Διάσημα είδη ζωγραφικής των ρωσικών καλλιτεχνών με ονόματα. Ποια είναι τα κύρια είδη ζωγραφικής που γνωρίζετε

Μεταξύ των ρωσικών καλλιτεχνών υπάρχουν πολλές ταλαντούχουσες προσωπικότητες. Η δημιουργικότητά τους εκτιμάται ιδιαίτερα σε όλο τον κόσμο και κάνει έναν αξιόλογο ανταγωνισμό σε τέτοιους κύριους κόσμους ως Rubens, Michelangelo, Van Gogh και Picasso. Σε αυτό το άρθρο συλλέξαμε 10 από τους πιο διάσημους ρώσους καλλιτέχνες.

1. Ivan Aivazovsky

Ο Ιβάν Aivazovsky είναι ένας από τους πιο διάσημους ρώσους καλλιτέχνες. Γεννήθηκε στη Φοβοσιά. Από την παιδική ηλικία, ο Aivazovsky έδειξε τις απίστευτες δημιουργικές του ικανότητες: λατρεύουν να σχεδιάζει και έμαθε το παιχνίδι στο βιολί.

Στην ηλικία των 12 ετών, το νεαρό ταλέντο άρχισε να σπουδάζει στη Συμφερόπολη στην Ακαδημία Ζωγραφικής. Εδώ έμαθε να αντιγράψει χαρακτικές και να γράφει εικόνες από τη φύση. Ένα χρόνο αργότερα, κατάφερε να εισέλθει στην αυτοκρατορική ακαδημία της Αγίας Πετρούπολης, αν και δεν έφθασε την ηλικία των 14 ετών.

Για μεγάλο χρονικό διάστημα ο καλλιτέχνης ταξίδεψε στην Ευρώπη και έζησε στην Ιταλία, όπου οι πίνακές του αναγνωρίστηκαν επίσης στην αξιοπρέπεια. Έτσι, ένας νεαρός καλλιτέχνης από τη Φοβοδοσία έγινε ένας αρκετά διάσημος και πλούσιος άνθρωπος.

Αργότερα, ο Aivazovsky επέστρεψε στην πατρίδα του, όπου έλαβε τη στολή του Ναυτιλιακού Υπουργείου και τον τίτλο του ακαδημαϊκού. Επίσης, ο καλλιτέχνης επισκέφθηκε την Αίγυπτο και παρακολούθησε όταν άνοιξε το νέο κανάλι Suez. Ο καλλιτέχνης περιέγραψε όλες τις εντυπώσεις του στους πίνακες. Μέχρι αυτή τη φορά είχε ήδη αναπτύξει το μοναδικό του στυλ και τη δυνατότητα να γράφει στη μνήμη. Τα εξελιγμένα στοιχεία AIVAZOVSKY σκιαγραφούνται σε ένα σημειωματάριο για να τα μετακινήσετε αργότερα στον καμβά. Παγκόσμια, έφερε ζωγραφιές "Οδησσό", "το ένατο Val" και "Μαύρη Θάλασσα".

Τα τελευταία χρόνια της ζωής, ο καλλιτέχνης πέρασε στη Φοβοσιά, όπου χτίστηκε ένα σπίτι σε ιταλικό ύφος. Λίγο αργότερα, ο Aivazovsky επισυνάπτεται μια μικρή γκαλερί προς του, έτσι ώστε ο καθένας να μπορεί να απολαύσει ελεύθερα τους καταπληκτικούς πίνακες του και να πνιγεί στον ωκεανό των χρωμάτων. Σήμερα, αυτό το αρχοντικό, όλα χρησιμεύουν επίσης ως μουσείο και πολλοί επισκέπτες έρχονται κάθε μέρα εδώ, για να δουν την κυριαρχία του ναυτικού που έζησε μια μακρά και ευτυχισμένη ζωή.

2. Victor Vasnetsov

Συνεχίζει τη λίστα των πιο διάσημων ρωσικών καλλιτεχνών Viktor Vasnetsov. Γεννήθηκε την άνοιξη του 1848 στην οικογένεια του ιερέα στο μικρό χωριό Lepetal. Η ώθηση για τη ζωγραφική ξύπνησε σε αυτόν σε πολύ νεαρή ηλικία, αλλά οι γονείς δεν μπορούσαν να του δώσουν σωστή εκπαίδευση λόγω της έλλειψης χρημάτων. Ως εκ τούτου, στην ηλικία των 10 ετών, ο Victor άρχισε να σπουδάζει σε ένα ελεύθερο πνευματικό σεμινάριο.

Το 1866, σχεδόν χωρίς χρήματα, πήγε στην Αγία Πετρούπολη. Ο Vasnetsov αντιμετώπισε εύκολα τις εξετάσεις εισόδου και εισήλθε στην Ακαδημία Τεχνών. Εδώ η φιλία του ξεκίνησε με τον διάσημο καλλιτέχνη Repin, με τον οποίο αργότερα πήγε στο Παρίσι. Μετά την επιστροφή στην Αγία Πετρούπολη, ο Vasnetsov αρχίζει να γράφει τις πιο διάσημες ζωγραφιές του: "Τρεις ήρωες", "Snow Maiden" και "Θεός Savaof".

Ο καλλιτέχνης ήταν σε θέση να αποκαλύψει πλήρως το ταλέντο του μόνο μετά τη μετάβαση στη Μόσχα. Εδώ είναι ζεστό και άνετο και κάθε επόμενη εικόνα είναι καλύτερη από την προηγούμενη. Ήταν στη Μόσχα ότι ο Vasnetsov έγραψε τέτοιες ζωγραφιές ως "Alyonushka", "Ivan Tsarevich και ένας γκρίζος λύκος" και "Nestor chricicler".

3. Karl Brullov

Αυτός ο διάσημος Ρώσος καλλιτέχνης γεννήθηκε το 1799. Ο πατέρας Carl ήταν ένας διάσημος ζωγράφος και καθηγητής της Ακαδημίας Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης. Ως εκ τούτου, η τύχη του αγοριού ήταν προκαθορισμένη εκ των προτέρων. Ευτυχώς, ο Carlo Bhorryov κατάφερε να κληρονομήσει από τον πατέρα του ταλέντου του καλλιτέχνη.

Η μελέτη δόθηκε στον νεαρό καλλιτέχνη πολύ εύκολο. Έχει πολλές φορές ανώτερη από τους υπόλοιπους φοιτητές στην τάξη του και αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών με διακρίσεις. Μετά από αυτό, ο Karl πήγε να ταξιδέψει στην Ευρώπη, σταμάτησε μόνο στην Ιταλία για μεγάλο χρονικό διάστημα. Ήταν εδώ που δημιούργησε το αριστούργημά του - "Τελευταία Ημέρα Πομπηία", δαπάνες για τη γραφή του για περίπου έξι χρόνια.

Με την επιστροφή στην Αγία Πετρούπολη, ο Charles Bryullov περίμενε τη φήμη και τη δόξα. Ήταν ευτυχής να δει παντού και σίγουρα τον θαύμαζε με νέες φωτογραφίες. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο καλλιτέχνης δημιουργεί πολλά από τα αθάνατα υφάσματα: "ιππέα", "Osad Pskov", "Νάρκισσος" και άλλοι.

4. Ivan Shishkin

Ο Ιβάν Shishkin είναι ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες του ρωσικού τοπίου που θα μπορούσαν να παρουσιάσουν οποιοδήποτε δυσδιάκριτο τοπίο στους πίνακές του. Φαίνεται ότι η ίδια η φύση παίζει στις καμβάδες αυτού του καλλιτέχνη με ζωντανά χρώματα.

Ο Ιβάν Shishkin γεννήθηκε το 1832 στην Elabuga, η οποία σήμερα ισχύει για τον Ταταρστάντα. Ο πατέρας ήθελε τον γιο να πάρει τη θέση του αστικού υπαλλήλου με το χρόνο, αλλά ο Ιβάν ζωγράφισε. Στην ηλικία των 20 ετών, πήγε στη Μόσχα για να μελετήσει τη ζωγραφική. Μετά το επιτυχημένο τέλος της Σχολής Τέχνης της Μόσχας, ο Shishkin εισήλθε στην αυτοκρατορική ακαδημία στην Αγία Πετρούπολη.

Αργότερα ταξίδεψε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ευρώπη, σχεδιάζοντας εκπληκτικά τοπία. Εκείνη την εποχή, δημιούργησε μια φωτογραφία της "θέα στην περιοχή του Ντίσελντορφ", που του έφερε μια τεράστια δόξα. Μετά την επιστροφή στη Ρωσία, ο Shishkin συνεχίζει να κάνει με τη διπλή ενέργεια. Σύμφωνα με τον ίδιο, η ρωσική φύση είναι μερικές εκατοντάδες φορές υψηλότερος από τα ευρωπαϊκά τοπία.

Ο Ivan Shishkin για τη ζωή του έγραψε πολλά εκπληκτικά έργα ζωγραφικής: "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", "πρώτο χιόνι", "πευκοδάσος" και άλλοι. Ακόμα και ο θάνατος της επιδημίας αυτού του ζωγράφου ακριβώς πίσω από το καβαλέτο.

5. Isaac Levitan

Αυτός ο μεγάλος ρωσικός πλοίαρχος των τοπίων γεννήθηκε στη Λιθουανία, αλλά όλη η ζωή του έζησε στη Ρωσία. Επανειλημμένα, η εβραϊκή του προέλευση τον προκάλεσε μεγάλη ταπείνωση, αλλά δεν το έκανε να προσβληθεί αυτή η χώρα, την οποία ξεκίνησε και επαίνεσε στους πίνακές του.

Ήδη τα πρώτα τοπία του Levitan έλαβαν υψηλές εκτιμήσεις του Perov και Savrasov, και ο ίδιος ο Tretyakov αγόρασε ακόμη και την εικόνα του "φθινοπωρινή μέρα στη Σοκολόκι". Αλλά το 1879, ο Isaac Levitan, μαζί με όλους τους Εβραίους, παρουσιάζουν από τη Μόσχα. Μόνο τεράστιες προσπάθειες φίλων και δασκάλων κατάφεραν να επιστρέψουν στην πόλη.

Στη δεκαετία του 1880, ο καλλιτέχνης έγραψε πολλές εκπληκτικές ζωγραφιές που το έκαναν πολύ διάσημο. Αυτά ήταν "πεύκα", "Φθινόπωρο" και "πρώτο χιόνι". Αλλά η επόμενη ταπείνωση ανάγκασε τον συγγραφέα να φύγει και πάλι τη Μόσχα και να πάει στην Κριμαία. Στη χερσόνησο, ο καλλιτέχνης γράφει πολλά εκπληκτικά έργα και βελτιώνει σημαντικά την οικονομική του κατάσταση. Αυτό τον επιτρέπει να ταξιδεύει στην Ευρώπη και να γνωρίσει το έργο των παγκόσμιων πλοιάρχων. Η κορυφή της δημιουργικότητας του Levitan έγινε η εικόνα του "πάνω από την αιώνια περιοχή".

6. Vasily Tropinin

Η εκπληκτική μοίρα ήταν μεταξύ του μεγάλου ρωσικού λινού-πορτρέτου Vasily Tropinin. Γεννήθηκε στην οικογένεια του Fortress Count Markov το 1780 και μόνο στην ηλικία των 47 έλαβε το δικαίωμα να είναι ένα ελεύθερο άτομο. Ως παιδί, παρατηρήθηκε μια τάση για το σχέδιο για λίγο vasily, αλλά η μέτρηση του έδωσε να τον μελετήσει. Αργότερα, εξακολουθεί να δίνεται στην αυτοκρατορική ακαδημία, όπου εκδηλώνει το ταλέντο του σε ολόκληρη την ομορφιά του. Για τα πορτραίτα του, το "LA VIEW" και το "γέρο" "γέρος" Vasily Tropinin απονεμήθηκε τον τίτλο του ακαδημαϊκού.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Η πλούσια κληρονομιά στην παγκόσμια ζωγραφική κατάφερε να φύγει πίσω από τον διάσημο ρωσικό καλλιτέχνη Petrov-Vodkin. Γεννήθηκε το 1878 στο Hurplask, και στα νεαρά χρόνια του θα γίνει σιδηροδρομικός. Ωστόσο, η μοίρα έκανε έναν παγκοσμίου φήμης ζωγράφο από αυτό.

8. Alexey Savrasov

Οι πίνακες αυτού του ρωσικού καλλιτέχνη ήταν ήδη καλά πωλούνται, σχεδόν ήταν 12 ετών. Λίγο αργότερα, εισήλθε στη Σχολή Ζωγραφικής της Μόσχας και αμέσως έγινε ένας από τους καλύτερους μαθητές. Ένα ταξίδι στην Ουκρανία βοήθησε τον Savrasov μπροστά από το χρονοδιάγραμμα για να ολοκληρώσει το σχολείο και να πάρει τον τίτλο του καλλιτέχνη.

Εικόνες "πέτρα στο δάσος" και "Κρεμλίνο της Μόσχας" από αυτόν τον ζωγράφο ακαδημαϊκό σε 24 χρονών! Το νέο ταλέντο ενδιαφέρεται για τη βασιλική οικογένεια, και ο ίδιος ο Tretyakov αγοράζει πολλά από τα έργα του για διεθνείς εκθέσεις. Μεταξύ αυτών ήταν "χειμώνας", "Graci πέταξε", "Rasolota" και άλλοι.

Ο θάνατος δύο κόρων και το μεταγενέστερο διαζύγιο επηρεάζουν έντονα τον Savrasov. Πίνει πολλά και σύντομα πεθαίνει στο νοσοκομείο για τους φτωχούς.

