Dipingere la prima metà del 19 ° secolo. Pittura della prima metà del XIX secolo

Lyagin yana.

Questo lavoro ci introduce all'arte del XIX secolo. L'arte di qualsiasi momento, come una spugna, assorbe i principali problemi, idee e opinioni del loro tempo. Per l'arte russa, questa circostanza è più significativa, poiché non è stato sempre in grado di essere politicizzato, quindi, in ogni caso, è strettamente connesso con l'ideologia della parte dominante della società, la reazione dei suoi cerchi o radicali rivoluzionari.

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Concorso municipale degli studenti di lavori di prova

Istituzione comunitaria di stato municipale

scuola secondaria con. Slastey.

Indirizzo completo: regione Saratov, distretto di Ekaterinovsky, s. Artificio

ul. Lavorare d. 1

Lavoro astratto:

"Arte russa nel XIX secolo"

Grado 10

Testa : Sazonova Julia Andreevna,

insegnante di arte.

2013-2014 anno accademico

Introduzione ................................................. .......................... ... ......... 3

1. Cultura della Russia del XIX secolo: caratteristica generale ............................... 4

2. Arte artificiale nel XIX secolo XIX .......................................... ................ 6.

2.1 Arte russa nella prima metà del XIX secolo - la "Età dell'oro della cultura" ................................... .................................................. ................ 6.

2.2 Arte russa nella seconda metà del XIX secolo ........................... .... 11

Conclusione ................................................. ............................................... 15.

Elenco di letteratura usato .............................................. .. ....... 16.

introduzione

L'arte di qualsiasi momento, come una spugna, assorbe i principali problemi, idee e opinioni del loro tempo. Per l'arte russa, questa circostanza è più significativa, poiché non è stato sempre in grado di essere politicizzato, quindi, in ogni caso, è strettamente connesso con l'ideologia della parte dominante della società, la reazione dei suoi cerchi o radicali rivoluzionari.

Scopo del lavoro - analizza l'arte russa del XIX secolo.

Compiti:

1. La caratteristica totale di questa epoca;

2. Descrivi brevemente l'arte russa del XIX secolo nelle sue opinioni.

1. Cultura della Russia XIX secolo: caratteristiche generali

La storia dell'arte russa del XIX secolo è consuetudine per condividere le fasi.

La prima metà è chiamata l'età dell'oro della cultura russa. Cominciò a coincidere con l'epoca del classicismo in letteratura e arte russa. Dopo che la sconfitta dei decembrist ha iniziato un nuovo sollevamento del movimento sociale. Questo institò la speranza che la Russia avrebbe gradualmente affrontato le sue difficoltà. Il paese ha raggiunto il successo più impressionante in questi anni nel campo della scienza e in particolare della cultura. La prima metà del secolo ha dato alla Russia e al mondo di Pushkin e Lermontov, Griboedov e Gogol, Belinsky e Herzen, Glinka e Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanov e Fedotov.

L'arte della prima metà del XIX secolo ha una comunità interna e unità, fascino unico di ideali luminosi e umani. Il classicismo è arricchito con nuove funzionalità, i suoi punti di forza sono più chiaramente manifestati in architettura, pittura storica, in parte nella scultura. La percezione della cultura del mondo antico è diventata più storica che nel XVIII secolo, e più democratico. Insieme al classicismo, la direzione romantica è uno sviluppo intensivo e un nuovo metodo realistico inizia a formarsi.

La direzione romantica dell'arte russa del primo terzo del XIX secolo ha preparato lo sviluppo del realismo nei decenni successivi, perché in una certa misura riunì artisti romantici con realtà, con una semplice vita reale. Era l'essenza interiore del complesso movimento artistico dell'intero primo semestre del XIX secolo. In generale, l'arte del palcoscenico nominata è l'architettura, la pittura, la grafica, la scultura, la creatività applicata e la folk - un fenomeno eccezionale, completo di peculiarità nella storia della cultura artistica russa. Sviluppo di tradizioni progressiste del secolo precedente, ha creato molte opere eccellenti di grande valore estetico e sociale, contribuendo al patrimonio mondiale.

La seconda metà è il momento dell'approvazione finale e del consolidamento delle forme nazionali e delle tradizioni in arte russa. Nel mezzo del XIX secolo, la Russia è sopravvissuta agli urti forte: la Guerra Crimea del 1853-1856 si è conclusa con sconfitta. L'imperatore Nicholas morì, che ha scalato il trono, Alexander II, condotto l'abolizione tanto attesa di Serfdom e altre riforme. Popolare nell'arte è diventato tema russo. La cultura russa non è stata chiusa al quadro nazionale, non era separato dalla cultura del resto del mondo.

1. Arte russa nel XIX secolo

L'inizio del XIX secolo è il tempo di sollevamento culturale e spirituale in Russia. Lo sviluppo della cultura russa nel 19 ° secolo ha fatto valere la conversione del tempo precedente. La penetrazione di elementi di relazioni capitaliste con l'economia ha rafforzato la necessità di persone competenti ed istruite.I bibiti pubblici e i musei hanno svolto un ruolo positivo nella vita culturale del paese (la prima biblioteca pubblica è stata aperta a San Pietroburgo nel 1814). La Russia si è sviluppata contro lo sfondo di una crescente identità nazionale del popolo russo e in connessione con questo ha avuto un carattere nazionale pronunciato.

2.1 Arte russa nella prima metà del XIX secolo - l'età dell'oro della cultura

Il primo terzo dei secoli XIX è chiamato "Golden Age" della cultura russa. L'interesse nella storia domestica è stata la ragione per l'emergere di numerosi romanzi, storie, ballate, conducono su vari argomenti storici. I romanzi d'acciaio più famosi M.n. Zagoskin. (1789--1852) "Yuri Miloslavsky, o russi nel 1612", "Roslavlev o russi nel 1812", "Kuzma Roshchin",I.I. LAZHECHNIKOVA. (1792-- 1869) "Ice House", "Ultimo anno nuovo", "Basurman". Anche nei nomi è chiaro che queste e altre opere di prosa storica consideravano periodi di crisi della storia russa: la lotta civile dei principi russi, guerre di liberazione russa, intrighi politici ed eventi che hanno, dal punto di vista dei loro autori, essenziali importanza. Allo stesso tempo, le dipendenze politiche degli autori si sono opposte alla ribalta. Ad esempio, Mn Zagoskin era un ovvio sostenitore della monarchia, e questi punti di vista non si manifestano nelle dichiarazioni politiche dell'autore, ma nei suoi eroi, nelle descrizioni degli elementi della vita, a seconda della relazione personale dei personaggi del risultato di Molti eventi storici. Eppure, nel centro di tutti i Narches, è stata conclusa un'idea comune, che per lo più rilasciata dopo la guerra del 1812 e brevemente pronunciata II Alazennikov nella prefazione al romanzo "l'ultimo nuovo anno": "La sensazione che domina nel mio romanzo , c'è amore per i detriti ".

La storia dei suoi momenti estremi è il contenuto e gli ingegnosi "Taras of Bulba" Gogol, la "figlia del capitano" e "Arape Peter the Great" Pushkin, il suo dramma "Boris Godunov", le poesie "Poltava" e così tante lavorano che loro sono impossibili e trasferiti.COME. Pushkin. Divenne un simbolo della sua era quando il rapido si svolge nello sviluppo culturale della Russia. Pushkin è il creatore della lingua letteraria russa. È diventato un valore impassibile nello sviluppo solo russo, ma anche della cultura mondiale. Era un cantante di libertà e un patriota convinto. Il poeta in eredità ai discendenti: "Non è solo possibile orgoglioso di orgoglioso dei miei antenati, ma dovrebbe ... rispetto per l'ultimo - ecco una caratteristica che distingue la formazione della natura selvaggia ...."

Gli ideali umanistici della società russa si sono riflessi nei campioni ad alto costo generale dell'architettura di questa volta e della scultura decorativa monumentale, nella sintesi con quale pittura decorativa e arte applicata, che spesso risulta nelle mani degli architetti loro stessi. Nell'architettura del XIX secolo. Classicismo dominato. Gli edifici costruiti in questo stile si distinguono per un ritmo chiaro e calmo, la correttezza delle proporzioni. Differenze significative erano disponibili nell'architettura di San Pietroburgo e Mosca. Di ritorno nel mezzo del XVIII secolo. Pietroburgo era la città dei capolavori architettonici, annegati nella vegetazione delle proprietà ed era in molti modi simili a Mosca. Poi lo sviluppo regolare della città iniziò lungo i tagli dei suoi prospetti, raggi dall'ammiragliato. Petersburg Classicism è un'architettura di non singoli edifici, ma intero ensemble che influenzano la loro unità e armonia. . Un ruolo importante nella formazione dell'aspetto architettonico di San Pietroburgo è svolto dalla costruzione dell'ammiragliato, eretto dal progettoA.D. Zaharov (1761-1811). Facciata dell'ammiragliatoÈ stato allungato a 406 m. Nel centro si trova un arco trionfale con un'alta guglia dorata, che divenne uno dei simboli della città.

Il più grande architetto di questo tempoAndrei Nikiforovich Voronikhin. (1759-1814). La creazione principale di Voronikhina è la cattedrale di Kazan, il maestoso colonnato di cui formava la zona nel centro di Nevsky Prospekt, trasformando la cattedrale e l'ambiente nel più importante nodo della pianificazione della città del centro di San Pietroburgo. Nel 1813, nella cattedrale, Mi Kutuzov fu sepolta e la cattedrale divenne una specie di monumento alle vittorie delle armi russe nella guerra del 1812. Più tardi sulla piazza di fronte alla cattedrale, le statue di Kutuzov e Barclay de Tolly, eseguito da uno scultoreB.I. OORLOVSKY. Scultura russa dei 30-40 del XIX secolo. Sta diventando più democratico. A metà della secolo scultura, la principale - due direzioni: una, proveniente dai classici, ma che è venuto a accademismo secco; Un altro rileva il desiderio di una vetrina più diretta e multilaterale della realtà, si diffonde nella seconda metà del secolo, ma indubbiamente anche il fatto che entrambe le direzioni dello stile monumentale siano gradualmente perse.

Lo scultore, che negli anni di declino delle forme monumentali è riuscito a raggiungere un successo significativo in questo settore, nonché in "piccole forme", eraPeter Karlovich Klodt. (1805-1867), Autore di cavalli per cancelli trionfanti di Narva a San Pietroburgo (Arch. V. Stasov), "Tweers of Konya" per Ponte Anichkova (1833-1850), monumento a Nicholas I on Isaac Square (1850-1859 ), Ia. Kryona nel giardino estivo (1848-1855), nonché un gran numero di sculture di animali. La direzione principale di architettura e scultura del primo terzo del XIX secolo era il classicismo. Nella pittura, è stato sviluppato principalmente da artisti accademici nel genere storico (A.e. Egorov - "Studio del Salvatore", 1814, Timing; V.K. Shebeyev - "L'impresa del mercante di Igolekin", 1839, tempistica; f.a. Brunita Camilla, Sisters Horace ", 1824, temporizzazione;" rame fri ", 1826-1841, temporizzazione). Ma i veri successi della pittura giacevano, tuttavia, in un'altra fila - romanticismo. Le migliori aspirazioni dell'anima umana, l'UPS e la parrocchia dello Spirito hanno espresso il dipinto romantico di quel tempo, e soprattutto il ritratto. Nel genere del ritratto il posto principale dovrebbe essere assegnato al cyprinen ORESA (1782-1836). La parte del test della creatività di Cyprosk è ritratti grafici, realizzati nella matita italiana principalmente morbida con un pastello di risparmio, acquerello, matite colorate. Raffigura il generale e.i. CAPLICA (GTG), A.R. Tomilova (tempistica), p.a. Olenina (GTG). L'emergere di ritratti a matita veloce-abbozzare di per sé è significativo, caratteristico del nuovo tempo: qualsiasi mimatore del viso è facilmente fissato in loro, qualsiasi movimento mentale. Ma una certa evoluzione si verifica anche nella tabella Kiprensky: non ci sono direzze e calore nel lavoro successivo, ma sono virtuoser e squisiti per esecuzione (ritratto di S.S. Shcherbatova, IT. Auto., GTG).

Il romanticismo sequenziale può essere chiamato PoleA.o. Orlovsky. (1777-1832), ha rapidamente assimilato in terra russo, che è particolarmente evidente nei ritratti grafici. In loro, attraverso tutti gli attributi esterni del romanticismo europeo con la sua ribellione e tensione si affacciano su qualcosa di profondamente personale, nascosto, intimo (autoritratto, 1809, GTG). Oryolsky appartiene a un certo ruolo nel "scatenante" dei modi per realizzare a causa dei suoi schizzi di genere, disegni e litografie raffiguranti scene di strada di Petersburg e tipi che hanno causato i famosi Quarstains di PA, Vyazemsky:

La Russia è precedente, eliminando

Svitare la prole,

La hai afferrato vivo

Sotto la matita folk.

La prima metà del XIX secolo. segnato dal fiorente musica russo correlato, prima di tutto, nominatoMikhail Ivanovich Glinka.(1804-1857), che è entrato nella storia come primo compositore russo di importanza mondiale. M.I. GLINKA è considerato il fondatore della musica classica russa. Le sue opere "La vita per il re" e "Ruslan e Lyudmila" hanno determinato in gran parte l'ulteriore sviluppo della musica d'opera russa per molti decenni in anticipo. Una caratteristica distintiva dell'approccio creativo del compositore era usare i motivi del folklore russo, musica folk. Ha scritto un luccichio e un romanticismo. Un contributo significativo allo sviluppo della cultura musicale russa ha reso i contemporanei GlinkaA.a.alabyev, a.e.vlamov, a.l.gurlev, famoso oggi, principalmente come gli autori del romanticismo.

A.A. Alyabyev. A.L.GURLEV A.E.Vinov.

2.2 Arte russa nella seconda metà del XIX secolo

Condizioni per lo sviluppo della cultura nella seconda metà del 19 ° secolo.

La seconda metà del XIX secolo. - il tempo di approvazione finale e consolidamento delle forme nazionali e delle tradizioni in arte russa. Nel mezzo del XIX secolo. La Russia ha sperimentato forti shock: la sconfitta ha concluso la Guerra della Crimea del 1853-1856, l'Imperatore Nicola sono morto, che ha scalato il trono Alexander II ha portato fuori la lunga data di cancellazione di Serfdom e altre riforme. Popolare nell'arte è diventato tema russo. La cultura russa non è stata chiusa al quadro nazionale, non era separato dalla cultura del resto del mondo. I risultati delle arti straniere hanno trovato una risposta in Russia. A loro volta, la cultura russa ha ricevuto riconoscimento in tutto il mondo. La cultura russa ha occupato un posto onorevole nella famiglia delle culture europee.

Le belle arti non potevano rimanere da parte dai processi che hanno avuto luogo nella coscienza pubblica. La Galleria di Stato Tretyakov di Mosca è uno dei più grandi incontri delle arti visive russe, il famoso centro culturale nazionale. Il museo è il nome del fondatore - Merchant Moscow P.M.Tretakova (1832-1898), che ha presentato la sua galleria fotografica nel 1892, nonché una piccola collezione di fratello e casa, che nel 1881 è stata aperta per i visitatori.

In questo momento, gli artisti russi hanno raggiunto un tale livello di abilità, che mettono le loro opere in una riga con i migliori esempi di arte europea. La corrente si basa sulle idee del realismo critico. Uno dei primi maestri di questa zona era Vasily Grigorievich Perov (1833-1882). I suoi lavori di genere ("viaggi rurali in Pasqua" del 1861, "Fili dei difetti" del 1865, Troika 1868) sono le storie dolorose della vita di una persona semplice esposta nel linguaggio della pittura.

Sheeyday senza precedenti ha raggiunto un paesaggio. Pittura del paesaggio trasformata in una delle aree avanzate della creatività artistica, questo genere è stato aumentato a una nuova altezza. I fondi espressivi sono stati migliorati, la tecnica sviluppata. Paesaggio II Half Xix non è più solo un'immagine della "specie di paesaggi" e dipingere, attraverso le immagini della natura, trasmettendo i migliori movimenti dell'anima umana. I più grandi maestri del paesaggio in Russia erano a.k. Savrasov ("Gracchi volò" del 1871), I.I. Chishkin ("Sosnovy Bor" 1873, "Rye" del 1878), A.I.KOUNEZHI ("BURCH GROVE" 1879, "Moonlight sul Dnieper "1880), VD Polenov (Moscow Dvorik, 1878), II Lemitan (" Sera "1892," Primavera. Big water "1897), k.a. Korovin (" inverno "1894" Parigi. Cappuccino Boulevard "1906).

I vertici sono l'arte realistica della metà del XIX secolo. raggiunto nella creativitàI.e. Pepina e v.i. surikova. La pittura storica ha trovato la sua massima espressione nel lavoro di Vasily Ivanovich Surikova (1848-1916). Nella storia dell'artista, le persone erano più interessate a: massa della gente e forti persone luminose.

Il primo lavoro che ha portato V.I. Suikov alla gloria, "Mattina Strelletsky Execution" (1881). La composizione è costruita al contrasto: il dolore, l'odio, la sofferenza incorporata nelle figure dei tiratori che vanno alla morte e nei loro cari, si oppongono alla spremitura a cavallo, una pietra congelata in lontananza.

Oltre a V.I. I dipinti di Surikova su argomenti storici hanno scritto v.m.vasnetsov. L'immagine della storia nelle sue opere ha un'epica tangibile, sfumatura favolosa: "Dopo aver corso a Igor Svyatoslavich con Polovsy" (1880), "Alenushka" (1881), in particolare il brillantemente composto dell'epica e della storia si manifestava nel Grand Canvase "Bogatyry" (1898 G.).

