Αμερικανική ζωγραφική. Καλλιτέχνες Ηνωμένες Πολιτείες - Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής Εικόνες από Αμερικανούς καλλιτέχνες διάσημος Αμερικανός καλλιτέχνης
Μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα, το τοπίο γίνεται ένα κυρίαρχο είδος της αμερικανικής ζωγραφικής. Πολλοί καλλιτέχνες εκείνης της εποχής είναι ενωμένοι στην ομάδα του ποταμού Gudson River, η οποία περιελάμβανε περισσότερους από 50 τοπικούς παίκτες των δύο γενεών.
Ο πιο διάσημος Αμερικανός καλλιτέχνης τοπίου αυτών των ετών μπορεί να ληφθεί υπόψη Thomas Cowla (1801-1848),
Γεννήθηκε στην Αγγλία και μετακόμισε στην ηλικία των 17 ετών με τους γονείς στην Αμερική. Σπούδασε ζωγραφική σε έναν αδέσποτο καλλιτέχνη, ήταν αυτοδίδακτος, ταξίδεψε πολύ γύρω από τη χώρα, επισκέφθηκε την Αγγλία και την Ιταλία,
Αλλά η αμερικανική φύση θεωρείται πολύ πιο γραφική από την ευρωπαϊκή.
Ο πλησιέστερος με τον τρόπο του Cowla ήταν ο φίλος του Escher duran (1796-1886), ξεκινώντας σαν ένα χρονοδιάγραμμα,
Αλλά μετά το ταξίδι με έναν φίλο στα βουνά της Αμερικής, μεταφέρθηκε από το τοπίο, ζωγράφισε πολλά από τη φύση.
Αυτή η εικόνα, ο καλλιτέχνης έγραψε στη μνήμη του νεκρού φίλου, σε δημοπρασία το 2007, 35 εκατομμύρια δολάρια πληρώθηκαν γι 'αυτό.
Ένας από τους κεντρικούς αριθμούς στο σχολείο του ποταμού Hudson ήταν Εκκλησία Frederick EdwinΉδη σε 18 χρονών έγιναν φοιτητής δροσιάς.
Από την άνοιξη μέχρι το φθινόπωρο, ταξίδεψε σε όλη τη χώρα και τον κόσμο,
Πρώτον, ένα, και στη συνέχεια με την οικογένειά του, συχνά με τα πόδια, τα σκίτσα, και το χειμώνα ζωγράφισε τους μεγάλους φωτεινούς του πίνακες και τους πωλήθηκαν με επιτυχία.
Albert Birstadt (1830-1902) επίσης πολλά ταξίδια γύρω από τη χώρα και στην Ευρώπη, ζωγράφισα πρόθυμα τις Άλπεις, αλλά τα βραχώδη βουνά ήταν πραγματικά αγάπη,
Άγρια Δύση, Ινδοί.
Κατάφερε να περάσει αυτή την αγάπη στις μεγάλες καμβά του, χρησιμοποιώντας κυριότερα την επίδραση του φωτός και της σκιάς.
Thomas moran (1836-1926), μετανάστευσα με τους γονείς μου από την Αγγλία, ένας έφηβος εργάστηκε ως έφηβος για έναν κόπτη ξύλου, νωρίς άρχισε να σχεδιάζει τοπία.
Μια μεγάλη επιρροή κατά τη διάρκεια της μελέτης στην Αγγλία, ο William Turner, η ικανότητά του να γεμίσει τον καμβά του με το φως.
Το Moran σχεδιάζει τοπία της Αγγλίας, της Βενετίας,
Αλλά τα περισσότερα από τα έργα του είναι αφιερωμένα στην άγρια \u200b\u200bδύση και τα αγαπημένα βραχώδη βουνά τους. Η συμμετοχή του στην ερευνητική αποστολή σε αυτά τα μέρη και τα σχέδιά της συνέβαλαν στη μετατροπή του Yelouston στο Εθνικό Πάρκο.
John Frederick Kensett (1816-1872), ένας εκπρόσωπος της "γρίλιωσης" * στην αμερικανική ζωγραφική τοπίου "Σχολή του ποταμού Hudson". Έλαβε την πρώτη του εκπαίδευση της τέχνης στον πατέρα του, που εργάστηκε στο εργαστήριο χάραξης, αλλά ονειρευόταν να γράφει τοπία.
Πηγαίνει στην Αγγλία, στη συνέχεια στη Γαλλία, θαυμάζει την ολλανδική και την αγγλική ζωγραφική τοπίου, ταξιδεύει στην Ιταλία.
Επιστρέφοντας στην Αμερική, συνεχίζοντας να γράφετε ηρεμία, γεμάτη με καθαρό φως και κατασκευασμένο με εξαιρετικό τρόπο τοπίου, ο Kensett γίνεται δημοφιλής με τους συλλέκτες, την επιτυχία και τον πλούτο.
John F. Francis (1808 -1906), αυτοδίδακτος καλλιτέχνης, ξεκινώντας ως πορτραίτο, είναι γνωστό για τις ακόμα ζωές του.
Ήταν η ζωγραφική πορτρέτου που ξύπνησε το ενδιαφέρον για μικρές λεπτομέρειες σε αυτόν, το οποίο αναπτύχθηκε με επιτυχία στα έργα του.
Η νεκρή φύση ήταν δημοφιλής εκείνη τη στιγμή, οι πίνακες του Francis ήταν σε ζήτηση, έγινε κορυφαίος καλλιτέχνης στο είδος του "τραπέζι" νεκρή φύση, που απεικονίζει φρούτα, καρύδια, τυρί, μπισκότα και άλλα προϊόντα.
Ο Martin Johnson έκρυψε. (1819-1904), που γεννήθηκε στην οικογένεια του αποθηκευτή, άρχισε,
Ταξίδεψε στην Ευρώπη, χτύπησα από τις αμερικανικές ακτές. Μετά από ταξίδια στα τροπικά, τα τοπία της Φλόριντα έγιναν τα κύρια θέματα των έργων του,
Τροπικά πουλιά (μόνο με τα κολίβια περίπου 40 έργα ζωγραφικής) και λουλούδια, ειδικά τη μανόλια.
Δεν έγινε αναγνωρισμένος και διάσημος καλλιτέχνης στη ζωή, αλλά σήμερα το έργο του μπορεί να βρεθεί στα μεγαλύτερα μουσεία και μερικές φορές ακόμη και σε γκαράζ και αγορές ψύλλων.
Thomas ikins (1844-1916), ένας από τους ιδρυτές της ρεαλιστικής κατεύθυνσης, του ζωγράφου, του προγράμματος, γλύπτη, φωτογράφος, δάσκαλος,
Ένας από τους πρώτους που απευθύνεται στην εικόνα της πόλης της Αμερικής. Εκπαιδεύτηκε στη Φιλαδέλφεια, τον συνέχισε στο Παρίσι, ταξίδεψε στην Ευρώπη, θαύμαζε τα έργα των ισπανικών πλοιάρχων του Realisti Velasquez και του Rever, την επίδραση του φωτός και της σκιάς στο Rembrandt.
Ήταν γι 'αυτούς ότι έμαθε να απεικονίζει το γυμνό σώμα σε κίνηση, το δράμα του τι συμβαίνει, να αντιταχθεί στο σκοτεινό εσωτερικό στο πορτρέτο του έντονου φωτός που στοχεύει στο πρόσωπο και το σχήμα.
Κάτω από τη ζωή του Ikins, δεν έλαβε μεγάλη αναγνώριση, αλλά αργότερα οι απόγονοι εκτιμούσαν το ρεαλιστικό στυλ του.