9. Andrei Rublev

Ο Andrei Rublev είναι ο πιο διάσημος ζωγράφος της ρωσικής εικόνας. Γεννήθηκε στον αιώνα XV και άφησε πίσω από μια μεγάλη κληρονομιά με τη μορφή μιας εικόνας "Trinity", "Ευαγγελισμός", "Βάπτιση του Κυρίου". Andrei Rublev μαζί με τον Daniel Black διακοσμημένο με τοιχογραφίες πολλούς ναούς και έγραψε εικόνες για το τέμπλο.

10. Mikhail VRubel

Ολοκληρώσει τη λίστα των πιο διάσημων ρωσικών καλλιτεχνών Mikhail Vrubel, ο οποίος για τη ζωή του δημιούργησε πολλά αριστουργήματα σε διάφορα θέματα. Είχε ασχολείται με τη ζωγραφική του ναού του Κιέβου και αργότερα στη Μόσχα άρχισε να δημιουργεί τη διάσημη σειρά "δαιμονικών" έργων ζωγραφικής. Η δημιουργική ρίψη αυτού του καλλιτέχνη δεν βρήκε την καλή κατανόηση των σύγχρονων του. Μόνο λίγες δεκαετίες μετά το θάνατο του Μιχαήλ Βρμπελ, οι ιστορικοί τέχνης έδωσαν τον οφειλόμενο και η Εκκλησία συμφώνησε με τις ερμηνείες του για βιβλικά γεγονότα.

Δυστυχώς, η προσωπική ζωή του καλλιτέχνη ήταν η αιτία της ανάπτυξης μιας σοβαρής μορφής ψυχικών διαταραχών. Η τάξη του ακαδημαϊκού τον ξεπέρασε σε ένα σπίτι για τρελό, από όπου δεν κρίθηκε πλέον. Παρ 'όλα αυτά, ο Mikhail Vrubel κατάφερε να δημιουργήσει πολλά εκπληκτικά έργα τέχνης που αξίζουν γνήσιο θαυμασμό. Μεταξύ αυτών, αξίζει ιδιαίτερα την επισήμανση των εικόνων "Demon Sitting", "Tsarevna-Swan" και "Faust".

Σήμερα παρουσιάζουμε είκοσι πίνακες που αξίζουν την προσοχή και την αναγνώριση. Αυτοί οι πίνακες έγραψαν διάσημους καλλιτέχνες και όχι μόνο το άτομο που εργάζεται ως τέχνη θα πρέπει να είναι γνωστό, αλλά και εύκολα θνητευμένους ανθρώπους, καθώς τα περιλαίμια της τέχνης μας, η αισθητική εμβαθύνει την άποψή μας για τον κόσμο. Δώστε τη θέση σας στη ζωή σας ...

1. "το τελευταίο δείπνο". Leonardo da Vinci, 1495 - 1498

Μνημειώδης ζωγραφική του Leonardo da Vinci, που απεικονίζει τη σκηνή του τελευταίου λιβαδιού του Χριστού με τους μαθητές του. Δημιουργήθηκε το 1495-1498 στη Μονή Δομινικανή Σάντα Μαρία Grazie στο Μιλάνο.

Η ζωγραφική διατάχθηκε από τον Leonardo τον προστάτη του, τον Δούκα του Lodovico Sforza και τη σύζυγό του Beatrice d'Est. Το οικόσημο των ζωγραφισμένων γραμμών της Sforza πάνω από τη ζωγραφική, που σχηματίζεται από την οροφή με τρεις καμάρες. Η ζωγραφική ξεκίνησε το 1495 και ολοκληρώθηκε το 1498. Οι εργασίες πήγαν με διαλείμματα. Η έναρξη της εργασίας δεν είναι ακριβής, αφού «καταστράφηκαν τα αρχεία του μοναστηριού και ένα ασήμαντο μέρος των εγγράφων που έχουμε, που χρονολογούνται από το 1497, όταν η ζωγραφική σχεδόν ολοκληρώθηκε».

Η ζωγραφική έχει γίνει ένα ορόσημο στην ιστορία της Αναγέννησης: Το αναπαραγόμενο βάθος των προοπτικών έχει αλλάξει την κατεύθυνση της ανάπτυξης της ζωγραφικής της Δύσης.

Πιστεύεται ότι σε αυτή την εικόνα είναι κρυμμένα πολλά μυστικά και συμβουλές - για παράδειγμα, υπάρχει μια υπόθεση ότι η εικόνα του Ιησού και του Ιούδα διαγράφεται από ένα άτομο. Όταν ο Da Vinci έγραψε μια φωτογραφία, στο όραμά του, ο Ιησούς προσωποποίησε καλό, ενώ ο Ιούδας ήταν πολύ κακός. Και όταν ο Δάσκαλος βρήκε τον "Του Ιούδα" του (μεθυσμένος από το δρόμο), αποδείχθηκε ότι, σύμφωνα με τους ιστορικούς, αυτός ο μεθυσμένος έχει υπηρετήσει μέχρι λίγα χρόνια πριν από το πρωτότυπο για να γράψει την εικόνα του Ιησού. Έτσι, μπορεί να ειπωθεί ότι αυτή η εικόνα κατέλαβε ένα άτομο σε διαφορετικές περιόδους της ζωής του.

2. "ηλιοτρόπια". Vincent Van Gogh, 1887

Το όνομα των δύο κύκλων του ολλανδικού καλλιτέχνη Vincent Van Gogh. Η πρώτη σειρά εκτελείται στο Παρίσι το 1887. Είναι αφιερωμένο σε ψέματα χρώματα. Η δεύτερη σειρά ολοκληρώθηκε σε ένα χρόνο, στην Arle. Εμφανίζει ένα μπουκέτο ηλιοτρόπια σε ένα βάζο. Δύο Paris Paintings απέκτησαν έναν φίλο Van Gogh Paul Gajn.

Ο καλλιτέχνης έγραψε ηλιοτρόπια έντεκα φορές. Οι πρώτοι τέσσερις πίνακες δημιουργήθηκαν στο Παρίσι τον Αύγουστο - Σεπτέμβριο 1887. Τα μεγάλα κομμένα λουλούδια βρίσκονται σαν κάποιο είδος εξαιρετικών πλασμάτων στα μάτια μας.

3. "ένατο val". Ivan Konstantinovich Aivazovskyi;, 1850.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του ρωσικού καλλιτέχνη Marinist Ivan Aivazovsky φυλάσσεται στο ρωσικό μουσείο.

Ο ζωγράφος απεικονίζει τη θάλασσα μετά την ισχυρότερη νυχτερινή καταιγίδα και τους ανθρώπους που υπέστησαν ναυάγιο. Οι ακτίνες του ήλιου φωτίζουν τεράστια κύματα. Το μεγαλύτερο είναι το ένατο δέντρο - έτοιμο να πέσει στους ανθρώπους που προσπαθούν να ξεφύγουν από τη συντρίμανση των ιστών.

Παρά το γεγονός ότι το πλοίο καταστρέφεται και παρέμεινε μόνο ο ιστός, οι άνθρωποι στον ιστό είναι ζωντανοί και συνεχίζουν να πολεμούν τα στοιχεία. Οι ζεστοί τόνοι της εικόνας κάνουν τη θάλασσα όχι τόσο σκληρή και να δώσει στον θεατή την ελπίδα ότι οι άνθρωποι θα σωθούν.

Δημιουργήθηκε στην εικόνα του 1850 "Το ένατο Val" αμέσως έγινε το πιο διάσημο από όλα τα θαλάσσια του και αποκτήθηκε από τον Νικολάι Ι.

4. "MACH NUE." Francisco Goya, 1797-1800.

Εικόνα του ισπανικού καλλιτέχνη Francisco Goya, γραμμένο γύρω στο 1797-1800. Κάνει ένα ζευγάρι με μια εικόνα της "Maja Vestida". Εικόνες απεικόνιση Maha - Ισπανική πόλη και XIII-XIX αιώνες, ένα από τα αγαπημένα αντικείμενα της εικόνας του καλλιτέχνη. Το "Mach είναι γυμνό" είναι ένα από τα πρώτα έργα της δυτικής τέχνης που απεικονίζει μια εντελώς γυμνή γυναίκα χωρίς μυθολογικές ή αρνητικές συνειδητοποιήσεις.

5. "Πετώντας στην αγάπη". Mark Chagall, 1914-1918.

Εργασία στην εικόνα "πάνω από την πόλη" ξεκίνησε το 1914 και οι τελευταίοι εγκεφαλικοί κύριοι του Δάσκαλος ήταν μόνο το 1918. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Bella από την αγαπημένη στράφηκε όχι μόνο στον αξιολάτρευτο σύζυγο, αλλά και η μητέρα της κόρης τους, που έγιναν για πάντα το κύριο μουσείο του ζωγράφου. Η Ένωση της πλούσιας κόρης ενός αγωνιστικού κοσμηματοπωλείου και ενός απλού εβραϊκού νεαρού άνδρα, του οποίου ο πατέρας κέρδισε μια ζωντανή, εκφόρτωση ρέγγα, αλλιώς δεν θα καλέσω τους Meleallians, αλλά η αγάπη ήταν ισχυρότερη και επικάλυψη όλων των συμβάσεων. Είναι αυτή η αγάπη που τυλιγμένη γύρω τους, ανερχόμενη στον ουρανό.

Η Karina απεικονίζει δύο αγάπες Shagal - Bella και η αγαπημένη καρδιά Vitebsk. Οι δρόμοι παρουσιάζονται με τη μορφή σπιτιών που χωρίζονται από ένα υψηλό σκοτεινό φράχτη. Όχι αμέσως, ο θεατής θα παρατηρήσει μια κατσίκα, βόσκουν στην αριστερή πλευρά του κέντρου της ζωγραφικής και ένας απλός άνθρωπος με ένα ναυτικό παντελόνι στο προσκήνιο - ένα σούβλα από τον ζωγράφο, σπάσιμο από το γενικό πλαίσιο και τη ρομαντική διάθεση της δουλειάς, αλλά όλα αυτά περπατούσαν ...

6. "Πρόσωπο του πολέμου". Σαλβαδόρ Νταλί, 1940.

Η εικόνα του ισπανικού καλλιτέχνη El Salvador Dali, γραμμένο το 1940.

Η εικόνα δημιουργήθηκε στο δρόμο προς τις Ηνωμένες Πολιτείες. Μια εντυπωσιασμένη τραγωδία που πέφτει στον κόσμο, αίμα των πολιτικών, ο δάσκαλος αρχίζει να εργάζεται σε ατμόπλοιο. Βρίσκεται στο Μουσείο Bumanza-Van Beningen στο Ρότερνταμ.

Έχοντας χάσει όλη την ελπίδα για την κανονική ζωή στην Ευρώπη, ο καλλιτέχνης από το αγαπημένο Παρίσι αφήνει στην Αμερική. Ο πόλεμος καλύπτει το παλιό φως και επιδιώκει να συλλάβει ολόκληρο τον υπόλοιπο κόσμο. Ο Δάσκαλος εξακολουθεί να μην ξέρει ότι η διαμονή στον νέο κόσμο για οκτώ χρόνια θα το κάνει πραγματικά διάσημο και το έργο του είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής.

7. "Creek". Edward Munk, 1893

"Creek" (NORV. Skrik) - Δημιουργήθηκε στο διάστημα μεταξύ 1893 και 1910 μια σειρά έργων ζωγραφικής του νορβηγικού καλλιτέχνη-εξπρεσιονιστή Edward Minka. Εφαρμόζουν την ανθρώπινη φιγούρα που ουρλιάζουν στην απελπισία στο φόντο ενός αιματηρού-κόκκινου ουρανού και ένα εξαιρετικά γενικευμένο υπόβαθρο τοπίου. Το 1895, ο Munch δημιούργησε μια λιθογραφία στο ίδιο οικόπεδο.

Κόκκινο, ο φλογερός καυτός ουρανός κάλυψε το κρύο φιόρδ, το οποίο, με τη σειρά του, δημιουργεί μια φανταστική σκιά, παρόμοια με ένα βόρειο τέρας. Το άγχος παραμόρφωσε το χώρο, οι γραμμές έσπασαν, τα χρώματα δεν είναι συνεπείς, η προοπτική καταστρέφεται.

Πολλοί κριτικοί πιστεύουν ότι το οικόπεδο των έργων ζωγραφικής είναι ο καρπός μιας άρρωστης φαντασίας ενός διανοητικά ανθυγιεινού ατόμου. Κάποιος βλέπει μια προδικασία περιβαλλοντικής καταστροφής στην εργασία, κάποιος λύνει το ζήτημα της οποίας η μούμια ενέπνευσε τον συγγραφέα σε αυτό το έργο.

8. "Κορίτσι με σερβίρισμα μαργαριτάρι". Jan Vermeer, 1665

Εικόνα "Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι που σερβίρει" (Notera. "Het Meisje Met De Parel") γράφτηκε γύρω στο 1665. Αυτή τη στιγμή φυλάσσεται στο Μουσείο Μαυρίτσης, στην πόλη της Χάγης, στις Κάτω Χώρες, και είναι μια κάρτα επίσκεψης μουσείων. Η εικόνα, η οποία έλαβε το ψευδώνυμο της ολλανδικής Mona Lisa, ή η Mona Lisa του Βορρά, γράφτηκε στο είδος της TRONIE.

Χάρη στην ταινία Peter Webber "Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι που σερβίρει" 2003, ένας τεράστιος αριθμός ατόμων μακριά από τη ζωγραφική, έμαθε για τον υπέροχο ολλανδικό καλλιτέχνη Jan Vermeer, καθώς και το πιο διάσημο ζωγραφικό του "κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σερβίρισμα".

9. "Βαβυλωνικός πύργος". Peter Bruegel, 1563

Διάσημη εικόνα του καλλιτέχνη Peter Bruegel. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τουλάχιστον δύο φωτογραφίες σε αυτό το οικόπεδο.

