Lezioni sulla disciplina "Analisi dei lavori musicali" Modulo Estetico e metodologico Analisi delle basi di base della sezione di produzione musicale Arte musicale come una delle forme di coscienza pubblica. Esempi di forme cicliche di cicli musicali

La redditività della forma burocratica "Glinkinskaya" è evidenziata dall'uso dei suoi compositori sovietici. Allo stesso tempo, le tecniche di sviluppo sono aggiornate, strumenti espressivi (in particolare la lingua armonica), ma il tipo di forma stessa è mantenuto: la sezione iniziale della "piccola canta" ("Maiden Chastushki") dal generino dell'opera "non solo amore ".

NEL forma burocratica la variazione è principalmente la parte vocale.

Caratteristiche distintive della variabilità: l'opzione implica cambiamenti di melodia, consente cambiamenti strutturali e su larga scala, ma conserva l'unità figurativa e del genere. La conseguenza di questa è l'uguaglianza relativa della variante e dei temi, mentre la variazione è un fenomeno derivato, il secondario, subordinato all'argomento.

La combinazione di chiarezza, la definizione della struttura, la capacità di diversi cambiamenti, la capacità di seguire il testo fare una forma di burocrazia di una delle forme più comuni di musica vocale. Un enorme posto occupa questa forma nella creatività della canzone di Schubert, Maleder. Dai compositori sovietici al suo appello con impazienza per la città di Sviridov: il coro "come nata la canzone", "in quel bordo" dal "poesia della memoria S. Yesenin". Altri esempi sono "Gretchen per uno Schubert piccante", "romanticismo Polina" dalla "Peak Lady" Tchaikovsky.

Attraverso la forma

Il modulo end-to-end è sorto dalla necessità di seguire la musica per lo sviluppo della trama. Più di ogni altra forma qui è usato arte e funzionalità musicali dolorose e la sua capacità di rafforzare il lato emotivo del testo. Non è un caso che questa forma sia stata data a questa forma, quei compositori che erano particolarmente sensibili alle migliori sfumature di testi e sottotesto psicologico - Schubert, Mussorgsky. Nella forma end-to-end, la maggior parte delle canzoni del foglio sono scritte. Un ottimo posto è stato preso da questa forma nella musica della fine XIX - inizio del ventesimo secolo., Soprattutto nel genere di "poesie con la musica", che è stata distribuita nel lavoro di Wolf, in musica russa - a Mentera, Prokofiev, Gnesin, Cherepnin, in parte Rakhmaninov e in opere vocali sui testi di prosa ("brutto anatroccolo" Prokofiev).

Qualsiasi forma end-to-end si basa sul principio di aggiornamento continuo del materiale musicale in base al contenuto del testo. Tuttavia, i compositori cercano di entrare in forme cross-taglio di quelle o altri fattori musicali e unificanti. A tal fine, i principi di relati, una chiusura rappresaglia, un astenersi a croce ("lancio" del Mussorgsky e Chorus "Bajushki, Bay, Bay"), un collegamento intonazionale e tematico di parti della forma, è un'organizzazione tonale Usato.

Esempi di modulo passante: "Tsar forestale" di Schubert, coro "stelle flash" Kalikina.

Argomento 14. Forme cicliche: suite, ciclo Sonata-Symphony

Ciclico Una forma è costituita da diverse parti contrastanti separate, indipendenti nella forma, ma collegate da un singolo intento artistico.

I principali segni delle forme cicliche:

♦ la presenza di diverse parti (da 2 a 10),

♦ l'indipendenza della forma di ciascuna parte,

♦ Esplorazione delle parti (parte può essere eseguita separatamente),

♦ Contrasto temp,

♦ Contrasto per natura

♦ Comunità tonale:

a) una singola tonalità di tutte le parti,

b) la creazione di una ripresa tonale (ciclo visto-sinfonico),

c) assegnazione di centri tonali (tonalità predominante),

♦ Idea comune:

a) una parte degli artisti,

b) una sfera di un genere,

c) Comunità tematica

d) Programma.

Le forme cicliche sono vocali, strumentali e sceniche.

Vocale I cicli (vocali-strumentali) sono suddivisi in cantate-Ora Toriale(Cantata, oratoria, massa, requiem, passione) e chamber-vocal. (cicli vocali).

Cicli panoramici: Opera e balletto.

Cicli di utensili

Esistono due tipi principali di forme cicliche: suite e figlio a ciclo sinfonico. L'indipendenza delle parti del ciclo è determinata dal fatto che possono essere eseguite separatamente (danze della suite, parti del sonate o sinfonia).

Suite (Row, Sequence) è un prodotto ciclico costituito da parti indipendenti, contrastanti e tempi di parti di danza o di genere. L'alternanza di parti nella suite non è rigorosa, e il loro numero non è regolato. Spesso tutte le parti sono scritte in una tonalità.

Suite ha diversi tipi storicamente fissi. La vecchia suite (barocca) è stata finalmente formata dal centro del XVII secolo. - Prima metà del XVIII secolo. Nel lavoro dei compositori di diverse scuole nazionali: Frombersger, Handel, Korelli, Cooper, Ramo e altri. In diversi paesi, è stato chiamato in modo diverso: in Germania - Passpit, in Inghilterra - Lezioni, in Francia - Overture, in Italia - Sonata Da fotocamera, balletto.

Per il secolo XVII del vestito. E la precedente ordinaria era la comunità tematica della danza, ma nel XVIII secolo. È diventato relativamente raro (nessuna BAHA, è possibile rilevare Handel). Vestito da ballare dal centro del XVII secolo. Perso personaggio applicato, e nel XVIII secolo. La loro forma è diventata molto più complicata, anche se le piccole forme prevalgono (semplici 2 e 3 letti, forma composita, vecchio bar, concerto e contrasto-composito).

La base dell'antica suite dei secoli XVII-XVIII. 4 Dance erano: Allemanda, Quanter, Sarabanda e Algering. Nel ciclo, le danze calmi-mediche sono vivaci rapidamente opposte:

1) Allemanda - Il ritmo moderatamente lento,

2) Kurata - moderatamente veloce,

3) La Sarabanda è molto lenta,

4) L'album è molto veloce.

Allemanda. - Due dollari (taglia 4/4) danza liscia di un ritmo moderato, origine tedesca. Inizia a causa dell'orologio (K. XVII secolo) con un'ottava o sedicesima durata. Con il numero di voti di Allemand più spesso di 4 voti, con un'abbondanza di pioli, imitazione. Allo stesso tempo, lo sviluppo polifonico leviga la danza del ritmo. La forma dell'Almenda è una vecchia versione a due dipinte (II versione indirizzata).

Kuranta. - Dance di threighlole (3/4 o 3/2) di origine francese. Tempo moderato o veloce. Ritmo tipico. Insieme con l'Allemand all'inizio. XVIII secolo. Kuralta è uscito da tutti e servito come oggetto di stilizzazione (Bach). Dal numero di voti di chilhie sono solitamente a due marine. Una semplice forma a due cocati (alla fine - una repristina peculiare).

Sarabanda. - Danza di threighlole (3/4 o 3/2) di origine spagnola. Privato del lavoro iniziale. Disegni ritmici tipici:

in cadenza -. La modifica dell'armonia sottolinea il tipo principale di ritmo. A SARANDE, prevale il magazzino dell'accordo (texture omofono-armonica). La forma della tre parte (la rappresaglia è più pronunciata).

Zhiga. - Truciatura veloce (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) Dance di origine inglese. Frequentemente compiuto. Era spesso sottoposto a uno sviluppo fondamentale, anche con il ricorso del tema del II. Nel numero di voti - due o tre-in scala di grigizzazione. La forma è una semplice tre parte.