Winslow Όμηρος (1838-1910), ένα εξαιρετικό αμερικανικό χρωστικό τοπίο και χαράζεις, ο οποίος εργάστηκε σε ρεαλιστικό ύφος.
Έλαβε μια αρχική καλλιτεχνική εκπαίδευση από τη μητέρα που έγραψε ταλαντούχους ακουαρέλες από αυτήν, κληρονόμησε τη ζωντανή κοινωνικότητα και την αίσθηση του χιούμορ. Ξεκίνησε την καριέρα του από τα γραφικά, εργάστηκε ως εικονογράφος για 20 χρόνια, κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου που έκανε σκίτσα και σχέδια για τον πόλεμο και τις συνέπειές του, με βάση τις οποίες αργότερα δημιούργησαν εικόνες.
Λίγο μετά τον πόλεμο, ο Όμηρος πηγαίνει στο Παρίσι, συνεχίζει να γράφει τοπία και σκηνές αστικής ζωής, το έργο του κοντά στο σχολείο Barbizon. Παρόλο που χρησιμοποιεί το ενεργό παιχνίδι του φωτός στους πίνακές του, χαρακτηριστικό των ιμπρεσιονιστών, δεν υπάρχουν ενδείξεις για την επιρροή τους στο έργο του, έχει ήδη αναπτύξει το ανεξάρτητο ύφος του μέχρι τότε.
Η μεγαλύτερη φήμη έφερε εικόνες θαλάσσιων θεμάτων,
Σκηνές από την αγροτική ζωή και από ένα ταξίδι στην Αγγλία έφερε ζωγραφιές, μιλώντας για τη ζωή των αλιευτικών χωριών, των θαλάσσιων τοπίων και των ακουαρέλων.
Ταξιδεύει πολλά στις Ηνωμένες Πολιτείες και την Κεντρική Αμερική, σχεδιάζοντας τροπικά και χιονισμένα τοπία, παιδιά και ζώα. Πιστεύεται ότι ο Όμηρος ήταν μία από τις γενιές αυτών των καλλιτεχνών που δημιούργησαν τη δική τους καλλιτεχνική αμερικανική σχολή.
James Whistler (1834-1903), που γεννήθηκε στην οικογένεια του διάσημου μηχανικού,
Στις οκτώ ηλικίας, μετακόμισε με τους γονείς του στην Αγία Πετρούπολη, όπου ο πατέρας του προσκλήθηκε να εργαστεί στη διαχείριση του σιδηροδρόμου. Εκεί, ο νεαρός Whistler έλαβε πρώτα τα ιδιωτικά μαθήματα σχεδίασης και στην ηλικία των 11 εισήλθε στην αυτοκρατορική Ακαδημία Τεχνών. Για κάποιο χρονικό διάστημα ζούσε στο Λονδίνο με τη μητέρα της, συνεχίζοντας να μαθαίνει την τέχνη, να σχεδιάσει και να συλλέξει βιβλία για τη ζωγραφική.
Μετά το θάνατο της χολέρας του πατέρα, η οικογένεια του Whistler επέστρεψε στην Αμερική, ζούσε μέτρια και εισήλθε στη στρατιωτική ακαδημία στο West-Point, αλλά ούτε φυσικά ούτε εξωτερικά, ούτε ήταν έτοιμος για μια στρατιωτική καριέρα και αφαιρέθηκε. Ταυτόχρονα, αποφασίστηκε σθεναρά ότι η τέχνη θα ήταν το μέλλον του, άρχισε να δημιουργεί χαρακτικά, πήγε στο Παρίσι και ποτέ δεν επέστρεψε στην πατρίδα του. Εκεί, ο Whistler ενοικιάστηκε ένα στούντιο στη Λατινική συνοικία, οδήγησε μια Βοημία ζωή, καπνίστηκε πολύ και έπινε, αλλά έγραψε επίσης αντίγραφα από τις εικόνες των μεγάλων δασκάλων στο Λούβρο για κέρδη, μελέτησε την τέχνη, λατρευόμενη Kurba και Coro, Γενικά Ανατολική Τέχνη.
Μετά τη μετάβαση στο Λονδίνο και την επιτυχημένη συμμετοχή στην έκθεση, ο Whistler σύντομα έκανε το όνομά του όχι μόνο ως καλλιτέχνης, αλλά και απέκτησε πολλούς φίλους στο περιβάλλον καλλιτεχνών και συγγραφέων λόγω του πνεύματός του, της ικανότητας να ντύσει και γενναιοδωρία. Ταξίδεψε πολλά για να μελετήσει το έργο των Μεγάλων Δασκάλων και να γράψει έργα ζωγραφικής, από το 1869 άρχισαν να υπογράψουν τις φωτογραφίες του ενός μονόγραμμα-πεταλούδα, που αποτελείται από τα αρχικά του.
Τα αγαπημένα του λουλούδια είναι γκρίζα, μαύρα και καφέ. Ο Whistler κήρυξε "τέχνη για χάρη της τέχνης", καθαρή, μη επιβαρυμένη με ιδέες, με αποτέλεσμα τα καλλιτεχνικά συναισθήματα, όχι τα συναισθήματα, και συχνά έδωσε τα έργα τους μουσικά ονόματα.
Πιστεύεται ότι ήταν κοντά στον ιμπρεσιονισμό στη διάθεση στους πίνακές του, αλλά όχι σε έγχρωμο σχήμα και φωτεινά εφέ.
Στην προτεινόμενη παρουσίαση διαφανειών μπορείτε να δείτε περισσότερες φωτογραφίες όλων των καλλιτεχνών που αναφέρονται.
Τέλος, πήγα στο αγαπημένο μου θέμα - "ιμπρεσιονιστές", αλλά αυτή είναι η επόμενη φορά. Συνεχίζεται.
* Lulinal - κατεύθυνση στην αμερικανική ζωγραφική τοπίου, χαρακτηρίζεται από κορεσμό με το φως, χρησιμοποιώντας την προοπτική του αέρα και την απόκρυψη ορατών επιχορηγήσεων. (
Κάθε χώρα έχει τους δικούς της ήρωες της πραγματικής τέχνης, των οποίων τα ονόματα για ακρόαση, των οποίων οι εκθέσεις συλλέγουν πλήθη ανεμιστήρες και περίεργοι και εργασίες - διαφωνώ σε ιδιωτικές συλλογές.
Σε αυτό το άρθρο θα σας παρουσιάσουμε στους πιο δημοφιλείς σύγχρονους καλλιτέχνες των Ηνωμένων Πολιτειών.
Iva Morris (Iva Morris)
Ο Αμερικανός καλλιτέχνης IVa Morris γεννήθηκε σε μια μεγάλη οικογένεια μακριά από την τέχνη και την τέχνη της εκπαίδευσης που έλαβε μετά το σχολείο. Bachelor στην τέχνη, έγινε στο Πανεπιστήμιο του Νέου Μεξικού το 1981. Σήμερα, η IVA ασχολείται με τέχνη για περισσότερα από 20 χρόνια, τα έργα της είναι γνωστά τόσο στην πατρίδα τους όσο και πέρα \u200b\u200bαπό αυτήν και επανειλημμένα έφεραν τα βραβεία και τις ανταμοιβές της. Μπορούν να βρεθούν στη Γκαλερί Albuquerque, Santa Fa, Νέο Μεξικό, Μαδρίτη.
