Η Ολλανδία μας έδωσε έναν τεράστιο αριθμό από τους πιο διάσημους, τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες σε ολόκληρη την ιστορία της τέχνης. Ολλανδία και Φλάνδρα XV - XVII αιώνες. Ήταν ένα πραγματικό εύφορο έδαφος για ζωγράφους. Τώρα τους γνωρίζουμε ως Μεγάλοι ολλανδοί καλλιτέχνες, Μεγάλοι ολλανδοί και φλαμανδικοί καλλιτέχνες. Υπάρχουν τόσοι πολλοί από αυτούς ότι είναι δύσκολο να τους απαριθμήσουν ακόμη και γραπτώς. Κάθε αυτοσεβασκόμενο μουσείο θεωρεί το καθήκον της την απόκτηση της έκθεσης των καλλιτεχνών του παρελθόντος, των μεταναστών από αυτούς τους τόπους. Μπορεί να ειπωθεί ότι έγιναν οι ιδρυτές πολλών ειδών ζωγραφικής, ανέπτυξαν ειδικές τεχνικές της εικόνας, οι οποίες χρησιμοποιούνται ακόμη και στην εποχή μας. Η Ολλανδική Σχολή Ζωγραφικής ήταν ένα από τα ισχυρότερα στην Ευρώπη. Εδώ είναι μόνο μερικά ονόματα που είναι γνωστά σε ολόκληρο τον κόσμο και που γνωρίζουν ακόμη και εκείνους που δεν ενδιαφέρονται καθόλου για την παγκόσμια ζωγραφική:, οικογένεια Breyget, Yang Vermeer, Peter de Heh, Hugo van Gus, Paulus Potter, Brame Adrian, Jan Van Eyk και πολλά - πολλά άλλα. Είναι ακόμη δύσκολο να φανταστούμε, όπως ήταν, η τέχνη της ζωγραφικής, τα διαγράμματα, αν δεν ήταν για αυτό το πλούσιο στους καλλιτέχνες του σχηματισμού στην ιστορία της ανθρωπότητας.

Adrian van Ostay. Πλανόδια ιχθυοπώλης

Jerome Bosch. Ο πειρασμός του Αγίου Αντωνίου

Powllus Potter. Νεαρός ταύρος

Peter de heh. Dvorik στο Dalphte.

Peter Clas. Νεκρή φύση με καβούρια

Rembrandt. Το νυχτερινό ρολόι

Γαλλία Hals. αθίγγανος

Hugo van der gus. Πτώση

Jan Vermeer. Μαστροπός

Peter Bruegel Senior. Κυνηγός χιονιού

Θέλετε να αναπληρώσετε τη συλλογή του άλμπουμ φωτογραφιών σας με επαγγελματικές εικόνες; Το οικογενειακό στούντιο σας προσκαλεί για οικογενειακές και παιδικές συνεδρίες. Οι επαγγελματίες θα κάνουν τέτοιες φωτογραφίες που θα είναι μια πραγματική διακόσμηση για οποιοδήποτε άλμπουμ.

Η ιστορία οποιασδήποτε χώρας βρίσκει την έκφρασή της στην τέχνη και είναι ιδιαίτερα ενδεικτική αυτού του σχεδίου στο παράδειγμα της ζωγραφικής. Συγκεκριμένα, στο παράδειγμα της ζωγραφικής των Κάτω Χωρών ο οποίος επέζησε την επανάσταση, η οποία επηρέασε σημαντικά την περαιτέρω τύχη της ενιαίας κατάστασης. Ως αποτέλεσμα της επανάστασης στον XVII αιώνα Οι Κάτω Χώρες μοιράστηκαν σε δύο μέρη: Στην Ολλανδία και τη Φλάνδρα (το έδαφος του σύγχρονου Βελγίου), το οποίο παρέμεινε υπό τον κανόνα της Ισπανίας.

Ιστορικός Η ανάπτυξή τους πήγε διαφορετικούς τρόπους., καθώς και πολιτιστικές. Έτσι, έγινε δυνατή η κατανομή της συνολικής έννοιας της ολλανδικής ζωγραφικής στα ολλανδικά και φλαμανδικά.

Ολλανδική ζωγραφική

Η κουλτούρα των Κάτω Χωρών του XVII αιώνα είναι η ζωντανή προσωποποίηση της εορτασμού του κράτους που έχει κερδίσει ανεξαρτησία. Καλλιτέχνες, που καλύπτονται από τη γεύση της ελευθερίας, γεμίζουν αυτή τη φορά από την Πάφος των Κοινωνικών, Πνευματικών Ενημερώσεων και πρώτα πλήρωσε ιδιαίτερη προσοχή στο περιβάλλον περιβάλλον - Φύση, ανθρώπινη εικόνα.Οι ολλανδοί γερανιστές εμπνέονται λειτουργία, Μικρά καθημερινά επεισόδια, Τι γίνεται ένα από τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά του ολλανδικού ρεαλισμού.

Επιπλέον, οι κύριοι πελάτες της τέχνης δεν έγιναν όχι μόνο εκπρόσωποι της Elite Tops, αλλά και οι έμποροι, οι αγρότες. Αυτό είναι εν μέρει και επηρέασε την ανάπτυξη της ζωγραφικής ως εσωτερικού θέματος, και συνέβαλε επίσης στην αύξηση του δημόσιου ενδιαφέροντος στα θέματα της καθημερινής ζωής.

Η τέχνη της Ολλανδίας XVII αιώνα είναι διάσημη Ένα εκτεταμένο σύστημα ζωγραφικής.

Για παράδειγμα, μεταξύ των παικτών τοπίου ήταν ναυτικοί, οι καλλιτέχνες που απεικονίζουν είδη απλών θέσεων ή δασών ήταν επίσης κύριοι των χειμωνιάτικων τοπίων ή έργων ζωγραφικής με το φως του φεγγαριού. Υπήρχαν γενικοί ειδικοί στους αριθμούς των αγροτών, των Burghers, σε σπιτικές σκηνές. Υπήρχαν πλοιάρχοι διαφόρων τύπων ακυρώσεων - "πρωινά", "επιδόρπια", "καταστήματα".

Εστιάζοντας αυστηρά τον ζωγράφο σε ένα υποσύστημα του είδους, συνέβαλε στη λεπτομέρεια και τη βελτίωση όλων των ολλανδικών ζωγραφικής στο σύνολό της.

Το XVII αιώνα είναι πραγματικά πραγματικά πραγματικά Χρυσή εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής.

Καλλιτεχνικά χαρακτηριστικά

Φως και λεπτό αίσθημα χρώματος Παίξτε στις εικόνες των ολλανδικών καλλιτεχνών ένα σημαντικό ρόλο.

Για παράδειγμα, όπως και στις εικόνες Rembrandt -Ο καλλιτέχνης που έχει γίνει η προσωποποίηση ολόκληρης της εποχής της ζωγραφικής της Ολλανδίας. Το Rembrandt δεν φοβήθηκε Ρεαλιστικές λεπτομέρειεςαντίθετα με τους κανόνες της εικόνας της πραγματικότητας και λόγω των σύγχρονων Αυξήθηκε ο "ζωγράφος της ασέβειας".

Το Rembrandt έφτασε πρώτα ιδιαίτερη σημασία Φως παιχνιδιών, Τι του επέτρεψε να εφεύρει διαφορετικό από τα υπόλοιπα Γράμμα Manera. Σύμφωνα με Andre felibiena "... συχνά απαγόρευσε μόνο τα ευρεία εγκεφαλικά επεισόδια και έβαλε τα παχιά στρώματα των χρωμάτων το ένα μετά το άλλο, δεν επιτρέπουν στον εαυτό του μια μικρή εργασία να κάνει πιο ομαλές και μαλακές μεταβάσεις από ορισμένους τόνους σε άλλους."

"Επιστροφή του Prodigal Son", 1666-1669

Ιανία(Vermeer / Delftsky Vermer ) - Ζωγράφος Αρμονία και τη σαφήνεια του οχήματος του κόσμου. Διάσημο για τη δύναμή του Εικονικές αποφάσεις και την τάση της εικόνας Ατμόσφαιρα της καθημερινότητας, Έδωσε ιδιαίτερη προσοχή ΠολύχρωμοΑυτό που επέτρεψε να μεταδώσει τον χαρακτήρα του φωτός.

"Νεαρή γυναίκα με κανάτα νερού", 1660-1662

Jacob van ryutsdalέγραψε Μνημειώδη τοπία σε κρύα χρώματαο οποίος ενσωματώνει το λεπτό συναίσθημά του δραματικό και ακόμα ζοφερές Μεταβλητότητα του κόσμου.

"Εβραϊκό νεκροταφείο", 1657

Άλμπερτ διάσημο για μια ασυνήθιστη ματιά Σύνθεση Τοπίο - έχει δώσει, κατά κανόνα, με χαμηλή άποψηΠου σας επιτρέπει να μεταφέρετε την έκταση του εκτεταμένου χώρου.

"Αγελάδες στην όχθη του ποταμού", 1650

Γαλλία HALS (GALS / HALS) γνωστό Εξαιρετικό είδος και ομαδικά πορτρέταπροσελκύοντας τον δικό του χαρακτηρισμό.