Oltre alle danze principali della suite, vengono spesso introdotte giochi aggiuntivi:

1) Alcune danze hanno avuto una doppia (opzione), una sorta di variazione ornamentale;

2) C'è un preliminare (preambolo, Overture, Toccat, Fantasy, Sinfonia) prima di Allemanda); Tale gioco può essere un piccolo ciclo a due o tre parti;

3) Suite interna (di solito tra Sarandy e Jig), altre danze sono collocate - MENEET, GAVOT, BURRE, PAPIE, RONDO, BURLESQUE, SCHERZO, Capriccio o Plays (Aria).

Da altre forme cicliche nell'era barocca, sono distribuite Sonata e Concerto.

Sezione 2 Generi di musica corale

Argomenti da 11 -12 cicli nella musica corale vocale

I compositori di lavori vocali-coro e strumentali sono spesso combinati in cicli. Ricorda il ciclo strumentale di Camille Saint-Sansa "Carnevale degli animali". La musica di questo lavoro è piena di umorismo, in esso c'è una voce di animali.

Il gioco più preferito di molti fan della creatività K, Saint-Sansa - "Swan". Nel tema principale di questo lavoro che si esibisce il violoncello, il grazioso movimento del cigno sull'acqua è rappresentato.

Il ciclo vocale è un ciclo di romanticismo o canzoni combinati da un'idea.

Ricorda cosa gioca dal ciclo C. Saint-Sansa "Carnival Animals" Hai ascoltato lezioni precedenti. Cosa unisce le opere di questo ciclo?

Compositore russo Modest Petrovich MussorGsky ha creato un ciclo vocale insuperabile "bambini", composto da sette miniature musicali per l'esecuzione di uno o due vocalisti accompagnati da pianoforte. Le poesie a ciascuna di queste piccole scene hanno scritto un compositore stesso.

Miniatura: un piccolo lavoro musicale, più spesso lo strumento strumento.

Nel primo gioco chiamato "con bambinaia", il bambino persuade la sua bambinata per raccontare storie diverse. La peculiarità di questo lavoro è che il compositore trasmette il trattamento emotivo del ragazzo da un recitativo. In questo caso, le sillabe degli shock nelle parole Ah coincidono con un salto melodico. Grazie a queste musica, viene creata l'impressione del discorso vivo del bambino.

Il secondo prodotto del ciclo - "nell'angolo" inizia con la nota emotiva "alta" della bambinaia, che è arrabbiata con il suo animale domestico Mikhasik, ottava nota continua - questa è una specie di accompagnamento a Vigukowan: "Oh tu, inseguimenti ! Il groviglio sbloccato, le increspature confuse! Ahti! Tutti i loop abbassati! La calza spruzzata in inchiostro! " 3 Angolo per ascoltare la risposta controversa del ragazzo, incarnato in minori intonazioni con una fine che cade. Il bambino spiega Nyan che il danno ha causato un gattino, e non lui.

Copertina del ciclo delle note stampate "Bambini". Mussorgsky.

Il discorso sta sviluppando gradualmente - le dinamiche variano, il ritmo è accelerato, le intonazioni incerte delle scuse si sviluppano nelle grida di un bambino offeso. Nelle ultime quattro tazze, il tempo della musica rallenta in qualche modo - il ragazzo "minaccia" la tata che non la amerà in futuro, perché lo insultava.

Il ciclo ha incluso il gioco "Beetle", "con una bambola", "Sul sogno del venuto", "Cat Sailor", "su un bastone". Altri che il compositore giocato ai suoi amici non è stato preservato in una grande forma.

In ogni parte, i bambini mostrano i loro tratti in varie situazioni di vita. Per questo, l'autore combina armoniosamente parole e musica. Grazie a questa interazione, ognuno dei giochi musicali e poetici crea l'impressione di un lavoro olistico e completato, che ha il diritto alla vita fuori dal ciclo.

Modest Mussorgsky, "con bambinaia", "nell'angolo" dal ciclo vocale "bambini".

Dalle scene vocali ti è piaciuto di più? Quale musica musicale significa che il compositore rivela il mondo del bambino? Prestare attenzione all'espressività della melodia vocale, la sua connessione con il testo. Qual è il ruolo del supporto strumentale nella creazione di immagini musicalmente poetiche?

Ritratto di un compositore

Modest Petrovich Mussorgsky:

"Se l'espressione del suono del pensiero umano e dei sentimenti, il semplice discorso, è correttamente riflesso nella mia musica, e tale riproduzione è musicalmente artistica, allora tutto è in ordine!"

Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881) - Compositore russo-Novator, Autore dei capolavori dell'opera "Boris Godunov" e "Hovanshchina" ", la musica di cui riso e radici nazionali profonde. È anche l'autore di opere orchestrali e strumentali, romanzi, nella creazione di cui si è basata sulla creatività popolare. Il lavoro dell'artista si distingue per profondità, dramma e veridicità delle immagini.

Nato a p. Provincia di Karevo Pskov. Ha studiato e lavorato a San Pietroburgo, servito come militare. Il compositore di educazione musicale professionale non ha ricevuto e ha iniziato a creare musica come dilettante (amatoriale).

Tuttavia, successivamente ha deciso di dedicare la sua vita all'arte, lasciando il servizio.

Attività creativa attiva iniziò nelle fila del famoso cerchio nazionale-patriottico dei compositori russi "Mighty Hand". La necessità del materiale, tuttavia, lo costrinse a lavorare come funzionario in varie istituzioni, che distraeva dalla creatività.

Nel 1879, insieme al cantante dell'opera, Darya Leonova ha commesso un tour concerto delle città dell'Ucraina. I motivi ucraini si riflettono nella sua operata incompiuta "Sorochinskaya Fair" basata sul lavoro di Nikolai Gogol.

Monumento N. Mussorgsky vicino alla scuola di musica nella città di Krivoy Rog (Ucraina)

1. Quali lavori sono combinati in cicli musicali? Qual è la base del ciclo vocale?

2. Fornire esempi di musical nel lavoro: strumentale, vocale, scritto sotto forma di un ciclo.

Progetto musicale. Inserisci la sezione della biblioteca scolastica "Musica per bambini". Scegli le immagini sui bambini che possono essere illustrazioni - epigrafi per ogni ciclo dal tuo fonothek. Compito a volontà. Crea un ciclo di diverse canzoni famose in un certo argomento, dargli un nome. Pensa alla costruzione del ciclo vocale, lo sviluppo della musica in base alla trama selezionata dei lavori e del contenuto delle canzoni del remo.

La musica cicli di canzoni o giochi, vengono creati secondo un certo argomento o concluso con gli autori dei frammenti delle proprie opere, balletti, sinfonia.

Uno degli argomenti più amati che hanno sempre ispirato compositori per creare una musica "magica" è una vacanza di Natale. Quindi, il ciclo del pianoforte della miniatura sulle melodie delle perle dell'automobile comune nella vita degli ucraini appartiene alle opere di Vasily Barvinsky.

Gli artisti stranieri non sono rimasti da parte, molti dei quali hanno dato gli ascoltatori gioiosi minuti di musica di Natale. Ad esempio, il compositore britannico Benjamin Britten ha creato un ciclo di coro di un carol, che può essere ascoltato durante le vacanze natalizie nelle sale da concerto di diversi paesi.

Sono nel mondo della musica: percepire, capisco

Benjamin Britten, "Corona del collage" o "Ghirlanda di Natale" per il coro, distanziatori solisti e arpa (№2, 5, 10).

Descrivi l'umore complessivo del lavoro e le singole miniature corali. Quale vernice timbro porta il suono dell'arpa?