Nel 1898, una nuova associazione artistica è stata fondata a San Pietroburgo, il nome"World of Art" . L'artista dell'artista si alzò sulla testa del cerchioA.n. Benua e Messenat S.P. Dyagilev. Il nucleo principale dell'Associazione eraL.S. Bakst, E.e.lesser, K.a. Osov. Il "World of Art" ha organizzato la mostra e ha pubblicato una rivista con lo stesso nome. L'Unione includeva molti artisti:M.a.vrubel, v.a.serov, I.I. Levitan, M.V.Nesterov, A. P. Ryabushkin, N.K. Ryrich, B.M. Kustodiev, Z. Serbryakova, K. S.Petrov-Vodkin. Miriskussniks difese la libertà della creatività individuale. La principale fonte di ispirazione è stata riconosciuta come bellezza. Il mondo moderno secondo il loro parere è privo di bellezza e quindi invece di attenzione. Alla ricerca di splendidi artisti della "Pace del mondo" nelle loro opere spesso rivolgono ai monumenti del passato.

Anche la seconda metà del XIX secolo. - Questo è un periodo di eccezionali risultati della scienza e della tecnologia. Chimica, Fisica, Geografia, Biologia Sviluppa ...

Lo sviluppo di scienze naturali, le ampie collegamenti degli scienziati russi con occidentale testimoniano una posizione sufficiente in Russia nella comunità mondiale.

Conclusione.

bustine russe la tua architettura di pittura

L'arte del XIX secolo può essere paragonata a un mosaico multicolore, dove ogni pietra prende il suo posto, ha il suo significato. Quindi è impossibile rimuovere qualsiasi, anche il più piccolo, senza violare l'armonia del tutto. Tuttavia, in questo mosaico ci sono pietre il più prezioso, emettendo luce particolarmente forte.

Durante tutta la storia secolare, l'arte russa stava vivendo cambiamenti significativi, a volte indigeni: è stato arricchito, complicato, migliorato, ma sempre rimasto originale.

Architettura russa, arti visive, folk e applicate testimoniano il contributo inestimabile, che ha introdotto la nostra gente al tesoro della cultura artistica domestica e mondiale.

Il XIX secolo, forse, il periodo più difficile e interessante nella storia dell'arte russa. Questa era ha dato origine a una brillante creatività A.s. Pushkin, folk e tutta la vita, pieno sogno di libertà. Questo è un periodo di fiorente della cultura spirituale: letteratura, filosofia, musica, teatro e arte visiva.

Bibliografia.

1.Lina T.V. Storia dell'arte: arte domestica. Tutorial / TV. - m.: Scuola superiore, 2007. - 407 p.

2. Corsi di riferimento completo di Schoolboy Prenota 5-11 classi (2 volume). E.V. SIMONOVA.

L'interesse per le belle arti copriva sezioni di società sempre più ampie, che è stata espressa nella creazione di varie società artistiche, in crescita della popolarità delle mostre all'Accademia delle Arti, la base di riviste artistiche, creando musei artistici.

Il ritratto è rimasto il genere leader nel dipinto, il suo sviluppo era associato al lavoro di O.A. Cyproshensky e v.a. Tropinino. Nei lavori di questi artisti, il desiderio di prendere l'unicità del mondo spirituale ed emotivo dei contemporanei, il romanticismo è intrecciato con le caratteristiche del realismo. Il paesaggio si è sviluppato insieme al ritratto associato al nome S.F. Shchedrin, per il quale la percezione poetica dell'aspetto naturale della natura è caratteristico. Il genere della famiglia è rappresentato dalla creatività di A.G. Venetsanova che lo scelse deliberatamente come un tipo indipendente e pieno di pittura, e p.a. Fedotova. Il soggetto del loro dipinto è nazionale e democratico. Pittura storica sviluppata sotto l'influenza della Guerra del 1812, la crescita del patriottismo e l'autocoscienza nazionale. Questa direzione era rappresentata da A.A. Ivanov, che ha scritto la famosa immagine del fenomeno di Cristo alle persone, a.e.e. Egorov, ecc. Alcuni artisti lavoravano uniformemente in vari generi. Così erano F. Bruni, K.P. Bryulsov, il più grande artista del suo tempo, nel cui drammatico del lavoro, l'umanità, l'abilità brillante, è stata incarnata.

Quasi tutto lo sviluppo della pittura a quel tempo si è tenuto nel quadro del classicismo, nel dipinto dell'acquisizione dell'accademismo. L'Academaism è stato focalizzato sulla tecnica visiva più alta, le trame mitologiche e bibliche, la decorazione della composizione. In generale, per la pittura XIH in. È caratterizzato dall'espansione di generi, trame, miglioramento delle tecniche tecniche e aspetti artistici. Per le arti visive russe, il romanticismo e il realismo sono stati caratterizzati. Tuttavia, il classicismo è stato ufficialmente riconosciuto il metodo.

Classicismo in architettura all'inizio del XIX secolo. Raggiunto il più alto livello di sviluppo creando un terreno fertile per esprimere patos civili. Caratteristica Caratteristica - la creazione di grandi ensemble. L'architettura russa ha distinto elevata professionalità, alla ricerca di nuovi percorsi.

Tra gli architetti di quel tempo, dovrebbe essere assegnato OI. Beauva, che ha guidato il lavoro sul restauro di Mosca dopo un incendio del 1812. Sotto la sua leadership, furono create ensemble di città uniche: teatro, risurrezione, piazza rossa; Alexander Garden; Edifici del Teatro Bolshoi, Maneja - Strutture, convertendo l'aspetto della città. A St. Pietroburgo, il classicismo ha mantenuto il suo carattere ufficiale e riflette il valore della città come capitale dell'Impero. L'architetto della Cattedrale di Kazan (1801-1811) A.n. appartiene al numero di monumenti eccezionali. Voronikhina; Costruzione dello scambio (1804-1811) dell'architetto Tom de Tonon; Ensemble urbane k.i. Rossi, che ha trasformato la città all'opera d'arte. Secondo il progetto di diavolo. Zakharov è stato eretto dall'edificio dell'ammiragliato. I raggi dei prospetti di Pietroburgo sono stati separati da lui. Secondo il progetto A.A. Monferran è stato creato dalla cattedrale di Sant'Isacco - il più alto edificio della Russia del tempo.

Cambiare il classicismo, che ha esaurito le sue capacità che è venuta alla contraddizione con le mutate necessità estetiche dell'era negli anni '30. Hih in. Eclettico è arrivato. Il suo principio principale è l'uso di elementi di vari stili architettonici del passato in forma libera. Architetto k.a. Il tono è uno dei rappresentanti più sorprendenti di quest'area. Dal suo progetto fu costruito dalla Chiesa di Cristo Salvatore (1839-1883) in onore della vittoria nella guerra patriottica del 1812

I successi più significativi sono stati raggiunti in questo momento nel campo della scultura monumentale. Come in altre direzioni della cultura artistica, c'era molta influenza della Guerra Patriottica del 1812, gli argomenti dell'eroismo, del patriottismo, ecc. Erano popolari. La scultura si è sviluppata nel quadro dello stile classicismo, ma una forte influenza acquisisce caratteristiche realistiche. Una caratteristica caratteristica dello sviluppo della scultura russa della prima metà del secolo è stata la sintesi della scultura e dell'architettura, che è stata particolarmente pronunciata nella creazione di ensemble urbane, risolvendo altri compiti di pianificazione urbana.

Tra gli eccezionali scultori - monumentalisti, il posto speciale è occupato da v.i. Demum - Malinovsky e S.S. Pimenov. Insieme all'architetto, Voronichin, hanno creato un arredamento unico della cattedrale di Kazan, poi i bassorilievi per l'Istituto Mining. Diverse statue ambite sono state scolpite dalla pietra per l'edificio dell'ammiragliato. Gli scultori hanno anche lavorato in collaborazione con l'architetto Rossi, la cima della loro creatività è la scultura dell'arco dello staff generale.

Tra i monumenti importanti dell'ERA includono il monumento Minin e Pozharsky su Piazza Rossa, creata dallo scultore I.P. Martos. Nelle immagini degli eroi del XVII secolo. Le caratteristiche del patriottismo, l'orgoglio nazionale sono incarnate. Di grande importanza era il lavoro di B.I. Orlovsky, autore della figura di un angelo, cantando la colonna di Alexander, monumenti di campo MARSHAL M.I. Kutuzov e General Barklay de Tollica davanti alla Cattedrale di Kazan a San Pietroburgo. Colonna Alexandrovskaya - Mengir, uno dei monumenti più famosi di San Pietroburgo. Embossed nello stile Ampir nel 1834 nel centro della piazza del Palazzo dall'architetto Auguste Monferran dal decreto del fratello minore dell'imperatore Alexander I Nicholas I in memoria della vittoria su Napoleone. La colonna è un obelisco monolitico che si erge su un piedistallo di bassorilievo decorato con un'iscrizione di dedizione "Alexander I ringrazia la Russia". Colonne al piano superiore - una scultura di angelo di Boris Orlovsky. La faccia di Angel è data le caratteristiche di Alexander I. Nella sua mano sinistra, Angel tiene una croce latina a quattro pin e il giusto atteggiamento verso il cielo. La testa di un angelo è inclinata, il suo sguardo è fissato a terra. La colonna è rivolta verso il lato della facciata verso il palazzo invernale. Non è solo un monumento architettonico eccezionale, ma anche un grande risultato ingegneristico della sua epoca. Nella prima metà del XIX secolo. Un'arte musicale russa indipendente è apparsa, anche se l'influenza delle scuole italiane, tedesche e francesi era ancora molto sentita. La cultura musicale nazionale russa è stata creata sulla base della creatività popolare, come evidenziato dalla creatività di A.A. Alyabyva, il creatore dell'opera nazionale russa M.I. Glinka. Contributo significativo allo sviluppo dell'arte musicale domestica, dell'opera innovativa A.S. Dargomyzhsky. La combinazione di motivi popolari con romanticismo ha portato all'emergere di un genere speciale - Russian Romance (A.A. Ayabyev, A.E. Varmov, al. Gurilev). A quel tempo, il ruolo del teatro del dramma nella vita culturale della Russia è aumentata seriamente. A Mosca, il centro di questo tipo di arte era il piccolo teatro, dove le tendenze democratiche erano molto forti; A St. Pietroburgo - Alexandrinsky, che ha mantenuto il valore del funzionario. L'arte teatrale di questo tempo si è sviluppata come parte dello stile del romanticismo (specialmente nel lavoro della PS Mochalov, che ha giocato a Schiller's Play, Shakespeare; un successo speciale ha avuto il suo ruolo di Amleto). A poco a poco, una direzione realistica è stata approvata nella scena russa a causa della drammaturgia A.S. GRIBOEDOVA, N.V. Gogol, A.n. Ostrovsky. Tra gli attori che hanno creato la fama della scena russa dovrebbero essere assegnati da M. S. Shchepkin, P.S. Moochalova, E.S. Semenova, et al. C'erano vari tipi di teatri. I teatri della fortezza appartengono ai cognomi aristocratici russi (Sheremetev, Apraksin, Yusupov, ecc.) Sono stati ancora ampiamente distribuiti. I teatri di stato erano un po '(Alessandrian e Mariinsky a San Pietroburgo, grande e piccolo a Mosca). Un posto speciale nella vita culturale della Russia è stato occupato da Ballet Teatralical Art. Si sviluppò in stretta connessione e sotto l'influenza della letteratura interna. Lasciando i palloni passati "Purest Classicism". Sono venuti a spostare melodrammi sentimentali e produzioni romantiche. I balletti sono apparsi nel repertorio, il cui trama è stato suggerito dalla letteratura interna.

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I primi decenni del XIX secolo. In Russia, si sono svolti nella situazione dell'ascensore nazionale associata alla guerra patriottica del 1812. Gli ideali di questo tempo sono stati trovati nella poesia del giovane Pushkin. La guerra del 1812 e la rivolta dei decifristi ha determinato in gran parte la natura della cultura russa del primo terzo secolo.

Soprattutto contraddizione acuta del tempo è stata contrassegnata negli anni '40. È stato allora che è iniziata l'attività rivoluzionaria. Erzen, con elementi critici brillanti V. G. Belinsky, controversie appassionate con Western e Slavofili.

I motivi romantici compaiono nella letteratura e nell'arte, che è naturale per la Russia, già più di un secolo coinvolto nel processo culturale paneuropeo. Il percorso dal classicismo al realismo critico attraverso il romanticismo ha determinato la separazione condizionale della storia dell'arte russa della prima metà del XIX secolo. Come per due stadi, il cui spartiacque c'erano gli anni '30.

Molto è cambiato rispetto al XVIII secolo. Nelle arti visive e di plastica. Il ruolo pubblico dell'artista, l'importanza della sua personalità, il suo diritto alla libertà di creatività, in cui i problemi sociali e morali ora hanno sollevato sempre più.

La crescita degli interessi nella vita russa della Russia è stata espressa nella costruzione di alcune società artistiche e la pubblicazione di riviste speciali: "Società gratuita di Literatures, Sciences and Arts" (1801), "Journal of Fine Arts" a Mosca (1807), e poi a San Pietroburgo (1823 e 1825), "Società per promuovere artisti" (1820), "Museo russo ..." P. Swistina (1810) e "Galleria russa" in Hermitage (1825), Scuole d'arte provinciali, come la scuola AV Stupina ad Arzama o A.G. Venezianova a San Pietroburgo e il villaggio di Safonkovo.

Gli ideali umanistici della società russa si sono riflessi nei campioni ad alto costo generale dell'architettura di questa volta e della scultura decorativa monumentale, nella sintesi con quale pittura decorativa e arte applicata, che spesso risulta nelle mani degli architetti loro stessi. Lo stile magistrale di questo tempo è maturo, o alto, classicismo, nella letteratura scientifica, in particolare l'inizio del 20 ° secolo, spesso denominato ampir russo.

Architettura

L'architettura del primo terzo del secolo è principalmente la soluzione di grandi compiti di pianificazione urbana. A St. Pietroburgo, il layout delle principali piazze della capitale è completata: Palazzo e Senato. I migliori ensemble della città sono creati. Soprattutto intensamente dopo il fuoco del 1812, è costruita Mosca. Un ideale diventa antichità nella sua versione greca (e persino arcaica); Cenning eroico dell'antichità ispira gli architetti russi. Viene utilizzato un mandato dorico (o toscano), che attira la sua gravità e laconicità. Alcuni elementi dell'ordine sono ingranditi, di solito riguarda il colonnato e gli archi, viene enfatizzato il potere delle pareti lisce. L'immagine architettonica è un ingranditore sorprendente e la monumentalità. Un ruolo enorme nell'aspetto generale dell'edificio è svolto da una scultura che ha un certo valore semantico. Molto risolve il colore, di solito l'architettura di alto classicismo a due colori: colonne e statue dello stucco - bianco, sfondo - giallo o grigio. Tra gli edifici sono il posto principale sono occupati da strutture pubbliche: teatri, dipartimenti, istituzioni educative, i palazzi e i templi sono molto meno probabili (ad eccezione delle cattedrali registrate sotto la caserma).

Il più grande architetto di questo tempo Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814) ha iniziato il suo percorso indipendente negli anni '90 con ristrutturazione dopo f.i. Demetsov. interni del Palazzo di Stroganov f.-b. Rastrelli a Petersburg. (1793, mobile minerale, galleria di immagini, corner angolo). La semplicità classica è caratteristica del cottage Stroganovsky sul fiume Nero (1795-1796, non conservato. Per burro del paesaggio "Cottage Stroganova su un fiume nero" , 1797, MRM, Voronikhin ha ricevuto il titolo di Accademico). Nel 1800, Voronikhin ha lavorato a Peterhof, ha adempiuto ai progetti di gallerie alla Buchet Fontana "Sansone" e partecipa alla ricostruzione complessiva di una grande grotta di fontane, per le quali l'Accademia dell'artista fu ufficialmente riconosciuta come architetto. Più tardi, Voronikhin ha spesso lavorato nella periferia di San Pietroburgo: ha progettato un certo numero di fontane per la strada Pulkovskaya, separava il cabinet "torcia" e la lobby egiziana nel Palazzo Pavlovsky,

Ponte di Wiscontal e padiglione rosa nel parco di Pavlovsk. Il principale brainstorming di Voronikhina - Cattedrale di Kazan. (1801-1811). Il colonnato semi-curvo del tempio, che eretto non dalla parte del principale - occidentale, e dal lato - la facciata settentrionale, formava la piazza nel centro della prospettiva Nevsky, trasformando la cattedrale e l'edificio intorno a l'unità urbanistica più importante. Armenia, il secondo è completato dal colonnato, collega l'edificio con le strade circostanti. La proporzionalità del viaggio laterale e gli edifici della cattedrale, il disegno del portico e le colonne di Corinthiann, testimoniano l'eccellente conoscenza delle antiche tradizioni e l'abilità delle loro modifiche nel linguaggio dell'architettura moderna. Nel restante progetto incompiuto del 1811, il secondo colonnato era assunto dalla facciata meridionale e una grande area semicircolare del Western. È stato fatto solo un meraviglioso reticolo di ghisa davanti alla facciata occidentale di fronte alla facciata occidentale. Nel 1813, M.I. è stato sepolto nella cattedrale Kutuzov e l'edificio è diventato una specie di monumento alle vittorie delle armi russe. C'erano banner e altre reliquie, abbattuta dalle truppe napoleoniche. Più tardi, i monumenti di M.I. sono stati consegnati alla cattedrale. Kutuzov e m.b. Barclay de Tolly, eseguito da Sculptor B. I. Orlovsky.

Ancora più rigoroso, il personaggio anticipato ha dato a Voronikhin al monte Cadet Corps (1806-1811, ora l'Istituto montuoso), in cui tutto è subordinato a un potente portico dorico da 12 colonne di fronte alla Neva. Molto gravemente, l'immagine della scultura che decora la sua scultura, perfettamente combinata con la levigatura delle pareti laterali e delle colonne doriche. Cioè Grabar ha correttamente notato che se il classicismo della Catherine Epoch è uscito dall'ideale dell'architettura romana (quarti), poi "Aleksandrovsky" come assomigliava allo stile di pestum allo stato dell'articolo.

