione, e il danza e la decorazione del palcoscenico.

TA Cechova nel suo lavoro offre i seguenti consigli ai principianti e agli ascoltatori non molto esperti:

1. All'inizio, è meglio scegliere opere brevi, fino a quando non si è sviluppata l'abilità di "tracciamento uditivo" dei suoni.

2. Per l'ascolto è necessario scegliere composizioni di musica sia vocale (per voce) che strumentale (per vari strumenti musicali). Va ricordato che il testo nelle opere vocali aiuta a comprendere il contenuto e le opere di musica strumentale programmata con una certa trama, espressa nel titolo della composizione, sono più facili da percepire e iniziano a fare esperienza nell'ascolto della musica meglio da loro.

3. Durante il suono, è necessario monitorare attentamente ciò che sta accadendo nella musica dall'inizio alla fine, abbracciando suono dopo suono con l'orecchio, senza perdere di vista nulla.

4. Di tanto in tanto, dovresti assolutamente tornare ad ascoltare opere familiari per imparare a riconoscerle facilmente e rapidamente, ad immaginarne mentalmente il suono (voce “interiore”).

5. In alcuni casi, puoi prendere un'illustrazione che si adatta al tuo umore a ciò che senti o disegnare la tua "immagine musicale". Linee di opere letterarie, in particolare poetiche, che possono essere trovate in un'ampia varietà di scrittori e poeti famosi, aiuteranno anche a risvegliare la fantasia e l'immaginazione. Pensare al motivo per cui questi e non altri versi sono così in sintonia con quelli musicali ti aiuterà anche a sentire di più.

6. Alcune composizioni musicali hanno gli stessi nomi, ma nel loro stato d'animo i sentimenti sono completamente diversi. Si dovrebbe ascoltare in modo particolare il suono di tali opere, memorizzarle e notare questa dissomiglianza per se stessi. (Cerca di distinguere caratteri e immagini).

P.Picasso. Tre musicisti

GIOIA: divertente, festosa, rumorosa, frizzante, allegra, vivace, vivace, luminosa, radiosa

SOLENNALMENTE: maestoso, vittorioso, invitante, entusiasta, aggraziato, che afferma la vita

DELICATO: affettuoso, cordiale, commovente, affabile, fiducioso, gentile, senza malizia

TRANQUILLAMENTE: pacificamente, serenamente, bonariamente, con leggerezza, con trasparenza, con benevolenza

ECCITATO: ansioso, ansioso

PESANTE: goffo, spigoloso

TERRIBILE: dinamico, tragico

POETICO: sognante, melodioso, pieno di sentimento, riverente, cordiale

Un buon esempio qui è, per esempio, l'album "Seasons" di P.I. Ciajkovskij. Dove ogni mese ha il suo carattere e il suo umore. Le immagini sonore della natura, create da compositori di talento, possono essere paragonate ai paesaggi di artisti famosi, con la descrizione della bellezza del mondo circostante in poesia. Accattivante notte di luna, piena di fascino magico, misteriosa ed enigmatica: questa è l'immagine dell'opera teatrale "Moonlight" di C. Debussy. L'approccio tranquillo del mattino trasmette l'introduzione all'opera di Musorgskij L'alba sul fiume Moscova.

La musica ha accesso sia al mondo favoloso e fantastico che al mondo reale, in cui le persone vivono, si svolgono eventi quotidiani e vengono eseguite varie azioni. Come viene rappresentato nella musica? Nel primo caso, le opere del compositore russo, narratore musicale, Rimsky-Korsakov, saranno molto adatte. Ad esempio, le sue opere "The Tale of Tsar Saltan", "Sadko", "The Snow Maiden", "The Golden Cockerel", la suite "Scheherazade". Ci sono molte immagini favolose tra le opere di Mussorgsky, unite sotto il titolo generale "Pictures at an Exhibition", Anatoly Lyadov - un'immagine favolosa "Magic Lake".

I. Levitano. Lago di foresta

La musica può trasmettere il carattere di una persona? Per cominciare, puoi conoscere i personaggi del "Carnevale" del compositore tedesco Schumann. Se confrontiamo i ritratti musicali di Florestan ed Eusebio, diventa chiaro quanto siano opposti: Florestan è impulsivo, sempre in movimento, mentre Eusebio è calmo, incline a sognare ad occhi aperti. Anche le maschere familiari sfarfallano al carnevale: il Pierrot spigoloso e leggermente divertente e il leggero Arlecchino con un'andatura saltellante.

Eusebio (da Carnevale) - Eusebio

Un altro carnevale è noto anche nella letteratura musicale... Il compositore francese Saint-Saens lo chiamò "Carnevale degli animali".

E nell'opera orchestrale di O. Messiaen "The Awakening of the Birds" i vari suoni della foresta estiva pieni di voci di uccelli sono trasmessi in modo molto accurato, vengono creati ritratti di "cantanti della foresta".

Anton Arensky ha una suite "Silhouettes". La suite comprende cinque schizzi di ritratti, scritti in modo elegantemente rilassato, che attirano con la sottigliezza e l'arguzia delle immagini sonore.

Ascoltare e ascoltare musica sono due cose diverse. Il contenuto della musica è ricco e vario come il contenuto di altre forme d'arte. Solo si rivela con l'aiuto dei mezzi espressivi caratteristici della musica. A differenza dei suoni non musicali, i suoni musicali hanno un'altezza esatta e una durata definita. Inoltre, possono avere un colore diverso, suonare forte o morbido, essere eseguiti rapidamente o lentamente. Melodia e accompagnamento, modo e armonia, metro e ritmo, registro e timbro, dinamica e tempo: tutto questo è il mezzo espressivo dell'arte musicale. Imparare ad ascoltarli e distinguerli, a comprendere il linguaggio della musica, in cui il compositore si rivolge all'ascoltatore, è tanto necessario quanto comprendere il testo letterario, i mezzi della pittura. Allora il contenuto delle opere d'arte musicale si rivelerà in tutta la sua ricchezza.

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