Warren Chang (Warren Chang)
Ο καλλιτέχνης Urne Cheng γεννήθηκε το 1957 στην Καλιφόρνια, έλαβε πτυχίο Bachelor στη ζωγραφική στη ζωγραφική στο Pasaden College και τα επόμενα 20 χρόνια εργάστηκε ως εικονογράφος για διάφορες εταιρείες, ξεκινώντας μια επαγγελματική καριέρα του καλλιτέχνη μόνο το 2009. Ο τρόπος ζωγραφικής του Changa είναι ρίζες στο έργο του καλλιτέχνη του 16ου αιώνα Yana Vermeer - Warren Chang λειτουργεί με ρεαλιστικό τρόπο, δημιουργώντας δύο κύριες κατηγορίες: βιογραφικό εσωτερικό και πίνακες που απεικονίζουν εργαζόμενους. Αυτή τη στιγμή διδάσκει στην Ακαδημία Τεχνών στο Σαν Φρανσίσκο.
Christopher Taedy Ulrich)
Ο καλλιτέχνης από το Λος Άντζελες Christopher Ulrich είναι ένας σουρεαλιστής με μια εικονογραφική προκατάληψη. Η δημιουργικότητά του είχε μια τεράστια επιρροή της αντίκες μυθολογίας. Η πρώτη προσωπική έκθεση Ulrich (από κοινού με τον καλλιτέχνη Billy Wider) πραγματοποιήθηκε τον Ιούνιο του 2009.
Ο Michael Devore
Ένας νεαρός καλλιτέχνης, ένας ντόπιος της Οκλαχόμα-της πόλης Michael Devor εργάζεται σε μια κλασική ρεαλιστική παράδοση. Ήρθε στην τέχνη με βοήθεια και με την υποστήριξη της οικογένειάς του, και πριν ξεκινήσει η μελέτη της εικαστικής τέχνης στο Πανεπιστήμιο του Pepperdine στο Malibu κέρδισε πολλά βραβεία στην μητρική κατάσταση. Επιπλέον, ο καλλιτέχνης συνέχισε τις σπουδές του στην Ιταλία. Επί του παρόντος, το έργο του είναι σε όλο τον κόσμο και είναι σε ιδιωτικές συλλογές. Ο Michael Delor είναι μέλος των ελαιοτριβείων της Αμερικής, τη διεθνή συντεχνία του ρεαλισμού, της Εθνικής Εταιρείας καλλιτεχνών πετρελαίου και ακρυλικής και κοινωνίας καλλιτεχνών των πορτραίτων της Αμερικής.
Mary Carol Kenney (Mary Carol Kenney)
Η Mary Carol Kenny γεννήθηκε στην Ιντιάνα το 1953. Η εκπαίδευση συνδέεται πολύ εξ αποστάσεως με την εικαστική τέχνη, αλλά από το 2002, η μετακίνηση της επιθυμίας να γίνει καλλιτέχνης, άρχισε να παίρνει τα μαθήματα γλυπτικής και κεραμικής στο City College of Santa Barbara, και αφού άρχισε να μελετάει στο Rick του εγκεφαλικού επεισοδίου . Μέχρι σήμερα, ένα μέλος της Art Art Santa Barbara, η συντεχνία των γλύπτων της Σάντα Μπάρμπαρας και ο ιδιοκτήτης πολλών βραβείων στη γλυπτική και τη ζωγραφική.
Patricia Watwood (Patricia Watwood)
Ο καλλιτέχνης-ρεαλιστής Patricia Avava γεννήθηκε το 1971 στο κράτος του Μισσούρι. Αποφοίτησε με τιμητές από την Ακαδημία Τέχνων, που σπούδασε στο εργαστήριο Jacob Collins και Ted Set Jacobs. Το ύφος του καλλιτέχνη είναι ο σύγχρονος κλασσικός χαρακτήρας: η μυθολογία, η αλληγορία και η σύγχρονη ζωή είναι βρύση στις ζωγραφιές. Τα τελευταία χρόνια, η Patricia διαβάζει διαλέξεις στον κλασικισμό σε όλη τη χώρα, τώρα ζει με την οικογένειά του στο Μπρούκλιν.
Paula Rubino (Paula Rubino)
Paula Rubino - Ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης και ένας συγγραφέας - Γεννήθηκε το 1968 στο New Jersey, μεγάλωσε στη Φλόριντα. Έχει διδακτορικό δίπλωμα. Στη δεκαετία του '90 μεταφέρθηκε στο Μεξικό και επικεντρώθηκε στη ζωγραφική. Σπούδασε την τέχνη της σχεδίασης στην Ιταλία, τελείωσα επίσης το πρώτο μου μυθιστόρημα. Δημοσίευσε επίσης μια σειρά από τις ιστορίες της. Αυτή τη στιγμή ζει στη Φλόριντα.
Patssi Valdez (Patssi Valdez)
Ο Patsy Valdez γεννήθηκε στο Λος Άντζελες το 1951, μελέτησε την οπτική τέχνη στο Ινστιτούτο της Τέχνης Otis, όπου έλαβε τον τίτλο ενός εξαιρετικού πτυχιούχου του 1980. Το 2005, ο Valdez έλαβε ένα βραβείο και τίτλο "Λατίνα Αριστείας στις πολιτιστικές τέχνες" από το Κογκρέσο των ΗΠΑ του Φόρουμ Λατινικής Αμερικής. Έγινε γνωστό στο πρώιμο στάδιο της καριέρας του ενώ εργάζεστε με την ομάδα Asco Avant-Garde Art. Πρόκειται για ένα βραβευμένο πολλών βραβευμένων βραβείων, συμπεριλαμβανομένων των εικαστικών τεχνών που απονέμεται από το Ίδρυμα Στόχων, ο J. Paul Ghetti, το Εθνικό Ίδρυμα Τεχνών. Έλαβε υποτροφία του Brody στον τομέα των εικαστικών τεχνών. Οι ζωγραφιές του Waldes αποτελούν μέρος αρκετών μεγάλων συλλογών.
Cynthia Grilli (Cynthia Grilli)
Ο καλλιτέχνης Cynthia έλαβε πτυχίο Bachelor στο σχολείο σχεδιασμού του Geniland το 1992 και μέχρι το 1994 - και το μεταπτυχιακό δίπλωμα στη ζωγραφική στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης. Τα έργα της δημοσιεύθηκαν σε πολυάριθμες εκτυπώσεις, που εκτίθενται σε ολόκληρη τη χώρα και περιλαμβάνονται σε ιδιωτικές και εταιρικές συλλογές της Αμερικής και της Ευρώπης. Η Cynthia είναι ένας διπλή νικητής του Ίδρυμα Elizabeth Greenshilds.
Eric Fishl (Eric Fischl)
Ο Eric Phicel γεννήθηκε στη Νέα Υόρκη το 1948. Το 1972 αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Τέχνης της Καλιφόρνιας και έλαβε πτυχίο Bachelor. Μετά το ζήτημα, εργάστηκε ως φρουρός ασφαλείας στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Σικάγο. Η μετακίνηση στη Σκωτία Η Phicela άρχισε να διδάσκει στο Κολλέγιο Τέχνης και Σχεδιασμού της Νέας Σκωτίας και πήρε άμεσα τη ζωγραφική. Στη Σκωτία έλαβε χώρα η πρώτη προσωπική του έκθεση. Τα είδη του έργου του είναι πολύ διαφορετικές, αλλά κυρίως είναι εικονιστική ζωγραφική, επεισόδια από τη σύγχρονη αμερικανική ζωή.
Alena vannyaeva
Η αμερικανική ζωγραφική τοπίου του δέκατου ένατου αιώνα εκπροσωπήθηκε από δύο κύρια ρεύματα: ρομαντισμό και ρεαλισμό. Με την προσχώρηση στις Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής, νέα εδάφη, μεταξύ άλλων με την προώθηση των μεταναστών στη Δύση, οι καλλιτέχνες άνοιξαν και προηγουμένως άγνωστους ορίζοντες για έμπνευση. Μια εικόνα της αμερικανικής φύσης και η εθνική του πρωτοτυπία έγινε το κύριο θέμα στην τέχνη του τοπίου.