Ritratto di un compositore

Benjamin Britten:

"Non arrenderti quando ascolti un nuovo lavoro e non lo capisco ... Ricorda che la musica non è intrattenimento, anche se è questo scopo che la musica leggera usa."

Benjamin Britten (1913-1976) - Pianista britannico, conduttore, uno dei più grandi compositori del XX secolo, nel cui lavoro è rappresentato quasi tutti i generi musicali.

Nato nella contea di Suffolk, nella famiglia del dottore. Da bambina, ho scoperto le abilità musicali e ho iniziato a impegnarsi nella musica sotto la guida di madre, amanti-pianisti e partecipanti attivi del circolo corale locale. Le prime piccole commedie ispirate alle impressioni della vita familiare sono apparse in anticipo - a 8 anni. In 12 anni, Benjamin ha scritto una "semplice sinfonia" per un'orchestra di corde e alle 16 - entrò nel Royal Music College (Conservatory). Durante la formazione, c'erano molte opere di corale, sinfonia e camera, comprese diverse canzoni per bambini. Da allora, l'autore ha costantemente affrontato la musica per i bambini.

Il giovane compositore ha ricevuto il suo primo lavoro nella compagnia cinematografica dei documentari, dove c'era un piccolo ensemble strumentale. Grazie al lavoro nel film, Britten ha imparato a scrivere musica rapidamente, anche quando non c'era ispirazione, e in vari, spesso non a tutti i grafici poetici (ad esempio, per scaricare la nave).

Nel 1939 pag. Quando iniziò la seconda guerra mondiale, Britten andò in America. Come risposta agli eventi tragici, avvenuti in Europa, la cantata "Ballad of Heroes" è nata - è dedicata alla lotta contro il fascismo in Spagna. Sking Il compositore tornò in patria e sistemato nella città balneare di Oldbor. Lì, il mondo ha visto diverse opere, in particolare "Peter Greims".

L'artista ha anche scritto molte opere musicali per bambini e junior. Nel gioco "Creiamo Opera", prendono parte i giovani spettatori.

Oh metà dell'aratro

Oh, metà del minerale Pluguchok.

Serata generosa, buona sera,

Brave persone sulla salute!

(Ripetuto dopo ogni riga.)

Lì Vasilko cammina con un aratro.

Sua madre batte da mangiare.

Ori, figlio, thi nivka.

Sì, e il grano siєm.

1. Nomina i cicli del coro vocale noto a te e ai loro autori.

2. Ricordati e spiega quando le boschetti vengono eseguite durante le vacanze natalizie e quando ci sono generose.

Progetto musicale. Chiedi, quali carols e generici sono distribuiti nella tua zona. Scrivi i nomi e le parole delle tue canzoni preferite. Se possibile, scrivi le melodie. Crea insieme con i tuoi genitori o adulti "Vynochok delle perle dell'automobile e generose per la mia famiglia" o "Ghirlanda di Natale delle canzoni del mio vantaggio".

I ciclisti sono chiamati moduli che consistono in diversi, di regola, indipendentemente dai temi e dalla formazione di parti separate da pause non infiammate, interrompendo la corrente del tempo musicale (doppie caratteristiche di orologio con una linea giusta "grassa"). Tutte le forme cicliche incarnano un contenuto più diversificato e sfaccettato combinato con un intento artistico.

Alcune forme cicliche nella forma generalizzata sono incorporate dal concetto ideologico, dal casino, ad esempio, - teocentrico, in seguito - un ciclo figlio e sinfonico - antropocentrico.

Il principio principale dell'organizzazione delle forme cicliche è un contrasto, l'espressione di cui è storicamente modificabile e colpisce diversi mezzi di espressività musicale.

Le forme cicliche diffuse sono ottenute nell'era barocca (fine 16 - la prima metà del XVIII secolo). Sono molto diversificati: cicli duplex con FUGA, CONCERTI Grossi, concerti per illustrati strumenti con orchestra, suite, woars, solista e ensemble.

Le radici di molte forme cicliche sono racchiuse in due tipi di aperture dell'opera del 17 ° secolo, il cosiddetto, francese (Lully) e italiano (A. Studella, A. Scarlatti) utilizzando i contrasti digitati. Nell'overture francese, il rapporto più significativo della prima sezione lenta (natura solenni-patetica) e un secondo secondo polifonico (di solito, fugga), a volte completato Adagio conciso (a volte sul materiale della prima partizione). Un tipo simile di rapporti di tempo, che si ripeterà, diventa molto tipico per l'ensemble sonatas e concerzi grossi, solitamente composti da 4 parti. Nel concerto Grossi Corelli, Vivaldi, Handel nelle prime parti è sicuramente espresso dalla funzione di ingresso. Si piega non solo a causa di un riquadro lento, una lunghezza relativamente piccola, ma a volte c'è un'apertura a volte armoniosa.

The Mansion è 6 concerti di Brandeburgo I.S. Baha (1721), in cui tutte le prime parti non sono solo scritte in un ritmo rapido, ma sono le più sviluppate, estese, che determinano l'ulteriore implementazione dei cicli. Tale funzione delle prime parti (con la differenza nella formazione interiore) anticipa la funzione 1 della parte in un ciclo più tardi Son-Symphonic.

Un po 'meno evidente influenza di questo tipo di rapporti temporali in abiti e clip vicino a loro. Nel rapporto tra i danze "obbligatorie" - un contrasto ripetitivo e crescente di contrasto tempi-ritmico: un dual-dollal Allemand moderatamente lento è sostituito da un cartello a tre dollari moderatamente veloci, una saranda a tre lati molto lenti - jig molto veloce (di solito in Sei, dodici dimensioni che combinano due e tre asta). Questi cicli, tuttavia, sono abbastanza liberi dal numero di parti. Spesso ci sono parti introduttive (preludi, preludite e fuga, fantasia, sintoni), e il cosiddetto "plubinaria", balli più moderni (gavot, menù, burre, ryodon, lur, muzett) sono stati collocati tra il Saranda e il Gig. Spesso le danze plug-in (particolarmente in genere per MENEETTE e GAVOTOV) erano due, alla fine del secondo contenevano un'indicazione della ripetizione del primo. Bach Nelle loro abiti manteneva tutte le danze "obbligatorie", altri compositori si rivolvano a loro più liberamente, inclusi solo uno o due di loro.

Nelle partizioni in cui tutte le danze "obbligatorie" sono spesso salvate, il cerchio genitale dei numeri plug-in è molto più ampio, ad esempio, Rondo, Capriccio, Burlesque.

In linea di principio, nelle danze della suite (riga) sono uguali, non vi è alcuna diversità funzionale. Tuttavia, alcune funzioni cominciano a formare. Quindi, Sarabanda diventa un centro lirico di Suite. È molto diverso da un prototipo familiare solenne solenne-solenne e solenne di una tenaglia elevata, sofisticazione, grazia strutturata, suono in un registro medio-alto. Spesso, sono i sarabandi che hanno duplicatori ornamentali che rafforza la sua funzione del centro lirico. A Ziga (la più "linea comune" di origine - la danza dei marinai inglesi), il ritmo più veloce, grazie alla poligonività energica, massa, attiva, la funzione della finale è formata.

I rapporti del tempo dell'overture italiana, che includevano tre sezioni (estremo - veloce, polifonico, medio-lento, canto), si stanno spostando in cicli a tre parti di concerti per uno strumento di risanamento (meno spesso, per due, tre solisti) con l'Orchestra. Nonostante i cambiamenti nella formazione, il ciclo di concerti in tre parti sui contorni generali ha mantenuto la stabilità del 17 ° secolo all'era romantica. La natura attiva e competitiva delle prime parti è indubbiamente molto vicino al classico Sonatny Allegro.