"Tsygan", 1628-1630

Φλαμανδική ζωγραφική

Στη Φλάνδρα, το πολιτιστικό υπόβαθρο ήταν αισθητά διαφορετικό από τα ολλανδικά. Φεουδαρχική ευγένεια και καθολική εκκλησίαεξακολουθούσε να διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στη ζωή της χώρας, είναι οι κύριοι πελάτες της τέχνης . Ως εκ τούτου, οι κύριοι τύποι εργασίας της φλαμανδικής ζωγραφικής παρέμειναν έργα για κάστρα, για αστικές σπίτια πλούσιων και μαγευτικών εικόνων βωμού για καθολικές εκκλησίες. Σκηνές της αντίκες μυθολογίας και βιβλικών ιστοριών, τεράστιες ακόμα ζωφάβες, πορτρέτα των επιφανειών πελατών, εικόνα των πλούσιων φεστιβάλ - τα κύρια είδη τέχνης της Φλάνδρας XVII αιώνα.

Η φλαμανδική τέχνη του μπαρόκ (χαρούμενο, υλικό και αισθησιακό, πλούσιο στην αφθονία των μορφών) βρέθηκε από τα χαρακτηριστικά της ιταλικής και της ισπανικής αναγέννησης στην διάθλαση της εθνικής τους γεύσης, ειδικά εκδηλώθηκε με τη ζωγραφική.

Η φλαμανδική ζωντάνια είναι διαφορετική Μνημειώδη έντυπα, δυναμικό ρυθμό και διακοσμητικό στυλ εορτασμού. Ειδικά φωτεινά εκδηλώθηκε σε δημιουργικότητα Peter Paul Rubens,που έγινε η κεντρική φιγούρα της φλαμανδικής ζωγραφικής.

Το στυλ του χαρακτηρίζεται από πλούσια, φωτεινή εικόνα Μεγάλα βαρέα σχήματα στην ταχεία κίνηση. Το Rubens χαρακτηρίζεται από ζεστά πλούσια χρώματα, αιχμηρές αντιθέσεις φωτός και σκιάς, το συνολικό πνεύμα των νικηφόρων διακοπών. Ο Eugene Delacroix είπε:

"Κύρια ποιότητα, αν προτιμούσε σε πολλούς άλλους, - Αυτό είναι ένα περίεργο πνεύμα, δηλαδή, μια ζωή διάτρησης; Χωρίς αυτό, κανένας καλλιτέχνης δεν μπορεί να είναι υπέροχο ... Τιτάνι και Paolo VeroneseΦαίνονται να είναι τρομερά ταπεινές δίπλα του. "

Όλα εγγενή στις βούρτσες του και έχει γίνει κοινά χαρακτηριστικά ολόκληρου του σχολείου.

"Ένωση Γης και Νερό", 1618

Τέχνη Jacob Yordans Προσελκύει Χαρούμενη, μνημειικότητα, αλλά ταυτόχρονα ειλικρινά, η αγάπη των Γυρδίνων στην εικόνα πλούσιες γιορτές (Επαναλαμβανόμενη επανάληψη του οικοπέδου του "Bean King" επιβεβαιώνεται. Με τον τρόπο που ο βασιλιάς των φασολιών στις γιορτές ψήφισε κάθε ψημένο κέικ Bob στο κομμάτι του κέικ της) και οι ήρωες των χριστιανών θρύλων καθώς η φανταστική υγεία των φλεγδιών ενσωματώνουν το πνεύμα του πολιτισμού της Φλάνδρας του XVII αιώνα.

"Διακοπές του Bobov King", 1655

Antonis Wang Dyk. - Ο πορτραίτης που δημιούργησε τον τύπο του αριστοκρατικού πορτρέτου, που εκτελέστηκε από τον καλύτερο ψυχολογισμό, εκφράζεται στην προσοχή στη δυναμική της σιλουέτας και τη συνολική εκφραστικότητα των τύπων.

"Πορτρέτο του Charles i στο κυνήγι", 1635

Γαλλία Sneders. Γνωστή από την εικόνα της αισθησιακής φύσης των πραγμάτων που αντιπροσωπεύονται από τη χρώματα και τη μνημειικότητα των διακοσμητικών νεκρών, των ζωολογικών καμβάδων.

"Fruit Shop", 1620

Jan Bruegel Jr. - Ο εγγονός του καλλιτέχνη Πέτρου Bruegel ανώτερος, ο οποίος θυμήθηκε από την επιδέξια ανάμειξη του τοπίου και της οικιακής ζωγραφικής, του τοπίου και των αλληγορικών μυθολογικών οικόπεδων, καθώς και η ταλαντούχα μετάδοση του πανοραμικού αποτελέσματος λόγω της υψηλής θέσης του ορίζοντα.

"Χλωρίδα στο φόντο του τοπίου", 1600-1610

Τις κύριες διαφορές της ολλανδικής και φλαμανδικής ζωγραφικής

1. Στην Ολλανδία Ο κύριος πελάτης της τέχνης γίνεται στρώμα εργασίας, Στη Φλάνδρα - η βασιλική αυλή και ξέρετε.
2. Οικόπεδα. Διαφορετικοί πελάτες ζητούν διαφορετικά πράγματα. Απλούς λαούς ενδιαφέρονται για έργα ζωγραφικής που απεικονίζουν το περιβάλλον καθημερινά Μεταξύ των εθνών Αναμένεται κατ 'απαίτηση Αντίκες και βιβλικά οικόπεδα, διαδήλωση πολυτελείας.
3. Master της γραφής. Χαρακτηριστικό γνώρισμα Ένα χαρακτηριστικό της ολλανδικής ζωγραφικής γίνεται ένα λεπτό αίσθημα φωτισμού. Από τώρα και στο εξής, αυτό είναι το κύριο εργαλείο που σας επιτρέπει να αντικατοπτρίζετε την εικόνα της άσχημης πραγματικότητας. Στη φλαμανδική ζωγραφική, η κεντρική θέση καταλαμβάνειΧαρακτηριστικό μπαρόκ μέσο καλλιτεχνικής εκφραστικότητας - Μορφές, λαμπρή γεύση, αφθονία και πολυτέλεια.

Το τέλος της εποχής της ολλανδικής και φλαμανδικής ζωγραφικής μπορεί να ονομαστεί παρόμοιο - υπό την επίδραση της επιρροής των γαλλικών προτιμών και των απόψεων και των ολλανδικών, και η φλαμανδική εθνική συνείδηση \u200b\u200bσταδιακά αποδυναμώνει, και επομένως η έννοια της φλαμανδικής και ολλανδικής ζωγραφικής γίνεται το ιστορικό το παρελθόν.

Τα γεγονότα του XVII αιώνα στην Ολλανδία και τη Φλάνδρα παρουσίασαν τον κόσμο των εξαιρετικών συγγραφέων και μια νέα ματιά στη συνολική ανάπτυξη των τάσεων της παγκόσμιας ζωγραφικής.

Πηγές:

1. Μικρή ιστορία τέχνης. Δυτική Ευρωπαϊκή Τέχνη XVII.

2. Φλαμανδική και ολλανδική τέχνη του XVII αιώνα. Όπως δύο πόλοι του μήνα του ενδιαφέροντος της ημέρας // banauka.ru/6067.html.

3. Η εποχή της Αναγέννησης στις Κάτω Χώρες // http://m.smallbay.ru/article/lar_renaiss_niderland.html.

Η ολλανδική ζωγραφική στο τέλος του XVI αιώνα είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με φλαμανδικά και έχει το γενικό όνομα της ολλανδικής σχολής. Και οι δύο, είναι ένας κλάδος της γερμανικής ζωγραφικής, σκεφτείτε το Van Eykov Brothers με τα δικά τους έξοδα και πηγαίνουν για μεγάλο χρονικό διάστημα προς μία κατεύθυνση, αναπτύσσουν την ίδια τεχνική, έτσι ώστε οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας να μην διαφέρουν από το πλευρό τους και τους ομολόγους τους .

Όταν οι ολλανδοί άνθρωποι απαλλαγούν από την καταπίεση της Ισπανίας, η ολλανδική ζωγραφική αποκτά έναν εθνικό χαρακτήρα. Οι ολλανδοί καλλιτέχνες διακρίνουν την αναπαραγωγή της φύσης με ιδιαίτερη αγάπη σε όλη την απλότητα και την αλήθεια και ένα λεπτό αίσθημα χρώματος.

Ο Ολλανδός ήταν ο πρώτος που θα κατανοήσει ότι ακόμη και σε άψυχο χαρακτήρα αναπνέει τη ζωή του, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλέσουν τη σκέψη και να διεγείρουν την κίνηση της καρδιάς.

Ανάμεσα στους παίκτες τοπίου που ερμηνεύουν την εγχώρια φύση τους σεβαστών ιδιαίτερα από τον Jan Wang Goyen (1595-1656), οι οποίοι, μαζί με τον Ezaias Van de Veld (περίπου 1590-1630) και το St. Peter Moles ανώτερο (1595-1661), είναι θεωρείται ο ιδρυτής του ολλανδικού τοπίου.

Αλλά οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας δεν μπορούν να διανεμηθούν στα σχολεία. Η έκφραση "ολλανδική σχολή ζωγραφικής" είναι πολύ υπό όρους. Στις Κάτω Χώρες, οι οργανωμένες κοινωνίες καλλιτεχνών, οι οποίοι παρουσίασαν ελεύθερες επιχειρήσεις, οι οποίοι υπερασπίστηκαν τα δικαιώματα των μελών τους και δεν επηρέασαν τις δημιουργικές δραστηριότητες.

Το όνομα του Rembrandt (1606-1669) λάμπει ιδιαίτερα έντονα, στην προσωπικότητα των οποίων όλες οι καλύτερες ιδιότητες της ολλανδικής ζωγραφικής εστίασης και η επιρροή του αντανακλάται σε όλη τη γέννησή του - σε πορτραίτο, ιστορικές ζωγραφιές, οικιακές σκηνές και τοπίο.

