Creatività strumentale della fotocamera. Musica strumentale della camera

Progettato per l'esecuzione in una piccola stanza con una piccola composizione degli artisti.

Incontro in avanti "musica da camera" terr-min, nel 1555, N. VI-Chen-TI. Nei secoli XVI-XVII, "Ka-Mer-Noi" la luce di Zy-Vashe di Muz-Ku (in-cal -noye, dal XVII secolo lo stesso in-st-Rom-tal-tal-), il suono chav-cucitura nel Du-Mash, US-LO-VIH ea due; Nei secoli XVII-XVIII, nel dolore-pneumatico-st-Ves dei paesi dell'UE-ro-pop, NY-YY-ZY-KAN-You, ma-Si-SV, Ka-Mer-Muza-Kan - Tov "(in ROS-SII Questo è il titolo del Su-St-VA-LO nei secoli XVIII - primitivi XIX; in Ab-Strej e Her-MA e il KA-CHE il titolo per l'IN-STRO- Men-Tas-STOv SO-Key-Los non lo è). Nel XVIII secolo, la musica da camera della somma-cha-la in VE-Lie-Tights-sa-LO-NAH nell'UZ-KL-GL KR-GU e LU-BI-Le Lee, dall'inizio del XIX secolo Pub-Person Pub-Personal Ka-Merch Kon-cho-cho-te, A metà del XIX secolo XIX, sono cento-di-Eat-les-My Cha-Stufe di vita musicale EV-ROPY. Con RAS-PRO-ST-RA-NON-NI PUB-Personal Con-Chers KA-MES-MI-POL-NI-MI-MI PO-LI-WA PROFESSIONALE MUZA-KAN-TOV, Stu-Paul in con-hautch con una musica da camera da bagno iso-floor-non-ni-mangia. US-TI-Chi-TI-PY KA-MER-MER-TH AN-SAMB-LA: DU-ET, TRIO, KVAR-TETE, Queen-Tet, Seat, Sep-Tet, OK-TET, ma - No, De-Qi-Met. Froy-Calic AN-SAMBL, in co-po-ro-tel-tel-tel, da 10 a 20 Isa-Paul-e-Lei - I, ON-ZY-VA-XIA KA-MERCH HO-RUM; IN-ST-RUM-MAN-TALH AN-SAMBLA, OB-DI-NEY-DI-LEA 12, - KA-MERCH OR-KE RUM (GR-NI-TSY MESM, KA-MERCH E MA LYM SIM-FO- NAR-KE-ST-RUM, NON OP-RI-LONE).

La maggior parte del tempo-wi-thai in-st-ru-men-tal-naya form-ma musica da camera - CEC-LICA co-on-ta (nei secoli XVII-XVIII - trio-co-on-ta, sol- naya co-on-one senza co-pro-in-jd o con co-pro-aj-de-ni-bas-da Kon-ti-Nuo; Clas-Sichnaya una volta -quea - A. A. Ko-Rel-Lee , È Baha). Nella seconda metà del XVIII secolo, Y. Gaid-on, K. Dit-ters-Dor-Fa, L. Bok-Ke-Ri-Ni, V. A. MO-TSAR-TU SFHOR-MI-RO-VA Jean- Ry Glanes Clas-Blue Co-Blocco-You (Sol Noy e An-Samb-Lie), Trio, Kvin-Te-TA, Queen-TE-TA (Uno-but-Time-Men-Ma con il Ti-PI- Cy-Her-Polonia-Ni-Tel-Socy-Stop-Wata), US-Ta-Ni-Vasya Op-Re-de Lonia-Naya Comunicazione Ha-Cancer-Te-the-rum della CA e MINI PAR-TII e chi MO-NO-STEA-MI in-st-Rom-men-ta, per il quale-ro-go è pre-consapevole (ra-du-pus-ka-cells, il pavimento- di-non-uno e lo stesso co-chi-non-one centocento-va-in-st-ru men-com). Per l'in-st-ru-men-tal-no an-samb-la (smych-ko-kv-kv-te-ta-ta) nella prima metà del XIX secolo co-chi-nya l. wang bet-ho -Seins, F. Shu-Bert, F. Men-Del-Son, R. Shu-Man e molti altri. Com-in-Zi-Ry. Nella seconda metà del XIX secolo, sei una musica da camera a doppia anno di COP-da Li I. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Break-ta-on, A. Yard- Jacques, nel XX secolo - K. De-Bus-Si, M. Ra-Vel, P. Hin de Mit, L. Yanachek-, B. Bar-tok, ecc.

In ROS-SII, Ka-dimensionale Mu-Zi-Ro-Vasya Ras-Pro-Paese del 1770; Per-way In-St-Ru-Men-Talny An-Samb-Lee Na-Pi-Sal D. S. Bort-Nyany-Sky. Camera diversa del collo della musica da camera a Lu-Chi-La A. A. A. Ayab-E-VA, M. I. Glin Ki e Dos-Tig-La You-Co-Tea -Ho Hu-Delnnyy Livello nel Tea Creative-Che-Art PI -Kov-kost-go e ap bo ro-di. Paramey-Ma Nie-Lee Ka-Mer-No-Mu An-Samb-Li S. I. Ta-Neu, A. K. Glaz-Nov, S. V. Rakh -Ma-Ni-Nov, N. Ya. Carni-cielo, DD Sco- Ta-ko-hiv, ss pro-kofv-ev. In PRO-CEsse-CE, è lo stile ricco di Viya di musica da camera di musica da camera di kit-chi-tel-ma me-nyal-xia, zibli-maja con sim-fo-ski li-bo vir-tu-oz-no -Kon-Tort (comitato sim-fo-ni-nazionale di KV-TE-TOV presso Bet-Ho-Ve-On, Tè-Kov-Go, KV-TE-TOV e Queen-Te-Tov - A Shu-Ma -On e Brah-SA, Cherno-you kon-TSOR-NO - in Co-Eta per Creak-Ki e Piano: № 9 "Crei-Ros Howl" Beth-Ho-VE-ON, co-On-the Frank, No. 3 di Brah-CA, n. 3 GRI).