Η εικόνα βρίσκεται - το μουσείο της ιστορίας της τέχνης, Βιέννη.

Η Βίβλος έχει μια ιστορία για το πώς οι κάτοικοι της Βαβυλώνας προσπάθησαν να χτίσουν έναν ψηλό πύργο για να φτάσουν στον ουρανό, αλλά ο Θεός το έκανε έτσι ώστε να μιλούσαν σε διάφορες γλώσσες, σταμάτησε να κατανοεί ο ένας τον άλλον και ο πύργος παρέμεινε ημιτελή.

10. "Αλγερινές γυναίκες". Pablo Picasso, 1955

"Αλγερινές γυναίκες" - μια σειρά από 15 καμβά, που δημιουργήθηκε από τον Πικάσο το 1954-1955 με βάση τη ζωγραφική του Ezhen Delacroix. Οι πίνακες διαφέρουν στον εκχωρημένο καλλιτέχνη με τους κυριολέους από το Α στον Ο. Έκδοση O "γράφτηκε στις 14 Φεβρουαρίου 1955. Για λίγο, ανήκε στη διάσημη αμερικανική συνέλευση της τέχνης του 20ου αιώνα Βίκτορ Γκάντστον.

Pattern Pablo Picasso "Αλγερινές γυναίκες (έκδοση o)" πωλούνται για 180 εκατομμύρια δολάρια.

11. "Νέος πλανήτης". Konstantin Jun, 1921

Ρωσικός σοβιετικός ζωγράφος, κύριος τοπίο, καλλιτέχνης θεάτρου, θεωρητικός τέχνης. Ακαδημαϊκός ΑΗ ΕΣΣΔ. Ο καλλιτέχνης των ανθρώπων της ΕΣΣΔ. Νικητής του σταλινικού ασφάλιστρου του πρώτου βαθμού. Μέλος WCP από το 1951.

Αυτό είναι ένα καταπληκτικό, που δημιουργήθηκε το 1921 και όχι καθόλου χαρακτηριστικό του καλλιτέχνη-realista του Ιωάννη, της εικόνας "Νέος πλανήτης" - ένα από τα φωτεινά έργα που ενσωματώθηκε η εικόνα των αλλαγών στις οποίες η επανάσταση του Οκτωβρίου ήταν στο δεύτερο δεκαετία του αιώνα xx. Νέο σύστημα, έναν νέο τρόπο και έναν νέο τρόπο σκέψης μόνο της καταγωγής Σοβιετικής Εταιρείας. Τι περιμένει τώρα την ανθρωπότητα; Λαμπρό μέλλον? Δεν είχε ακόμη σκεφτόταν ακόμη γι 'αυτό, αλλά το γεγονός ότι η σοβιετική Ρωσία και ολόκληρος ο κόσμος εισέρχεται στην εποχή της αλλαγής προφανώς, καθώς και η ταχεία γέννηση ενός νέου πλανήτη.

12. "Sicstinskaya Madonna". Rafael Santi, 1754

Η ζωγραφική του Ραφαήλ, η οποία από το 1754 βρίσκεται στη γκαλερί των παλαιών δασκάλων στη Δρέσδη. Ανήκει στον αριθμό των γενικά αποδεκτών κορυφών υψηλής αναγέννησης.

Το τεράστιο μέγεθος (265; 196 cm, το μέγεθος της εικόνας στον κατάλογο της Δρέσδης γκαλερί) δημιουργήθηκε από τον Rafael για το βωμό της εκκλησίας της Μονής Saint Saint στο Piacenz με τη σειρά της Τζούλια ΙΙ. Υπάρχει μια υπόθεση ότι η εικόνα γράφτηκε το 1512-1513 προς τιμήν της νίκης πάνω από τους Γάλλους, οι οποίοι εισέβαλαν στη Λομβαρδία κατά τη διάρκεια των ιταλών πολέμων και η επακόλουθη ένταξη των PIACES στην περιοχή παπικών.

13. "Περπάτημα Mary Magdalene". Titian (Tiziano Titshevero), γραμμένο γύρω στο 1565

Η εικόνα, γραμμένη σε περίπου 1565 από τον ιταλικό καλλιτέχνη Titian Titshevero. Ανήκει στο Κρατικό Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη. Μερικές φορές η ημερομηνία δημιουργίας υποδεικνύεται ως "1560."

Το μοντέλο της εικόνας ήταν η Julia Festin, χτυπώντας τον καλλιτέχνη με ένα χύτευση με χρυσά μαλλιά. Ο τελικός καμβάς ήταν πολύ εντυπωσιασμένος από τον Δούκα του Gonzag και αποφάσισε να παραγγείλει το αντίγραφό του. Αργότερα τιτς, αλλάζοντας το φόντο και η θετικότητα της γυναίκας, έγραψε ένα ζευγάρι περισσότερο τέτοια δουλειά.

14. "Mona Lisa". Leonardo da Vinci, 1503-1505

Πορτρέτο της κυρίας Liza del Jocondo, (ιταλικό. Ritratto di monna lisa del giocondo) - Ζωγραφική Leonardo da Vinci, που βρίσκεται στο Λούβρο (Παρίσι, Γαλλία), ένα από τα πιο διάσημα έργα ζωγραφικής στον κόσμο, που πιστεύεται ότι είναι ένα πορτρέτο της Λίζα Γεραντζίνι, οι σύζυγοι έμπορος Florentia Francesco del Jocondo, γραμμένοι περίπου 1503 -1505.

Σύμφωνα με μια από τις εκτεταμένες εκδόσεις, "Mona Lisa" - αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη.

15. "Πρωί στο πευκοδάσος", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Εικόνα των ρωσικών καλλιτεχνών Ivan Shishkin και Konstantin Savitsky. Ο Savitsky έγραψε αρκούδες, αλλά ο συλλέκτης Paul Tretyakov ανακατεύει την υπογραφή του, οπότε η εικόνα από την εικόνα συχνά δείχνει ένα.

Ο σχεδιασμός της ζωγραφικής πρότεινε ο Shishkin Savitsky, ο οποίος αργότερα πραγματοποίησε συν-συγγραφέα και απεικόνισε τα στοιχεία της αρκούδας. Αυτές οι αρκούδες με κάποιες διαφορές σε θέσεις και ποσότητες (πρώτα υπήρχαν δύο από αυτούς) εμφανίζονται στα προπαρασκευαστικά σχέδια και σκίτσα. Τα ζώα αποδείχθηκαν από το Savitsky τόσο με επιτυχία ότι υπογράφηκε ακόμη και στην εικόνα μαζί με το Shishkin.

16. "δεν περίμενε." Ilya Repin, 1884-1888.

Εικόνα του ρωσικού καλλιτέχνη ilya repin (1844-1930), γραμμένο το 1884-1888. Είναι μέρος της συνάντησης της πολιτείας Tretyakov Gallery.

Η εικόνα που εμφανίζεται στην έκθεση Mobile XII περιλαμβάνεται στον αφηγηματικό κύκλο αφιερωμένο στην τύχη του ρωσικού επαναστατικού πληθυσμού.

17. "Μπάλα στο Moulin de la Gaette", Pierre Auguste Renoir, 1876.

Εικόνα που γράφτηκε από τον γαλλικό καλλιτέχνη Pierre Auguste Renoir το 1876.

Ο τόπος όπου η εικόνα είναι το μουσείο του D'Ors. Το Moulin de la Galette είναι ένα φθηνό κολοκυθάκι στη Μονμάρτρη, όπου συγκεντρώθηκαν οι μαθητές και η εργατική νεολαία του Παρισιού.

18. "Αστέρι νύχτα". Vincent Van Gogh, 1889 ετών.

De sterrennacht. - Εικόνα του ολλανδικού καλλιτέχνη Vincent Van Gogh, γραμμένο τον Ιούνιο του 1889, με θέα στον πρωταρχικό ουρανό πάνω από τη φανταστική πόλη από το ανατολικό παράθυρο της στέγασης του καλλιτέχνη στην Saint-Remy de Provence. Από το 1941, αποθηκεύεται στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη. Θεωρείται ένα από τα καλύτερα έργα του Van Gogh και ενός από τα σημαντικότερα έργα της Δυτικής Ζωγραφικής.

19. "Δημιουργία του Αδάμ". Michelangelo, 1511.

Michelangelo τοιχογραφία, γραμμένο γύρω στο 1511. Η τοιχογραφία είναι η τέταρτη από τις εννέα κεντρικές συνθέσεις της οροφής του παρεκκλησίου Sicastine.

Η "Δημιουργία του Αδάμ" είναι μία από τις σημαντικότερες συνθέσεις της ζωγραφικής του Σικσταντινικού παρεκκλησίου. Σε έναν άπειρο χώρο, ο θεός-πατέρας πετάει, περιτριγυρισμένος από άγγελοι υπερανάλη, με αποφασιστικό λευκό χιτώνα. Το δεξί χέρι τεντώνεται προς το χέρι του Αδάμ και σχεδόν την αγγίζει. Το σώμα του Αδάμ που βρίσκεται σε ένα πράσινο βράχο έρχεται σταδιακά σε κίνηση, ξυπνά στη ζωή. Η όλη σύνθεση συμπυκνώνεται στη χειρονομία δύο χεριών. Το χέρι του Θεού δίνει την ώθηση, και το χέρι του Αδάμ το παίρνει, δίνοντας όλο το σώμα της ζωτικής ενέργειας. Το γεγονός ότι τα χέρια τους δεν έρχονται σε επαφή, ο Michelangelo τόνισε την αδυναμία της στολή του θεϊκού και του ανθρώπου. Στην εικόνα του Θεού, σύμφωνα με το σχέδιο του καλλιτέχνη, όχι μια θαυμάσια αρχή, αλλά μια γιγαντιαία δημιουργική ενέργεια. Με τη μορφή του Adam Michelangelo, η δύναμη και η ομορφιά του ανθρώπινου σώματος κυνηγούν. Στην πραγματικότητα, η ίδια η δημιουργία του ατόμου εμφανίζεται μπροστά μας και η στιγμή στην οποία παίρνει την ψυχή, την παθιασμένη αναζήτηση του θεϊκού, δίψα για τη γνώση.

20. "φιλί στον αστέρι του ουρανού". Gustav Klimt, 1905-1907.

Εικόνα του αυστριακού καλλιτέχνη Gustav Clima, γραμμένο το 1907-1908. Ο καμβάς ανήκει στην περίοδο της δημιουργικότητας της Clima, που ονομάζεται "χρυσό", το τελευταίο έργο του συγγραφέα στη "χρυσή περίοδο" του.

Στο βράχο, στην άκρη της λουλουδιών, στο χρυσό aure, υπάρχουν πλήρως υποβρύχια ο ένας στον άλλο, έρημο από όλο τον κόσμο στην αγάπη. Λόγω της αβεβαιότητας του τόπου του τι συμβαίνει φαίνεται ότι το ζευγάρι που απεικονίζεται στην εικόνα πηγαίνει εκτός από το χρόνο και ο χώρος είναι μια κοσμική κατάσταση, από την άλλη πλευρά όλων των ιστορικών και κοινωνικών στερεοτύπων και κατακλυσμασιών. Πλήρης ιδιωτικότητα και γύρισε πίσω το πρόσωπο ενός ανθρώπου δίνει έμφαση στην εντύπωση της μόνωσης και της επέκτασης προς τον παρατηρητή.

Πηγή - Wikipedia, muze-mira.com, say-hi.me

Μιλώντας για το είδος του τοπίου είναι αδύνατο να μην μετατραπεί στο έργο των μεγάλων παικτών τοπίου. Τώρα είναι δύσκολο να φανταστούμε ότι πριν από δύο εκατό χρόνια, ένα τέτοιο πράγμα που δεν έχει ακόμη υπάρξει ένα τοπίο. Οι παραδόσεις της ρωσικής ζωγραφικής τοπίου άρχισαν να σχηματίζουν μόνο στα τέλη του 18ου αιώνα. Πριν από αυτό, οι καλλιτέχνες γράφτηκαν υπό την επιρροή των ιταλικών και των γαλλικών πλοιάρχης, της χάραξης χαρακτήρα σύμφωνα με τους ακαδημαϊκούς νόμους κατασκευής, που θεωρούνται υποχρεωτικές στη ζωγραφική εκείνης της εποχής.

Μια τεράστια συμβολή στην ανάπτυξη του ρωσικού τοπίου έκανε μια εταιρική σχέση κινητών εκθέσεων (κινητών) υπό την ηγεσία του Ι. Ν. Kramsky. Οι καλλιτέχνες κυνηγούσαν την ομορφιά μιας απρόσεκτης ρωσικής φύσης, ευκολία αγροτικών τοπίων, τεράστιες εκτάσεις της Ρωσίας.

Οι μεγαλύτεροι πλοίαρχοι του τοπίου:

• Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897)
• Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817-1900)

Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898)

Τέχνη του i.i. Ο Shishkin είναι εκπληκτικά σαφής και διαφανής. Οι πίνακές του είναι άγριας ζωής ύμνος, η ομορφιά της. Δημιούργησε την τέχνη του τοπίου με κωνοφόρα παχιά, με μη δρομολόγηση razl, με όλη την απλότητα του βόρειου τοπίου.

Σε ηλικία 12 ετών με την επιμονή του πατέρα του ορίστηκε στο 1ο Γυμνάσιο Καζάν. Το πλήρες μάθημα δεν τελείωσε. Το 1852 μετακόμισε στη Μόσχα και εισήλθε στη Σχολή Ζωγραφικής, τρομακτικού και αρχιτεκτονικής. Εδώ, ο Α. Ν. Μόκριτσκυ έγινε ο μέντορας του Shishkin. Μετά την αποφοίτησή τους από το μάθημα (1856), ένας ταλαντούχος φοιτητής συνιστάται να συνεχίσει την εκπαίδευσή τους στην Αγία Πετρούπολη στην Ακαδημία Τεχνών. Η μάθησή του οδηγήθηκε από τον S. M. Vorobyov.