Στον XVII αιώνα, η οικιακή ζωγραφική αναπτύχθηκε με επιτυχία, τα πρώτα πειράματα των οποίων σημειώνονται στην παλιά ολλανδική σχολή. Σε αυτό το είδος, τα ονόματα της Cornelis Bega (1620-64), Richard Brannyburg (1650-1702), Cornelis Duzart (1660-1704), Cornellis Duzart (1660-1704), Henric Rockies, με το ψευδώνυμο από Cherg (1621-82) ,

Στην κατηγορία του είδους, μπορείτε να κατατάξετε καλλιτέχνες που έγραψαν σκηνές στρατιωτικής ζωής. Ο αρχικός εκπρόσωπος αυτής της βιομηχανίας ζωγραφικής είναι το διάσημο και ασυνήθιστα παραγωγικά Phillips του Hoover (1619-68)

Σε μια ειδική απαλλαγή, οι πλοίαρχοι μπορούν να διακριθούν, οι οποίοι στις ζωγραφιές τους συνδυάζουν το τοπίο με την εικόνα των ζώων, ένα διάσημο σε έναν αριθμό τέτοιων ζωγράφων της αγροτικής Idylli - Poulus Potter (1625-54). Albert Cape (1620-91).

Με τη μεγαλύτερη προσοχή, οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας ανήκαν στη θάλασσα.

Στο έργο του Villem Wang De Velte Senior (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του Villem Wang de Velte Jr. (1633-1707), Lyudolf Bakmaisena (1631-1708), η ζωγραφική των θαλάσσιων ειδών ανήλθε στην ειδικότητά τους.

Στον τομέα της νεκρή φύση, η Yang-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Αβραάμ Mignon (1640-79), Melchior de Gundecter (1636-95), Maria Osterweik (1630-93 ).

Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής έχει μακρά τεντωμένο - μόνο έναν αιώνα.

Με την αρχή του αιώνα XVIII. Η πτώση του έρχεται, ο λόγος για τα γούστα και τις απόψεις της ψεκασμένης εποχής του Louis XIV. Αντί για μια άμεση στάση απέναντι στη φύση, την αγάπη για την εγχώρια και την ειλικρίνεια, την κυριαρχία των προκατειλημένων θεωριών, της συμβατικότητας, της απομίμησης των κέντρων της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διανομέας αυτής της λύπης κατεύθυνσης εγκαταστάθηκε στα Φλένδες του Άμστερνταμ Flemandes Gerard de (1641-1711),

Το διάσημο Adrian Wang de Verff (1659-1722) συνέβαλε επίσης (1659-1722), η θαμπή γεύση των εικόνων των ζωγραφων των οποίων δεν ήταν χρόνος ως η τελειότητα οδήγησης.

Μια ξένη επιρροή στις εικοσιτελείς αιώνες του 19ου αιώνα.

Στη συνέχεια, οι ολλανδοί καλλιτέχνες στράφηκαν στις παλιές μέρες τους για την αυστηρή παρατήρηση της φύσης.

Ιδιαίτερα πλούσια στην νεότερη ολλανδική ζωγραφική από τους πλωτούς. Andreas Selfhaut (1787-1870), Barn Kookkuk (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (R. 1837), Johannes Weissengruh (1822-1880) κλπ.

Μεταξύ των νεότερων ναυτικών του Ολλανδικού Πρωταθλήματος Palm ανήκει στο Johannesu Schotel (1787-1838).

Στη ζωγραφική των ζώων, η μεγάλη τέχνη των αξιολογητών Vershur έδειξε (1812-74).

Μπορείτε να αγοράσετε αναπαραγωγές ζωγραφικής από τους ολλανδούς καλλιτέχνες στο ηλεκτρονικό μας κατάστημα.