Ένα από τα πιο διάσημα και επιρροή σχολεία της ζωγραφικής των ΗΠΑ τον δέκατο ένατο αιώνα ήταν η Σχολή του ποταμού Hudson, που σχηματίστηκε στη δεκαετία του 1850 από τους οπαδούς του καλλιτέχνη καλλιτέχνη-τοπίου του Thomas Cowla (η άνθηση της δημιουργικότητάς του έπεσε στις 20 -40s του 19ου αιώνα). Βασικά, το σχολείο περιελάμβανε καλλιτέχνες από την Εθνική Ακαδημία Τεχνών της Νέας Υόρκης, καθώς και άλλες δημιουργικές ενώσεις. Στον καμβά των καλλιτεχνών της Σχολής Hudsan και το αισθητικό τους όραμα του κόσμου επηρέασαν τη ρομαντική πορεία στην τέχνη. Το κύριο κίνητρο της δημιουργικότητας πάνω από 50 αντιπροσώπους ήταν η εικόνα της άγριας ζωής της Αμερικής, που συχνά εμφανίζεται στο ιδεαλιστικό φως. Τις περισσότερες φορές, τα αντικείμενα της εικόνας έγιναν κοιλάδα Hudson και κοντινά εδάφη καθώς και βουνά. Το σχολείο Hudson μάλλον ενημέρωσης που εμπνέεται από τη συνολική ιδέα από ό, τι ήταν εκπαιδευτικό ίδρυμα.
Εικόνες των καλλιτεχνών της Σχολής του ποταμού Hudson απεικονίστηκαν όχι μόνο την ομορφιά της αμερικανικής φύσης, αλλά είχε επίσης ένα συγκεκριμένο θεματικό χαρακτήρα. Στους καμβά που απεικονίζουν σκηνές ανακάλυψης, έρευνας, οικισμού της αμερικανικής ήπειής. Ένα από τα χαρακτηριστικά της εικόνας του αμερικανικού τοπίου ήταν απίστευτα αρμονική, ειρηνική συνύπαρξη του ανθρώπου και της φύσης. Στα έργα των καλλιτεχνών, η φύση απεικονίστηκε ως πρότυπο καθαρότητας και παρθενίας, υπογραμμίστηκε η θεότητα της καταγωγής της.
Ο Albert Bierstadt (1830-1902) και η εκκλησία Frederick Edwin (1826-1902) θεωρούνται οι πιο σημαντικοί καλλιτέχνες της Σχολής του ποταμού Gondoon (1830-1902).
Μεταξύ των πιο καταπληκτικών και διάσημων καμβάδων που γράφονται από το μαύρο και έμφαση στη φυσική ομορφιά του νερού, των βουνών και του ουρανού, οι καταρράκτες του Νιαγάρα και η καρδιά των Άνδεων μπορούν να σημειωθούν.
"Falls of Niagara", 1857, Corcoran Gallery της Τέχνης στην Ουάσιγκτον D.C.
"Καρδιά των Άνδεων" 1859, Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης Νέα Υόρκη
Αμερικανός καλλιτέχνης με γερμανικές ρίζες Albert Bierstadt χτύπησε το κοινό με τα ορεινά τοπία του σε τεράστιο καμβά. Ένας από τους πιο εντυπωσιακούς καλλιτέχνες είναι το πανί "Βραχώδη βουνά".
"Τα Βραχώδη Όρη" από τον Albert Bierstadt, 1863, Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη
Στην αντιπολίτευση στην ιδεαλιστική αντίληψη του γύρω κόσμου των καλλιτεχνών της Σχολής Hudsan, η ρεαλιστική τέχνη του Winslow Homer (1836-1910). Σπούδασε επίσης στην Εθνική Ακαδημία Τεχνών, ωστόσο, το θέμα της εικόνας στις καμβά της ήταν η πραγματικότητα των μέντων αιώνα. Κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου των ΗΠΑ (1861-1865), ο Όμηρος ήταν στρατιωτικός καλλιτέχνης. Το γεγονός της συμμετοχής του σε στρατιωτικές επιχειρήσεις επηρέασε την αλήθεια της εικόνας των στρατιωτικών σκηνών. Ένα από τα πιο διάσημα είναι η εικόνα του "αιχμάλωτη από μπροστά". Μετά το τέλος του πολέμου, το U.Homer έγραψε τον καμβά, σχεδίασε την έμπνευση από την καθημερινή ειρηνική ζωή, ωστόσο, βρήκε ενδιαφέρουσες ιστορίες σε αυτό.
"Οι φυλακισμένοι από το μέτωπο" από το W.Homer, 1866, Μητροπολιτικό Μουσείο στη Νέα Υόρκη
Ο δέκατος δέκαος δέκατης αιώνα έφερε με τις σκληρές δοκιμές της για τον αμερικανικό λαό. Ωστόσο, παρά τις δυσκολίες της αναδιοργάνωσης της αμερικανικής κοινωνίας, αγοράστηκαν πολλά. Με τη συμπερίληψη νέων εδαφών, οι άνθρωποι άνοιξαν νέες εκτάσεις και την ομορφιά της Αμερικανικής Γης και τα γεγονότα του εμφυλίου πολέμου παρείχαν στους ανθρώπους με "τρόφιμα σε αντανακλάσεις". Οι εμπειρίες του αμερικανικού λαού δεν μπορούσαν να βρουν την αντανάκλασή τους στην τέχνη. Είναι μάλλον γιατί η αμερικανική ζωγραφική τοπίου στον δέκατο ένατο αιώνα έφτασε στην ακμή του.
Αν νομίζετε ότι όλοι οι σπουδαίοι καλλιτέχνες παρέμειναν στο παρελθόν, τότε δεν μπορείτε να φανταστείτε καν πόση σας λοιπόν. Σε αυτό το άρθρο θα μάθετε για τους πιο διάσημους και ταλαντούχους καλλιτέχνες της εποχής μας. Και πιστέψτε με, το έργο τους θα είναι στη μνήμη σας όχι λιγότερο βαθιά από το έργο του Maestro από τις προηγούμενες εποχές.
Wojciech Babski.
Η Wojca Babski είναι ένας σύγχρονος πολωνός καλλιτέχνης. Αποφοίτησε από τη μελέτη στο Μυρσινό Πολυτεχνείο Ινστιτούτο, αλλά και σχετικών με. Πρόσφατα αντλεί, κυρίως γυναίκες. Εστιάζοντας στην εκδήλωση των συναισθημάτων, επιδιώκει να πάρει όσο το δυνατόν περισσότερο αποτέλεσμα με απλά μέσα.
Αγαπά το χρώμα, αλλά συχνά χρησιμοποιεί αποχρώσεις του μαύρου και του γκρι για να επιτύχει την καλύτερη εντύπωση. Δεν φοβάται να πειραματιστεί με διαφορετικούς νέους τεχνικούς. Πρόσφατα, κερδίζοντας όλο και περισσότερο τη δημοτικότητα στο εξωτερικό, κυρίως στο Ηνωμένο Βασίλειο, όπου με επιτυχία πωλεί τα έργα της, τα οποία μπορούν ήδη να βρεθούν σε πολλές ιδιωτικές συλλογές. Εκτός από την τέχνη, ενδιαφέρεται για την κοσμολογία και τη φιλοσοφία. Ακούει τζαζ. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην πόλη του Κατοβίτσε.