Un posto speciale è occupato da cicli a due feste con una fuga, dove il contrasto fondamentale - in diversi tipi di pensiero musicale: più libero, improvvisativo, a volte più omofono nelle prime parti (preludio, tokkate, fantasie) e più strettamente organizzato logicamente - in fugas. Le correlazioni del tempo si distinguono da una grande varietà e non sono suscettibili di digitare.

La prima parte dei concerti per lo strumento di risanamento con l'orchestra (futura sonata allegri sinfonia), sytson lirici sarabandy (campioni di sinfonici Andanti), grassi attivi ed energici (prototi), erano significativi. In una certa misura nella sinfonia, viene trovato l'effetto dei concerti Grossi con le loro parti iniziali lente. Molte sinfoni dei classici viennesi iniziano con lenti adesione a varie lunghezze (in particolare Haidna). L'influenza della suite si manifesta e in presenza di Menuet di fronte alla finale. Ma il concetto significativo e la certezza funzionale delle parti nel ciclo figlio-e-sinfonico è diverso. Il contenuto della suite, definito come un collettore di unità, in un ciclo visto-sinfonico può essere formulato come unità della diversità. Le parti del ciclo semifonico sono significativamente più difficili funzionalmente coordinate. Il ruolo del genere semantico delle parti riflettono il punto principale dell'essere umano: azione (homo agens), contemplazione, riflessione (homo sapiens), riposo, gioco (homo ludens), uomo in sociume (homo communis).

Il ciclo sinfonico ha un profilo di ritmo chiuso in base al principio di un salto con il riempimento. L'opposizione semantica tra le parti alle prime parti Allegri e Andanti è enfatizzata non solo da un breve rapporto temporale, ma anche, di regola, un contrasto di Ladhoton.

I cicli di symphony e da camera a Beethoven erano notevolmente diversi l'uno dall'altro. A causa dei fondi performanti (orchestra), la sinfonia ha sempre assunto, una specie di "pubblicità", un parente di rappresentazione teatrale. Le opere della camera sono distinte da una grande varietà e libertà, che li porta ai generi letterari narrativi (condizionalmente, ovviamente), per una maggiore "intimità" personale, lirico. Il disordine è più vicino alla sinfonia, altri ensemble (trio, quintes di diverse composizioni) non sono così numerose e spesso più vicine a una suite più ravvicinata, oltre a divertimenti, serenada e altri generi di musica d'orchestra.

In pianoforte e Ensemble Sonata, come regola, 2-3 parti. Nelle prime parti, la forma Sempre è la più comune (in Symphony - sempre), ma ci sono altre forme (complicate in tre parti, varianti, Rondo a Haidna e Mozart, variazioni di Beethoven, per esempio).

Le sezioni principali delle prime parti della sinfonia sono sempre al ritmo di Allegro. Nei Sonats da camera, la designazione del ritmo Allegro è anche molto frequente, ma ci sono anche una piacevole notazione temporale. In Solo e Sonats da camera, è spesso combinato con il ruolo del genere funzionale all'interno di una parte (lirica e danza, danza e finali, per esempio). In sostanzialmente, questi cicli sono più diversi, diventano come un "laboratorio" per l'ulteriore sviluppo dei cicli. Quindi, ad esempio, Scherzo Genere appare per la prima volta in Piano Sonatas Gaidna. Più tardi, Scherzo diventerà una parte piena di un ciclo visto-sinfonico, quasi soppresso. Scherzo incarna l'elemento semantico più ampio del gioco (dalla gelatosa domestica al gioco delle forze cosmiche, come nella nona sinfonia di Beethoven, per esempio). Se Haidna e Mozart non dispongono di sonata di quattro chase, allora i primi Piano Beotheven Sonats utilizzano i rapporti del Tempo e del genere tipici della sinfonia.

In futuro, lo sviluppo storico del ciclo viste-sinfonico (a partire da Beethoven) è "ramificazione" (con "radici" generali) sul "tradizionale" ramo, dall'interno del contenuto rinnovabile e più radicale "innovativo". Nel "tradizionale" c'è un rafforzamento delle immagini teli, epiche, dettagli del genere (romanticismo, waltz, elegy, ecc.) Vengono spesso fatti, ma il numero tradizionale di parti e amplua semantica sono conservate. A causa del nuovo contenuto (lirico, epico), le prime parti vengono perse rapidezza del ritmo, pur mantenendo l'intensità della distribuzione procedurale e il valore che determina l'intero ciclo della parte. Pertanto, lo Scherzo diventa la seconda parte, spostando il contrasto generale del ciclo del ciclo, tra la parte lenta (la più personale) e le finali rapide di massa, che dà la distribuzione del ciclo di maggiore aspirazione (il rapporto tra Il menu e la finale, spesso danza anche, più non intenzionale, riducendo l'attenzione degli ascoltatori).

Nei sinfoni classici, le prime parti sono più digitate sulla formazione (forma sosate e le sue varietà, la più ampia varietà di forme delle prime parti dei sonata da camera sono state menzionate sopra). Nei menu e Scherzo prevale fortemente un complesso in tre parti (ovviamente, non senza eccezioni). La più grande varietà di formazione è caratterizzata da parti lenta (forme semplici e complesse, variazioni, rondo, sonate in tutte le specie) e finali (sonate con variazioni, varianti, rondo, rondo sonata, a volte complesso in tre parti).

Nella musica francese del XIX secolo, è stato formato il tipo di sinfonia in tre parti, dove nelle seconde parti, sono combinate le funzioni delle lente (sezioni estreme) e della danza (media). Tale sono la sinfonia di David, Lalo, Frank, Bizeta.

Nel ramo "innovativo" (ancora una volta è necessario ricordare la comunanza delle modifiche alle "radici") sono più visibili. Spesso, si verificano sotto l'influenza del programma (la sesta sinfonia di Beethoven, "Fantastic", "Harold in Italy", "Murning-Triumphal" sinfonie di Berlioza), esempi insoliti e disegni (nona sinfonia di Beethoven, il secondo, Terza, quarta sinfonia di Maler). Ci possono essere "raddoppianti" parti, di fila o simmetricamente (alcune sinfonie maletiche, la terza sinfonia di Tchaikovsky, la seconda sinfonia di Scriabin, alcune sinfonie di Shostakovich), sintesi di diversi generi (Symphony - Cantata, Concerto sinfonico).

A metà del XIX secolo, il ciclo sinfonico acquisisce il valore del genere del più concettuale, causando il rapporto se stesso, il che porta a una diminuzione quantitativa nota dei cicli sinfonici sinfonali. Ma c'è un'altra ragione associata a un'estetica romantica, lo sforzo di catturare l'unicità di ogni momento. Ciononostante, la sfaccettatezza dell'essere può incarnare solo la forma ciclica. Questa funzione esegue con successo una nuova suite, caratterizzata da straordinaria flessibilità e libertà (ma non anarchia), catturando contrasti in tutta la varietà delle loro manifestazioni. Abbastanza spesso, le suite sono create in base alla musica di altri generi (a spettacoli drammatici, opera e balletto, successivamente in base alla musica per i film). La nuova suite è diversificata in artisti (orchestrali, solisti, ensemble), può essere software e non programmatore. La nuova suite diventa diffusa nella musica di 19-20 secoli. La parola "suite" non può essere utilizzata nel titolo ("farfalle", "Carnevale", Craislerian, fantastici suoni, Carnevale Viennese, un album per i giovani, e altri, le opere di Shuman, le stagioni di Tchaikovsky, foto di Mussorgsky's mostra). Molte oppi miniature (preludi, mazurok, nocturns, etuti) sono essenzialmente simili alla nuova suite.

La nuova suite è a due poli - un ciclo in miniatura, e alla sinfonia (entrambe le cacce della musica al dramma Ibsen "per gunt", "Shehherazada" e "Antar" Corsakov romano, per esempio).