Με τον εορτασμό του αστικού κτιρίου και τον καλινισμό της βύνης της μνημειακής διακοσμητικής και της εκκλησιαστικής τέχνης στην Ολλανδία κατέρρευσε. Καθήκοντα για τη ζωγραφική των παλατιών και των κάστρων, που βάζουν μπαρόκ καλλιτέχνες σε μονάρχες, σχεδόν δεν είχαν θέσεις στην Ολλανδία. Η αριστοκρατία ήταν πολύ αδύναμη για να εξασφαλίσει την ύπαρξη μιας μεγάλης διακοσμητικής τέχνης. Ο Calvinism, από την άλλη πλευρά, ήταν ενάντια στους πίνακες στους ναούς του.
Η ζήτηση για έργα ζωγραφικής ήταν εντούτοις εξαιρετικά μεγάλη. Περπάτησε το πλεονέκτημα των ατόμων και, επιπλέον, σε μεγάλο βαθμό από τους κύκλους που δεν είχαν μεγάλη προσφορά υλικών. Αναπτύσσει και γίνεται κυρίαρχο είδος μικρών έργων ζωγραφικής που έχει σχεδιαστεί για να κρεμάσει σε μέτριους χώρους. Μαζί με τις παραγγελίες, οι πίνακες εμφανίστηκαν ακόμη πιο συχνά για την αγορά τέχνης και το εμπόριο ήταν ευρέως διαδεδομένο. Η μεγάλη ζήτηση για τις ζωγραφιές οδήγησε τεράστια προϊόντα και λόγω της υπερπαραγωγής τους, πολλοί καλλιτέχνες έπρεπε να δουν, εκτός από το άμεσο επάγγελμά τους, άλλες πηγές ύπαρξης. Οι εξωκρεμένοι ζωγράφοι συχνά αποδειχθούν στους κηπουροί, τότε οι έμποροι των αντιπροσώπων, στη συνέχεια οι υπάλληλοι (Γκογκέν, τοίχοι, Gobbema κ.λπ.).
Όσον αφορά τα θέματα και τις οπτικές τεχνικές στην ολλανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα, η αρχή του ρεαλισμού κυριαρχεί πλήρως. Ο καλλιτέχνης απαιτούσε κυρίως από την ειλικρινή διαβίβαση εξωτερικών μορφών της γύρω ζωής σε όλη την ποικιλία των φαινομένων της.
Η σημασία της προσωπικότητας στη νέα αστική κοινωνία είχε τη συνέπεια της την εξαιρετικά διανομή του πορτρέτου. Μια μακρά περίοδος πάλης, όπου ο νικητής αισθάνθηκε τη δύναμή του, συνέβαλε στη διαδικασία αυτή. Ο κύριος ρόλος που διαδραματίζουν οι διαφορετικοί οργανισμοί και πρώτα απ 'όλα οι κοινωνίες τουφέκι, προκάλεσαν ειδικό τύπο δημόσιου πορτρέτου, το οποίο παίρνει ευρεία ανάπτυξη και γίνεται ένα από τα συγκεκριμένα φαινόμενα της ολλανδικής ζωγραφικής. Μετά τα πολυάριθμα ομαδικά πορτρέτα των σκοπευτών, υπάρχει παρόμοια φύση ενός ομίλου εκπροσώπων ορισμένων εμπορικών εργαστηρίων, οι εταιρείες ιατρών (η λεγόμενη "ανατομία"), οι διαχειριστές είναι άγριος.
Οι τάσεις αντίστασης που εισάγουν εισβολείς επιδεινώνουν το εθνικό συναίσθημα. Από την τέχνη άρχισε όχι μόνο την αλήθεια - θα έπρεπε να είχε απεικονιστεί, λαϊκούς ανθρώπους και η κατάσταση της σημερινής ημέρας, οι ασυνήθιστες φωτογραφίες της μητρικής τους φύσης, όλη η συνείδηση \u200b\u200bυπερήφανη και τι χρησιμοποιήθηκε για να δει το μάτι: τα πλοία, τα όμορφα βοοειδή, τα όμορφα βοοειδή, τα όμορφα βοοειδή, Αφθονία του σκύλου, των λουλουδιών. Το είδος, το τοπίο, οι ζωικές εικόνες και η νεκρή φύση έγιναν κυρίαρχα είδη θεμάτων. Μια θρησκευτική ζωγραφική που απορρίφθηκε από την προτεσταντική εκκλησία δεν αποκλείστηκε, αλλά δεν παίζει σημαντικό ρόλο και απέκτησε έναν εντελώς διαφορετικό χαρακτήρα από ό, τι στις χώρες της ιδιοκτησίας του καθολικισμού. Η μυστικιστική αρχή ήταν αντικατασταθεί σε αυτά με μια ρεαλιστική ερμηνεία των οικόπεδων και οι πίνακες αυτού του κύκλου απολάμβαναν το όφελος της μορφής της οικιακής ζωγραφικής. Οι σκηνές από την αρχαία ιστορία βρίσκονται ως εξαίρεση και χρησιμοποιούνται για συμβουλές σε τρέχοντα πολιτικά γεγονότα. Όπως όλη η αλληγορία, ήταν επιτυχείς σε στενούς κύκλους που συμμετείχαν σε λογοτεχνικά και ανθρωπιστικά συμφέροντα.
Ένα τυπικό χαρακτηριστικό της ολλανδικής σχολής αυτής της εποχής είναι μια στενή εξειδίκευση σε ορισμένους τύπους θεμάτων. Αυτή η εξειδίκευση οδηγεί στη διαφοροποίηση των ειδών: ορισμένοι καλλιτέχνες αναπτύσσουν σχεδόν αποκλειστικά οικιακές σκηνές από τη ζωή των μεσαίων και υψηλότερων στρωμάτων της μπουρζουαζίας, όλη η προσοχή των άλλων κατευθύνεται προς τη ζωή των αγροτών. Μεταξύ των παικτών τοπίου, πολλοί με δυσκολία μπορούν να βρουν κάτι διαφορετικό από τις πεδιάδες, τα κανάλια, τα χωριά και τα βοσκοτόπια. Άλλοι είναι ενθουσιασμένοι με δασικά μοτίβα, άλλοι ειδικεύονται στην εικόνα της θάλασσας. Οι ολλανδοί καλλιτέχνες δεν έθεσαν μόνο μια ακριβή μεταφορά των απεικονιζόμενων αντικειμένων και φαινομένων, αλλά προσπαθούν να δώσουν την εντύπωση του χώρου, καθώς και τον αντίκτυπο στις μορφές περιβλήσεως της ατμόσφαιρας και του φωτός τους. Το πρόβλημα της μετάδοσης του φωτός και του αέρα είναι μια κοινή και κύρια γραφική αναζήτηση για το ολλανδικό σχολείο του 17ου αιώνα. Έτσι, η ζωγραφική αποκτά ακούσια την αρχή της συναισθηματικότητας, προκαλώντας ορισμένα συναισθήματα από το κοινό.
Το πρώτο τρίμηνο του 17ου αιώνα είναι για τη ζωγραφική της Ολλανδίας κατά τη μεταβατική περίοδο, όταν μόνο τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά δεν έχουν ακόμη λάβει την πλήρη ανάπτυξή τους. Από τη θεματική πλευρά, οι κύριοι τύποι ολλανδικής ζωγραφικής - τοπίο και ζωή - ενώ είναι σχετικά λίγες διαφοροποιημένες. Και τα στοιχεία του είδους και του τοπίου στους πίνακες αυτού του χρόνου είναι συχνά ισοδύναμες. Σε εικόνες καθαρά ειδών, υπάρχουν πολλές συμβάσεις τόσο στη συνολική κατασκευή του τοπίου όσο και της γεύσης.
Μαζί με τις συνεχιζόμενες ζωντανές τοπικές ρεαλιστικές παραδόσεις, η Ιταλία επηρεάζεται έντονα από την Ιταλία, ιδίως τόσο τις γλωσσικές ροές όσο και την ρεαλιστική τέχνη του Caravaggio. Ο τυπικός εκπρόσωπος της τελευταίας κατεύθυνσης ήταν ο Honthorst (1590-1656). Ο αντίκτυπος στα ολλανδικά εργάστηκε στις αρχές του 17ου αιώνα από τον γερμανό καλλιτέχνη Adam Elsheimer (1578-1610) είναι επίσης πολύ αισθητή. Ο ρομαντισμός της ερμηνείας εκείνων που επιλέγονται από τη Βίβλο ή από την αρχαία λογοτεχνία, καθώς και το γνωστό προσανατολισμό (έλξη προς την Ανατολή), η οποία εκφράστηκε στην επιλογή των τύπων, των ρόμπων και άλλων εξαρτημάτων, συνδυάζονται στο έργο του με αυξημένη επιθυμία για διακοσμητικά εφέ. Ως ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης αυτής της ομάδας, ο Peter Lastman ορίστηκε (1583-1633).
Γαλλία Hals. Την πρώτη φορά από τον καλλιτέχνη, με το έργο της οποίας το Ολλανδικό Σχολείο εισέρχεται σε μια περίοδο πλήρους ακμή, είναι ο Frans Hals (περίπου 1580-1666). Η δραστηριότητά του κρατήθηκε σχεδόν εξ ολοκλήρου στο Harlem. Εδώ για περίπου 1616, παρουσιάζεται ως το προηγμένο μεγαλύτερο πορτρέτο και διατηρεί το ρόλο της σε αυτόν τον τομέα μέχρι το τέλος της ζωής. Με την εμφάνιση των hals αυστηρά ρεαλιστικά και έντονα ατομικά ολλανδικά πορτρέτα φτάνουν τη λήξη. Όλα τα δειλά, μικρά, φυσουνιστικά, διακρίνοντας τους προκατόχους του ξεπεραστούν.
Η αρχική φάση της τέχνης των hals δεν διευκρινίζεται. Βλέπουμε αμέσως τον πλοίαρχο αποφασιστικό για το γονικό πορτρέτο πρόβλημα. Γράφει ένα μετά από μια άλλη εικόνα που απεικονίζει τα βέλη της εταιρείας του Αγίου Αγίου Adriana και St. Ο Γιώργος (Garlem, Μουσείο της Γαλλίας HALS), όπου μια γεμάτη πολλαπλασιασμένη συναρμολόγηση και η φωτεινότητα καθενός από αυτά τα παρόντα διαβιβάζονται επίσης με μια απλή ευκολία. Η γραφική ικανότητα και η σύνθετα επινοητικότητα των ομάδων πάνε σε αυτά τα πορτρέτα χέρι με την εξαιρετική ευκρίνεια. Οι HALs δεν είναι ψυχολόγος: τα μοντέλα του συνήθως περνούν γι 'αυτόν. Και γράφει για το μεγαλύτερο μέρος των ανθρώπων των οποίων ολόκληρη η ζωή προχωρά σε συνθήκες έντονης, ενεργών δραστηριοτήτων, αλλά όχι πολύ εμβάπτιση ψυχολογικής τάξης. Αλλά ο Hals, όπως κανείς, κανείς, αγγίζει την εμφάνιση αυτών των ανθρώπων, ξέρει πώς να αρπάξει το πιο φευγαλέα, αλλά ταυτόχρονα το πιο χαρακτηριστικό της έκφρασης του προσώπου, στη στάση, σε χειρονομίες. Χαρούμενος στη φύση, επιδιώκει να συλλάβει κάθε εικόνα σε μια στιγμή αναβάτης, χαρά και κανείς με τέτοια λεπτότητα και ποικιλία, όπως αυτός, δεν περνάει το γέλιο. Πορτρέτο ενός αξιωματικού (1624, Λονδίνο, συλλογή wallace), ταλαντεύεται στην καρέκλα "gytegeaisen" (τέλος της 1630, Βρυξέλλες, γκαλερί τέχνης), "τσιγγάνος" (τέλος του 1620, του Λούβρου), ή το λεγόμενο "Harlem Η μάγισσα "- Mallet Bobbe (Βερολίνο) μπορεί να καλείται ως χαρακτηριστικά παραδείγματα της οξείας και συχνά άσχημης τέχνης. Άνδρες, γυναίκες, παιδιά απεικονίζονται από αυτόν με την ίδια αίσθηση μιας ζωντανής εικόνας ("Πορτρέτο ενός νεαρού άνδρα με ένα γάντι", περίπου 1650, Ερμιτάζ). Η ίδια η τεχνική των hals συμβάλλει στην εντύπωση της ζωντάνια, ασυνήθιστα ελεύθερης και αυξανόμενης κατά τη διάρκεια των ετών στο γεωγραφικό πλάτος του. Η διακοσμητική χρώματα της πρώιμης εργασίας πέθανε στη συνέχεια, η γεύση γίνεται ασήμι, η ελευθερία ιδιοκτησίας των ασπρόμαυρων τόνων μιλάει για την ικανότητα που μπορεί να αντέξει οικονομικά να προσφέρει τολμηρές γραφικές δωρεές. Σε ορισμένα έργα, προγραμματίζονται οι ιμπρεσιονιστικές τεχνικές. Οι HALs γράφουν αμέτρητα ατομικά πορτρέτα μέχρι τα τελευταία χρόνια της ζωής, αλλά το Cums και πάλι από ομαδικά πορτρέτα. Γενικευμένη από το χρώμα, ανακαλύπτοντας την ανώτερη αδυναμία του χεριού στο σχήμα, παραμένουν εντούτοις εξαιρετικά εκφραστικές. Οι χαρακτήρες τους αντιπροσωπεύουν ομάδες πρεσβυτέρων (1664, Harlem, Μουσείο της Γαλλίας Hals), όπου ο ογδόντα χρονών καλλιτέχνης βρήκε τον τελευταίο καταφύγιο. Η τέχνη του ήταν πολύ προχωρήσει στην εποχή του για να εξασφαλίσει την υλική επιτυχία στο περιβάλλον της τότε αστικής κοινωνίας.
