Εκδόσεις της ενότητας Μουσεία

Πρόδρομοι των διάσημων: Ρώσοι καλλιτέχνες του 19ου αιώνα

Η Ρωσία είναι δικαίως περήφανη για τους καλλιτέχνες της - τους «Αμαζόνες της πρωτοπορίας» Goncharova ή Rozanova, και πριν από αυτούς - Serebryakova ή Ostroumova-Lebedeva, και πριν από αυτούς ... Και ποιος ήταν πριν από αυτούς; Εμείς λέμε ποιος άνοιξε το δρόμο για την ευημερία γυναικεία δημιουργικότηταΧΧ αιώνα. Το ερώτημα μελετήθηκε από τη Σοφία Μπαγντασάροβα.

Ο αριθμός των γυναικών που ζωγραφίζουν άρχισε να αυξάνεται σαν χιονοστιβάδα από το 1900. Αλλά τον προηγούμενο αιώνα, μετρήστε τους στο ένα χέρι. Αυτό οφειλόταν τόσο στη χαμηλή διαθεσιμότητα γυναικείας εκπαίδευσης όσο και στην πατριαρχική ιδέα για το ποια επαγγέλματα είναι κατάλληλα για τις κυρίες. Η κατάσταση άλλαξε σταδιακά.

Ρομανόφ

Το έργο της Maria Feodorovna, συζύγου του Paul I. Portrait of Paul I. 1790

Οι πρώτοι επαγγελματίες καλλιτέχνες στη Ρωσία, φυσικά, ήταν ξένοι - η Dorothea Gzel (σύζυγος ενός ζωγράφου που προσκλήθηκε από τον Peter I), η Marie-Anne Collot (κόρη του γλύπτη Falcone), η Elisabeth Vigee-Lebrun (σύζυγος του καλλιτέχνη Jean-Baptiste Lebrun) και άλλοι.

Ίσως ο πρώτος Ρώσος καλλιτέχνης είναι επίσης ξένος - αυτή είναι η αυτοκράτειρα Μαρία Φεοντόροβνα, η σύζυγος του Παύλου Ι. Ρώσος μεγάλη δούκισσαΑπό το 1776, απολαμβάνει τους καρπούς της εξαιρετικής γερμανικής εκπαίδευσής της: έγραφε με παστέλ, ζωγράφιζε σε γυαλί με μολύβδινα μολύβια και ήταν επίσης μια από τις πρώτες στον κόσμο που κατέκτησε τις δεξιότητες στροφής. Τα καλύτερα καμέα της σε ίασπι ή αχάτη είναι πορτρέτα των συγγενών της. Οι κόρες της αυτοκράτειρας ζωγράφισαν και γλυπτά επίσης ανάγλυφα. Και το κύριο πράγμα είναι ότι η Maria Fedorovna δίδαξε όχι μόνο τα παιδιά της, αλλά ασχολήθηκε επίσης με την εκπαίδευση όλων των γυναικείων θεμάτων της γενικά. Ίδρυσε ινστιτούτα και σχολεία, κατέληξε σε προγράμματα σπουδών, δηλαδή περιέγραψε ένα σαφές σχέδιο για την ανάπτυξη της γυναικείας εκπαίδευσης στη Ρωσία, στο οποίο η χώρα τήρησε για έναν ολόκληρο αιώνα.

Η συνονόματή της, μια άλλη αυτοκράτειρα Μαρία Φεοντόροβνα (σύζυγος του δισέγγονου της Αλέξανδρου Γ'), ασχολήθηκε επίσης με τη ζωγραφική. Η κόρη της κληρονόμησε την ικανότητα να ζωγραφίζει, μεγάλη δούκισσαΌλγα Αλεξάντροβνα. Αυτό τη βοήθησε να ταΐσει τα παιδιά στη μετανάστευση: ακόμα κι αν οι ακουαρέλες της δεν είναι τόσο ταλαντούχες, οι αγοραστές χάρηκαν που είχαν κάτι "από τους Ρομανόφ".

Αρχόντισσες αρχόντισσες

Σταδιακά, έγινε όπως στην Ευρώπη: κάθε μορφωμένη κοπέλα έπρεπε να μπορεί να χορεύει, να κεντάει και να σχεδιάζει. Μεταξύ των ευγενών της εποχής του Αλέξανδρου και του Νικολάεφ, εμφανίστηκαν ερασιτέχνες καλλιτέχνες που διακοσμούσαν τα άλμπουμ και τα αξέχαστα βιβλία τους με διάφορα σκίτσα. Οι κυρίες δούλεψαν στο μοντέλο των έργων άλλων καλλιτεχνών: για παράδειγμα, η κουμπάρα Ekaterina Bakunina (παντρεμένη με Poltoratskaya), το θέμα του πάθους του Pushkin, δημιούργησε την "αυτοπροσωπογραφία" της αφαιρώντας ένα αντίγραφο από ένα σχέδιο του Orest Kiprensky ; αντιγράφονται επίσης τα πορτρέτα της μητέρας και του συζύγου της.

Μερικές κυρίες έχουν κατακτήσει την τεχνική των παστέλ (κόρη του στρατηγού Kamensky Alexander Rzhevskaya, ανιψιά των Panin Counts Alexander Repnin). Νεαρές κυρίες από τις οικογένειες Sheremetev, Dolgoruky και Apraksin ασχολήθηκαν με το σχέδιο. Η ζωγραφική των μινιατούρων σε ελεφαντόδοντο θεωρούνταν αξιοπρεπής, όπως και η Άννα Μπουτουρλίνα, η ανιψιά του καγκελαρίου Βοροντσόφ. Και οι πιο ταλαντούχοι τόλμησαν να ζωγραφίσουν με λάδια - μια επίπονη «ανδρική» τεχνική. Ανάμεσά τους η κόρη του επικεφαλής του Ινστιτούτου Smolny, Alexander Buhler, και η ξαδέρφη του Gogol Glafira Psel, μαθήτρια του Γενικού Κυβερνήτη της Μικρής Ρωσίας.

Γ. Ψελ. Πορτρέτο μιας αδερφής. 1839

Α. Μπουτουρλίνα. Αυτοπροσωπογραφία. 1817

Ε. Μπακούνινα (Πολτοράτσκαγια). Πορτρέτο της μητέρας. 1828

Κόρες και αδερφές

Μαρία Ντούρνοβα. Πορτρέτο ενός αγοριού. 1820

Οι αριστοκράτες βέβαια διδάσκονταν από επισκέπτες δασκάλους. Τα κορίτσια που γεννήθηκαν σε καλλιτεχνικές οικογένειες κατέκτησαν τις τέχνες με διαφορετικό τρόπο. Τα πρώτα παραδείγματα είναι προφανώς κόρη ιστορικός ζωγράφοςΟ Trofim Durnov Maria και ο διάσημος ζωγράφος του είδους Venetsianov Alexander. Τα έργα της Βενετσιάνοβα δεν είναι πλέον ερασιτεχνικά και δεν φοβόταν να ζωγραφίζει με λάδια. Κρίμα που η εξάρτηση από συγγενή-δάσκαλο είναι εμφανής: φυσικά η κοπέλα δημιούργησε Είδος πινάκων ζωγραφικής... Ωστόσο, οι καλλιτέχνες των μεταγενέστερων γενιών αμάρτησαν επίσης με αυτό: πάρτε την Olga Lagoda-Shishkina, η οποία σπούδασε στην Αυτοκρατορική Ακαδημία Τεχνών τη δεκαετία του 1870. Έγινε πρώτα μαθήτρια και στη συνέχεια σύζυγος του διάσημου Ιβάν Σίσκιν. Η Olga Lagoda-Shishkina, όπως και ο σύζυγός της, ζωγράφισε στο είδος του τοπίου. Το έργο του Isaac Levitan εμπνεύστηκε από τη Sofia Kuvshinnikova, μαθήτρια και μακροχρόνια ερωμένη του.

Προς τα τέλη του αιώνα οι γυναίκες από καλλιτεχνικές οικογένειεςαποκτήσουν τη γλώσσα τους. Κανείς δεν θα κατηγορήσει την ταλαντούχα αδερφή του Polenov Elena μαζί της παραμύθια... Το δικό της στυλ είχε και η κόρη του Konstantin Makovsky, Elena Luksh-Makovskaya.

Επιμελείς μαθητές

Η επαγγελματική κατάρτιση για τις γυναίκες ξεκίνησε στα τέλη της δεκαετίας του 1830, όταν άνοιξαν μαθήματα σχεδίου για κορίτσια υπό την Imperial Society for the Encouragement of the Arts. Η Evdokia Bakunina και η Ekaterina Khilkova σπούδασαν σε αυτά. Ο πίνακας της Khilkova που απεικονίζει αυτές τις δραστηριότητες έχει διατηρηθεί. Με τον καιρό, οι γυναίκες άρχισαν να γίνονται δεκτές στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας. Δύο εθελόντριες του σχολείου, η Antonina Rzhevskaya και η Emilia Shanks, είναι οι μόνες γυναίκες που έγιναν δεκτές στον Σύνδεσμο των Πλανόδιων. Το 1842 άνοιξαν στην Αγία Πετρούπολη βραδινά τμήματα για γυναίκες στη Σχολή Ζωγραφικής της Αγίας Πετρούπολης για εθελοντές.