Con altri centinaia di Roes, nel 20 ° secolo, Shi-Ki-alcuni Ras-Ur-Ni-Lu-Chi-Lee Sim-Fo-Nii e Kon-Cer-Cer-te per non-dolore -Ho-V-CH-ST -VA in St-Ras-Men-Tov, diventando un jean-fossato di jean-sty-sty-na-na-sty-na-na-na-na-sty-sty-metal (ad esempio, il 14 ° scos-ko-ko-cha), "Muz- KA per ... "(Muz-ka per stringa, impatto e che-le stla bar-ka), kon-chr-ti e altri. Oso-by Genere of Chamber Music - In-St-Ru-Men-Talny MI -Nia-Thai (Nei secoli XIX-XX, non sono rossi-ko-e-di-yat nel ciclo). Nelle loro numeri: Piano-NE-Nessuna parola Piano-del--co-on, Schu-MA-ON, VAL-SY, NOK Tyur, PRE-LU DII e ETHE F. SHO-PER-ON, KA-Misura Piano Co -chi-non-ma LOYA, Skrey-Bi-On, Rakh-Ma Ni-VA, N. K. Met-Non-RA, Piano Tè-ski-ko-go, Pro-Kof-E-VA, molti PII per vari in-st-ru-men-tov domestico e in-ru-beige kom-rom-zi-komi.

Dalla fine del XVIII secolo e Oso-Ben-Ben-nel XIX secolo, la specie della stazione della metropolitana della musica da camera NA-na-la e cal-naya (Jean-Ry-PEP-NAV e Ro-Man- Circa). Com-in-zi-rif-man-ti-ki wen è un genere della patria Mi-nia-Thai, così come i cicli on-sen ("KRAS-NAYA MEL-NI-CHI" e "Sentiero invernale" f . Shu-Ber-ta, "Liu-BOV in questo" R. Shu-Ma-on, et al.). Nella 2a metà del XIX secolo, MOTINO MUSICA DA PADRE MUSICA UDE-LYAL I. BRAHMS, nel creativo creativo creatore X. Vol-Fa Ka-Mer-Cal Journal di Jean-Na-Lee VE-Deme è probabile . Shi-Po-Alcuni dei Jean-Ry-Ry-na e Ro-Man-Si in Ros-Sii, Hu-Cell-Sot Dos-Tig-Lee in loro M. e. Glyn-ka, PI Tea-Kov- Cielo, AP Bo-Ro-Dean, MP Mo-Sorg-Skyky, NA Roma-Sky-Code, con. V. Rakh-MA-NI-Nov, SS Pro-Kof-EV, DD Schos Ta-Ko-HIV, GV SW-RI-DOV.

La creatività strumentale Camero è variata. È rappresentato non solo da tastiera e sonata di violino, quarti di corde e quintat, ma anche ensemble di diversa composizione. Queste opere sono in gran parte vicine a Mozartov Symphony nella loro profondità e concentrazione spirituale, ma differiscono in maggiore raffinatezza e intimità. Gli elementi polifonici sono utilizzati negli ensemble da camera più intensamente che in sinfonia, i consonanti della dissidenza sono più comuni.

Posto significativo nel lavoro strumentale da camera di Mozart è occupato da Piano Trio. In questi lavori, prevale un ciclo a tre parti: Sonataya Allegro, Menuet e finali veloci sotto forma di Rondo. Il contrasto è espresso molto vivacemente, anche l'elemento della teatralicità è osservato - gli elementi di contrasto sono distribuiti tra diversi strumenti.

Insieme al Piano Trio (violino, violino, pianoforte), il compositore crea un trio di una composizione diversa - ad esempio nel 1788 hanno scritto un divertimento per violino, viola e violoncello. È stato prima realizzato a Dresda - secondo l'autore, "molto rumoroso". Costruire un tessuto musicale si distingue per una perfezione incredibile, ogni strumento è "prima di utensile". Alla prima parte con il suo sviluppo insolitamente serio segue sincere Adagio. Tradizionale per la terza parte del menu è sostituito da un'altra parte lenta - le variazioni del tema folk, quindi il secondo bevod è seguito con due trio, e il prodotto è completato con la finale sotto forma di Rondo.

Mozart è stato il primo compositore che ha creato il lavoro per clarinetto, viola e pianoforte, è noto sotto il titolo "Kehelbansky Trio", che dovrebbe essere considerato il risultato del malinteso: una settimana prima della sua creazione, il compositore ha scritto diversi duetti francesi, Posizionamento in autografi, che stavano pensando al gioco nell'arco, ma con la mano leggera degli editori, il nome "Kehelbansky" ha trio il trio. Per la prima volta, suonava nella casa degli amici di Mozart - la famiglia Jacquen, e il partito di pianoforte è stato eseguito da Francis Jacques - uno studente di compositore.

Un altro interessante "esperimento" di Mozart era la creazione di due quartetti per pianoforte (per violino, viola, violoncello e pianoforte) nel 1785-1786. Entrambi quartetto, essendo in tre parti, percepiti come una specie di sonata. Per le prestazioni, sono molto complessi - i critici hanno notato che erano molto facili da rovinare le prestazioni mediocri. Probabilmente per questo motivo, la domanda di note era bassa, e Mozart non ritornava a tale composizione.