Rembrandt. Η παραγωγή είναι αργότερα από τους HAL, στο πλαίσιο ενός εγκεκριμένου Ολλανδικού ρεαλισμού αναπτύσσεται από ένα γιγαντιαίο σχήμα Rembrandt (1606-1669). Η δημιουργικότητά του είναι η μεγαλύτερη υπερηφάνεια της Ολλανδίας, αλλά η σημασία αυτού του πλοιάρχου δεν περιορίζεται στο πλαίσιο μιας εθνικότητας. Ο Rembrandt αντιπροσωπεύεται από έναν από τους μεγαλύτερους ρεαλιστές καλλιτέχνες όλων των εποχών και ταυτόχρονα ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους της ζωγραφικής.
Ο Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine γεννήθηκε το 1606 στο Leiden και ήταν ο γιος του ευημερούσου ιδιοκτήτη του αλευριού. Ανακάλυψε νωρίς την έλξη στη ζωγραφική και μετά από μια σύντομη διαμονή στο Πανεπιστήμιο Leiden δόθηκε εντελώς στην τέχνη. Μετά την ολοκλήρωση της συνήθους τριετούς περιόδου κατάρτισης, η Rembrandt πήγε να βελτιωθεί στο Άμστερνταμ, το οποίο έγινε φοιτητής του Lastman. Έχοντας μάθει πολλές τεχνικές του τελευταίου, αντιληφθεί και η επιρροή της ρεαλιστικής κατεύθυνσης του καραβαρδιστή.
Επιστρέφοντας στο Leiden, η Rembrandt άρχισε να εργάζεται ως ανεξάρτητος δάσκαλος, είχε μεγάλη επιτυχία και αυτή η επιτυχία τον ώθησε να μετακομίσει στο Άμστερνταμ, όπου εγκαταστάθηκε από το 1631. Εδώ η Rembrandt πολύ σύντομα έγινε ένας μοντέρνος καλλιτέχνης, γεμάτος με παραγγελίες και περιβάλλεται από πολλούς φοιτητές. Ταυτόχρονα, αποκαλύφθηκε και ο πιο λαμπρός χρόνος στην προσωπική του ζωή.
Το 1634 παντρεύτηκε ένα νεαρό κορίτσι του Sasquia Wang-Unenena Borg, που ανήκουν στο ορατό αστικό επώνυμο του Άμστερνταμ και τον έφερε στο Dowry Major State. Αυξήθηκε ο ήδη αυξανόμενος πλούτος του ευημερούντος πλοιάρχου, τον πρότεινε με υλική ανεξαρτησία και ταυτόχρονα επέτρεψε το πάθος για τη συλλογή έργων τέχνης και όλα τα είδη αντίκες.
Ήδη κατά τη διάρκεια της παραμονής του Rembrandt στο Leiden και ειδικά μετά τη μετεγκατάσταση στο Άμστερνταμ, τα κύρια χαρακτηριστικά της τέχνης του επηρεάζουν με όλη τη βεβαιότητα. Ο κύκλος των εικόνων του καλύπτει τις θρησκευτικές ιστορίες, την ιστορία, τη μυθολογία, το πορτραίτο, το είδος, τον ζωικό κόσμο, το τοπίο, τη νεκρή φύση. Το επίκεντρο του Rembrandt εξακολουθεί να έχει ένα άτομο, ψυχολογικά σωστή μετάδοση χαρακτήρων και ψυχικών κινήσεων. Αυτό το ενδιαφέρον για τα ψυχολογικά προβλήματα εκδηλώνεται σε αμέτρητα πορτρέτα, καθώς και στα αγαπημένα βιβλικά θέματα Rembrandt, δίνοντάς του έναν επιθυμητό λόγο για την εικόνα των ανθρώπινων σχέσεων και χαρακτήρων. Το υπέροχο καταπληκτικό δώρο της αφήγησης επιτρέπει να φέρει το κοινό όχι μόνο την εκφραστικότητα των εικόνων, αλλά και την ανασταλτική από την κατάθεση του επιλεγμένου οικόπεδο.
Rembrandt Εικόνες ανιχνεύουν βαθιά ρεαλιστική κατανόηση των καθηκόντων της τέχνης. Συνεχώς μελετά τη φύση και έντονα κοιτάζει σε όλες τις μορφές της γύρω πραγματικότητας. Η προσοχή του προσελκύεται από τα πάντα σε αυτό που ο χαρακτήρας προφέρεται: η έκφραση ανθρώπων, χειρονομίες, κινήσεις, κοστούμια. Διορθώνει τις παρατηρήσεις του σε σχέδια, στη συνέχεια στους γραφικούς etudes. Οι τελευταίοι είναι κυρίως στην πρώιμη περίοδο. Η αποκτηθείσα γνώση της μορφής και η εκφραστικότητα της αποτελεί αναπόσπαστο μέρος όλων των σύνθετων έργων του Rembrandt και τους ενημερώνει μια εξαιρετική ειλικρίνεια.
Παράλληλα με την επιδείνωση της προσοχής στην ουσία των φαινομένων, η Rembrandt απορροφάται εξ ολοκλήρου σε καθαρά γραφικά προβλήματα και κυρίως το πρόβλημα του φωτισμού. Η μοναδικότητα και η ικανότητα των αποφάσεών της τον έφεραν τη δόξα του μεγαλύτερου ζωγράφου. Η πολυπλοκότητα του LEMBRANDT LIGHT σε συνδυασμό με χρωματιστικά αποτελέσματα είναι μια υψηλή καλλιτεχνική αξία στις ζωγραφιές των δασκάλων. Αλλά αυτή δεν είναι μόνο αυτοδύναμη διακοσμητική αξία. Η ερμηνεία της Rembrandta των επιπτώσεων φωτισμού είναι ταυτόχρονα ένα από τα κύρια μέσα αναγνώρισης της φύσης των εικόνων. Η σύνθεσή του βασίζεται στην αναλογία φωτιζόμενων και σκιών. Η διανομή τους που διαθέτει κάποιες μορφές και η συρρίκνωση άλλων προσελκύει την προσοχή του θεατή σε αυτό που είναι ιδιαίτερα απαραίτητο για την αφήγηση ή τα χαρακτηριστικά και έτσι ενισχύει την εκφραστικότητα. Η γραφική πλευρά συνδέεται οργανικά με το περιεχόμενο.
Η καλλιτεχνική δραστηριότητα του Rembrandt από την αρχή μέχρι το τέλος είναι αμφισβητήσει με εσωτερική ενότητα. Αλλά η δημιουργική του πορεία του σάς επιτρέπει να διακρίνετε μεταξύ ορισμένων σαφώς προφέρονται στάδια που χαρακτηρίζονται από κάποια συγκεκριμένα χαρακτηριστικά.
Μετά από χρόνια μαθητείας και τα πρώτα ανεξάρτητα βήματα, ένα τόσο νέο στάδιο είναι το 1630s. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Rembrandt είναι ισχυρή, αφενός, τα ρομαντικά στοιχεία και η φαντασία, από την άλλη - τα επίσημα χαρακτηριστικά της μπαρόκ τέχνης. Η εντύπωση της μυθοπλασίας προκαλείται κυρίως από την επίδραση του φωτισμού, μακριά από πάντα εξαρτάται από μια συγκεκριμένη πηγή, αλλά δημιουργείται από την ακτινοβολούμενη ικανότητα των ίδιων των αντικειμένων. Για τις μπαρόκ τάσεις της τέχνης Rembrandt αυτής της περιόδου, την πρωτοβουλία της καλλιτεχνικής γλώσσας, του δυναμισμού και του πάους των συνθέσεων, εν μέρει, την ευκρίνεια της γεύσης. Σε αυτό το στάδιο, η Rembrandt είναι συνεχώς η τάση για τη θεατρική χρήση των εικόνων, προωθώντας τους δασκάλους να γράψουν τον εαυτό του και τα στενά τοποθετημένα σε καταπράσινα αδιάβροχη, κράνη, στρουπάδες, μπερέ ή απεικονίζουν τη Σασκοβιαία με τη μορφή βιβλικών ηρωμάτων, τότε μια αρχαία θεά.
Σε προσαρμοσμένο πορτρέτο, είναι κατάλληλο, φυσικά, διαφορετικά. Τα χαρακτηριστικά διακρίνουν τη ζωντάνια τους, την ικανότητα σχηματισμού μορφών, την αναζήτηση της κομψότητας και ταυτόχρονα, η περίφημη αυστηρότητα δικαιολογεί τη δόξα της ως πορτραίτο. Ένα πορτρέτο της ομάδας που είναι γνωστό ως η "ανατομία του Tulip" (1632, η Χάγη, η Μαυρίτς,), όπου η ικανότητα να ενώσει την προσοχή των ανθρώπων στη διάλεξη, διαβάζεται από μια tulite σε ένα ανατομικό τραπέζι, ενώθηκε από τα χαρακτηριστικά, ήταν η πρώτη ιδιαίτερα δυνατή επιτυχία του Rembrandt.
Με την ακραία αφθονία των πορτραίτων που πέφτουν κατά την εξεταζόμενη δεκαετία, το Rembrandt βρήκε χρόνο για μια συναρπαστική σκέψη, αφηγηματική ζωγραφική. "Άγγελος που εγκαταλείπει την οικογένεια των Τόμων" (1637, Λούβρο) μπορεί να χρησιμεύσει ως παράδειγμα των χαρακτηριστικών χαρακτηριστικών μπαρόκ αυτής της περιόδου. Το οικόπεδο δανείστηκε από τη Βίβλο, όπου η στιγμή υποβάλλεται όταν ένας άγγελος, ο οποίος βοήθησε τον γιο της Τόμνα να θεραπεύσει τον πατέρα του, αφήνει την οικογενειακή οικογένεια, είναι κορεσμένη με στοιχεία του είδους. Μια άλλη σίγουρα μια προσέγγιση γονιδιώματος στο θέμα συλλαμβάνεται στην εικόνα του Ερμιτάζ "παραβολή για τους σταθμούς" (1637). Σε αυτή την περίπτωση, η ευαγγελική παραβολή μετατρέπεται σε μια καθαρά ρεαλιστική σκηνή του υπολογισμού του πλούσιου ιδιοκτήτη με τους εργαζόμενους. Η πίστη των χειρονομιών και των εκφράσεων των ατόμων εδώ δεν είναι λιγότερο χαρακτηριστικό του Rembrandt από το γραφικό πρόβλημα της μετάδοσης του φωτός, που ρέει σε μικρά παράθυρα και χρησιμεύει στα βάθη ενός υψηλού συγκολλητικού χώρου.
Γραφική δεξιότητα και χαρακτηριστικό του Rembrandt στη δεκαετία του 1630 Greenish Golden Flave εκδηλώνεται με όλη την πληρότητα σε μια από τις πιο διάσημες εικόνες - Ερμιτάζ "Dana" (1636). Από την αίσθηση της ζωής στη μεταφορά του σώματος, σε μια χειρονομία, με την έκφραση του προσώπου, είναι ασυνήθιστα φωτεινά αποκαλυφθεί από τον ρεαλισμό της καλλιτεχνικής έννοιας του Δάσκαλου αυτή τη στιγμή της δημιουργικής ανάπτυξής του.
Από την αρχή της 1640, η δημιουργικότητα της Rembrandt συνδέει μια νέα φάση, διαρκεί μέχρι τα μέσα της επόμενης δεκαετίας. Η ανεξαρτησία της κατανόησης του πλοιάρχου των καθηκόντων της τέχνης, η επιθυμία του για την αλήθεια της βαθιάς ζωής, το ενδιαφέρον για τα ψυχολογικά προβλήματα, τα χρόνια που είχα όλο και περισσότερο, αποκάλυψε στο Rembrandte τη μεγαλύτερη δημιουργική προσωπικότητα, μακριά από τον πολιτισμό του αστική κοινωνία που το περιβάλλει. Το βαθύ περιεχόμενο της τέχνης Rembrandt ήταν το τελευταίο απρόσιτο. Ήθελε την τέχνη ρεαλιστική, αλλά πιο επιφανειακή. Η πρωτοτυπία των γραφικών τεχνικών του Rembrandt με τη σειρά του πήγε στραβά με έναν γενικά αποδεκτό προσεκτικό, κάπως στενό τρόπο της επιστολής. Καθώς οι χρόνοι του εθνικού ηρωϊκού αγώνα για την ανεξαρτησία μεταφέρθηκαν στο παρελθόν, στις προτιμήσεις του κυρίαρχου περιβάλλοντος, οι τάσεις ρυμουλκούμενα στην κομψή και γνωστή εξιδανικοποίηση της εικόνας. Η δυσφορία των απόψεων της Rembrandt, υποστηριζόμενη από την υλική του ανεξαρτησία, τον οδήγησε σε μια πλήρη ασυμφωνία με την κοινωνία. Αυτό το κενό με το αστικό μέσο που επηρεάζεται με όλη τη βεβαιότητα λόγω της τάξης του κύριου ενός μεγάλου ομίλου πορτρέτου της συντεχνίας των σκοπευτών του Άμστερνταμ. Η εικόνα (1642, το Άμστερνταμ), που εκτελείται ως αποτέλεσμα αυτής της εντολής, δεν ικανοποίησε τους πελάτες και παρέμεινε ακατανόητους ακόμη και καλλιτεχνικούς κύκλους. Αντί για μια περισσότερο ή λιγότερο συνηθισμένη ομάδα πορτραίτου, η Rembrandt έδωσε μια εικόνα των ομιλιών της ένοπλης ομάδας, που οδηγεί τους ήχους του τυμπάνου πίσω από τους ηγέτες του. Χαρακτηριστικό πορτρέτου που απεικονίζεται υποχώρησε στο παρασκήνιο πριν από τη δυναμική της σκηνής. Η ευρέως σχεδιασμένη ζωγραφική των αντιθέσεων του φωτισμού ανέφερε μια εικόνα ενός ρομαντικού χαρακτήρα, τον όρο και το όνομά της - "νυχτερινό ρολόι".