Γυναίκες έγιναν επίσης δεκτές στην Αυτοκρατορική Ακαδημία Τεχνών - για πρώτη φορά ως εθελοντές έως και 30 άτομα, συμπεριλαμβανομένης της μελλοντικής συζύγου του Σίσκιν. Για τις γυναίκες του 19ου αιώνα, που άρχισαν να σκέφτονται τη χειραφέτηση, ορόσημο ήταν το 1854, όταν μια γυναίκα, η αδελφή του Σούχοβο-Κομπυλίνα, η Σοφία, έλαβε το μετάλλιο της Ακαδημίας για πρώτη φορά. (Παρεμπιπτόντως, δύο χρόνια νωρίτερα, μια γυναίκα έγινε πρόεδρος της Ακαδημίας - η αδερφή του Αυτοκράτορα, η Μεγάλη Δούκισσα Μαρία Νικολάεβνα.) Το 1873, στην Ακαδημία, οι μαθητές είχαν τη δυνατότητα να σπουδάσουν στις ίδιες τάξεις με τους μαθητές, αλλά με την πάροδο του χρόνου Ο αριθμός των κοριτσιών αυξήθηκε τόσο πολύ που αποφάσισαν να φτιάξουν το δικό τους τμήμα. Μεικτή μάθηση, και μάλιστα σε κρατική υπηρεσία, ήταν ένα προχωρημένο φαινόμενο: έτσι,

Βαν Γκογκ, Ματίς, Γκογκέν, Νταλί... Και εκατοντάδες άλλοι άντρες, ιδιοφυΐες ζωγραφικής, που ακούγονται από όλους, τους οποίους γνωρίζουμε και αγαπάμε από την παιδική ηλικία. Αλλά οι εκπρόσωποι του όμορφου μισού της ανθρωπότητας φαίνεται να παραμένουν στο περιθώριο ... Πόσο συχνά ακούγεται η προσβλητική, άδικη ερώτηση: "Γιατί δεν υπάρχουν διάσημοι καλλιτέχνες ανάμεσα στις γυναίκες; Ίσως δεν δίνονται;" Φυσικά, αυτό δεν ισχύει. Σήμερα θα θυμηθούμε τους μεγάλους καλλιτέχνες, Ρώσους και ξένους, των οποίων οι πίνακες δικαίως θεωρούνται παγκόσμια αριστουργήματα. Επτά σπουδαία ονόματα, επτά δύσκολα τα πεπρωμένα των γυναικώνστον κόσμο εικαστικές τέχνες, που θεωρείται ότι είναι αρσενικό ...

Ναταλία Γκοντσάροβα(1881−1962) - δισέγγονος της ίδιας Natalya Nikolaevna Goncharova, συζύγου του Alexander Sergeevich Pushkin (κάποτε ο καλλιτέχνης σχεδίασε τις Ιστορίες του Τσάρου Σαλτάν, αποτίοντας έτσι φόρο τιμής στη διάσημη συγγένεια).
Σπούδασε ζωγραφική υπό την καθοδήγηση του εξαίρετου καλλιτέχνη και δασκάλου Konstantin Korovin. Μαζί με τον σύζυγό της, M. F. Larionov, έναν από τους ιδρυτές της ρωσικής πρωτοπορίας, οργάνωσαν το σωματείο « Γαϊδουροουρά". Το 1915 έλαβε μια πρόσκληση από τον Sergei Diaghilev να εργαστεί στις Ρωσικές Εποχές - μια περιοδεία χορευτών όπερας και μπαλέτου στο Παρίσι.
Η Natalia Goncharova έχει ξεπεράσει όλους τους καλλιτέχνες του κόσμου με τη σημερινή αξία των καμβάδων της. Το 2008, το ρεκόρ τιμής στην "γυναικεία κατηγορία" έσπασε ο πίνακας "Λουλούδια", που πωλήθηκε στον οίκο Christie's για περισσότερα από 10 εκατομμύρια δολάρια. Το έργο είναι ένα από τα βασικά έργα της ρωσικής πρωτοπορίας, καθώς συνδυάζει στοιχεία του ευρωπαϊκού ιμπρεσιονισμού και μιας απολύτως καινοτόμου σκηνοθεσίας η Γκοντσάροβα και ο σύζυγός της - τα λεγόμενα. «Ραγιονισμός». Όπως, όλα τα αντικείμενα που βλέπουμε είναι το άθροισμα των ακτίνων που διαθλώνται από αυτά ακριβώς τα αντικείμενα. Ο καλλιτέχνης πειραματίστηκε επίσης με τον πρωτογονισμό, χρησιμοποιώντας αγιογραφία.
Το 2010, στη δημοπρασία του Λονδίνου, ο πίνακας "Ισπανίδα" σημείωσε άλλο ένα ρεκόρ τιμής - ο τυχερός ιδιοκτήτης του χώρισε με 1,216 εκατομμύρια δολάρια.
Σήμερα, τα περισσότερα από τα έργα της Natalia Goncharova βρίσκονται στην γκαλερί Tretyakov.

Ναταλία Γκοντσάροβα. «Παγώνι κάτω ΛΑΜΠΕΡΟΣ Ηλιος". 1911.

Φρίντα Κάλο(1907-1954) - το πιο διάσημο Μεξικανός καλλιτέχνης, που δοξάζεται από πολύχρωμες αυτοπροσωπογραφίες. Στη δουλειά της είχε αισθητή επίδραση στο μ Μεξικάνικη κουλτούρα και τέχνη των λαών της προκολομβιανής Αμερικής. Στυλ τέχνηςΗ Φρίντα Κάλο χαρακτηρίζεται ως λαϊκή τέχνη ή αφελής τέχνη.
Η Φρίντα είχε κακή υγεία σε όλη της τη ζωή - έπασχε από πολιομυελίτιδασε ηλικία έξι ετών και υπέστη επίσης ένα σοβαρό τροχαίο ατύχημαστην εφηβεία, μετά την οποία χρειάστηκε να υποβληθεί σε πολλές επεμβάσειςπου την επηρέασε για το υπόλοιπο της ζωής της. Ήταν μετά την τραγωδία που ζήτησε για πρώτη φορά από τον πατέρα της πινέλα και μπογιές. Ο πρώτος πίνακας ήταν μια αυτοπροσωπογραφία, η οποία καθόρισε για πάντα την κύρια κατεύθυνση της δημιουργικότητας. Έγραψε στο ημερολόγιό της:«Γράφω ο ίδιος γιατί περνάω πολύ χρόνο μόνος και γιατί είμαι το θέμα που γνωρίζω καλύτερα».
Το 1929Η Κάλο παντρεύτηκε τον καλλιτέχνη Ντιέγκο Ριβέρα.Η θυελλώδης τους ζώντας μαζίέγινε θρύλος.
Το 1937 Στο σπίτι του Ντιέγκο και της Φρίντα, που τηρούν τις κομμουνιστικές απόψεις, βρήκε για λίγο καταφύγιο ο σοβιετικός επαναστάτης ηγέτης Λεβ Τρότσκι; αυτός και η Φρίντα ξεκίνησαν μια σχέση.
Στα σαράντα Οι πίνακες της Φρίντα Κάλο εμφανίζονται σε αρκετές αξιόλογες εκθέσεις. Παράλληλα, τα προβλήματα υγείας της επιδεινώνονται. Τα φάρμακα και τα φάρμακα για τη μείωση της σωματικής ταλαιπωρίας την αλλάζουν Κατάσταση μυαλού, που αποτυπώνεται ξεκάθαρα στο ημερολόγιο, που έχει γίνει λατρεία μεταξύ των θαυμαστών της.Το 1953 η πρώτη της προσωπική έκθεση έγινε στην πατρίδα της... Μέχρι εκείνη τη στιγμή, η Φρίντα δεν μπορούσε πλέον να σηκωθεί από το κρεβάτι και την έφεραν στα εγκαίνια της έκθεσης σε ένα κρεβάτι νοσοκομείου. Ένα χρόνο αργότερα, η εμβληματική καλλιτέχνης και στιλ είδωλο πέθανε, αλλά η ίδια η ζωή της, ζωντανή εικόνακαι οι καταπληκτικοί πίνακες έχουν γίνει ένας εμπνευσμένος θρύλος για εκατομμύρια ανθρώπους σε όλο τον κόσμο...

Φρίντα Κάλο. «Αυτοπροσωπογραφία (Ο Ντιέγκο στις σκέψεις)». 1943.

Μαρία Μπασκίρτσεβα(1858 - 1884) - γεννήθηκε στην επαρχία Πολτάβα. Είναι η πρώτη Ρωσίδα καλλιτέχνης της οποίας οι πίνακες, «Ζαν και Ζακ» και «Συνάντηση», κοσμούσαν τους τοίχους του Λούβρου. Ωστόσο, το μεγαλύτερο μέρος της δουλειάς της δεν επέζησε του Πρώτου Παγκόσμιου Πολέμου. Εκτός από 150 πίνακες, 200 σχέδια και πολλές ακουαρέλες, η Μαρία Μπασκίρτσεβα άφησε πίσω της τη λογοτεχνική της κληρονομιά - το «Ημερολόγιο», το οποίο κρατούσε στα γαλλικά από την ηλικία των 15 ετών. Μετά το θάνατό της μεταφράστηκε σε όλες τις ευρωπαϊκές γλώσσες και σύντομα εκδόθηκε στην Αμερική. Αξιοσημείωτο είναι ότι η μητέρα έσκισε από το ημερολόγιο όλες τις σελίδες στις οποίες αναφέρονταν οι φεμινιστικές απόψεις της κόρης της. Είναι γνωστό ότι η Μαρία Μπασκίρτσεβα υποστήριξε ενεργά τα δικαιώματα των γυναικών. Οι ακαδημαϊκοί κανόνες της ζωγραφικής φάνηκαν και στη φύση της. Προτιμούσε να δουλεύει στο ύπαιθρο, ζωγράφιζε τα πρόσωπα των Παριζιάνων αρπαγμένων από τα καθημερινά τοπία των δρόμων.
Η ηλικία της καλλιτέχνιδας, δυστυχώς, δεν ήταν μεγάλη: πέθανε από φυματίωση σε ηλικία μόλις 25 ετών. V τα τελευταία χρόνιαΣτη ζωή της, η καλλιτέχνης αλληλογραφούσε με τον Guy de Maupassant, ο οποίος είπε στον τάφο της: «Αυτό ήταν το μοναδικό Τριαντάφυλλο στη ζωή μου, του οποίου το μονοπάτι θα έδινα με τριαντάφυλλα, γνωρίζοντας ότι θα ήταν τόσο φωτεινό και τόσο σύντομο!». Και η μεγάλη Marina Tsvetaeva αφιέρωσε μια συλλογή πρώιμων στίχων "Evening Album" στη Bashkirtseva.

