Qual è la cultura musicale nazionale del XIX secolo. La cultura musicale russa del 19° secolo e il suo significato globale

Qual è la cultura musicale nazionale del XIX secolo. La cultura musicale russa del 19° secolo e il suo significato globale
20.04.2019

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1 tr. 1 di:04 Cultura qui e ora SITO SULLA GRANDE CULTURA RUSSA Dedico ai miei insegnanti La musica russa del XIX secolo: periodi, stili, generi, scuole Inserito dall'autore admin La musica russa del XIX secolo è solitamente divisa in due periodi : prima della comparsa del grande compositore M.I. Glinka, cioè fino a circa gli anni, e dopo. Prima dell'era del primo romanticismo, o "prima di Glinka", dopo l'inizio del periodo classico nella musica russa. io periodo. Era "Prima di Glinka". All'inizio del secolo, nella musica russa regnava una miscela di due stili di classicismo e romanticismo. Nella prima metà del 19° secolo, eventi su larga scala per la Russia ebbero luogo come la Guerra Patriottica, la rivolta dei Decabristi; le idee della Rivoluzione francese, avvenuta poco prima, si stavano diffondendo nella società. Tutto questo non poteva che intaccare la cultura del paese. M.Yu appare in letteratura. Lermontov, VF Odoevsky, nel dipinto di O.A. Kiprensky e K.P. Bryullov. Nella cultura musicale della Russia nel 19 ° secolo si sentono anche echi di romanticismo, che travolgeranno davvero il paese con l'avvento di M.I. Glinka.

2 tr. 2 di:04 Le tendenze più popolari nella musica russa del 19° secolo erano: la canzone "urbana". Infine formato dal 19 ° secolo. Molto spesso, tali canzoni sono nate da una semplice improvvisazione di chitarra di dilettanti senza nome su poesie di poeti (ad esempio "Squillo della sera", "Come ti ho sconvolto"). registrazione ed elaborazione di melodie popolari. Alla fine del XVIII secolo, V. Trutovsky pubblicò una raccolta di canzoni popolari russe. Quasi tutti i residenti della capitale si interessarono a loro, dopo di che iniziarono ad apparire molte opere musicali in stile popolare ("La rondine dalle ali grigie è tortuosa"). musica vocale da camera con una mescolanza di folklore russo, eseguita nelle serate familiari musicali. Sotto l'influenza del romanticismo, appare una storia d'amore russa (i romanzi di A.A. Alyabyev ("The Nightingale") e A.E. Varlamov ("Oh, tu, il tempo è un po' di tempo", "Una bufera di neve spazza la strada") erano particolarmente popolari) e creato su di esso si basa su una storia d'amore gitana, che non richiedeva una voce vocale professionale e un accompagnamento intricato (ad esempio: "I tuoi occhi sono verdi"). Inoltre, un genere musicale come il vaudeville, un gioco di luci con distici, era ancora vivo Nella cultura musicale russa del XIX secolo, i vaudeville di A.A. Shakhovsky ("Pozione d'amore", "Fuggitivo dalla sua sposa") e F.V. Bulgarin ("Conversazione nel regno dei morti", "Le avventure di Mitrofanushka sulla luna"), tuttavia, ogni giovane nobile considerava suo dovere comporre almeno una volta nella vita un vaudeville a beneficio di qualche attore.

3 tr. 3 di:04 I teatri si sono esibiti prevalentemente in italiano e opere francesi. I motivi epici prevalevano nell'opera russa; tuttavia, l'influenza del romanticismo era già evidente (A.N. Verstovsky, ad esempio, spesso usato nelle sue opere trame romantiche riferimento al passato epocale). II periodo. L'inizio del periodo classico della musica russa. MI. Glinka. Con l'avvento di Mikhail Ivanovich Glinka, il fondatore della scuola di compositori in Russia, iniziò una vera e propria ascesa nella musica russa del 19° secolo. Le sue opere musicali sono intrise di motivi popolari, contengono lo stesso "spirito russo" di Pushkin. Oltre a magnifiche opere vocali e sinfonie, il compositore creò due opere (una delle più straordinarie nella storia della musica): A Life for the Tsar (1836) e Ruslan e Lyudmila (1842). Entrambe queste opere sono permeate dal più forte inizio patriottico e russo, perché M.I. Lo stesso Glinka disse: "La musica dovrebbe contenere intonazioni e persino intere melodie di musica popolare della nazionalità a cui appartiene l'autore". Quindi, nell'opera "Life for the Tsar" nell'immagine di un semplice contadino Ivan Susanin M.I. Glinka ha mostrato tutta la forza e il potere del popolo russo. L'innovazione più importante dell'opera era che il personaggio principale dell'opera musicale era un contadino, un servo. Non sorprende che l'alta società

