Realizzato da leonardo da vinci. Leonardo da Vinci - genio italiano

La personalità e l'opera di Leonardo da Vinci sono sempre state di grande interesse. Leonardo era una figura troppo straordinaria per il suo tempo. Vengono pubblicati libri e articoli, escono sugli schermi lungometraggi e documentari. I critici d'arte si rivolgono a scienziati e mistici nel tentativo di trovare una soluzione ai segreti del genio del grande maestro. C'è anche una direzione separata nella scienza che esplora l'eredità del pittore. In onore di Leonardo da Vinci, i musei stanno aprendo, le mostre tematiche si tengono costantemente in tutto il mondo, battendo tutti i record di presenze e la Gioconda osserva la folla di turisti tutto il giorno da dietro il suo vetro blindato. Reali fatti storici e leggende, risultati scientifici e finzione di fantasia sono strettamente intrecciati attorno al nome di un genio.

Il destino del grande maestro

Il futuro grande artista e scienziato nacque il 14 aprile 1452 dalla relazione extraconiugale di un ricco notaio Sir Pierrot con una contadina o un proprietario di una taverna della città di Vinci. Il ragazzo si chiamava Leonardo. Katerina, questo era il nome della madre dell'artista, era impegnata a crescere suo figlio per i primi cinque anni della sua vita, dopo di che suo padre lo portò a casa sua.

Sebbene Piero fosse ufficialmente sposato, non aveva altri figli oltre a Leonardo. Pertanto, l'aspetto del bambino in casa è stato accolto calorosamente e cordialmente. L'unica cosa di cui l'artista è rimasto privato, essendo pienamente sostenuto dal padre, è il diritto all'eredità. I primi anni di Leonardo trascorsero sereni, circondati dalla pittoresca natura montuosa della Toscana. Porterà ammirazione e amore per la sua terra natale per tutta la vita, perpetuandone la bellezza nei suoi paesaggi.

La pace e la tranquillità della vita di provincia cessarono quando la famiglia si trasferì a Firenze. La vita iniziò a suonare, ribollente di tutti i colori di una vera metropoli di quel tempo. La città era governata da rappresentanti della famiglia Medici, noti per la loro generosità, mecenati delle arti, che crearono sul loro patrimonio le condizioni ideali per lo sviluppo delle arti.

Durante il loro regno, Firenze divenne la culla della rivoluzione culturale e scientifica conosciuta come Rinascimento. Una volta qui, il giovane Leonardo si trovò al centro degli eventi, quando la città si avvicinava all'apogeo del suo periodo di massimo splendore e gloria, l'apice della grandezza, di cui il giovane artista divenne parte integrante.

Ma la grandezza era avanti, ma per ora, il futuro genio aveva solo bisogno di ricevere un'istruzione. Come figlio illegittimo, non poteva continuare l'attività di suo padre, così come diventare, ad esempio, un avvocato o un medico. Il che, in generale, non ha danneggiato il destino di Leonardo.

Fin dalla tenera età, il giovane ha dimostrato un'eccezionale capacità artistica. Piero non ha potuto fare a meno di tenerne conto al momento di decidere il destino del suo unico figlio. Presto suo padre mandò il diciottenne Leonardo a studiare in un laboratorio di pittura di grande successo e avanzato. Il famoso pittore Andrea del Verrocchio divenne il mentore dell'artista.

Scultore e artista di talento e di larghe vedute, Verrocchio non predicava visioni estetiche medievali, ma cercava di stare al passo con i tempi. Era fortemente interessato agli esempi di arte antica, che considerava insuperabili, nel suo lavoro cercò di far rivivere le tradizioni di Roma e della Grecia. Tuttavia, riconoscendo e rispettando il progresso, Verrocchio fece largo uso delle conquiste tecniche e scientifiche del suo tempo, grazie alle quali la pittura si avvicinò sempre più al realismo.

Le immagini piatte e schematiche del Medioevo si allontanarono, lasciando il posto al desiderio di imitare completamente e completamente la natura in ogni cosa. E per questo era necessario padroneggiare le tecniche della prospettiva lineare e aerea, comprendere le leggi della luce e dell'ombra, il che significava la necessità di padroneggiare matematica, geometria, disegno, chimica, fisica e ottica. Leonardo ha studiato con Verrocchio le basi di tutte le scienze esatte, mentre padroneggiava la tecnica del disegno, della modellazione e della scultura, acquisiva abilità nella lavorazione del gesso, della pelle e del metallo. Il suo talento si rivelò così rapidamente e chiaramente che presto il giovane talento si allontanò dal suo maestro nell'abilità e nella qualità della pittura.

Già all'età di vent'anni, nel 1472, Leonardo divenne membro onorario dell'Arte Fiorentina degli Artisti. E anche l'assenza di una propria bottega, acquisita solo pochi anni dopo, non gli ha impedito di iniziare il proprio percorso di maestro indipendente. Nonostante le evidenti doti ingegneristiche e il notevole talento per le scienze esatte, la società vedeva nell'artista solo un artigiano che non godeva ancora di grande prestigio. Gli ideali di libertà e creatività erano ancora lontani.

Il destino dell'artista del XV secolo dipendeva interamente da influenti mecenati. Quindi Leonardo per tutta la vita dovette cercare un luogo di servizio con i potenti di questo mondo, e l'adempimento dei singoli ordini secolari e ecclesiastici fu costruito sul principio di un semplice accordo commerciale.

I primi dieci anni di vita dell'artista furono trascorsi in attività creative e lavorando su pochi ordini. Finché, un giorno, giunse a Leonardo la voce che il duca degli Sforza, sovrano di Milano, avesse bisogno di uno scultore di corte. Il giovane decise subito di cimentarsi.

Il fatto è che Milano a quel tempo era uno dei più grandi centri di produzione di armi e Leonardo era immerso nel suo ultimo hobby: lo sviluppo di disegni di macchine e meccanismi originali e ingegnosi. Pertanto, la possibilità di trasferirsi nella capitale dell'ingegneria è stata molto stimolante per lui. L'artista scrisse una lettera di raccomandazione al Duca degli Sforza, nella quale osò offrirsi non solo come scultore, artista e architetto, ma anche come ingegnere, affermando di poter costruire navi, mezzi corazzati, catapulte, cannoni e altro equipaggiamento militare. Il duca rimase impressionato dalla lettera sicura di sé di Leonardo, ma lo soddisfece solo in parte: era scultore per l'artista. Il primo compito del nuovo scultore di corte fu quello di realizzare una statua equestre in bronzo destinata a decorare la cripta della famiglia Sforza. La cosa divertente è che a causa di varie circostanze, durante i diciassette anni che Leonardo trascorse alla corte milanese, il cavallo non fu mai lanciato. Ma l'interesse del giovane talento per gli affari militari, la meccanica e la tecnologia nelle officine d'armi crebbe. Quasi tutte le invenzioni di Leonardo risalgono a questo periodo.

Durante la sua vita, il genio da Vinci ha creato numerosi disegni di macchine per tessere, stampa e laminazione, forni metallurgici e una macchina per la lavorazione del legno. È stato il primo ad avere l'idea di un'elica per elicottero, cuscinetti a sfera, una gru girevole, un meccanismo di battipalo, una turbina idraulica, un misuratore di velocità del vento, una scala antincendio telescopica, una chiave regolabile, un cambio. Leonardo ha sviluppato modelli di tutti i tipi di veicoli militari: un carro armato, una catapulta, un sottomarino. Nei suoi schizzi, ci sono prototipi di un riflettore di campana subacquea, un escavatore, una bicicletta e pinne. E anche i suoi progetti più famosi, basati su uno studio scrupoloso delle tecniche di volo degli uccelli e della struttura dell'ala di un uccello - un aereo molto simile a un deltaplano e un paracadute.

Sfortunatamente, Leonardo non ha avuto la possibilità di vedere l'incarnazione della parte schiacciante delle sue idee durante la sua vita. Per loro non era ancora giunto il momento, non c'erano materie prime e materiali necessari, la cui creazione era prevista anche dal genio del XV secolo. Per tutta la vita, Leonardo da Vinci ha dovuto sopportare il fatto che i suoi piani grandiosi fossero troppo avanti rispetto all'epoca. Solo alla fine del XIX secolo, molti di loro riceveranno la loro realizzazione. E, naturalmente, il maestro non sospettava che nel XX e nel XXI secolo milioni di turisti avrebbero ammirato queste invenzioni in musei speciali dedicati alla sua opera.

Nel 1499 Leonardo lasciò Milano. Il motivo fu la presa della città da parte delle truppe francesi guidate da Luigi XII, il duca degli Sforza, che aveva perso il potere, fuggito all'estero. Non è iniziato il periodo migliore della sua vita per l'artista. Per quattro anni, si è costantemente spostato da un posto all'altro, non rimanendo da nessuna parte per molto tempo. Finché, nel 1503, lui, cinquantenne, dovette tornare a Firenze - città dove un tempo lavorò come semplice apprendista, e ora, essendo all'apice della bravura e della fama, lavora alla creazione della sua geniale "Mona Lisa".

È vero, da Vinci tornò ancora a Milano, dopo diversi anni di lavoro a Firenze. Ora, era lì come pittore di corte di Luigi XII, che a quel tempo controllava l'intero nord italiano. Periodicamente, l'artista tornava a Firenze, eseguendo questo o quell'ordine. Il calvario di Leonardo terminò nel 1513, quando si trasferì a Roma presso il nuovo mecenate Giuliano Medici, fratello di papa Leone X. Per i successivi tre anni, da Vinci fu principalmente impegnato nella scienza, negli ordini per lo sviluppo dell'ingegneria e negli esperimenti tecnici.

Già in età molto avanzata, Leonardo da Vinci si trasferì nuovamente, questa volta in Francia, su invito di Francesco I, succeduto sul trono a Luigi XII. Il resto della vita del brillante maestro trascorse nella residenza reale, il castello di Lmboise, circondato dal più alto onore del monarca. L'artista stesso, nonostante l'intorpidimento della mano destra e lo stato di salute in costante deterioramento, ha continuato a disegnare schizzi e ad impegnarsi in studenti che hanno sostituito la sua famiglia, mai creata dal maestro durante la sua vita.

Dono dell'osservatore e studioso

Fin dalla prima infanzia, Leonardo possedeva il raro talento di osservatore. Dalla prima infanzia alla fine della sua vita, l'artista, affascinato dai fenomeni della natura, ha potuto scrutare per ore la fiamma di una candela, seguire il comportamento degli esseri viventi, studiare il movimento dell'acqua, i cicli di crescita delle piante e il volo degli uccelli. Un vivo interesse per il mondo che lo circonda ha dato al maestro molte inestimabili conoscenze e chiavi per molti segreti della natura. "La natura ha organizzato tutto in modo così perfetto che ovunque trovi qualcosa che può darti nuove conoscenze", ha detto il maestro.

Durante la sua vita, Leonardo percorse i valichi alpini più alti per esplorare la natura dei fenomeni atmosferici, percorse laghi e fiumi di montagna per studiare le proprietà dell'acqua. Per tutta la vita, Leonardo ha portato con sé un taccuino, in cui annotava tutto ciò che attirava la sua attenzione. Attribuì particolare importanza all'ottica, ritenendo che l'occhio del pittore fosse uno strumento diretto di conoscenza scientifica.

Rifiutandosi di seguire la strada battuta dai suoi contemporanei, Leonardo cercava le proprie risposte alle domande di armonia e proporzionalità di tutte le cose (il mondo circostante e l'uomo stesso) che lo preoccupavano. L'artista si è reso conto che se vuole catturare nelle sue opere l'uomo stesso e il mondo che lo circonda, senza snaturarne l'essenza, deve studiare la natura di entrambi il più profondamente possibile. Partendo dall'osservazione dei fenomeni e delle forme visibili, ha progressivamente approfondito i processi ei meccanismi che li governano.

La conoscenza matematica ha aiutato il pittore a capire che qualsiasi oggetto o oggetto è un tutto, che consiste inevitabilmente di molte parti, la cui proporzionalità e corretta disposizione dà origine a quella che viene chiamata armonia. Un'incredibile scoperta del pittore è stata che i concetti di "natura", "bellezza" e "armonia" sono indissolubilmente legati a una legge specifica, in base alla quale in natura si formano assolutamente tutte le forme, dalle stelle più lontane del cielo al fiore petali. Leonardo si rese conto che questa legge può essere espressa nel linguaggio dei numeri e, usandola, creare opere belle e armoniose in pittura, scultura, architettura e qualsiasi altro campo.

Infatti, Leonardo è riuscito a scoprire il principio con cui il Creatore dell'Essere stesso ha creato questo mondo. L'artista ha chiamato la sua scoperta "Golden, or Divine Proportion". Questa legge era già nota ai filosofi e ai creatori del mondo antico, in Grecia e in Egitto, dove era ampiamente utilizzata in un'ampia varietà di forme d'arte. Il pittore ha seguito la via della pratica, e ha preferito acquisire tutte le sue conoscenze attraverso la propria esperienza di interazione con la natura e il mondo.

Leonardo è stato generoso nel condividere le sue scoperte e le sue conquiste con il mondo. Durante la sua vita collaborò con il matematico Luca Pocholi alla creazione del libro "Divina Proporzione", e dopo la morte del maestro vide la luce il trattato "Sezione Aurea", completamente basato sulle sue scoperte. Entrambi i libri sono scritti sull'arte nel linguaggio della matematica, della geometria e della fisica. Oltre a queste scienze, l'artista in varie epoche si interessò seriamente allo studio della chimica, dell'astronomia, della botanica, della geologia, della geodesia, dell'ottica e dell'anatomia. E tutto per, alla fine, risolvere i compiti che si era prefissato nell'art. È attraverso la pittura, che Leonardo considerava la forma di creatività più intellettuale, che si sforzava di esprimere l'armonia e la bellezza dello spazio circostante.