Diversi precedenti - nel 1783 - Mozart crea due duetti per violino e viola. Secondo la testimonianza dei contemporanei (tuttavia, non è abbastanza affidabile), la creazione di loro è stata causata dal desiderio di aiutare un amico e un collega al cortile del Colorado - Johann Michael Gaidna (fratello minore). Era malato e non riusciva a finire sei duetti che gli ordinò il Colorado - nel frattempo, il vescovo era di fretta con il completamento del lavoro, minacciando di privare i salari. Mozart ha scritto due duetti mancanti. Per motivi sconosciuti, Haidn non ha mai pubblicato un ciclo e l'appartenenza di due duetti Mozart non ha mai sfidato. Il virtuosismo, idealmente corrispondente alle funzionalità del violino, è combinato in questi duetti con la gravità della forma.

"Kehelbansky Trio" non è l'unico lavoro da camera di Mozart con la partecipazione dello strumento del forno. Nel 1778, essendo a Mannheim, scrive su richiesta di un ricco amante della musica tre quartetto per flauto, violino, viola e violoncello. Il lavoro su di loro non gli ha portato soddisfazione (inoltre, il cliente non ha pagato la quantità promessa) - tuttavia, il primo quartetto - ri-maggiore - non impressiona il lavoro scritto senza desiderio. Flauto presentato in avanti. Il singolo fascino ha una seconda parte triste con il suo sincero solista flauto. Due altri quartetti - con tutta la loro raffinatezza - meno interessante (Mozart non ha nemmeno considerato necessario renderli in tre parti - a differenza del primo, ne sono due). Un altro quartetto è stato scritto già a Parigi. Questo quartetto con le sue varietà scherzose sul tema del Phaziello nella prima parte è percepito come una parodia dei compositori italiani - prima di tutto, su Giuseppe Cambini, che ha sviluppato il genere del quartetto sui temi dell'Aria.

Alcuni gruppi di Camera Ensemble Mozart creati nel calcolo di specifici artisti. Ad esempio, un quartetto per l'Oboe, il violino, la viola e il violoncello è stato scritto nel 1781 per Friedrich Ramma, su cui il compositore risponde come il "primo dei Giro dei Girodisti attualmente sani". Mozart ha dato un musicista la possibilità di piena di dimostrare le sue abilità, incluso il capo e il cantilene e la figurazione e una piccola cadenza nella parte lenta. Nel 1782, ha creato un quintetto per Horsoris, Violini, due Alto e violoncello, Horsorne e Violino, il resto degli strumenti svolge il ruolo principale nella sua consistenza, gli strumenti rimanenti li accompagnano. Diverse opere con la partecipazione di clarinetto dedicato al suo amico Anton Stadler - uno dei primi solisti-clarinetisti. Uno di questi è un sofisticato quintetto per clarinetto da stringhe, che lo stesso Mozart chiamava "Quintet Stadler".

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All'inizio del XVII secolo, Vienna diventa uno dei più grandi centri musicali in Europa. Le comunicazioni provenienti da culture italiane, ceche, polacche, tedesche e poi russe hanno attaccato un sapore speciale della musica austriaca, performing art. L'emergere della II metà della scuola classica di Vienna XVII secolo è diventata la direzione avanzata dell'arte europea nel suo complesso. Le tradizioni folk hanno ricevuto spazio sufficiente per il loro sviluppo. La portata della musica è una presentazione teatrale con musica e ballo, processioni - carnivali, serenate per le strade, lussureggianti viste sui quadrati, nei teatri. Acquisiscono l'enorme popolarità di "opera della scuola", monasteri e cattedrali competono nella formulazione di misteri e opere religiose. Una musica così diffusa e diffusa in vari strati della società non ha ricevuto un tale sviluppo in nessun altro paese.

Violino e Viola erano più popolari dagli strumenti di stringa. I centri più precoci dell'istruzione musicale professionale in Austria erano università, cortigiani e cappelle della chiesa. Una delle migliori cappelle d'Europa è stata la Cappella del Tribunale Asburgo a Vienna (musicista italiano Antonio Salieri è uno dei leader di questa cappella). Capelli sorgono in altre città. I nomi di Leopold e Wolfgang Amadeu Mozartav sono associati a Salisburgo Chapella.

I generi principali della musica strumentale austriaca del XVII secolo sono Suite strumentale, Concerto Grosso, Genere Trio-Sonata.

Johann Heinrich Shmelzer (1623 - 1680) - Violinista e compositore austriaco. Con il suo nome, l'aspetto di un nuovo tipo di violinista è collegato - un solista virtuoso. Era uno dei primi a sviluppare le tradizioni italiane di Trio-Sonata in Austria. Il lavoro più significativo di Shmelzer è una raccolta di sei sonata, dove utilizza note doppie e adesioni complesse di un gioco multi-doppia.

Heinrich Bieber (1644 - 1704) - Violinista e compositore austriaco, studente e seguace di Shmelzer. Il più grande maestro dell'arte del violino del XVII secolo. Tra le tante opere, il valore più alto è un ciclo di 15 sonate di violin (compreso il software), in cui vengono utilizzati deformati, doppie note e altre tecniche di veicoli violin virtuali. Bieber dà omaggio agli effetti resistenti ai sonori, imitando la notte notturna, cuculo, gallo, quaglia e grida di rane, pollo, gatti. Passacal per violino Solo è l'enciclopedia della tecnica del violino del XVII secolo.

Karl Dittersdorf (1739 - 1799)- Uno dei violisisti e compositori austriaci eccezionali del XVIII secolo. Il livello della sua arte performante era estremamente elevato. Ha creato quattordici concerti di violino, dodici deviazioni per due violini e violoncelli, molta sinfonia, camera e musica opera. Insieme a J. Haydn è diventato il creatore di un genere classico del quartetto con il risiedere il violino.

La cultura musicale di Vienna ha creato lo sfondo del verificarsi dello stile classico nel lavoro di J. Gaidna e V. A. Mozart.