Voronikhin - L'architetto del classicismo - molta forza ha dato la creazione di un ensemble urbano, sintesi di architettura e scultura, combinazione organica di elementi scultorei con membri architettonici in grandi edifici e piccoli. La montagna Cadet Corps cerca la vista dell'isola di Vasilsvsky dal mare. Dall'altro lato dell'isola, sulla sua freccia, Tom de Tomon in questi anni costruisce un esemplare di scambio (1805-1810).

Tom de Tomon. (OK 1760-1813), svizzero per origine, venne in Russia alla fine del XVIII secolo, già lavorando in Italia, in Austria, forse dopo aver superato il corso nell'accademia di Parigi. Non ha ricevuto l'educazione architettonica completata, tuttavia, è stato affidato alla costruzione edificio

Scambio E ha brillantemente affrontato con il compito (1805-1810). Tomon ha cambiato l'intero aspetto delle frecce dell'isola Vasilyevsky, ponendo il semicerchio della costa dei due letti della Neva, mettendo lungo i bordi colonne del faro rostrale. , formando in tal modo l'area di Exchange Square. Lo scambio stesso ha una forma di un tempio greco - periptera su una base elevata, destinata ai magazzini commerciali. L'arredamento è quasi assente. La semplicità e la chiarezza di forme e proporzioni conferiscono alla costruzione di un maestoso carattere monumentale, rendono la cosa principale non solo nella freccia ensemble, ma anche influenzando la percezione di entrambi gli argini come università e palazzo. La scultura allegorica decorativa dell'edificio della Borsa e delle colonne rostrale sottolinea la nomina di strutture. Il centro dello scambio con un antaincinetto laconico Doric è bloccato da un caesoso arco semi-curvo.

L'ensemble di Exchange non era l'unica conservazione di Tom de Tomon a San Pietroburgo. Costruito in residenze suburbane reali, usando il tipo greco di costruzione qui. L'umore romantico dell'artista è stato pienamente espresso nel Mausoleo "Benefattore del coniuge", eretto dall'imperatrice Maria

Fedorovna in memoria di Paul a Pavlovsk Park (1805-1808, una scultura commemorativa è eseguita da Martos). Il mausoleo assomiglia a un tipo arcaico di chiesa-perdonabile. All'interno della sala è anche bloccato da un arco cassonato. Le pareti lisce sono rivestite con marmo artificiale.

Il nuovo secolo fu segnato dalla creazione dei principali ensemble di San Pietroburgo. Laureato della St. Petersburg Academy e dello studente dell'architetto di Parigi J.-F. Shalgrena. Andreyan Dmitrievich Zakharov. (1761-1811), dal 1805 "l'architetto principale dell'ammiragliato", inizia la costruzione Ammiragliato (1806-1823). Riducendo il vecchio edificio Korobovskoye, lo trasformò nel principale ensemble di San Pietroburgo, invariabilmente in piedi nell'immaginazione, quando la città si riferisce alla città e oggi. La soluzione composita di Zakharov è estremamente semplice: la configurazione di due volumi e un volume è incorporata in un altro, di cui la forma esterna, a forma P, separata dal canale da due Fregenel interni, a forma di M nel piano. Il volume interno è la nave e il disegno di workshop, magazzini, agenzie esterne, istituzioni amministrative, museo, biblioteca, ecc. La facciata dell'ammiragliato ha allungato 406 m. Le facce laterali-ali vanno alla neva, la fine centrale in mezzo al trionfo Arco di viaggio con la guglia, che è un castello di composizione e attraverso il quale

corre l'ingresso principale all'interno. Zakharov ha mantenuto il brillante piano korobovsky della guglia, mostrando il ritmo e il rispetto della tradizione e seminalo per trasformare nella nuova immagine classica dell'edificio nel suo complesso. La monotonia della facciata quasi del chilometro è rotta dal portico situato in posizione uniforme. In un'unità sorprendente con l'architettura c'è un edificio plastico decorativo, con un significato architettonico e semantico: l'Ammiragliato è l'ufficio marino della Russia, un potente potere marino. L'intero sistema di sculture è stato sviluppato da Zakharov stesso e in modo brillante incorporato dai migliori scultori dell'inizio del secolo. Sopra il parapetto della piattaforma superiore del padiglione della torre, condita con una cupola, raffigurata allegorie di venti, costruzione navale, ecc. Negli angoli della soffitta - riempiti con F. Shchedrine quattro guerrieri seduti nei latte, basati su scudi, Sotto -mominale, fino a 22 m di lunghezza, fregio di rilievo "Installazione della flotta in Russia" I. Terebenev, poi in un'immagine di rilievo piatta di Nettuno, che trasmette Peter Trident come simbolo del dominio sul mare, e in alta rilievo - gloria alata Con Banner - Vittorie Symvari della flotta russa, anche gruppi scultoreli più bassi "Ninfa, holding globi" mentre lo stesso Zakharov li chiamava, pieno di F. Shchedrin. Questa è una combinazione di una scultura rotonda con terreno alto e basso, la statua plastica con composizioni ornamentali di sollievo, questo rapporto della scultura con una gamma fluida del muro è stata utilizzata in altre opere del classicismo russo del primo terzo del XIX secolo.

Zakharov è morto, non vedere l'ammiragliato nella forma finita. Nella seconda metà del XIX secolo. Il cantiere navale del cantiere è stato costruito con profitti, è stato distrutto molto nella decorazione scultorea, che distorceva l'idea originale della Grande Arco della Repubblica.

Le migliori tradizioni dell'architettura domestica erano collegate nell'ammiragliato a Zakharovsky (non è a caso che le sue mura e la torre centrale ricordino a molte delle pareti semplici dei vecchi monasteri russi con il loro dolce campanile) e i compiti più avanzati della pianificazione della città: l'edificio è strettamente correlato all'architettura del centro città. Da qui, prende l'inizio di tre viali: Voznesensky, pisello UL .. Prospettiva Nevsky (questo sistema di radiazione è stato concepito da Pietro). L'ago di Ammiragliato riecheggia alti guglie del Cattedrale di Pietro e Paolo e Castello di Mikhailovsky.

Il principale architetto di San Pietroburgo del primo terzo del XIX secolo. ("Ampury russo") era Karl Ivanovich Rossi. (1777-1849). L'educazione architettonica iniziale di Rossi ha ricevuto nel laboratorio di Brenna, quindi

fatto un viaggio in Italia, dove ha studiato monumenti antichità. L'auto-indipendente il suo lavoro inizia a Mosca, continua a Tver. Uno dei primi lavori a San Pietroburgo -postroika sull'isola di Elagin (1818). Possiamo dire di Rossi che "pensava agli ensemble". Palazzo o il teatro si trasformò in un nodo di pianificazione della città dalle piazze e dalle nuove strade. Quindi, creando. Palazzo Mikhailovsky. (1819-1825, ora il museo russo), organizza la piazza di fronte al palazzo e stabilisce la strada per la prospettiva di Nevsky, e in questo caso, allo stesso tempo, con la sua intenzione con altri edifici vicini - Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky spazio dei campi di Marsov. L'ingresso principale dell'edificio posto nella profondità del cortile anteriore dietro la griglia in ghisa guarda solennemente, monumentalmente, che è facilitato dal portico corinzio, a cui c'è una scala ampia e due rampe.

Molto nella decorazione decorativa del Palazzo Rossi si è fatto se stesso, e con un gusto impeccabile - un disegno del recinto, gli interni della hall e la sala bianca, in cui bianco con oro prevaleva, caratteristico di una fiamma, come il dipinto di il Griezaile.

Nella decorazione Piazza del Palazzo (1819-1829) Prima che Rossi si fermò il compito più difficile - per combinare il Palazzo barocco di Rastrelli e la monotona facciata classica della costruzione del personale principale e dei ministeri. L'architetto ha violato la tristezza dell'ultimo arco trionfale che scopre l'uscita in una grande strada marittima per la prospettiva di Nevsky, e ha dato la giusta forma della zona - una delle più grandi tra le aree delle capitali europee. L'arco trionfale, coronato dal carro della gloria, riporta l'intero ensemble di un carattere molto importante.

Uno dei meravigliosi ensemble di Rossi è stato lanciato da lui alla fine del 10 e completato solo negli anni '30 e includeva l'edificio. Teatro Alexandrian. Costruito secondo la più recente tecnologia di quel tempo e con la perfezione artistica rara adiacente a lui piazza Alexandrian, teatrale

la strada dietro la facciata del teatro, che ha ricevuto il nome del suo architetto, e la piazza del terrapieno di Fontanka del Fontanka. Inoltre, l'ensemble è entrato nell'edificio socolomico della biblioteca pubblica, modificata Rossi e il Palazzo Palace, costruito dalla Russia nel 1817-1818.

Ultima creazione Rossi a San Pietroburgo - edificio Senata. e Sinodo (1829-1834) sulla famosa piazza del Senato. Sebbene si sforza ancora alla portata penzolante del pensiero creativo dell'architetto, che combinato l'arco trionfale di due edifici, separato da una strada di galleria, non dovrebbe essere annotato l'emergere di nuove caratteristiche caratteristiche della tarda creatività dell'architetto e del ultimo periodo di un'ambiguità nel suo insieme: qualche frazione di forme architettoniche,

sovraccarico con elementi scultorei, rigidità, freddezza e pomposatezza.

In generale, la creatività di Rossi è un campione generale della pianificazione urbana. Come una volta Restelli, lui stesso ha fatto un sistema di arredamento, progettando mobili, creando disegni di carta da parati e ha anche guidato l'enorme squadra di maestri di legno e metallo, pittori e scultori. L'integrità delle sue idee, l'Unified ha aiutato a creare ensemble immortali. Rossi costantemente collaborato con scultori S.S. PenENAL SENIOR AND V.I. Demoust-Malinovsky, gli autori dei famosi carri sull'arco trionfale del principale quartier generale e sculture sull'Alexandria Teatro.

"Il più severo" di tutti gli architetti del tardo classicismo era Vasily Petrovich Stasov. (1769–

1848) Sia che fosse una caserma (caserme di Pavlovsk su un Mars a San Pietroburgo, nel 1817-1821), sia che le stalle imperiali ricostruite ("ufficio stabile" sul lavaggio del terrapieno presso la zona stabile, 1817-1823), se le cattedrali di scaffali sono stati eretti (Cattedrale di Izmailovsky, 1828-1835) o archi trionfali (cancelli di Narva e Mosca), o interni emessi (ad esempio. Palazzo d'inverno dopo il fuoco del 1837 o Ekaterininsky Tsarskosksky dopo il fuoco del 1820). Ovunque Stasov enfatizza la massa, la sua severità plastica: le sue cattedrali, la loro cupola merci e statiche, colonne, solitamente ordini dorici, sono impressionanti e pesanti, l'aspetto generale è privo di grazia. Se Stasov resort all'arredamento, è più spesso pesante fregi ornamentali.

Voronikhin, Zakharov, Toma de Tonon, Rossi e Stasov - Petersburg Architects. A Mosca in quel momento, non ha funzionato meno architetti meravigliosi. Nella guerra del 1812, oltre il 70% dell'intera fondazione residenziale della città sono stati distrutti - migliaia di case e più di cento chiese. Subito dopo l'espulsione dei francesi, è iniziato il restauro intensivo e la costruzione di nuovi edifici. Rifletteva tutte le innovazioni dell'Evocazione, ma rimase una tradizione nazionale vivente e fruttuosa. Questa è stata l'originalità della scuola di costruzione di Mosca.

Prima di tutto, il quadrato rosso è stato cancellato, e su di esso O.i. Bove (1784-1834) sono stati ricostruiti, e in effetti, riecheggiavano la serie di trading, la cupola sulla parte centrale della cui parte era situata di fronte alla cupola del Senato Kazakovsky nel Cremlino. Su questo asse, un monumento a Minin e Pozhassky era un po 'più tardi.

Beauvais si è anche impegnata nella ricostruzione del territorio adiacente al Cremlino, incluso un ampio giardino alle sue mura con una porta dalla strada Mokhovaya, la grotta ai piedi del muro del Cremlino e del Rampus nella Trenity Tower. Bovy crea. ensemble teatrale quadrato (1816-1825), costruendo un grande teatro e legando una nuova architettura con un'antica parete di Kurtkoe. A differenza dei quadrati di Pietroburgo, è chiuso. L'OSIP Ivanovich appartiene anche agli edifici del primo ospedale (1828-1833) e Porte trionfali All'ingresso di Mosca da parte di San Pietroburgo (1827-1834, ora su Cutuzov Avenue), la Chiesa di tutta la gioia addolorata a Big Ordyanka in

Zamoskvorechye, che bevea attaccata al eretto alla fine del XVIII secolo. Bazhenovy Bell Torre e Refettory. Questa è la chiesa-rotonda, la cui cupola supporta il colonnato all'interno della cattedrale. Il Maestro continuò adeguatamente il caso del suo insegnante Kazakov.

Quasi sempre insieme fermamente lavorato Domenico (Demente Ivanovich) Libolddi (1788-1845) e Athanasio Grigorievich Grigoriev. (1782-1868). Liberadi ricostruita bruciata durante la guerra Cossack Moscow University (1817-1819). Come risultato dei riarrangiamenti, la cupola e il portico diventano più monumentali, dallo ionico trasformato in un dorico. Molti e con successo Liberadi e Grigoriev hanno lavorato in un'architettura maniera ( manor Usacheva. su Jauze, 1829-1831, con il suo splendido scenario; La tenuta di Golitsyny "Kuzminki", i 20 anni, con il suo famoso cortile equestre).

Il fascino speciale dell'amplificatore russo è stato trasmesso da noi dagli edifici residenziali di Mosca del primo terzo del XIX secolo: le solenne figure allegoriche sulle facciate che si confondano in modo pacifico - con il motivo dei balconi e delle barisade nello spirito degli usser provinciali. La facciata finale dell'edificio è solitamente allevata sulla linea rossa, mentre la casa stessa è nascosta nel profondo del cortile o del giardino. La composizione della pittura e della dinamica completa, in contrasto con l'equilibrio e l'ordine di San Pietroburgo (Casa del Lunin, nella Porta Nikitsky, costruita da D. Livilladi, 1818-1823); House Khrushchev, 1815-1817, ora Museo A.S. Pushkin, costruito da A. Grigoriev; La sua casa STANITSKAYA, 1817-1822, ORA MUSEO L.N. Tolstoy, sia sul prechistenka.

Liberadi e Grigoriev in molti modi hanno contribuito alla diffusione di un ambigue di Mosca, principalmente in legno, in tutta la Russia, da Vologda a Taganrog.

Dagli anni '40 del XIX secolo. Il classicismo ha perso la sua armonia, senza peso, complicata, lo vediamo sull'esempio

Cattedrale di Sant'isaac a San Pietroburgo costruito Auguste Monferran. Quarant'anni (1818-1858), uno degli ultimi importanti monumenti di architettura di culto in Europa XIX secolo, che unisce le migliori forze di architetti, scultori, pittori, muratori e fondatori.

I modi per sviluppare la scultura della prima metà del secolo sono inseparabili con i sentieri dello sviluppo dell'architettura. Nella scultura, tali maestri continuano a lavorare come I.p. Martos. (1752-1835), negli anni '80 del XVIII secolo. HaPpresso dalle sue lapidi annotate dalla grandezza e dal silenzio, la saggia accettazione della morte, "come un antico" ("dolore la mia luce ..."). Dal XIX secolo. La sua calligrafia cambia molto. Il marmo è sostituito da bronzo, avviamento lirico - eroico, sensibile-rigoroso (gravestone E.i. Gagarina, 1803, HMGS). L'antichità greca diventa un campione diretto da imitare.

Nel 1804-1818. Martos sta lavorando monumento a Minin e un incendio I fondi su cui stavano andando in abbonamento pubblico. Creare un monumento e la sua installazione ha avuto luogo durante il più alto sollevamento pubblico e riflette l'umore di questi anni. Le idee del debito civile più alto e dell'impresa nel nome di Martos Motherland incarnate nelle immagini ordinarie e chiare, in forma artistica concisa. La mano di Minina è semplice per il Cremlino - il più grande santuario popolare. I suoi vestiti sono la camicia russa, e non un antico toga. Al Principe di Pozbassy, \u200b\u200bantica armatura russa, un casco isochih e uno scudo con una foto del salvataggio. Il monumento è rivelato in modo diverso da diversi punti di revisione: se guardi a destra, sembra che, appoggiato allo scudo, il Pozharsky sta verso Minin; Dalla posizione frontale, dal Cremlino, sembra che Minin convinca il Pozharsky ad assumere un'alta missione della difesa della patria, e il principe è già preso dopo la spada. La spada diventa un link

tutta la composizione.

Insieme a F. Shchedrian Martos lavora anche su sculture per la Cattedrale di Kazan. Sono eseguiti sollievo "Outflow Acqua Mosè" Sugli attici dell'ala orientale del colonnato. La chiara appartenenza alle figure su uno sfondo liscio del muro, il ritmo rigorosamente classico e l'armonia caratteristica di questo lavoro (fregio Attica Western Wing "rame Zmiy", come detto sopra, è stato eseguito da ProkoFiev).

Nei primi decenni del secolo, è stata creata la migliore creazione F. Shchedrin. - Le sculture dell'ammiragliato, come menzionato sopra.