Μαρία Μπασκίρτσεβα. «Ομπρέλα της βροχής». 1883.

Μαίρη Κάσατ(1844-1926) — διάσημος Αμερικανός καλλιτέχνηςκαι γραφίστας που ζωγράφιζε στο στυλ του ιμπρεσιονισμού. Έζησε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής της στη Γαλλία, ήταν φίλη με τον Edgar Degas και την Barta Morisot. Τα κίνητρα για τους καμβάδες της ήταν οι εικόνες της κοινωνικής και προσωπικής ζωής των γυναικών, με ιδιαίτερη έμφαση στη στενή σχέση μεταξύ μητέρων και παιδιών.
Αν και η οικογένεια της Μαίρης αντιτάχθηκε στην επιθυμία της να γίνει επαγγελματίας καλλιτέχνης, άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Πενσυλβάνια στη Φιλαδέλφεια. Ανυπόμονη στον αβίαστο ρυθμό της μάθησης και την πατρονική στάση του αρσενικού μισού των μαθητών και των δασκάλων, αποφάσισε να συνεχίσει μόνη της τις σπουδές της και το 1886 μετακόμισε στο Παρίσι.
Βλέποντας τα παστέλ του Έντγκαρ Ντεγκά στη βιτρίνα ενός καταστήματος που πουλούσε πίνακες, έγραψε σε μια φίλη της: «Έπρεπε να πάω και να πιέσω τη μύτη μου στο παράθυρο για να απορροφήσω ό,τι μπορούσα από τη ζωγραφιά του. Μου άλλαξε τη ζωή. Είδα την τέχνη όπως ήθελα να τη δω». Γνώρισε τον Ντεγκά το 1874. Αυτόςτην προσκάλεσε να συμμετάσχει σε μια έκθεση των ιμπρεσιονιστών και τα έργα της Mary Cassatt εκτέθηκαν το 1879.
Η Cassatt έγινε εξαιρετικά έμπειρη στη χρήση παστέλ, ζωγραφίζοντας τελικά πολλούς από τους καμβάδες της χρησιμοποιώντας αυτή την τεχνική.
Μια σειρά αυστηρά γραμμένων, διακριτικά σημειωμένων, μη συναισθηματικών εικόνων μητέρας και παιδιού είναι το κύριο θέμα των πιο διάσημων έργων της.
Η δεκαετία του 1890 ήταν η πιο πολυάσχολη και δημιουργική περίοδος της ζωής της για την Cassatt. Την μιμήθηκαν οι νέοι Αμερικανοί καλλιτέχνεςπου χρειαζόταν τη συμβουλή και την υποστήριξή της.Σε αναγνώριση της προσφοράς της στην τέχνη, το 1904έλαβε το παράσημο της Λεγεώνας της Τιμής.
Η Mary Cassatt πέθανε το 1926στο Château de Beaufrene, κοντά στο Παρίσι, και θάφτηκε στην κρύπτη της οικογένειας.

Μαίρη Κάσατ. «Γυναίκες που θαυμάζουν ένα παιδί». 1897.

Zinaida Serebryakova(1884−1967) - Ρώσος ρεαλιστής καλλιτέχνης. Ο παππούς και ο προπάππους της αφιερώθηκαν στην αρχιτεκτονική, ο πατέρας της ασχολήθηκε με τη γλυπτική και τη ζωγραφική και ο διάσημος καλλιτέχνης και κριτικός Alexander Benois ήταν μεταξύ των θείων της, έτσι η Zinaida έκανε φίλους με πινέλο και καμβά από την παιδική ηλικία.
Η Serebryakova παντρεύτηκε τον ξάδερφό της. Οι συγγενείς δεν ενέκριναν αυτή την ένωση και η καλλιτέχνις και ο σύζυγός της έπρεπε να μεταναστεύσουν, αφήνοντας τα παιδιά τους στη Ρωσία. Για να δει τον γιο της Zinaida Serebryakova ήταν τυχερός μόνο μετά από 36 χρόνια ...
Σήμερα, οι καμβάδες του καλλιτέχνη πωλούνται για υπέροχα χρήματα. Και κατά τη διάρκεια της ζωής της στο Παρίσι, προσπαθούσε να βγάλει τα προς το ζην ζωγραφίζοντας πορτρέτα, αλλά πολύ συχνά τα έδινε απλώς στους πελάτες. Λόγω της φτώχειας, η Serebryakova αναγκάστηκε ακόμη και να κάνει χρώματα μόνη της. Δεν μπορούσε να επιστρέψει στη Ρωσία: ο Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος την απέκοψε από την πατρίδα της.
Το περισσότερο διάσημος πίνακας Zinaida Serebryakova - αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη "Behind the Toilet" (1909). Για πρώτη φορά, το κοινό άρχισε να μιλά για το ταλέντο του συγγραφέα μετά την παρουσίαση του έργου στην VII έκθεση της «Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών» (1910). Σήμερα η αυτοπροσωπογραφία του 25χρονου καλλιτέχνη φυλάσσεται στην γκαλερί Tretyakov. Και ο πίνακας "Στο πρωινό" (1914), οι ήρωες του οποίου ήταν τα παιδιά της Serebryakova, ονομάζεται ένα από τα καλύτερα παιδικά πορτρέτα στην ιστορία της ζωγραφικής.

Zinaida Serebryakova. «Πίσω από την τουαλέτα». Αυτοπροσωπογραφία. 1909.

Berthe Morisot (1841-1895) — Γάλλος ιμπρεσιονιστής ζωγράφος. Την έφερε η ανιψιά στον διάσημο καλλιτέχνη, δεξιοτέχνη του στυλ ροκοκό, Jean Honore Fragonard,ήταν παντρεμένος με τον Ευγένιο Μανέ, αδελφός του φίλου και συναδέλφου του Εντουάρ Μανέ. Τα χαρακτηριστικά της Berthe είναι γνωστά στους γνώστες του ιμπρεσιονισμού, αφού ο Μανέ τη ζωγράφιζε συχνά.
Ο Morisot γεννήθηκε στο Bourges, σε μια εύπορη αστική οικογένεια. Αυτή και η αδερφή της Έντμα Μορισό έγιναν καλλιτέχνες. Η οικογένεια, αφού η Μπέρτα είχε αποφασίσει για την επιλογή επαγγέλματος, δεν παρενέβη στην καριέρα της. Σπούδασε ζωγραφική κοντά στον Κ. Κόρο, δουλεύοντας μαζί του στο ύπαιθρο.
Το 1864 εξέθεσε το έργο της για πρώτη φορά σε ένα από τα πιο διάσημα εκθέσεις τέχνηςΓαλλία - Σαλόνι Παρισιού... Τα έργα της επιλέχθηκαν για συμμετοχή σε έξι Σαλόνια στη σειρά, ώσπου το 1874 εντάχθηκε στην ομάδα των «παριών» ιμπρεσιονιστών, που δημιούργησε ο Σεζάν., Ντεγκά, Μονέ , Morisot, Pissaro, Ρενουάρ και Σίσλεϋ , και συμμετείχαν στην πρώτη τους έκθεσηστο στούντιο του φωτογράφου Nadar.
Ο φωτεινός πίνακας του B. Morisot, γεμάτος φως και μια χαρούμενη αίσθηση ζωής, δημιουργεί ελκυστικές εικόνες που προκαλούν ένα αίσθημα αρμονίας και ομορφιάς στην ψυχή. Στους πίνακές της δεν υπάρχουν κοινωνικά κίνητρα και εκρήξεις συναισθημάτων, αλλά μας έκαναν να δούμε με νέο τρόπο τα καθημερινά και γνώριμα γεγονότα. Καθημερινή ζωή, ανέπνεαν ζεστασιά, άνεση και ήσυχη οικογενειακή ευτυχία. Αυτή η κατεύθυνση της ζωγραφικής αποδείχθηκε ότι ήταν σε ζήτηση, οι πίνακες της Berta αγοράστηκαν με ανυπομονησία, προκάλεσαν πάντα το ενδιαφέρον των θεατών σε εκθέσεις. Ο καλλιτέχνης είχε πολλούς οπαδούς σε όλο τον κόσμο, ιδιαίτερα μεταξύ των γυναικών ζωγράφων.

Berthe Morisot. «Πιάνοντας πεταλούδες». 1874.

Έλενα Πολένοβα(1850 - 1898) - αδελφή του διάσημου Ρώσου ζωγράφου Βασίλι Πολένοφ. NS μια καλλιτέχνιδα που δημιούργησε έναν παραμυθένιο κόσμο στους καμβάδες της.
Γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη, στην οικογένεια ενός επιστήμονα-ιστορικού. Το ενδιαφέρον για τις μυθικές πλοκές προέρχεται από την παιδική ηλικία: η μικρή Λίλι, όπως την αποκαλούσε η οικογένειά της, διάβαζε πάντα ρωσικά λαϊκά παραμύθια. Μαζί με τον αδερφό της σπούδασε σχέδιο με τον διάσημο καλλιτέχνη και δάσκαλο, τον συγγραφέα της μεθόδου «ευρείας όψης», Πάβελ Τσιστιακόφ. Δεδομένου ότι ο δρόμος προς την Ακαδημία Τεχνών είχε διαταχθεί για γυναίκες εκείνη την εποχή, το κορίτσι σπούδασε με τον Ivan Kramskoy στο σχολείο της Αγίας Πετρούπολης της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Τεχνών.
Η προσωπική ζωή της Έλενα Πολένοβα δεν λειτούργησε. Σε αντίθεση με τη δημιουργική του ζωή: ο ίδιος ο Τρετιακόφ απέκτησε αρκετά έργα για τη συλλογή. Υπέροχα οικόπεδατης ήρθαν εικόνες σε ένα όνειρο. Και δούλεψε σε καμβάδες στο κτήμα του προστάτη Mamontov, Abramtsevo. Εδώ, για παράδειγμα, γεννήθηκε το «The Beast» - ένα τέρας που κλέβει μια ψυχή από το βασίλειο των ελαφρών ονείρων.
Τα τελευταία χρόνια της ζωής της, η καλλιτέχνις ερμήνευσε πολλά σκίτσα με φανταστικά φυτικά στολίδια για κορνίζα εικόνων, κεντήματα και κεραμικά. Σχέδιο φυτικά στολίδιαΗ Polenova έδειξε ανεξάντλητη φαντασία, βρίσκοντας κάθε φορά μια νέα διάταξη λουλουδιών, έναν νέο ρυθμό, δημιουργώντας μια θυελλώδη και δυναμική ροή μορφών. Η Έλενα Πολένοβα πέθανε στις 19 Νοεμβρίου 1898 στη Μόσχα, στο απόγειο της δύναμης και του ταλέντου της, χωρίς να εκπληρώσει πολλά σχέδια. Έτσι, έπρεπε να διακοσμήσει το ρωσικό περίπτερο στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι το 1900 ...