Josef Haydn (1732 - 1809) - Uno di quei compositori, la cui creatività il violino sembrava in un nuovo modo. Violino per Haidna è uno degli strumenti preferiti. Haydn ha scritto la musica in un'ampia varietà di generi e forme, ma il principale valore di Haidna è quello di sviluppare musica strumentale (sinfonica e camera). Possiede un numero enorme numero di saggi, tra cui nove concerti di violino (quattro) conservati, dodici sonata trili, sei duetti per violino e viola, più di ottanta quartetto a corda, trio, divertisters e altre opere da camera. Nei suoi sinfoni, il ruolo principale è giocato dai primi violini, che sono assegnati quasi tutto il materiale tematico.

Le sue prime sonate, quartetti e concerti sono campioni luminosi di stile galante e tecnologia. Gli elementi rococò sono più luminosi in Mentreets Haydn, che può essere notato a Mozart.

Quartetto.Nel genere della musica quartetto, Gaidn ha giocato lo stesso ruolo di nella sinfonia, cioè uno dei fondatori di questo genere. Guidn Quartet ha scritto in tutto il percorso creativo, ma il meglio di loro appartiene agli anni '80 e '90.

Il quartetto della Guidn è aumentato sulla base della musica a domicilio, in cui il gioco del quartetto era estremamente comune. Tuttavia, grazie alla profondità e alla luminosità del contenuto musicale, oltre alla perfezione della forma di quartetto, Haydna è uscito per lo stretto quadro della vita musicale domestica, e svolge un ruolo significativo in una vita da concerto.

Non ci sono gioielli esterni in loro cosiddetto lo stile "galante", la pompa decorativa della musica del salone. La semplicità dei melodie della canzone della danza delle persone e della gente è combinata con la meravigliosa abilità del plesso dei voti e del deposito della forma. Divertimento frizzante, ostacola e umorismo popolare di molti quartetti ha causato persino un atteggiamento negativo dei critici conservativi che vedono nei quarti di Gaidnovsky "Insultabile dignità

musica "," pallido ". Ma non solo un pad allegro è caratterizzato dalla musica da camera Gaidna. Nei suoi alloggi, la gradazione di stati d'animo e sentimenti sono diversi - dai testi di Light alle lucernose, anche tragiche emozioni.

Nei Quantità, l'innovazione di Haidna a volte è ancora più audace che in sinfonia. Nonostante la principale importanza del primo violino come voce superiore, nella consistenza generale dell'ensemble, tutti e quattro gli strumenti svolgono un ruolo piuttosto indipendente. In un certo numero di lavori, con la condotta secondaria del loro sviluppo, vengono introdotti tutti e quattro gli strumenti, svolgendo un ruolo piuttosto attivo. Ciò conferisce alla texture del quartetto polifonicità specifica su base omofono-armonica, rende tutto il tessuto musicale mobile. Nei loro alloggi, Haidn usano volentieri e forme appositamente polifoniche. Quindi, le finali del quartetto sono talvolta fugge. La vista è comune che per la prima volta nel genere del quartetto ha introdotto Fugu Beethoven nei suoi ultimi emiti. Ma, come si può vedere, prima che Beethoven ha fatto Haidn!

In alcuni dei suoi alloggi, le parti medi vengono riorganizzate, cioè il menu è il secondo (e non la terza parte, come era consuetudine), e la parte lenta è al terzo posto, prima della finale. Tale cambiamento nell'ordine delle parti medi è dovuto alla natura delle parti estreme del ciclo e sulle considerazioni costruttive associate al principio di contrasto alla base della forma ciclica. Nel genere della Sinfonia, la permutazione dei due Midnings è stata implementata per la prima volta nella nona sinfonia di Beethoven.

Inoltre, nei quartieri "russi" (questi quartetti sono stati dedicati al grande principe russo Paul, poi l'erede del trono) del 1781, Haydn invece di Mentret introduce Scherzo e Sochando, che è parte di loro la seconda parte del ciclo. L'opinione generalmente accettata che Scherzo invece di MENEET introdotto per la prima volta nel ciclo di Symphony Symphony Beethoven è vero solo verso sinfonia e sonata, ma non da quarti.

Numerosi quartetti, trio e altri ensemble Gaidna sono una parte significativa, importante e artisticamente preziosa del patrimonio classico nel campo della musica strumentale della camera

Nel lavoro di Haidna sta diventando la formazione di una classica sonata di treble e un concerto di violino.

Haydn è riuscito a sintetizzare le tradizioni professionali e folk, introdusse l'intonazione popolare e i ritmi nella sua musica.

Come uno dei più grandi rappresentanti della scuola classica di Vienna, Haydn nella sua musica ampiamente usata e ha attraversato biologicamente il folclore musical austriaco in tutta la sua completezza e diversità, in combinazione di diversi elementi nazionali: sud-tedesco, ungherese, slavo. Tra i temi popolari di origine slavica, Haydn ha usato gli argomenti folk croati. Spesso ha applicato a sintoni folk genuini, ma più spesso ha creato le sue melodie nello spirito delle canzoni folk e delle danze.

Il folcloro austriaco è entrato nel lavoro di Haydna così profondamente, il che è diventato la sua "seconda natura". Molte melodie composte da sole

Haydn, divenne folk e anche loro cantavano di coloro che non conoscevano il nome del loro Creatore.

Nella musica strumentale di Haidna (solista, camera e sinfonica) completa e perfetta forma di realizzazione classica ha ricevuto un ciclo symphonico. Tutte e quattro parti del lavoro, che si collegano in un unico concetto artistico, esprimono diversi lati della vita. Di solito la prima parte (Sofate Allegro) è la più drammatica, impulsiva; La seconda parte (lenta) è spesso la sfera delle esperienze di testo, la meditazione silenziosa; La terza parte (MENEET) trasferisce l'atmosfera della danza e lega un ciclo figlio-e-sinfonico con la suite di danza dei secoli XVII-XVIII; La quarta parte (finale) comprende l'inizio del genere nazionali e soprattutto vicino alla canzone folk e alla musica da ballo. Il carattere della famiglia-famiglia ha musica di Gaidnov lavora in generale (per alcune eccezioni), la danza e le canzoni sono permeate non solo dalla musica della terza e della quarta parti del ciclo, ma anche i primi due. Ma allo stesso tempo, ogni parte ha la sua principale funzione drammaturgia guida e partecipa a un implementazione graduale, divulgazione dell'idea dell'intero lavoro.