La vita su tela

Guardando al patrimonio creativo del grande pittore, si vede chiaramente come la profondità della penetrazione di Leonardo nei fondamenti dei fondamenti della conoscenza scientifica del mondo abbia riempito di vita i suoi dipinti, rendendoli sempre più veritieri. Si ha l'impressione che si possa facilmente iniziare una conversazione con le persone ritratte dal maestro, girare tra le mani gli oggetti da lui disegnati, entrare nel paesaggio e perdersi. Nelle immagini di Leonardo, misteriose e sorprendentemente realistiche allo stesso tempo, sono evidenti profondità e spiritualità.

Per comprendere ciò che Leonardo considerava una creazione reale, vivente, si può fare un'analogia con la fotografia. Una fotografia, infatti, è solo una copia speculare, una prova documentaria della vita, un riflesso del mondo creato, incapace di raggiungere la sua perfezione. Da questo punto di vista, il fotografo è l'incarnazione moderna di quanto diceva Leonardo: "Un pittore che disegna senza senso, guidato solo dalla pratica e dal giudizio dell'occhio, è come un comune specchio, che imita tutti gli oggetti a lui opposti, senza sapere qualcosa su di loro." Un vero artista, secondo il maestro, studiando la natura e ricreandola su tela, deve superarla, "inventando lui stesso innumerevoli forme di erbe e animali, alberi e paesaggi".

La fase successiva dell'abilità e un dono unico di una persona, secondo Leonardo, è la fantasia. "Dove la natura ha già finito di produrre la sua specie, l'uomo stesso comincia a creare dalle cose naturali con l'aiuto di questa stessa natura, innumerevoli tipi di cose nuove". Lo sviluppo dell'immaginazione è la prima e più basilare cosa che un artista dovrebbe fare, secondo da Vinci, questo è ciò di cui scrive sulle pagine dei suoi manoscritti. In bocca a Leonardo, suona come la Verità con la lettera maiuscola, perché lui stesso lo ha ripetutamente dimostrato con tutta la sua vita e il suo patrimonio creativo, che include tante ipotesi e invenzioni ingegnose.

L'irrefrenabile desiderio di conoscenza di Leonardo ha toccato quasi tutti i campi dell'attività umana. Durante la sua vita, il maestro ha potuto affermarsi come musicista, poeta e scrittore, ingegnere e meccanico, scultore, architetto e urbanista, biologo, fisico e chimico, conoscitore di anatomia e medicina, geologo e cartografo. Il genio di Da Vinci ha persino trovato la sua strada nelle ricette di cucina, nella progettazione di vestiti, nella composizione di giochi per l'intrattenimento di palazzo e nella progettazione di giardini.

Leonardo vantava non solo una conoscenza insolitamente versatile e una vasta gamma di abilità, ma anche un aspetto quasi perfetto. Secondo i suoi contemporanei, era un uomo alto, bello, ben costruito e dotato di una grande forza fisica. Leonardo cantava in modo eccellente, era un narratore brillante e spiritoso, ballava e suonava la lira, possedeva maniere squisite, era cortese e semplicemente affascinava le persone con la sua sola presenza.

Forse è stata proprio questa sua rarità in quasi tutte le sfere della vita che ha causato un atteggiamento così diffidente nei suoi confronti da parte della maggioranza conservatrice, che era apprensiva per le idee innovative. Per il suo genio e il suo pensiero fuori dagli schemi, è stato più volte bollato come eretico e persino accusato di servire il diavolo. Apparentemente questo è il destino di tutti i geni che vengono nel nostro mondo per rompere le fondamenta e portare avanti l'umanità.

A parole e con i fatti, negando l'esperienza delle generazioni passate, il grande pittore ha affermato che "un dipinto di un pittore non sarà perfetto se prende le immagini degli altri come ispirazione". Questo valeva anche per tutte le altre aree del sapere. Leonardo poneva grande attenzione all'esperienza come principale fonte di idee sull'uomo e sul mondo. “La saggezza è figlia dell'esperienza”, diceva l'artista, non si acquisisce semplicemente studiando i libri, perché chi li scrive è solo mediatore tra l'uomo e la natura.

Ogni persona è un figlio della natura e la corona della creazione. Gli si aprono innumerevoli possibilità di conoscere il mondo, che è indissolubilmente legato ad ogni cellula del suo corpo. Attraverso lo studio del mondo, Leonardo conobbe se stesso. La domanda che tormenta molti storici dell'arte è cosa fosse più interessato a da Vinci: la pittura o la conoscenza? Era un artista, uno scienziato o un filosofo alla fine? La risposta è, infatti, semplice, come un vero creatore, Leonardo da Vinci ha unito armoniosamente tutti questi concetti in uno. Dopotutto, puoi imparare a disegnare, essere in grado di usare un pennello e delle vernici, ma questo non ti renderà un artista, perché la vera creatività è uno stato speciale di sentimenti e atteggiamento nei confronti del mondo. Il nostro mondo ricambierà, diventerà una musa ispiratrice, svelerà i suoi segreti e permetterà solo a chi lo ama veramente di penetrare nell'essenza stessa delle cose e dei fenomeni. Da come viveva Leonardo, da tutto quello che faceva, è evidente che era un uomo appassionatamente innamorato.

Immagini di Madonna

L'opera "Annunciazione" (1472-1475, Louvre, Parigi) è stata scritta da un giovane pittore all'inizio della sua carriera. Il dipinto raffigurante l'Annunciazione era destinato ad uno dei monasteri non lontano da Firenze. Ha suscitato molte polemiche tra i ricercatori del grande Leonardo. I dubbi si riferiscono in particolare al fatto che l'opera sia un'opera del tutto autonoma dell'artista. Va detto che tali controversie sulla paternità non sono rare per molte delle opere di Leonardo.

Realizzata su un pannello di legno di dimensioni impressionanti - 98 x 217 cm, l'opera mostra il momento in cui l'Arcangelo Gabriele disceso dal cielo, informa Maria che darà alla luce un figlio, che Gesù chiamerà. Tradizionalmente, si crede che Maria in questo momento stia solo leggendo il passo stesso delle profezie di Isaia, che menziona il futuro adempimento. Non è un caso che la scena sia raffigurata sullo sfondo di un giardino primaverile: i fiori sono nella mano dell'arcangelo e sotto i suoi piedi e simboleggiano la purezza della Vergine Maria. E il giardino stesso, circondato da un muretto, ci rimanda tradizionalmente all'immagine senza peccato della Madre di Dio, recintata dalla sua purezza dal mondo esterno.

Un fatto interessante è legato alle ali di Gabriele. Nell'immagine, è chiaramente distinguibile che sono stati completati in seguito: un artista sconosciuto li ha allungati in modo pittorico molto approssimativo. Le ali originali, raffigurate da Leonardo, sono rimaste distinguibili: sono molto più corte e, probabilmente, sono state copiate dall'artista dalle ali di un vero uccello.

In quest'opera, se si guarda da vicino, si possono trovare diversi errori commessi dall'ancora inesperto Leonardo nella costruzione della prospettiva. La più ovvia delle quali è la mano destra di Mary, che è visivamente più vicina allo spettatore di tutta la sua figura. Non c'è ancora morbidezza nei drappeggi dei vestiti, sembrano troppo pesanti e gelati, come se fossero di pietra. Qui dobbiamo tener conto che questo è esattamente il modo in cui Leonardo è stato insegnato dal suo mentore Verrocchio. Questa spigolosità e nitidezza è caratteristica di quasi tutte le opere di artisti di quel tempo. Ma in futuro, sulla strada per ottenere il proprio realismo pittorico, Leonardo svilupperà se stesso e guiderà tutti gli altri artisti.

Nel dipinto "Madonna Litta" (1480 circa, Ermitage, San Pietroburgo) Leonardo è riuscito a creare un'immagine femminile incredibilmente espressiva con l'aiuto di quasi un singolo gesto. Sulla tela, vediamo una madre piena di premure, gentile e serena, che ammira il suo bambino, concentrando in questo sguardo tutta la pienezza dei suoi sentimenti. Senza un'inclinazione del capo così particolare, così caratteristica di molte opere del maestro, che studiò per ore creando decine di disegni preparatori, si perderebbe gran parte dell'impressione di sconfinato amore materno. Solo le ombre agli angoli delle labbra di Mary sembrano alludere alla possibilità di un sorriso, ma quanta tenerezza dona a tutto il viso. L'opera è di dimensioni piuttosto ridotte, solo 42 x 33 cm, molto probabilmente destinata al culto domestico. In effetti, nell'Italia del XV secolo, le immagini pittoresche della Madonna con il Bambino erano piuttosto popolari, spesso ordinate da artisti di cittadini benestanti. Presumibilmente, Madonna Litta fu originariamente scritta da un maestro per i regnanti di Milano. Poi, dopo aver cambiato diversi proprietari, si è trasferita in una collezione privata di famiglia. Il nome moderno dell'opera deriva dal nome del Conte Litta, proprietario della pinacoteca di famiglia a Milano. Nel 1865 fu lui a venderlo all'Ermitage insieme a molti altri dipinti.

Nella mano destra del bambino Gesù è quasi nascosto un annidamento, a prima vista impercettibile, che serve nella tradizione cristiana come simbolo del Figlio di Dio e della sua infanzia. Ci sono polemiche intorno alla tela, causate da contorni troppo netti del disegno e da alcune posture innaturali del bambino, che portano molti ricercatori a supporre che uno degli studenti di Leonardo abbia preso parte attiva alla creazione del quadro.

Il primo dipinto, che mostra il talento rivelato del maestro, fu il dipinto "Madonna nella grotta" (1483 circa, Louvre, Parigi). La composizione fu commissionata per l'altare della cappella della chiesa milanese di San Francesco e doveva essere la parte centrale del trittico. L'ordine era diviso tra tre artigiani. Uno di loro ha creato pannelli laterali raffiguranti angeli per l'immagine dell'altare, l'altro - una cornice scolpita del pezzo di legno finito.

Gli ecclesiastici stipularono un contratto molto dettagliato con Leonardo. In esso sono stati specificati i più piccoli dettagli del dipinto, fino allo stile e alla tecnica di esecuzione di tutti gli elementi e persino al colore dei vestiti, da cui l'artista non dovrebbe discostarsi di un solo passo. Nasce così un'opera che racconta l'incontro tra il bambino Gesù e Giovanni Battista. L'azione si svolge nelle profondità della grotta, in cui madre e figlio si rifugiano dai persecutori inviati dal re Erode, che vedeva nel Figlio di Dio una minaccia diretta al suo potere. Il Battista si precipita da Gesù, piegando i palmi in preghiera, il quale, a sua volta, lo benedice con un gesto della mano. Il testimone silenzioso del sacramento è l'angelo Uriel, che guarda verso lo spettatore. D'ora in poi sarà chiamato a proteggere John. Tutte e quattro le figure sono così abilmente disposte nel dipinto che sembrano formare un unico insieme. Vorrei definire "musicale" tutta la composizione tanta tenerezza, armonia e morbidezza nei suoi caratteri, accomunati da gesti e sguardi.

Questo lavoro non è stato facile per l'artista. I tempi erano rigorosamente stabiliti nel contratto, ma, come spesso accadeva con il pittore, non li rispettava, il che comportava contenziosi. Dopo molte controversie, Leonardo dovette scrivere un'altra versione di questa composizione, che ora è conservata alla National Gallery di Londra, la conosciamo come "Madonna delle Rocce".

Il famoso affresco del monastero milanese

Tra le mura del monastero milanese di Santa Maria delle Grazie, più precisamente nel suo refettorio, è custodito uno dei massimi capolavori della pittura e il principale tesoro nazionale d'Italia. Il leggendario affresco "L'Ultima Cena" (1495-1498) occupa uno spazio di 4,6 x 8,8 m, e descrive il momento drammatico in cui, circondato dai suoi discepoli, Cristo pronuncia la triste profezia "Uno di voi mi tradirà".

Il pittore, da sempre attratto dallo studio delle passioni umane, ha voluto catturare nelle immagini degli apostoli persone comuni e non personaggi storici. Ognuno di loro risponde a modo suo all'evento in corso. Leonardo si è dato il compito di trasmettere con il massimo realismo l'atmosfera psicologica della serata, di trasmetterci i vari caratteri dei suoi partecipanti, rivelando il loro mondo spirituale e le loro esperienze contrastanti con la precisione di uno psicologo. Nella varietà dei volti degli eroi dell'immagine e dei loro gesti c'è posto per quasi tutte le emozioni, dalla sorpresa alla rabbia furiosa, dalla confusione alla tristezza, dalla semplice incredulità allo shock profondo. Il futuro traditore Giuda, che tradizionalmente tutti gli artisti avevano precedentemente separato dal gruppo generale, in quest'opera siede con gli altri, spiccando nettamente con un'espressione cupa sul volto e un'ombra che sembrava avvolgere tutta la sua figura. Tenendo conto del principio della sezione aurea da lui scoperto, Leonardo ha verificato la posizione di ciascuno degli studenti con precisione matematica. Tutti e dodici gli apostoli sono divisi in quattro gruppi quasi simmetrici, mettendo in risalto la figura di Cristo al centro. Altri dettagli dell'immagine hanno lo scopo di non distrarre l'attenzione dai personaggi. Quindi, il tavolo è volutamente reso troppo piccolo e la stanza stessa, in cui si svolge il pasto, è rigorosa e semplice.