La prossima generazione di scultori è rappresentata dai nomi STEPAN STEPANOVICH PIMENOVA. (1784-1833) e Vasily Ivanovich Demoust-Malinovsky (1779-1846). Loro, come nessun altro nel XIX secolo, raggiungi il loro lavoro sintesi organica della scultura con l'architettura - in gruppi scultorei da

piewostostic Stone per Voronikhinsky Mining Institute (1809-1811, Demoust-Malinovsky - "Abduzione di Proserpina Plutone" , Pimenov - "La battaglia di Ercole con Antehe"), la natura delle cui figure del carico è cospirata dal portico dorico, o eseguita dal foglio rame il carro della gloria e il carro di Apollo per la Repubblica di creazione nazionale di Il Dvorts Triumphal Arch e l'Alessandria.

Chariot of Glory Triumphal Arch (O, come viene anche chiamato, la composizione "vittoria") è progettata per la percezione delle sagome, chiaramente disegnata contro lo sfondo del cielo. Se li guardi direttamente, sembra che i possenti sei cavalli, dove il più estremamente rimosso sotto i concilisti, presentato in un ritmo calmo e rigoroso, regna su tutta la zona. Sul lato della composizione diventa più dinamico e compatto.

Uno dei recenti esempi della sintesi della scultura e dell'architettura può essere considerata le statue di Barclay de Tolly e Kutuzov (1829-1836, consegnato nel 1837) presso la Cattedrale del lavoro di Kazan BI. Orlovsky. (1793-1837), che non viveva alcuni giorni prima dell'apertura di questi monumenti. Sebbene entrambe le statue venissero giustiziate in due decenni dopo la costruzione della cattedrale, si adattano brillantemente nei passaggi del colonnato, che diedero loro una bella cornice architettonica. L'idea dei monumenti di Orlovsky in modo conciso e luminoso esplicito Pushkin: "Ecco il formicolio di Barclay, e qui l'artista di Kutuzov", cioè le figure personificano l'inizio e la fine della guerra patriottica del 1812. Da qui resistenza , Tensione interna nella figura di Barclay - Simboli di resistenza eroica e davanti al gesto. Le mani di Kutuzov, banner napoleonici e aquile sotto le gambe.

Scultura

Il classicismo russo ha trovato un'espressione nella scultura della macchina, nella scultura di piccole forme, nell'arte della medaglia, ad esempio nei famosi rilievi del medaglione Fedor Tolstoy. (1783-1873), dedicato alla guerra del 1812, un esperto di antichità, in particolare la Grecia omerica, la migliore plastica, estesa

disegnatore. Tolstoy è riuscito a combinare l'eroico, sublime con intimo, profondamente personale e lirico, a volte dipinto anche di umore romantico, che è così caratteristico del classicismo russo. I rilievi di Tolstoy sono stati eseguiti nella cera, e poi il "vecchio manir", mentre il senior seni ha fatto a Petrovsky, furono lanciati dal Maestro Metal stesso, e numerose opzioni di gesso sono state conservate, o tradotte in Cina, o riempito in mastice (" La milizia delle persone "," Battle Borodino "," Battaglia di Leipzig "," Mir of Europe ", ecc.).

È impossibile non parlare dell'illustrazione di F. Tolstoy al poema "Drain" I.f.

Tolstoy F. P. Illustrazione per "drenare". 1820-1833.

Bogdanovich, eseguita in una carcassa e piuma e bezed da una taglierina - un eccellente campione di grafica nemica russa sulla trama della "metamorfosi" di Ovidievsky sull'amore di Amur e Psymia, dove l'artista ha espresso la sua comprensione dell'armonia del mondo antico .

Scultura russa dei 30-40 del XIX secolo. Sta diventando più democratico. Non è per caso che questi anni appaiano opere come "un ragazzo che gioca nella nonna" N.S. PIMENOVA (PIMENOVA YOUNGER, 1836), "Il ragazzo che gioca a Pike" A.V. Loganovsky, ha incontrato caldamente da Pushkin, che ha scritto le famose poesie sulla loro esposizione.

Scultore interessante creatività I.p. Vitaly. (1794-1855), che ha eseguito la scultura tra gli altri lavori

per i cancelli trionfali in memoria della Guerra Patriottica del 1812 nel TVER OCPAIN a Mosca (Arch. O.I. Panchina, ora all'AVE. Kutuzov); Busto di Pushkin, fatto poco dopo la morte del poeta (marmo, 1837, WMD); Colossale figure di angeli alle lampade agli angoli della cattedrale di Sant'isaac - Possibili, gli elementi migliori e più espressivi dell'intero design scultoreo di questa gigantesca struttura architettonica. Per quanto riguarda i ritratti Vitaly (l'eccezione è un busto di Pushkin) e in particolare ritratti dello scultore S.I. Galberg, quindi sopportano le caratteristiche di stilizione diretta per l'antico orlo, precipitosamente premuroso, secondo una fair osservazione dei ricercatori, con persone quasi naturalistiche.

Genere Jet è chiaramente tracciato nei lavori Studenti defunti primitivi S.I. Galberg - P.A. Stavasser ("Pescatore", 1839, marmo, tempistica) e Anton Ivanova ("modelli di Lomonosov sul mare",

1845, marmo, tempistica).

A metà della secolo scultura, la principale - due direzioni: una, proveniente dai classici, ma che è venuto a accademismo secco; Un altro rileva il desiderio di una vetrina più diretta e multilaterale della realtà, si diffonde nella seconda metà del secolo, ma indubbiamente anche il fatto che entrambe le direzioni dello stile monumentale siano gradualmente perse.

Lo scultore, che negli anni di declino delle forme monumentali è riuscito a raggiungere un successo significativo in questo settore, nonché in "piccole forme", era Peter Karlovich Klodt. (1805-1867), Autore di cavalli per cancelli trionfanti di Narva a San Pietroburgo (Arch. V. Stasov), "Tweers of Konya" per Ponte Anichkova (1833-1850), monumento a Nicholas I on Isaac Square (1850-1859 ), Ia. Kryona nel giardino estivo (1848-1855), così come un grande

il numero di sculture di animali.

Arte decorativa e applicata, si esprimeva così fortemente in un unico flusso unico di design decorativo degli interni della "Abpiaccia russa" del primo terzo del XIX secolo, - l'arte del mobile, della porcellana, del tessuto, - anche al centro del secolo perde l'integrità e la purezza dello stile.

Pittura

La direzione principale di architettura e scultura del primo terzo del XIX secolo era il classicismo. Nella pittura, è stato sviluppato principalmente da artisti accademici nel genere storico (A.e. Egorov - "Studio del Salvatore", 1814, Timing; V.K. Shebeyev - "L'impresa del mercante di Igolekin", 1839, tempistica; f.a. Brunita Camilla, Sisters Horace ", 1824, temporizzazione;" rame fri ", 1826-1841, temporizzazione). Ma i veri successi della pittura giacevano, tuttavia, in un'altra fila - romanticismo. Le migliori aspirazioni dell'anima umana, l'UPS e la parrocchia dello Spirito hanno espresso il dipinto romantico di quel tempo, e soprattutto il ritratto. Nel genere del ritratto, il posto principale deve essere assegnato Kiprensky Oresa. (1782–1836).

Cyprinsky è nato nella provincia di San Pietroburgo ed è stato il figlio del proprietario terriero A.S. Dyaconov e Serf. Dal 1788 al 1803, ha studiato, a partire da una scuola educativa, presso l'Accademia delle Arti, dove ha lavorato nella classe di pittura storica dal Professor G.I. Ugryumov e pittore francese G.-F. Duyien, nel 1805 ha ricevuto una grande medaglia d'oro per l'immagine "Dmitry Donskaya per vincere la vittoria su Mama" (MRM) e il diritto a un viaggio di pensionato all'estero, che è stato effettuato solo nel 1816 nel 1809-1811. Cyprinsky visse a Mosca, dove ha aiutato Martos a lavorare su un monumento a Minin e un fuoco, poi a Tver, e nel 1812 tornò a San Pietroburgo. Anni dopo la fine dell'Accademia e prima della partenza all'estero, ricevuta da sentimenti romantici, il più alto fiorente della creatività di Cyprossky. Durante questo periodo, ruotava nel mezzo della nobile intelligentia russa sidicata. Conoscevo K. Batyhkova e P. Vyazemsky, ha posato v.a. Zhukovsky, e negli anni successivi - Pushkin. I suoi interessi intellettuali erano anche ampi, non c'è da meravigliarsi Goethe, che Kiprensky ritratte nei suoi anni maturi, lo ha notato non solo come artista di talento, ma anche come persona interessante. Complesso, premuroso, mutevole nell'umore - Compariamo davanti a noi rappresentato da Kiprensky E.P. Rostopina (1809, GTG), D.N. Coda (1814, GTG), Chelishchev Boy (circa 1809, GTG). In una postura gratuita, guardando al lato, guardando con noncuranza sulla lastra di pietra, stands colonnello Labigycapo E.b. Davydov (1809, temporizzazione). Questo ritratto è percepito come un'immagine collettiva dell'eroe di guerra 1812, anche se è piuttosto concreto. L'umore romantico è arricchito dall'immagine del paesaggio del temporale, contro lo sfondo di cui viene presentata la figura. Il sapore è costruito sul figlio sonoro, preso in piena forza dei colori del rosso con oro e bianco con argento, nei vestiti dell'Hussario - e sul contrasto di questi colori con toni scuri del paesaggio. Aprendo un volto diverso del personaggio umano e il mondo spirituale dell'uomo, Ciprorosensky ha usato varie opportunità di pittura ogni volta. Ogni ritratto di questi anni è segnato con un pittoresco maestro. La pittura è gratuita, costruita come nel ritratto della coda, sulle transizioni più sottili di un tono a un altro, su diverse luci di colore, poi sull'armonia di ascendere i punti di grande luce puliti, come nell'immagine del ragazzo chelischev. L'artista utilizza effetti colorati in grassetto che riguardano la modellazione della forma; La pittura pastomia avverrà espressione energetica, rafforza l'emotività dell'immagine. Secondo la fiera Destinazione D.V. Sarabenova, il romanticismo russo non è mai stato un movimento artistico così potente come in Francia o in Germania. Non c'è eccitazione estrema o tragica disperazione. Nel romanticismo del Cyprinsky c'è ancora molto dall'armonia del classicismo, dall'analisi sottile della "torsione" dell'anima umana, così caratteristica del sentimentalismo. "Il secolo della corrente ed età del passato", di fronte al lavoro dei primi anni di Cyprozen, che si è tenuta come persona creativa nei migliori anni di vittorie militari e arcobaleno speranze della società russa e ammontava all'originalità e inesprimibile Fascino dei suoi primi ritratti romantici.

Alla fine, italiano, il periodo in virtù di molte circostanze del suo destino personale, l'artista raramente è riuscito a creare qualcosa uguale ai lavori anticipati. Ma qui puoi chiamare tali capolavori come uno dei migliori ritratti di vita di Pushkin (1827, GTG), scritti dall'artista nell'ultimo periodo del suo soggiorno nella patria, o ritratto dell'Avdulina (circa 1822, temporizzazione), pieno di tristezza emacient.

La parte inestimabile della creatività di Cyproshensky - ritratti grafici realizzati nella matita italiana principalmente morbida con un pesce pastello, acquerello, matite colorate. Raffigura il generale e.i. CAPLICA (GTG), A.R. Tomilova (tempistica), p.a. Olenina (GTG). L'emergere di ritratti a matita veloce-abbozzare di per sé è significativo, caratteristico del nuovo tempo: qualsiasi mimatore del viso è facilmente fissato in loro, qualsiasi movimento mentale. Ma una certa evoluzione si verifica anche nella tabella Kiprensky: non ci sono direzze e calore nel lavoro successivo, ma sono virtuoser e squisiti per esecuzione (ritratto di S.S. Shcherbatova, IT. Auto., GTG).

Il romanticismo sequenziale può essere chiamato Pole A.o. Orlovsky. (1777-1832), 30 anni di coloro che vivevano in Russia e portando il tema della cultura russa, caratteristica dei romantici occidentali (Bivuaki, Horsemen, naufragio. "Prendi la tua matita rapida, disegna, Orlovsky, Sword e Sich", ha scritto Pushkin ). Assimilato rapidamente in terra russo, che è particolarmente evidente nei ritratti grafici. In loro, attraverso tutti gli attributi esterni del romanticismo europeo con la sua ribellione e tensione si affacciano su qualcosa di profondamente personale, nascosto, intimo (autoritratto, 1809, GTG). Oryolsky appartiene a un certo ruolo nel "scatenante" dei modi per realizzare a causa dei suoi schizzi di genere, disegni e litografie raffiguranti scene di strada di Petersburg e tipi che hanno causato i famosi Quarstains di PA, Vyazemsky:

La Russia è precedente, eliminando

Svitare la prole,

La hai afferrato vivo

Sotto la matita folk.

Infine, il romanticismo trova la sua espressione e nel paesaggio. Sylvester Shchedrin (1791-1830) ha iniziato il percorso creativo con uno studente di suo zio semi di generosi con composizioni classiche: una chiara divisione di tre piani (il terzo piano è sempre architettura), ai lati delle scene. Ma in Italia, dove ha lasciato la St. Petersburg Academy, queste caratteristiche non sono state riacquistate, non si trasformò in uno schema. Era in Italia, dove viveva Shchedrin per più di 10 anni e morì in un periodo di massimo splendore del talento, ha rivelato come artista romantico, divenne uno dei migliori pittori in Europa insieme a Constable e Coro. Ha scoperto per la prima volta una pittura prigioniera per la Russia. True, come i Barbiglioni, Shchedrin ha scritto negli Etudi di Air Air solo e completato l'immagine ("decorata", dalla sua definizione) nel laboratorio. Tuttavia, il motivo stesso cambia gli accenti. Quindi, Roma nelle sue tele non è le maestose rovine dei tempi antichi, ma una vivace città moderna di persone semplici -Enbakov, mercanti, marinai. Ma questa vita di tutti i giorni sotto il pennello Generno ha acquisito un suono elevato. Harbor Sorrento, Argine di Napoli, Tevere al Castello di St. Angel, persone che prendono pesci, semplicemente parlando sulla terrazza o in vacanza all'ombra degli alberi, - tutto è trasmesso nella complessa interazione dell'ambiente dell'aria leggera, nella deliziosa fusione di toni d'argento-grigio, uniti di solito dal colpo Di rosso - in abbigliamento e copricapo, in fogliame arrugginito di alberi dove un ramo rosso è stato perso. Nelle ultime opere di Shchedrin, un interesse per effetti in bianco e nero, prefigurando l'onda del nuovo romanticismo Maxim Vorobyov e i suoi studenti (per esempio ", è apparso vista di Napoli sulla notte lunare"). Come il ritrattista Cyprinsky e Battalist Orlovsky, l'ufficiale del paesaggio Generin scrive spesso scene di genere.

Una certa rifrazione del genere domestico trovato, suonata stranamente, nel ritratto, e soprattutto nel ritratto di Sant'Andreevich Tropinina (1776 - 1857), l'artista, solo per 45 anni di apice della dipendenza. Tropinina ha vissuto una lunga vita, ed era destinato ad imparare il vero riconoscimento, anche la gloria, per ottenere il titolo di Accademico e diventare l'artista più famoso della Scuola di ritratti di Mosca degli anni '20 e '30. Partendo dal sentimentalismo, la verità, in circolazione più sensibile del sentimentalismo di Borovikovsky, Tropinin acquisisce il proprio stile di immagine. Nei suoi modelli non c'è una raffica romantica della Cypriansky, ma la semplicità, l'ozio, la sincerità dell'espressione, la veridicità dei personaggi, l'accuratezza dei dettagli della famiglia sono brillati in loro. I migliori ritratti di Tropinine, come un ritratto di un figlio (circa 1818, GTG), ritratto di Bulakhov (1823, GTG), segnato con alta perfezione artistica. Questo è particolarmente visibile nel ritratto del figlio dell'Arsenia, un'immagine insolitamente sincera, la vivacità e l'immediatezza del quale è enfatizzata da un'illuminazione abile: il lato destro della figura, i capelli sono permeati, pieni di luce solare, maestro abilmente trasmesso . I colori della gamma di Golden-Ohloooo a Pink-Brown sono insolitamente ricchi, l'ampio uso del lusese assomiglia ancora alle pittoresche tradizioni del XVIII secolo.

Il Tropinina nel suo lavoro va lungo il percorso di impartire naturalezza, chiarezza, equilibrio con semplici composizioni dell'immagine del ritratto di cereale. Di norma, l'immagine viene data su uno sfondo neutro con un minimo di accessori. È così che il Tropinin A.s. ha rappresentato Pushkin (1827) - seduto al tavolo in una posa libera, vestita in un abito da casa, che enfatizza la naturalezza dell'aspetto.

Tropinin è il creatore di un tipo speciale di pittura ritratto, cioè il ritratto in cui sono portati i tratti del genere. "Laneby", "mano", "chitarrista", "Gold Summer" - Tested immagini con una certa trama, che non ha perso, tuttavia, dannazione concreta.

L'artista ha contribuito al suo lavoro per rafforzare il realismo nel dipinto russo e ha avuto una grande influenza sulla scuola di Mosca - per definizione D.V. Sarabaunova, una specie di "Moscow Bidermeer".

Il Tropinina è appena entrato nell'elemento del genere nel ritratto. Un Alexey Gavrilovich VenetsOnov (1780-1847) è stato il vero atteggiamento del genere domestico (1780-1847). Amerer per l'istruzione, Venetsanov ha lasciato il servizio per il bene della pittura, trasferito da Mosca a Petersburg e divenne uno studente di Borovikovsky. I primi passi nelle "arti" ha fatto nel genere del ritratto, creando pastello, matita, burro incredibilmente poetico, lirico, a volte ricevuto dall'umore romantico delle immagini (ritratto di B.C. Putyathy, GTG). Ma presto l'artista lascia un ritratto per il bene della caricatura, e per la caricatura della strega di "liqunozione" il primo numero della "rivista dei cartoni animati per il 1808 nei volti" è stato chiuso. L'incisione di Venetsanova era, infatti, un'illustrazione per Oda Derzhavin e raffigurata affollata in receptionist, mentre nello specchio era visibile per il Veric, che è tra le braccia della bellezza, si presume che questa sia una caricatura sul grafico del Krafamodko ).