Warren Chang.
Το Warren Chang είναι ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννημένος το 1957 και μεγάλωσε στο Monteree, Καλιφόρνια, με διακρίσεις που αποφοίτησαν από το Κέντρο Τέχνης Σχεδιασμού στο Pasaden το 1981, όπου έλαβε πτυχίο Bachelor σε καλές τέχνες στην περιοχή. Κατά τις επόμενες δύο δεκαετίες, εργάστηκε ως εικονογράφος για διάφορες εταιρείες στην Καλιφόρνια και τη Νέα Υόρκη, πριν το 2009 για να ξεκινήσει μια σταδιοδρομία ενός επαγγελματία καλλιτέχνη.
Οι ρεαλιστικές του πίνακες μπορούν να χωριστούν σε δύο κύριες κατηγορίες: βιογραφικές εσωτερικές εικόνες και πίνακες που απεικονίζουν εργαζόμενους. Το ενδιαφέρον του για έναν τέτοιο τρόπο ζωγραφικής πηγαίνει τις ρίζες του στον καλλιτέχνη του καλλιτέχνη του 16ου αιώνα Jan Vermeer και ισχύει για αντικείμενα, αυτοπροσωπογραφεία, πορτραίτα μέλη της οικογένειας, φίλους, φοιτητές, εσωτερικούς χώρους στούντιο, τάξη και σπίτια. Ο στόχος του είναι να δημιουργήσει τη διάθεση και τα συναισθήματα στους ρεαλιστικούς πίνακές τους χρησιμοποιώντας τη χειραγώγηση του φωτός και τη χρήση των σπειρωμένων χρωμάτων.
Το Chang έγινε γνωστό μετά τη μετάβαση στην παραδοσιακή οπτική τέχνη. Κατά τα τελευταία 12 χρόνια, κέρδισε πολλά βραβεία και επίτιμους τίτλους, το πιο διάσημο από αυτά - Master Υπογραφή από τον Σύνδεσμο καλλιτεχνών από την Αμερική πετρελαίου, τη μεγαλύτερη κοινότητα καλλιτεχνών πετρελαίου στις Ηνωμένες Πολιτείες. Μόνο ένα άτομο από 50, λαμβάνει την ευκαιρία να πάρει αυτό το βραβείο. Επί του παρόντος, ο Warren ζει στο Monteree και εργάζεται στο στούντιό του, διδάσκει επίσης (γνωστό ως ταλαντούχος δάσκαλος) στην Ακαδημία Τεχνών του Σαν Φρανσίσκο.
Aurelio Bruni.
Το Aurelio Bruni είναι ιταλός καλλιτέχνης. Βαρεθεί στην πόλη Bler, 15 Οκτωβρίου 1955. Έλαβε ένα δίπλωμα στην ειδικευμένη γραφική στο Ινστιτούτο Τέχνης στο Spoleto. Ως καλλιτέχνης, είναι αυτοδίδακτος, όπως "ανέθεσε το σπίτι της γνώσης" για το Ίδρυμα που καθορίστηκε στο σχολείο. Το έλαιο ξεκίνησε σε ηλικία 19 ετών. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην Ούμπρια.
Η πρώιμη ζωγραφική του Bruni πηγαίνει τις ρίζες της στον σουρεαλισμό, αλλά με την πάροδο του χρόνου αρχίζει να επικεντρώνεται στην εγγύτητα του λυρικού ρομαντισμού και του συμβολισμού, ενισχύοντας αυτόν τον συνδυασμό εξαιρετικής βελτίωσης και την καθαρότητα των χαρακτήρων του. Κινούμενα και άψυχα αντικείμενα αποκτούν την ισότιμη αξιοπρέπεια και την εμφάνιση, σχεδόν, πολύ, αλλά, ταυτόχρονα, μην κρύβουν πίσω από την κουρτίνα, αλλά σας επιτρέπουν να δείτε την ουσία της ψυχής σας. Η πολύπλευρη και η πολυπλοκότητα, η αισθησιασμός και η μοναξιά, η προσοχή και η καρποφορία είναι το πνεύμα του Aurelio Bruni, τροφοδοτώντας τη μεγαλοπρέπεια της τέχνης και της αρμονίας της μουσικής.
Alekasander Balos.
Ο Alkasander Balos είναι ένας σύγχρονος πολωνός καλλιτέχνης που ειδικεύεται στην περιοχή πετρελαίου. Το 1970 γεννήθηκε στο Gliwice, Πολωνία, αλλά από το 1989 ζει και εργάζεται στις Ηνωμένες Πολιτείες, στην πόλη Shasta της Καλιφόρνιας.
Ως παιδί, σπούδασε την τέχνη υπό την ηγεσία του πατέρα του Yana, αυτο-διδασκαλία και καλλιτέχνη γλύπτη, επομένως, από μια νεαρή ηλικία, η καλλιτεχνική δραστηριότητα έλαβε πλήρη υποστήριξη και από τους δύο γονείς. Το 1989, στην ηλικία των δεκαοκτώ, ο Μπάλος άφησε την Πολωνία στις ΗΠΑ, όπου ο δάσκαλος του σχολείου του και ο καλλιτέχνης με μερική απασχόληση Katie Gaggliadi ώθησε την Αλκαντάρα να εισέλθει σε ένα σχολείο τέχνης. Στη συνέχεια, ο Μπάλος έλαβε μια πλήρη υποτροφία πανεπιστημίου στο Milwaukee Wisconsin, όπου σπούδασε ζωγραφική στον καθηγητή Harry Rosina φιλοσοφία.
Μετά την ολοκλήρωση των μελετών το 1995 και ο βαθμός Bacheloring Balos μετακόμισε στο Σικάγο για να εγγραφεί στο σχολείο στη Σχολή Καλών Τέχνης, των οποίων οι μέθοδοι βασίζονται στο έργο του Jacques-Louis David. Ο εικονικός ρεαλισμός και η ζωγραφική πορτρέτου αποτελούσαν τα περισσότερα έργα του Μπάλου στη δεκαετία του '90 και τις αρχές της δεκαετίας του 2000. Σήμερα, ο Μπάλος χρησιμοποιεί ανθρώπινη φιγούρα για να τονίσει τα χαρακτηριστικά και να δείξει τις ελλείψεις του ανθρώπου, χωρίς να προτείνει, ενώ δεν υπάρχουν αποφάσεις.
Οι συνθέσεις οικόπεδο των έργων του προορίζονται να ερμηνεύονται ανεξάρτητα από τον θεατή, μόνο τότε ο καμβάς θα αποκτήσει την αληθινή προσωρινή και υποκειμενική σημασία τους. Το 2005, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στη Βόρεια Καλιφόρνια, από τότε το θέμα του έργου του έχει επεκταθεί σημαντικά και τώρα περιλαμβάνει πιο ελεύθερες μεθόδους ζωγραφικής, συμπεριλαμβανομένης της αφαίρεσης και των διαφόρων μορφών πολυμέσων, βοηθώντας να εκφράσουν ιδέες και ιδεώδη να είναι μέσω της ζωγραφικής.
Alyssa μοναχοί.
Η Alissa Monsx είναι ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννημένος το 1977, στο Ridgewood, New Jersey. Άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική όταν ήταν ακόμα παιδί. Σπούδασε στο νέο σχολείο στη Νέα Υόρκη και το κρατικό πανεπιστήμιο του Monkler και αποφοίτησε από το Boston College το 1999, έλαβε ένα πτυχίο Bachelor. Την ίδια στιγμή, σπούδασε ζωγραφική στην Ακαδημία Lorenzo Medici στη Φλωρεντία.