V. A. Mozart (1756 - 1791) nato nella famiglia di un famoso violinista musicista e compositore Leopoldo Mozart. Le abilità musicali di Mozart si manifestavano a una vera età quando aveva circa tre anni. Suo padre Leopoldo era uno dei principali insegnanti di musica europea. Il suo libro "L'esperienza di una Grope School" è stata pubblicata nel 1756 - nell'anno della nascita di Mozart, resiste a molte edizioni ed è stata trasferita in molte lingue, incluso il russo. Padre ha allenato Wolfgang Basin Basin, violino e organo.

Le prime informazioni sul gioco di Mozart sul violino appartengono all'età di 4 anni. I primi saggi di violino sono 16 sonatas per il violino e la chiave. Sono stati creati per il violino 6-7 concerti, concerti sinfonia per violino e viola, spettacolo consantato per due violini, due concerti Rondo, Adagio e Andante, 35 trili sonatas, due duetti per violino e viola, duetti per due violini, trio, quartetti , Divertistori e altre opere da camera.

L'autenticità del concerto es-dur è ancora dubbio. L'ultimo concerto di Violin Solo è stato il concerto del DUR, noto sotto il 7 ° numero. Lo ha creato ai nomi di sua sorella e lo ha eseguito per la prima volta per la prima volta. Era uno degli ultimi discorsi pubblici di Mozart come violinista. La storia del concerto è insolita. Quasi 130 anni, questo saggio è rimasto sconosciuto. Nel 1835, è stata fatta una copia dall'autografo per Bayo. L'originale è scomparso, e solo nella biblioteca di Berlino c'era un'altra copia. Entrambe le copie erano quasi identiche, il concerto è stato pubblicato e per la prima volta eseguito nel 1907 da diversi artisti.

Una caratteristica distintiva della creatività di Mozart è una combinazione straordinaria di forme rigide e chiare con profonda emotività. L'unicità della sua creatività è che non solo ha scritto in tutte le forme e i generi esistenti nella sua epoca, ma anche in ognuno di loro ha lasciato il lavoro del valore irregolare. La musica di Mozart rivela molti legami con diverse culture nazionali (specialmente italiano), tuttavia, appartiene al terreno prezioso nazionale ed è stampato dalla personalità creativa del grande compositore.

Mozart è uno dei più grandi melodici. La sua melodia combina le caratteristiche della canzone folk austriaca e tedesca con il cantante del cantilene italiano. Nonostante il fatto che le sue opere siano distinte per poesia e sottile grazia, ci sono spesso melodie di natura coraggiosa, con un grande drammatico pathos e elementi di contrasto.

Il valore della creatività del violino V. A. Mozart è impossibile da sovrastimare. Ha influenzato i compositori non solo della Scuola di Vienna, ma anche di altri paesi. Le sue opere servono come modello di un'interpretazione del violino, un esempio di utilizzare le sue opportunità espressive. Da Mozart è una linea di sinfonia di un concerto di violino, l'uso virtuoso-artistico del violino come strumento da concerto.

Nel campo della musica strumentale, la seconda metà del XVIII secolo, Mozart, che ha usato e riassunto le migliori conquiste non solo dei Maestri di Mannheim e Viennese della vecchia generazione, ma anche l'esperienza creativa di Haidna, ha raggiunto le cime più alte . Entrambi i grandi compositori appartenevano a generazioni diverse, ed è naturale che Mozart, nel processo di formazione della loro abilità, studiata sulle opere di Haydna, che ha apprezzato. Ma l'evoluzione creativa di Mozart si è rivelata molto di più, rapida della evoluzione di Haidna, le cui opere migliori (London Symphonies, gli ultimi quartetti, oratori) sono stati scritti dopo la morte di Mozart. Tuttavia, i tre recenti sinfoni di Mozart (1788), e alcuni dei suoi precedenti sinfoni e opere da camera sono una fase storicamente più matura dello strumentalismo europeo rispetto alle ultime creature di Haidna.

Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) Con il lavoro di Ludwig van Beethoven, la prossima fase più importante della stylist evoluzione del complesso strumentale da camera è collegato. Nel 1787, durante il suo soggiorno a Vienna, ha visitato Mozart e lo ha portato ad ammirazione per la sua arte. Dopo la mossa finale a Vienna, Beethoven è stato migliorato come compositore a I. Gaidna. Discorsi concerti di Giovani Beethoven a Vienna, Praga, Berlino, Dresda e Buda passarono con un enorme successo. Il riconoscimento diffuso di Beethoven come performer e compositore. All'inizio del XVIII secolo, era l'autore di molte opere per pianoforte e vari strumenti da camera.

Rappresentante della scuola classica di Vienna. Il compositore ha scritto in tutti i generi che esistevano nel suo tempo, tra cui l'opera, il balletto, la musica per spettacoli drammatici, saggi corali. Ma i più significativi nella sua eredità sono opere strumentali: pianoforte, violino e sonata cellulare, concerti per pianoforte, per violino, quartetti, apertura, sinfonia

L. Beethoven Seguendo Hydean e Mozart, forme sviluppate di musica classica, nell'interpretazione delle parti principali e laterali, propongono il principio di contrasto come espressione di unità degli opposti. Beethoven ha posseduto il violino e alt. Uno dei primi lavori - le vittime variazioni sul "matrimonio figaro", Nocturne per viola e pianoforte. Un concerto per il violino con Orchestra L. Beethoven è il cima di un concerto di violino nella cultura musicale mondiale. Per String-Bethoven Beethoven ha creato un concerto triplo per violino, violoncello e pianoforte con orchestra, due romanzi per violino, dieci violino sonata (5 ° - "primavera", 9-Ala - "creicerova"), cinque sonate per violoncello e pianoforte, variazioni Per violoncello e pianoforte (sugli argomenti di Handel e Mozart), sedici quartetti, una collezione di trio per violino, violoncello e pianoforte. È impossibile non ricordare la musica sinfonica di L. Beethoven: Nove Symphony, Symphony "Coriolian" e "Egmont", che entrò saldamente nel repertorio della musica orchestrale.