Η σύγκρουση με το κυρίαρχο μέσο και η απότομη λόγω αυτής της πτώσης των παραγγελιών δεν επηρέασε τη δημιουργική ενέργεια του πλοιάρχου. Επίσης, δεν επηρέασε την αλλαγή στις οικογενειακές συνθήκες του Rembrandt, ο οποίος έχασε την αγαπημένη του σύζυγο, ο οποίος είχε μια μόνιμη εμπνευσμένη των γυναικών εικόνων του, δεν αντανακλάται σε αυτό. Λίγα χρόνια αργότερα η θέση της καταλαμβάνει ένα άλλο. Εμφανίζεται πρώτα στον ταπεινό ρόλο του υπαλλήλου, ο Gendrick Stoffels γίνεται τότε η πιστή φίλη της ζωής του Δασκάλου και τον παρέχει η ειρήνη και η σιωπή της οικογενειακής άνεσης.
Η επόμενη περίοδος ήταν ευνοϊκή για την ανάπτυξη της τέχνης του Rembrandt. Η νεολαία του Ζαντόρ εξαφανίζεται από το έργο του. Γίνεται συγκεντρωμένη, ισορροπημένη και ακόμη πιο βαθιά. Η πολυπλοκότητα των συνθέσεων και του PATOS αντικαθίσταται από την απλότητα. Η ειλικρίνεια των συναισθημάτων δεν παραβιάζεται από την αναζήτηση εξωτερικών επιδράσεων. Το πρόβλημα του φωτισμού εξακολουθεί να κατέχει τους δασκάλους. Ο χρωματισμός γίνεται ζεστός. Οι χρυσοί κίτρινοι και οι κόκκινοι τόνοι το κυριαρχούν. Θρησκευτική στη φύση του θέματος, αλλά καθαρά είδος στην ερμηνεία του οικοπέδου, η εικόνα του Ερμιτάζ "Ιερή Οικογένεια" (1645) είναι εξαιρετικά χαρακτηριστική αυτού του χρόνου.
Μαζί με τις βιβλιολογικές συνθέσεις του είδους, αυτή η περίοδος είναι γεμάτη με μια νέα εικόνα της εικόνας της πραγματικότητας - τοπίων για το Rembrandta. Έχοντας δώσει σε ορισμένες περιπτώσεις να φοβηθείτε στους ρομαντικούς επιχειρηματίες τους, δημιουργεί μαζί με αυτό να συναρπάζει τον αυστηρό ρεαλισμό της προσέγγισης προσκόλλησης ενός μηδενικού ολλανδικού χωριού. Μικρή "Winter View" (1646, Kassel), υπό το πρίσμα μιας σαφούς παγωμένης ημέρας, της αγροτικής αυλής και αρκετών αριθμών στο Stroit του κατεψυγμένου καναλιού, σύμφωνα με τις λεπτές αποχρώσεις του αισθήματος και της ακρίβειας της οπτικής αντίληψης, χρησιμεύει ως Ένα από τα πιο τέλεια δείγματα του ρεαλιστικού τοπίου των Ολλανδών.
Στο Πορτραίτο, το Rembrandt είναι τώρα δωρεάν όταν επιλέγετε μοντέλα και γράφει το όφελος ενός ατόμου με έντονη ατομικότητα. Πρόκειται κυρίως μεγαλύτερης ηλικίας και αετών-Εβραίων. Αλλά με την ίδια ευκρίνεια, αποδεικνύεται ότι είναι σε θέση να μεταφέρει τη γοητεία ενός νεαρού γυναικείου προσώπου ή γοητείας νεανικής εμφάνισης. Όλο το μικροσκοπικό είναι κατώτερο σε αυτά τα πορτρέτα των γενικευμένων, αλλά ταυτόχρονα εξαιρετική οξεία υποβολή της εικόνας. Αυτό συμβάλλει σε μεγάλο βαθμό στο αυξανόμενο γεωγραφικό πλάτος των τεχνικών τρόπων εκτέλεσης.
Παρά την εκτεταμένη και καλλιτεχνική αξία του Rembrandt που δημιουργήθηκε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η οικονομική κατάσταση του Rembrandt ήταν εξαιρετικά δύσκολη για τα μέσα του 1650. Λόγω της πτώσης του αριθμού των παραγγελιών, μια δύσκολη πωλήσεις έργων ζωγραφικής και, ειδικότερα, η απροσεξία του πλοιάρχου στη συμπεριφορά των υποθέσεων τους Rembrand παρουσίασε μεγάλες υλικές δυσκολίες. Το χρέος που σχετίζεται με την απόκτηση κατά τη διάρκεια της ζωής του Saskiya είναι ακριβό στο σπίτι, απειλείται με ένα πλήρες ερείπιο. Οι προσπάθειες εξόδου από το χρέος θα μπορούσαν να σταματήσουν μόνο την καταστροφή, αλλά εξακολουθεί να ξέσπασε. Το καλοκαίρι του 1656, η Rembrandt κηρύχθηκε αφερέγγυος και όλη η ιδιοκτησία του πωλήθηκε από τη δημοπρασία. Ανυψωμένο οικείο κρεβάτι, αναγκάστηκε να κινηθεί με την οικογένειά του στην φτωχή εβραϊκή συνοικία του εμπορικού κεφαλαίου και εδώ σε μια απότομη αισθητή έλλειψη των τελευταίων ημερών του.
Αυτές οι αντιξοότητες, καθώς και το ολοκληρωμένο Rembrandt, στη συνέχεια, ατυχία - ο θάνατος του Gendrik, ο θάνατος του μοναδικού γιου του Τίτου, ήταν ανίσχυρο να σταματήσουν την περαιτέρω ανάπτυξη της ιδιοφυΐας του. Το τέλος της 1650 και 1660 είναι η πιο φιλόδοξη φάση της δημιουργικότητας του Rembrandt. Αντιπροσωπεύει τη σύνθεση όλων των προηγούμενων ψυχολογικών και γραφικών αναζητήσεων. Εξαιρετική αντοχή των εικόνων, η απλότητα του σχεδιασμού, η ένταση της ζεστής γεύσης και το πεδίο της γραφικής υφής αποτελούν τα κύρια χαρακτηριστικά αυτής της περιόδου. Αυτές οι ιδιότητες εκδηλώνονται εξίσου σε πορτρέτα και σε βιβλικές συνθέσεις. Δημιουργήθηκε αυτή τη στιγμή ομάδα πορτρέτο "sindics" (πρεσβύτεροι του συννεφιασμένου καταστήματος, το 1662, το Άμστερνταμ) θεωρείται ότι θεωρείται μια από τις κορυφές της δημιουργικότητας του Rembrandt). Οξεία ψυχολογική χαρακτηριστική, η απλότητα της κατασκευής, η οποία είναι απλή από το ρυθμό των γραμμών και των μαζών, καθώς και ένα πενιχρό από την άποψη του αριθμού των χρωμάτων, αλλά το εντατικό χρώμα συνοψίζεται ολόκληρη η προηγούμενη πορεία του Rembrandt-Portraity. Στον τομέα της βιβλικής ζωγραφικής, ο ίδιος ρόλος ανήκει στην "Επιστροφή του Prodigal Son", που βρίσκεται στο Ερμιτάζ. Η σκηνή της συμφιλίωσης παραιτήθηκε στην υπογονιμότητα του γιου και του φιλικού προς τον πατέρα για την απλότητα, το δράμα και τις λεπτές αποχρώσεις της μεταβίβασης των ανθρώπινων εμπειριών παραμένει αξεπέραστη στην παγκόσμια τέχνη. Είναι δύσκολο γι 'αυτήν να βρει οτιδήποτε ίσο με τον κορεσμό του τόνου και του γεωγραφικού πλάτους της επιστολής.
Ο "Prodigal Son" είναι ένας από τους πιο πρόσφατους πίνακες από τον πλοίαρχο και, προφανώς, χρονολογείται από το 1669 - το έτος του θανάτου του Rembrandt. Αυτός ο θάνατος πέρασε εντελώς απαρατήρητη και μόνο πολλά χρόνια αργότερα, τον 18ο αιώνα, η κατανόηση της τέχνης αυτού του μεγάλου καλλιτέχνη άρχισε να αναπτύσσεται.
Η αξία του Rembrandt οφείλεται στη ζωγραφική του πλοιάρχου της τεράστιας κληρονομιάς του ως γραφικά. Όλες οι παραπάνω ιδιότητες των έργων του Rembrandt έχουν επηρεάσει τα γραφικά έργα όχι λιγότερο φωτεινά από ό, τι στη ζωγραφική και εξάλλου, τόσο στα αρχικά σχέδια όσο και στον τομέα των τυπωμένων γραφικών, χαρακτικά. Σε πρόσφατα, η Rembrandt είναι ο μεγαλύτερος πλοίαρχος της χαράς.
Για τα χαρακτηριστικά του, τα χαρακτικά δεν έχουν λιγότερη σημασία από τις ζωγραφιές. Το διακεκριμένο βάθος της ψυχολογικής ανάλυσης, ο εκφραστικός ρεαλισμός των εικόνων και η τελειότητα της ιδιοκτησίας του τεχνικού της τέχνης επηρέασε τη μακρά σειρά θαυμάσιων φύλλων, θεματικά ακόμη πιο διαφορετικό από τη ζωγραφική του πλοιάρχου. Ιδιαίτερα διάσημο ανήκουν σε "Χριστού, θεραπευτικούς ασθενείς" (το λεγόμενο "φύλλο σε εκατόλια λαβή", περίπου 1649), "Τρεις σταυρούς" (1653), πορτρέτα της LUTMA (1656), κατέρρευσε (1655), έξι ( 1647), καθώς και τοπία γνωστά ως "τρία αληθινά (1643) και" Manor "Gold Webiger" (1651).
Κανένα λιγότερο σημαντικό μέρος στη γραφική κληρονομιά του Rembrandt παίρνει φωτογραφίες. Η οξύτητα και η ιδιαιτερότητα της αντίληψης Rembrandt του γύρω κόσμου επηρέασε αυτά τα πολυάριθμα και ποικίλα φύλλα με μια ειδική δύναμη. Ο τρόπος έλξης, ως ο γραφικός τρόπος του Rembrandt, εξελίσσεται αισθητά καθ 'όλη τη δημιουργική ανάπτυξη του οδηγού. Εάν τα πρώτα σχέδια της Rembrandt λειτουργούν στις λεπτομέρειες και είναι αρκετά περίπλοκες στη σύνθεση, στη συνέχεια σε μια πιο ώριμη περίοδο, τα έκαναν με ένα φαρδιά γραφικό τρόπο, εξαιρετικά συνοπτικό και απλό. Το Rembrandt συνήθως ζωγραφίζεται με μια χήνα ή ένα στυλό και ήταν σε θέση να επιτύχει με τις πιο απλές τεχνικές εξαιρετικής εκφραστικότητας. Τα σχέδιά του, ακόμη και όταν είναι λεπτά σκίτσα κάποιου συνηθισμένου κινητήριου, είναι ένας πλήρης ακέραιος, αρκετά μετάδοση όλη την ποικιλία της φύσης.
Η τέχνη του Rembrandt στο σύνολό του παρέμεινε οι ακατανόητοι συγχρόνους. Κατά την επιτυχία της Σχολής Φοιτητών, εκ των οποίων ο Ferdinand Pain (1616-168-1680), η Herbrandan van den den, απέκτησε τη μεγαλύτερη φήμη (1621-1674) και την Art De Helder (1645-1727). Έχοντας μάθει το θέμα, τις σύνθετες τεχνικές και τους τύπους των εκπαιδευτικών, δεν πήγαν όλα τα ίδια στη ζωγραφική τους στην εξωτερική απομίμηση των δεξιώσεων Rembrandt. Η ζωντανή επιρροή του πλοιάρχου, απέναντι από αυτό, επηρεάζει σίγουρα τους πολυάριθμους παίκτες τοπίου δίπλα του - Philips Kindka (1619-1688), Domera (1622-1700) και άλλοι. Ανεξάρτητα από αυτό, η ανάπτυξη του προβλήματος του φωτός έχει γίνει ο ακρογωνιαίος λίθος για την ανάπτυξη όλων των επόμενων ολλανδικών ζωγραφικής.
Η πλήρης αναγνώριση της δημιουργικότητας του Rembrandt παίρνει, ωστόσο, μόνο τον 19ο αιώνα. Και από τώρα και στο εξής, δεν παύει να είναι ένα από τα υψηλότερα δείγματα ρεαλιστικών και ταυτόχρονα τη γραφική ενσάρκωση των εικόνων.