Alla fine dei 10-20 anni, Venetsian è stato lasciato da San Pietroburgo a Tver Province, dove ha comprato una piccola tenuta. Qui ha acquisito il suo tema principale, dedicandosi all'immagine della vita contadina. Nella foto "Khumno" (1821-1822, MRM), ha mostrato la scena di lavoro all'interno. Nel tentativo di riprodurre accuratamente non solo le pose di lavoro, ma anche illuminazione, ha anche ordinato di tagliare un muro della gomma. La vita come è - è ciò che il Venetista voleva raffigurare, disegnare contadini per la pulizia della barbabietola; Il proprietario terriero che dà il compito del cortile; Shepherd addormentato; Una ragazza con un brunch in mano; ammirando la farfalla dei bambini contadini; Scene di raccolto, Senokos, ecc. Naturalmente, Venetsians non aprono le collisioni più acute della vita del contadino russo, non ha aumentato i "problemi malati" della modernità. Questa è una vita patriarcale, idilliaca. Ma l'artista non ha fatto una poesia dall'esterno, non l'ha venuta con lei, e la sua urla nel suo più raffigurata con un tale amore della vita delle persone. Non ci sono stringhe drammatiche nei dipinti di Venetsian, una trama dinamica, loro, al contrario, sono statiche, "non succede nulla in loro". Ma una persona è sempre nell'unità con la natura, nel lavoro eterno, e rende le immagini di Venetianov sono veramente monumentali. È realista? Nella comprensione di questa parola, artisti della seconda metà del XIX secolo - difficilmente. Nel suo concetto ci sono molte e da idee classiche (vale la pena ricordare la sua "primavera, sulla terra arabile", GTG), e soprattutto dal sentimentalista ("nella vendemmia. Estate", GTG), e nel comprendere lo spazio - e da romantico. E, tuttavia, il lavoro di Venetianov è un certo palcoscenico sulla via dell'aggiunta del realismo critico russo del XIX secolo, e in questo anche il significato di Incredit del suo dipinto. Questo determina il suo posto nell'arte russa nel suo complesso.

Venetcianov è stato un insegnante eccellente. Scuola di Venetsanova, Venetsanoventi sono un intero Pleiad di artisti degli anni '20 e 19, che ha lavorato con lui sia a San Pietroburgo che nella sua tenuta Safonkovo. Questo è A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, k.a. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zarynko, L.K. Plakhov, N.S. Ali e molti altri. Tra i discepoli del Venetian è molte persone dei contadini. Sotto il pennello dei Venetsiani, non solo le scene della vita contadina sono nate, ma anche urbane: St. Petersburg Streets, Tipi folk, Paesaggi. A.V. Tyranov ha scritto scene all'interno, e ritratti e paesaggi e vita ancora. VenetSianovsy "Ritratti di famiglia negli interni" sono stati particolarmente amati - combinati la specificità delle immagini con i dettagli della narrativa, trasmettendo l'atmosfera dell'ambiente (ad esempio, l'immagine di Tyranchov "Workshop Workshop dei lavoratori Fratelli Chernetovsky", 1828, in che il ritratto e il genere e la natura morta sono combinati).

Lo studente più talentuoso di Venetsian è indubbiamente Grigory Grigory Soroka (1813-1864), l'artista del destino tragico. (Soroka è stata liberata dal Serfdom solo dalla riforma del 1861, ma a causa del contenzioso con l'ex proprietario terriero, è stato condannato a punizione corporeo, non ne ha pensato di pensarci e suicidarsi.) Sotto il pennello, Soroki e il paesaggio del suo nativo Lago Molino, e tutti gli oggetti nell'ufficio delle proprietà nelle isole, e le figure congelate sul colpo dei pescatori del lago si trasformano, piene di poesia più alta, silenzio benevolo, ma anche con una tristezza pendente. Questo è il mondo di oggetti reali, ma anche il mondo perfetto immaginario dell'artista.

Pittura storica russa dei 30-40 sviluppati sotto il segno del romanticismo. "Il genio di compromesso" tra gli ideali del classicismo e delle innovazioni del romanticismo chiamato un ricercatore (M.M. Allenov) Karl Pavlovich Bellav (1799-1852). Gloria a Bhorlylov è tornato all'Accademia: già, gli etudi ordinari si sono trasformati in Brullov nei dipinti finiti, poiché, per esempio, con il suo "Daffissism" (1819, MRM). Dopo la laurearsi dal corso con una medaglia d'oro, l'artista è andato in Italia. Nelle opere DWItalian, BOLLOV fa appello ai trame di biblico ("aspetto dei tre angeli dei tre angeli di mamvrian", 1821, tempismo) e antica ("Edip e Antigone", 1821, il Museo Regionale del Tyumen del Local Lore) , impegnati in litografia, scultura, scrive scenari teatrali, disegna costumi alle produzioni. Immagini "Italian Mattina" (1823, posizione sconosciuta) e "Italiano pomeriggio" (1827, MRM), in particolare il primo, mostrare quanto vicino al pittore si avvicinò ai problemi del Plenäer. Brullov stesso ha determinato il suo compito: "Ho coperto la modella al sole, suggerendo l'illuminazione da dietro, così che il viso e il petto all'ombra e riflettono la fontana illuminata dal sole, che rende tutte le ombre molto più piacevoli Confronto con semplice illuminazione dalla finestra. "

I compiti del dipinto plenaria sono così interessati a Bullova, ma il percorso dell'artista, tuttavia, giaceva in una direzione diversa. Dal 1828, dopo un viaggio a Pompei, Bryullov sta lavorando al suo lavoro uguale - "L'ultimo giorno Pompei" (1830-1833). Il vero evento della storia antica è la morte della città con un'eruzione del Vesuvio nel 79 N. e. - Ha permesso di mostrare l'artista di mostrare la grandezza e la dignità di una persona di fronte alla morte. La lava antincendio viene in città, gli edifici e le statue sono fatiscenti, ma i bambini lasciano i loro genitori; La madre copre il bambino, il giovane salva la sua amata; L'artista (in cui Bryullov raffigurato) prende pitture, ma lasciando la città, sembra occhi aperti spalancati, cercando di catturare una vista terribile. Anche nella morte di una persona rimane bella, come splendidamente scartato con il carro, una donna al centro della composizione. Nel dipinto di Bryullov, una delle caratteristiche essenziali del suo dipinto è stata chiaramente mostrata: il collegamento della classica stilista delle sue opere con le caratteristiche del romanticismo, con il quale il classicismo Bhorlylovsky unisce la fede nella nobiltà e la bellezza della natura umana. Da qui la straordinaria "sopravvivebilità" che conserva la chiarezza della forma di plastica, il disegno della massima professionalità prevalente su altri mezzi espressivi, con gli effetti romantici dell'illuminazione pittorica. Sì, e l'argomento stesso della morte inevitabile, la roccia inesorabile è così caratteristica con precisione per il romanticismo.

Come un determinato schema artistico di serie, stabilito, classicismo in gran parte limitato l'artista romantico. La Convenzione del linguaggio accademico, la lingua della scuola, come l'Accademia chiamata in Europa, è stata pienamente manifestata a Pompei: posture teatrali, gesti, espressioni facciali, effetti di illuminazione. Ma hai bisogno di ammettere che i bullelli hanno cercato di giocare la verità storica, cercando di riprodurre monumenti specifici, aprire gli archeologi il più vicino possibile e il mondo intero, riempire le scene descritte da Penny Younger in una lettera alla tacitite. Esposto prima a Milano, poi a Parigi, la foto è stata portata in Russia nel 1834 e aveva un successo rumoroso. Gogol lo ha riconsiderato con entusiasmo. Il valore delle opere di Bryulllov per la pittura russa è determinata dalle famose parole del poeta: "E l'ultimo giorno di Pompei" è stato il primo giorno per il pennello russo. "

Nel 1835, Brullov tornò in Russia, dove è stato incontrato come trionfo. Ma il genere storico stesso non era più fatto, per "Osada Pskov, il re polacco di Stefan Batory nel 1581" non è stato completato. I suoi interessi erano in una direzione diversa - un ritratto, a cui si voltò, lasciando la pittura storica, come il suo grande contemporaneo Cyprosensky, e in cui ha mostrato tutto il suo temperamento creativo e la sua abilità di lucentezza. Puoi rintracciare una certa evoluzione del Bandoro in questo genere: dal ritratto anteriore degli anni '30, il cui campione può anche essere un ritratto di quanto un'immagine generica, ad esempio, un brillante tela decorativa "cavaliere" (1832, GTG), dove è raffigurato il pupillo della contessa Samoyllava Jovanina Pachchini, non ha accidentalmente un nome generalizzato; o ritratto yu.p. Samoilova con un altro allievo - Amacylia (circa 1839, TRM), ai ritratti degli anni '40 - più camera, e una sottile e sfaccettata caratteristiche psicologiche (ritratto di un. Strigovshchikov, 1840, GRM; autoritratto, 1848, GTG). Di fronte al letteratore Strigovsk, la tensione della vita interna è letta. L'affaticamento e l'amarezza delusione soffia dalla comparsa dell'artista su un autoritratto. Faccia sottile triste con gli occhi astenticiosi, era impotente appesa a mani di pennello aristocraticamente sottili. In queste immagini, molto dalla lingua romantica, mentre in una delle ultime opere - il ritratto profondo e sincero dell'archeologo Michelangelo Pranzo (1851), vediamo che i bloods non sono alieni al concetto realistico nell'interpretazione del Immagine.

Dopo la morte del Brullov, i suoi studenti spesso usavano solo principi formali accuratamente sviluppati, puramente accademici della lettera, e il nome del Bryullov era quello di sopportare un sacco di houls dai critici di una scuola democratica e realistica della seconda metà di il XIX secolo, prima di tutto VV Stasova.

La figura centrale della pittura del centro del cuore era senza dubbio Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Ivanov si è laureato alla St. Petersburg Academy con due medaglie. Ha ricevuto una piccola medaglia d'oro per il dipinto "ATAM, richiesto da Achille il corpo del Hector" (1824, GTG), in connessione con la quale la critica ha notato la lettura attenta dell'artista Homer e una grande medaglia d'oro - per il lavoro di " Giuseppe, interpretando i sogni con lui nella dungeon Vinolrypia e Khlebodar "(1827, TRM), espressione completa, espressa, tuttavia, semplicemente e chiara. Nel 1830, Ivanov lascia Dresden e Vienna in Italia, nel 1831 entra in Roma e solo un mese e mezzo prima della morte (morì dal colera) ritorna nella sua patria.

Il percorso di A. Ivanov non è mai stato facile, non ha volato la gloria alata, come per il "Grande Carl". Durante la sua vita, il suo talento è stato valutato Gogol, Herzen, Sequenov, ma non c'erano pittori tra loro. La vita di Ivanov in Italia è stata piena di lavoro e riflessioni sulla pittura. Né ricchezza, né intrattenimento secolare cercarono, trascorrendo i suoi giorni nelle mura del laboratorio e su Etudáh. La visione del mondo di Ivanova ha avuto una certa influenza della filosofia tedesca, prima di tutto, il programma con la sua idea della destinazione profetica dell'artista in questo mondo, poi la filosofia dello storico della religione D. Straus. Il fascino della storia della religione ha portato a uno studio quasi scientifico dei testi sacri, la conseguenza della quale la creazione di famosi schizzi biblici e appello per l'immagine del Messia apparve. I ricercatori della creatività Ivanova (D.V. Sarabianov) sono in modo equo il suo principio "il principio del romanticismo etico", cioè il romanticismo, in cui l'enfasi principale è stata rinviata dall'estetico all'inizio della morale. Fede appassionata dell'artista nella trasformazione morale delle persone, nel miglioramento di una persona alla ricerca di libertà e verità, ha guidato Ivanov al tema principale della sua creatività - alla foto ha dedicato 20 anni (1837 - 1857), "il fenomeno di Cristo Alla gente "(GTG, versione della versione dell'autore).

Ivanov è andato a lungo per questo lavoro. Ha studiato il dipinto di Jotto, Venetsians, in particolare Tiziano, Veronese e Tintoretto, ha scritto una composizione di due anni "il fenomeno di Cristo Mary Magdaline dopo la risurrezione" (1835, GRM), per la quale l'Accademia di San Pietroburgo gli ha dato Il titolo di Accademico ed estese il periodo di pensionamento in Italia per tre anni.

I primi schizzi dei "Messia fenomeni" si riferiscono al 1833, nel 1837 la composizione è stata trasferita in una grande tela. Inoltre, il lavoro è andato, che può essere giudicato dai numerosi schizzi, disegni, disegni, disegni, lungo la specifica di caratteri e paesaggio, la ricerca del tono totale dell'immagine.

Nel 1845, il "fenomeno di Cristo il popolo" era essenzialmente finito. La composizione di questo monumentale lavoro software si basa su base classica (simmetria, collocamento della figura principale espressiva del primo piano - Giovanni Battista - nel centro, la posizione di bassorilievo dell'intero gruppo nel suo complesso), ma Lo schema tradizionale è ripensato con un artista. Il pittore ha cercato di trasferire la dinamica della costruzione, la profondità dello spazio. Ivanov ha cercato questa decisione per molto tempo e lo ha raggiunto a causa del fatto che la figura di Cristo appare e si avvicina alle persone che prendono il battesimo di Giovanni nelle acque del Giordania, dalla profondità. Ma la cosa principale che colpisce nell'immagine è la straordinaria veridicità di una varietà di personaggi, le loro caratteristiche psicologiche che informano l'incredibile affidabilità dell'intera scena. Da qui la persuasiva della rinascita spirituale degli eroi.

L'evoluzione di Ivanov nel lavoro sul "fenomeno ..." può essere definita come il percorso dalla scena specifica-realistica al web monumentale-epico.

I cambiamenti nella visione del mondo di Ivanov-Pensatore, che si erano verificati per molti anni di lavoro sulla foto, hanno portato al fatto che l'artista non ha finito il suo lavoro principale. Ma ha fatto la cosa principale, come disse Kramskaya, "svegliava il lavoro interiore nelle menti degli artisti russi". E in questo senso, i ricercatori hanno ragione, dicendo che l'immagine di Ivanov era la "previsione dei processi nascosti", avvenuta nell'art. Le scoperte di Ivanov erano così nuove che lo spettatore era semplicemente in grado di valutarli. Non c'è da meravigliarsi n. Chernyshevsky chiamato Alexander Ivanov uno di quei genii, "che diventano fortemente persone del futuro, sacrificio ... verità e, avvicinandola già in anni matura, non hanno paura di ricominciare le loro attività con la dedizione della gioventù" ( Chernyshevsky n.g. Note sul precedente articolo // contemporaneo. 1858. T. XXI. Novembre. P. 178). Fino ad ora, la foto rimane una vera accademia per generazioni di maestri, come la "scuola di Atene" di Rafael o il plafon sequestinico Michelangelo.

Ivanov ha detto la sua parola nello sviluppo dei principi del Plenuer. Nei paesaggi scritti all'aperto, è riuscito a mostrare tutto il potere, la bellezza e l'intensità della natura della natura. E la cosa principale non è quella di schiacciare l'immagine nella ricerca di un'impressione istantanea, nel desiderio di accuratezza dei dettagli, e di preservare la sua sintetica, tale caratteristica arte classica. Da ciascuno dei suoi paesaggi c'è una chiarezza armonica, se raffigura un bere solitaria, un ramo separato, distese marittime o paludi ponticali. Questo è un maestoso mondo trasmesso, tuttavia, in tutta la vera ricchezza del mezzo di luce della luce, come se senti l'odore dell'erba, esitando l'aria calda. Nella stessa complessa interazione con il mercoledì, raffigura una figura umana nelle sue famose stupie di ragazzi nudi.

Nell'ultimo decennio, Ivanov ha un'idea di creare un ciclo di dipinti biblici-vangelici per qualsiasi edificio pubblico per ritrarre le trame delle Sacre Scritture nell'antico sapore di colore, ma non etnograficamente diretto, ma esaltato generalizzato. Gli schizzi biblici (GTG) eseguiti da schizzi biblici dell'acquerello (GTG) occupano un posto speciale nel lavoro di Ivanov e allo stesso tempo lo completò organicamente. Questi schizzi ci forniscono nuove opportunità per questa tecnica, la sua plastica e il ritmo lineare, la macchia dell'acquerello, per non parlare della straordinaria libertà creativa nell'interpretazione dei terreni stessi mostrando l'intera profondità di Ivanov-filosofo, e del suo più grande dono del Monumentalist ("Zaccaria di fronte all'angelo", "Dormire di Joseph", "Pelting sulla prua", ecc.). Il ciclo di Ivanov è il fatto che il lavoro e gli schizzi ingegnosi possono essere una nuova parola nell'art. "Nel XIX secolo, il secolo dell'Afrening Analytical Splitting della precedente integrità dell'arte nei singoli generi e dei singoli problemi scenici - Ivanov è il grande genio di sintesi, commesso dall'idea dell'arte universale, interpretata come un tipo di enciclopedia di ricerca spirituale, collisioni e crescite della storica conoscenza di sé dell'uomo e dell'umanità. (Allenov M.M. Arte della prima metà della XIX secolo // Allenov M.M., Evangulova OS, Lifani L.I. Arte russa X - Primo XX secolo. M., 1989. P. 335). Il monumentalista chiamando, Ivanov viveva, tuttavia, al momento in cui l'arte monumentale è andata rapidamente un declino. Il realismo delle forme Ivanovo è poco costante con l'arte di asserzione di una natura critica.

La direzione socio-critica, che è diventata la principale dell'arte della seconda metà del XIX secolo, nei 40-50 si è dichiarata nel grafico. Un ruolo indubbio qui ha giocato "scuola naturale" in letteratura, associata (molto convenzionalmente) con il nome n.v. Gogol.