Έλενα Πολένοβα. «Ο Ιβάν Τσαρέβιτς και το Πυροπούλι». 1896.

• 29.03.2019 Πουλήθηκε το 50% των παρτίδων, αγόρασε τη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη. Οι συναλλαγές πραγματοποιήθηκαν με φόντο την καλή αγοραστική δραστηριότητα
• 27.03.2019 Στις 12 και 13 Απριλίου 2019, ο οίκος δημοπρασιών Hargesheimer Kunstauktionen GmbH στο Ντίσελντορφ (Γερμανία) θα πραγματοποιήσει την επόμενη ανοιξιάτικη δημοπρασία " Ρωσική τέχνη"Και" ρωσικά και ελληνικά εικονίδια "
• 27.03.2019 Η μεγαλύτερη ζήτηση ήταν για Κοσμήματα, πορσελάνη και ασημικά
• 26.03.2019 Για τη δημοπρασία έργων ζωγραφικής, γραφικών και τεχνών και χειροτεχνίας, που θα πραγματοποιηθεί στις 28 Μαρτίου, το «Λογοτεχνικό Ταμείο» ετοίμασε 165 παρτίδες: από την εικόνα τέλη XVIIαιώνα και γκραβούρες που απεικονίζουν τον αυτοκράτορα Πέτρο Β' από το πρώτο τρίτο του 18ου αιώνα έως τα έργα των συγχρόνων μας
• 26.03.2019 Παραδοσιακά είκοσι παρτίδες είναι δέκα ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣ, πέντε φύλλα πρωτότυπων γραφικών, δύο έργα σε ανάμεικτα μέσα, ένα γλυπτό συγγραφέα, ένα πορσελάνινο πιάτο και μία φωτογραφία

• 12.03.2019 Αυτό το συμπέρασμα περιέχεται σε μια μελέτη που δημοσιεύθηκε τον Μάρτιο του 2019 από το Γραφείο Οικονομικής Ανάλυσης των ΗΠΑ (BEA) και το Εθνικό Κληρονομικό για τις Τέχνες (NEA)
• 11.12.2018 Πριν από τρεις μήνες, τέθηκε σε ισχύ το κυβερνητικό διάταγμα αριθ. Εξηγώ τι φταίει
• 06.12.2018 Κάτω από κάθε εικόνα παρτίδας, δείτε το πραγματικό αποτέλεσμα που μετατράπηκε από λίρες σε δολάρια με ισοτιμία 1,28. Και συγκρίνετε με την πρόβλεψη AI
• 27.11.2018 Οι επιμελητές της έκθεσης Comet Tail είναι οι Elena Basner, Yuri Avvakumov και Sergey Sazonov. Η συγγραφέας της ιδέας είναι η Natalia Karovskaya. Οκτώ απομιμήσεις παρουσιάζονται ειδικά σε ξεχωριστή αίθουσα. Συμπεριλαμβανομένου του σκανδαλώδους «Samovar» του Μάλεβιτς
• 20.11.2018 Βαθμολογία από τα περισσότερα ακριβή εργασίαΟι ζωντανοί καλλιτέχνες είναι μια κατασκευή που μιλάει για το ρόλο και τη θέση του καλλιτέχνη στην ιστορία της τέχνης πολύ λιγότερο παρά για την ηλικία και τη δύναμη της υγείας

• 29.03.2019 Η διάσημη καλλιτέχνης της Μόσχας Tatyana Yan θα παρουσιάσει το νέο της προσωπικό έργο Opus incertum στο Antique Center στο Sadovy
• 29.03.2019 Ο θησαυρός των περίπου δύο χιλιάδων αντικειμένων σχεδιάζεται να διατεθεί στο ευρύ κοινό μέχρι το τέλος του τρέχοντος έτους. Θα εκτεθεί πλήρως στην πτέρυγα του παλατιού όπου έμενε ο Νικόλαος Α'
• 28.03.2019 Η έκθεση στο House of I.S.Ostroukhov στη λωρίδα Trubnikovsky έχει προγραμματιστεί να συμπέσει με την 80η επέτειο από τη γέννηση του V. Erofeev και την 50η επέτειό του διάσημο έργο... Η έκθεση αποτελούνταν από έργα του καλλιτέχνη Kirill Mamonov βασισμένα στο ποίημα "Moscow - Petushki"
• 26.03.2019 Στην έκθεση ενός από επιφανείς εκπρόσωποιτέχνη της εποχής της στασιμότητας, της περεστρόικα και της μετασοβιετικής εποχής, 86 ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣκαι μία εγκατάσταση βίντεο από την Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov και ιδιωτικές συλλογές
• 06.03.2019 V Θεατρική γκαλερίμια προσωπική έκθεση του Vladimir Lyubarov ανοίγει στη Malaya Ordynka

Ας μιλήσουμε για τις «Γυναίκες Καλλιτέχνες» και τι σημαίνει αυτός ο όρος.

Εδώ είναι μερικά πράγματα στον κόσμο της τέχνης για τα οποία γνωρίζω:

Το 2013, κάθε καλλιτέχνης στις 100 κορυφαίες δημοπρασίες ήταν άνδρας.
Το 2014, δεν υπήρχαν γυναίκες στο top 40.
Το 2015, μόνο πέντε στους 34 γκαλερί τέχνηςκαυχήθηκε για λίστες στις οποίες οι γυναίκες αποτελούν περισσότερο από το 50 τοις εκατό. Και αυτό είναι στην Αμερική - ο ηγέτης της παγκόσμιας δημοκρατίας!

Λιγότερο από το τέσσερις τοις εκατό των καλλιτεχνών σε σύγχρονη τέχνηστη συλλογή του Metropolitan στη Νέα Υόρκη, έργο γυναικών, αλλά, προσοχή (!) - το 76% των πινάκων - γυμνές ή ημίγυμνες γυναίκες. Από το 2007, μόνο το 29 τοις εκατό των ατομικών εκθέσεων στο Whitney Museum έχουν επικεντρωθεί σε γυναίκες καλλιτέχνες.

Οι άντρες καλλιτέχνες εξακολουθούν να διαιωνίζουν τον μύθο ότι οι γυναίκες κακούς καλλιτέχνες«Ακόμη κι αν πάνω από το 90 τοις εκατό των μαθημάτων ζωγραφικής στην ακαδημία τέχνης είναι γυναίκες, είναι γεγονός ότι πολύ λίγες από αυτές θα καταφέρουν να γίνουν πραγματικά ισχυροί καλλιτέχνες», δήλωσε φέτος ο Georg Baselitz.

"Εάν οι γυναίκες είναι αρκετά φιλόδοξες για να πετύχουν, μπορούν να το κάνουν, ευχαριστώ. Αλλά μέχρι στιγμής, δεν έχουν καταφέρει να αποδείξουν ότι θέλουν επιτυχία. Συνήθως, οι γυναίκες πωλούν καλά τον εαυτό τους, αλλά όχι ως καλλιτέχνες".

Αυτά είναι απλά νούμερα, ναι, και μπόρεσα να τα βρω σε κριτικές για την αμερικανική τέχνη. Η ίδια καταθλιπτική εικόνα στην τέχνη είναι και η δική μας.
Χαιρετίζω μια πιο ολοκληρωμένη στατιστική ανασκόπηση (αν και αμφιβάλλω ότι θα είναι διαφορετική ιστορία), και αν έχετε άλλα νούμερα, γράψτε. Αλλά σήμερα ένα πράγμα είναι ξεκάθαρο - η πραγματικότητα είναι ότι οι γυναίκες υποεκπροσωπούνται στον κόσμο της τέχνης.

Μικρή ερώτηση: γιατί υπάρχουν τόσες λίγες γυναίκες - καλλιτέχνες του δρόμου? Είναι μόνο λίγοι, ενώ υπάρχουν εκατοντάδες άντρες σε αυτή την περιοχή! Οι καλλιτέχνες που γνωρίζουμε σήμερα δεν είναι χειρότεροι και μερικές φορές καλύτεροι από τον Banksy. Αποδεικνύεται ότι για να επιτύχουν την επιτυχία στην τέχνη του δρόμου, οι γυναίκες πρέπει να ξεπεράσουν σοβαρά τους άνδρες - μόνο τότε θα γίνουν αντιληπτές. Είναι όμως μόνο προς αυτή την κατεύθυνση;

Ο όρος «καλλιτέχνης» υπογραμμίζει αναγκαστικά τη γυναικεία πατρότητα οποιουδήποτε έργου εκτελείται από αυτήν.

Διαχωρίζοντας γυναίκες καλλιτέχνες και άνδρες, ο κριτικός μπορεί να πει ότι η «γυναικεία τέχνη» πρέπει να προσεγγιστεί με διαφορετικό κριτήριο. Αλλά μια προσέγγιση με διαφορετικό κριτήριο σημαίνει, αρχικά, παραμέληση και υπερεκτίμηση του πήχη για τις γυναίκες.

Η Ρουθ Ασάουα γεννήθηκε το 1926 στην Καλιφόρνια. Έλαβε το παρατσούκλι "Lady Fountain" λόγω της κλίσης της στο σχέδιο ασυνήθιστα σιντριβάνιαιδίως στο Σαν Φρανσίσκο. Στις αρχές της καριέρας της, έμαθε να πλέκει με βελονάκι γλυπτά από σύρμα, δημιουργώντας κομμάτια που συνδύαζαν ρεαλισμό και αφαίρεση.