4 tr. 4 su:04 non hanno valutato molto l'opera, ma molti classici della letteratura (ad esempio, N.V. Gogol, AS Pushkin) erano i suoi veri fan. Nel racconto epico Ruslan e Lyudmila con vivaci motivi romantici, Glinka si discosta ancora di più dalle tradizioni delle opere francesi e italiane, quindi anche questo brano musicale non è stato accolto con entusiasmo. Tuttavia, è stato dopo queste opere che la musica russa è stata riconosciuta in tutto il mondo e M.I. Glinka è giustamente riconosciuto come il fondatore dei classici musicali in Russia. III periodo. Seconda metà del 19° secolo. Nella seconda metà del 19° secolo, la musica diventa più accessibile a diversi segmenti della popolazione. I rami di Mosca e San Pietroburgo della Russia imperiale società musicale, tenendo costantemente incontri musicali accessibili a tutti, fu creata una scuola di musica gratuita a San Pietroburgo, furono fondati conservatori prima nelle capitali (erano diretti dai fratelli Rubinstein) e alla fine del secolo in altre città. Nuovi generi musicali stanno diventando popolari: cicli sinfonici, sinfonie (la prima sinfonia (in fa maggiore) è stata creata da A.G. Rubinstein nel 1859, ma non ha ricevuto ampia popolarità; la sua sinfonia numero 2 in do maggiore chiamata "Ocean" è meglio conosciuta Questo genere ha raggiunto il suo apice nella musica russa nelle opere di Rimsky-Korsakov e Tchaikovsky). scuole di compositore.

5 tr. 5 di:04 Sempre nel XIX secolo si formarono due importanti scuole di compositori. La prima scuola della Nuova Russia a San Pietroburgo, poi V.V. Stasov la chiamerà "The Mighty Bunch". Comprendeva M.A. Balakirev, AP Borodin, MP Musorgsky, NA Rimsky-Korsakov e Ts.A. Cui. Hanno visto MI come il loro principale mentore e insegnante. Glinka, e obiettivo principale l'incarnazione del principio nazionale nella loro opere musicali. A quel tempo le idee rivoluzionarie erano molto forti; l'intera intellighenzia meditava sui problemi dei contadini, mentre i contadini stessi organizzavano rivolte e sommosse. In questo contesto, è apparso il "Mighty Handful" con le sue idee di ricchezza nazionale, spirituale, nazionale. Raccogliendo con cura il folklore russo, hanno cercato di trasmettere nelle opere tutta la forza dello spirito nazionale. Seconda Scuola di Mosca; era diretto da P.I. Ciajkovskij e includeva A.A. Aliabiev, SI Taneev, AE Varlamov e altri. Se Pietroburgo scuola di compositore rappresentava l'epopea nella musica, quindi la scuola di compositori russi di Mosca era più caratteristica delle opere liriche. Ad esempio, natura, paesaggio di P.I. Tchaikovsky è sempre raffigurato attraverso il prisma dei sentimenti umani, i compositori di The Mighty Handful hanno la natura, piuttosto, un eroe forte e a tutti gli effetti che non ha nulla a che fare con una persona. Ci sono molte differenze di questo tipo, tuttavia, soprattutto, appartenevano a periodi di tempo diversi. La scuola di Mosca rappresentava l'epoca in uscita, il “secolo passato”, mentre quella di San Pietroburgo (o “nuovo russo”, come veniva chiamata) racchiudeva tutto ciò che era caratteristico del “secolo presente”. L'antagonismo di queste due scuole ha influenzato l'opera non solo dei loro aderenti, ma anche di quei compositori che non hanno