Ολλανδία. 17ος αιώνας. Η χώρα αντιμετωπίζει μια πρωτοφανή άνθηση. Τη λεγόμενη "χρυσή εποχή". Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν ανεξαρτησία από την Ισπανία.

Τώρα, η Singlestan Netherlands πήγε στο δρόμο τους. Και καθολικές φλάνδρες (το σημερινό Βέλγιο) κάτω από την πτέρυγα της Ισπανίας - δική του.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, η θρησκευτική ζωγραφική σχεδόν κανείς δεν χρειάζεται. Η προτεσταντική εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτέλεια της διακόσμησης. Αλλά αυτή η περίσταση "έπαιξε στο χέρι" της ζωγραφικής κοσμικής.

Η αγάπη για αυτό το είδος τέχνης ξύπνησε κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας. Ο Ολλανδός ήθελε να δει τη δική του ζωή στις εικόνες. Και οι καλλιτέχνες περπάτησαν πρόθυμα να τους συναντήσουν.

Ποτέ δεν απεικονίστηκαν ποτέ τη γύρω πραγματικότητα. Οι απλοί άνθρωποι, τα συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό του πολίτη.

Ο ρεαλισμός άκμασε. Μέχρι τον 20ό αιώνα, θα είναι ένας αξιόλογος ανταγωνιστής στον ακαδημαϊκό με τις νύμφες και τις ελληνικές θεές του.

Αυτοί οι καλλιτέχνες καλούν τα "μικρά" ολλανδικά. Γιατί; Οι εικόνες ήταν μικρές σε μέγεθος, επειδή δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλες οι φωτογραφίες του Jan Vermeer σε ύψος όχι περισσότερο από μισό μετρητή.

Αλλά μου αρέσει μια άλλη έκδοση περισσότερο. Στις Κάτω Χώρες τον 17ο αιώνα ζούσαν και δούλευαν τον Μεγάλο Δάσκαλο, τον "Big" Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι σε σύγκριση με αυτόν ήταν "μικρές".

Μιλάμε, φυσικά, για το Rembrandte. Από αυτόν και ξεκινήστε.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Αυτο-πορτραίτο ηλικίας 63 ετών. 1669 Εθνική Γκαλερί Λονδίνο

Το Rembrandt ήταν σε θέση να βιώσει την ευρύτερη γκάμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Ως εκ τούτου, στις πρώτες του έργα τόσο διασκεδαστικές όσο και οι Μπραβάδες. Και τόσα πολλά σύνθετα συναισθήματα - στη συνέχεια.

Εδώ είναι νέος και απογοητευμένος από την εικόνα «The Blind Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα - η αγαπημένη σύζυγος Σασκοβία. Είναι ένας δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες ρίχνουν τον ποταμό.

Rembrandt. Ο άκαμπτος γιος στην ταβέρνα. 1635 Γκαλερί των παλαιών δασκάλων, Δρέσδη

Αλλά όλα αυτά θα εξαφανιστούν μετά από περίπου 10 χρόνια. Η Sasquia θα πεθάνει από καταναλώσει. Η δημοτικότητα θα διαλυθεί ως καπνός. Το μεγάλο σπίτι με μια μοναδική συλλογή θα ληφθεί για χρέη.

Αλλά το ίδιο Rembrandt θα εμφανιστεί, το οποίο θα παραμείνει στον αιώνα. Μεγάλα συναισθήματα ήρωων. Τις πιο στενές σκέψεις τους.

2. Γαλλία HALS (1583-1666)

Γαλλία Hals. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη

Η Γαλλία Hals είναι ένα από τα μεγαλύτερα πορτρέτα όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα το εξετάσω επίσης στο "μεγάλο" ολλανδικό.

Στην Ολλανδία, εκείνη τη στιγμή ήταν συνηθισμένο να παραγγείλετε πορτρέτα ομάδας. Τόσα πολλά παρόμοια έργα εμφανίστηκαν με την εικόνα των ανθρώπων που εργάζονται μαζί: τα βέλη της ίδιας συντεχνίας, οι γιατροί μιας πόλης, διαχειρίζοντας το νοσηλευτικό σπίτι.