Vicino all'organizzazione per i nuovi cicli vocali, come "Plot" ("Beautiful Mellenchikha" Schubert, "Love and Women's Life" di Shuman), e il Generalizzato ("Way Way" di Schubert, "Amore del poeta" Shumanan) , così come cicli corani e alcuni cantata.

Spesso nella musica barocca, così come nella musica classica e successiva, non è sempre possibile determinare il numero di parti, perché l'osservazione di Attacca, che si verifica abbastanza spesso, non interrompe il flusso del tempo musicale percettivo. Inoltre, accade spesso che indipendentemente da argomenti e, in gran parte, sulla formazione della musica, la musica è divisa da due sottili caratteristiche dell'orologio (Sinfony da pupitudini di Bach a minore, Sonata Mozart per violino e Piano La minore / K-402 /, Fantasia a Minore / K -457 /, Sonata Beethoven per violoncello e pianoforte. 69, o. 102 n. 1 e molte altre opere di diversi autori), che porta alla formazione di forme individuali (gratuite). Possono essere chiamati contrasto-composito (termine v.v. protopopova) o punk-ciclico.

L'esecuzione di singole parti da opere cicliche è consentita, ma i cicli sono generalmente combinati con un intento artistico, l'attuazione dei quali viene effettuata da mezzi musicali.

L'unità può manifestarsi in generale: attraverso il tempo, lotti a forma di parti di parti, principi armonici simili, un piano tonale, struttura, organizzazione metrohimica, relazioni intonazionali in tutte le parti e, in particolare, in modo estremo. Questo tipo di unità è generalizzata. Si è sviluppato nelle forme cicliche del barocco ed è una condizione necessaria per la pienezza artistica delle forme cicliche di qualsiasi epoca.

Ma l'unità del ciclo può essere effettuata più sollievo e in particolare: con l'aiuto di argomenti end-to-end, reminiscenza o, molto meno spesso, ferri. C'era un simile tipo di unità nello sviluppo e la complicazione delle forme di musica strumentale, apparire per la prima volta a Beethoven (in quinta, nona sinfonia, alcuni sonate e quarti). Da un lato, il principio a tema dell'unità (è considerato in dettaglio MK Mikhailov nell'articolo "sull'associazione tematica di un ciclo sonatico-symphonico" // questioni di teoria e estetica della musica: Vol. 2. - M. : SK, 1963) sorge come "concentrazione", la concentrazione di collegamenti di intonazione, d'altra parte, è possibile rilevare l'impatto della musica del software e, in parte, il dramma operativo Leitmotiva.

Il principio tematico dell'unità in una certa misura viola una simile linea di forme cicliche, come l'indipendenza del tematico delle parti, senza influire sull'indipendenza della formazione (il trasferimento di quelli di regola, si verifica in sezioni non elette di forme - In unione e codici, principalmente). Nel futuro sviluppo storico, il principio a tema dell'unità è aumentato in un deduttivo, in cui la formazione delle singole parti dipende più direttamente dal piano figurativo totale e dal piano composito del ciclo. I temi delle parti precedenti influenzano attivamente la formazione di successive, partecipando alle loro sezioni principali (nello sviluppo, ad esempio), o è modulata nel modulo, trasformazione dello stereotipo.

Letteratura principale:

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La forma sosatale con un episodio è usato in diversi generi: riproduzioni individuali, finali ciclici della forma, parti lente.

Un episodio può avere un modulo completato.

In alcuni casi, un grappolo viene visualizzato dall'episodio da riprendere.

Inoltre, ci sono media combinata in una forma sosatica che utilizza lo sviluppo con un episodio o viceversa.

Stampi addormentati. L'essenza del dramma semestrale (salinità) non è nella struttura della forma di campionamento, ma nel processo di sviluppo. Questo processo è espresso in rapporti speciali e funzioni di materiale tematico. In contrasto con il confronto o lo sviluppo end-to-end, tipico di un complesso in tre parti o Rondo, un modulo di selezione distingue una combinazione dinamica, che è espressa in preparazione intensiva delle seguenti partizioni.

Un più importante per il dramma sonatoo ha il ruolo e l'interazione delle funzioni materiali nell'esposizione, che sono tre:

1. il materiale principale che svolge un ruolo importante nel lavoro e si concentra sull'attenzione dell'ascoltatore (argomenti principali);

2. Preparazione del materiale che causa l'aspettativa di follow-up (ingresso, legamenti, previsioni);

3. Il materiale finale della natura di asserzione (argomenti finali, codici).

Nel rapporto tra le parti principali e laterali, c'è sempre una violazione dell'equilibrio a favore di P.P. Questo è facilitato da grandi dimensioni di quest'ultimo e in particolare il suo fissaggio tonale dal materiale della natura di asserzione e della Kazna.

Una forma semestrale viene utilizzata in un ciclo visto-sinfonico (la prima parte, le finali, la parte lenta), le singole opere di auto-carattere, la supervisione, meno spesso musica vocale e scene di opera. 41. Comunicazione di parti del lavoro ciclico strumentale.

Le forme cicliche nella musica sono forme musicali del lavoro che impone la presenza di singole parti, indipendenti nella struttura, ma relative all'unità del piano. Nella storia della musica accademica, i cicli dei cicli di preludio-fuga, suite, sono noti cicli sonati-sinfonici. Una serie di opere correlate può anche essere definita un ciclo (ciascuna delle quali potrebbe avere o non possedere una forma ciclica) o programmi di concerti. Nella musica extracademide (jazz, rock), album concettuali e lavori di grandi dimensioni separato può essere molto popolare per le forme cicliche.

Il ciclo in due parti del preludio fuga è noto dal momento del barocco. Coinvolge la funzionalizzazione del preludio come ingresso improvvisativo in un fuga.

I cicli "Prelude-Fugue" possono essere combinati in cicli più grandi in base a qualsiasi principio formale o tematico. L'esempio più famoso è "una chiave temprata" I. S. Bach, costruita sul principio di una certa alternanza di corrispondenze di Ladhoton. Un esempio dalla musica del 20 ° secolo è "24 prelibrati e fugas" D. D. Shostakovich.

Per la suite, conosciuta dal XVI secolo, sono caratteristiche:

comunicazione delle singole parti del lavoro con generi tradizionali applicati (canzoni, danza), semplicità della struttura delle parti;

confronto contrasto di parti;

la tendenza verso l'unità o la parentela più vicina dei telefoni.

I vertici del genere nella musica di Barochko - Suites I. S. Baha e G. F. Handel, nel periodo classico - V. A. Mozart e J. Haydna. Nel XIX secolo, i principali compositori si sono rivolti al genere della suite principalmente per lo styling (E. Grieg, M. Ravel, ecc.).

Nel 20 ° secolo, il genere Suite è stato sostanzialmente ripensato, sono state applicate nuove tecniche (tali, ad esempio, Dodecafonic Orchestral Suite A. Schönberg e A. Berg), ricoperto nuovo materiale (quindi, nella suite P. Hindeit "1922 "Dance alla moda usate del tempo corrispondente: Shimmi, Boston, a destra).

Anche alcune opere di musica non accademica (principalmente roccia progressiva) sono strettamente. Come esempi, la lucertola può essere chiamata "lucertola" dello stesso album del King Crimson Rock Band e Atom Heart Madre con lo stesso nome del gruppo Pink Floyd dell'album. Tuttavia, la "rock-suite" è spesso chiamata composizioni, piuttosto a forme libere e miscelate (nella terminologia tradizionale musicale e teorica).