Mentre lavorava all'Ultima Cena, Leonardo ha condotto un esperimento con i colori. Ma, sfortunatamente, la composizione del terreno e della pittura che ha inventato, per la quale ha combinato olio e tempera, si è rivelata completamente instabile. La conseguenza di ciò fu che dopo soli vent'anni dalla scrittura, l'opera iniziò a deteriorarsi rapidamente e irreversibilmente. La stalla che l'esercito napoleonico allestiva nella stanza in cui si trovava l'affresco aggravava un problema già esistente. Di conseguenza, quasi dall'inizio della sua storia fino ai giorni nostri, su questa tela monumentale sono stati effettuati lavori di restauro, solo grazie ai quali è ancora possibile conservarla.

Zu Xu sua lunga vita, Leonardo da Vinci creò non più di venti dipinti, alcuni dei quali rimasti incompiuti. Un tale stupore per quel tempo, non la fertilità, allarmava i clienti, ma non la fretta con cui il maestro lavorava ai suoi dipinti diventava il discorso della città. Resti del monaco del monastero di Santa Maria delle Grazie, che assistette all'opera del pittore sul celebre affresco "L'Ultima Cena". Così descriveva la giornata lavorativa di Leonardo: al mattino presto l'artista si arrampicava sulle impalcature erette intorno al quadro, e non poteva separarsi dal pennello fino a tarda notte, dimenticandosi completamente del cibo e del riposo. Ma un'altra volta, ha trascorso ore, giorni e giorni, esaminando attentamente la sua creazione, senza applicare un solo tratto. Purtroppo, nonostante tutti gli sforzi del maestro, a causa di un esperimento e dei materiali non riusciti, l'affresco proveniente dal monastero di Milano divenne una delle più grandi delusioni dell'artista.

Misteriosa "Monna Lisa"

Ma il dipinto "Mona Lisa" ha avuto un posto enorme nella sua vita. Dal momento stesso in cui scriverà la celebre tela e fino alla fine della sua vita, Leonardo sarà inseparabile da lui, come dal suo tesoro più inestimabile. Qual è il segreto dell'impressione grandiosa che produce questo dipinto di piccole dimensioni (solo 77x53 cm), milioni di spettatori che lo hanno visto almeno una volta si sono chiesti per secoli.

È estremamente sorprendente che nei documenti di Leonardo da Vinci non ci sia una sola menzione di questo ritratto. Non ci sono informazioni, né chi lo ha incaricato di lavorare sulla tela, né chi gli è servito da modello, né come è andato il processo della sua creazione. L'artista, che ha preso appunti su tutto il mondo per tutta la vita, non ha mai menzionato la più grande creazione al gufo.

Non ci sono assolutamente prove documentali, ma le menti curiose degli specialisti sono avanzate straordinariamente nelle loro ipotesi. In tempi diversi, i candidati per l'eroina della tela erano o la duchessa Matuy Isabella d'Este, sui cui ritratti lavorò in quel momento Leonardo, o una certa dama fiorentina di nome Pacifika Brandano, che era l'amante del nobile patrono del arti Giuliano Medici. Alcuni ricercatori affermano che non esiste affatto un modello. e non lo era, e Leonardo ha creato un'immagine collettiva ideale di una donna. Altri sono sicuri che abbia ricreato le fattezze di sua madre a memoria. Altri ancora dimostrano che si tratta di un giovane in abiti femminili, che era uno studente, e forse anche un amante dello stesso pittore - Gnana Giacomo Caproti, che è stato accanto a Leonardo negli ultimi 26 anni (a proposito, l'artista ha lasciato in eredità il dipinto a lui.) E l'ultima, delle versioni più popolari, ci dice che "Mona Lisa" è un autoritratto dello stesso Leonardo da Vinci.

Assolutamente tutte le ipotesi non hanno alcuna prova reale. Esiste anche una versione ufficiale. Si sostiene che il dipinto raffigura la moglie di un ricco mercante fiorentino Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. Anche la data esatta del dipinto non è nota, si ritiene che i lavori su "La Gioconda" abbiano avuto luogo tra il 1503 e il 1513. Presumibilmente, la futura "Monna Lisa", e poi solo Lisa Gherardini, iniziò a posare quando aveva circa ventiquattro anni. Il prefisso "mona", ancora, presumibilmente, non è altro che un'abbreviazione della parola "madonna", che viene tradotta dall'italiano come "signora, signora".

Immagine rianimata

L'intero Rinascimento è stato caratterizzato dalla proclamazione dell'uomo come la corona della natura, la sua creazione più perfetta. Di conseguenza, nella pittura, che ha cercato di imitare la natura in tutto, è la capacità di raffigurare una persona che diventa un vero indicatore dell'abilità dell'artista. Inoltre, era importante trasmettere non solo le caratteristiche dell'aspetto esterno del modello. La più importante era la capacità di rivelare la personalità del soggetto. È qui che iniziano le domande e le ricerche, come mostrare l'invisibile, come trasmettere il temperamento e le qualità spirituali nascoste inerenti ai personaggi nell'immagine?

Leonardo, ovviamente, aveva la sua risposta a queste domande. L'artista consigliava di dipingere i personaggi con gesti che riflettessero il loro stato d'animo. “Se le figure non fanno certi gesti, inoltre, tali che le membra del corpo esprimano la rappresentazione della loro anima, allora queste figure sono morte due volte: per lo più morte perché la pittura stessa non vive, ma è solo espressione di vita oggetti senza vita, se non sono uniti dalla vitalità del movimento (gesto), allora si rivelano morti ancora una volta ", considerò il maestro.

Allo stesso tempo, non è necessario ricorrere ad angoli complessi e movimenti intricati, il pittore stesso non lo ha mai fatto. Leonardo è riuscito a raggiungere le vette dell'abilità nel creare la saturazione e la profondità dell'immagine con una quasi totale assenza di movimento esterno. Il volto della Gioconda è illuminato da un sottile sorriso che gli dona un'espressione speciale. In una donna che osserva da un ritratto, tutto è semplice, naturale e allo stesso tempo molto misterioso. O sta pensando a qualcosa, o sta ricordando qualcosa. Leonardo ha creato, senza esagerare, un volto completamente vivente di una persona vivente. Riuscì non a disegnare, ma a ricreare il suo modello su tela, rivelando un'immagine così viva e spiritualizzata da far quasi paura. Si ha la sensazione che non sia lo spettatore a guardare La Gioconda, ma lei stessa a guardarlo con uno sguardo profondo e significativo. Molte persone sostengono che trovarsi nella stessa stanza con il dipinto dia l'impressione che lo sguardo della "Monna Lisa" sia sempre rivolto allo spettatore, ovunque si muova. Alcuni sostengono anche che il viso della Gioconda cambia, a seconda dell'angolazione da cui la guardi. Si scopre che questa non è un'immagine, ma la presenza reale dell'eroina, creata dal più grande genio di Leonardo da Vinci.

Artigianato insuperabile

Come è riuscito il pittore a creare un effetto così sorprendente? Come far vivere uno strato di vernice su una superficie piana di un pannello di legno? Quale magia ha usato Leonardo, usando solo un pennello e una tavolozza, per far credere a milioni di spettatori ne "La Gioconda" come in quella vera?!

I critici d'arte hanno studiato attentamente l'immagine. Se parliamo della tecnica della sua esecuzione, va notato che il lavoro è realizzato con strati di colore applicato quasi trasparenti e insolitamente sottili, che coprono il disegno originale. Quando il rivestimento precedente si è asciugato, il maestro ha applicato il successivo, e così, molte, molte volte, mostrando una pazienza e un virtuosismo invidiabili.

Il risultato di un lavoro così scrupoloso, di questo dipinto insolitamente multistrato, è stato un passaggio così graduale da un colore all'altro che le linee di contorno originali del disegno sembravano dissolversi. Ed è proprio questa assenza di confini tra luce e ombra, che si fondono dolcemente tra loro e creano una sensazione di volume vivo. Un altro incredibile risultato di Leonardo fu l'immagine dello spessore dell'aria, senza precedenti per la pittura di quel tempo. L'artista riempie lo spazio dell'immagine con una foschia appena percettibile, grazie alla quale appare la profondità nell'opera.

Questo effetto di foschia, luce soffusa diffusa, Leonardo chiamò il termine italiano "sfumato". Le pennellate dell'artista erano così piccole che né una radiografia né un microscopio possono rilevare alcuna traccia del suo lavoro, né determinare il numero di strati di pittura applicati. Molti artisti per centinaia di anni hanno provato a ripetere la tecnica di Leonardo, ma nessuno di loro ci è riuscito. Fino ad ora, "Mona Lisa" è considerata insuperabile in termini di tecnica pittorica.

E tutto questo nonostante il fatto che abbiamo l'opportunità di vedere un quadro già abbastanza cambiato. Il capolavoro del grande Leonardo ha già moltissimi anni, in questo periodo ci sono stati dei cambiamenti, in particolare nella tavolozza dei colori della tela. Il primo biografo del pittore Giorgio Vasari, vissuto nel XVI secolo, nelle sue descrizioni dell'opera, cita con ammirazione le sfumature cremisi nei colori della tavolozza utilizzata per dipingere il volto di Lisa Gherardini. Oggi niente di simile non si vede più nella foto.

Il rapporto cromatico nella foto è stato anche influenzato dai rivestimenti laccati, che dopo che Leonardo sono stati applicati sulla superficie del capolavoro per assicurarne una migliore conservazione, hanno anche creato un effetto nuvola. Ora stiamo guardando l'immagine di una signora, che sembra risplendere attraverso lo spessore dell'acqua del mare. Anche la composizione dell'immagine ha subito modifiche: due colonne che in precedenza si trovavano ai lati della figura principale sono state completamente perse. Ma questi elementi architettonici hanno completamente cambiato la percezione della composizione, poiché grazie a loro è stato subito chiaro che l'eroina del quadro era seduta sul balcone della pista, e per nulla sospesa nello spazio, come a volte sembra.

Le leggi dell'armonia

Quando creò un capolavoro, Leonardo usò naturalmente la legge della "sezione aurea" scoperta da lui. Tutti gli elementi dell'immagine sono disposti in modo rigorosamente definito. Seguono la legge della divina proporzione armoniosa. La figura della Gioconda corrisponde con precisione matematica alla regola del "triangolo d'oro", abbinando idealmente tutte le parti del pentagono regolare a forma di stella. Dal punto di vista dello spettatore, che distingue gli oggetti circostanti nella forma, questo è molto importante, sebbene non sia realizzato dalla persona stessa.

Molto spesso, intuitivamente, troviamo attraenti e siamo attratti proprio da quelle forme che obbediscono alla legge della proporzione. Gli antichi saggi e maestri lo sapevano e gli scienziati moderni lo hanno dimostrato sperimentalmente. Questa legge è valida non solo per la pittura, ma anche per la psicologia, il design industriale. La creazione di forme e immagini per la pubblicità moderna si basa sulla legge dell'armonia, semplicemente non lo sappiamo e non ci pensiamo.

La magia della vera arte

Si può scrivere molto sulla magia e l'improbabilità del capolavoro di Leonardo, ma le parole sono solo parole, per capire cos'è la “Gioconda” bisogna vederla. Solo guardandola negli occhi, puoi sentire tutto ciò che storici dell'arte, critici e gente comune scrivono su di lei.

Purtroppo fotografie e riproduzioni cancellano la vita dal volto della Gioconda e la magia della sua immagine scompare senza lasciare traccia. La fotografia dà solo un'idea generale dell'opera, è solo un intralcio per chi sogna di godere della comunicazione con le creazioni viventi. La fotografia è solo un mediatore, come ogni ragionamento sul capolavoro di numerosi critici d'arte. Nessun libro ti dirà ciò che ti dirà personalmente la Monna Lisa immobile. Come disse lo stesso grande creatore del dipinto: "Chi può andare alla fonte non dovrebbe andare alla brocca". Nessuna conoscenza ti aiuterà a sentire, nel trattare con opere d'arte vere e vive, hai solo bisogno della tua sensibilità emotiva. In un incontro con "Mona Lisa" tutti dovranno cercare autonomamente una soluzione al suo segreto. È stato dimostrato che in persone diverse evoca una varietà di sentimenti e associazioni, per qualcuno fa rivivere ricordi personali, per qualcuno porta al pensiero. Alcuni sono sicuri che sia triste, altri che sia premurosa, ad altri sembra furba, e a qualcuno persino inquietante. Bene, qualcuno deciderà che non sorride affatto, e tutto il suo mistero mistico è un'invenzione.

Riflessione del grande Leonardo

Il fatto popolare che quando l'autoritratto di Leonardo viene sovrapposto all'immagine della "Monna Lisa" la parte superiore del viso coincide quasi completamente può essere spiegato scientificamente. I critici d'arte dicono che come il Creatore mette la sua anima in una persona, il pittore mette una parte di sé nella sua creazione. Sentendo quanto incredibilmente forte sia letteralmente connesso con ciascuna delle sue opere, Leonardo da Vinci ha ripetutamente affermato che "le figure create sono molto spesso simili ai loro maestri. Questo accade perché il nostro giudizio è ciò che muove la nostra mano quando creiamo tutti i contorni di questa figura".

Guardando un'opera d'arte, l'osservatore non vede solo ciò che è raffigurato su di essa. La cosa più importante che accade è che entra in contatto con il mondo interiore del pittore e lo riconosce. Forse è per questo che il sorriso trattenuto, quasi effimero della Gioconda ha agitato i cuori e le menti delle persone con la sua incomprensibilità per così tanto tempo? Sente tutta la saggezza di conoscere la vera natura degli oggetti circostanti, accumulata da Leonardo da Vinci. Forse, attraverso la sua idea preferita, l'artista stesso ci guarda con un leggero sorriso. Sembra che tutta l'esperienza del mondo, incarnata nella forma di una donna, sia raccolta in questo piccolo ritratto. Penetrare il segreto della Gioconda equivale a comprendere il genio del suo creatore.