Στη συνέχεια συνέχισε να μελετά το πρόγραμμα στο μεταπτυχιακό δίπλωμα στη Νέα Υόρκη Ακαδημία Τέχνης, στο Τμήμα Εικονικής Τέχνης, αποφοίτησε από το 2001. Το 2006, αποφοίτησε από το Κολλέγιο Fullerton. Για κάποιο χρονικό διάστημα διδάσκω σε πανεπιστήμια και εκπαιδευτικά ιδρύματα σε ολόκληρη τη χώρα, δίδαξε ζωγραφική στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης, καθώς και το κρατικό πανεπιστήμιο του Monkler και το κολλέγιο της Ακαδημίας Τεχνών Laima.
"Χρησιμοποιώντας φίλτρα, όπως γυαλί, βινύλιο, νερό και ατμό, παραμορφώνω το ανθρώπινο σώμα. Αυτά τα φίλτρα καθιστούν δυνατή τη δημιουργία μεγάλων περιοχών αφηρημένης σχεδίασης, με νησιά με βλεφαρίδες μέσω αυτών - μέρη του ανθρώπινου σώματος.
Οι πίνακές μου αλλάζουν μια μοντέρνα ματιά στις ήδη καθιερωμένες, παραδοσιακές θέσεις και χειρονομίες κολυμβητικών γυναικών. Θα μπορούσαν να πούμε πολλά για τον προσεγμένο θεατή για τέτοιες, φαινόταν, φυσικά, καθώς και τη χρήση κολύμβησης, χορού και ούτω καθεξής. Οι χαρακτήρες μου πιέζονται ενάντια στο γυάλινο παράθυρο της καμπίνας ντους, στρέβλωση του σώματος του, συνειδητοποιώντας ότι επηρεάζουν έτσι το διαβόητο αρσενικό κοιτάξτε τη γυμνή γυναίκα. Τα παχιά στρώματα της βαφής αναμιγνύονται έτσι ώστε από μακριά για να μιμηθεί γυαλί, ζευγάρι, νερό και σάρκα. Ωστόσο, οι εκπληκτικές φυσικές ιδιότητες της βαφής πετρελαίου γίνονται προφανείς. Πειραματιστείτε με στρώματα χρωμάτων και χρώματος, βρίσκω τη στιγμή που τα αφηρημένα εγκεφαλικά επεισόδια γίνονται κάτι άλλο.
Όταν μόλις άρχισα να σχεδιάζω ένα ανθρώπινο σώμα, ήμουν αμέσως γοητευμένος και ακόμη και έγινε εμμονή και σκέφτηκα ότι έπρεπε να κάνω τις ζωγραφιές μου όσο το δυνατόν ρεαλιστικές. Εγώ "ομολόγησε" ρεαλισμό μέχρι να άρχισε να ξεδιπλώνεται και να ανοίξει αντιφάσεις στον εαυτό της. Τώρα διερευνώ τις δυνατότητες και το δυναμικό του επιστολής, όπου υπάρχει αντιπροσωπευτική ζωγραφική και αφαίρεση - εάν και τα δύο στυλ μπορούν να συνυπάρχουν ταυτόχρονα, θα το κάνω ".
Antonio Finelli.
Ιταλός καλλιτέχνης - " Παρατηρητής του χρόνου"- Ο Antonio Finelli γεννήθηκε στις 23 Φεβρουαρίου 1985. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην Ιταλία μεταξύ Ρώμης και Campobasso. Τα έργα του εκτέθηκαν σε αρκετές γκαλερί στην Ιταλία και στο εξωτερικό: Ρώμη, Φλωρεντία, Νόβαρα, Γένοβα, Παλέρμο, Κωνσταντινούπολη, Άγκυρα, Νέα Υόρκη, μπορεί επίσης να βρεθεί σε ιδιωτικές και κρατικές συλλογές.
Σχέδια μολύβι " Παρατηρητής χρόνου"Ο Antonio Phinelli μας στέλνει σε ένα αιώνιο ταξίδι μέσα από τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπινου προτύπου και σχετίζεται με μια σχολαστική ανάλυση αυτού του κόσμου, το κύριο στοιχείο του οποίου θα περάσει μέσα από το χρόνο και τα ίχνη που τους εφαρμόζονται.
Η Finelli γράφει πορτρέτα ανθρώπων οποιασδήποτε ηλικίας, φύλου και ιθαγένειας, οι εκφράσεις των προσώπων των οποίων μαρτυρούν να περάσουν χρόνο, ο καλλιτέχνης ελπίζει να βρει αποδείξεις για τη μεροληψία του χρόνου στα όργανα των χαρακτήρων τους. Ο Αντόνιο καθορίζει τα έργα του από ένα, κοινό όνομα: "αυτοπροσωπογραφία", επειδή στα σχέδια μολύβι του, δεν απεικονίζει απλά ένα άτομο, αλλά επιτρέπει στον θεατή να εξετάσει τα πραγματικά αποτελέσματα του περάσματος του χρόνου μέσα σε ένα άτομο.
Flaminia Carloni.
Ο Flaming Karloni είναι ένας Ιταλός καλλιτέχνης 37ος, κόρη ενός διπλωμάτη. Έχει τρία παιδιά. Δώδεκα χρόνια ζούσαν στη Ρώμη, τρία χρόνια στην Αγγλία και τη Γαλλία. Έλαβε ένα δίπλωμα στον τομέα της ιστορίας της τέχνης στη Σχολή Τέχνης BD. Στη συνέχεια έλαβε ένα δίπλωμα στο Ειδικό Εργαστήριο Επαναφορά Τέχνης. Πριν βρει την κλήση σας και αφιερώστε εντελώς τον εαυτό σας στη ζωγραφική, εργάστηκε ως δημοσιογράφος, χρωματιστής, σχεδιαστής, ηθοποιός.
Το πάθος για τη ζωγραφική στο φλαμίνιο έχει προκύψει στην παιδική ηλικία. Το κύριο περιβάλλον του είναι το πετρέλαιο, επειδή αγαπά "Coiffer La Pate" και επίσης παίζει με το υλικό. Παρόμοιος εξοπλισμός, έμαθε στα έργα του καλλιτέχνη Pascal Torya. Το Flaming εμπνέεται από τους μεγάλους δασκάλους της ζωγραφικής, όπως το Baltuse, Hopper και Francois Legran, καθώς και διάφορες καλλιτεχνικές κινήσεις: την τέχνη του δρόμου, τον κινέζικο ρεαλισμό, τον σουρεαλισμό και την πραγματοποίηση της Αναγέννησης. Ο αγαπημένος της καλλιτέχνης Caravaggio της. Το όνειρό της να ανοίξει τη θεραπευτική δύναμη της τέχνης.
Denis Chernov.
Ο Denis Chernov είναι ένας ταλαντούχος ουκρανικός καλλιτέχνης, που γεννήθηκε το 1978 στο Sambor, περιοχή Lviv, Ουκρανία. Μετά το τέλος του σχολείου τέχνης του Χάρκοβο το 1998, παρέμεινε στο Χάρκοβο, όπου ζει σήμερα και εργάζεται. Σπούδασε επίσης στην Ακαδημία Σχεδιασμού και Τεχνών του Χάρκοβο, το Τμήμα Διάγραμμα, αποφοίτησε από αυτό το 2004.
Συμμετέχει τακτικά στις εκθέσεις τέχνης, τη στιγμή που έλαβαν χώρα περισσότερο από εξήντα, τόσο στην Ουκρανία όσο και στο εξωτερικό. Τα περισσότερα από τα έργα του Denis Chernov αποθηκεύονται σε ιδιωτικές συλλογές στην Ουκρανία, τη Ρωσία, την Ιταλία, την Αγγλία, την Ισπανία, την Ελλάδα, τη Γαλλία, τις ΗΠΑ, τον Καναδά και την Ιαπωνία. Ορισμένα έργα πωλήθηκαν στο Christis.