Strumentale e, soprattutto, la creatività sinfonica di Ludwig van Beethoven ha un carattere di programma pronunciato. Il contenuto principale dell'eroico sul piano di opere di Beethoven può essere espresso dalle parole: "Attraverso la lotta contro la vittoria". Le contraddizioni della lotta dialettica della vita trovano in Beethoven Bright Artistic

la forma di realizzazione, specialmente nelle opere della forma Sonata - Symphones, Overtures, Sonata, Quartsents, ecc. Ludwig van Beethoven ha ampiamente sviluppato il principio di omettendo, basato sull'opposizione e lo sviluppo di temi contrastanti, nonché elementi contraddittori all'interno dei singoli argomenti. Rispetto alle opere di diretto predecessori di Beethoven nella Scuola classica di Vienna - VA Mozart e J. Haydna - Le sinfoni e i Sonats di Beethoven sono assegnati da larga scala di costruzione, il principale materiale a tema è soggetto a intenso sviluppo esteso, la connessione tra le sezioni Della forma è approfondita, le contraddizioni tra episodi contrastanti sono esacerbati., Temi. Beethoven proseguì dalla composizione orchestrale approvata da Haydn, e solo un po 'lo espanse, ma allo stesso tempo cercava l'enorme reliquia del suono orchestrale, contrasti luminosi. Ludwig van Beethoven ha trasformato l'antico menùe, che faceva parte della sinfonia e sonatas, a Soczo, dando a questo "scherzo" un'ampia gamma espressiva - da un possente divertimento scintillante (nella 3a sinfonia) prima dell'espressione d'ansia, ansia (nel 5 Sinfonia). Il ruolo speciale è assegnato alle finali in sinfonia e codici (conclusioni) in unreight, sinfonia e sonata; Sono progettati per esprimere sentimenti di vittoria.

La creatività Beethoven è una delle cime della storia dell'arte mondiale. Tutta la sua vita e le sue attività parlano della personalità titanica del compositore, che combinavano ingegnoso il gifting musicale con KipuChim, il temperamento ribelle, dotato di una volontà inflessibile e della capacità di un'enorme concentrazione interna. Alta ideologica, basata sulla coscienza del debito pubblico, è stata una caratteristica distintiva di Beethoven - un musicista-cittadino. Il contemporaneo della grande rivoluzione francese, Beethoven riflette nel suo lavoro i movimenti dei grandi popoli di questa era, le sue idee più progressiste. L'era rivoluzionaria ha identificato il contenuto e la direzione innovativa della musica Beethoven. L'eroico rivoluzionario si è riflesso in una delle principali immagini artistiche di Beethoven - un combattimento, sofferenza e alla fine di una personalità eroica relativa alla personalità eroica.

Vero innovatore, un wrestler inflessibile, ha incarnato concetti ideologici in grassetto in musica incredibilmente semplice, chiara, una comprensione conveniente dei più ampi cerchi degli ascoltatori. Le epoche sono sostituite, generazione e la musica immortale di Beethoven si preoccupano ancora e piace ai cuori delle persone.