Οι δάσκαλοι σημείωσαν αμέσως την τάση του Shishkin με τη ζωγραφική τοπίου. Ήδη κατά το πρώτο έτος παραμονής στην Ακαδημία, απονεμήθηκε ένα μικρό ασημένιο μετάλλιο για "θέα στην περιοχή της Αγίας Πετρούπολης". Το 1858 ο καλλιτέχνης έλαβε ένα μεγάλο ασημένιο μετάλλιο για τη ζωγραφική "θέα στο νησί της Βαλκαάμ".

Οι επιτυχίες που επιτεύχθηκαν επέτρεψαν στο Shishkin να κάνουν ένα ξένο ταξίδι ως υποτροφία της Ακαδημίας. Το ταξίδι άρχισε με το Μόναχο (1861), όπου ο Ivan Ivanovich παρακολούθησε τα εργαστήρια των δημοφιλών καλλιτεχνών ζώων Β. Και F. Adam. Το 1863, ο Shishkin μετακόμισε στη Ζυρίχη, στη συνέχεια στη Γενεύη, την Πράγα, το Ντίσελντορφ. Squiroving για την Πατρίδα, επέστρεψε στην Πετρούπολη το 1866, πριν από τη λήξη των υποτροφιών του.

Στη Ρωσία, ο καλλιτέχνης απονεμήθηκε τον τίτλο του ακαδημαϊκού (1865). Από εκείνη την εποχή ξεκίνησε η πιο γόνιμη περίοδος δημιουργικότητας ζωγραφικής. Εικόνες "Χτύπημα του δάσους" (1867), "Rye" (1878), "Pines φωτίζεται από τον ήλιο" (1886), "πρωί στο πευκοδάσος" (1889, αρκούδες γράφτηκαν από τον Κ. Α. Savitsky), "Πλοίο Grove" (1898) και πολλά άλλα.

Ο Shishkin εργάστηκε ενεργά στο Plenier, συχνά πραγματοποιήθηκε με καλλιτεχνικό σκοπό που ταξιδεύει στη Ρωσία. Σχεδόν ετησίως παρουσίασε τα έργα του - πρώτα στην Ακαδημία, και στη συνέχεια, μετά τη δημιουργία της εταιρικής σχέσης των εκθέσεων κινητής τέχνης (1870), σε αυτές τις εκθέσεις.

Ivan ilyich Levitan (1860-1900)

Γεννήθηκε στις 30 Αυγούστου 1860 στην Λιθουανική πόλη του Cybartai σε μια εβραϊκή οικογένεια. Ο πατέρας ήταν μικρά υπάλληλοι στην αστική διαχείριση. Λίγο μετά τη γέννηση του νεότερου γιου, η οικογένεια μετακόμισε στη Μόσχα. Στην ηλικία των 13 ετών, ο Ισαάκ συμμετείχε στη Σχολή Ζωγραφικής, Ασφαλείας και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, στην κατηγορία Α. Κ. Σαβράσβα και Β. Δ. ΠΟΛΕΝΟΒ. Από την αρχή, ο Levitan κέρδισε τα μαθήματα και τα προσαρμοσμένα πορτρέτα. Εξαιρετικά αποφοίτησε από το σχολείο, αλλά λόγω της προέλευσης, απονεμήθηκε δίπλωμα του δασκάλου πιστοποιητικού.

Η πρώτη μεγάλη εικόνα της "ήσυχης κατοικίας" έγραψε μετά το ταξίδι το 1890 στο ρωσικό βόρειο. Ο καμβάς απέκτησε τον Π. Μ. Tretyakov για τη γκαλερί του. Το 1892, ο καλλιτέχνης αναγκάστηκε να φύγει από τη Μόσχα, καθώς οι Εβραίοι δεν επιτρέπεται να παραμείνουν στις πρωτεύουσες. Εγκαταστάθηκε σε ένα χωριό, που βρίσκεται κατά μήκος της οδού Βλαντιμίρ, σύμφωνα με την οποία ο Catzhan οδήγησε στη Σιβηρία. Ο καλλιτέχνης κατέλαβε αυτά τα μέρη στην εικόνα "Vladimirk" (1892). Στη δεκαετία του '90. Ο Levitan έκανε ένα άλλο ταξίδι, αυτή τη φορά κατά μήκος του Βόλγα. Υπήρχε μια εικόνα του "φρέσκου ανέμου. Βόλγα "(1891-1895). Η επιδείνωση της φυματίωσης προκάλεσε την αναχώρηση του καλλιτέχνη στο εξωτερικό, στη Γαλλία, στη συνέχεια στην Ιταλία, αν και τα προβλήματα των φίλων βοήθησαν να τον πάρει άδεια να φιλοξενήσει στη Μόσχα.

Επιστρέφοντας το σπίτι, από το 1898, ο Levitan άρχισε να οδηγεί την τάξη του τοπίου στο σχολείο, το οποίο αποφοίτησε. Έχει επιδεινωθεί την υγεία του και το 1899 ο καλλιτέχνης στην πρόσκληση του Α. Π. Chekhov πήγε στη Γιάλτα. Η επιστροφή, άρχισε και πάλι να διδάσκει, αλλά η υγεία συνέχισε να επιδεινώνεται, και στις 4 Αυγούστου 1900, ο Λεβιδικός πέθανε.

Τα τοπία του τραγουδιστή της ρωσικής φύσης δεν είναι μόνο μια φωτογραφική εικόνα της φύσης - ο καλλιτέχνης κατάφερε να μεταφέρει τη ζωντανή της αναπνοή. Δεν υπάρχει περίβλημα κριτικός V. V. Stasov που ονομάζεται ζωγραφική του Luvitan από συναισθηματικά ποιήματα. Ταυτόχρονα, ο Λεβιδικός δεν ήταν μόνο ένα υπέροχο τοπίο. Η δημιουργική του κληρονομιά σχεδιάζει επίσης εικόνες, ακουαρέλες, εικονογραφήσεις βιβλίων.

Για το όνομα Isaac Levitan συνδέει την πόλη της ταινίας. Το Levitan φτάνει στις πλάκες τρία χρόνια στη σειρά, το 1888-1890. Δεν υπάρχει γωνία και μονοπάτια κοντά στην ταινία, οπουδήποτε έχει ο μεγάλος πλοίαρχος. Εμπνευσμένο από τις μαγικές ομορφιές της ταινίας, γράφει σχεδόν 200 ζωγραφιές εδώ και etudes! Τώρα διάσημοι πίνακες είναι "πάνω από την αιώνια περιοχή", "μετά τη βροχή. Ψύλλους "," το βράδυ. Χρυσά αρχεία, "Birch Grove" και πολλοί άλλοι - έγιναν διακόσμηση των συλλογών της γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο και πολλές συναντήσεις στη Ρωσία και το εξωτερικό.

Vasily Dmitievich Polenov (1844-1927)

Γεννήθηκε την 1η Ιουνίου 1844 στο κτήμα της Borok (τώρα Polenovo στην περιοχή Tula) στην οικογένεια αρχαιολόγου και βιβλιογράφου D. V. Polenova. Μετά τη λήψη της δευτεροβάθμιας εκπαίδευσης, εισήλθε στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης (1863) και λίγο αργότερα άρχισε να παρακολουθήσει διαλέξεις στη Νομική Σχολή στο Πανεπιστήμιο.

Το 1872, αποφοίτησε από τα δύο μαθήματα με τιμητικές διακρίσεις από το Polenov απονείμησε ένα ταξίδι στο εξωτερικό εις βάρος της Ακαδημίας. Επισκέφτηκε τη Βιέννη, τη Βενετία, τη Φλωρεντία, τη Νάπολη, έζησε στο Παρίσι για μεγάλο χρονικό διάστημα. Μια επίσκεψη στο σπίτι ήταν βραχύβια. Το 1876 ο καλλιτέχνης πήγε εθελοντής στο Σερβ-Τσερογόρ-Τουρκικό πόλεμο.

Στα επόμενα χρόνια, πολλά ταξίδεψαν στη Μέση Ανατολή και την Ελλάδα (1881-1882, 1899, 1909), Ιταλία (1883-1884, 1894-1895). Το 1879, προσχώρησε στην κοινωνία των καλλιτεχνών ταινιών. Το 1882-1895 Δίδαξε στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής Μόσχας.

Ο βαθμός αξιολόγησης Polenov το 1893 εκλέχθηκε από ένα έγκυρο μέλος της Ακαδημίας Τεχνών. Από το 1910, ασχολήθηκε με την ανάπτυξη των επαρχιακών θεάτρων, μετά από τρία χρόνια από τον επικεφαλής του ειδικού τμήματος στη Μόσχα της Εταιρείας των Πανεπιστημίων των Λαϊκών.

Ο Polenov είναι γνωστός ως συγγραφέας του διαζυγίου. Εφαρμόζει σε ιστορικά και θρησκευτικά θέματα - "Χριστός και αμαρτία" (1886-1887), "στη λίμνη Tivsel" (1888), "μεταξύ των εκπαιδευτικών" (1896). Το 1877 δημιούργησε μια σειρά από Enudes των Συμβούλων του Κρεμλίνου και των Επιμελητηρίων Παλάτι. Σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, το θεατρικό τοπίο έκανε. Τα σκίτσα του χτίστηκαν εκκλησίες στο Abramtsev (σε συν-συγγραφέα με τον V. M. Vasnetsov) και στο The Audy στο Tuire (1906). Αλλά η μεγαλύτερη δόξα του Polenov έφερε τοπία: "Moskovsky dvorik" (1878), "Babushkin Garden", "Καλοκαίρι" (1879), "Overgrown Pond" (1880), "Χρυσό Φθινόπωρο" (1893), μεταδίδοντας την ποιητική γοητεία των γωνιών της αστικής ζωής και της παρθένας ρωσικής φύσης.

Τα τελευταία χρόνια της ζωής, ο καλλιτέχνης πέρασε στο κτήμα της Borok, όπου διοργάνωσε το Μουσείο Τέχνης και Επιστημονικών Συλλογών. Εδώ από το 1927 υπάρχει ένα μουσείο-Usadba V. D. Polenova.

Alexey Kondratievich Savrasov (1830 - 1897)

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε 12 (24) τον Μάιο του 1830 στη Μόσχα, στην οικογένεια ενός εμπόρου της 3ης συντεχνίας της Κονίγια Αρχειασέβης Σαββαράβης. Σε αντίθεση με τις επιθυμίες του Πατέρα, ο οποίος ονειρευόταν την προσαρμογή του γιου σε «εμπορικές υποθέσεις», ένα αγόρι το 1844 εισήλθε στη Σχολή Ζωγραφικής της Μόσχας και Βαζάνια, όπου σπούδασε στην τάξη του Λειτουργού Τοπίου Κ. Ι. Procus. Κατά τη διάρκεια της εκπαίδευσης, το 1850 είχαν μια εικόνα της "πέτρας στο δάσος στη διαρροή", ποιοι ιστορικοί τέχνης θεωρούν κάπως αδέξια κατά μήκος της σύνθεσης. Την ίδια χρονιά, για τη ζωγραφική "Η θέα του Κρεμλίνου της Μόσχας κάτω από το φεγγάρι" του απονεμήθηκε τον τίτλο ενός καλλιτέχνη μη τάξη.

Μέλος του ιδρυτή της Ένωσης Κινητών Εκθέσεων Τέχνης (βλέπε ταινία). Στα πρώτα έργα του S. ρομαντικές επιδράσεις επικρατούν ("θέα του Κρεμλίνου σε βροχερό καιρό", 1851, Tretyakov γκαλερί).

Στη δεκαετία του 1850-60. Το Savrasov προχωράει συχνά σε ηρεμία, αφηγηματικές εικόνες, σε ορισμένες περιπτώσεις έργων που χαρακτηρίζονται από την επιθυμία για την έγχρωμη ενότητα των έργων ("Losine Island στη Σωλνική", 1869, εκεί), για να ενισχύσουν τον συναισθηματικό ήχο του φωτισμού. Το αποτέλεσμα αυτών των αναζητήσεων ήταν η εικόνα "Grachei πέταξε" (1871, ibid), όπου ο Savrasov, που απεικονίζει ένα εξωτερικά αυστηρό κίνητρο και υπογραμμίζοντας τη ζωή του φυσικού περιβάλλοντος τη στιγμή της μετάβασης (η έναρξη της πρόωρης άνοιξης), κατάφερε να δείξει να δείξει η βαθιά αδιάκριτη της μητρικής του φύσης. Lyric αμεσότητα, ενδιαφέρον για την αιχμαλωσία και τα επόμενα έργα της Σαβράσοβης ("Rasklok", 1873, "Dvorik", 1870, "Τάφος πάνω από το Βόλγα", 1874, ιδιωτική συνέλευση, Μόσχα).

Ο Alexey Savrasov, ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους του λυρικού προορισμού στο ρωσικό τοπίο, είχε τεράστιο αντίκτυπο στους ρωσικούς παίκτες τοπίου των τελευταίων 19 ετών - αρχές του 20ου αιώνα.

Κατέληξε. Savrasov 26 Σεπτεμβρίου 1897, θαμμένος στη Μόσχα, στο νεκροταφείο του Vagankovsky. Το δρομάκι στο οποίο είναι θαμμένο, φέρει το όνομά του. Ο αγαπημένος φοιτητής του ήταν ο Ισαάκ Λεβιδικός

Archka Ivanovich Kindji (1841-1910)

Γεννήθηκε τον Ιανουάριο του 1841 στη Μαριουπόλη στην οικογένεια ενός υποδηματοποιού, ελληνικής προέλευσης. Ο Όσπαεφ, έφερε στην οικογένεια συγγενών. Οι αρχές άρχισαν να σχεδιάζουν και κατέκτησαν τον ζωγραφικό κυρίως ανεξάρτητα.