Il ciclo Sonate-Symphonic comprende i generi più astratti della musica accademica, come Symphony, Sonata, Quartet, Concerto. È caratteristico di:

astrazione dalla natura applicata della musica (anche se un materiale applicato è stato utilizzato come materiale di qualsiasi parte);

la possibilità di contrasti semantici figurativi tra le singole parti (fino alla loro opposizione diretta);

complesso sviluppo tonale;

le funzioni stabilite e le forme di singole parti (caratteristica dei singoli generi di musica sonatale-sinfonica).

La classica Sonata è stata formata durante il XVIII secolo, i vertici di sviluppo raggiunti nei classici di Vienna e rimane, con alcune prenotazioni, un genere vivente. La sinfonia come genere è stata formata nel mezzo del XVIII secolo, i vertici di sviluppo hanno anche raggiunto i classici di Vienna e rimane un genere vivente di musica accademica. (La forma sinfonica non dovrebbe essere confusa con il simfonismo, che può essere caratterizzato e funziona che non sono correlate a questo modulo). Il quartetto ha acquisito la forma del ciclo di Sonata nelle opere di J. Haydna e ulteriormente sviluppato nel lavoro dei classici viennesi. Nella seconda metà del 20 ° secolo, i principi letmotive e monotectici sono stati caratterizzati per molte opere di questo genere. Un concerto come una specie di figlio di lavoro ciclico sinfonico, che è caratterizzato da opposizione al suono della completa composizione dell'ensemble e dei singoli gruppi o solisti, si è sviluppata in uno oggi entro la fine del XVIII secolo.

Il lavoro musicale può consistere in parti unite da diverse, piuttosto che nei generi elencati, e hanno ancora un carattere ciclico in un modo o nell'altro. Tali sono molti generi di musica spirituale applicata (massa, concerto spirituale, veglia), cantata, cicli coro vocali e vocali (scena e lirica).

Nel ciclo può essere combinato con interi lavori (ognuno dei quali, a sua volta, potrebbe avere o non possedere un carattere ciclico). Questi sono i cicli sopra menzionati delle preludi e dei fugas, il Tetralogy R. Wagner "Ring Nibelung", album concettuali in musica extracademica, oltre a grandi opere separate di musica jazz e rock. 42. Linguaggio musicale.

Il linguaggio musicale è, come altri sistemi linguistici, l'organizzazione di questo tipo, la rappresentanza della quale sotto forma di un sistema gerarchico ha una maggiore forza esplicativa di una semplice descrizione tassonomica. Di conseguenza, si presume che i testi musicali osservati da noi costituiscano un "discorso musicale", che è una realizzazione, la generazione di un sistema ideale (non osservato direttamente) - il "linguaggio" musicale ". ... I chiarimenti richiedono, in primo luogo, il concetto di "lingua musicale" (e, di conseguenza, "discorso musicale"). Sotto il primo è inteso al sistema che viene attuato non solo nei testi artistici che riducono alcuni modelli di costruzione. A proposito di. Ad esempio, la "lingua delle opere di Beethoven", intendiamo che il sistema che genera non solo queste opere, ma anche tutti i tipi di testi che conservano i modelli che sono peculiari per le opere di Beethoven. . . . Il discorso musicale con questa comprensione è sbloccato, cioè è costituito da un infinito set di testi. .

Inoltre, importante per noi è il concetto di stile. Questo concetto può essere definito come molti testi relativi a cui è postulato che stanno implementando un sistema. D'altro canto. Per quanto riguarda gli stili diversi si presume che implementino vari sistemi. .

La struttura del sistema musicale è presentata sotto forma di una gerarchia di livelli. Quindi, a quanto pare, è possibile distinguere il livello dei suoni individuali, il livello di suono, il livello armonico (livello degli accordi), il livello (o il numero di livelli) dell'iscrizione formale. Entro un livello ci sono unità di un ordine - suoni, combinazioni di suoni, accordi, varie sezioni del modulo. Il modello di ogni livello, apparentemente, dovrebbe generare testi, corretti dal punto di vista di questo livello. "43. Strutture musicali e lessicali

Insieme a un vocabolario puramente terminologico, il dizionario include un vasto strato di sovrascrivitori utilizzato nella letteratura musicale per valutare e descrivere le opere della musica, nonché per descrivere il loro impatto sul mondo interiore di una persona, per la percezione estetica dell'ascoltatore . Nella preparazione del dizionario ha utilizzato i dizionari inglese e americani intelligenti dizionari nella musica, l'enciclopedia musicale, così come i testi originali dei libri dei temi musicali. La vita umana è impossibile da immaginare senza immagini artistiche sane derivanti nello spazio mentale nella percezione della musica. In questa monografia, la struttura significativa dei frammenti "musicali" del quadro del mondo del mondo, che rappresenta i mezzi di inglese moderno, è studiato. Strutture cognitive alla base della percezione del vocabolario musicale come professionista e un dilettante sono analizzati. I modelli metaforici sono presentati come base cognitiva per la formazione di termini musicali e il vocabolario musicale comune della lingua inglese. È considerato il funzionamento della lingua della musica in testi con un diverso rapporto di parti verbali e visive. Questo libro è un altro passo nello studio del rapporto tra due mondi - linguistici e musicali. Il libro è destinato a tutti coloro che sono interessati alle domande della struttura mentale della percezione linguistica della realtà circostante. 44. Musica semplice e la loro semantica

Il lavoro è costituito da frasi musicali separate - piccoli frammenti musicali integrali. Le frasi musicali sono combinate durante i periodi. Periodi che sembrano in modo simile combinato in parti. Frammenti (frasi, periodi, parti) del lavoro musicale sono indicati dalle lettere latine: A, B, C, ecc. Varie combinazioni di frammenti formano varie forme musicali. Quindi, una forma comune in musica classica - ABA (forma di canzoni), significa che la parte iniziale è scompare quando sostituisce la parte B e viene ripetuta alla fine del lavoro.

Ci sono strutture più complesse: il motivo (l'elemento più piccolo della forma musicale; 1-2 tatto), frase (completa pensiero musicale, 2-4 tatto), proposta (la parte più piccola della melodia completata da qualsiasi kadans; 4- 8 orologi), periodo (elemento forma musicale; 8-16 orologi; 2 frasi)

Diversi metodi per lo sviluppo e il confronto degli elementi della melodia hanno portato alla formazione di vari tipi di forme musicali:

A forma di singolo (A)

È anche chiamato Ballad Forma o IP. La forma più primitiva. La melodia può essere ripetuta con modifiche minori (modulo AA1A2 ...). Esempi: CHASTUSHKI.

Dual Party (AB)

Consiste di due frammenti a contrasto - argomento e contropartita (ad esempio, un "Sharmanwger" canta dall'album "per bambini" P. I. Tchaikovsky). Tuttavia, se i frammenti non sono contrastanti, cioè, il secondo frammento è costruito sul materiale del primo, il modulo a due parti si trasforma in una variazione di un pezzo. Tuttavia, lavori simili (ad esempio, una "memoria" di gioco dall'album "Album for Youth" R. Shuman) a volte si riferisce a due parti.

Forma a tre stalle (ABA)

Viene anche chiamato una canzone o un ternario. 2 tipi di forma in tre parti sono diversi - semplici e complessi; In una semplice, ogni sezione è un periodo, la media può essere una breve attraversamento; Nel complesso - ogni sezione è, come regola, una forma in tre parti in due parti o semplice.