E a Roma, ea Milano, e nel suo ultimo rifugio, il francese Amboise, Leonardo non si separò mai da questa tela. E dopo la sua morte, lasciò in eredità "Mona Lisa" al suo assistente e allievo, che presto vendette il dipinto all'ardente ammiratore e ultimo mecenate del maestro, il re francese Francesco I.

Intere generazioni di monarchi ammirarono il dipinto a Versailles, fino a quando Luigi XV ordinò di trasferirlo nella volta del palazzo. Dopo la Rivoluzione francese, Napoleone trasferì il capolavoro nella sua camera da letto privata nel Palazzo delle Tuileries. Più tardi, "Mona Lisa" è entrata nei musei di Napoleone al Louvre. Da dove fu rapita il 21 agosto 1911. Il rapitore era un italiano che venerava immensamente le opere di un grande maestro di nome Vincenzo. Sognava di restituire la tela alla patria dell'artista e per quasi tre anni nascose il capolavoro nella sua stessa casa. Per tutto questo tempo, fino al suo ritorno al Louvre, Gioconda non ha lasciato le copertine di riviste e giornali di tutto il mondo. Quindi, già all'inizio del XX secolo "Mona Lisa" divenne l'opera più riconoscibile nella storia dell'arte mondiale, e le controversie e le conversazioni su di essa continuano ancora oggi.

Guardando te stesso

Gli artisti del Rinascimento erano soliti collocare l'immagine di se stessi da qualche parte nelle profondità dei dipinti su cui stavano lavorando. Forse Leonardo non ha fatto eccezione e si è ritratto nei panni di un giovane pastore nel disegno preparatorio per il dipinto L'Adorazione dei Magi. Tra l'altro, si ritiene che spesso catturasse i suoi lineamenti per studiare le proporzioni di un volto umano. Tuttavia, tutte queste sono solo supposizioni, senza prove conclusive. L'unico ritratto dell'artista la cui autenticità è fuori dubbio è l'Autoritratto (Biblioteca Reale, Torino), dipinto intorno al 1515, che misura 33 x 21 cm, che è ora stampato in ogni pubblicazione illustrata dedicata alla vita e all'opera di Leonardo da Vinci.

Uno dei pittori del XVI secolo, Giovannp Lomazzo, lo descrisse così: "La sua testa era coperta di capelli così lunghi, e le sue sopracciglia erano così folte e la barba era così impressionante che sembrava essere una vera personificazione della più nobile borsa di studio, come erano l'antico Prometeo e il druido Hermes."

Il maestro ha creato il suo "Autoritratto" quando aveva già circa sessant'anni. Leonardo ha passato tutta la vita a studiare il mondo che lo circondava, la natura e le persone, e ora, quando il suo percorso creativo e di vita stava per concludersi, è arrivato il momento di guardare a se stesso. L'artista non lo ha fatto solo, come si guarda allo specchio, ma si è guardato dalla posizione di un artista capace di penetrare l'essenza profonda delle cose e con movimenti sicuri della mano per catturare ciò che ha visto e appreso sulla superficie piana del lenzuolo.

Questo autoritratto, meglio di ogni altra cosa, espone il maestro non solo davanti agli altri, ma, prima di tutto, davanti a se stesso. Leonardo ha solo abbozzato alcune linee con un pezzo di sanguigna rossa, ma sembra che non potrebbe essere più onesto. Solo la giovinezza è il tempo del narcisismo, la maturità è già inutile. Davanti a noi appare un uomo dallo sguardo da saggio, i suoi lineamenti sono severi e allo stesso tempo pacati. La sua immagine non sembra un vecchio stanco, ma piuttosto un genio con una forza interiore incredibile, la cui anima è ancora piena di passione. Leonardo è serio, concentrato e apparentemente determinato. Questo rapido disegno è riuscito a trasmettere un'immagine completa alla quale non c'è altro da aggiungere. Il destino del disegno non era noto da molto tempo. Fu scoperto solo verso la fine del XIX secolo, quando il monarca italiano Carlo Alberto di Savoia lo acquistò da un ignoto collezionista e lo trasferì alla Biblioteca Reale di Torino per la conservazione.

Il 2 maggio 1519 morì il grande Leonardo da Vinci. Secoli dopo, il maestro rimane un simbolo delle illimitate aspirazioni della mente umana, un creatore, genio e veggente dotato di capacità quasi sovrumane. Tutti i tentativi di penetrare i segreti che l'artista ha lasciato in eredità alle persone sono simili al desiderio di comprendere l'essenza dell'arte stessa, come la più alta manifestazione dell'uomo.

Zhuravleva Tatiana

Durante il Rinascimento ci furono molti brillanti scultori, pittori, musicisti, inventori. Leonardo da Vinci si distingue fortemente dal loro background. Ha creato strumenti musicali, possiede molte invenzioni ingegneristiche, ha scritto dipinti, sculture e molto altro.

Colpiscono anche i suoi dati esterni: alto, aspetto angelico e forza straordinaria. Facciamo conoscenza con il genio di Leonardo da Vinci, una breve biografia racconterà i suoi principali successi.

Fatti biografici

Nacque vicino a Firenze nella piccola città di Vinci. Leonardo da Vinci era il figlio illegittimo di un famoso e ricco notaio. Sua madre è una normale contadina. Poiché suo padre non aveva altri figli, all'età di 4 anni prese con sé il piccolo Leonardo. Il ragazzo ha mostrato un'intelligenza straordinaria e un carattere affabile fin dalla tenera età, ed è diventato rapidamente un favorito in famiglia.

Per capire come si è sviluppato il genio di Leonardo da Vinci, una breve biografia può essere presentata come segue:

1. All'età di 14 anni entra nella bottega del Verrocchio, dove studia disegno e scultura.
2. Nel 1480 si trasferì a Milano, dove fondò l'Accademia delle Arti.
3. Nel 1499 lascia Milano e comincia a spostarsi di città in città, dove costruisce strutture difensive. Nello stesso periodo inizia la sua famosa rivalità con Michelangelo.
4. Dal 1513 lavora a Roma. Sotto Francesco I divenne saggio di corte.

Leonardo morì nel 1519. Come credeva, nulla di ciò che aveva iniziato era stato completato fino alla fine.

Modo creativo

L'opera di Leonardo da Vinci, la cui breve biografia è stata sopra delineata, può essere divisa in tre fasi.

1. Primo periodo. Molte opere del grande pittore sono rimaste incompiute, come l'"Adorazione dei Magi" per il monastero di San Donato. Durante questo periodo furono dipinti i dipinti "Madonna Benois", "Annunciazione". Nonostante la sua giovane età, il pittore ha già dimostrato grande abilità nei suoi dipinti.
2. Il periodo maturo dell'opera di Leonardo si svolge a Milano, dove intende intraprendere la carriera di ingegnere. Il pezzo più popolare scritto in questo momento era L'Ultima Cena, e allo stesso tempo iniziò a lavorare sulla Gioconda.
3. Nel tardo periodo del suo lavoro furono creati il ​​dipinto "Giovanni Battista" e la serie di disegni "Il Diluvio".

La pittura ha sempre integrato la scienza per Leonardo da Vinci, mentre si sforzava di catturare la realtà.

invenzioni

Una breve biografia non può esprimere appieno il contributo alla scienza di Leonardo da Vinci. Tuttavia, si possono notare le scoperte più famose e preziose dello scienziato.

1. Ha dato il maggior contributo alla meccanica, come si può vedere da molti dei suoi disegni. Leonardo da Vinci ha studiato la caduta del corpo, i centri di gravità delle piramidi e altro ancora.
2. Ha inventato un'auto di legno alimentata da due molle. Un freno è stato fornito nel meccanismo dell'auto.
3. Ha inventato una tuta spaziale, pinne e un sottomarino, oltre a un modo per immergersi in profondità senza usare una tuta spaziale con una speciale miscela di gas.
4. Lo studio del volo di una libellula ha portato alla creazione di diverse varianti di ali per l'uomo. Gli esperimenti non hanno avuto successo. Tuttavia, lo scienziato ha inventato un paracadute.
5. È stato coinvolto negli sviluppi nell'industria militare. Uno dei suoi suggerimenti erano i carri con i cannoni. Ha inventato un prototipo di una corazzata e un carro armato.
6. Leonardo da Vinci ha fatto molti sviluppi nella costruzione. Ponti ad arco, macchine per il drenaggio e gru sono tutte sue invenzioni.

Non c'è uomo nella storia come Leonardo da Vinci. Ecco perché molti lo considerano un alieno proveniente da altri mondi.

I Cinque Segreti di Da Vinci

Oggi, molti scienziati sono ancora perplessi sull'eredità lasciata dal grande uomo di un'epoca passata. Sebbene non valga la pena chiamare Leonardo da Vinci, ha predetto molto e ha previsto ancora di più, creando i suoi capolavori unici e colpendo con l'ampiezza della conoscenza e del pensiero. Ti offriamo cinque segreti del grande Maestro che aiutano a sollevare il velo di segretezza sulle sue opere.

Crittografia

Il maestro ha crittografato molto per non presentare idee aperte, ma aspettare un po 'finché l'umanità "maturi, cresca" per loro. Ugualmente bravo con entrambe le mani, da Vinci scriveva con il sinistro, il carattere più piccolo, e anche da destra a sinistra, e spesso in un'immagine speculare. Enigmi, metafore, rebus: questo è ciò che si trova su ogni riga, in ogni pezzo. Non firmando mai le sue opere, il Maestro ha lasciato i suoi segni, visibili solo all'attento ricercatore. Ad esempio, dopo molti secoli, gli scienziati hanno scoperto che osservando da vicino i suoi dipinti, è possibile trovare il simbolo di un uccello in volo. O la famosa "Madonna Benois", ritrovata tra gli attori itineranti che portavano la tela come icona domestica.

Sfumato

L'idea della dispersione appartiene anche al grande mistificatore. Dai un'occhiata più da vicino alle tele, tutti gli oggetti non rivelano bordi chiari, come nella vita: un flusso regolare di alcune immagini in altre, sfocatura, dispersione: tutto respira, vive, risvegliando fantasie e pensieri. A proposito, il Maestro spesso consigliava di praticare questa visione, scrutando le macchie d'acqua, i cumuli di fango o i cumuli di cenere. Spesso fumigava deliberatamente i laboratori con il fumo per vedere nei club ciò che era nascosto oltre i limiti di una vista ragionevole.

Guarda il famoso dipinto: il sorriso di "Mona Lisa" da diverse angolazioni, a volte gentile, a volte un po' arrogante e persino predatore. Le conoscenze acquisite attraverso lo studio di molte scienze hanno dato al Maestro l'opportunità di inventare meccanismi perfetti che stanno diventando disponibili solo ora. Ad esempio, questo è l'effetto della propagazione delle onde, il potere penetrante della luce, il movimento oscillatorio... e ci sono molte cose che devono ancora essere analizzate, nemmeno da noi, ma dai nostri discendenti.

analogie

Le analogie sono la cosa principale in tutte le opere del Maestro. Il vantaggio sull'accuratezza, quando la terza segue da due conclusioni della mente, è l'inevitabilità di qualsiasi analogia. E nell'eccentricità e nel tracciare paralleli assolutamente strabilianti con da Vinci, non c'è ancora eguale. In un modo o nell'altro, tutte le sue opere hanno alcune idee che non combaciano tra loro: la famosa illustrazione "sezione aurea" è una di queste. Con gli arti divaricati e divaricati, una persona si inserisce in un cerchio, con quelli chiusi in un quadrato e alzando leggermente le braccia in una croce. Fu una sorta di "mulino" che diede al mago fiorentino l'idea di creare chiese, dove l'altare è posto esattamente nel mezzo e i fedeli stanno in cerchio. A proposito, agli ingegneri è piaciuta la stessa idea: ecco come è apparso il cuscinetto a sfere.

Contrapposto

La definizione significa l'opposizione degli opposti e la creazione di un certo tipo di movimento. Un esempio è l'immagine scultorea di un enorme cavallo in Corte Vecchio. Lì, le gambe dell'animale si trovano precisamente nello stile del contrapposto, formando una comprensione visiva del movimento.

Incompletezza

Questo è forse uno dei "trucchi" preferiti dal Maestro. Nessuna delle sue opere lo è ovviamente. Finire è uccidere, e da Vinci amava ogni sua idea. Lento e meticoloso, il burlone di tutti i tempi potrebbe prendere un paio di pennellate e andare nelle valli lombarde per migliorare i paesaggi lì, passare a creare un altro capolavoro o qualcos'altro. Molte opere sono state rovinate dal tempo, dal fuoco o dall'acqua, ma ognuna delle creazioni, almeno qualcosa di significativo, era ed è un "incompiuto". A proposito, è interessante che anche dopo il danno, Leonardo da Vinci non abbia mai corretto i suoi dipinti. Avendo creato la propria pittura, l'artista ha persino lasciato deliberatamente la "finestra incompiuta", credendo che la vita stessa avrebbe apportato le modifiche necessarie.