Η Vivianna Torun αναφέρεται συχνά ως μια από τις πιο διάσημες κοσμηματοπώλες της Σουηδίας, μια κορυφαία κοσμηματοπώλη με προσωπικό στυλ. Μίλησε με τον Πικάσο και τον Ματίς σε σαλόνια του Παρισιού.

Χρησιμοποιώντας την έννοια του φύλου ως φίλτρο μέσω του οποίου αναλύουμε την τέχνη, εισάγουμε περιορισμούς.

Υπάρχουν καλλιτέχνες που δηλώνουν σταθερά, «Δεν θεωρώ τον εαυτό μου κορίτσι καλλιτέχνη, είμαι απλώς καλλιτέχνης». Και αυτή είναι μια απολύτως νόμιμη δήλωση για ένα άτομο.

Οι γυναίκες καλλιτέχνες είναι απλώς καλλιτέχνες. Αλλά όχι σήμερα. Σήμερα, γυναίκα στην τέχνη είναι ένα άτομο που το έργο του κρίνεται με βάση το φύλο. Σήμερα οι γυναίκες αποτελούν μειοψηφία στην τέχνη.

Και η επιλογή του επαγγέλματος που κάνουν είναι δικαίωμα, όχι προνόμιο.

Τώρα μπορείς να με λούσεις με παντόφλες, αλλά αυτό που γράφεται εδώ είναι απλώς η αλήθεια.

Το ερώτημα γιατί δεν υπήρχαν σπουδαίοι καλλιτέχνες στην ιστορία της τέχνης παραμένει ακόμα επίκαιρο, αν και η κριτικός τέχνης Linda Nokhlin το απάντησε το 1971 σε ένα δοκίμιο με το ίδιο όνομα. Η συντακτική μας επιτροπή, από την πλευρά της, αποφάσισε να θυμηθεί τους καλλιτέχνες του παρελθόντος που ασχολούνταν με τη ζωγραφική, τη γλυπτική, το ύφασμα - με μια λέξη, την τέχνη, παρά την απρόσιτη εκπαίδευση, την έλλειψη δικαιωμάτων και την παραμέληση των συγχρόνων τους.

Plautilla Nelly (1524-1588)
Ιταλία

Plautilla Nelly. Η Αγία Αικατερίνη με ένα λουλούδι. Ευγενική προσφορά της Γκαλερί Ουφίτσι

Ο πρώτος διάσημος καλλιτέχνης της Αναγέννησης της Φλωρεντίας ήταν μοναχή του μοναστηρίου της Αγίας Αικατερίνης της Σιένας της Φλωρεντίας και αργότερα έγινε ηγουμένη του. Σε αντίθεση με τους περισσότερους μοναστικούς καλλιτέχνες, η δουλειά της δεν περιοριζόταν στην εικονογράφηση χειρογράφων - έγραψε πολυμορφικούς καμβάδες σε θρησκευτικά θέματα και σπούδασε ζωγραφική μόνη της, αντιγράφοντας έργα άλλων δασκάλων. Η καλλιτέχνης, ξεχασμένη εδώ και καιρό από την ιστορία της τέχνης, κυρίως λόγω του μικρού αριθμού των σωζόμενων έργων, ήταν ωστόσο αρκετά δημοφιλής στην εποχή της. Για παράδειγμα, η Giorgio Vasari γιόρτασε το έργο της στις Ζωές των πιο διάσημων ζωγράφων, γλυπτών και αρχιτεκτόνων. Και αυτός, στο πνεύμα της φεμινιστικής κριτικής τέχνης, έγραψε ότι η Plautilla Nelly «θα μπορούσε να δημιουργήσει υπέροχα πράγματα αν είχε, όπως οι άνδρες, την ευκαιρία να μελετήσει και να σχεδιάσει και να αναπαράγει τη ζωντανή φύση». Τα έργα του καλλιτέχνη μπορείτε να δείτε στο Γκαλερί Ουφίτσι, όπου η έκθεση «Plautilla Nelly. Μοναστική τέχνη και ευσέβεια στα χνάρια του Σαβοναρόλα» (μέχρι τις 4 Ιουνίου).

Caterina van Hemessen (1528 - μετά το 1587)
Ολλανδία

Κάθριν βαν Χέμεσεν. Πορτρέτο μιας γυναίκας. Ευγενική προσφορά του Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο Φλαμανδός καλλιτέχνης ήταν μια όμορφη κόρη διάσημος δάσκαλοςΓιαν βαν Χέμεσεν, που της έμαθε να ζωγραφίζει. Ζωγράφιζε κυρίως πορτρέτα, αλλά έχουν διασωθεί και οι πίνακές της με θρησκευτικά θέματα (ήταν πιο γοητευτικό να τα ζωγραφίζεις από τα είδη του είδους). Κατέχει ένα από τα παλαιότερα Βόρεια Ευρώπηαυτοπροσωπογραφίες στην εργασία (δεν έγινε αποδεκτό να τονιστεί η κοινωνική θέση του καλλιτέχνη, καθώς και να επιδειχθούν εργαλεία εργασίας). Η καλλιτέχνης ήταν αρκετά επιτυχημένη στην εποχή της: ήταν μέλος της συντεχνίας του Αγίου Λουκά και είχε μάλιστα τρεις μαθητές. Αργότερα, γύρω στη δεκαετία του 1540, η Katherine van Hemessen έγινε η αυλική ζωγράφος της Μαρίας της Αυστρίας. Η υψηλή προστασία της εξασφάλισε την ελευθερία της από τον έλεγχο της συντεχνίας και μια αξιοπρεπή συντήρηση, και μετά το θάνατο της Μαρίας της Αυστρίας το 1558, η Katherine van Hemessen έλαβε μια σύνταξη που της παρείχε μια άνετη ζωή.

Sofonisba Anguissola (περίπου 1532 - 1625)
Ιταλία

Sofonisba Anguissola. Ευγενική προσφορά του Μουσείου Kunsthistorisches, Βιέννη, Αυστρία

Η Sofonisba Anguissolu διακρίνεται από πολλούς επαγγελματίες καλλιτέχνες για την καταγωγή της: γεννήθηκε σε μια αριστοκρατική οικογένεια, ενώ οι περισσότερες από τις συναδέλφους της ήταν κόρες καλλιτεχνών που τους δίδαξαν την τέχνη. Όπως και οι πέντε αδερφές της, έλαβε μια ευέλικτη εκπαίδευση, συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής, σύμφωνα με μια εκδοχή, λόγω του γεγονότος ότι η οικογένεια δεν είχε κληρονόμο για μεγάλο χρονικό διάστημα και ήταν δύσκολο να παρέχει προίκα σε έξι κόρες. Ωστόσο, μόνο ο Sofonisbe κατάφερε να πετύχει στην επαγγελματική ζωγραφική, σε μεγάλο βαθμό χάρη στην ενεργό βοήθεια του πατέρα του, ο οποίος ζήτησε από αξιόπιστους δασκάλους την υποστήριξη του νεαρού καλλιτέχνη, συμπεριλαμβανομένου του Michelangelo. Ως καλλιτέχνης της αυλής, υπηρέτησε για σχεδόν 15 χρόνια στην ισπανική αυλή, όπου είχε υψηλή θέση, αν κρίνουμε από το γεγονός ότι πριν από την επιστροφή της στην Ιταλία, ο βασιλιάς Φίλιππος Β' διάλεξε για σύζυγό του έναν πλούσιο Σικελό αριστοκράτη και της παρείχε με προίκα. Η καλλιτέχνης ειδικεύτηκε στην προσωπογραφία, επειδή δεν μπορούσε να ανταγωνιστεί τους άνδρες στην απεικόνιση πολυμορφικών συνθέσεων: οι γυναίκες απαγορευόταν να μελετούν το γυμνό. Στα έργα της συνδύαζε τις παραδόσεις της ιταλικής και της ισπανικής προσωπογραφίας, γι' αυτό πολλοί από τους πίνακες της Anguissola τον 19ο αιώνα, όταν το ενδιαφέρον για το έργο της ουσιαστικά εξαφανίστηκε, αποδόθηκαν κατά λάθος στον Alonso Sanchez Coelho, ο οποίος εργάστηκε στην ισπανική αυλή περίπου την ίδια περίοδο, ο Τζιοβάνι Μορόνι ακόμα και ο Τιτσιάν. Η πρώτη μεγάλη προσωπική έκθεση της καλλιτέχνιδας πραγματοποιήθηκε μόλις το 1994, την ίδια περίπου περίοδο έγινε και η αποκατάσταση του ονόματός της στην ιστορία της τέχνης.

Marietta Robusti (περίπου 1560 - 1590)
Ιταλία

Μαριέττα Ρομπούστη. Αυτοπροσωπογραφία. Ευγενική προσφορά της Γκαλερί Ουφίτσι

Η μεγαλύτερη κόρη του Jacopo Robusti, πιο γνωστή ως Tintoretto. Ο καλλιτέχνης τη δίδαξε ο ίδιος και στη συνέχεια εργάστηκε στο εργαστήριό του. Ο βιογράφος του Tintoretto Carlo Ridolfi έγραψε ότι στην παιδική ηλικία η Marietta μεταμφιέστηκε σε αγόρι για να συνοδεύει τον πατέρα της παντού. Λίγα είναι γνωστά για τη ζωή της, καθώς και για τη δουλειά της. Μόνο ένα έργο της Μαριέττας Ρομπούστι που αποδίδεται με ακρίβεια έχει διασωθεί - το «Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου με ένα αγόρι» (περίπου το 1585), που θεωρείται από καιρό πίνακας του Τιντορέτο, μέχρι που το 1920 βρέθηκε πάνω του το μονόγραμμα του καλλιτέχνη. Η ταύτιση των έργων της παρεμποδίζεται από την ομοιότητα του τρόπου της με τον πατέρα της και την έλλειψη αξιόπιστων περιγραφών για τα έργα του καλλιτέχνη στα οποία συμμετείχε. Η επιτυχία της Μαριέττας μπορεί να κριθεί από το γεγονός ότι προσκλήθηκε δύο φορές να γίνει καλλιτέχνης του δικαστηρίου - ο Φίλιππος Β' και ο Μαξιμιλιανός Β', και τις δύο φορές ο πατέρας δεν άφησε την κόρη του να φύγει και δεν είχε το δικαίωμα να φύγει από μόνη της . Αντί να υπηρετήσει στο δικαστήριο, ο Τιντορέτο την πάντρεψε με τον Βενετό κοσμηματοπώλη Jacopo Augusta. Μια μικρή ποσότητα απόΤα σωζόμενα έργα μπορούν επίσης να εξηγηθούν από τη σύντομη ζωή της καλλιτέχνιδας: πέθανε σε ηλικία περίπου 30 ετών, πιθανώς στη γέννα.