Concentrarsi brevemente sulle caratteristiche delle singole opere. Per chiarezza, considereremo questi 24 saggi per le composizioni che vengono utilizzate in loro. Come accennato, il pianoforte partecipa a sedici anni. Ma prima - Informazioni sui gruppi di corde.
In totale, i loro sette-tre quartetti, due quintet, due sette \\ queste diverse composizioni sulle loro opportunità colorate hanno attirato il compositore in diversi periodi di creatività: negli anni 1859-1865 sono state scritte sette, nel 1873-1875 - quartetti, in 1882-1890 - Quinta. Il contenuto dei saggi anticipati e successivi - Sestet e quintetti è più semplice, più vicino alle vecchie deviazioni del XVIII secolo o alle serenadas orchestrali di Bramsa stesso, mentre la musica dei quartetti è più approfondita e soggettiva.
Sextes (per due violini, due alt, due violoncelli) B-DUR, o. 18 e G-DUR, OP. 36 Melodico, chiaro e facile da composizione. Questi sono primi campioni di musica di Brahms di un magazzino popolare (vedi, oltre al Serenad, Valsa. 39, danza ungherese e altri). Il primo lavoro ha colpito lo studio dei classici di Vienna - Gaidna, Beethoven, Schubert; Il secondo è in qualche modo ponderato dal lavoro contropunzionale. Ma entrambi sostengono l'accettazione luminosa e gioiosa della vita.
Altre parti si riflettono nei quarti a corda.
Brahms ha ammesso in qualche modo in conversazione che prima dell'inizio degli anni '70 ha scritto circa venti opere per il quartetto delle corde, ma non li ha pubblicati, il manoscritto distrutto. Dai due - c-moll conservati e a-moll - sono stati riciclati sotto il op. 51 nel 1873; Tre anni dopo, il terzo quartetto di B-Dur, o, è stato rilasciato dalla stampa. 67.
L'idea del primo di queste opere è ancora a metà degli anni '50, dal periodo di instabilità di stato, esperienze tempestose di Brahms. L'umore patetico e ondulato ha permeato tutte le parti del quartetto - estremamente assemblata, delineata concisamente; Le vernici sonore sono dominate qui. Questa musica è relativamente sinfonica G-Moll Mozart. Ricordo anche l'immagine della Gothev Vel-Terra con i suoi sogni spezzati dal dramma. Sapore malinconico del suo caratteristico e del secondo quartetto, ma il tono del suo accendino; In finale, e prima degli episodi di altre parti, i sentimenti gioiosi si sfongono. Il terzo quartetto dell'arte è più debole del precedente, ma contiene molti episodi espressivi, specialmente nelle parti medi.
Due capose - f-dur o. 88 e G-DUR, OP. 111- Scritto per composizione omogenea - Due violini, due Alto e violoncello. La maggior parte del succoso Altovo-Tree-PoveDew1 contribuisce all'espressione di sentimenti caldi, abbondanti e chiarezza e brevità della presentazione - la loro condivisione. Altro personaggio coraggioso inerente al primo quintetto; Alleanza gioiosa nello spirito di I. Strauss - il secondo. La luce brillante irradia la musica della sua prima parte e il trio nella terza parte, mentre nel secondo ci sono momenti di una denuncia appassionata. Con la più grande immediata immediata, il divertimento piovoso delle fioriture finali, specialmente dove l'intonazione e i ritmi del suono dei chardas ungheresi.
Il secondo quintetto appartiene al numero del miglior lavoro della camera di Brahms.
Sonatas ricevono una varietà di contenuti - due per violoncello (1865 e 1886) e tre per violino con pianoforte (1879, 1886 e 1888).
Dall'appassionato elegia della prima parte al triste, Vienna nei suoi turni del Menueta della seconda parte e la finale fuggiana con la sua energia assertiva è una tale cerchia di immagini del primo e-Moll Cello Sonata, Or. 38. Lo spirito di romanticismo ribelle si svuota la seconda sonata f-dur, o. 99; È tutto permeato di conflitti acuti, impulsi spirituali agitati. E se questo lavoro è inferiore al precedente in tutto, poi lo supera ancora nelle profondità dei sentimenti e del dramma.
Una prova vivace della fantasia creativa inesauribile di Brahms può servire come sonate violentrinarie - ognuna di esse è individuale in modo univoco.
Prima sonata G-Dur, Or. 78 attrae la poesia, il movimento ampio, fluido e fluido; Ha dei momenti del paesaggio in esso. Come un sole di primavera, si fa strada attraverso le cuture nuvole di pioggia. La seconda sonata a-dur, o. 100, la canzone, allegra, è delineata in modo conciso e assemblato. All'improvviso, l'influenza della migra viene rilevata nella seconda parte. In generale, alcuni "Sona-Tinnost" - La mancanza di grande sviluppo, Drama - lo assegna tra l'altro lavoro da camera di Brahms. Particolarmente grandi differenze dalla terza Sonatas D-MOLL, o. 108. Questo è uno dei prodotti più drammatici e conflitti del compositore, in cui le immagini ribelle-romantiche dei secondi sonata dei cento sono sviluppate con grande perfezione.
La prima parte è indicativa in questo senso. Nonostante il contrasto del contenuto, la sua parte principale e nella festa a basetle è vicina all'altra; Il secondo argomento conferisce l'appello dei principali motivi del primo, ma in altri rapporti di durata.