6 tr. 6 su 04 si sono identificati come appartenenti a nessuna delle due scuole. Arti dello spettacolo. Per quanto riguarda le arti dello spettacolo, molto è cambiato in Russia durante il 19° secolo. Prima di allora, era diffusa solo la musica domestica amatoriale (questo era già menzionato sopra), all'inizio del 20 ° secolo, le opere musicali iniziarono ad essere eseguite nelle grandi sale dei teatri d'opera, iniziarono a formarsi scuole domestiche di canto e di canto , e furono aperti istituti di istruzione superiore. Strumenti musicali. Una delle principali invenzioni del XIX secolo fu il meccanismo a valvola per strumenti a fiato, con l'aiuto del quale le possibilità degli strumenti musicali a fiato divennero molto più ampie; apparvero nuovi strumenti, come la tuba e il flauto piccolo. Inoltre, il pianoforte che suoniamo oggi è stato inventato contemporaneamente in America e ha immediatamente guadagnato una popolarità senza precedenti in Russia. Ricapitolare. Nella cultura musicale della Russia nel 19 ° secolo, ci fu una vera ascesa, si formò una scuola musicale nazionale e i compositori russi furono riconosciuti e rispettati da tutto il mondo. Ti è piaciuto? Non nascondere la tua gioia al mondo -

7 russo<музыка> <19> <века>: periodi, stili, generi, scuole 7 di:04 condividi!


Istituzione scolastica statale scuola secondaria 349 con approfondimento della lingua inglese distretto di Krasnogvardeisky San Pietroburgo Test a tre livelli

Compiti per lo svolgimento di una certificazione intermedia in musica di grado 7 Biglietto 1 1. Quale strumento musicale è l'emblema dell'arte musicale? 2. Qual è il nome del brano eseguito dal coro o dall'ensemble

Risultati previsti della padronanza della materia Personale Gli studenti saranno formati: - motivazione e interesse cognitivo per la musica e le attività musicali; - un senso di rispetto per il canto popolare,

VITA MUSICALE DI PIETROBURGO NELLA PRIMA METÀ DEL XIX SECOLO teatri imperiali, emesso nel 1851, ma ha mantenuto la sua forza per i decenni a venire.

Music Grade 2 (ore settimanali - 34 ore) Nota esplicativa

Mitrofanenkova I. A., insegnante di musica e MHC di prima categoria, palestra distrettuale di Loshnitsa Lezione di musica di grado 5 Argomento della lezione:. "Possente grappolo". Scopo: formare le conoscenze degli studenti sulla musica classica; introdurre

ACCORDO APPROVATO Capo del Dipartimento per gli affari culturali Direttore dell'MBU DO "Casa dell'ufficio del sindaco della città di Cherepovets per l'infanzia e la gioventù "Casa della conoscenza" I.N. Lobanov N.N.

Lo sviluppo dell'arte musicale in Russia Nei tempi antichi, il canto e la musica erano inclusi nell'esecuzione di vari rituali, combinati con poesie e danze epiche. Dal IX sec. sviluppò un ecclesiastico polifonico

Grado 6 Johann Sebastian Bach (1685-1750) compositore tedesco, rappresentante dell'era barocca. Nell'opera di Bach sono rappresentati tutti i generi contemporanei, ad eccezione dell'opera. È. Bach è un maestro insuperabile della polifonia.

"Classici per scolari" Offriamo nuovi programmi di concerti per scolari e studenti delle scuole superiori. Sulla base delle tradizioni filarmoniche del 20° secolo, abbiamo abbandonato i cliché accademici, i nostri concerti si tengono

Il programma di lavoro della materia "Musica" Grado 3 Risultati pianificati della padronanza della materia La presenza di un'ampia base motivazionale per le attività educative, comprese quelle sociali, educative e cognitive

RISULTATI PIANIFICATI DI PADRONEGGIARE L'ARGOMENTO. L'insegnamento dell'arte musicale al 7° anno dovrebbe offrire agli studenti l'opportunità di: - migliorare la loro comprensione della trinità dell'attività musicale

MBOU Suponevskaya scuola secondaria 2 Prove di musica per la prima metà dell'anno accademico 2015-2016 nella 6a elementare secondo il programma di G.P. Sergeeva, ED Kritskaya. Lo scopo del lavoro: identificare il livello di assimilazione

Musica Antica Russia La musica dell'antica Russia era prevalentemente ecclesiastica. Dal 12° secolo, il cosiddetto canto, dalla parola “stendardo”, che significa. Questi brani erano e furono composti. sono stati eseguiti

Sezione "La Russia è la mia patria!" 1. Ascolta il frammento. Qual è il nome di quest'opera e chi ne è l'autore: A. A. Vocaliz S. Rachmaninov B. Romance G. Sviridov V. Concerto 3 S. Rachmaninov G. Dead Field S. Prokofiev