Cos'era l'arte prima di Leonardo da Vinci? Nato tra i ricchi, rifletteva pienamente i loro interessi, la loro visione del mondo, le loro opinioni sull'uomo, sul mondo. Le opere d'arte erano basate su idee e temi religiosi: l'affermazione di quelle visioni del mondo che la chiesa insegnava, la rappresentazione di soggetti della storia sacra, instillando nelle persone un senso di riverenza, ammirazione per il "divino" e la coscienza della propria insignificanza. Il tema dominante determinava anche la forma. Naturalmente, la rappresentazione dei "santi" era molto lontana dalle rappresentazioni di persone viventi reali, quindi nell'arte prevalevano schemi, artificiosità e staticità. Le persone in questi dipinti erano una sorta di caricature di persone viventi, il paesaggio è fantastico, i colori sono pallidi e inespressivi. È vero, anche prima di Leonardo, i suoi predecessori, incluso il suo maestro Andrea Verrocchio, non erano più soddisfatti del modello e cercavano di creare nuove immagini. Hanno già iniziato a cercare nuovi metodi di immagine, hanno iniziato a studiare le leggi della prospettiva, hanno riflettuto molto sui problemi di raggiungere l'espressività dell'immagine.

Tuttavia, queste ricerche del nuovo non hanno dato grandi risultati, principalmente perché questi artisti non avevano un'idea sufficientemente chiara dell'essenza e dei compiti dell'arte e della conoscenza delle leggi della pittura. Per questo sono ricaduti ora di nuovo nello schematismo, ora nel naturalismo, altrettanto pericoloso per la vera arte, copiando singoli fenomeni della realtà. Il significato della rivoluzione operata da Leonardo da Vinci nell'arte, e in particolare nella pittura, è determinato principalmente dal fatto che è stato il primo a stabilire in modo chiaro, chiaro e definitivo l'essenza ei compiti dell'arte. L'arte dovrebbe essere profondamente vitale, realistica. Dovrebbe venire da uno studio profondo e approfondito della realtà, della natura. Deve essere profondamente veritiero, deve rappresentare la realtà così com'è, senza alcuna inverosimile o falsità. La realtà, la natura è bella in sé e non ha bisogno di abbellimenti. L'artista deve studiare attentamente la natura, ma non per cieca imitazione di essa, non per semplice copia, ma per, avendo compreso le leggi della natura, le leggi della realtà, creare opere; rispettare rigorosamente queste leggi. Creare nuovi valori, valori del mondo reale: questo è lo scopo dell'arte. Questo spiega il desiderio di Leonardo di legare arte e scienza. Invece di un'osservazione semplice e casuale, ha ritenuto necessario studiare l'argomento in modo sistematico, persistente. È noto che Leonardo non si è mai separato dall'album e vi ha inserito disegni e schizzi.

Dicono che amava passeggiare per le strade, le piazze, i mercati, notando tutto ciò che è interessante: le pose delle persone, i loro volti, le loro espressioni. Il secondo requisito di Leonardo per la pittura è il requisito della veridicità dell'immagine, della sua vitalità. L'artista dovrebbe tendere alla riproduzione più accurata della realtà in tutta la sua ricchezza. Al centro del mondo c'è una persona che vive, pensa, sente. Deve essere ritratto in tutta la ricchezza dei suoi sentimenti, delle sue esperienze e delle sue azioni. Per questo è stato Leonardo a studiare anatomia e fisiologia umana, per questo, come si suol dire, ha riunito nella sua bottega contadini a lui familiari e, curandoli, raccontava loro storie divertenti per vedere come la gente ride, come lo stesso evento provoca le persone avere esperienze diverse. Se prima di Leonardo non c'era una persona reale nella pittura, ora è diventato dominante nell'arte del Rinascimento. Centinaia di disegni di Leonardo danno una gigantesca galleria di tipi di persone, i loro volti, parti dei loro corpi. L'uomo in tutta la diversità dei suoi sentimenti e delle sue azioni è il compito della rappresentazione artistica. Ed è questa la forza e il fascino della pittura di Leonardo. Costretto dalle condizioni del tempo a dipingere quadri prevalentemente di soggetto religioso, poiché suoi committenti erano la chiesa, i feudatari ei ricchi mercanti, Leonardo subordina imperiosamente al suo genio questi soggetti tradizionali e realizza opere di portata umana universale. Le Madonne disegnate da Leonardo sono principalmente l'immagine di uno dei sentimenti profondamente umani: il sentimento della maternità, l'amore sconfinato della madre per il bambino, l'ammirazione e l'ammirazione per lui. Tutte le sue Madonne sono donne giovani, fiorite, piene di vita, tutti i bambini dei suoi quadri sono ragazzi sani, paffuti, giocherelloni, nei quali non c'è un briciolo di "santità".

I suoi apostoli nell'Ultima Cena sono persone viventi di età, condizione sociale e caratteri diversi; in apparenza sono artigiani, contadini e intellettuali milanesi. Cercando la verità, l'artista deve essere in grado di generalizzare l'individuo che ha trovato, deve creare il tipico. Pertanto, anche dipingendo ritratti di alcune persone storicamente note, come, ad esempio, Monna Lisa Gioconda - la moglie di un aristocratico in rovina, il mercante fiorentino Francesco del Gioconda, Leonardo dà in loro, insieme a caratteristiche individuali del ritratto, tipiche, comuni a molti le persone. Ecco perché i ritratti da lui dipinti sono sopravvissuti alle persone raffigurate su di essi per molti secoli. Leonardo è stato il primo che non solo ha studiato attentamente e attentamente le leggi della pittura, ma le ha anche formulate. Ha studiato profondamente, come nessuno prima di lui, le leggi della prospettiva, la posizione della luce e dell'ombra. Tutto ciò gli era necessario per raggiungere la massima espressività del quadro, per, come diceva, "essere uguale alla natura". Per la prima volta, è nelle opere di Leonardo che il quadro in quanto tale perde il suo carattere statico, diventa una finestra sul mondo. Quando guardi la sua foto, la sensazione di essere disegnato, racchiuso in una cornice, si perde e sembra di guardare attraverso una finestra aperta che rivela allo spettatore qualcosa di nuovo, non visto da lui. Esigendo l'espressività del dipinto, Leonardo si oppose risolutamente al gioco formale dei colori, contro l'entusiasmo per la forma a scapito del contenuto, contro ciò che così chiaramente caratterizza l'arte decadente.

Per Leonardo la forma è solo un guscio dell'idea che l'artista deve trasmettere allo spettatore. Leonardo presta molta attenzione ai problemi della composizione pittorica, ai problemi di collocazione delle figure, ai singoli dettagli. Da qui la composizione, che tanto amava, di posizionare le figure in un triangolo - la più semplice figura armonica geometrica - una composizione che consente allo spettatore di abbracciare l'intera immagine nel suo insieme. Espressività, veridicità, accessibilità: queste sono le leggi della vera arte popolare, formulate da Leonardo da Vinci, le leggi che lui stesso ha incarnato nelle sue opere di genio. Già nel suo primo grande dipinto "Madonna con un fiore" Leonardo ha mostrato in pratica cosa significano i principi dell'arte che professava. Prima di tutto, la sua composizione colpisce in questo quadro, la distribuzione di tutti gli elementi del quadro, che compongono un unico insieme, è sorprendentemente armoniosa. L'immagine di una giovane madre con un bambino allegro in braccio è profondamente realistica. Il profondo blu del cielo italiano percepito direttamente nel taglio della finestra è incredibilmente abilmente trasmesso. Già in questa immagine, Leonardo ha dimostrato il principio della sua arte: il realismo, la rappresentazione di una persona nel più profondo accordo con la sua vera natura, l'immagine di uno schema non astratto, che è stato insegnato e cosa stava facendo l'arte ascetica medievale, vale a dire una persona viva e sensibile.

Questi principi sono espressi ancora più vividamente nel secondo grande dipinto di Leonardo "L'Adorazione dei Magi" del 1481, in cui non è significativa una trama religiosa, ma una magistrale raffigurazione di persone, ognuna delle quali ha il suo volto individuale, il suo posa, esprime il suo sentimento e stato d'animo. La verità della vita è la legge della pittura di Leonardo. La rivelazione più completa della vita interiore di una persona è il suo obiettivo. Nell'Ultima Cena, la composizione è portata alla perfezione: nonostante il gran numero di figure - 13, la loro collocazione è rigorosamente calcolata in modo che tutte nel loro insieme rappresentino una sorta di unità, piena di grande contenuto interiore. Il quadro è molto dinamico: alcune terribili notizie comunicate da Gesù hanno colpito i suoi discepoli, ognuno reagisce ad essa a modo suo, da qui l'enorme varietà di espressioni di sentimenti interiori sui volti degli apostoli. La perfezione compositiva è completata da un uso insolitamente abile dei colori, dall'armonia di luci e ombre. L'espressività, l'espressione del quadro raggiunge la sua perfezione grazie alla straordinaria varietà non solo delle espressioni facciali, ma anche della posizione di ciascuna delle ventisei mani dipinte nel quadro.

Questa testimonianza dello stesso Leonardo ci racconta l'attento lavoro preliminare che ha svolto prima di scrivere il quadro. Tutto è pensato nei minimi dettagli: pose, espressioni facciali; persino dettagli come una ciotola o un coltello rovesciati; tutto questo nella sua somma costituisce un tutt'uno. La ricchezza dei colori in questo quadro si unisce a un sottile uso del chiaroscuro, che enfatizza il significato dell'evento rappresentato nel quadro. La sottigliezza della prospettiva, il trasferimento dell'aria, il colore rendono questa immagine un capolavoro dell'arte mondiale. Leonardo ha risolto con successo molti dei problemi che gli artisti dovevano affrontare in quel momento e ha aperto la strada all'ulteriore sviluppo dell'arte. Con la forza del suo genio, Leonardo vinse le tradizioni medievali che gravano sull'arte, le spezzò e le gettò via; riuscì ad ampliare la ristretta cornice con cui l'allora dominante cricca di uomini di chiesa limitava il potere creativo dell'artista, e a mostrare, invece della banale scena dello stencil gospel, un enorme dramma puramente umano, per mostrare persone viventi con le loro passioni, sentimenti, esperienze. E in questa immagine, il grande ottimismo che afferma la vita dell'artista e pensatore Leonardo si è manifestato di nuovo.

Durante gli anni delle sue peregrinazioni, Leonardo dipinse molti altri dipinti che ricevettero fama e riconoscimento mondiale meritati. Ne "La Gioconda" l'immagine è profondamente vitale e tipica. È questa profonda vitalità, una resa insolitamente in rilievo dei tratti del viso, dei dettagli individuali, dei costumi, combinata con un paesaggio dipinto magistralmente, che conferisce a questa immagine una speciale espressività. Tutto in lei - dal misterioso mezzo sorriso che gioca sul suo viso alle mani tranquillamente giunte - parla del grande contenuto interiore, della grande vita spirituale di questa donna. Il desiderio di Leonardo di trasmettere il mondo interiore nelle manifestazioni esterne dei movimenti mentali è qui espresso in modo particolarmente completo. Interessante dipinto di Leonardo "La Battaglia di Anghiari", raffigurante la battaglia di cavalleria e fanteria. Come in altri suoi dipinti, Leonardo si è sforzato di mostrare una varietà di volti, figure e pose. Decine di persone ritratte dall'artista creano un'impressione integrale dell'immagine proprio perché sono tutte subordinate a un'unica idea che ne è alla base. Era un'aspirazione mostrare l'ascesa di tutte le forze di una persona in battaglia, la tensione di tutti i suoi sentimenti, riuniti per raggiungere la vittoria.

(Leonardo da Vinci) (1452-1519) - la più grande figura, il genio poliedrico del Rinascimento, il fondatore dell'Alto Rinascimento. Conosciuto come artista, scienziato, ingegnere, inventore.

Leonardo da Vinci nacque il 15 aprile 1452 nella città di Anchiano vicino alla città di Vinci, situata vicino a Firenze. Suo padre era Piero da Vinci, notaio di un'importante famiglia dei Vinci. Secondo una versione, la madre era una contadina, secondo l'altra - la proprietaria della taverna, conosciuta come Katerina. All'età di circa 4,5 anni, Leonardo fu portato a casa di suo padre, e nei documenti di quel tempo è chiamato il figlio illegittimo di Pierrot. Nel 1469 entrò nella bottega del famoso pittore, scultore e orafo Andrea del Verrocchio ( 1435/36–1488). Qui Leonardo ha fatto tutta la strada dell'apprendistato: dallo sfregamento dei colori al lavoro come apprendista. Secondo le storie dei contemporanei, dipinse la figura sinistra di un angelo nel dipinto del Verrocchio Battesimo(c. 1476, Galleria degli Uffizi, Firenze), che attirò subito l'attenzione. Naturalezza del movimento, morbidezza delle linee, morbidezza del chiaroscuro - distingue la figura di un angelo dalla scrittura più dura del Verrocchio. Leonardo visse nella casa del maestro e successivamente nel 1472 fu ammesso alla corporazione di San Luca, la corporazione dei pittori.

Uno dei pochi disegni datati di Leonardo è stato realizzato nell'agosto 1473. Vista sulla Valle dell'Arno da un'altezza è stato eseguito con una penna a tratti veloci, trasmettendo vibrazioni di luce, aria, il che indica che il disegno è stato eseguito dalla natura (Galleria degli Uffizi, Firenze).

Il primo dipinto attribuito a Leonardo, sebbene la sua paternità sia contestata da molti esperti, fu Annunciazione(c. 1472, Galleria degli Uffizi, Firenze). Sfortunatamente, un autore sconosciuto ha apportato correzioni successive, che hanno notevolmente deteriorato la qualità dell'opera.

Ritratto di Ginevra de Benchi(1473-1474, National Gallery, Washington) è permeato da un'atmosfera malinconica. Parte dell'immagine sottostante è ritagliata: probabilmente vi erano raffigurate le mani della modella. I contorni della figura sono ammorbiditi con l'effetto sfumato creato anche prima di Leonardo, ma fu lui a diventare il genio di questa tecnica. Sfumato (it. Sfumato - nebbioso, fumoso) è una tecnica sviluppata nel Rinascimento in pittura e grafica, che consente di trasmettere la morbidezza della modellazione, l'inafferrabilità dei contorni degli oggetti, la sensazione di un ambiente arioso.