Η Denis λειτουργεί σε ένα ευρύ φάσμα γραφικών και γραφικών τεχνικών. Πίνακες με ένα μολύβι - Μια από τις πιο αγαπημένες μεθόδους ζωγραφικής, ο κατάλογος των θεμάτων των σχεδίων μολυβιού είναι επίσης πολύ διαφορετικός, γράφει τοπία, πορτραίτα, γυμνά, συνθέσεις είδους, εικονογραφήσεις βιβλίων, λογοτεχνική και ιστορική ανασυγκρότηση και φαντασία.
Το 1776, η Αμερική διακήρυξε την ανεξαρτησία της και από εκείνη την εποχή αρχίζει στην πραγματικότητα την ανάπτυξη των εθνικών εικαστικών τεχνών, ο οποίος προοριζόταν να προβάλει την ιστορία της χώρας.
Καλλιτέχνες του XVIII αιώνα. Οι περισσότεροι από αυτούς ήταν αυτοδίδητοι και ιδρύθηκαν στο ύφος της βρετανικής τέχνης.
Και στο XIX αιώνα. Το πρώτο σχολείο ζωγραφικής δημιουργήθηκε ήδη - το σχολείο του ποταμού Hudson.
Σχολή ποταμού Hudson
Το σχολείο του ποταμού Hudson είναι η λεγόμενη ομάδα αμερικανικών καλλιτεχνών χρωμάτων. Η δημιουργικότητά τους αναπτύχθηκε με το στυλ του ρομαντισμού. Οι εικόνες απεικονίζουν την κοιλάδα του ποταμού Hudson και το περιβάλλον της. Οι καλλιτέχνες απεικονίζουν πιο συχνά την άγρια \u200b\u200bφύση της Αμερικής και αμφισβήτησαν τη σκοπιμότητα της τεχνικής προόδου.
Thomas Cole "Oksbow" (1836). Μητροπολιτικό Μουσείο (Νέα Υόρκη)
Το σχολείο του ποταμού Hudson δεν ήταν ένα ομοιογενές φαινόμενο στη ζωγραφική εκείνης της εποχής: για παράδειγμα, υπήρχε ένα υποκατάστημα στο στυλ του ιμπρεσιονισμού, το οποίο κλήθηκε Αρμοδιότητα. Η αρμοδιότητα έδωσε μεγάλη προσοχή στην αντίληψη του καλλιτέχνη του φωτός. Από τον ιμπρεσιονισμό, ο Luming διακρίνεται από το γεγονός ότι είναι μεγαλύτερη προσοχή στις λεπτομέρειες, γίνεται κρυμμένο επίχρισμα. Αλλά γενικά αυτά τα δύο στυλ είναι παρόμοια.
Fitz Henry Lane "πλοίο στο Tuman" (1860)
Ο ιδρυτής του σχολείου ήταν ο καλλιτέχνης Thomas Cole. Προφεύει στον ποταμό Gudson το φθινόπωρο του 1825. Στη συνέχεια, ο Ashecher Brown Durand τον εντάχθηκε. Άλλοι σχολικοί καλλιτέχνες:
Albert Birstadt
John William Casiller
Εκκλησία Frederick Edwin
Thomas cole
Samuel Kolmen.
Jasper Francis Kropsi.
Thomas Dobouti
Robert scott dancançon
Senford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedi Dr.
Η ζωγραφική των καλλιτεχνών της Σχολής Hudsosphere ήταν απλά απλότητα.
Thomas Cole (1801-1848)
Ο Thomas Cole γεννήθηκε στην Αγγλία. Το 1818, η οικογένειά του μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες. Τα επαγγέλματα του ASE COLE έλαβε έναν αδέσποτο καλλιτέχνη-πορτρέτο Stein. Αλλά η ζωγραφική πορτρέτου δεν ήταν επιτυχής γι 'αυτόν, και άρχισε να γράφει τοπία. Αυτός και οι αλληγορουργικοί πίνακες ήταν σε θέση, για παράδειγμα, μια σειρά από "ταξιδιωτική ζωή", που αποτελείται από εικόνες των τεσσάρων περιόδων της ανθρώπινης ζωής: παιδική ηλικία, νεολαία, ωριμότητα και γήρας. Αυτός ο κύκλος αποθηκεύεται στην Εθνική Πινακοθήκη (Ουάσιγκτον, ΗΠΑ)
Τ. Cole "παιδική ηλικία"
Στην πρώτη εικόνα, ο καλλιτέχνης απεικόνισε ένα παιδί σε μια βάρκα που επιπλέει κατά μήκος του ποταμού της ζωής. Αυτό το σκάφος διαχειρίζεται ένας άγγελος, επειδή Το παιδί δεν είναι ακόμα ικανό για ανεξαρτησία. Ο ορίζοντας του, όπως και στην εικόνα, είναι περιορισμένη. Η φιγούρα στη μύτη του σκάφους κατέχει κλεψύδρα, συμβολίζοντας το χρόνο.
Τ. Cole "Νεολαία"
Το ίδιο σκάφος, αλλά έχει ήδη έναν νεαρό άνδρα. Έχει ήδη διαχειριστεί το σκάφος ανεξάρτητα, αλλά ο άγγελος δεν τον αφήνει ούτως ή άλλως - τον παρακολουθεί από την ακτή.
Ο Άγγελος συνεχίζει να παρακολουθεί έναν άνδρα, αλλά βυθίζεται στα προβλήματά του που την ξεπερνούν - τονίζει τη ζοφερή γεύση των έργων ζωγραφικής, δέντρων, τρεμούλλινων καταιγίδων ...
Τ. COLE "Γήρας"
Και τώρα η διαδρομή ζωής του ανθρώπου έρχεται στο τέλος. Τα σχήματα με το ρολόι άμμου στο σκάφος δεν είναι πλέον - ο χρόνος της γήινης ζωής ολοκληρώνεται. Και το σκάφος είναι όλοι οι σπόροι ...
Ο φύλακας άγγελος τον πήγε να κατευθύνει τη μελλοντική του πορεία στον κόσμο των άλλων, και άλλοι άγγελοι ήταν ορατές. Ο Cole δήλωσε έτσι για αυτή τη ζωγραφική: "Η τοποθέτηση της σωματικής ύπαρξης εξαφανίζεται και το μυαλό είναι ήδη σε θέση να δει τις αλιευτικές αιώνιες της αιώνιας ζωής".
Winslow Όμηρος (1836-1910)
Φωτογραφία 1880
Αμερικανός καλλιτέχνης και πρόγραμμα, ιδρυτής ρεαλιστικής ζωγραφικής. Το πιο διάσημο για τα θαλάσσια τοπία τους. Έγραψε το πετρέλαιο και την ακουαρέλα. Η δημιουργικότητά του επηρέασε όλη τη μεταγενέστερη ανάπτυξη της αμερικανικής ζωγραφικής.
Ο Όμηρος γνώρισε την επίδραση διαφόρων καλλιτεχνικών ροών, αλλά βασίστηκε κυρίως σε καθαρά αμερικανικά οικόπεδα.
Η ζωγραφική πρόωρη περίοδος - το φως και η γαλήνια, και για την τελευταία περίοδο χαρακτηρίζονται από σκοτεινούς τόνους και τραγικά θέματα.