Σε αυτό το είδος, οι hals διατέθηκαν το μεγαλύτερο μέρος όλων. Μετά από όλα, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα ήταν σαν ένα κατάστρωμα καρτών. Οι άνθρωποι κάθεται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλά να παρακολουθήσουν. Οι hals είχαν διαφορετικό τρόπο.

Κοιτάξτε την ομάδα του πορτρέτο του "Arrow Guild of St. Γεώργιος.

Γαλλία Hals. Βέλη guild hild Γεώργιος. 1627 Μουσείο της Γαλλίας Hals, Garel, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε μια ενιαία επανάληψη στη θέση ή την έκφραση του προσώπου. Ταυτόχρονα, δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται να είναι περιττός. Λόγω της εκπληκτικά σωστής τοποθέτησης των αριθμών.

Ναι, και σε ένα μόνο πορτραίτο HAL ξεπέρασε πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοντέλα του είναι φυσικά. Οι άνθρωποι από την ανώτατη κοινωνία στους πίνακές του στερούνται από μεγέθυνση, και το μοντέλο από το κάτω μέρος δεν φαίνεται ταπεινωμένο.

Και οι ήρωές του είναι πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν, χειρονομώ. Όπως, για παράδειγμα, είναι ένας "τσιγγάνος" με μια χαλαρή εμφάνιση.

Γαλλία Hals. Αθίγγανος. 1625-1630

HALS, όπως το Rembrandt, τελείωσε τη ζωή στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήρθε ενάντια στις προτιμήσεις των πελατών. Που ήθελε την εμφάνισή τους να διακοσμούν. Hals δεν πήγε να είμαι ειλικρινής κολακεία, και έτσι υπέγραψε μια πρόταση - «λήθη»

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Royal Gallery Mauritshais, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terboro ήταν ένας μάγος ενός οικιακού είδους. Πλούσιοι και όχι πολύ burghers μιλούν σιγά-σιγά, οι κυρίες διαβάζουν γράμματα και ο πρωτοπόρος παρακολουθεί το φινίρισμα. Δύο ή τρεις στενά τοποθετημένες μορφές.

Ήταν αυτός ο κύριος που δούλεψε τους κανόνες του οικιακού είδους. Που στη συνέχεια δανείστηκε από το Yang Vermeer, Peter de Heh και πολλά άλλα "μικρά" ολλανδικά.

Gerard Terboro. Γυαλί λεμονάδας. 1660. Κρατικό Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το "Το ποτήρι λεμονάδας" είναι ένα από τα διάσημα έργα του Terborch. Μπορεί να δει ένα ακόμα πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φόρεμα.

Υπάρχει Terboro και ασυνήθιστη δουλειά. Αυτό που μιλάει για την επιθυμία του να ξεπεράσει τις απαιτήσεις των πελατών.

Ο "μύλος" του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων κατοίκων της Ολλανδίας. Είμαστε συνηθισμένοι να βλέπουμε ζεστές αυλές και καθαρά δωμάτια στις εικόνες των "μικρών" ολλανδικών. Αλλά ο Terboro τόλμησε να δείξει άσχημη Ολλανδία.

Gerard Terboro. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κυβερνητικά μουσεία Βερολίνο

Καθώς καταλαβαίνετε, τα έργα αυτά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και στο Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Εργαστήριο καλλιτέχνη. 1666-1667 Μουσείο Ιστορίας Τέχνης, Βιέννη

Τι κοίταξε ο Yang Vermeer, δεν είναι αξιόπιστη. Είναι προφανές μόνο ότι απεικονίστηκε στον ζωγραφικό "Workshop του καλλιτέχνη". Αληθινή από την πλάτη.

Ως εκ τούτου, είναι εκπληκτικό το γεγονός ότι ένα νέο γεγονός από τη ζωή του Δάσκαλη έγινε πρόσφατα γνωστή. Συνδέεται με το αριστούργημά του "Delft street".

Jan Vermeer. Delft δρόμο. 1657 Κυβερνητικό Μουσείο στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι η παιδική ηλικία του Vermeer πέρασε σε αυτόν τον δρόμο. Το απεικονιζόμενο σπίτι ανήκε στη θεία του. Αυτός έθεσε τα πέντε παιδιά του σε αυτόν. Ίσως κάθεται στο κατώφλι με ράψιμο και δύο από τα παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ζούσε στο σπίτι απέναντι.

Αλλά πιο συχνά απεικόνισε την εσωτερική κατάσταση αυτών των σπιτιών και των κατοίκων τους. Φαίνεται ότι τα οικόπεδα των έργων ζωγραφικής είναι πολύ απλά. Εδώ είναι μια νευρική κυρία, μια ασφαλής κοιλιακή τοποθεσία, ελέγχει το έργο των ζυγών μου.

Jan Vermeer. Γυναίκα με βάρη. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσινγκτον

Τι βγήκε ο Vermeer μεταξύ χιλιάδων άλλων "μικρών" ολλανδικών;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος. Στην εικόνα "Γυναίκα με βάρη" ελαφρά περιβάλλει απαλά το πρόσωπο του ηρωίνης, του υφάσματος και τοίχων. Δίνοντας μια αφόρητη πνευματικότητα που απεικονίζεται.

Και οι συνθέσεις των ζωγραφικής της Vermeer ανακτάται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε άλλες λεπτομέρειες. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η ζωγραφική "καταρρέει" και η μαγεία θα πάει μακριά.

Όλα αυτά δόθηκαν στο Vermeleu δεν είναι εύκολο. Μια τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούμενη επίπονη εργασία. Συνολικές 2-3 εικόνες ετησίως. Ως αποτέλεσμα, η ανικανότητα να τροφοδοτεί την οικογένεια. Η Vermeer εργάστηκε ως έμπορος τέχνης, που πωλεί το έργο άλλων καλλιτεχνών.

5. Peter de Heh (1629-1884)

Peter de heh. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Reyxmuseum, Άμστερνταμ

Η Hoha συχνά συγκρίνεται με το Vermeer. Εργάστηκαν ταυτόχρονα, ακόμη και υπήρχε μια περίοδος που σε μια πόλη. Και σε ένα είδος - εγχώριες. Στην Hoha, βλέπουμε επίσης ένα ή δύο φιγούρες στις άνετες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν το χώρο των έργων ζωγραφικής του και διασκεδαστικό. Και οι αριθμοί είναι εγγεγραμμένοι σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στην εικόνα του "ο υπηρέτης με ένα κορίτσι στην αυλή".

Peter de heh. Η υπηρέτρια με το κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου

Έως τον 20ό αιώνα, η Hech αποτιμήθηκε πολύ υψηλή. Αλλά τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του του Vermeer είναι λίγοι που παρατήρησαν.

Αλλά στον 20ό αιώνα όλα έχουν αλλάξει. Slava Hoha Faming. Ωστόσο, τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική είναι δύσκολο να μην αναγνωριστούν. Λίγοι, οι οποίοι θα μπορούσαν να συνδυάσουν ανταγωνιστικά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Peter de heh. Οι παίκτες στο χάρτη στην αίθουσα του ήλιου. 1658 Συναρμολόγηση Βασιλικής Τέχνης, Λονδίνο

Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι σε ένα μέτριο σπίτι στους "παίκτες στους χάρτες" μπορεί να κρεμάσει μια εικόνα σε ένα συρρατικό πλαίσιο.

Αυτό συνομιλεί και πάλι για το πώς η συνηθισμένη ολλανδική ζωγραφική ήταν δημοφιλής. Οι πίνακες ήταν διακοσμημένοι με κάθε σπίτι: τόσο το σπίτι του πλούσιου μπιφτέκι και ένας μέτριος πολίτης, και ακόμη και ένας αγρότης.

6. Walls Yang (1626-1679)

Τοίχοι γιανγκ. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. 1670s. Μουσείο Tissen-Bornemis, Μαδρίτη

Οι τοίχοι γιανγκ, ίσως, το πιο χαρούμενο "μικρό" Ολλανδικό. Αλλά αγαπώντας τα ηθικά. Συχνά απεικονίζει ταβέρνες ή φτωχά σπίτια στα οποία υπήρχε ένας αντιπρόεδρος.

Οι κύριοι χαρακτήρες του - οι βόλτες και οι κυρίες της εύκολης συμπεριφοράς. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποίησε με τον ίδιο τρόπο από την φαύλη ζωή.

Τοίχοι γιανγκ. Kavardak. 1663 Μουσείο Τέχνης Ιστορία, Βιέννη

Υπάρχει ένας τοίχος και πιο ήσυχη δουλειά. Όπως, για παράδειγμα, η "πρωινή τουαλέτα". Αλλά εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήξει τον θεατή πάρα πολύ frank αντικείμενα. Εδώ και ίχνη από την κόλπο, και όχι ένα κενό νυχτερινό δοχείο. Ναι, και κάπως καθόλου με τον τρόπο που ο σκύλος βρίσκεται ακριβώς πάνω στο μαξιλάρι.

Τοίχοι γιανγκ. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Reyxmuseum, Άμστερνταμ

Αλλά παρά τον πυριτία, οι χρωστικές λύσεις του τοίχου είναι πολύ επαγγελματίες. Σε αυτό, ήταν ανώτερος από πολλούς "μικρούς ολλανδούς". Κοιτάξτε πόσο το κόκκινο απόθεμα συνδυάζεται τέλεια με ένα μπλε σακάκι και ένα φωτεινό μπεζ χαλί.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1882)

Πορτρέτο ενός Raisdale. Λιθογραφία από το βιβλίο του 19ου αιώνα.