Tra il 1476 e il 1478 Leonardo apre la sua bottega. Questo periodo include Madonna con un fiore, il cosidetto Madonna Benoit(c. 1478, Ermitage di Stato, San Pietroburgo). La Madonna sorridente si rivolge al bambino Gesù seduto sulle sue ginocchia, i movimenti delle figure sono naturali e plastici. In questa immagine, c'è un interesse caratteristico nell'arte di Leonardo nel mostrare il mondo interiore.

Anche il dipinto incompiuto appartiene ai primi lavori. Adorazione dei Magi(1481-1482, Galleria degli Uffizi, Firenze). Il posto centrale è occupato dal gruppo della Madonna con Bambino e Magi, posto in primo piano.

Nel 1482 Leonardo partì per Milano, la città più ricca dell'epoca, sotto il patronato di Lodovico Sforza (1452–1508), che manteneva un esercito, spendeva ingenti somme di denaro in sontuose feste e nell'acquisto di opere d'arte. Presentandosi al suo futuro mecenate, Leonardo parla di sé come musicista, esperto militare, inventore di armi, carri militari, automobili, e solo allora parla di sé come artista. Leonardo visse a Milano fino al 1498, e questo periodo della sua vita fu il più fruttuoso.

La prima commissione ricevuta da Leonardo fu la realizzazione di una statua equestre in onore di Francesco Sforza (1401-1466), padre di Lodovico Sforza. Lavorandoci per 16 anni, Leonardo ha creato molti disegni, oltre a un modello in argilla di otto metri. Nel tentativo di superare tutte le statue equestri esistenti, Leonardo volle realizzare una scultura grandiosa, raffigurante un cavallo impennato. Ma di fronte a difficoltà tecniche, Leonardo ha cambiato idea e ha deciso di ritrarre un cavallo che cammina. Modello novembre 1493 Cavallo senza cavaliere fu messo in mostra al pubblico, e fu questo evento che rese famoso Leonardo da Vinci. Per la fusione della scultura sono state necessarie circa 90 tonnellate di bronzo. La raccolta del metallo iniziata fu interrotta e la statua equestre non fu mai fusa. Nel 1499 Milano fu catturata dai francesi, che usarono la scultura come bersaglio. Dopo un po' è crollato. Cavallo- un progetto grandioso, ma mai completato - una delle opere significative di arte plastica monumentale del XVI secolo. e, secondo Vasari, "coloro che hanno visto un enorme modello in creta... affermano di non aver mai visto un'opera di più bella e maestosa", chiamò il monumento "il grande colosso".

Alla corte degli Sforza Leonardo lavorò anche come decoratore per molte feste, realizzando decorazioni e meccanismi inediti, realizzando costumi per figure allegoriche.

Tela incompiuta San Girolamo(1481, Musei Vaticani, Roma) mostra il santo al momento del pentimento in un difficile giro con un leone ai suoi piedi. Il dipinto è stato dipinto in bianco e nero. Ma dopo averlo ricoperto di vernice nel XIX secolo. i colori virarono all'oliva e all'oro.

Madonna delle Rocce(1483-1484, Louvre, Parigi) - il famoso dipinto di Leonardo, da lui dipinto a Milano. L'immagine della Madonna, del bambino Gesù, del piccolo Giovanni Battista e di un angelo in un paesaggio è un motivo nuovo nella pittura italiana dell'epoca. Nell'apertura della roccia si vede un paesaggio, cui sono stati dati connotati sublimemente ideali, e in cui si mostrano le realizzazioni di una prospettiva lineare e aerea. Sebbene la grotta sia scarsamente illuminata, l'immagine non è buia, volti e figure emergono dolcemente dall'ombra. Il chiaroscuro (sfumato) più sottile crea l'impressione di una luce fioca diffusa, modella volti e mani. Leonardo collega le figure non solo con uno stato d'animo comune, ma anche con l'unità dello spazio.

SIGNORA CON LA MONTAGNA. 1485–1490. Museo Czartoryski

Signora con l'ermellino(1484, Museo Czartoryski, Cracovia) - una delle prime opere di Leonardo come ritrattista di corte. Il dipinto raffigura la favorita di Lodovic Cecilia Gallerani con lo stemma della famiglia Sforza, un ermellino. La complessa rotazione della testa e la squisita curva della mano della donna, la posa curva dell'animale - tutto parla della paternità di Leonardo. Lo sfondo è stato riscritto da un altro artista.

Ritratto di un musicista(1484, Pinacoteca Ambrosiana, Milano). Solo il volto del giovane è completato, il resto del dipinto non è spiegato. Il tipo di viso è vicino ai volti degli angeli di Leonardo, solo eseguiti più coraggiosamente.

Un'altra opera unica è stata realizzata da Leonardo in una delle sale del Palazzo Sforza, che si chiama Asino. Sulle volte e sulle pareti di questa sala, dipinse le corone di salici, i cui rami sono intrecciati in modo intricato, legati con corde decorative. Successivamente una parte dello strato pittorico si è staccata, ma una parte significativa è stata conservata e restaurata.

Nel 1495 Leonardo iniziò a lavorare su Ultima cena(area 4,5 × 8,6 m). L'affresco si trova sulla parete del refettorio del convento domenicano di Santa Maria delle Grazie a Milano, ad un'altezza di 3 m dal pavimento e occupa l'intera parete di fondo della stanza. Leonardo orientò la prospettiva dell'affresco verso lo spettatore, entrando così organicamente all'interno del refettorio: la riduzione prospettica delle pareti laterali raffigurate nell'affresco continua lo spazio reale del refettorio. Tredici persone sono sedute a un tavolo parallelo al muro. Al centro c'è Gesù Cristo, alla sua sinistra e alla sua destra i suoi discepoli. Mostra il momento drammatico dell'esposizione e della condanna del tradimento, il momento in cui Cristo ha appena pronunciato le parole: "Uno di voi mi tradirà", e le diverse reazioni emotive degli apostoli a queste parole. La composizione si basa su un calcolo matematico rigorosamente verificato: al centro è Cristo, raffigurato sullo sfondo dell'apertura mediana, più grande della parete di fondo, il punto di fuga della prospettiva coincide con la sua testa. I dodici apostoli sono divisi in quattro gruppi di tre figure ciascuno. A ciascuno viene data una caratteristica vivida da gesti e movimenti espressivi. Il compito principale era quello di mostrare Giuda, separarlo dal resto degli apostoli. Ponendolo sulla stessa linea della tavola di tutti gli apostoli, Leonardo lo separò psicologicamente dalla solitudine. Creazione Ultima cena divenne un evento notevole nella vita artistica dell'Italia in quel momento. Da vero innovatore e sperimentatore, Leonardo abbandonò la tecnica dell'affresco. Ricoprì il muro con uno speciale composto di resina e mastice e scrisse a tempera. Questi esperimenti portarono alla più grande tragedia: il refettorio, che fu frettolosamente rinnovato per ordine degli Sforza, le pittoresche innovazioni di Leonardo, la pianura in cui si trovava il refettorio - tutto ciò servì come triste servizio di conservazione Ultima cena... Le vernici cominciarono a sfaldarsi, come ricorda il Vasari nel 1556. Segreto cenaÈ stato più volte restaurato nel XVII e XVIII secolo, ma i restauri non sono stati qualificati (hanno semplicemente riapplicato strati colorati). Entro la metà del 20 ° secolo, quando L'ultima Cena venuto a uno stato deplorevole, iniziò il restauro scientifico: prima fu riparato l'intero strato pittorico, poi furono rimossi strati successivi, fu aperta la pittura a tempera di Leonardo. E sebbene l'opera sia stata gravemente danneggiata, questi lavori di restauro hanno permesso di affermare che questo capolavoro del Rinascimento è stato salvato. Lavorando all'affresco per tre anni, Leonardo realizzò la più grande creazione del Rinascimento.

Dopo la caduta del potere sforzesco nel 1499, Leonardo si reca a Firenze, fermandosi lungo la strada per Mantova e Venezia. A Mantova crea il cartone con Ritratto di Isabella d'Este(1500, Louvre, Parigi), eseguito a matita nera, carboncino e pastello.

Nella primavera del 1500, Leonardo arrivò a Firenze, dove ricevette presto l'ordine di dipingere una pala d'altare nel monastero dell'Annunciazione. L'ordine non è mai stato completato, ma una delle opzioni è il cosiddetto. Cartone della casa di Burlington(1499, National Gallery, Londra).

Uno degli ordini significativi che Leonardo ricevette nel 1502 per decorare la parete della sala delle riunioni della Signoria a Firenze fu Battaglia di Anghiari(non conservato). Un altro muro per la decorazione fu dato a Michelangelo Buonarroti (1475-1564), che vi dipinse un quadro Battaglia di Kashina... Gli schizzi di Leonardo, oggi perduti, mostravano un panorama della battaglia, al centro della quale si svolgeva una lotta per lo stendardo. I cartoni di Leonardo e Michelangelo esposti nel 1505 ebbero un enorme successo. come con Ultima cena, Leonardo sperimentò le vernici, a seguito delle quali lo strato di vernice si staccò gradualmente. Ma sono sopravvissuti disegni preparatori, copie, che in parte danno un'idea della scala di questo lavoro. In particolare è sopravvissuto un disegno di Peter Paul Rubens (1577-1640), che mostra la scena centrale della composizione (c. 1615, Louvre, Parigi).
Per la prima volta nella storia della pittura di battaglia, Leonardo ha mostrato il dramma e la furia della battaglia.

MONNA LISA. Louvre, Parigi Monna Lisa- l'opera più famosa di Leonardo da Vinci (1503-1506, Louvre, Parigi). Mona Lisa (abbreviazione di Madonna Lisa) era la terza moglie del mercante fiorentino Francesco di Bartolomeo del Giocondo. Ora l'immagine è leggermente cambiata: inizialmente le colonne erano disegnate a sinistra ea destra, ora tagliate. Il dipinto di piccole dimensioni ha un'impressione monumentale: la Gioconda è mostrata sullo sfondo di un paesaggio, dove la profondità dello spazio, una foschia aerea sono trasmesse con la massima perfezione. La famosa tecnica dello sfumato di Leonardo è portata qui a livelli senza precedenti: il più sottile, come se si sciogliesse, la foschia del chiaroscuro, avvolgendo la figura, ammorbidisce i contorni e le ombre. C'è qualcosa di sfuggente, ammaliante e attraente in un sorriso leggero, nella vivacità delle espressioni facciali, nella maestosa calma della postura, nell'immobilità delle linee morbide delle mani.

Nel 1506 Leonardo ricevette un invito a Milano da Luigi XII di Francia (1462-1515). Avendo dato a Leonardo completa libertà d'azione, pagandolo regolarmente, i nuovi mecenati non pretendevano da lui certi lavori. Leonardo è appassionato di ricerca scientifica, talvolta rivolgendosi alla pittura. Quindi è stata scritta la seconda opzione Madonna delle Rocce(1506-1508, British National Gallery, Londra).

MADONNA CON BAMBINO E S. INFASTIDIRE. OK. 1510. Louvre, Parigi

Sant'Anna con Maria e Gesù Bambino(1500-1510, Louvre, Parigi) - uno dei temi dell'opera di Leonardo, a cui si rivolse ripetutamente. L'ultimo sviluppo su questo argomento è rimasto incompiuto.

Nel 1513 Leonardo si recò a Roma, in Vaticano, alla corte di papa Leone X (1513-1521), ma presto perse il favore del papa. Studia le piante dell'orto botanico, fa progetti di bonifica delle paludi pontine, scrive appunti per un trattato sulla struttura della voce umana. In questo momento ha creato l'unico Auto ritratto(1514, Bibliotheque Reale, Torino), eseguita da una sanguigna, che mostra un vecchio dai capelli grigi con una lunga barba e lo sguardo.

Anche l'ultimo quadro di Leonardo fu dipinto a Roma - San Giovanni Battista(1515, Louvre, Parigi). San Giovanni è mostrato coccolato da un sorriso seducente e gesti femminili.

Ancora una volta Leonardo riceve un'offerta dal re di Francia, questa volta da Francesco I (1494-1547), successore di Luigi XII: trasferirsi in Francia, in una tenuta nei pressi del castello reale di Amboise. Nel 1516 o 1517 Leonardo arriva in Francia, dove gli viene assegnato un appartamento nella tenuta di Clou. Circondato dalla rispettosa ammirazione del re, gli viene conferito il titolo di "Primo pittore, ingegnere e architetto del re". Leonardo, nonostante l'età e la malattia, è impegnato nel disegno dei canali nella Valle della Loira, partecipa alla preparazione dei festeggiamenti di corte.

Leonardo da Vinci morì il 2 maggio 1519, lasciando per testamento i suoi disegni e le sue carte a Francesco Melzi, uno studente che li conservò per tutta la vita. Ma dopo la sua morte, tutte le innumerevoli carte sono state distribuite in tutto il mondo, alcune sono andate perdute, altre sono conservate in diverse città, nei musei di tutto il mondo.