Judith Leyster (1609-1660)
Ολλανδία

Judith Leyster. Αυτοπροσωπογραφία. Ευγενική προσφορά της Εθνικής Πινακοθήκης Τέχνης, Ουάσιγκτον DC

Γιατί η Judith Leister έγινε καλλιτέχνης και από ποιον σπούδασε ζωγραφική (ο πατέρας της ήταν ζυθοποιός) είναι άγνωστο. Ωστόσο, το 1633 εντάχθηκε στη συντεχνία του Χάρλεμ του Αγίου Λουκά και έγινε η μόνη γυναίκα σε αυτό που είχε το δικό της εργαστήριο τέχνης και άντρες μαθητές. Το 1636, η καλλιτέχνης παντρεύτηκε τον συνάδελφό της Jan Miense Molinard και ουσιαστικά σταμάτησε να ζωγραφίζει, τουλάχιστον μόνη της. Η δημιουργική κληρονομιά της Judith Leyster, που έγραφε κυρίως σκηνές του είδους, όπως συνέβαινε συχνά με τις γυναίκες καλλιτέχνες, μετά το θάνατό της ουσιαστικά εξαφανίστηκε: πολλά έργα χάθηκαν και μερικά άλλα αποδόθηκαν σε άλλους συγγραφείς. Για παράδειγμα, το "The Merry Couple" (1630) μέχρι το 1893 θεωρούνταν ένα από τα καλύτερα έργαΦρανς Χαλς, και με το όνομά του το Λούβρο αγόρασε τον πίνακα. Και το Amsterdam Rijksmuseum απέκτησε το «Merry Master» του (1629) ως ένα από τα πιο διάσημα έργα του ίδιου Hals.

Mary Beale (1633-1699)
Ηνωμένο Βασίλειο

Μαίρη Μπιλ. Πορτρέτο μιας άγνωστης γυναίκας. Ευγενική προσφορά του Μουσείου Hall του Moyse

Η Mary Beale θεωρείται η πρώτη επαγγελματίας καλλιτέχνης στην Αγγλία και, κυρίως, η δουλειά της ήταν που απέφερε το κύριο εισόδημα της οικογένειας. Ο σύζυγος της καλλιτέχνιδας τη βοήθησε στο εργαστήριο και φρόντισε για το διοικητικό κομμάτι της δουλειάς. Κάποτε θεωρούνταν μια από τις καλύτερες ζωγράφους πορτρέτων στην Αγγλία, οι πίνακές της εκτιμήθηκαν ιδιαίτερα από τον τότε δημοφιλή ζωγράφο της αυλής Peter Lely, με τον οποίο ήταν φίλοι και του οποίου καλλιτεχνική επιρροήέμπειρος.

Mary Moser (1744-1819)
Ηνωμένο Βασίλειο

Μαίρη Μόζερ. Νεκρή φύση. Ευγενική προσφορά της βρετανικής βασιλικής συλλογής

Μια λιγότερο γνωστή σύγχρονη της Angelica Kaufman ήταν η δεύτερη γυναίκα ιδρύτρια της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών. Στο διάσημο ομαδικό πορτρέτο ακαδημαϊκών (1771-1772) του Johann Zoffani, αντιπροσωπεύεται από ένα πορτρέτο δίπλα στην εικόνα του Kaufman - οι γυναίκες ακαδημαϊκές, προφανώς, δεν μπορούσαν να συμμετάσχουν στη σκηνή με γυμνά ανδρικά μοντέλα, έτσι ο καλλιτέχνης έδειξε παρουσία με πορτρέτα. Όπως ο Κάουφμαν, έτσι και η Μαίρη Μόζερ ήταν ελβετικής καταγωγής, αν και, σε αντίθεση με την πρώτη, γεννήθηκε στο Λονδίνο, στην οικογένεια του καλλιτέχνη Τζορτζ Μάικλ Μόζερ, του οποίου οι διασυνδέσεις βοήθησαν πολύ την καριέρα της κόρης του. Έλαβε το πρώτο της μετάλλιο της Royal Society of Arts σε ηλικία 14 ετών για τα σχέδια με λουλούδια. Συνέχισε να επικεντρώνεται στην απεικόνιση φυτικών νεκρών φύσεων, και έγινε μία από τις δύο καλλιτέχνες με τέτοια εξειδίκευση στην ακαδημία.

Marie-Denise Villiers (1774-1821)
Γαλλία

Μαρί-Ντενίζ Βιλιέ. Σχέδιο νεαρής γυναίκας. Παραχώρηση του Μητροπολιτικό Μουσείοτης τέχνης

Όπως συμβαίνει συχνά με τους καλλιτέχνες, τα έργα της Marie-Denise Villiers ουσιαστικά δεν έχουν διασωθεί και η βιογραφία είναι γνωστή μόνο αποσπασματικά. Οι αδερφές της σπούδασαν επίσης ζωγραφική, η ίδια σπούδασε με την Anne-Louis Girodet-Triozon και, πιθανώς, με τον Jacques-Louis David, ο οποίος όχι μόνο πήρε τις γυναίκες ως φοιτητές, αλλά και ενθάρρυνε το ενδιαφέρον τους για ιστορικά θέματα. Έσπρωξε τους καλλιτέχνες να συμμετέχουν σε σαλόνια, όπου, μετά τη Μεγάλη Γαλλική επανάστασητους δόθηκε ευρεία πρόσβαση. Η Marie-Denise Villiers έχει συμμετάσχει στα σαλόνια αρκετές φορές, μια φορά έχοντας λάβει ένα έπαθλο 1.500 φράγκων. Ένα αντίγραφο του πίνακα της "Ένα παιδί σε μια κούνια, παρασυρμένο από την πλημμύρα του μήνα Nivoz το Χ έτος", που παρουσιάστηκε σε ένα από τα σαλόνια, παραγγέλθηκε από τον Πρίγκιπα Νικολάι Γιουσούποφ για το Αρχάγγελσκ. Το περισσότερο διάσημη εικόναΟ Villiers Painting Young Woman (1801) από το Μητροπολιτικό Μουσείο θεωρείται από καιρό το έργο του Ντέιβιντ και έχει υποστεί μια σειρά ανακατανομών - από τον Φρανσουά Ζεράρ σε έναν άλλο μαθητή του Ντέιβιντ, την Κονστάνς Καρπεντιέ.

Rose Boner (1822-1899)
Γαλλία

Rose Bonneur. Όργωμα στο Nevers. Ευγενική προσφορά του Musée d "Orsay

Ήταν ίσως η πιο επιτυχημένη καλλιτέχνης του 19ου αιώνα και μια από τις πιο διάσημες ζωγράφους ζώων. Ο πατέρας της, δάσκαλος τέχνης, ανήκε στη σχολή των Σενιμονιστών, που διακήρυξαν τα ιδανικά της ισότητας των γυναικών. «Γιατί δεν μπορώ να είμαι περήφανη που είμαι γυναίκα; Ο πατέρας μου, ένθερμος οπαδός του ανθρωπισμού, μου είπε πολλές φορές ότι ο ρόλος των γυναικών είναι να εξυψώνουν το ανθρώπινο γένος, ότι οι γυναίκες είναι ο Μεσσίας των αιώνων. Από αυτόν, από τις διδασκαλίες του, έμαθα για τον μεγάλο, ευγενή σκοπό του σεξ, για τον οποίο είμαι περήφανος και του οποίου την ανεξαρτησία θα υπερασπιστώ μέχρι τελευταία μέραη ζωή μου…”- είπε η Rosa Boehner. Όλη της η ζωή ήταν αντίθετη με τις παραδοσιακές ιδέες για τη θηλυκότητα: δεν παντρεύτηκε, εξηγώντας την άρνηση του γάμου από την απροθυμία της να χάσει την ανεξαρτησία της, φορούσε παντελόνι(δικαιολογημένη από τις ιδιαιτερότητες της εργασίας με ζώα) και ζούσε με γυναίκες, αν και ποτέ δεν αποκάλεσε τον εαυτό της λεσβία. Η διεθνής επιτυχία της ήρθε μετά την παράσταση στο Σαλόνι το 1853 του πίνακα "The Fair of the Horses". Αργότερα, η Βασίλισσα Βικτώρια οργάνωσε μια ιδιωτική έκθεση αυτού του πίνακα στα Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ και γενικά, τα έργα της Boehner ήταν ακόμη πιο δημοφιλή στη Μεγάλη Βρετανία από ό,τι στη γενέτειρά της Γαλλία. Ωστόσο, στο σπίτι, έγινε η πρώτη καλλιτέχνις που έλαβε το Τάγμα της Λεγεώνας της Τιμής και μεταξύ των άλλων βραβείων της ήταν το Ισπανικό Τάγμα της Καθολικής Ισαβέλλας και το Τάγμα του Λεοπόλδου του Βελγίου, που επιβεβαιώνει τη διεθνή της φήμη.