W. Όμηρος "Σήμα ομίχλης". Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης (ΗΠΑ)
Το θέμα της εικόνας είναι ένας αγώνας ενός ατόμου με τη θάλασσα, τον λόγο της εύθραυσιας ανθρώπινης ζωής και της αιώνιας φύσης.
Thomas Kaupertuit Ikins (Eykins) (1844-1916)
Αμερικανός καλλιτέχνης, φωτογράφος, δάσκαλος, ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της αμερικανικής ρεαλιστικής ζωγραφικής.
Τ. Ikins. Αυτοπροσωπογραφία (1902)
Αποφοίτησε από την Πενσυλβανική Ακαδημία Καλών Τεχνών, βελτίωσε περαιτέρω τις δεξιότητές του στην Ευρώπη, κυρίως στο Παρίσι υπό την ηγεσία του Jean Leon Zheroma. Δίδαξε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών, ήταν ο διευθυντής του.
Έδωσα μεγάλη προσοχή στη μελέτη και την εικόνα ενός γυμνού χαρακτήρα, την εμφάνιση, για την οποία απορρίφθηκε. Στη ζωγραφική του Ikins και των φωτογραφιών του, ένα γυμνό και ημι-βιδωτό σώμα καταλαμβάνει το κύριο μέρος. Διαθέτει πολλές εικόνες αθλητών. Το ιδιαίτερο ενδιαφέρον των Ikins προκάλεσε τη μεταφορά κινήσεων του ανθρώπινου σώματος.
Τ. Ikins "κολύμπι" (1895)
Έγραψε πορτρέτα σε ένα πολυτελές περιβάλλον.
Το πιο διάσημο έργο είναι η ακαθάριστη κλινική.
Τ. Ikins "Ακαθάριστη Κλινική" (1875)
Η εικόνα δείχνει τον διάσημο Φιλαδέλφιο χειρουργό Σαμουήλ - ο οποίος διαχειρίζεται τη λειτουργία σε φοιτητές της ιατρικής ακαδημίας. Ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον Δρ. Gross από τη μεγαλοφυία της ανθρώπινης σκέψης, αλλά η εικόνα συγκλόνισε τους σύγχρονους με τον ρεαλισμό της.
Τ. Ikins επίσης γνωστό για πολλά σημαντικά πορτρέτα, συμπεριλαμβανομένου του πορτρέτου του αμερικανικού ποιητή και του δημόσιου Walt Whitman (1887-1888), ο οποίος ο ίδιος θεωρεί ο ποιητής.
Τ. Ikins. Πορτρέτο του Whitman (1887)
James Abbot Mcnel Whistler (1834-1903)
Αγγλο-Αμερικανός καλλιτέχνης, πορτρέτο, κύριος της χάραξης και της λιθογραφίας. Προκάτοχος ιμπρεσιονισμός και συμβολισμός.
Δ. Whistler. Αυτοπροσωπογραφία. Ινστιτούτο Τεχνών (Ντιτρόιτ)
Γεννήθηκε στο Lowelle (Μασαχουσέτη). Ο πατέρας του, ο George Washington Whistler, ένας γνωστός σιδηροδρομικός μηχανικός, το 1842 καλείται να χτίσει δρόμους στη Ρωσία, σχεδίασε τον σιδηρόδρομο Nikolaev. Στη Ρωσία, ο James επισκέφθηκε την Ακαδημία Τεχνών. Στις ΗΠΑ, σπούδασε σε στρατιωτική σχολή, αλλά αφαιρέθηκε.
Δ. Διάταξη "Whistler" σε γκρι και μαύρο. Μητέρα του καλλιτέχνη (1871). Μουσείο Orsay (Παρίσι)
Αυτή είναι η πιο διάσημη δουλειά του James Whistler.
Σπούδασε ζωγραφική στο Παρίσι, στη συνέχεια στη Βενετία (που ασχολούνται με σκίτσα ακουαρέλας και χάραξη).
Κατά την πρώτη περίοδο του έργου του Whistler συγκέντρωσε με τον ιμπρεσιονισμό, την επιθυμία να συλλάβει την πρώτη εντύπωση από το θέμα - το τοπίο ή τον άνθρωπο. Αλλά σε πολλά θέματα, διασκορπίστηκαν με τους ιμπρεσιονιστές: δεν εγκρίθηκε η λατρεία του Plenäer, σκέφτηκε εκ των προτέρων το Tonality Flower. Στα ύστερα έργα, ο Whistler χρησιμοποιεί εξαιρετικά διαζευγμένα, διαφανή χρώματα ακουαρέλας, τα οποία διαβιβάζουν την αίσθηση της πρόσληψης της κινητικότητας του ατμοσφαιρικού μέσου.
Δ. Whistler "Συμφωνία στο γκρίζο και στον Πράσινο Ωκεανό" (1866-1872)
Οικιακό είδος
Μια μεγάλη ανάπτυξη στην αμερικανική ζωγραφική XIX αιώνα. Πήρε ένα είδος νοικοκυριού. Αρχικά, αυτό το είδος βασίστηκε σε μια επαρχιακή ζωή με κάρτες, χορό κ.λπ.
Eastman Johnson "Ευτυχία της εγκαταλελειμμένης επιμέλειας" (1871)
Αλλά μετά τη βιομηχανική επανάσταση και η αστικοποίηση άρχισε στις Ηνωμένες Πολιτείες, οι καλλιτέχνες άρχισαν να απεικονίζουν τη ζωή μεγάλων πόλεων.
John Gast "Αμερικανική πρόοδος" (περίπου 1872)
Η εικόνα δείχνει Allegarical Columbia με ένα βιβλίο στο χέρι. Οδηγεί έναν πολιτισμό στα δυτικά μαζί με τους Αμερικανούς μετανάστες, αγαπητέ τέντωμα της γραμμής τηλεγραφών. Η εικόνα δείχνει διαφορετικούς τύπους οικονομικής δραστηριότητας των πρώτων εποίκων, της ιστορίας της μεταφοράς. Οι Ινδοί και τα άγρια \u200b\u200bζώα απεικονίζουν να τρέχουν μακριά από τους μετανάστες.
"Σχολείο απορριμμάτων σκουπιδιών"
Με τη σειρά των αιώνων XIX και XX. Στις ΗΠΑ, υπήρχε μια ταχεία ανάπτυξη μεγάλων πόλεων. Οι κάμερες εκείνης της εποχής δεν θα μπορούσαν ακόμη να χρησιμοποιηθούν για λειτουργική λήψη συμβάντων, οπότε οι εφημερίδες προσέλαβαν καλλιτέχνες για εικονογραφήσεις. Έτσι σχηματίστηκε η "Σχολή Σχάνων Σκουπί", η οποία περιελάμβανε τον Robert Henry, Glenn Kolman, Jerome Myers και George Bellose. Τα κύρια αντικείμενα των σκίτσων των στελεχών ήταν δρόμοι με τους τυπικούς αντιπροσώπους τους: Smoothies, πόρνες, καλλιτέχνες δρόμου και μετανάστες. Η προέλευση, η εκπαίδευση και η πολιτική απόψεις αυτών των καλλιτεχνών ήταν διαφορετικές. Αλλά ο Robert Henry πίστευε ότι η ζωή και οι δραστηριότητες των φτωχών, προλεταριάτων και της μεσαίας τάξης άξιζαν ενσάρκωση στη ζωγραφική - αυτές είναι πραγματικότητα.
George Belluse "Βοήθεια βοήθειας Herds Edith Cavell" (1918)
"Σχολή απορριμμάτων σκουπιδιών" έκανε μια επανάσταση στην οπτική τέχνη των Ηνωμένων Πολιτειών, ήταν ο πρόδρομος