Scienziato per vocazione Leonardo, ancora oggi, stupisce per l'ampiezza e la varietà dei suoi interessi scientifici. La sua ricerca nel campo della progettazione aeronautica è unica. Studiò il volo, la pianificazione degli uccelli, la struttura delle loro ali e creò il cosiddetto. ornitottero, velivolo che sbatte le ali e non realizzato. Creato un paracadute piramidale, un modello di un'elica a spirale (una versione di un'elica moderna). Osservando la natura, divenne un esperto di botanica: fu il primo a descrivere le leggi della fillotassi (le leggi che regolano la disposizione delle foglie sullo stelo), dell'eliotropismo e del geotropismo (le leggi dell'influenza del sole e della gravità sulle piante) , ha scoperto un modo per determinare l'età degli alberi in base agli anelli annuali. Era un esperto nel campo dell'anatomia: fu il primo a descrivere la valvola del ventricolo destro del cuore, dimostrò l'anatomia, ecc. Creò un sistema di disegni che ancora aiutano gli studenti a comprendere la struttura del corpo umano: lui ha mostrato un oggetto in quattro viste per esaminarlo da tutti i lati, ha creato un sistema di immagine organi e corpi in sezione trasversale. Interessante è la sua ricerca nel campo della geologia: ha dato descrizioni di rocce sedimentarie, spiegazioni di depositi marini nelle montagne d'Italia. Come scienziato ottico, sapeva che le immagini visive sulla cornea dell'occhio sono proiettate sottosopra. Probabilmente il primo ad utilizzare una camera oscura per disegnare paesaggi (dal latino camera - stanza, obscurus - buio) - una scatola chiusa con un piccolo foro in una delle pareti; i raggi di luce si riflettono sul vetro smerigliato dall'altra parte della scatola e creano un'immagine a colori invertiti, utilizzata dai pittori paesaggisti del XVIII secolo. per una riproduzione accurata delle viste). I disegni di Leonardo contengono un progetto per uno strumento per misurare l'intensità della luce, un fotometro, che fu riportato in vita solo tre secoli dopo. Ha progettato canali, chiuse, dighe. Alcune delle sue idee includono scarpe leggere per camminare sull'acqua, un salvagente, guanti da nuoto palmati, un dispositivo subacqueo simile a una moderna tuta spaziale, macchine per fare corde, smerigliatrici e molto altro. Parlando con il matematico Luca Pacioli, che ha scritto il libro di testo Informazioni sulla proporzione divina Leonardo si interessò a questa scienza e creò illustrazioni per questo libro di testo.

Leonardo agì anche come architetto, ma nessuno dei suoi progetti fu mai realizzato. Partecipò al concorso per la progettazione della cupola centrale del Duomo di Milano, realizzò il progetto di un mausoleo per i membri della famiglia reale in stile egiziano, progetto che propose al sultano turco per la costruzione di un enorme ponte sul il Bosforo, sotto il quale potevano passare le navi.

Rimaneva un gran numero di disegni di Leonardo, realizzati con sanguigna, pastelli colorati, pastelli (è attribuito a Leonardo l'invenzione dei pastelli), matita d'argento e gesso.

A Milano Leonardo inizia a scrivere Trattato sulla pittura, il lavoro su cui è durato tutta la mia vita, ma non è mai stato terminato. In questo libro di consultazione in più volumi, Leonardo ha scritto su come ricreare il mondo che lo circonda su tela, sulla prospettiva lineare e aerea, sulle proporzioni, sull'anatomia, sulla geometria, sulla meccanica, sull'ottica, sull'interazione dei colori e sui riflessi.

Giovanni Battista. 1513-16

Madonna Litta 1478-1482 Ermitage, San Pietroburgo, Russia

Leda con un cigno 1508 - 1515 Galleria degli Uffi, Firenze, Italia

La vita e l'opera di Leonardo da Vinci hanno lasciato un segno colossale non solo nell'arte, ma anche nella scienza e nella tecnologia. Pittore, scultore, architetto - è stato uno scienziato naturale, meccanico, ingegnere, matematico, ha fatto molte scoperte per le generazioni successive. Fu la più grande personalità del Rinascimento.

"Uomo vitruviano"- il nome comune per il disegno grafico di da Vinci, realizzato nel 1492. come illustrazione per le voci in uno dei diari. La figura mostra una figura maschile nuda. A rigor di termini, queste sono anche due immagini sovrapposte della stessa figura, ma in pose diverse. Attorno alla figura sono descritti un cerchio e un quadrato. Il manoscritto che contiene questo disegno è talvolta chiamato anche "Canone delle proporzioni" o semplicemente "Proporzioni umane". Ora quest'opera è conservata in uno dei musei di Venezia, ma è raramente esposta, poiché questa mostra è davvero unica e preziosa sia come opera d'arte che come oggetto di studio.

Leonardo creò il suo "Uomo Vitruviano" come illustrazione degli studi geometrici da lui eseguiti sulla base del trattato dell'antico architetto romano Vitruvio (da cui il nome dell'opera di da Vinci). Nel trattato del filosofo e ricercatore, le proporzioni del corpo umano sono state prese come base per tutte le proporzioni architettoniche. Da Vinci, invece, applicò alla pittura la ricerca dell'antico architetto romano, che ancora una volta illustra chiaramente il principio dell'unità dell'arte e della scienza proposto da Leonardo. Inoltre, questo lavoro riflette anche il tentativo del maestro di mettere in relazione l'uomo con la natura. È noto che da Vinci considerava il corpo umano come un riflesso dell'universo, ad es. Ero convinto che funzionasse secondo le stesse leggi. L'autore stesso considerava l'uomo vitruviano come una "cosmografia del microcosmo". Questa figura ha anche un profondo significato simbolico. Il quadrato e il cerchio in cui è inscritto il corpo non riflettono semplicemente caratteristiche fisiche e proporzionali. Il quadrato può essere interpretato come l'essere materiale di una persona, e il cerchio è la sua base spirituale, e i punti di contatto delle figure geometriche tra loro e con il corpo in esse inserito possono essere considerati come un collegamento tra questi due fondamenti di esistenza umana. Per molti secoli, questo disegno è stato considerato un simbolo della simmetria ideale del corpo umano e dell'universo nel suo insieme.

Leonardo da Vinci nacque il 15 aprile 1452 nel borgo di Anchiato vicino alla città di Vinci (da cui il prefisso al cognome). Il padre e la madre del ragazzo non erano sposati, quindi Leonardo trascorse i primi anni con sua madre. Ben presto suo padre, che era notaio, lo portò dalla sua famiglia.

Nel 1466, da Vinci entrò nello studio dell'artista Verrocchio a Firenze, dove studiarono anche Perugino, Agnolo di Polo, Lorenzo di Credi, lavorò Botticelli, visitò il Ghirlandaio, ecc. In questo momento Leonardo si interessò al disegno, alla scultura e alla modellazione, studiò metallurgia, chimica, disegno, padronanza del lavoro con gesso, pelle, metallo. Nel 1473, da Vinci si è qualificato come maestro presso l'Arte di San Luca.

Creatività precoce e attività scientifica

All'inizio della sua carriera, Leonardo dedicò quasi tutto il suo tempo alla pittura. Nel 1472 - 1477 l'artista realizzò i dipinti "Battesimo di Cristo", "Annunciazione", "Madonna con vaso". Alla fine degli anni '70 ha terminato Madonna con un fiore (Madonna Benoit). Nel 1481 fu creata la prima grande opera nell'opera di Leonardo da Vinci: "L'Adorazione dei Magi".

Nel 1482 Leonardo si trasferì a Milano. Dal 1487, da Vinci ha sviluppato una macchina volante basata sul volo degli uccelli. Leonardo creò prima il più semplice apparato a base di ali e poi sviluppò un meccanismo aereo con pieno controllo. Tuttavia, non è stato possibile dare vita all'idea, poiché il ricercatore non aveva un motore. Inoltre, Leonardo studiò anatomia e architettura, scoprì la botanica come disciplina indipendente.

Periodo maturo di creatività

Nel 1490, da Vinci creò il dipinto "Dama con l'ermellino", così come il famoso disegno "Uomo vitruviano", che a volte viene chiamato "proporzioni canoniche". Nel 1495 - 1498 Leonardo lavorò a una delle sue opere più importanti: l'affresco "L'Ultima Cena" a Milano nel monastero di Santa Maria delle Grazie.

Nel 1502, da Vinci si unì all'ingegnere militare e architetto per Cesare Borgia. Nel 1503, l'artista creò il dipinto "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Dal 1506, Leonardo ha servito sotto il re Luigi XII di Francia.

L'anno scorso

Nel 1512, sotto il patrocinio di papa Leone X, l'artista si trasferì a Roma.

Dal 1513 al 1516, Leonardo da Vinci visse al Belvedere, lavorando al dipinto "Giovanni Battista". Nel 1516 Leonardo, su invito del re di Francia, si stabilì nel castello di Clos-Luce. Due anni prima della sua morte, la mano destra dell'artista divenne insensibile, era difficile per lui muoversi in modo indipendente. Gli ultimi anni della sua breve biografia, Leonardo da Vinci trascorse a letto.

Il grande artista e scienziato Leonardo da Vinci morì il 2 maggio 1519 nel castello di Clos-Luce vicino alla città di Amboise in Francia.

Altre opzioni biografiche

Test biografico

Un interessante test per conoscere la biografia di Leonardo da Vinci.

In una delle case in pietra della città di Vinci, situata tra le montagne della Toscana, (Francia), il 15 aprile 1452, nacque forse il genio più poliedrico del Rinascimento, Leonardo. Ricercatore di fenomeni misteriosi, creatore di sorrisi inquietanti, dietro i quali si cela una profondità inconoscibile, e mani che puntano verso l'ignoto, verso le vette delle montagne, sembrava ai suoi contemporanei un mago. È un grande artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, matematico, fisico, naturalista). Leonardo non aveva un cognome in senso moderno; "Da Vinci" significa semplicemente - "originario della città di Vinci". Il suo nome completo è Leonardo di ser Piero da Vinci, cioè "Leonardo, figlio di Monsieur Piero da Vinci".

Infanzia

Il mistero di Leonardo inizia con la sua nascita. Era il figlio nato illegalmente di una donna di cui non si sa quasi nulla. Non conosciamo il cognome, l'età o l'aspetto, non sappiamo se era intelligente o stupida, se studiava qualcosa o no. I biografi la chiamano una giovane contadina. Lascia che sia così. C'è una tradizione a Vinci di chiamarla la proprietaria dell'osteria. Ci è familiare sotto il nome di Katerina.

Si sa molto di più del padre di Leonardo, Piero da Vinci, ma non abbastanza. Era notaio e proveniva da una famiglia che si era stabilita a Vinci almeno nel XIII secolo. Quattro generazioni dei suoi antenati erano anche notai, abbastanza astuti abbastanza parsimoniosi da diventare proprietari terrieri e diventare uno dei ricchi cittadini con il titolo di "signore", che era già stato trasmesso al padre di Leonardo.

Monsieur Pierrot, messer Pierrot, che all'epoca della nascita di suo figlio aveva circa venticinque anni, aveva qualità maschili impressionanti: visse fino a settantasette anni, ebbe quattro mogli (riuscì a seppellirne tre) ed era padre di dodici figli, e l'ultimo figlio nacque, quando aveva settantacinque anni. A quanto pare, anche nella pratica notarile, ottenne un notevole successo: quando aveva già più di trent'anni, si trasferì a Firenze e vi fondò la propria attività. Era rispettato, soprattutto tra l'aristocrazia.

Durante il Rinascimento i figli illegittimi erano tollerati. Questi bambini apparivano spesso tra servitori di rango diverso e venivano spesso trattati allo stesso modo dei bambini nati in un matrimonio legale.
Tuttavia, non è stato subito portato a casa di suo padre. Subito dopo la nascita, fu inviato con Katerina nel villaggio di Anchiano, vicino a Vinci, e vi rimase per circa quattro anni, durante i quali Messer Pierrot riuscì a sposare la prima delle sue mogli, una ragazza di sedici anni che occupava un scala sociale più alta della madre di Leonardo.

La giovane moglie si è rivelata sterile. Forse per questo Leonardo, all'età di circa quattro anni e mezzo, fu portato in una casa di città, dove si trovò subito alle cure di numerosi parenti: nonno, nonna, padre, zio e madre adottiva. In un registro delle tasse del 1457 è nominato figlio illegittimo di Pierrot.

Non sappiamo nulla di come sia stata l'infanzia di Leonardo a Vinci. Negli anni successivi si appassiona alla botanica, alla geologia, all'osservazione del volo degli uccelli, al gioco della luce del sole e dell'ombra, al movimento dell'acqua. Tutto ciò testimonia la sua curiosità e anche il fatto che in gioventù trascorse molto tempo all'aria aperta, passeggiando per le periferie del paese.

Tra le oltre settemila pagine di manoscritti e disegni di Leonardo che sono sopravvissuti fino ad oggi, non ce n'è uno che riguardi la sua giovinezza. In genere ha pochissime note relative alla propria vita.

Gioventù

Il padre, nel 1466, tenuto conto dell'alta elevazione del talento artistico del figlio, un giorno scelse alcuni suoi disegni, li portò ad Andrea Verrocchio, che era suo grande amico, e lo sollecitò a dire se Leonardo sarebbe arrivato, per disegno, che -o successo. Colpito dalle enormi inclinazioni che vedeva nei disegni del novizio Leonardo, Andrea sostenne Ser Pierrot nella sua decisione di dedicarlo a questa impresa e concordò subito con lui che Leonardo dovesse entrare nella sua bottega, cosa che fece il quattordicenne Leonardo più che volentieri e divenne pratica non solo in un settore, ma in tutti quelli che comprendono il disegno.

Come apprendista in bottega, Leonardo ha studiato l'artigianato di pittore e scultore ed è stato introdotto a una vasta gamma di strumenti per sollevare, trasportare e scavare. Più tardi nella sua vita, utilizzerà questa conoscenza come punto di partenza per le sue numerose idee e invenzioni. Leonardo fu impegnato in ogni tipo di attività artistica, dimostrando sempre una curiosità sconfinata e la capacità di connettere l'arte con la conoscenza scientifica, che era il risultato di un'attenta osservazione e di una ricerca instancabile dei fenomeni naturali.