Το 1855, με τα πόδια πήγε στη Φαρωδιαία για να μάθει από τον Ι. Κ. Aivazovsky. Η επιρροή του διάσημου ναυτικού στη νεαρή queji ήταν αναμφισβήτητα. Στα τέλη της δεκαετίας του '60. Ο Queenji ήρθε στην Αγία Πετρούπολη. Το πρώτο έργο, ο καλλιτέχνης που παρουσιάστηκε το 1868 στην έκθεση της Ακαδημίας Τεχνών και σύντομα ιδρύθηκε σταθερά ως πλοίαρχος του τοπίου: "Φθινόπωρο Ραζολία" (1872). "Ξεχασμένο χωριό" (1874). "CHUMATSKY TROD στη Μαριουπόλη" (1875) και άλλοι.

Το 1870, για πρώτη φορά επισκέφθηκε το νησί της Βαλκαάμ, όπου στη συνέχεια ζωγράφισε. Καθώς οι σύγχρονοι πίστευαν, τα τοπία δημιουργήθηκαν εκεί που προσελκύουν την προσοχή του κοινού.

Η ζωγραφική "ουκρανική νύχτα" (1876) απλώς κλαπεί στο κοινό και καθόρισε την ειδική πορεία του συγγραφέα στην τέχνη. Με αυτήν, ο Quinji ξεκίνησε την «επιδίωξη του φωτός» - προσπάθησε να επιτύχει την πλήρη ψευδαίσθηση του φυσικού φωτισμού. Στο υψηλότερο βαθμό, εκδηλώθηκε στην εικόνα "Νύχτα στο Δνείπερο" (1880) με ένα αφρώδες σεληνιακό μονοπάτι, σε βελούδινο σκοτάδι.

Ο ζωγράφος με έναν νέο τρόπο αποκάλυψε τις δυνατότητες του τοπίου, του μετασχηματισμού, του καθαρισμού και της αυξημένης πραγματικότητας. Ζήτησε την εξαιρετική ένταση και τη φωτεινότητα των χρωμάτων, νέων λύσεων χρώματος. Πολλές "ηλιόλουστες" πίνακες και σκίτσα είναι χαρακτηριστικά του (μεταξύ αυτών "Birch Grove", 1879).

Έντονη αντίθεση των κορεσμένων τόνων, φωτεινά εφέ - Όλα αυτά ήταν ασυνήθιστα για τη ζωγραφική του 19ου αιώνα. φαινόμενο. Η παρεξήγηση των συναδέλφων που αναγκάστηκαν κάπου κατά τη στιγμή της υψηλότερης επιτυχίας να αρνηθούν να συμμετάσχουν σε εκθέσεις. Για τελευταία φορά εμφάνισαν το έργο του το 1882

Ο καλλιτέχνης έζησε κοπάδι στην Κριμαία, όπου δημιούργησε μια σειρά από μεγάλα ημερολόγια και εκατοντάδες etudes, συνεχίζοντας να πειραματίζεται με χρώματα και χρώμα. Μεταξύ των μεταγενέστερων έργων της Queenji είναι η μόνη ιστορία της ιστορίας του Χριστού (1901) και αναπνέει την εξαιρετική αρμονία "νύχτα" (1905-1908)

Το 1909, ο Archup του Ivanovich ίδρυσε την κοινωνία καλλιτεχνών (που έλαβε τότε το όνομά του), το οποίο υποστήριξε τον λαό της τέχνης. Αυτή η κοινωνία, ο ζωγράφος κληροδότησε το δικό του κράτος και ήταν στο εργαστήριο της εργασίας.

Στον XVII αιώνα, εισήχθη ο διαχωρισμός των ειδών ζωγραφικής σε "υψηλή" και "χαμηλή". Στο πρώτο ήταν ιστορικό, μάχη και μυθολογικά είδη. Τα δεύτερα βαθμολογημένα είδη ζωγραφικής από την καθημερινή ζωή, όπως το είδος του νοικοκυριού, η νεκρή φύση, ο κτηνοτροφικός, ο πορτραίτο, γυμνό, το τοπίο.

Ιστορικό είδος

Το ιστορικό είδος στη ζωγραφική απεικονίζει ένα συγκεκριμένο θέμα ή άτομο, αλλά μια συγκεκριμένη στιγμή ή ένα γεγονός που έλαβε χώρα στην ιστορία των προηγούμενων ορίων. Περιλαμβάνεται στο κύριο Γενικά ζωγραφικής Στην τέχνη. Τα πορτραίτα, η μάχη, τα νοικοκυριά και τα μυθολογικά είδη είναι συχνά στενά αλληλένδετα με την ιστορική.

"Conquest Siberia Ermacom" (1891-1895)
Vasily Surikov

Στο ιστορικό είδος, οι καλλιτέχνες Nikola Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev και πολλοί άλλοι.

Μυθολογικό είδος

Θρύλοι, αρχαίοι μύθοι και μύθοι, λαϊκή λαογραφία - Η εικόνα αυτών των οικόπεδα, οι ήρωες και τα γεγονότα βρήκαν τη θέση τους στο μυθολογικό είδος της ζωγραφικής. Ίσως μπορεί να διατεθεί στη ζωγραφική οποιουδήποτε λαού, επειδή η ιστορία κάθε εθνοού εκπληρώνεται από τους θρύλους και τους θρύλους. Για παράδειγμα, ένα τέτοιο οικόπεδο της ελληνικής μυθολογίας, ως το μυστικό ρομαντισμό του Θεού του Πολέμου, και η θεά της Ομορφιάς Αφροδίτης απεικονίζει τη ζωγραφική "Πάρντας" του Ιταλού καλλιτέχνη που ονομάζεται Andrea Manteny.

"Πάρσα" (1497)
Andrea mantenya

Τέλος, η μυθολογία στη ζωγραφική σχηματίστηκε στην αναγέννηση εποχής. Εκπρόσωποι αυτού του είδους εκτός από την Andrea Manteny είναι το Rafael Santi, Georgeon, Lucas Crane, Sandro Botticelli, Victor Mikhailovich Vasnetsov και άλλοι.

Είδος μάχης

Η ζωγραφική μάχης περιγράφει σκηνές από τη στρατιωτική ζωή. Τις περισσότερες φορές, απεικονίζονται διάφορες στρατιωτικές πεζοπορίες, καθώς και αγώνες της θάλασσας και της γης. Και δεδομένου ότι αυτές οι μάχες λαμβάνονται συχνά από την πραγματική ιστορία, η μάχη και τα ιστορικά είδη βρίσκουν το σημείο διασταύρωσης εδώ.

Fragment of Panorama "Borodino Battle" (1912)
Franz rubu

Η ζωγραφική μάχης διαμορφώθηκε κατά τη διάρκεια της ιταλικής αναγέννησης στα έργα των καλλιτεχνών Michelangelo Buonaroti, Leonardo da Vinci, και στη συνέχεια Theodora Zheriko, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubo, Mitrofan Borisovich Grekova και πολλούς άλλους ζωγράφους.

Οικιακό είδος

Οι σκηνές από την καθημερινή, δημόσια ή ιδιωτική ζωή των συνηθισμένων ανθρώπων, είναι κάτι αστικό ή αγροτικό τρόπο, απεικονίζει ένα είδος νοικοκυριού στη ζωγραφική. Όπως πολλοί άλλοι Γενικά ζωγραφικήςΟι ζωγραφιές των νοικοκυριών σπάνια βρίσκονται στην αυτο-μορφή, καθιστούν μέρος ενός πορτρέτου ή του τοπίου.

"Πωλητής μουσικών οργάνων" (1652)
Karel Fabricius.

Η γέννηση της οικιακής ζωγραφικής συνέβη στον X αιώνα ανατολικά και πέρασε στην Ευρώπη και τη Ρωσία μόνο στους αιώνες XVII-XVIII. Jan Vermeer, Karel Fabrichius και Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov και Ivan Alekseevich Yermenhev είναι οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες των οικιακών ζωγραφιών εκείνη την εποχή.

Ζωικό είδος

Τα κύρια αντικείμενα του είδους των ζώων είναι ζώα και τα πουλιά, τόσο άγρια \u200b\u200bόσο και η εργασία, και γενικά, όλοι οι εκπρόσωποι του κόσμου των ζώων. Αρχικά, ο κωνισμός ήταν μέρος των ειδών της κινεζικής ζωγραφικής, επειδή εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην Κίνα στο VIII αιώνα. Στην Ευρώπη, ο κηλιδισμός σχηματίστηκε μόνο στις εποχές της αναγεννησιακής εποχής απεικονίστηκαν εκείνη την εποχή εκείνη την εποχή ως η ενσάρκωση των κακών και αρετών ενός ατόμου.

"Άλογα στο λιβάδι" (1649)
Paulus Potter.

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durers, Γαλλία Sneders, Albert Cape - Μεγάλοι κτηνοτροφικοί εκπρόσωποι σε καλές τέχνες.

Νεκρή φύση

Στο είδος, η νεκρή φύση απεικονίζει αντικείμενα που περιβάλλουν ένα άτομο στη ζωή. Αυτά είναι άψυχα αντικείμενα σε συνδυασμό σε μία ομάδα. Τέτοια αντικείμενα μπορεί να ανήκουν σε ένα γένος (για παράδειγμα, μόνο τα φρούτα απεικονίζονται στην εικόνα) και μπορούν να είναι ετερογενή (φρούτα, αντικείμενα πιάτων, μουσικά όργανα, λουλούδια κ.λπ.).

"Λουλούδια σε ένα καλάθι, πεταλούδα και dragonfly" (1614)
Ambrosius Boshart Elder

Η νεκρή φύση καθώς ένα ανεξάρτητο είδος έλαβε σχήμα στον XVII αιώνα. Ειδικά διαθέστε φλαμανδική και ολλανδική σχολή νεκρή φύση. Σε αυτό το είδος, οι εκπρόσωποι των διαφόρων μορφών έγραψαν τους πίνακές τους, από τον ρεαλισμό στον κυβισμό. Μερικές από τις πιο διάσημες ακόμα Lifes έγραψαν ζωγράφους Ambrosive Boshart Senior, Albertus ιόν Brandt, Paul Cesanne, Vincent Van Gogh, Pierre Augene Renoir, Villem Clas Heba.

Πορτρέτο

Το πορτρέτο είναι ένα είδος ζωγραφικής, το οποίο είναι ένα από τα πιο συνηθισμένα στην οπτική τέχνη. Ο σκοπός του πορτρέτου στη ζωγραφική είναι να απεικονίσει ένα άτομο, αλλά όχι μόνο την εμφάνισή του, και επίσης να μεταφέρει τα εσωτερικά συναισθήματα και τη διάθεση που απεικονίζεται.

Πορτρέτα Υπάρχουν ενιαία, ζευγαρωμένα, ομάδα, καθώς και ένα αυτοπροσωπογραφία, το οποίο μερικές φορές διακρίνεται από ένα ξεχωριστό είδος. Και το πιο διάσημο πορτρέτο όλων των εποχών, ίσως, είναι η εικόνα του Leonardo da Vinci που ονομάζεται "Πορτρέτο της κυρίας Liza del Jocondo", γνωστή ως "Mona Lisa".

"Mona Lisa" (1503-1506)
Λεονάρντο Ντα Βίντσι

Τα πρώτα πορτρέτα εμφανίστηκαν μια άλλη χιλιετία πριν στην αρχαία Αίγυπτο - αυτές ήταν εικόνες του Φαραώ. Από τότε, οι περισσότεροι καλλιτέχνες έχουν δοκιμάσει τον εαυτό τους με κάποιο τρόπο ή αλλιώς σε αυτό το είδος. Τα πορτραίτα και τα ιστορικά είδη ζωγραφικής μπορεί επίσης να διασταυρώσει: Η εικόνα ενός μεγάλου ιστορικού προσώπου θα θεωρηθεί ότι ένα έργο του ιστορικού είδους, τουλάχιστον ταυτόχρονα θα μεταφέρει την εμφάνιση και τον χαρακτήρα αυτού του ατόμου ως πορτρέτο.

Νου

Ο στόχος του γυμνού είναι μια εικόνα ενός γυμνού ανθρώπινου σώματος. Η αναγεννησιακή περίοδος θεωρείται η στιγμή της εμφάνισης και της ανάπτυξης αυτού του τύπου ζωγραφικής και το κύριο αντικείμενο της ζωγραφικής τότε συχνά έγινε το γυναικείο σώμα, το οποίο ενσωματώνει την ομορφιά της εποχής.

"Αγροτική συναυλία" (1510)
κοκκινοχρυσός

Titian, Amedeo Modigliani, Antonio Ναι Corredjo, Georgeon, Pablo Picasso είναι οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες που έγραψαν φωτογραφίες στο είδος του Nu.

Τοπίο

Το κύριο θέμα του είδους τοπίου είναι η φύση, το περιβάλλον - η πόλη, η αγροτική ή η έρημο. Τα πρώτα τοπία εμφανίστηκαν σε αντίκες χρόνους όταν ζωγραφίζουν παλάτια και ναοί, δημιουργώντας μινιατούρες και εικονίδια. Ως ανεξάρτητο είδος, το τοπίο καταρτίζεται στο XVI αιώνα και από τότε συμπεριλαμβάνεται στα πιο δημοφιλή Γενικά ζωγραφικής.

Είναι παρούσα στο έργο πολλών ζωγράφων, ξεκινώντας από τον Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasova, Eduard Mana, συνεχίζοντας στον Isaac ilyich Levitan, Pitom Mondrian, Pablo Picasso, George γάμο και τελειώνει με τους πολλούς σύγχρονους καλλιτέχνες του XXI αιώνα.