Entrambi i temi sono nervosi, che portano ulteriormente a uno sviluppo ambiguo, specialmente nell'episodio di un punto di organo resistente a lungo termine sui dominanti (46 orologi). La tensione è migliorata da una falsa repristina (deviazione in FIS-MOLL, quindi D-DUR). Solo dopo una rapida esplosione dei sentimenti sorge l'aspetto iniziale della parte principale. Codice a barre espressivo nel codice - illuminazione in maggiore dopo il paragrafo dell'organo finale sul tonico (22 orologio).
Se la musica della seconda parte, dove la generosità più miracolosa è completata da un'altra, più appassionata, piena di calore e umanità, la parte seguente predominò le immagini delle visioni raccapriccianti. Come un pensiero non revocativo, come promemoria di qualche incubo, il capo breve del motivo suona.
Nelle finali con la stessa forza, un inizio di protesta rapidamente è rotto. Sul movimento ritmico di Tarantellah, ci sono immagini di un'approvazione orgogliosa, quindi una caduta accidentale è come viene creata un'atmosfera efficace della lotta. Questa finale può essere classificata come le migliori pagine eroiche-drammatiche di Brahms (mercoledì con la terza sinfonia).
Meno esattamente il contenuto di tre trio del pianoforte.
Il primo trio di h-dur, op. 8 appartiene all'Autore di 20 anni del Perù. Conquista la giovinezza dell'invenzione, emozione romantica. Ma, come si è svolto alla fase iniziale della creatività di Brahms, i confronti sagomati non sono sempre proporzionati. Il compositore non è riuscito a eliminare completamente questo svantaggio e nella successiva edizione (1890) quando è stato sottoposto a una riduzione di circa un terzo della musica. Secondo trio c-dur, op. 87 (1880-1882) è privo di tale immediatezza emotiva, anche se nella forma è più completamente. Ma il terzo trio c-mol, op. 101 (1886) si erge a livello dei migliori saggi della camera di Brahms. Lascia un'impressione indelebile per forza coraggiosa, becco e musica full-sangue di questo trio. La prima parte è intrisura di un potere epico, in cui il flusso costante degli argomenti della parte principale è completata da una melodia innovinica ispiratrice.
Il grano iniziale della loro intonazione coincide. Questo fatturato permea ulteriormente lo sviluppo. Le immagini di Scherzo, tutto il suo magazzino di fantasia contrasta con la terza parte, dove è dominato il semplice entusiasmante entanglement nello spirito popolare. L'ultimo adeguato il ciclo, glorificando la volontà creativa dell'uomo, i suoi exploit darned.
In un altro, l'infertilità di Brahms ha sentito la gioia della vita in t r e o es-dur, o. 40 Utilizzo di una composizione insolita - francese naturale (può essere sostituito da violoncello), violino e pianoforte. Creato a metà degli anni '60, il lavoro è, tuttavia, affascina la percezione della vita giovane e fresca e fresca e emotivamente aperta. La musica si sviluppa rapidamente e facilmente. Viene ascoltato in grasso malinconico e appassionata esaurimento per natura; Ci sono anche dipinti divertenti di caccia alle foreste. Forse né un'altra edizione non ha aperto completamente l'anima pulita ed entusiasta di Brahms-Romance!.
Un periodo ancora precedente include tre quartetti per pianoforte, concepiti alla svolta degli anni '50 e '60. I primi due - G-moll, op. 25 e A-DUR, OP. 26 - sono stati quindi completati. Due diverse decisioni di esempio sono fornite in queste opere. Il primo quartetto, così come il primo trio, si distingue per una generosa abbondanza del tema-telo, un romantico cambiamento di immagini, un'ampia copertura di varie sfumature di stati mentali: Patetica, non privata della tragedia, dei sentimenti di vaga ansia o gioia serena - usando i motivi ungheresi e zingari. Il secondo quartetto, emettendo un forte impatto dei classici di Vienna, meno contrasto nel contenuto - regna leggermente il sapore leggermente allegro. In un piano, il terzo quartetto C-MOLL, o. 60 (concepito allo stesso tempo, rifinito solo nel 1874), ma il suo altro magazzino, vicino al primo quartetto d'archi. Di nuovo, come lì, ricordo l'immagine del tragicamente infelice, che si è mai fatto sulla morte del Verte. Ma le raffiche di disperazione qui vengono trasferite a passione ancora maggiore.
L'espressione perfetta del periodo "Storm and Natiska" nella biografia creativa di Brahms conferisce al pianoforte Piano Quintet F-Moll, o. 34. Questo lavoro è il migliore non solo in questo periodo, ma forse, in tutto il patrimonio strumentale della camera del compositore. V. Stasov ha chiamato il quintetto "veramente geniale" * notando il "potere tragico e nervoso" della prima parte e il "potere incomparabile", "colossalità" Scherzo.
Brahms si rivolse a un saggio nel 1861, pensando a farlo per stringa. Ma il potere e il contrasto delle immagini hanno bloccato le possibilità di stringhe. Poi gli editori sono stati scritti per due pianoforte, ma non ha soddisfatto il compositore. Solo nel 1864, è stata trovata la forma desiderata, dove il quartetto delle corde era sostenuto da pianoforte a
La musica quente raggiunge la vera tragedia. Ogni parte è satura di immagini di azione, raffiche inquietanti e ansia appassionata, mascolinità e adamant. L'eccitante dramma spirituale con una grande forza viene trasmessa nella prima parte, i cui vari temi sono combinati con sottili lavori contropunzionali e variazionali, connessioni motivi flessibili che preparano le transizioni da uno stato a un altro (cm, esempi 39a - E),

Per la seconda parte, un cerchio di quelle immagini che esprimono tipico per i sentimenti di Brahms di un dolore spirituale schiaffeggiato, speranza timida. Il ritmo di Schiming della ninnananna è combinato con elementi del Lendler. I momenti delineati di Genere Generalizzations sono rinforzati nello Scherzo, a Bethenski in conflitti esacerbanti. Il trio enfatizzerà il carattere di una marcia, che acquisisce un suono epico, - è nata l'idea dei marcia folk (sposati con la finale della prima sinfonia). La quarta parte traduce l'azione per una nuova situazione di conflitto, ma non mostra il suo risultato. Ruoti tematici sorgono e con la prima parte, e con un tema "sorto" di Scherzo. La finale di quente parla di una lotta senza fine per la felicità, il dramma completo e le taglienti contraddizioni.
Nello stesso argomento, ogni volta che lo risolveva in modo diverso, Brahms tornò alla fine della sua vita nel terzo sonaso del violino e nel terzo trio del pianoforte. Ma negli ultimi quattro composti da camera (1891 -1894) altri argomenti e immagini sono incarnati.

Queste opere sono associate al clarinetto!. Non solo la conoscenza con un performer meraviglioso su questo strumento (Mülfeld da Maiangen Orchestra), ma anche il Timbre del clarinetto - la sua plastica, il solven e allo stesso tempo intonazione sincero - attraeva Brahms.
Un minor successo è un trio per clarinetto, violino e pianoforti a piano, o. 114. Nonostante le singole pagine espressive, tutta la più razionalità della composizione prevale in essa sull'ispirazione. In un rapporto ideale, questi due fattori sono nel seguente lavoro - Quintetto per clarinetto e quartetto String H-Moll, Or. 115 \\ Argomento di esso è addio alla vita, ma allo stesso tempo la gioia dell'esistenza, trattenuta dal dolore spirituale. Argomenti simili erano preoccupati per Brahms e nella prima stringa, e nel terzo trimestre del pianoforte. Ma lì il loro permesso è stato acquisito da un'ombra drammatica nervosa, condensata; Qui in tutte le parti del ciclo, unite in stato d'animo, c'è una luce sorellata liscia, come se fosse emessa dal sole delicato al tramonto. L'unità dell'umore è supportata anche dal costante ritorno del motivo principale modificato del lavoro, in generale, la sua musica è sorprendente da una saggia semplicità: il compositore sembra essere perso mezzi di espressività.
Due sonatopo per clarinetto con pianoforte - f-moll e es-dur - o. 120 Brahms hanno detto addio al genere strumentale da camera; Il primo è drammatico, con le caratteristiche della latitudine epica, il secondo è più lirico, nel carattere dell'ia appassionata elegia. Due anni dopo, alla fine di questi Sonat, nel 1896, Brahms ha creato altri due, le ultime opere, ma in altri generi: "Quattro settori rigorosi" per il basso con pianoforte e "11 prelimo corali per l'organo" (pubblicato postumamente) .