Il grande artista italiano Leonardo da Vinci, nella sua vita, opera scientifica e artistica, ha incarnato l'ideale umanistico di una "personalità ampiamente sviluppata" (homo universale). La cerchia dei suoi interessi era veramente universale. Comprendeva pittura, scultura, architettura, pirotecnica, ingegneria militare e civile, scienze matematiche e naturali, medicina e musica.

Il patrimonio artistico di Leonardo da Vinci è quantitativamente piccolo: le opere scultoree sono andate perdute, la pittura è stata mal conservata o è rimasta incompiuta, i progetti architettonici non sono mai stati realizzati. L'unica cosa che non ha sofferto così tanto sono stati i quaderni, fogli separati di appunti e disegni, spesso combinati arbitrariamente in cosiddetti codici.

È stato affermato che il suo entusiasmo per le scienze naturali e l'ingegneria ha interferito con la sua fertilità nelle arti. Tuttavia, un biografo anonimo, suo contemporaneo, fa notare che Leonardo "aveva le idee più eccellenti, ma creava poche cose a colori, perché, come si suol dire, non era mai contento di se stesso". Lo conferma il biografo Vasari, secondo il quale, gli ostacoli stavano nell'anima stessa di Leonardo - "la più grande e la più straordinaria... proprio lei lo spinse a ricercare la superiorità sulla perfezione, affinché ogni sua opera rallentasse da un eccesso di desideri."

All'età di 20 anni, Leonardo da Vinci entra a far parte dell'Arte Fiorentina degli Artisti. Fu durante questo periodo che contribuì all'opera del suo maestro Verrocchio, Il Battesimo di Cristo. Secondo il racconto del Vasari, il giovane Leonardo dipinse la testa di un angelo biondo sul lato sinistro del dipinto e parte del paesaggio. "Questa testa è così elegantemente nobile, piena di una tale poesia che il resto dei personaggi nella foto non si avvicina, sembrano goffi e banali."

Gli studenti spesso eseguivano parte del lavoro dei loro insegnanti e Leonardo in seguito aveva anche studenti che lo aiutavano nel suo lavoro. Nel dipinto "Il Battesimo di Cristo" Leonardo ha mostrato il talento di un giovane genio e originalità. Usò i colori ad olio, che erano una novità in Italia, e con essi superò il suo maestro nell'uso della luce e della pittura. Alcuni pensano che il talento di Leonardo abbia fatto invidia al maestro. Tuttavia, è molto probabile che Verrocchio si sia divertito a trasmettere l'arte della pittura di Leonardo. Per dedicare più tempo alla scultura e ad altri progetti, Leonardo continuò a vivere con il suo maestro, ma aveva già iniziato a lavorare sui propri dipinti.

La maturità di una persona creativa

Durante il Rinascimento, la maggior parte delle tele d'arte erano dipinte su temi religiosi o erano ritratti. I paesaggi potevano essere visti solo sullo sfondo di dipinti come "Il battesimo di Cristo". Ma dipingere paesaggi come sfondi per figure umane non bastava a Leonardo. Il suo primo disegno datato è il paesaggio di campagna della Val d'Arno (1473). Il disegno è realizzato a matita ed è ricco dei movimenti della natura: la luce che passa sulle colline, il fruscio delle foglie e il movimento dell'acqua. Fin dall'inizio, Leonardo si allontanò dalle tradizioni generalmente accettate e creò un nuovo stile con la sua visione del mondo naturale.

Un episodio, dettagliatamente descritto dal Vasari, è relativo al primo periodo della carriera artistica di Leonardo. Un giorno il padre portò a casa uno scudo rotondo, regalatogli da un amico, e chiese al figlio di decorarlo con qualche immagine di suo gradimento per compiacere questo amico. Leonardo trovò lo scudo storto e ruvido, lo raddrizzò e lucidò con cura, quindi lo riempì di gesso. Poi ha allenato una grande varietà di camaleonti, lucertole, grilli, serpenti, farfalle, aragoste, pipistrelli e altri animali bizzarri nella sua stanza appartata. Ispirato dallo spettacolo di queste creature e usando l'aspetto di ciascuna nelle combinazioni più fantastiche, creò una sorta di terribile mostro per decorare lo scudo, "che fece strisciare fuori da un'oscura fessura della roccia, e il veleno versò fuori dalla bocca di questo mostro, fuoco è uscito dai suoi occhi e fumo dalle sue narici." ... Il lavoro sullo scudo affascinò tanto Leonardo che "per il suo grande amore per l'arte", non si accorse nemmeno del terribile fetore degli animali morti.

Quando il venerabile notaio vide questo scudo, si ritrasse con orrore, non credendo che davanti a lui ci fosse solo la creazione di un abile artista. Ma Leonardo lo rassicurò e spiegò in modo istruttivo che questa cosa "risponde proprio al suo scopo..." Successivamente, lo scudo di Leonardo cadde al Duca di Milano, che lo pagò molto caro.

Molti anni dopo, già alla fine della sua vita, Leonardo, secondo lo stesso Vasari, legò alla lucertola “ali fatte della pelle che aveva strappato ad altre lucertole, piene di mercurio e tremanti quando la lucertola si muoveva; inoltre, le diede occhi, corna e barba, la domò e la tenne in una scatola; tutti gli amici a cui l'ha mostrato, per paura, sono scappati".

All'età di 26 anni, da Vinci inizia una carriera completamente indipendente e inizia anche uno studio più dettagliato di vari aspetti delle scienze naturali e diventa lui stesso un insegnante. In questo periodo, ancor prima della sua partenza per Milano, Leonardo iniziò a lavorare all'Adorazione dei Magi, che non portò mai a termine. È possibile che questa sia stata una sorta di vendetta di da Vinci per il fatto che Papa Sisto IV ha rifiutato la sua candidatura quando ha scelto un artista per il dipinto della Cappella Sistina del Vaticano a Roma. Forse la moda del neoplatonismo che regnava a Firenze in quel periodo ebbe un ruolo anche nella decisione di da Vinci di partire per una Milano piuttosto accademica e pragmatica, più in linea con il suo spirito.

A Milano Leonardo si fa carico della realizzazione della "Madonna nella grotta" per l'altare della cappella. Questo lavoro mostra chiaramente che da Vinci possiede già alcune conoscenze nel campo della biologia e della geodesia, poiché le piante e la grotta stessa sono scritte con il massimo realismo. Tutte le proporzioni e le leggi di composizione sono osservate. Tuttavia, nonostante una performance così straordinaria, questa immagine per molti anni è diventata oggetto di contesa tra l'autore e i clienti. Durante questo periodo, da Vinci si dedica alla registrazione delle sue riflessioni, disegni e ricerche più approfondite. È possibile che un certo musicista, Migliorotti, sia stato coinvolto nella sua partenza per Milano. Una sola lettera di quest'uomo, che descriveva le straordinarie opere di ingegneria pensata "un signore, che anche disegna", bastò a da Vinci per ricevere un invito a lavorare sotto gli auspici di Luigi Sforza, lontano da rivali e malvagi. Qui ottiene un po' di libertà per la creatività e la ricerca. E si occupa anche dell'organizzazione di spettacoli e celebrazioni, dell'attrezzatura tecnica del palcoscenico del teatro di corte. Inoltre Leonardo dipinge molti ritratti per la corte milanese.

È in questo periodo che da Vinci pensa maggiormente a progetti tecnico-militari, studia l'urbanistica e propone il proprio modello di città ideale.

Inoltre, durante il suo soggiorno in uno dei monasteri, riceve un ordine per un bozzetto per l'immagine della Vergine Maria con il bambino Gesù, S. Anna e Giovanni Battista. L'opera si è rivelata così impressionante che lo spettatore si è sentito presente all'evento descritto, parte dell'immagine.

Nel 1504 molti allievi, che si considerano seguaci di da Vinci, lasciano Firenze, dove si fermò per mettere in ordine i suoi numerosi appunti e disegni, e si trasferirono con il maestro a Milano. Dal 1503 al 1506 Leonardo inizia a lavorare su La Gioconda. Come modella fu scelta Mona Lisa del Giocondo, nata Lisa-Maria Gerardini. Numerose varianti della trama del famoso dipinto non lasciano ancora artisti e critici indifferenti.

Nel 1513 Leonardo da Vinci si trasferì per qualche tempo a Roma su invito di papa Leone X, o meglio, in Vaticano, dove già operavano Raffaello e Michelangelo. Il maestro non dimentica la sua passione per l'ingegneria, occupandosi del problema del prosciugamento delle paludi sul territorio del possedimento del duca Julien Medici. Uno dei progetti architettonici più ambiziosi di questo periodo fu per da Vinci il castello di Clou ad Amboise, dove il maestro fu invitato a lavorare dal re di Francia Francesco I. Nel tempo, il loro rapporto divenne molto più stretto che solo affari. François ascolta spesso l'opinione del grande scienziato, lo tratta come un padre e piange la morte di da Vinci nel 1519. Leonardo muore in primavera per una grave malattia all'età di 67 anni, lasciando in eredità i suoi manoscritti e pennelli al suo allievo Francesco Melzi.

Segreti di un genio

Ha inventato il principio della dispersione (o sfumato). Gli oggetti sulle sue tele non hanno confini chiari: tutto, come nella vita, è sfocato, si penetra l'uno nell'altro, il che significa che respira, vive, risveglia l'immaginazione. L'italiano consigliava di praticare tale dispersione, osservando le macchie sui muri, cenere, nuvole o sporco derivante dall'umidità. Ha deliberatamente fumigato la stanza in cui lavorava per cercare immagini nei club.

Grazie all'effetto sfumato, è apparso il sorriso tremolante di Gioconda, quando, a seconda della messa a fuoco dello sguardo, lo spettatore pensa che l'eroina dell'immagine stia sorridendo teneramente o ghignando predatrice. Il secondo miracolo di Monna Lisa è che è "viva". Nel corso dei secoli, il suo sorriso è cambiato, gli angoli delle sue labbra si alzano più in alto. Allo stesso modo, il Maestro mescolava le conoscenze di diverse scienze, così le sue invenzioni trovano nel tempo sempre più applicazioni. Dal trattato sulla luce e l'ombra hanno origine gli inizi delle scienze della forza penetrante, del moto oscillatorio e della propagazione delle onde. Tutti i suoi 120 libri sono sparsi (sfumato) in tutto il mondo e vengono gradualmente rivelati all'umanità.

Da Vinci ha crittografato molto in modo che le sue idee fossero rivelate gradualmente, man mano che l'umanità "matura" per loro. L'inventore scriveva con la mano sinistra e in lettere incredibilmente piccole, e persino da destra a sinistra. Ma questo non è abbastanza: ha girato tutte le lettere in un'immagine speculare. Parlava per enigmi, cosparso di profezie metaforiche, adorava fare enigmi. Leonardo non ha firmato le sue opere, ma hanno segni di identificazione. Ad esempio, se guardi le immagini, puoi trovare un uccello simbolico che vola in alto. Apparentemente ci sono molti di questi segni, quindi uno o l'altro dei suoi figli vengono improvvisamente scoperti nel corso dei secoli. Come nel caso di Madonna Benoit, che per lungo tempo come icona domestica è stata portata con attori itineranti.

Leonardo preferiva il metodo dell'analogia a tutti gli altri. L'approssimazione dell'analogia è un vantaggio rispetto all'accuratezza di un sillogismo, quando un terzo segue inevitabilmente da due inferenze. Ma una cosa. Ma quanto più bizzarra è l'analogia, tanto più si estendono le conclusioni da essa. Prendi almeno la famosa illustrazione del Maestro, che dimostra la proporzionalità del corpo umano. Con le braccia e le gambe distese divaricate, la figura di una persona si inserisce in un cerchio. E con le gambe chiuse e le braccia alzate - in un quadrato, mentre si forma una croce. Un tale "mulino" ha dato impulso a una serie di pensieri diversi. Il fiorentino si è rivelato l'unico da cui provenivano i progetti di chiese, quando l'altare è posto nel mezzo (l'ombelico di una persona), e i fedeli sono uniformemente intorno. Questo piano della chiesa a forma di ottaedro è servito come un'altra invenzione del genio: il cuscinetto a sfere.

Inoltre, al genio piaceva usare la regola del contrappunto: l'opposizione degli opposti. Contrapost crea movimento. Realizzando una scultura di un cavallo gigante in Corte Vecchio, l'artista ha posizionato le gambe del cavallo in un contropalo, che ha creato l'illusione di uno speciale giro libero. Tutti coloro che hanno visto la statua hanno involontariamente cambiato la loro andatura in una più rilassata.

Leonardo non ha mai avuto fretta di finire un'opera, perché l'incompletezza è una qualità obbligata della vita. Finire è uccidere! La lentezza del creatore faceva parlare il paese, poteva fare due o tre colpi e lasciare la città per molti giorni, ad esempio, per migliorare le valli lombarde o creare un apparato per camminare sull'acqua. Quasi tutte le sue opere significative sono "incompiute". Molti sono stati rovinati dall'acqua, dal fuoco, dai trattamenti barbari, ma l'artista non li ha corretti. Il Maestro aveva una composizione speciale, con l'aiuto della quale sembrava creare appositamente "finestre di incompiutezza" sul dipinto finito. Apparentemente, in questo modo ha lasciato un posto dove la vita stessa potrebbe intervenire, per correggere qualcosa.

Le scoperte e le invenzioni di Leonardo nel corso di 400 anni si sono rivelate praticamente non reclamate. Purtroppo il deltaplano, il paracadute, l'auto, e anche il freno dell'auto furono reinventati, senza affidarsi alle geniali intuizioni del grande fiorentino.

Galleria completa delle opere di Leonardo da Vinci.