"Χρυσό Φθινόπωρο" (1895)
Isaac Levitan

Μεταξύ της ζωγραφικής τοπίου, τέτοια είδη μπορούν να διακριθούν ως τοπία θαλάσσιων και πόλεων.

Βατίτη

Το μόλυβδο είναι ένα τοπίο, ο σκοπός του οποίου είναι να απεικονίσει τον τύπο της αστικής περιοχής και να το μεταφέρει στην ομορφιά και τη γεύση. Αργότερα, με την ανάπτυξη της βιομηχανίας, το τοπίο της πόλης πηγαίνει στο τοπίο της βιομηχανικής.

"Πλατεία του Αγίου Μάρκου" (1730)
Κάντελτα

Μπορείτε να αξιολογήσετε τα αστικά τοπία, αφού εξοικειωμένοι με τα έργα του Cantelto, Peter Breygel, Fedor Yakovlevich Alekseeva, Sylvester Feodosievich Shchedrin.

Μαρίνα

Seascape, ή η μαρίνα απεικονίζει τη φύση του θαλάσσιου στοιχείου, το μεγαλείο του. Ο πιο διάσημος καλλιτέχνης Marinist στον κόσμο, ίσως, είναι ο Ivan Konstantinovich Aivazovsky, της οποίας η εικόνα "The Ninth Val" μπορεί να ονομαστεί αριστούργημα της ρωσικής ζωγραφικής. Η άνθηση της μαρίνας πραγματοποιήθηκε ταυτόχρονα με την ανάπτυξη του τοπίου ως τέτοια.

"Ιστιοφόρο κατά τη διάρκεια μιας καταιγίδας" (1886)
James Battersworth

Katsusik Hokusai, James Edward Battersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lion Feliksovich Lagorio και Rafael Montacleon Torres, είναι επίσης γνωστές για τα θαλάσσια τοπία του.

Εάν θέλετε να μάθετε περισσότερα σχετικά με το πώς τα είδη ζωγραφικής στην τέχνη προέκυψαν και αναπτύσσονται, δείτε το παρακάτω βίντεο:

Πάρτε τον εαυτό σας, πείτε μου φίλους!

Διαβάστε επίσης στην ιστοσελίδα μας:

Δείτε περισσότερα

Σε σχεδόν κάθε σημαντικό έργο τέχνης, υπάρχει ένα μυστήριο, "διπλό κατώτατο σημείο" ή μια μυστική ιστορία που θέλετε να αποκαλύψετε.

Μουσική στους γλουτούς

Jerome Bosch, "Κήπος από ευχαριστίες της Γης", 1500-1510.

Θραύσμα τμήματος του τρίπτυχου

Οι διαμάχες για τις έννοιες και τις κρυμμένες έννοιες του πιο διάσημου έργου του ολλανδικού καλλιτέχνη δεν υποχωρούν από τη στιγμή της εμφάνισής του. Στο σωστό φύλλο απορριμμάτων που ονομάζεται "μουσική κόλαση", οι αμαρτωλοί απεικονίζονται, οι οποίοι βασανίζονται στον υπόκοσμο με τη βοήθεια μουσικών οργάνων. Ένας από αυτούς έχει σημειώσεις στους γλουτούς. Ένας φοιτητής του χριστιανικού πανεπιστημίου Ο Οκλαχόμα Αμέλια Hamrick, ο οποίος σπούδασε την εικόνα, μετατόπισε τη σημείωση του XVI αιώνα με τον σύγχρονο τρόπο και κατέγραψε "ένα τραγούδι από τον κώλο από την κόλαση, η οποία ήταν 500 ετών."

Nude Mona Lisa

Η διάσημη "JOCONDA" υπάρχει σε δύο εκδόσεις: Η γυμνή έκδοση ονομάζεται "Monta Bath", έγραψε μια ελάχιστα γνωστή καλλιτεχνική Σαλάια, ο οποίος ήταν φοιτητής και προσομοιωτής του μεγάλου Leonardo da Vinci. Πολλοί επικριτές τέχνης είναι σίγουροι ότι ήταν αυτός που ήταν ένα μοντέλο για έργα ζωγραφικής από τον Leonardo "John Baptist" και "Bakhus". Υπάρχουν επίσης εκδόσεις ότι η Salaya ντυμένη με ένα γυναικείο φόρεμα χρησίμευσε ως η ίδια η Mona Lisa.

Παλιός ψαράς

Το 1902, ο ουγγρικός καλλιτέχνης Tivadar Kostya Chongwari έγραψε μια φωτογραφία του παλιού ψαρά. Φαίνεται ότι δεν υπάρχει τίποτα ασυνήθιστο στην εικόνα, αλλά ο Tivar έδωσε το υποκείμενο σε αυτό, κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη και της μη ανακοινωθέν.

Λίγοι άνθρωποι έγιναν για να εφαρμόσουν τον καθρέφτη στη μέση της εικόνας. Κάθε άτομο μπορεί να είναι σαν τον Θεό (ο δεξιός ώμος του δεξιού χεριού του γέρου) και ο διάβολος (ο αριστερός ώμος του γέρου αντιγράφεται).

Και ήταν το κιτ;

Hendrik van Antonissen "σκηνή στην ακτή".

Φαίνεται το συνηθισμένο τοπίο. Σκάφη, άνθρωποι στην ακτή και έρημη θάλασσα. Και μόνο μια μελέτη ακτίνων Χ έδειξε ότι οι άνθρωποι που συγκεντρώθηκαν στην ακτή δεν είναι ακριβώς έτσι - στο πρωτότυπο θεωρούσαν το σφάγιο της Κίνας, ρίχνονται στην ξηρά.

Ωστόσο, ο καλλιτέχνης αποφάσισε ότι κανείς δεν θα ήθελε να κοιτάξει τη νεκρή φάλαινα και να ξαναγράψει την εικόνα.

Δύο "πρωινό στο γρασίδι"

Eduard Mana, "Πρωινό στο γρασίδι", 1863.

Claude Monet, "Πρωινό στο γρασίδι", 1865.

Οι καλλιτέχνες Eduard Mana και Claude Monet συγχέονται μερικές φορές - τελικά, ήταν και οι δύο γαλλικοί άνθρωποι, έζησαν ταυτόχρονα και εργάστηκαν στο στυλ του ιμπρεσιονισμού. Ακόμα και το όνομα ενός από τους πιο διάσημους πίνακες του Mana "πρωινό στο γρασίδι" Monet δανείστηκε και έγραψε το "πρωινό του στο γρασίδι".

Διπλασιάζει το "Τελευταίο βράδυ"

Leonardo da Vinci, "Τελευταίο δείπνο", 1495-1498.

Όταν ο Leonardo da Vinci έγραψε ένα "μυστικό βράδυ", έδωσε ένα ιδιαίτερο νόημα σε δύο αριθμούς: ο Χριστός και ο Ιούδας. Ψάχνει για προσομοιωτές γι 'αυτούς για πολύ καιρό. Τέλος, κατάφερε να βρει ένα μοντέλο για την εικόνα του Χριστού μεταξύ των νέων τραγουδιστών. Για να πάρετε έναν προσομοιωτή για τον Ιούδα Leonardo δεν ήταν σε θέση για τρία χρόνια. Αλλά μια μέρα συναντήθηκε στο δρόμο σε έναν μεθυσμένο, ο οποίος βρισκόταν σε ένα λύσιμο. Ήταν ένας νεαρός άνδρας που ήταν μια μη πέψη. Ο Λεονάρντο τον κάλεσε στο εστιατόριο, όπου άρχισε αμέσως να γράψει από τον Τζούντι. Όταν ο πότης ήρθε στον εαυτό του, είπε στον καλλιτέχνη ότι μια μέρα τον έριξε ήδη. Ήταν πριν από μερικά χρόνια, όταν τραγούδησε στην εκκλησία χορωδία, ο Leonardo έγραψε από τον Χριστό.

"Νυχτερινό ρολόι" ή "ημέρα";

Rembrandt, "νυχτερινό ρολόι", 1642.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες της Rembrandt "ομιλία από την εταιρεία τουφέκι Captain France Bannang Coca και υπολοχαγός Villem van ryuteitbürga" περίπου διακόσια χρόνια έχει ελέγξει σε διαφορετικές αίθουσες και ανακαλύφθηκε από τους ιστορικούς της τέχνης μόνο στο XIX αιώνα. Δεδομένου ότι φαινόταν ότι τα στοιχεία που εκτελούν σε σκούρο φόντο, ονομάστηκε "νυχτερινό ρολόι" και κάτω από αυτόν τον τίτλο εισήλθε στο θησαυροφυλάκιο της παγκόσμιας τέχνης.

Και μόνο κατά τη διάρκεια της αποκατάστασης που δαπανάται το 1947, ανακαλύφθηκε ότι στην αίθουσα η εικόνα κατάφερε να καλυφθεί με ένα στρώμα αιθάλης, στρέβλωση της γεύσης της. Μετά την εκκαθάριση της αρχικής ζωγραφικής, αποδείχθηκε ότι η σκηνή που αντιπροσωπεύει η Rembrandt συμβαίνει στην πραγματικότητα κατά τη διάρκεια της ημέρας. Η θέση της σκιάς από το αριστερό χέρι του καπετάνιου Coca δείχνει ότι ο χρόνος δράσης δεν υπερβαίνει τις 14 ώρες.

Ανεστραμμένο σκάφος

Henri Matisse, "Σκάφος", 1937.

Στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης το 1961 παρουσιάστηκε μια φωτογραφία του Henri Matisse "Boat". Μόνο μετά από 47 ημέρες κάποιος επέστησε την προσοχή στο γεγονός ότι η εικόνα κρέμεται ανάποδα. Στον καμβά απεικονίστηκαν 10 μοβ γραμμές και δύο μπλε πανιά σε λευκό φόντο. Δύο πανιά, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε ακριβώς έτσι, το δεύτερο πανί είναι μια αντανάκλαση του πρώτου νερού.
Για να μην κάνετε λάθος στο πώς θα πρέπει να κρεμάσει η εικόνα, πρέπει να δώσετε προσοχή στις λεπτομέρειες. Ένα μεγαλύτερο πανί πρέπει να είναι η κορυφή της εικόνας και η κορυφή του σχεδίου ιστιοφόρου θα πρέπει να κατευθύνεται προς τη δεξιά άνω γωνία.

Εξαπάτηση σε αυτοπροσωπογραφία

Vincent Van Gogh, "Αυτοπροσωπογραφία με ένα σωλήνα", 1889.

Το γεγονός ότι ο Van Gogh φέρεται να κόβει το αυτί του, πηγαίνει θρύλους. Τώρα το πιο αξιόπιστο είναι η εκδοχή που το αυτί Van Gogh κατεστραμμένο σε μια μικρή συγκρότηση με τη συμμετοχή άλλων καλλιτεχνών - GOGE.

Το αυτοπροσωπογραφία είναι ενδιαφέρον εκείνο που αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα στη στρεβλωμένη μορφή: ο καλλιτέχνης απεικονίζεται με ένα δεξιό αυτί που συνδέεται, επειδή χρησιμοποίησε έναν καθρέφτη κατά τη λειτουργία. Στην πραγματικότητα, το αριστερό αυτί υπέφερε.

Αλλοδαποί mishki

Ivan Shishkin, "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", 1889.

Η διάσημη ζωγραφική ανήκει όχι μόνο στο βούρτσα του Shishkin. Πολλοί καλλιτέχνες που ήταν φιλικοί μεταξύ τους συχνά κατέληξαν στη "Βοήθεια ενός φίλου", και ο Ιβάν Ιβάνοβιτς, είχε μια ολόκληρη ζωή με τοπία, φοβόταν ότι η επαφή των αρκούδων δεν θα λειτουργούσε μαζί του όπως ήταν απαραίτητο. Ως εκ τούτου, ο Shishkin απευθύνει έκκληση στον γνωστό ζωικό καλλιτέχνη Konstantin Savitsky.

Ο Σαβίτσκυ ζωγράφισε σχεδόν τις καλύτερες αρκούδες στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, και ο tretyakov διέταξε το επώνυμό της από τον καμβά, επειδή τα πάντα στην εικόνα "από το σχέδιο και τελειώνουν με την εκπλήρωση, όλα μιλούν για τον τρόπο ζωγραφικής, για το δημιουργικό μέθοδος shishkin. "

Αθώος Ιστορία "Γοτθικός"

Grant Wood, "Αμερικανός Γοτθικός", 1930.

Το έργο της επιχορήγησης του ξύλου θεωρείται μία από τις πιο περίεργες και καταθλιπτικές στην ιστορία της αμερικανικής ζωγραφικής. Η ζωγραφική με ζοφερή πατέρα και κόρη γεμίζει με λεπτομέρειες που υποδεικνύουν τη σοβαρότητα, την πρόβλεψη και την οπισθοδρομοποίηση των που απεικονίζονται οι άνθρωποι.
Στην πραγματικότητα, ο καλλιτέχνης δεν σκέφτηκε να απεικονίσει τρόμο: κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στην Αϊόβα και παρατήρησε ένα μικρό σπίτι στο γοτθικό στυλ και αποφάσισε να απεικονίσει αυτούς τους ανθρώπους που, κατά τη γνώμη του, θα έρθουν ιδανικά ως κάτοικοι. Με τη μορφή χαρακτήρων, οι οποίοι είναι τόσο προσβληθείσες από τους κατοίκους της Αϊόβα, η αδελφή της επιχορήγησης και ο οδοντίατρος του είναι αθανατοποιημένοι.