Marianne North (1830-1890)
Ηνωμένο Βασίλειο

Μαριάν Νορθ. Νεπενθές βορειανά. Phillips, A., A. Lamb & C.C. Lee Publishing 2008

Ταξιδιώτης και εικονογράφος βοτανικής, η Marianne North δεν ήταν καλλιτέχνης με τη στενή έννοια της λέξης: δεν έλαβε επαγγελματική εκπαίδευση... Κατά τη διάρκεια της παιδικής της ηλικίας και της εφηβείας της, η Marianne επισκεπτόταν συχνά τους Βασιλικούς Βοτανικούς Κήπους, Kew, ο διευθυντής του οποίου ήταν φίλος του πατέρα της, όπου μελέτησε την τροπική χλωρίδα. Μετά τον θάνατο του γονέα της, η Marianne North, η οποία εκείνη την εποχή ήταν σχεδόν 40 ετών, έλαβε μια σταθερή κληρονομιά, η οποία της επέτρεψε να μην παντρευτεί και να ταξιδέψει σχεδόν για το υπόλοιπο της ζωής της. Είχε μια βαθιά αηδία για τον γάμο, πιστεύοντας ότι μετατρέπει μια γυναίκα σε «κάτι σαν ανώτερη υπηρέτρια». Σχεδόν ένα τέταρτο του αιώνα, από το 1871 έως το 1885, αφιέρωσε στα ταξίδια σε όλο τον κόσμο και στην απεικόνιση φυτών. Η North ζωγράφισε τα ευρήματά της με λάδια, αν και το είδος της βοτανικής εικονογράφησης υπονοούσε γραφικά και απεικόνιζε φυτά στο φυσικό τους περιβάλλον και όχι σε λευκό φόντο, όπως συνηθιζόταν τότε. Ελλείψει έγχρωμης φωτογραφίας, τα έργα της με σχολαστικά λεπτομερείς λεπτομέρειες ήταν χρήσιμα για επιστημονικούς σκοπούς. Η Marianne North μοιράστηκε τα βοτανικά της ευρήματα με τον Charles Darwin και δώρισε το έργο στους Royal Botanic Gardens, Kew, όπου χτίστηκε μια γκαλερί ειδικά για αυτούς με δικά της έξοδα.

Χάριετ Πάουερς (1837-1911)
ΗΠΑ

Χάριετ Πάουερς. Βιβλικός καμβάς. Ευγενική προσφορά του Μουσείου Καλών Τεχνών, Βοστώνη

Η Χάριετ Πάουερς γεννήθηκε ως σκλάβος στη Τζόρτζια. Συνδύασε την παραδοσιακή αμερικανική τεχνική γεμίσματος με απλικέ εργασίες με ρίζες από την Ανατολική Αφρική για να δημιουργήσει μοναδικά συνονθύλευμα. Μόνο δύο από τα έργα της έχουν διασωθεί, στα οποία στράφηκε σε βιβλικά θέματα, τοπικούς θρύλουςκαι, για λόγους που δεν είναι πλήρως κατανοητοί, αστρονομικά φαινόμενα. Το πρώτο της έργο, The Biblical Canvas (1885-1886), αγοράστηκε από την καλλιτέχνη Jenny Smith όταν τον εντόπισε στην έκθεση βαμβακιού Atense το 1886. Στη συνέχεια, η Πάουερς αρνήθηκε να αποχωριστεί τη δουλειά, αλλά τέσσερα χρόνια αργότερα, λόγω οικονομικών δυσκολιών, αναγκάστηκε να την πουλήσει, εξηγώντας το νόημα των οικοπέδων που απεικονίζονταν: ήταν όλα βγαλμένα από τη Βίβλο. Οι πλοκές του δεύτερου από τα διάσημα έργα της Χάριετ Πάουερς είναι δανεισμένες όχι μόνο από τη Βίβλο, αλλά και από θρύλους, στους οποίους απεικόνιζε επίσης φυσικές καταστροφές, ακόμη και ορισμένα γεγονότα αμερικανική ιστορία... Μετά την κατάργηση της δουλείας, η Πάουερς και ο σύζυγός της είχαν ένα μικρό αγρόκτημα και περίπου ενάμισι εκτάριο γης, αλλά τη δεκαετία του 1890 η ευημερία της οικογένειας άρχισε να επιδεινώνεται, ο σύζυγος άρχισε να πουλά τη γη και στη συνέχεια εγκατέλειψε εντελώς τη γη του. γυναίκα και παιδιά. Δεν παντρεύτηκε ποτέ ξανά και μέχρι το τέλος της ζωής της, πιθανότατα, ζούσε με τα έσοδα από τη ραπτική.

Mary Cassatt (1844-1926)
ΗΠΑ, Γαλλία

Mary Cassett. Πίνοντας τσάι. Ευγενική προσφορά του Μουσείου Καλών Τεχνών, Βοστώνη

Αφού πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής της στη Γαλλία, η Mary Cassatt ήταν μια από τις πρώτες γυναίκες (και η μόνη Αμερικανίδα) που προσχώρησε στους ιμπρεσιονιστές που τότε ήταν σε αντίθεση με την επίσημη τέχνη. Παρά την εντελώς ακαδημαϊκή καλλιτεχνική εκπαίδευση (σπούδασε με τον καλλιτέχνη του σαλονιού Jean Léon Gérôme και η ίδια εξέθεσε επανειλημμένα στο Salon), η Cassatt αποδέχτηκε την πρόσκληση του Edgar Degas να συμμετάσχει. ανεξάρτητη ομάδακαλλιτέχνες. Υπό την επίδραση του Ντεγκά άλλαξε την τεχνική της γραφής και το θέμα των έργων της, ξεκινώντας να γράφει κυρίως μητέρες με παιδιά, που έγιναν το βασικό κίνητρο της δουλειάς της. Εκτός από τη ζωγραφική, ο Cassatt ενεργούσε ως σύμβουλος τέχνης για συλλέκτες. Χάρη στις συμβουλές της, η συλλογή του Henry Osborne Havemeyer και της συζύγου του Louisina, το μεγαλύτερο μέρος της οποίας φυλάσσεται τώρα στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, έχει συμπληρωθεί με έργα των Degas, Edouard Manet, Camille Pissarro και Claude Monet.

Emilia Shanks (1857-1936)
Ρωσία, Ηνωμένο Βασίλειο

Εμίλια Σανκς. Νέο κορίτσι στο σχολείο. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Η πρώτη από τις δύο γυναίκες που έγιναν δεκτές στο Association of Traveling Art Exhibitions (η δεύτερη ήταν η Antonina Rzhevskaya) γεννήθηκε στην οικογένεια ενός επιτυχημένου Άγγλου επιχειρηματία James Shanks, ιδιοκτήτη εργαστηρίου και καταστήματος κοσμημάτων στη Μόσχα. Παρακολούθησε τη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας ως ελεγκτής, δάσκαλοί της ήταν οι Vladimir Makovsky, Illarion Pryanishnikov και Vasily Polenov, με τους οποίους συνέχισε να είναι φίλες ακόμη και μετά την αποφοίτησή της από το κολέγιο το 1890. Παράλληλα με τη ζωγραφική, η Emilia Shanks λάτρευε τη φωτογραφία, φωτογραφίζοντας κυρίως την αγροτική ζωή και τη φύση. Από το 1891 εξέθεσε μαζί με τους πλανόδιους και ήδη το 1892 το έργο της "New Girl at School" εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τον Ilya Repin και ο Pavel Tretyakov το απέκτησε για τη συλλογή του. Το 1894, η Emilia Shanks εξελέγη μέλος της Ένωσης Εκθέσεων Ταξιδιωτικής Τέχνης με 15 ψήφους (περισσότερες από ό,τι για τον Valentin Serov). Την παραμονή του Α' Παγκοσμίου Πολέμου, εκείνη και η οικογένειά της επέστρεψαν στο Λονδίνο, όπου συνέχισε να εκθέτει στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών.

Μαρία Μπασκίρτσεβα (1858-1884)
Ρωσία, Γαλλία

Μαρία Μπασκίρτσεβα. Ομπρέλα. Ευγενική προσφορά του Ρωσικού Μουσείου

Είναι κυρίως γνωστή για το ημερολόγιό της, το οποίο ήταν ιδιαίτερα δημοφιλές στις αρχές του 20ου αιώνα: η Μαρίνα Τσβετάεβα ήταν θαυμαστής του Μπασκίρτσεβα, εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τον Βαλέρι Μπριουσόφ και τον Σεργκέι Αντρέεφσκι. ΠλέονΗ Ζωή Μπασκίρτσεβα, που γεννήθηκε στην επαρχία Πολτάβα, έζησε στη Γαλλία, όπου η μητέρα της την πήρε ως παιδί μετά τον χωρισμό με τον πατέρα του καλλιτέχνη. Η νεαρή ΜαρίαΉθελα να γίνω μπαλαρίνα, μετά τραγουδίστρια και μάλιστα άρχισα να κάνω βήματα προς αυτή την κατεύθυνση, αλλά στα 16 μου ανακάλυψα ότι ήμουν άρρωστος με φυματίωση και από την ηλικία των 18 ετών, λόγω ασθένειας, άρχισα να χάνω πρώτα φωνή και μετά ακοή. Περίπου την ίδια εποχή, η Μαρία, που περισσότερο από όλα ονειρευόταν τη φήμη, αποφάσισε να ασχοληθεί με τη ζωγραφική και μπήκε στην ιδιωτική Ακαδημία του Julian (Εθνικό μεταπτυχιακό σχολείοοι καλές τέχνες ήταν ακόμα απρόσιτες για τις γυναίκες). Αξιολόγησε χαμηλή την καλλιτεχνική της εκπαίδευση. «Είμαι καταδικασμένη στη μοναξιά ή στη μετριότητα του γυναικείου εργαστηρίου», γράφει στο ημερολόγιό της. - Εδώ δεν σε σπρώχνουν, δεν σε ενθαρρύνουν και σαπίζεις επί τόπου. Ω, γιατί είμαι μόνο γυναίκα;» Αντιτάχθηκε ενεργά στην εγγύτητα του ακαδημαϊκού συστήματος με τις γυναίκες. καλλιτεχνική εκπαίδευσηκαι μάλιστα έγραψε ένα άρθρο για αυτό στο περιοδικό «Πολίτης» με το ψευδώνυμο Pauline Aurel. Ωστόσο, η καλλιτέχνις εξέθεσε στο Salon και το έργο της αποκτήθηκε από το Λούβρο. Η Μαρία Μπασκίρτσεβα πέθανε σε ηλικία 25 ετών από κατανάλωση, έχοντας καταφέρει να δημιουργήσει περίπου 150 πίνακες, 200 γραφικά έργακαι μερικά γλυπτά, από τα οποία έχει σωθεί ένα μικρό μέρος, χάθηκαν πολλά κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου.