Enorme successo ha avuto un album di cartoni animati litografici "Yelash" N.M. Nevakhovich, che, come la "rivista caricatura" veneziana ", è stata dedicata alla satira della morale. Su una pagina di un grande formato potrebbe essere posizionato diversi grafici, spesso i volti erano ritratti, abbastanza riconoscibili. "Elash" è stato chiuso il 16 ° problema.

Negli anni '40, l'edizione di V.F. era molto richiesta. Timma, illustratore e litografia. "La nostra, scritta da Nietaya Russians" (1841-1842) - Immagine dei tipi di Typi di Petersburg Street dai flankers-France ai bidelli, Caber, ecc. TIMM illustrati anche "Immagini di morali russi" (1842-1843) ed eseguiti disegni al poema II. Matlev sulla signora Kurdyukova, la larghezza provinciale, dalla noia che viaggia in Europa.

Il libro di questo tempo diventa più conveniente ed economico: le illustrazioni hanno iniziato a stampare con una tavola di legno con grandi circoli, a volte con l'aiuto di politiche - getti metallici. Le prime illustrazioni per le opere di Gogol - "cento disegni dal poema N.M. GOGOL "ANIMA MORTA" A.A. Azgin, incisa e.e. Vernadsky; Gli anni '50 sono stati segnati dall'attività di T. G. Shevchenko come un drawrewer ("parabola del figlio prodigo", impiantando la crudele morale nell'esercito). Cariceture e illustrazioni per libri e riviste Timma e i suoi associati Agina e Shevchenko hanno contribuito allo sviluppo del dipinto di genere russo della seconda metà del XIX secolo.

Ma la principale fonte di genere di genere la seconda metà del secolo era il lavoro del Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). In pochi anni ha dedicato il suo dipinto con la sua breve vita tragica, ma riuscì ad esprimere lo spirito della Russia per gli anni '40. Il figlio del soldato di Suvorov, adottato nel Corpo di Mosca Cadet per i meriti del Padre, Fedotov per 10 anni serviti nel reggimento delle guardie finlandesi. Avendo rassegnato, è impegnato nella classe di battaglia A.I. Cheeperweed. Fedotov ha iniziato con disegni e caricature per la casa, con una serie di sepii dalla vita di Fitelka, il cane Bararynina, che è stato in un Bose e una hostess confezionato, dalla serie, in cui si è dichiarato come un senso satirico - il russo Case del suo "Caricatyuran" (oltre alla spada - Seppia "Fashion Shop", 1844-1846, GTG; "L'artista che si è sposato senza dote nella speranza del suo talento", 1844, GTG, ecc.). Ha studiato sulle incisioni di Hogarth e gli olandesi, ma soprattutto - alla vita più russa, una figura aperta di un artista di talento in tutta la sua disarmonia e contraddizioni.

La cosa principale nel suo lavoro è la pittura a casa. Anche quando scrive ritratti, è facile rilevare elementi di genere (ad esempio, nei "giocatori" del ritratto dell'acquerello, GTG). La sua evoluzione nel dipinto di genere - dall'immagine della caricatura al tragico, dal sovraccarico in dettaglio, come nel "cavalier fresco" (1846, GTG), dove tutto è "succhiare": una chitarra, bottiglie, beffa della cameriera, Persino papillos sulla testa del cattivo eroe, - al limite del laconismo, come nella "vedova" (1851, Museo d'arte regionale Ivanovo, opzione - GTG, TRM), alla tragica sensazione di assenza di significato dell'esistenza, come nel suo ultimo immagine "Ancoraggio, ancora ancor!" (circa 1851, GTG). La stessa evoluzione e nella comprensione del colore: dal colore, dal suono strisciato, attraverso vernici pulite, luminose, intense, saturi, come nel "orologio principale" (orologio principale "(1848, GTG, tempismo) o" colazione aristocratica "(1849- 1851, GTG), prima dei colori squisiti dei "vedovi", che tradiscono l'argomento, come se si sciolse nella luce sparsa del giorno, e l'integrità del tono unico della sua ultima tela ("Ankor ...") . Era un modo da una semplice vita della vita all'attuazione in immagini chiara e trattenute dei problemi più importanti della vita russa, perché ciò che è, per esempio, "Guarda il maggiore", come non incolpare uno dei fatti sociali della vita dei suoi bug temporali di nobili impoveriti con mercanti "borse in contanti"? E "raccogliendo la sposa, scritta sulla trama presa in prestito da I.A. Krylova (molto, a proposito, apprezzato dall'artista), come non è un matrimonio al calcolo? O o l'impassamento del vuoto di una corsa laica, polvere in polvere negli occhi, - nella "colazione aristocratica"?

Il potere di pittura di Fedotov non è solo nelle profondità dei problemi, nell'esistenza della trama, ma anche nell'incredibile abilità di esecuzione. Basta ricordare la camera di fascino full "ritratto di n.p. Zhdanovich per claviersin "(1849, TRM). Fedotov ama un vero mondo sostanziale, con delizia scoraggia ogni cosa, poeticandola. Ma questa delizia davanti al mondo non osserva l'amarezza di ciò che sta accadendo: la disperazione della posizione delle "vedove", la menzogna della transazione matrimoniale, il desiderio del servizio ufficiale nell'angolo "Orso". Se Fedotova sfonde attraverso Fedotov, allora questa è la stessa gogol "risata attraverso l'invisibile al mondo delle lacrime". Fedotov si è laureato alla vita nella "Sorrow House" sul fatidico 37 ° anno di vita.

L'arte di Fedotov termina lo sviluppo della pittura della prima metà del XIX secolo, e allo stesso tempo completamente organicamente - grazie alla sua previdenza sociale - la "direzione Fedotovsky" apre l'inizio di un nuovo stadio - l'arte del critico, O, come più spesso, dicono democratici, realismo.

Per le arti visive russe, il romanticismo e il realismo sono stati caratterizzati. Tuttavia, il classicismo è stato ufficialmente riconosciuto il metodo. L'Accademia delle Arti è diventata un'istituzione conservatrice e obliqua che ha impedito qualsiasi tentativo di libertà di creatività. Chiese a seguire rigorosamente i canoni del classicismo, incoraggiavano a scrivere dipinti su grafici biblici e mitologici. I giovani artisti russi di talento non soddisfano il quadro di Academiz-MA. Pertanto, si rivolgevano più spesso in un genere ritratto.
Durante la pittura, sono stati incarnati gli ideali romantici dell'era del livello nazionale. Avendo respinto rigido, non permettendovi deviazioni dei principi del classicismo, gli artisti hanno scoperto la diversità e l'unicità del mondo. Questo non solo riflette nei soliti generi già - ritratto e paesaggio - ma ha anche dato impulso alla nascita di una pittura domestica, che era al centro dell'attenzione dei maestri della seconda metà del secolo. Nel frattempo, il campionato è rimasto dietro il genere storico. Era l'ultimo rifugio del classicismo, tuttavia, e qui per la "facciata" formalmente classica ha nascosto idee e argomenti romantici.
Romanticismo - (Franz. Romantisme), direzione ideologica e artistica nella cultura spirituale europea e americana della fine 18 - 1 ° piano. 19 secoli. Riflettendo la delusione nei risultati della rivoluzione francese della fine del XVIII secolo, nell'ideologia dell'illuminazione e del progresso pubblico. Il romanticismo ha in contrasto l'utilitariscalismo e il livellamento della personalità come limitalismo con la libertà illimitata e "infinita", sete di perfezione e rinnovamento, pathos di indipendenza personale e civile. Il disturbo doloroso della realtà ideale e sociale è la base della vista e dell'arte del mondo romantico. Approvazione della intrinseca della vita spirituale e creativa della persona, l'immagine di forti passioni, l'immagine di forti passioni, natura spiritualizzata e curativa, in molti romantici - gli eroi della protesta o della lotta sono adiacenti ai motivi del "dolore mondiale "," World Evil "," Notte "lato anima, prendendo forme di ironia, poetica grottesca di dogmirina. Interesse per il passato nazionale (spesso - la sua idealizzazione), le tradizioni del folcloristico e della cultura dei propri e di altri popoli, il desiderio di creare un'immagine universale del mondo (prima di tutto la storia e la letteratura), l'idea del La sintesi delle arti ha trovato un'espressione nella pratica ideologia e romanticismo.
Nell'arte visiva, il romanticismo è stato manifestato più luminoso nella pittura e nella grafica, meno chiaramente nella scultura e nell'architettura (ad esempio, falso gotico). La maggior parte delle scuole romantiche nazionali nelle arti visive si sono sviluppate nella lotta contro il classicismo accademico ufficiale.
Nelle profondità della cultura ufficiale-statale, l'internalay della cultura "Elite" che serve la classe dominante (aristocrazia e la Corte reale) è evidente e che possiede una solidità speciale alle innovazioni straniere. Basta ricordare i video romantici di O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullova, A. Ivanov e altri grandi artisti del XIX secolo.
Cyprosa Oest Adamovich, artista russo. Un maestro eccezionale dell'arte visiva russa del romanticismo, conosciuta come un ritratto meraviglioso. Nella pittura "Dmitry Donskaya nel campo Kulikov" (1805, il museo russo) ha dimostrato una conoscenza sicura dei canoni di un'immagine storica accademica. Ma presto la regione, dove il suo talento è rivelato nel più naturale e a suo agio, diventa il ritratto. Il suo primo ritratto pittoresco ("A. K. Schwalbe", 1804, e lì), scritto nel modo rembrandt, si distingue per la sua luce bianca e bianca espressiva e drammatica. Nel corso degli anni, la sua abilità, - il Pro-Aspetto nella capacità di creare approcci singoli-caratteristici univoci, selezionando speciali strumenti di plastica per rifiutare questa caratteristica, sta crescendo. Impressionante vitalità è piena: Ritratto di un ragazzo A. A. Chelischev (circa 1810-11), immagini accoppiate di coniugi F. V. ed E. P. Rostopchinny (1809) e V. S. e D. N. Podvovkov (1814, tutta la Galleria di Tretyakov). L'artista batte sempre più le possibilità di colore e contrasti neri e neri, sfondo del paesaggio, dettagli simbolici ("E. S. Avedul", circa il 1822, lì). Anche grandi ritratti anteriori, l'artista sa come fare liricamente, quasi intimamente rilassato ("ritratto del colonnello Gusar della vita di Evgraph Davydova", 1809, museo russo). Il suo ritratto di una giovane gloria poetica e shefed A.S. Pushkin è uno dei migliori nella creazione di un'immagine romantica. Cypresen Pushkin sembra solenne e romantico, nell'alone della fama poetica. "Mi piacciono, Oest," sospirò Pushkin, guardando la tela finita. Cyprorosensky era anche un videoregistratore virtuoso, creato (principalmente in una matita italiana e tecnica pastello) campioni di abilità grafiche, spesso superiori ai ritratti emotivi aperti ed eccitanti. Questi sono tipi domestici ("musicista cieco", 1809, Museo russo; Kalmychka Bayausto, 1813, Galleria di Tretyakov), e una famosa serie di ritratti di matita dei partecipanti alla guerra patriottica del 1812 (disegni con l'immagine E. I. CAPLICA, A. R. Tomilov, PA Onenina, lo stesso disegno con il poeta Batyushkov et al.; 1813-15, Galleria Tretyakov e altri incontri); L'inizio eroico qui acquisisce un'ombra sinceri. Un gran numero di schizzi e certificati di testo mostrano che l'artista è tutto il suo periodo maturo per creare un grande (secondo le sue stesse parole dalla lettera un'enina del 1834), "spettacolare, o, in russo, di dire, uno sciopero e Pittura magica ", dove nella forma allegorica, sarebbero stati raffigurati i risultati della storia europea, così come lo scopo della Russia. "I lettori di giornali a Napoli" (1831, Galleria Tretyakov) - Uscita solo un ritratto di gruppo - In realtà c'è una risposta simbolica nascosta agli eventi rivoluzionari in Europa.
Tuttavia, le più ambiziose delle pittoresche allegorie del Kiprensky rimasero insoddisfatte, o scomparse (come la "tomba anacreica" completata nel 1821). Queste ricerche romantiche, tuttavia, hanno ottenuto una continua continuazione sul lavoro di K. P. Bryullov e A. A. Ivanov.
Realistic Manera ha riflesso opere di v.a. Tropinino. I primi ritratti di Tropinina, scritti nella gamma colorata trattenuta (ritratti familiari dei conteggi delle carote 1813 e 1815, entrambi - nella Galleria Tretyakov), ancora appartengono alla tradizione del secolo dell'illuminazione: il modello è in loro l'incondizionato e centro stabile dell'immagine. Più tardi, il dipinto della pittura Tropinina diventa più intenso, i volumi sono solitamente più chiaramente e scultorelmente, ma la cosa più importante - la sensazione puramente romantica degli elementi mobili della vita, solo parte, il cui frammento sembra essere un eroe ritratto (Bulakhov , 1823; "kg ravich", 1823; autoritratto, circa il 1824; tutti e tre sono lì nello stesso posto). TAKOV e AS Pushkin sul famoso ritratto del 1827 (Museo All-Russian come Pushkin, Pushkin): Poeta, mettendo la mano su una pila di carta, non importa quanto "Musey esita", ascolta il sogno creativo, l'ambiente è invisibile alone. Ha anche scritto un ritratto di A.S. Pushkin. Prima che lo spettatore appare l'esperienza della vita magica, non una persona molto felice. Al ritratto del poeta tropinina casalinamente affascinante. Una sorta di speciale calore staromoshkovsky e comfort appassionati dalle opere di Tropinina. Fino a 47 anni era nella cattura della fortezza. Pertanto, probabilmente è così fresco, così spiritualizzato sulle sue tele del volto della gente comune. E l'infinita giovinezza e fascino del suo "pizzo". Più spesso v.a. Tropinina applicata all'immagine delle persone del popolo ("pizzo", "ritratto del figlio", ecc.).
Ricerca artistica e ideologica per il pensiero pubblico russo, in attesa del cambiamento interessato le immagini di K.P. Bryulllova "L'ultimo giorno di Pompei" e A.a. Ivanova "fenomeno della gente di NAR-stiva."
La grande creazione dell'arte è il dipinto "L'ultimo giorno Pompei" Karl Pavlovich Bryullova (1799-1852). Nel 1830, il russo Hu-Devin di Karl Pavlovich Brullov è stato visitato su scavi dell'antica città di Pompei. Camminava lungo l'antico ponte, ammirato gli affreschi, e nella sua immaginazione, il Thor della tragica notte di agosto 79 g. E. Quando la città era coperta da una ceneri di routine e un pembassant svegliato da Vesuvia. Tre anni dopo, il dipinto "L'ultimo giorno di Pompei" ha fatto un viaggio trionfante dall'Italia alla Russia. L'artista ha trovato splendide vernici per l'immagine della tragedia di una città antica, morendo sotto legname e le ceneri di un Vesuvio eruttato. L'immagine è intrisa di ideali umanistici elevati. Mostra il coraggio delle persone, la loro dedizione, mostrata durante una terribile catastrofe. Bryulllov era in Italia in viaggio d'affari dell'Accademia delle Arti. In questa istituzione educativa, la tecnica di formazione della pittura e del disegno è stata ben consegnata. Tuttavia, l'Academy si è concentrata inequivocabilmente su un antico patrimonio e argomenti eroici. Per la pittura accademica, un paesaggio decorativo, la teatralità della composizione generale era caratteristica. Scene della vita moderna, il solito paesaggio russo era considerato indegno dei pennelli dell'artista. Il classicismo nella pittura ha ricevuto un titolo di accademismo. Bryulllov è stato associato all'Accademia di tutto il suo lavoro.
Possedeva una potente immaginazione, con un occhio crescente e una mano fedele - e le sue creazioni dal vivo concordate con i canoni del accademismo sono nati. Davvero con la grazia di Pushkin, sapeva come catturare sulla tela e la bellezza del corpo umano nudo, e la scossa di un raggio di sole su una foglia verde. I capolavori non usurati della pittura russa saranno per sempre lasciarono le sue tele "cavaliere", "Wirzavia", "italiana mattina", "italiana mezzogiorno", numerosi ritratti anteriori e intimi. Tuttavia, l'artista ha sempre molto grandi argomenti storici, all'immagine di eventi significativi della storia umana. Molte delle sue idee in questo senso non sono state implementate. Non ho mai lasciato l'idea di Bandov per creare un panno epico sulla trama dalla storia russa. Inizia il dipinto dell '"assedio di Pskov dalle truppe del re Stephen Batory". Raffigura il momento del culmine dell'assedio del 1581, quando i guerrieri di Pskov e. I cittadini di Ki sono dati all'attacco sui poli che hanno rotto in città e scartarli per le pareti. Ma la foto è rimasta incompiuta, e il compito di creare un dipinti storici veramente nazionali non è stato effettuato dal Bullylov, ma la prossima generazione di artisti russi. Pushkin di un anno, Bryullov lo sopravvisse per 15 anni. Gli ultimi anni era malato. Dall'autoportista scritto in quel momento, un uomo rossastro ci sta guardando con caratteristiche sottili del viso e uno sguardo calmo e premuroso.
Nella prima metà del XIX secolo. Viveva e lavorato dall'artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Ha dedicato tutta la sua vita creativa all'idea del risveglio spirituale del popolo, incarnandola nel dipinto "il fenomeno di Cristo alla gente". Per più di 20 anni lavorava sull'immagine "il fenomeno di Cristo al popolo", in cui ha messo tutto il potere e la luminosità del suo talento. In primo piano della sua grande stoffa, la foragata figura di Giovanni il Battista, indicando la gente sull'approccio a Cristo, viene gettato negli occhi. La sua figura è data in lontananza. Non è ancora arrivato, va, verrà sicuramente, dice l'artista. E illuminare, i volti e le anime sono cancellati da coloro che si aspettano il Salvatore. In questa immagine, ha mostrato come I. E. Repin ha detto in seguito, "la gente oppressa, desiderosa per la libertà".
Nella prima metà del XIX secolo. Nella pittura russa entra nella trama delle famiglie.
Uno dei primi a lui affrontato Alexei Gavrilovich VenetsOnov (1780-1847). Era in-sacre la sua creatività all'immagine della vita dei contadini. Mostra questa vita in una forma idealizzata e impreziosizione, dando omaggio all'abbastanza sentimentalismo. Tuttavia, le immagini di Venetsanov "Khumno", "sulla vendemmia. Estate "," su Arable Land. Primavera "," Donna contadina con fiordalisi "," Zakharka "," Mattina del Namer "mostra la bellezza e la nobiltà del normale popolo russo, servita come dichiarazione della dignità di una persona, indipendentemente dal suo stato sociale.
La sua tradizione ha continuato Paul Andreevich Fedotov (1815-1852). La sua tela è realistica, piena di contenuti satirici, esponendo la moralità commerciale, la vita e la morale della parte superiore della società ("il" maggiore "del maggiore", "fresco cavalier", ecc.). Ha iniziato il suo cammino dell'artista-satirik, essendo un ufficiale-guardie. Poi ha fatto allegro e cattivi dawls della vita dell'esercito. Nel 1848, il suo quadro "fresco cavalier" è stato presentato alla mostra accademica. Era un audace ridicolo non solo su uno stupido ufficiale di sé soddisfatto, ma anche sulle tradizioni accademiche. La veste sporca, in cui il personaggio principale della foto è stato schivato, molto ricordato da una torre antica. I bulli si fermarono da molto tempo prima del tessuto, e poi ha detto l'autore della semi-asciugatura semi-asciugatura: "Mi congratulo con te, mi hai conquistato." Carattere comico-satirico e altre immagini di Fedotov ("Colazione dell'Aristocratico", "Major"). Le ultime foto sono molto tristi ("Ancoraggio, ancora!", "Vedow"). Contemporanei abbastanza paragonati a P.a. Fedotov nella pittura con n.V. Gogol in letteratura. Il noioso delle ulcere di Serfs of Russia è il tema principale del lavoro del Pavel Andreevich Fedotov.