Εκδίκηση του Σαλβαδόρ Νταλί

Η εικόνα "Εικόνα από το παράθυρο" γράφτηκε το 1925, όταν ο Ντάλι ήταν 21 ετών. Τότε ο καλλιτέχνης δεν έχει εισέλθει ακόμη στο Γκαλά και το μουσείο του ήταν αδελφή Ana Maria. Η σχέση του αδελφού και των αδελφών επιδεινώθηκε όταν έγραψε σε μια από τις εικόνες "μερικές φορές φτύνω στο πορτρέτο της μητέρας μου, και μου δίνει ευχαρίστηση." Η Ana Maria δεν μπορούσε να συγχωρήσει ένα τέτοιο σοκ.

Στο βιβλίο του του 1949, ο Σαλβαδόρ έδωσε στα μάτια της αδελφής της "γράφει για τον αδελφό του χωρίς έπαινο. Το βιβλίο οδήγησε τη Σαλβαδόρ σε λύσσα. Άλλοι δέκα μετά από αυτό, ήταν θυμωμένος με κάθε άλλη περίπτωση. Και έτσι, το 1954 μια εικόνα "η νεαρή παρθένος, που απολαμβάνει την Sodomsky αμαρτία με τη βοήθεια των κέρατων της δικής του αγνότητας." Πόση μιας γυναίκας, τα μπούκλες του, ένα τοπίο έξω από το παράθυρο και οι ζωγραφιές του χρωμάτων αντανακλάται σαφώς με το "σχήμα παραθύρου". Υπάρχει μια εκδοχή που μου δόθηκε μια εκπληκτική αδελφή για το βιβλίο της.

Διπλό Dana

Το Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine, "Dana", 1636 - 1647.

Πολλά μυστικά ενός από τις πιο διάσημες ζωγραφιές του Rembrandt αποκαλύφθηκαν μόνο στη δεκαετία του '60 του εικοστού αιώνα, όταν ο καμβάς φωτίζει τις ακτίνες Χ. Για παράδειγμα, η λήψη έδειξε ότι στην πρώιμη έκδοση, το πρόσωπο της πριγκίπισσας, το οποίο εισήλθε σε μια σχέση αγάπης με τον Δία, ήταν παρόμοιο με το πρόσωπο του Saskiy - ο σύζυγος του ζωγράφου, ο οποίος πέθανε το 1642. Στην τελική έκδοση της εικόνας, άρχισε να μοιάζει με το πρόσωπο των φυτών του Direks - Lovers Rembrandt, με τους οποίους ο καλλιτέχνης έζησε μετά το θάνατο της συζύγου του.

Κίτρινο υπνοδωμάτιο van gogh

Vincent Van Gogh, "Υπνοδωμάτιο στο Arles", 1888 - 1889.

Τον Μάιο του 1888, ο Van Gogh απέκτησε ένα μικρό εργαστήριο στην Arle, στα νότια της Γαλλίας, όπου δραπέτευσε από την κατανόηση των καλλιτεχνών και των κριτικών του Παρισιού. Σε ένα από τα τέσσερα δωμάτια, ο Vincent τοποθετεί το υπνοδωμάτιο. Τον Οκτώβριο, όλα είναι έτοιμα, και αποφασίζει να σχεδιάσει ένα "υπνοδωμάτιο van gogh στο arles". Για τον καλλιτέχνη, ήταν πολύ σημαντικό να γεύση, την άνεση των δωματίων: όλα έπρεπε να έχουν γίνει στις σκέψεις για διακοπές. Ταυτόχρονα, η εικόνα αντέχει σε ανήσυχους κίτρινους τόνους.

Οι ερευνητές της δημιουργικότητας του Van Gogh εξηγούν αυτό από το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης πήρε ένα κορμό - ένα φάρμακο για την επιληψία, η οποία προκαλεί σοβαρές αλλαγές στον ασθενή στην αντίληψη χρωμάτων: όλες οι γύρω πραγματικότητες είναι ζωγραφισμένες σε πράσινους-κίτρινους τόνους.

Χωρίς δόντια

Leonardo da Vinci, "Πορτρέτο της κυρίας Liza del Jocondo", 1503 - 1519.

Η γενικά αποδεκτή γνώμη είναι ότι η Mona Lisa είναι η τελειότητα και ένα χαμόγελο είναι όμορφο με τη μυστηριώδες του. Ωστόσο, ο ιστορικός της αμερικανικής τέχνης (και οδοντίατρος μερικής απασχόλησης) Ο Joseph Borkovsky πιστεύει ότι, κρίνοντας από την έκφραση του προσώπου, η ηρωίδα έχασε πολλά δόντια. Μελετώντας τις διευρυμένες φωτογραφίες του αριστουργήματος, το Borkovski ανακάλυψε επίσης τα σημάδια γύρω από το στόμα της. "Χαμογελάει έτσι λόγω του τι συνέβη σε αυτήν", ο εμπειρογνώμονας πιστεύει. - Η έκφραση του προσώπου της είναι συνήθως για ανθρώπους που έχουν χάσει τα μπροστινά δόντια τους. "

Σημαντικό στο Facingontrol

Pavel Fedotov, "Major's Major", 1848.

Το κοινό, ο οποίος πρώτα είδε την εικόνα του "ρολόι", γέλασε από την ψυχή: ο καλλιτέχνης του Fedotov γεμίζει με ειρωνικές λεπτομέρειες, κατανοητές θεατές εκείνης της εποχής. Για παράδειγμα, ο μεγάλος δεν είναι σαφώς εξοικειωμένος με τους κανόνες της ευγενής εθιμοτυπίας: Εμφανίστηκε χωρίς απολεσθέντα μπουκέτα για τη νύφη και τη μητέρα της. Και η ίδια η νύφη, οι έμποροι γονείς της εκκενώθηκαν στο φόρεμα της βραδινής μπάλας, αν και στην ημέρα της αυλής (όλοι οι λαμπτήρες στο δωμάτιο σβήνουν). Το κορίτσι σαφώς προσπάθησε πρώτα ένα αποχρωματισμένο φόρεμα, μπερδεμένο και προσπαθεί να ξεφύγει στη βλεφαρίδα του.

Γιατί η ελευθερία είναι γυμνή

Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Ελευθερία στα οδοφράγματα", 1830.

Σύμφωνα με τον ιστορικό της τέχνης Etienne Juli, το Delacroix έγραψε το πρόσωπο μιας γυναίκας με τους διάσημους Παρισινούς επαναστάτες - η χάτα του Anna-Charlotte, η οποία πήγε στα οδοφράγματα μετά το θάνατο του αδελφού του από τα χέρια των βασιλικών στρατιωτών και σκότωσε τους Ninter Guardsmen. Ο καλλιτέχνης το απεικονίζει με γυμνά στήθη. Σύμφωνα με τον ίδιο, αυτό είναι ένα σύμβολο ατρόμητης και αφοσίωσης, καθώς και οι εορτασμοί της δημοκρατίας: το στήθος Nagaya δείχνει ότι η ελευθερία, ως ένα απλό καπέλο, δεν είναι κορσέ.

Ακάθαρτος τετράγωνο

Kazimir Malevich, "Black Suprematic Square", 1915.

Στην πραγματικότητα, η "μαύρη πλατεία" δεν είναι καθόλου μαύρη και όχι σε όλη την πλατεία: καμία από τις πλευρές του τετράκλιου δεν είναι παράλληλη με οποιαδήποτε άλλη πλευρά, και όχι μία από τις πλευρές του τετραγωνικού πλαισίου, το οποίο η εικόνα πλαισιώνεται . Και το σκοτεινό χρώμα είναι το αποτέλεσμα της ανάμειξης διαφόρων χρωμάτων, μεταξύ των οποίων δεν ήταν μαύρο. Πιστεύεται ότι δεν ήταν η αμέλεια του συγγραφέα, αλλά μια θεμελιώδη θέση, η επιθυμία να δημιουργηθεί μια δυναμική, κινούμενη μορφή.

Οι ειδικοί της γκαλερί Tretyakov βρήκαν την επιγραφή του συγγραφέα στη διάσημη εικόνα του Malevich. Η επιγραφή δηλώνει: "Μάχη των μαύρων σε ένα σκοτεινό σπήλαιο". Αυτή η φράση στέλνει στο όνομα της εικόνας αστεία του γαλλικού δημοσιογράφου, του συγγραφέα και του καλλιτέχνη Alfons Alla "Μάχη των μαύρων στο σκοτεινό σπήλαιο βαθιάς το βράδυ", το οποίο ήταν απολύτως μαύρο ορθογώνιο.

Μελόδραμα της Αυστριακής Μονής Λίζα

Gustav Klimt, "Πορτρέτο του Adelie Bloch-Bauer", 1907.

Σε ένα από τα πιο σημαντικά κλίματα, συλληφθεί η σύζυγος της αυστριακής ζάχαρης Magnate Fetinad Bloch Bauer. Όλη η Βιέννη συζήτησε το θυελλώδες Ρωμαϊκό Αδελλ και τον διάσημο καλλιτέχνη. Ένας ευάλωτος σύζυγος ήθελε να εκδικηθεί στους εραστές, αλλά επέλεξε έναν πολύ ασυνήθιστο τρόπο: αποφάσισε να παραγγείλει ένα πορτρέτο του πορτρέτου της Αδέλι και τον κάνει να κάνει εκατοντάδες σκίτσα μέχρι να αρχίσει ο καλλιτέχνης να γυρίζει μακριά από αυτήν.

Ο Bloch Bauer ήθελε να διαρκέσει για αρκετά χρόνια και ένας προσομοιωτής θα μπορούσε να δει πώς τα συναισθήματα της κλισής θα μπορούσαν να αναστατώσουν. Έκανε έναν καλλιτέχνη μια γενναιόδωρη πρόταση, από την οποία δεν μπορούσε να αρνηθεί και όλα αναπτύχθηκαν στο σενάριο ενός εξαπατημένου συζύγου: η εργασία ολοκληρώθηκε για 4 χρόνια, οι λάτρεις έχουν ψύξει καιρό ο ένας στον άλλο. Ο Adel Bloch Bauer δεν έμαθε ποτέ ότι ο σύζυγός της γνώριζε τη σχέση της με την Clima.

Εικόνα που επέστρεψε το GOGE στη ζωή

Paul Gajen, "Από πού προέρχονταν; Ποιοι είμαστε; Πού πηγαίνουμε;", 1897-1898.

Ο πιο διάσημος καμβάς του Hogen έχει ένα χαρακτηριστικό: "ανάγνωση" χωρίς να μείνει δεξιά, αλλά στα δεξιά προς τα αριστερά, όπως τα kabbalistic κείμενα που ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται. Είναι κατά τη τάξη ότι η αλληγορία της πνευματικής και φυσικής ζωής ενός ατόμου ξεδιπλώνεται: από την προέλευση της ψυχής (ύπνο στο κάτω μέρος της δεξιάς γωνίας) στην αναπόφευκτη ώρα της ώρας θανάτου (πουλί με μια σαύρα σε νύχια στο νυχτερί κάτω αριστερή γωνία).

Η εικόνα γράφτηκε από το Gogen στην Ταϊτή, όπου ο καλλιτέχνης έτρεξε αρκετές φορές από τον πολιτισμό. Αλλά αυτή τη φορά, η ζωή στο νησί δεν διευκρίνισε: Η συνολική φτώχεια τον οδήγησε στην κατάθλιψη. Έχοντας τελειώσει τον καμβά, το οποίο θα έπρεπε να γίνει η πνευματική του διαθήκη, ο Gauguen πήρε ένα κουτί με το αρσενικό και πήγε στα βουνά για να πεθάνει. Ωστόσο, δεν υπολογίστηκε τη δόση και η αυτοκτονία απέτυχε. Το επόμενο πρωί, η ταλάντευση, δεν γνώριζε την καλύβα και έπεσε κοιμισμένος, και όταν ξύπνησε, ένιωσε τη ξεχασμένη δίψα για τη ζωή. Και το 1898, οι υποθέσεις του ανέβηκε, και στο έργο άρχισε η φωτεινή περίοδος τους.

112 Παροιμίες σε μια εικόνα

Peter Bruegel - Senior, "Ολλανδία Παροιμίες", 1559

Peter Bruegel - Ανώτερος απεικόνισε τη γη, κατοικήθηκε από κυριολεκτικές εικόνες των ολλανδικών παροιμιών αυτών των ημερών. Σε μια γραπτή εικόνα, υπάρχουν περίπου 112 αναγνωρισμένα ιδιώματα. Μερικά από αυτά χρησιμοποιούνται μέχρι σήμερα, όπως: "Πετάξτε ενάντια στο τρέχον", "Καταπολέμηση του κεφαλιού σας για τον τοίχο", "Ένοδοι στα δόντια" και "τα μεγάλα ψάρια τρώνε ένα μικρό".

Άλλες παροιμίες αντικατοπτρίζουν τις ανθρώπινες ανοησίες.

Υποκειμενικότητα της τέχνης

Paul Gogen, "Village Breton κάτω από το χιόνι", 1894

Η ζωγραφική του Gogen "Breton Village στο χιόνι" πωλήθηκε μετά το θάνατο του συγγραφέα σε μόλις επτά φράγκα και, επιπλέον, που ονομάζεται Niagara Falls. Ένας άνδρας ο οποίος πέρασε δημοπρασία τυχαία έκλεισε μια εικόνα των ποδιών του, βλέποντας έναν καταρράκτη σε αυτό.

Κρυμμένη ζωγραφική

Pablo Picasso, Blue Room, 1901

Το 2008, η υπέρυθρη ακτινοβολία έδειξε ότι ένα "μπλε δωμάτιο" ήταν κρυμμένο μια άλλη εικόνα - ένα πορτρέτο ενός άνδρα ντυμένη με ένα κοστούμι με μια πεταλούδα και έβαλε το κεφάλι στο χέρι του. "Μόλις εμφανιστεί ο Πικάσο μια νέα ιδέα, ελήφθη για το βούρτσα και το ενσωμάτωσε. Αλλά δεν είχε την ευκαιρία να αγοράσει έναν νέο καμβά κάθε φορά που επισκέφθηκε μια μούσα ", εξηγεί τον πιθανό λόγο για αυτή την κριτική τέχνης της Patricia Favero.