Calendario e pianificazione tematica per l'anno accademico 2013 2014 "Music Grade 4", autori: V. O. Usacheva, L. V. Shkolyar al ritmo di 1 ora a settimana (34 ore) p / p Tema della lezione. Pagine del libro di testo. I quarto (9 ore)

P/n Sezioni del curriculum argomenti delle lezioni e Numero di ore. Per data di calendario Fatto. Sussidi didattici Caratteristiche delle principali attività 3 Melodia. 2 Ciao, Patria mia! La mia Russia. Inno russo. 2.09

Istituzione educativa di bilancio comunale per l'istruzione aggiuntiva per i bambini Scuola delle arti del distretto di Zavitinsky Piani del calendario per la materia Letteratura musicale Primo anno di studio Primo anno

Istituzione scolastica di bilancio statale per l'istruzione aggiuntiva per i bambini nella città di Mosca "Scuola di musica per bambini intitolata a M. M. Ippolitov-Ivanov" "Approvo" l'ordine del direttore O.V. Cherezova

Nota esplicativa Il programma di lavoro della materia "MUSIC" per i gradi 5-7 è stato sviluppato secondo il programma educativo principale dell'istruzione generale di base del MBOU di Murmansk "Secondary

2 Data dell'uro Tema Caratteristiche delle principali attività Secondo il piano Attuale. ka 1. 3.09 Melodia. Distinguere le caratteristiche delle canzoni popolari russe, essere in grado di identificare i generi, eseguire espressivamente il folk

PROVE "Romanticismo" Grado 7 1 1. Il romanticismo è una corrente artistica nella cultura europea e americana della fine del A) XII secolo. B) XVI secolo C) XVIII secolo 2. Nella musica il romanticismo si formò in A) 1786 B)

41 Grado IV (34 ore) Russia My Motherland (3 ore) Melody. Tu canti per me quella canzone Che non puoi esprimere a parole, con un suono nella tua anima Come mettono insieme una canzone. immagini sonore. Da dove vieni, russo, è nata la musica? andrò

MINISTERO DELL'ISTRUZIONE E DELLE SCIENZE DELLA REPUBBLICA POPOLARE DI LUGANSK UNIVERSITÀ DI LUGANSK INtitolata A TARAS SHEVCHENKO Istituto di Cultura e Arti

Grado II (34 ore) Russia My Motherland (3 ore) 19 Melody. Ciao mia patria! La mia Russia. Inno russo. paesaggio musicale. Immagini di natura nativa nella musica dei compositori russi. Canzone come distintiva

Istituzione scolastica di bilancio comunale scuola secondaria 2 Concordato nella riunione del verbale 1 del MC del 28.08.2015

Classe: 5 Ore settimanali: Ore totali: 35 I trimestre. Settimane totali 0,6 ore totali. Progettazione tematica Argomento: Musica della lezione Sezione, tema della lezione Sezione: La musica come forma d'arte "Musica e Letteratura".

Rettore "APPROVATO" di FGBOU VPO MGUDT V.S. Belgorod 2016 MINISTERO DELL'ISTRUZIONE E DELLA SCIENZA DELLA FEDERAZIONE RUSSA istituto di istruzione di bilancio dello stato federale di livello professionale superiore

Appendice al programma di lavoro per la musica per il grado 7 2014-2015 Certificazione intermedia sotto forma di test Nota esplicativa al KIM per lo svolgimento della certificazione intermedia degli studenti del grado 7 in musica

9 novembre 2013. Presentazione per una lezione di musica (classe 8) sul tema: Quiz intellettuale "Dal barocco al classicismo". Verifica della conoscenza da parte degli studenti delle biografie di famosi scrittori russi: Lomonosov, Pushkin,.

Nota esplicativa. Il programma di lavoro è stato compilato sulla base di un programma standard su "alfabetizzazione musicale e ascolto della musica", Blagonravova N.S. Il programma di lavoro è progettato per i gradi 1-5. Al musical

Approvo: recitare direttore dell'istituto di istruzione di bilancio statale dell'istruzione professionale secondaria della regione "Krasnodar College-Korsakov" Febbraio 2016 129-P A.N. Ricevimento Ivanova

CANZONI “Ancient Song World” FRANZ SCHUBERT Preparato dall'insegnante di musica Bakhmatkova L.B. Il romanticismo è l'arte di dare ai popoli opere letterarie che, allo stato attuale dei loro costumi,