Pittura russa della seconda metà del XIX secolo

La seconda metà del XIX secolo. segnato dal fiorente arte visiva russa. È diventata veramente grande arte, è stata intrisa di Paphos della lotta di liberazione del popolo, ha risposto alle richieste della vita e stava invadendo attivamente la vita. Nell'arte visiva, il realismo è stato finalmente stabilito - il riflesso veritiero e completo della vita del popolo, il desiderio di ricostruire questa vita sulla base di uguaglianza e giustizia.
La svolta consapevole del nuovo dipinto russo al realismo democratico, la nazionalità, la modernità è stata segnata alla fine degli anni '50, insieme alla situazione rivoluzionaria del paese, con l'immunità pubblica dell'Intelligianza, con l'illuminazione rivoluzionaria di Chernyshevsky, Dobrolyubov, Saltykov-Shchedrin, con una poesia persistente Nekrasov. Nei "saggi del periodo del Gogol" (nel 1856), Chernyshevsky ha scritto: "Se il dipinto è ora in generale in una posizione piuttosto pietosa, allora la ragione della ragione dell'alienazione di quest'arte dalle moderne aspirazioni". Lo stesso pensiero è stato portato in molti articoli della rivista contemporanea.
Il tema centrale dell'arte era la gente, non solo l'oppresso e la sofferenza, ma anche le persone - il creatore della storia, il popolo, il combattente, il creatore di tutto il meglio, che è nella vita.
L'approvazione del realismo nell'arte ha avuto luogo in una lotta persistente con il funzionario a bordo, il cui rappresentante era la leadership dell'Accademia delle Arti. La collaborazione dell'Accademia è stata ispirata alle loro idee discepoli che l'arte della vita sopra è stata presentata solo da temi biblici e mitologici per la creatività degli artisti.
Ma la pittura ha già iniziato a unire le moderne aspirazioni - prima di tutto a Mosca. La scuola di Mosca e per il decimo stake non ha usato i privilegi della Accademia delle Arti di San Pietroburgo, ma era meno dipendente dal suo dogma radicato, l'atmosfera era in esso più vivace. Sebbene gli insegnanti della scuola siano per lo più accademisti, ma gli accademisti sono minori e fluttuanti, non sopprimono la loro autorità come nell'accademia di F. Bruni, il pilastro della vecchia scuola, nel suo tempo in competizione con la foto di Bruhlovy "rame zmiy" .
B1862 Il Consiglio della St. Petersburg Academy of Arts ha deciso di equalizzare tutti i generi, cancellando il primato del dipinto storico. La medaglia d'oro è stata ora assegnata indipendentemente dal tema dell'immagine, dato solo i suoi vantaggi. Tuttavia, la "libertà" nelle mura dell'Accademia è stata a lungo.
Nel 1863, giovani artisti - i partecipanti alla concorrenza accademica hanno presentato una petizione "sul permesso di scegliere liberamente le trame di quelle che vorranno, oltre all'argomento bersaglio". Il Consiglio dell'Accademia ha risposto con il rifiuto. Quello che è successo dopo nella storia dell'arte russa è chiamato "Bunt Fourteen". Quattordici studenti della classe storica non volevano scrivere dipinti sull'argomento proposto dalla mitologia scandinava - "Pier in Valgaale" e ha dimostrato dimostrativamente una petizione - circa lasciando l'Accademia. Una volta senza workshop e senza soldi, Buntari unita in una specie di comune - secondo il tipo di comuni descritti da Chernyshevsky nel romanzo "Cosa fare?", "Artisti, che il pittore Ivan Nikolayevich Kramskaya fu diretto. Gli Arteels hanno preso ordini per soddisfare varie opere d'arte, vissute nella stessa casa, sono state raccolte in una sala comune per conversazioni, discutendo di immagini, leggere libri.
Dopo sette anni, Artel si è rotto. A quest'ora, negli anni '70, all'iniziativa dell'artista Grigory Grigorievich Myadov, un'unione sorse - la "partnership degli inserimenti mobili artistici", un'associazione professionale e commerciale di artisti che si trovavano in posizioni ideologiche strette.
Le partnership dei film non sono come un esempio di molte associazioni successive costano senza dichiarazioni e manifesti. Ha detto solo che i membri delle partnership dovrebbero condurre i loro affari materiali, non dipendevano da questo riguardo da nessuno, oltre a organizzare la mostra ed esportarli in diverse città ("mossa" in Russia) per significare il paese con il russo arte. Entrambi questi articoli erano essenziali, sostenendo la non dipendenza dell'arte dalle autorità e dalla volontà degli artisti a un'ampia comunicazione con le persone non solo al Metropolitan. Il ruolo principale nella creazione di una partnership e dello sviluppo del suo statuto è stato di proprietà di Kramsky Myasoyedov, Ge-da petersburger, e da Muscoviti - Perov, Sanidishniki, Savrasov.
"Mobile" sono stati uniti nel loro rifiuto del "accademismo" dalla sua mitologia, dei paesaggi decorativi e della teatralità pomposa. Volevano raffigurare una vita vivente. Il posto principale nel loro lavoro è stato occupato da scene di genere (famiglia). I contadini sono stati utilizzati da una speciale simpatia di "Mobile". Hanno mostrato la sua necessità, la sua sofferenza, la posizione oppressa. A quel tempo - nei 60-70s. XIX V.- Il lato ideologico dell'arte è stato valutato più alto dell'estetica. Solo nel tempo, gli artisti ricordarono la intrinseca della pittura.
Forse la più grande tributazione delle idee ha dato Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Basta ricordare queste immagini come "l'arrivo di diventare una conseguenza", "Tè bevendo a Mytishchi". Alcune opere di Perov sono penetrate con una vera tragedia ("Troika", "vecchi sulla tomba del figlio"). Le pennellate appartengono a un certo numero di ritratti dei suoi famosi contemporanei (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevsky).
Alcuni panni di "mobile", scritti dalla natura o impressionati dalle scene vere, arricchirono le nostre idee sulla vita contadina. Nel dipinto di S. A. Korovin "sulla pace" che mostrava uno scossa su un approccio rurale tra i ricchi e i poveri. V. M. Maksimov catturato rabbia, lacrime e montagna della partizione familiare. La solenne festa del lavoro contadino si riflette nell'immagine G. G. Myasoyedov "Kosov".
Nel lavoro di Kramsky, il ritratto dipinto ha occupato il posto principale. Ha scritto Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Appartiene a uno dei migliori ritratti di Lion Tolstoy. Lo sguardo dello scrittore non lascia lo spettatore, con qualsiasi punto guardò la tela. Una delle opere più forti di Kramsky - l'immagine "Cristo nel deserto".
La prima mostra di "Mobile" è stata aperta nel 1871 ha dimostrato in modo convincente l'esistenza di una nuova direzione piegata negli anni '60. Erano solo 46 mostre (a differenza ingombranti mostre dell'Accademia), ma accuratamente selezionate, e sebbene la mostra non sia stata programmata deliberatamente, il programma generale non scritto è stato abbastanza chiaramente valutato. Tutti i generi sono stati presentati - ritratto storico, domestico, paesaggio, - e il pubblico potrebbe giudicare ciò che erano nuovi per "mobili" in loro. Non fortunato solo scultura (c'era una, e poi una piccola scultura notevole di F. Kamensky), ma questo tipo di arte "non è stato fortunato" per molto tempo, in realtà tutta la seconda metà del secolo.
All'inizio degli anni '90, tra i giovani artisti della scuola di Mosca, è stato vero, coloro che hanno meritato e seriamente continuarono una tradizione del movimento civile: S. Ivanov con il suo ciclo di dipinti sugli immigrati, S. Korovin - autore del dipinto " Nel mondo ", dove è interessante e pensieroso ha rivelato collisioni drammatiche (davvero drammatiche!) Del villaggio di Doreforms. Ma non hanno chiesto al tono: l'uscita per il progresso del "mondo dell'arte" si stava avvicinando, allo stesso modo, e dal movimento e dall'Accademia. Cosa ha guardato l'Accademia in quel momento? I suoi precedenti atteggiamenti artistici sono stati stagionati, non ha più insistito per le rigorose esigenze del neoclassicismo, sulla famigerata gerarchia dei generi, il genere domestico era piuttosto tollerante, preferiva solo che fosse "bello", e non "MENITSKY" (un esempio Di "belle" opere Neasakademic - scene della vita antica del popolare poi S. Bakolovich). Nella massa dei suoi prodotti non accademici, come in altri paesi, era il borghese-salone, la sua "bellezza" - una volgarità. Ma è impossibile dire che non ha messo avanti talenti: molto talentuoso è stato il suddetto G. Semiradsky, all'inizio di V. Smirnov (che ha avuto il tempo di creare una pittura impressionante "morte di Nero"); È impossibile negare alcuni vantaggi artistici della pittura di A. Svyutsky e V. Kotarbinsky. A proposito di questi artisti, considerandoli dai vettori dello "Spirito Ellinsky" hanno risposto con approvazione ai suoi ultimi anni di Repin, hanno impressionato Vrubel, così come Aivazovsky - anche l'artista "accademico". D'altra parte, nessun altro come Semiradsky, durante la riorganizzazione dell'Accademia, parlò risolutamente a favore del genere domestico, indicando sia su un esempio positivo su Perov, Repin e V. Mayakovsky. Quindi i punti di raccolta tra il "cellulare" e l'Accademia erano sufficienti, e questo ha capito il vice presidente dell'Accademia I.I. Tolstoy, sull'iniziativa di cui e sono stati chiamati a insegnare i principali "movimenti".
Ma la cosa principale che non consente di non scontare il ruolo dell'Accademia delle Arti, specialmente come istituzione educativa, nella seconda metà del secolo, è la circostanza semplice che molti artisti eccezionali uscissero dalle sue mura. Questo è Repin, e Suikov, Polenov e Vasna-Tsov, e successivamente - Serov e Vrubel. Inoltre, non hanno ripetuto il "Bunt di quattordici" e, a quanto pare, ha beneficiato del loro apprendistato.
Rispetto per il disegno, alla forma costruttiva costruita in arte russa. L'obiettivo generale della cultura russa al realismo è stata la ragione della popolarità del metodo Chistyakov, "un modo o un altro, pittori russi a Serov, Nesterov e Vrubel inclusive," leggi eterni incrollabili della forma "e indossavano" divorzi "o Subordinazione del colorato elemento amorfo, indipendentemente da quanta colore amato.
Tra i Mobilei invitati all'Accademia, c'erano due giocatori del paesaggio - Shishkin e Queenji. Proprio in quel momento iniziò nell'arte del paesaggio di egemonia e come genere indipendente, dove regnava Levitan, e come un elemento uguale di pittura domestica, storica, parzialmente e port-trattenimento. Contrariamente alle previsioni di Stasov, che ritiene che il ruolo del paesaggio diminuirà, è aumentato negli anni '90, più che mai. Il "paesaggio dell'umore" lirico ha prevalso, conducendo il suo pedigree da Savrasov e Polenov.
"Mobile" ha reso autentico scoperta nella pittura del paesaggio. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) è riuscito a mostrare la bellezza e la birra sottile di un semplice paesaggio russo. La sua foto "Graci flew" (1871) ha costretto molti contemporanei in un nuovo modo di dare un'occhiata alla natura nativa.
Fyodor Aleksandrovich Vasilyev (1850-1873) ha vissuto una breve vita. La sua creatività, si è rotta all'inizio, arricchita la pittura domestica vicino ai paesaggi dinamici ed entusiasmanti. L'artista è stato particolarmente successo nella natura in natura: dal sole alla pioggia, dalla frizione al voe.
Il cantante della foresta russa, Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898) divenne la latitudine epica della natura russa. Archka Ivanovich Kindji (1841-1910) ha attirato un pittoresco gioco di luce e aria. La misteriosa luce della luna in rare nuvole, viberazioni di alba rosse sulle pareti bianche della capanna ucraina, raggi oblique del mattino, realizzati attraverso la nebbia e giocando in piscina sulla strada del Raskiye, sono queste e molte altre scoperte pittoresche sono impresse le sue tele.
La pittura russa del paesaggio del XIX secolo ha raggiunto lo studente dello studente Savrasova Isaac Iyich Levitan (1860-1900). Levitan - il maestro di calma, paesaggi tranquilli, un uomo è molto timido, timido e ferito, sapeva come riposare da solo da solo con la natura, penetrando all'umore di uno scenario amato.
Un giorno arrivò sul Volga per scrivere il sole, l'aria e le distese del fiume. Ma il sole non era, le nuvole infinite erano strisciate sul cielo, e le piogge opache si fermarono. L'artista era nervoso fino a quando non è stato attratto da questo tempo e non ha trovato un fascino speciale di vernici lilla di maltempo russo. Da allora, l'Upper Volga ha una città spesa di Ples entrò con fermezza il suo lavoro. In quelle regioni, ha creato il suo lavoro "piovoso": "Dopo la pioggia", "Greaky Day", "oltre la regione eterna". C'erano anche scritti paesaggi serali pacifici: "Sera sulla Volga", "Serata. Ples "," squillo serale "," dimora tranquilla ".
Negli ultimi anni, Levitan ha attirato l'attenzione sul lavoro degli artisti impressionisti francesi (E. Manne, K. Monte, K. Pistarro). Si rese conto che aveva molto con loro in comune, che le loro ricerche creative erano nella stessa direzione. Come loro, preferiva lavorare non nel laboratorio, ma in aria (al Plenier, come dicono artisti). Come loro, durò la tavolozza, guidando vernici scure e terrose. Come loro, cercò di catturare la flotta dell'essere, passando il movimento della luce e dell'aria. In questo è andato oltre lui, ma quasi sciolto in forme volumetriche a luce chiara (a casa, alberi). Lo ha sfuggito.
"I dipinti Levitan richiedono Slowed Slowed, - ha scritto un grande intenditore della sua creatività K. G. Powhovsky, - non stordiscono l'occhio. Sono modesti e accurate, come le storie di Chekhov, ma il peering più lungo in loro, il silenzio dei postananti provinciali, i fiumi familiari e i coloni familiari diventano il miglio.
Sulla seconda metà del XIX secolo. C'è un fiorente fiorente di I. E. Repin, V. I. Surikova e V. A. Serov.
Illya Efimovich Repin (1844-1930) è nato nella città di Chuguev, nella famiglia del colono militare. Riuscì ad iscriversi all'Accademia delle Arti, dove il suo insegnante divenne P. P. Chistyakov, che ha sollevato l'intero Pleiad dei famosi artisti (V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, M.A. Drub-La, V.A. Serov). Molto appreso la repin e Kramsky. Nel 1870, il giovane artista co-picco oltre il Volga. Numerosi etudi proposti dal viaggio, usato per il dipinto "Burlaci sulla Volga" (1872). Ha fatto una forte impressione sul pubblico. L'autore ha immediatamente nominato ai ranghi dei maestri più famosi.
Repin è stato un artista molto versatile. I suoi pennelli appartengono a una serie di geni monumentali spaccati. Forse non meno impressione di "Burlaci" produce una "processione della provincia di Kursk". Cielo azzurro brillante, nuvole di polvere di guida, radiosità dorate di croci e nuvole, polizia, persone semplici e clipponi - tutto montato su questo web: grandezza, potere, disprezzo e dolore della Russia.
In molti dipinti, Repin è stato toccato dal soggetto rivoluzionario ("rifiuto della confessione", "non si aspettava", "l'arresto del propagandista"). I rivoluzionari nei suoi dipinti sono semplicemente tenuti e naturalmente, alieni alle pose e ai gesti teatrali. Nel quadro "rifiutando dalla confessione", condannato a morte come se volutamente nascose le mani nella manica. L'artista simpatizzava chiaramente con gli eroi dei suoi dipinti.
Un certo numero di panni sincini sono scritti in argomenti storici ("Ivan il terribile e suo figlio Ivan", "Cossacks che compongono una lettera al Sultano turco" e ad altri). Repin ha creato una galleria ritratto intera. Scrisse ritratti - Scienziati (Pirogov e Secoenov), - Scrittori di Tolstoy, Turgenev e Garshin, - Compositori di Glinka e Mussorgsky, - Artisti di Kramsky e Surikov. All'inizio del XX secolo. Ha ricevuto un ordine all'immagine "Solener Meeting del Consiglio di Stato". L'artista è riuscito non solo di comporre la tela un numero elevato di quelle presenti, ma anche per dare una caratteristica psicologica a molti di loro. Tra questi c'erano figure conosciute come s.yu. Witte, k.p. Victorious, P.P. Semenov Tian-Shansky. Malozameten nella foto, ma Nicholas II era molto sottile.
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) è nato a Krasnoyarsk, nella famiglia Cossack. Il fiorente della sua creatività cade negli anni '80, quando ha creato i tre dipinti storici più famosi: "Mattina Strelleskaya Execution", "Menshikov a Berezov" e "Boaar Morozov".
Suikov sapeva bene e morali delle passate epoche, sapeva come dare caratteristiche psicologiche luminose. Inoltre, è stato un colorante meraviglioso (Color Master). Basta ricordare la neve fresca e frizzante abbagliante nella pittura "cinghiale morozova". Se viaggi verso la tela più vicina, la neve è "dispersa" su colpi blu, blu e rosa. Questa pittoresca benvenuta, quando due tre diverse macchie si fondono e danno il colore giusto, gli impressionisti francesi sono ampiamente utilizzati.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), figlio del compositore, ha scritto paesaggi, tela per argomenti storici, lavorato come artista teatrale. Ma la gloria portava a lui, soprattutto, ritratti.
Nel 1887, il 22enne Serov è riposato a Abramtsev, regione di Mosca del villaggio di Metssnate S. I. Montova. Tra i suoi numerosi bambini, il giovane artista era il suo uomo, il partecipante dei loro giochi rumorosi. Un giorno dopo cena nella sala da pranzo, due - Serov e un mammont di 12 anni amato sono stati arrestati accidentalmente. Si sedettero al tavolo, su cui le pesche fossero lasciate, e l'amata fu notata dietro la conversazione, mentre l'artista cominciò a lanciare il suo ritratto. Il lavoro è stato allungato per un mese, e l'amato era arrabbiato che Anton (così familiare chiamato Serov) lo si siede nella sala da pranzo per ore.
All'inizio di settembre, "la ragazza con le pesche" è stata completata. Nonostante il breve periodo, l'immagine scritta in colori dorati rosa sembrava molto "spaziosa". Aveva un sacco di luce e aria. La ragazza che si sedette al tavolo com'era per un minuto e che ha fermato il suo sguardo sul revisore, fu bloccato con chiarezza e spiritualità. Sì, e tutta la tela è stata la percezione dei bambini senza puramente per bambini della vita di tutti i giorni, quando la felicità non è a conoscenza di se stesso, e avanti è un'intera vita.
Gli abitanti della casa Abramtsevsky, ovviamente, capisero che un miracolo stava accadendo nei loro occhi. Ma solo il tempo dà stime finali. Mette la "ragazza con le pesche" in un certo numero dei migliori ritratti di ritratti in pittura russa e mondiale.
L'anno prossimo, Serov è riuscito a ripetere quasi la sua magia. Ha scritto un ritratto di sua sorella Mary Simonovich ("la ragazza illuminata dal sole"). Il nome non è stato fissato, non molto impreciso: la ragazza si siede all'ombra, e i raggi del sole del mattino illuminavano la radura sul secondo piano. Ma nella foto, tutto è così versato, quindi uno - la mattina, il sole, l'estate, la gioventù e la bellezza, - che il miglior nome è difficile da trovare.
Serov è diventato un ritratto alla moda. Scrittori famosi, artisti, artisti, imprenditori, aristocratici, persino re posati davanti a lui. Apparentemente, non a nessuno che ha scritto, ha avuto un'anima. Alcuni ritratti di grande ampia, con una tecnica di esecuzione in filigrana, si è rivelato freddo.
Per diversi anni, Serov ha insegnato nella Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Era un insegnante impegnativo. L'avversario delle forme di pittura congelata, Serov, allo stesso tempo, credeva che le ricerche creative debbano essere basate sul solido possesso dell'apparecchiatura del disegno e una lettera pittoresca. Molti maestri eccezionali si consideravano studenti di Serov. È M.S. Sa anno, k.f. Jun, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Molti dipinti di Repin, Surikova, Levitan, Serov, "mobile" sono caduti nell'incontro Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), un rappresentante dell'antico merinante di Mosca, era una persona insolita. Sottile e alto, con una barba volatile e una voce tranquilla, sembrava di più al Santo che sul mercante. Raccogli le immagini degli artisti russi è iniziata dal 1856. L'hobby è cresciuto nel caso principale della vita. Nei primi anni '90. L'incontro ha raggiunto il livello del museo, assorbendo quasi tutti gli stati del collettore. Più tardi, passò alla proprietà di Mosca. La Galleria Tretyakov è diventata un museo di fama mondiale di pittura russa, grafica e sculture.
Nel 1898 a San Pietroburgo, il Museo russo è stato inaugurato a San Pietroburgo, nel Palazzo Mikhailovsk (creazione di K Rossi). È stato realizzato dalle opere degli artisti russi dell'Hermitage, dell'Accademia delle Arti e dei palazzi imperiali. La scoperta di questi due musei sarebbe stata incoronata con i risultati della pittura russa del XIX secolo.