Μαρία Γιακουντσίκοβα (1870-1902)
Ρωσία, Γαλλία

Μαρία Γιακουντσίκοβα. Τέχνη τοίχου κατασκευασμένη σύμφωνα με το σκίτσο του καλλιτέχνη κουρελού... Ευγενική προσφορά της Christie "s

Η Maria Yakunchikova γεννήθηκε στην οικογένεια του επιχειρηματία Vasily Yakunchikov και της Zinaida Mamontova. Η Σάββα Μαμόντοφ ήταν η μητέρα της ξαδερφος ξαδερφη, και η ίδια η αδελφή της Zinaida, η Vera, ήταν παντρεμένη με τον Pavel Tretyakov, οπότε ο μελλοντικός καλλιτέχνης δεν είχε σχεδόν καμία πιθανότητα να μείνει μακριά από την τέχνη. Ενδιαφέρθηκε για τη ζωγραφική ήδη από την παιδική του ηλικία - ο καλλιτέχνης Nikolai Martynov προσλήφθηκε για να διδάξει τα παιδιά Yakunchikov. Σε ηλικία 15 ετών πήγε ως εθελόντρια στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας και σύντομα ήρθε κοντά στην οικογένεια Polenov (η μεγαλύτερη αδερφή της Natalya παντρεύτηκε τον Vasily Polenov το 1882), συμμετέχοντας τακτικά στις βραδιές σχεδίασής τους. Η Yakunchikova ήταν ιδιαίτερα φιλική με τη μικρότερη αδερφή του καλλιτέχνη Έλενα Πολένοβα, η οποία ήταν λάτρης της λαϊκής τέχνης και η ίδια γοήτευσε την Yakunchikova. Όταν η Μαρία ήταν 18 ετών, διαγνώστηκε με φυματίωση. Οι γιατροί συνέστησαν αλλαγή του κλίματος και η Yakunchikova μετακόμισε στην Ευρώπη, επισκεπτόμενη τη Ρωσία από τότε μόνο σε σύντομες επισκέψεις. Στο Παρίσι, μπήκε στην Ακαδημία Τζούλιαν και όταν επέστρεψε στο σπίτι, έζησε και εργάστηκε με τους Πολένοφ στο Μπέκοφ και με τους Μαμόντοφ στο Αμπράμτσεβο, όπου έδωσε μεγάλη προσοχή στις τέχνες και στη χειροτεχνία, ιδιαίτερα στην κεραμική και στην καύση ξύλου. Το 1896 παντρεύτηκε τον γιατρό Leon Weber-Bauler, δύο χρόνια αργότερα απέκτησαν τον πρώτο τους γιο. Ταυτόχρονα, ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ κάλεσε τη Μαρία Γιακουντσίκοβα να λάβει μέρος στην «Έκθεση Ρώσων και Φινλανδών Καλλιτεχνών» και της παρήγγειλε ένα εξώφυλλο για το περιοδικό «World of Art». Το 1900 συμμετείχε στο σχεδιασμό του χειροτεχνικού τμήματος του ρωσικού περιπτέρου της Παγκόσμιας Έκθεσης στο Παρίσι, όπου η δουλειά της έλαβε ασημένιο μετάλλιο. Αλλά σύντομα ο γιος της Yakunchikova διαγνώστηκε με φυματίωση και η γέννηση του δεύτερου παιδιού της το 1901 υπονόμευσε την υγεία της εντελώς - το 1902 ο καλλιτέχνης πέθανε. «Ήταν μια χαρακτηριστικά Ρωσίδα με τυπικά ρωσικό ταλέντο... Μόλις άρχισε να εξελίσσεται ως καλλιτέχνης, παντρεύτηκε, μετά - παιδιά, μετά - μια σοβαρή ασθένεια του γιου της και, τέλος, θάνατο. Η Yakunchikova είχε λίγο χρόνο, ειδικά σε σύγκριση με ό,τι μπορούσε. Αλλά σε ό,τι είχε καιρό να κάνει, βιαστικά, ανάμεσα στις πάνες για μωρά και στο θόρυβο του Παρισιού - έδειξε το βάθος ενός υπέροχου ταλέντου, ταλέντο και αγάπης για τα ρωσικά δάση μακριά της, αυτά τα «έλατα και λιακιές », στο οποίο ανήκε με κάποια ευλάβεια και στο οποίο αγωνίστηκε όλη μου τη ζωή », έγραψε ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ για την Γιακουντσίκοβα.

Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927)
ΗΠΑ

Elsa von Freytag-Loringofen. Ευγενική προσφορά της Βιβλιοθήκης του Κογκρέσου

Η Έλσα Πλόετς γεννήθηκε στη Γερμανία από την οικογένεια ενός οικοδόμου και πολιτικού που έζησε μια ταραχώδη ζωή και ξυλοκόπησε τη μητέρα της. Μολυσμένος από σύφιλη, ο τελευταίος προσπάθησε να αυτοκτονήσει και αργότερα πέθανε σε ψυχιατρείο. Όπως είπε η Έλσα, η μητέρα μου «μου άφησε μια κληρονομιά ... τον αγώνα». Παντρεύτηκε τρεις φορές και τις τρεις ανεπιτυχώς. Ο τελευταίος σύζυγος της Έλσας, Leopold Karl Friedrich, ο βαρόνος von Freytag-Loringhoven, τον οποίο παντρεύτηκε ήδη στην Αμερική, έφυγε, παίρνοντας τις πενιχρές οικονομίες της και αφήνοντάς της τον τίτλο και την ευκαιρία να μπει στους αριστοκρατικούς κύκλους της Νέας Υόρκης. Η Έλσα μετέτρεψε όλη της τη ζωή σε ντανταϊστικό έργο τέχνης: έγραψε ποίηση, κανόνισε παραστάσεις, δημιούργησε γλυπτά και κολάζ από αντικείμενα που βρέθηκαν στα σκουπίδια. Ο καλλιτέχνης George Beadle το 1917 περιέγραψε το δωμάτιό της στη Νέα Υόρκη ως γεμάτο με «μερικά διάσπαρτα κομμάτια σιδήρου, λάστιχα αυτοκινήτων... κάδους σκουπιδιών, τρομακτικά και αποκρουστικά, που για την βασανισμένη αλλά εξαιρετικά ευαίσθητη αντίληψή της έγιναν αντικείμενα ομορφιάς...». «Για μένα το δωμάτιό της ήταν τόσο βιολογικό όσο, για παράδειγμα, το στούντιο του Brancusi στο Παρίσι», είπε. Υπάρχει μια θεωρία ότι το θρυλικό "Σιντριβάνι" ανήκε στο χέρι της Έλσας και ο Marcel Duchamp μόλις οικειοποιήθηκε την συγγραφή - μπορείτε να διαβάσετε περισσότερα για αυτό στο υλικό μας.

Έλενα Κισέλεβα (1878-1974)
Ρωσία, Γιουγκοσλαβία

Έλενα Κισέλεβα. Παντρεμένα κορίτσια. Ευγενική προσφορά της μαγνητικής τομογραφίας

Η Έλενα Κισέλεβα, τα έργα της οποίας έγιναν γνωστά στο ευρύ κοινό χάρη στην έκθεση στο Μουσείο Ρωσικού Ιμπρεσιονισμού (μέχρι τις 12 Μαρτίου), είχε κάθε ευκαιρία να μείνει στην ιστορία εγχώρια τέχνη: αποφοιτώ Αυτοκρατορική ΑκαδημίαΤέχνες, σπούδασε στο στούντιο του Ilya Repin, έγινε η πρώτη γυναίκα που έλαβε ξένη σύνταξη το 1907 και το 1910 έγινε δεκτή στην Εταιρεία Αρχιτεκτόνων και Καλλιτεχνών. Ζωγράφιζε κυρίως πορτρέτα. «Η σύνθεση ή το τοπίο ελάχιστα με ενδιέφερε. Ήμουν πάντα πορτραιτίστας και μου άρεσε με πάθος να απεικονίζω όμορφες, ενδιαφέρουσες γυναίκες », παραδέχτηκε η Kiseleva. Η λήθη της καλλιτέχνιδας διευκολύνθηκε πολύ από τη μετανάστευση στο Βασίλειο των Σέρβων, Κροατών και Σλοβένων (μελλοντική Γιουγκοσλαβία), όπου μετακόμισε με τον σύζυγό της το 1920. Έγραψε για αυτήν την εποχή: «Η ζωή με έχει πάρει από καιρό εντελώς και ήμουν κατά κάποιον τρόπο καλλιτέχνης από το πλάι, στο πλάι. Και το πιο σημαντικό, ήταν μια πολύ δύσκολη, δύσκολη ζωή. Και μετά επανάσταση, πόλεμος, προσφυγιά. Αυτή τη δύσκολη περίοδο, δημιούργησα νέα οικογένεια, γεννήθηκε ένας γιος - πού να σκεφτεί κανείς την τέχνη; Μετά τον θάνατο του γιου της το 1944, σταμάτησε να ζωγραφίζει εντελώς. Στα τέλη της δεκαετίας του 1960, η κριτικός τέχνης του Voronezh Marina Luneva ενδιαφέρθηκε για την κληρονομιά της Elena Kiseleva, η οποία αλληλογραφούσε με τον καλλιτέχνη και συνέβαλε ενεργά στην επιστροφή ορισμένων από τα έργα της στην πατρίδα τους.