Forma concentrica

La forma concentrica è composta da tre o più parti ripetute dopo la centrale in ordine inverso, ad esempio: e con in una 45. Semantica di moduli musicali compositi

Il sistema musicale-composito ha un arco di concetti così dettagliati, che gli consente di "vedere" opere musicali ai più piccoli dettagli. Nessun'altra scienza della musica non ha una tale acuta e precisione della visione - la storia della musica, la teoria dell'esecuzione, l'etnografia musicale, l'estetica musicale, ecc. Allo stesso tempo, i concetti musicali e compositi hanno la proprietà semantica "frattura", sviluppando in un'esperienza a lungo termine della comunicazione dei musicisti con la spiegazione della musica con il sistema concettuale. Composizioni musicali semantiche e semantiche - i loro tipi, varietà, singoli casi. Le forme musicali catturano la natura del pensiero musicale, e pensando a un multistrato, riflettendo le idee dell'era, la scuola d'arte nazionale, lo stile del compositore, ecc. Pertanto, l'oggetto di considerazione - forme, composizioni di opere musicali e metodi di analisi devono essere associati a una sfera di musica espressiva-semantica.

La musica teorica ha a che fare con due tipi di lingue - il linguaggio artistico della musica e il linguaggio scientifico dei concetti teorici sulla musica. C'è una differenza categorica tra queste lingue, ma c'è anche somiglianza - la presenza di valori semantici stabiliti. Nel linguaggio musicale, la semantica è caratterizzata da un associativo-espressivo, con la miscelazione del concettuale associativo, in scientifico - al contrario, associativo-concettuale con la miscelazione dell'Associativo-espressivo; Nella musica, un'intonazione è un'unità di linguaggio, nella teoria della musica - il termine. In termini di metodologia di analisi musicale, è importante che ci siano costanti tra intoniazioni musicali e concetti musicali (a parole), saturi di maggiore importanza, linguaggio musicale concettuale e immagini, espressività - lingua della scienza della musica. Prendere come esempio "Spazio Sviluppo". Da un lato, in termini di un artista musicale-artistico, questa sezione è obbligata a giocare questa sezione così instabile, fantasia, che "nell'aria" della sala da concerto deve trasformarsi come un segno concettuale: "Questo è uno sviluppo . D'altra parte, in termini di scienza teorica, il segno, il concetto di "Spate Development" dovrebbe causare un'idea di qualche tipo di instabilità musicale, fantasia e di essere ascoltata da alcuni suoni di intonazione immaginaria di Sviluppo di Sesage. Nell'azione del "meccanismo" di tale connessione tra gli elementi delle lingue musicali e artistiche e teoriche - la chiave del fatto che il funzionamento dell'analisi musicale (con le scarse capacità, l'arte) può servire come espressivo-semantico logica del lavoro musicale.

"Modulo musicale" (Musikalische Formenlehre) storicamente emerse in Germania alla fine del XVIII secolo. Ed è stato il suo obiettivo determinare le norme della struttura compositiva per lavori di vari generi - Mott, Opera Aria, Sonata, ecc. Il fondamentale lavoro importante sulla forma musicale ", la dottrina della composizione musicale" A.b. Marx (1837-1847), considerato "forme" in unità sistemica con generi e tutti i lati della composizione musicale - l'interno, l'armonia, la polifonia, gli strumenti, ecc. Nel titolo è stato reso non la parola "forma", ma - "composizione". La parola "forma" aveva una lunga tradizione filosofica e, tra le altre cose, corrispondente alla categoria della bellezza - che vanno dalla diga, la sua "metafisica di bellezza" (III secolo), rianimata nei secoli XVIII-XIX. Sheptsbury e Winelman. E Glinka ha detto: "La forma significa il rapporto tra parti e il tutto, la forma significa bellezza".

Allo stesso tempo, il concetto di "forma musicale" non è identico al concetto di "forma" in filosofia ed estetica. "Forma musicale" è una monocategoria non catturata in un diade o triade con altre categorie. Non è contrario al "contenuto", ma possiede contenuti, cioè un'essenza espressiva-semantica e intonazionale del lavoro musicale. La tradizione filosofica "forma" non è indipendente e comprende solo in connessione con le categorie complementari: materia e Eidos (cioè "forma" - da Platone), materia, forma, contenuto (a Hegel), forma e contenuto (Schiller, in Filosofia e estetica marxista-leninista). A causa dell'ididità della "forma" filosofica e musicale, così come, secondo l'autore, l'obsoletezza del "modulo contenuto" filosofico di Diand, è consigliabile applicare un'opposizione più recente e semiotica nella musica: "Contenuto Piano - un piano di espressione. "

I. Forma musicale come fenomeno;

II. La forma musicale come composizione storicamente digitata;

III. Forma musicale come composizione individuale del lavoro.

Il mantenimento della forma musicale come fenomeno (I) corrisponde al concetto di contenuto di musica e arte nel suo complesso. Nell'arte nel suo insieme, i livelli sono fusi, che possono essere chiamati "speciali" e "non-calcio". Lo strato "non socievole" riflette il mondo reale, comprese le sue parti negative. "Speciale" è il mondo perfetto della bellissima, portando l'idea etica del bene alla persona, l'idea estetica dell'armonia dell'universo e psicologicamente - l'emozione della gioia. La forma musicale è principalmente associata al contenuto "speciale" dell'art. E l'intero sistema di teorie musicali e compositi insegna il raggiungimento della capacità, non possibile, la connessione dei voti, e non la loro infurazione, l'organizzazione ritmica, e non la disorganizzazione, nella formazione della fine, della formazione e non è il fallimento. E le regole della composizione, cerca di sviluppare universale, senza cambiamento a seconda del piano specifico di un lavoro separato. Di conseguenza, la scienza della forma musicale è una scienza dello strato musicale musicale e bello, ideale, "speciale" di contenuti musicali.

Il contenuto, la semantica della forma musicale come composizione storicamente digitata (II) si basa sullo stesso meccanismo linguistico della semantica del genere musicale. Le forme dei generi sono Mesa gregoriana, rondole medievale rianimata, Virrlael, ballato, le e altre, il colore del genere ha un classico "forma di canzoni" di due e tre e tre parti "," forma Adagio "e altri. Sulla semantica delle forme musicali, le idee estetiche e artistiche di quell'era, che hanno influenzato l'occorrenza o ha portato al fiorente di una forma o nell'altra. Ad esempio, forme miste del XIX secolo, che apparve nell'era dell'impatto figurativo e costruttivo sulla musica dei generi poetici di ballatori, poesie, contengono semantica della narrativa sugli eventi di insolito, con meravigliose trasformazioni (trasformazioni), con una fine tempestosa e culmine. L'istituzione di semantica di forme musicali tipiche, storicamente selezionate è la caratteristica metodologica di questo manuale di studio.

La forma musicale come composizione individuale del lavoro (III) appare sotto forma di due casi di base: 1) la specifica del modulo storicamente digitato, 2) forma individuale e inefficiente. In entrambi i casi, il significato significativo della forma è dettato da un'idea originale brillante della composizione. Così, C-Moll Chopin, scritto nella sofisticata tre parte digitata, ha una caratteristica rara - una ristampa trasformata, che ha colpito la sede romantica del XIX secolo. E la forma inepitola, ad esempio, il terzo quartetto della Lebaidulina proviene da un'idea unica dell'interazione delle specie di espressione del suono quando si gioca a pizzicare e arco.

Dei tre livelli significativi della forma musicale, il primo, Metauroven, è universale ed è presente in tutte le opere musicali. La seconda, chiudere le categorie del genere nel senso semiotico, il più chiaro semanticamente, è storicamente locale. Il terzo livello è riparativo, ma la sua gradazione varia dalla deviazione minima dallo standard standard standard a una composizione musicale unica e unica. 46. \u200b\u200bforma come elemento di lingua musicale.