Nell'era del consiglio di amministrazione di Alexander 1, l'arte russa ha raggiunto un livello artistico elevato, l'architettura russa raggiunse la sua cima. In questo momento, una parte significativa delle eccezionali strutture architettoniche è stata costruita a San Pietroburgo, che erano i monumenti dell'architettura russa del classicismo. Questa è la Cattedrale di Kazan, la costruzione dell'Istituto minerario (Arh.a.Voronichin), il Palazzo Mikhailovsky, il Teatro Alexandrinsky (Arch. K. Russia), la costruzione dello scambio (Arch. JF Tom de Tonon), Ammiralty ( Arch. Andrei Zakharov), Cattedrale della Trinità, Cattedrale di Preobrazhensky (Arch. V. Stasov).

Dopo la vittoria della Russia nella guerra del 1812, si sviluppa in Russia stile di ampire, sviluppato sulla base del "classicismo Aleksandrovsky". Gli elementi decorativi dell'ambigimento di San Pietroburgo sono stati costituiti da elementi dell'antica attrezzatura militare romana (secondo la tradizione con ampir francese). Questi erano legionari con aquile, fasci di copie, assi, booster di frecce, immagini di scudi, elementi dell'arte egiziana sono stati utilizzati anche: ornamento egiziano, immagini di Sphinx. Per una fiamma russa, il colore giallo pallido di edifici e colore bianco di colonne, frontoni, pilastri, e altri sono dettagli dell'arredamento architettonico (il colore dell'amplipo napoleonico - rosso, bianco blu con oro). L'architetto principale, che esprime le idee dell'Anpury russo era Karl Rossi.Ha costruito 12 strade e 13 quadrati nel centro di San Pietroburgo. Creazione K. Rossi: Piazza del Palazzo, Palazzo Mikhailovsky con un vasto parco e servizi, Teatro Alexandrinsky. Rossi combinava magistralmente le forme architettoniche con decorazione scultoree e pittoresca fuori e dentro. Ha progettato il luogo e la natura dei rilievi, dei dipinti, delle statue, del drappeggio, dei mobili. L'arredamento all'interno era obbedendo allo stesso principio del design all'aperto. Uno dei migliori campioni dell'Interno Imperiale è Sala bianca del Palazzo Mikhailovsky. Il bianco calmo delle pareti e delle colonne è ombreggiato dal doratura di grondature di stampaggio e capitelli corinzi. Over Doorways - Bassorilievi con funzioni di vacanzieri di Vakhanok, ghirlande, ghirlande e altri attributi impared. La pittura del soffitto e la cima delle pareti collega pittura multicolore, modelli d'oro e Griezail (pittura monofonica). Tono dorato di parquet e porte armonizza con tappezzeria blu di mobili dorati. L'interno è completato da alte navi sotto forma di colonne, lampadari, candelabri, candelabri realizzati in bronzo, pietra e cristallo. Con tutta la varietà, la finitura interna è caratterizzata da un senso di misura, in generale, caratteristica di un amplificatore.

Nei primi anni del regno dell'imperatore Nicholas 1. Le attività di K. Russia, V. Stasova continuò. "Nikolaev ampir" È diventato l'ultima fase dello sviluppo del classicismo nell'architettura russa. Una comprensione visiva dell'architettura di questo periodo conferisce agli edifici di St. Isaac Square a San Pietroburgo. Cattedrale di Saint Isaac Eretto dal progetto dell'architetto Augusta Montferana. Un enorme edificio rettangolare, su quattro lati, è decorato con lo stesso portico multiscount con frontoni pesanti decorate con bruciatori. Sopra la cattedrale ad un'altezza di 101 m. Una cupola dorata si schianta, il tamburo è circondato da un colonnato, coronato con balaustra con statue. Nell'interno della cattedrale, della scultura, del mosaico, della pittura (fatta dai pittori del classicismo accademico K. Bryrylov, F. Buni, P. Basin) svolgono un ruolo importante.

Pittura La prima metà del 19 ° secolo Presentato da diverse direzioni: c'era classicismo, ha sviluppato il romanticismo.

Il romanticismo russo non era un movimento artistico così potente come in Francia e in Germania. Non ha eccitazione estrema, non c'è tragica disperazione.

Nel genere del ritratto, il romanticismo si è manifestato sul lavoro di Keese Cymensky, Vasily Tropinin.

O. Kiprensky ha concluso l'Accademia di pittura di San Pietroburgo nella classe di pittura storica. I giovani che ruotano nel cerchio della nobile intelligentia libera. Sapeva i poeti-romanticov Batyhkova, Vyazemsky, ha posto V. Yukovsky, e dopo A. Pushkin. In Ptraight, il Cyprossky ha cercato di aprire varie vergini di un carattere umano e il mondo spirituale dell'uomo. Per questo, usa ogni volta diverse tecniche pittoresche. Dal classicismo, il Cyprinsky prende l'idealizzazione dell'immagine, ma cerca di mostrare il volo romantico dell'anima. Il lavoro più significativo appartiene a una serie di ritratti di partecipanti militari 1812. (E. Davodova, I. e A.lansky, ecc.). La pittura cipriana si distingue per la libertà artistica. In una postura gratuita, guardando al lato, guardando con noncuranza sulla lastra di pietra, stands colonnello Labigycapo E.b. Davydov (1809, temporizzazione). Questo ritratto è percepito come un'immagine collettiva dell'eroe di guerra 1812, anche se è piuttosto concreto. L'umore romantico è arricchito dall'immagine del paesaggio del temporale, contro lo sfondo di cui viene presentata la figura. La colorazione è costruita sul desiderio, prelevato in colori a piena forza - rosso con oro e bianco con argento nei vestiti di Gusar - e sul contrasto di questi colori con toni scuri del paesaggio. Il capolavoro di Kiprensky è "ritratto di Pushkin" (1827). La vera apparenza del poeta e illuminata dall'ispirazione. Il poeta ha scritto su questo: "Mi vedo come allo specchio, ma questo mirror mi batte". Nel ritratto, il Cyprinsky ha creato un'immagine collettiva. Ciprorosan è diventato il fondatore del ritratto della matita russa.

Gli artisti romantici includono Vasily Tropinin (di 45 anni, liberati dal Serfdom). Ha vissuto una lunga vita fruttuosa, ha ricevuto un riconoscimento a vita, il titolo di Accademico, divenne l'artista più famoso della Scuola di ritratti di Mosca degli anni '20 e '30. Nei ritratti del pennello Tropinina non c'è una raffica romantica del Cyprosensky. I migliori ritratti di Tropinina sono contrassegnati con alta perfezione artistica. Questo è particolarmente visibile nel ritratto del figlio dell'Arsenia, un'immagine insolitamente sincera, la vivacità e l'immediatezza del quale è enfatizzata da un'illuminazione abile: il lato destro della figura, i capelli sono permeati, pieni di luce solare, maestro abilmente trasmesso . I colori della gamma di Golden-Ohloooo a Pink-Brown sono insolitamente ricchi, l'ampio uso del lusese assomiglia ancora alle pittoresche tradizioni del XVIII secolo.

Di norma, l'immagine di un tropenina è data su uno sfondo neutro con un minimo di accessori. È così che il Tropinin A.s. ha rappresentato Pushkin (1827) - seduto al tavolo in una posa libera, vestita in un abito da casa, che enfatizza la naturalezza dell'aspetto. Nelle immagini di tropicale, la sincerità dell'espressione, la semplicità, l'ozio, la veridicità dei personaggi, l'accuratezza dei dettagli della famiglia. Tropinina divenne il creatore del pittura ritratto, cioè il ritratto in cui sono portate le caratteristiche del genere. "Licker", "Mano", "Chitarrista", "Gold School" sono caratterizzate immagini con una trama specifica. L'artista trasmette il mondo interiore dei suoi eroi.

Il paesaggio romantico è presentato sul paesaggio generoso di Sylvester. Viveva all'estero dopo l'Accademia delle Arti, ha scritto porto a Surroto, Naberezhnye G.napol, vari tipi di Roma. Tutto l'artista trasmette nella complessa interazione del mezzo del cuore spento, utilizza toni d'argento-grigio con i colpi di rosso (in un fogliame arrugginito di alberi autunnali, nei vestiti, ecc.) Dei suoi dipinti: "Riva a Sorrento che si affaccia su . Capri "," Vista di Napoli sulla notte lunare. "

Il romanticismo nella pittura del paesaggio è più luminoso con il lavoro di Alexey Venetsanova (studente borovikovsky). Nei suoi dipinti, viene presentata una vita contadina serena: "Su Pashne. Primavera "," sulla vendemmia. Estate "," mattina dei proprietari terrieri "," Kosks ". Venetcianov ha superato la poesia della vita popolare, questo è il fascino romantico dei suoi dipinti. VenetsOnov non ha rivelato le contraddizioni più acute della vita moderna del contadino russo, non ha aumentato i "problemi malati" della modernità. Questa è una vita idilliaca patriarcale. Le immagini "non succede nulla", gli eroi sono statici, ma una persona è sempre nell'unità con la natura, nel lavoro eterno, e rende le immagini di Venetsian sono veramente monumentali.

Anche la pittura storica russa degli anni '30 e XIX secolo si è sviluppata anche sotto il segno del romanticismo. Karl Brullov era l'artista che ha trovato un compromesso tra gli ideali del classicismo e delle innovazioni del romanticismo. Dopo l'Accademia delle Arti, ho vissuto in Italia, dopo il viaggio a Pompei, lavora sul suo lavoro principale "l'ultimo giorno di Pompei" (1830-1833). Ha mostrato un vero evento di storia antica - la morte della città durante l'eruzione del vulcano del Vesuvio in 79 g. ANNO DOMINI (I temi del classicismo sono sempre storici). Il tema della morte è caratteristico del romanticismo, anche nella morte, una persona rimane bella: il giovane salva la sua amata, la madre copre il bambino, l'artista prende pitture, ma lasciando la città distrutta, cercando di catturare la vista terribile. L'artista ha mostrato la grandezza e la dignità di una persona di fronte alla morte. Illuminazione pittoresca fatta con effetti romantici.

Alexander Ivanov era una figura centrale nel dipinto di metà del secolo. Dopo l'Accademia delle Arti, vivevo in Italia, 1,5 mesi prima che la morte ritorna nella sua patria. L'immagine principale è il "fenomeno di Cristo alla gente". Ivanov è andato a lungo per questo lavoro. Credeva nell'idea dello scopo profetico dell'artista in questo mondo, credeva nel miglioramento di una persona alla ricerca di libertà e verità. Ha mostrato l'impressione spirituale delle persone che hanno visto Gesù, ha espresso così l'idea della coltivazione morale dell'umanità. L'appartenenza di questa immagine al romanticismo è contestata: non ha una trama drammatica, la dinamica dell'azione, non vi è alcuna passione, colore e effetti di luce. Allo stesso tempo, l'idea e l'idea comune è senza dubbio romantico: la chiamata di Giovanni Battista e la predicazione di I. Chhrist dovrebbe risvegliarsi dal "silenzio del secolo" il popolo della Giudea.

Scultura.

Nel 1838, P.K. Klodt ha ricevuto il titolo di Accademico e ha nominato la scultura del professore dell'Accademia delle Arti.

Peter Klodt è uno scultore eccezionale, creando gruppi scultorei di cavalli. Decoreno il ponte Anichkov con San Pietroburgo, un grande teatro (quadriga con Apollo sul frontone del teatro). L'apertura solenne del ponte con sculture di Klodt si è tenuta il 20 novembre 1841 con una grande propulusione del pubblico ammirante.

Sul primo di queste opere, il cavallo si alzò sulle anime, era eccitato, le narici furono gonfiate, cerca di scappare, ma il giovane lo sapeva e copriva il suo poporn. Sul secondo, il cavallo rimane ancora eccitato, ma è stato obbedito da una persona, il giovane gli conduce accanto a lui - il vigoroso, slitta e coperto dal Poporn. P.K. Kolodt ha partecipato alla decorazione degli interni della cattedrale di Sant'isaac (Gola di Cristo di Glava). È autore del monumento a I.A. Krylov nel giardino estivo di San Pietroburgo, le statue del Vladimir Saint a Kiev. L'ultima delle sue grandi opere è un monumento al suo patrono, l'imperatore Nicholas I, San Pietroburgo.