Απρόσιτη μαροκοκκιά

Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928

Μόλις η Zinaida Serebryakova έλαβε μια δελεαστική προσφορά - να πάει στο δημιουργικό ταξίδι για να απεικονίσει τις γυμνές μορφές του East Dev. Αλλά αποδείχθηκε ότι σε αυτά τα μέρη για να βρουν τους προσομοιωτές απλά αδύνατο. Ένας μεταφραστής της Zinaida ήρθε στη διάσωση - οδήγησε τις αδελφές της και μια νύφη σε αυτήν. Κανείς πριν από αυτό και μετά από αυτό δεν κατάφερε να καταγράψει τις κλειστές ανατολίτικες γυναίκες γυμνές.

Αυθόρμητη ψευδαίσθηση

Valentin Serov, "Πορτρέτο του Νικολάου Β σε μια πίεση", 1900

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, ο Serov δεν μπορούσε να γράψει ένα πορτρέτο του βασιλιά. Όταν ο καλλιτέχνης παραδόθηκε καθόλου, ζήτησε συγγνώμη για τον Νικολάι. Ο Νικολάι ήταν λίγο αναστατωμένος, κάθισε στο τραπέζι, τεντώνοντας τα χέρια του μπροστά του ... και στη συνέχεια τον καλλιτέχνη ζωγραφισμένο - εδώ είναι μια εικόνα! Ένας απλός στρατός σε κονδύλους ενός αξιωματικού με καθαρά και θλιβερά μάτια. Αυτό το πορτρέτο θεωρείται η καλύτερη εικόνα του τελευταίου αυτοκράτορα.

Και πάλι διπλό

© FEDOR Reshetnikov

Η διάσημη ζωγραφική "και πάλι δύο" είναι μόνο το δεύτερο μέρος της καλλιτεχνικής τριλογίας.

Το πρώτο μέρος είναι "έφτασε στις διακοπές". Προφανώς εξασφαλισμένη οικογένεια, χειμερινές διακοπές, χαρούμενος φοιτητής φοιτητής.

Το δεύτερο μέρος είναι "και πάλι deuce". Η φτωχή οικογένεια από τα περίχωρα εργασίας, η μέση του σχολικού έτους, ο Puraden Oballa, άρπαξε και πάλι τα δύο. Στην επάνω αριστερή γωνία, η εικόνα "έφτασε στις διακοπές" ήταν ορατό.

Το τρίτο μέρος είναι "επανεξέταση". Εξοχική κατοικία, καλοκαίρι, όλα τα πόδια, μια κακόβουλη ανισότητα, έχοντας αποτυχημένη ετήσια εξέταση, αναγκάζεται να καθίσει σε τέσσερις τοίχους και εργαλείο. Στην επάνω αριστερή γωνία, μια εικόνα "δύο πάλι" είναι ορατή.

Πώς γεννιούνται τα αριστουργήματα

Joseph Turner, "Βροχή, Ζευγάρια και ταχύτητα", 1844

Το 1842, η κ. Simon ταξίδεψε με το τρένο στην Αγγλία. Ξαφνικά ξεκίνησε ένα ισχυρό ντους. Ο ηλικιωμένος κύριος, ο οποίος καθόταν απέναντι της, σηκώθηκε, άνοιξε το παράθυρο, κολλήσει το κεφάλι του και κοίταξε δέκα λεπτά. Δεν είναι δυνατή η κράτηση της περιέργειας σας, η γυναίκα άνοιξε επίσης το παράθυρο και άρχισε να κοιτάζει μπροστά. Ένα χρόνο αργότερα, βρήκε μια φωτογραφία της "βροχής, των ζευγαριών και της ταχύτητας" στην έκθεση στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών και μπόρεσε να αναγνωρίσει το ίδιο επεισόδιο σε αυτό.

Μάθημα ανατομίας από το Michelangelo

Michelangelo, "Δημιουργία Αδάμ", 1511

Ένα ζευγάρι αμερικανικών εμπειρογνωμόνων στον τομέα της νευροανατομίας πιστεύουν ότι ο Michelangelo άφησε πραγματικά μερικές ανατομικές εικονογραφήσεις σε ένα από τα πιο διάσημα έργα του. Πιστεύουν ότι στο δεξιό μέρος της εικόνας απεικονίζει έναν τεράστιο εγκέφαλο. Είναι εκπληκτικό, αλλά μπορείτε να βρείτε ακόμη και σύνθετα εξαρτήματα, όπως ένα παρεγκεφαλικό, οπτικό νεύρα και αδένες υπόφυσης. Και η κασέτα πράσινη κορδέλα συμπίπτει τέλεια με τη θέση της σπονδυλικής αρτηρίας.

"Τελευταίο δείπνο" van gogh

Vincent Van Gogh, "Night Cafe Terrace", 1888

Ο Explorer Jared Baxter πιστεύει ότι στο καμβά Van Gogh "Night Terrace Cafe" κρυπτογραφείται από την αφοσίωση του "μυστικού βράδυ" Leonardo da Vinci. Στο κέντρο της εικόνας υπάρχει ένας σερβιτόρος με μακριά μαλλιά και σε ένα λευκό χιτώνα, υπενθυμίζοντας τα ρούχα του Χριστού και υπάρχουν ακριβώς 12 επισκέπτες στο καφενείο γύρω από αυτό. Επίσης, ο Baxter εφιστά την προσοχή στο σταυρό, που βρίσκεται ακριβώς πίσω από το πίσω μέρος του σερβιτόρου σε λευκό.

Η μνήμη του Dali

Σαλβαδόρ Νταλί, "Στομαχία μνήμης", 1931

Δεν είναι μυστικό ότι οι σκέψεις που παρακολουθούν τον Νταλί κατά τη δημιουργία των αριστουργημάτων του ήταν πάντα με τη μορφή πολύ ρεαλιστικών εικόνων που ο καλλιτέχνης στη συνέχεια μεταφέρθηκε στον καμβά. Έτσι, σύμφωνα με τον ίδιο τον συγγραφέα, η εικόνα "Constancy of Memory" γράφτηκε ως αποτέλεσμα των ενώσεων που προκύπτουν με τη μορφή ενός λιωμένου τυριού.

Τι κραυγές μαζεύουν

Edward Munk, Creek, 1893.

Ο Munk έλεγε για την εμφάνιση της ιδέας ενός από τα πιο μυστηριώδη έργα ζωγραφικής στην παγκόσμια ζωγραφική: "Περπατήθηκα κατά μήκος του μονοπατιού με δύο φίλους - ο ήλιος κάθισε - ο ουρανός απροσδόκητα έγινε αιματηρός, αίσθηση, Εξαντλημένο και κλίνει για το φράχτη - κοίταξα το αίμα και τη φλόγα Γλώσσες πάνω από ένα μπλε-μαύρο φιόρδ και την πόλη - οι φίλοι μου πήγαν περισσότερο, και βρισκόμουν, τρέμοντας από τον ενθουσιασμό, αισθάνεται μια ατελείωτη κραυγή, διάτρηση. " Αλλά τι είδους ηλιοβασίλεμα θα μπορούσε να τρομάξει τον καλλιτέχνη;

Υπάρχει μια εκδοχή ότι η ιδέα της "Scream" γεννήθηκε στο μύλο το 1883, όταν συνέβησαν αρκετές ισχυρότερες εκρήξεις του ηφαιστείου Krakataau - τόσο ισχυρό που άλλαξαν τη θερμοκρασία της ατμόσφαιρας της γης σε ένα βαθμό. Άφθονη ποσότητα σκόνης και τέφρας που εξαπλώνεται σε όλη την υδρόγειο, έρχεται ακόμη και στη Νορβηγία. Αρκετά βραδιές στη σειρά, τα ηλιοβασιλέματα κοίταξαν σαν, η Αποκάλυψη θα ήταν - ένας από αυτούς ήταν η πηγή της έμπνευσης του καλλιτέχνη.

Συγγραφέας στους ανθρώπους

Αλέξανδρος Ιβάνοφ, "Το φαινόμενο του Χριστού", 1837-1857.

Δεκάδες προσομοιωτές έθεσαν τον Alexander Ivanov για την κύρια εικόνα του. Ένας από αυτούς είναι γνωστός για όχι λιγότερο από τον καλλιτέχνη. Στο βάθος, ανάμεσα στους διασκορπούς και τους ρωμαϊκούς ιππείς, οι οποίοι δεν έχουν ακούσει ακόμα το κήρυγμα των John The Forenners, μπορείτε να δείτε τον χαρακτήρα στο Chiton Korchin. Ο Ιβάναφ έγραψε από τον Νικολάου Γκόγκολ. Ο συγγραφέας κοινοποιήθηκε σφιχτά με τον καλλιτέχνη στην Ιταλία, ιδίως για τα θρησκευτικά θέματα και του έδωσε συμβουλές στη διαδικασία σύνταξης της εικόνας. Ο Γκόγκόλ πίστευε ότι ο Ιβάνοφ "είχε πέθανε από καιρό για ολόκληρο τον κόσμο, εκτός από το έργο του."

Αρθρίτιδα michelangelo

Rafael Santi, Αθήνα Σχολή, 1511.

Δημιουργία της διάσημης τοιχογραφίας "Αθήνα Σχολής", ο Rafael διαιωνίζει τους φίλους και τους γνωστούς του στις εικόνες των αρχαίων ελληνικών φιλοσόφων. Ένας από αυτούς ήταν ο Michelangelo Buonotti "στο ρόλο του" Herclite. Αρκετοί αιώνες τοιχογραφίες κράτησαν τα μυστικά της προσωπικής ζωής του Michelangelo και οι σύγχρονοι ερευνητές έκαναν την υπόθεση ότι το παράξενο θυμωμένο γόνατο του καλλιτέχνη μαρτυρεί την παρουσία των ασθενειών των αρθρώσεων.

Είναι πιθανό να εξετάσει τα χαρακτηριστικά του τρόπου ζωής και τις συνθήκες εργασίας των καλλιτεχνών της Αναγέννησης και του χρόνιου εργάσιμου εργοστασίου Michelangelo.

Mirror Couple Arnolphini

Yang Van Eyk, "Πορτρέτο του Αρσανφίνου Fau", 1434

Στον καθρέφτη πίσω από τους συζύγους του Arnolphin, μπορείτε να δείτε την αντανάκλαση των δύο ακόμα ανθρώπων στο δωμάτιο. Πιθανότατα, αυτοί είναι μάρτυρες που υπάρχουν στη σύναψη της σύμβασης. Ένας από αυτούς είναι ο Van Eyke, όπως αποδεικνύεται από τη λατινική επιγραφή, που τοποθετούνται, αντίθετα με την παράδοση, πάνω από τον καθρέφτη στο κέντρο της σύνθεσης: "Jan Van Eyk ήταν εδώ." Έτσι συνήθως στερεωμένες συμβάσεις.

Ως ελάττωμα μετατράπηκε σε ένα ταλέντο

Η Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine, "αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών", 1669.

Ο ερευνητής Margaret Livingston σπούδασε όλα τα αυτο-πορτραίτα Rembrandt και διαπίστωσε ότι ο καλλιτέχνης υπέφερε ως ένα squint: στις εικόνες, τα μάτια του βλέπουν διαφορετικές κατευθύνσεις, το οποίο δεν παρατηρείται στα πορτρέτα των βούρτσας άλλων ανθρώπων. Η ασθένεια οδήγησε στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης θα μπορούσε να αντιληφθεί καλύτερα την πραγματικότητα σε δύο διαστάσεις από τους ανθρώπους με φυσιολογικό όραμα. Αυτό το φαινόμενο ονομάζεται "στερεοφωνικό" - η αδυναμία να δει τον κόσμο σε 3D. Αλλά επειδή ο ζωγράφος πρέπει να συνεργαστεί με μια δισδιάστατη εικόνα, ήταν αυτή η ανεπάρκεια του Rembrandt που θα μπορούσε να είναι μια από τις εξηγήσεις του φαινομένου του ταλέντου.

Σίγουρα η Αφροδίτη

Sandro Botticelli, "Γέννηση της Αφροδίτης", 1482-1486.

Πριν από την εμφάνιση της "γέννησης της Αφροδίτης", η εικόνα ενός γυμνού γυναικείου σώματος στη ζωγραφική συμβόλη μόνο την ιδέα της αρχικής αμαρτίας. Sandro Botticelli Ο πρώτος από τους ευρωπαίους ζωγράφους δεν βρήκε τίποτα αμαρτωλό σε αυτό. Επιπλέον, οι ιστορικοί τέχνης είναι σίγουροι ότι η παγανιστική θεά της αγάπης συμβολίζει την τοιχογραφία.

Butterist ή Butcher;

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η εικόνα εκτέθηκε στο Ερμιτάζ που ονομάζεται "Butcher's". Μόνο στις αρχές του εικοστού αιώνα, οι ιστορικοί της τέχνης συμφώνησαν ότι η καμβά εξακολουθεί να δείχνει τον νεαρό άνδρα (πιθανώς caravaggio έθεσε τον γνωστό καλλιτέχνη του Mario Minni): στις σημειώσεις μπροστά από τον μουσικό, την ηχογράφηση του κόμματος μπάσων Madrigala Jacob Arcaader " Ξέρεις ότι σε αγαπώ ". Μια γυναίκα θα μπορούσε να κάνει μια τέτοια επιλογή - είναι απλά δύσκολο για το λαιμό. Επιπλέον, ένα λαούτο, όπως ένα βιολί στην άκρη της εικόνας, θεωρήθηκε ένα αρσενικό εργαλείο στην εποχή του Caravaggio.