La trama (Lat. Factura è un dispositivo, struttura) - un modo tipico di registrazione di una composizione musicale multi-voce in uno dei magazzini musicali (multi-voce). Nella conoscenza della musica russa come sinonimo di texture, il termine "tessuto musicale" è spesso usato come sinonimo. Ad esempio, la frase "texture corale" descrive l'aggiunta tipica del tessuto musicale nei trattamenti monoritmici delle canzoni della chiesa ("Horalah") I.S. Baha e altri compositori barocchi, "texture arpeggled" - nella chiave Sonatas D. Scarlatti, Winterelism - una trama pieghevole da toni "isolati" distribuiti tra le singole voci o strumenti in musica A. Wegayn, e simili.

Il concetto di texture è strettamente correlato al concetto di un magazzino musicale, che trova la sua espressione in frasi tipiche, ad esempio "Senior Edge Texture", "texture polifonica", "texture eterophone", ecc. 47. Melody come elemento di lingua musicale.

Per capire la musica, sono necessarie tre cose, due di loro sono ovvie, il terzo non lo è.

La prima cosa necessaria è la capacità di distinguere tra gli elementi del linguaggio musicale - dinamico, timbro, ritmico, melodico, armonico, polifonico, strutturale. Non dovresti aver paura di queste parole speciali - tutto non è così difficile.

Gli elementi dinamici sono i più ovvi. La musica può sembrare silenziosa o rumorosa, il suono può gradualmente aumentare o sbiadire.

Gli elementi del timbro sono qualcosa che, ad esempio, differiscono gli uni dagli altri suoni di vari strumenti musicali. Accuratamente, avendo un'esperienza musicale minimale, distinguere il suono del violino dal suono del pianoforte. Agradiya nella prima approssimazione con il fatto che il timbro è quello, grazie a cui riconosciamo varie fonti sonore - la voce del flauto e voce dell'arpa, la voce della mamma e la voce di Papa.

Gli elementi ritmici sono, nella presentazione più semplice, il rapporto tra suoni dei suoni. La musica esiste nel tempo, e alcuni suoni durano più a lungo di altri. In effetti, tutto è molto più complicato, ma per cominciare, limitare a tale definizione.

Elementi melodici sono il rapporto tra suoni in altezza. Allo stesso tempo, i suoni dovrebbero essere riprodotti simultaneamente, ma a sua volta. Infatti, di nuovo, tutto è più complicato, ma finora questa definizione è sufficiente. Se non sei completamente chiaro, cos'è una "altezza del suono", allora ecco una definizione conveniente: per accadere il suono, dovrebbe esserci un corpo del suono - una campana, una stringa, un post d'aria nel tubo (flauto, Tubo d'organo, ecc.). Il corpo del suono varia con una o un'altra velocità (ad esempio, 100 o 500 oscillazioni al secondo). Le più oscillazioni si svolgono in un secondo, come dire, il modulo sonoro sopra. Anche le cosiddette persone "non musicali" (anche se non ci sono praticamente di natura, ma dicono) i suoni di "spessi" e "sottili", "buio" e "leggero" - questa è una distinzione fondamentale di suona in altezza.

Gli elementi armonici sono anche il rapporto tra suoni in altezza, ma ora i suoni dovrebbero essere giocati non a loro volta, ma allo stesso tempo. In questo caso, tale suono simultaneamente riproducibile avviene, di regola, più di due. E ancora, infatti, tutto è più complicato, ma per ora abbastanza, per in qualche modo capire la parola "armonia".

Anche gli elementi polifonici sono la riproduzione simultanea, ma non sono suoni separati, ma due o più melodie diverse.

Gli elementi strutturali sono ciò che la musica ricorda particolarmente la lingua e la letteratura. Nel lavoro musicale puoi ascoltare individuali "parole" musicali, "frasi", "paragrafi", "Capitoli". Ma questo non significa che le "parole" musicali siano trasferite in una lingua normale, proprio come noi traduciamo, diciamo, dallo spagnolo al russo. E, tuttavia, il flusso musicale non è solido, ma diviso in parti - sia piccoli che grandi - e questa appartenenza può percepire l'udito.

Ora, quando improvvisamente cospirò la dinamica, la tecnologia, il ritmo, le melodie, l'armonia, la polifonia e la struttura, sapremo già di cosa stiamo parlando.

Ricordiamo che, come detto sopra, hai bisogno di tre cose per comprendere la musica, e finora abbiamo parlato solo circa il primo di loro - la capacità di distinguere tra gli elementi del linguaggio musicale.

La musica moderna utilizza i principi di base di un approccio semiotico alla musica e alla sua lingua. Il linguaggio della musica può essere considerato come la combinazione di mezzi musicali (elementi), che ha una struttura complessa, considerata come proprietà generale della cultura, tutti gli elementi di cui sono correlati.

Il mondo circostante è pieno di suoni di vario genere: ci sono suoni che sono pronunciati dalla persona stesso e con l'aiuto di strumenti musicali per esprimere i suoi pensieri, esperienze, oltre a suoni che esistono direttamente in natura. Qualsiasi oggetto può emettere il suono (come animato e inanimato) di varie qualità. I suoni sono ascoltati da ogni parte, possono essere ascoltati ovunque: a casa, al lavoro, in riva al mare, nella foresta, ecc. A volte i soliti suoni vengono trasferiti al compositore in un lavoro musicale, allora acquisiscono lo stato del musical, che porta all'idea che il grido, i suoni degli affetti possono essere chiamati musicali, se sono inclusi nel flusso di musica e sono attaccati al significato musicale.

Tradizionalmente, gli elementi del linguaggio della musica come sistema di caratteri speciali includono suoni caratterizzati da altezza, volume, durata e timbro che compongono la melodia, armonia (consonanze separate, accordi). I suoni musicali, interagendo con l'altro formano modelli metro-ritmici, sono redatti in un'opera che conclude un'immagine musicale.

Una caratteristica caratteristica del linguaggio della musica è la presenza di diversi livelli iconici in esso che interagiscono tra loro. Ci sono i seguenti livelli di mezzi di espressività musicale (lingua musicale), che formano un sistema di livelli: suono (PLA, armonia, timbri, registri, tonalità, melodia); Ritmico (disegni ritmici); Lato della composizione (processo musicale nel suo complesso): tutti significa che creano una composizione; Esecuzione di interpretazione (Agogico, articolazione, tratti e intonazione performante). La lingua musicale è un sistema disomogeneo contenente elementi come un lato altamente organizzato (lato ") e meno organizzato (dinamica).

Quindi, il linguaggio della musica è un complesso gerarchico, un sistema multilivello per il quale la tendenza di sviluppo, la coerenza e la capacità di aggiornare le parti, i suoi componenti. 48. Armonia come elemento di lingua musicale.

Armonia (Dr. Greco. Ἁἁἁοία - Comunicazione, ordine, stroy, piano, coerenza, proporzionalità, armonia) - un complesso di concetti di teoria della musica. L'armonioso è chiamato (incluso in ogni modo discorso) piacevole per udire e respingere la coerenza dei suoni (concetto musicale ed estetico). Nella prospettiva scientifica, questa presentazione porta al concetto di armonia compositivo e tecnico come combinare suoni in consonanza e la loro presentazione naturale. L'armonia come disciplina scientifica ed educativa e pratica studia l'organizzazione del suono della musica.

Il concetto di armonia è usato per caratterizzare il sistema audio organizzato logicamente: tipo Lada (Armonia modale, armonia tonale), stile musicale (ad esempio, "armonia barocca"), incarnazione individuale della solidità ("Armonia Prokofiev"), una caratteristica Accorder (armonia come sinonimo accordo "," consonanza ").

Il concetto di armonia, tuttavia, non dovrebbe essere mescolato con i concetti di "accompagnamento", omofonia (per esempio, nell'espressione "melodia e armonia" invece di una "melodia e accompagnamento" o invece di "melodia e conto"; " Polifonia e armonia "invece di" polifonia e omofonia ").