NOTA ESPLICATIVA Questo programma di lavoro è stato sviluppato sulla base del programma dell'autore delle istituzioni educative: "Musica: gradi 5-9", E.D. Kritskaya, GP Sergeeva, TS Shmagina Mosca: Illuminismo,

INDICE I. COMPOSITORI A PETERSBURG MI Glinka 1. Sondaggio Blitz... 3 2. Ricorda chi è... 3 3. Generi di opere musicali... 4 AS Dargomyzhsky 4. Sondaggio Blitz... 4 5. Ricorda chi è... 5

Sezione "Nel teatro musicale" 1. Scrivi l'autore dell'opera "Ruslan e Lyudmila". AM Glinka B.N.A. Rimsky-Korsakov VPI Tchaikovsky G. L. Van Beethoven 2. Nomina l'opera letteraria che ha costituito la base

Nota esplicativa Il programma nella materia "Musica" è compilato in conformità con i requisiti dello standard educativo statale federale per l'istruzione elementare generale e il programma dell'autore

P/n Denominazione sezioni e argomenti Calendario e pianificazione tematica Musica Grado 6 (34 ore) Caratteristiche delle attività degli studenti. Termini previsti per il passaggio dell'argomento Termini effettivi (e/o correttivi)

Nota esplicativa Il programma di lavoro sull'argomento "Musica" per il 6° anno è stato redatto sulla base del "Programma sulla musica per i gradi 5-7 per le istituzioni educative generali" di V.O. Usacheva, LV Scutari, VA scolaro

PROVE MUSICALI (classe 4) Prova 1 1. Cos'è la "vocalise"? a) un'opera corale b) una canzone c) una canzone senza parole 2. Chi ha scritto "Vocalise" a) Mussorgsky M.P. b) Rachmaninov S.V. c) Ciajkovskij PI 3. Qual è la nazionalità

SCOPO: Studiare l'influenza delle impressioni ricevute dai viaggi in tutto il mondo sull'opera del compositore. OBIETTIVI: 1. Studiare l'influenza dei viaggi in Europa sull'opera del compositore. 2.Seleziona

Istituzione scolastica di bilancio municipale della città di Abakan "Scuola secondaria 4" PROGRAMMA DI LAVORO sull'argomento "Musica" per i gradi 1-4 Nota esplicativa Programma di lavoro

Nota esplicativa Questo programma di lavoro è stato sviluppato sulla base della componente federale dello standard statale di istruzione generale, il programma di G.S. Riga "Musica: Educazione. Sviluppo creativo.

Istituzione scolastica comunale "Scuola Secondaria 9" APPROVO Direttore del MOU "Scuola Secondaria 9" / Gafurova L.N. / Ordinanza del 31 agosto 2016 Programma di lavoro della materia "Musica"

PROGRAMMA DI LAVORO sull'argomento Classe di musica 9 Il programma è stato sviluppato da: Maslova Natalya Aleksandrovna Anno accademico 2015-2016 Nota esplicativa Classe di musica 9 Programma di lavoro sulla musica per la scuola principale

P/n Tema della lezione Curriculum della materia "Musica" (voto 5) Numero di ore Tema del primo semestre: Musica e letteratura 7° trimestre.. Cosa ha in comune la musica con la letteratura... Musica vocale . 3. 3. 4. 4. 5. 5.-

30 Continua Grado III (34 ore) Russia My Motherland (5 ore) La melodia è l'anima della musica. Natura e musica. Immagini sonore. Vivat, Russia! La nostra gloria è lo stato russo. Cantata "Alexander Nevsky". Opera "Ivan Susanin".

Nota esplicativa Un programma di lavoro adattato sulla musica per uno studente di 5a elementare a cui si raccomanda di studiare nell'ambito del programma di una classe speciale (correttiva) VII del tipo è compilato sulla base di

Istituto di istruzione di bilancio comunale "Gymnasium 1" "Concordato" Vicedirettore di MBOU "Gymnasium 1" per UVR Chislova G.A. "29" agosto 2016 "Approvo" Direttore del MBOU "Gymnasium 1"

Creatività A.S. Pushkin nei romanzi Khorev S.A. Cos'è il romanticismo? Romance (dal romance spagnolo) - camera lavoro vocale per voce con accompagnamento strumentale. Il termine "Romance" ha origine in Spagna

NOTA ESPLICATIVA Il programma di lavoro sull'argomento "Musica" per il 7o anno delle istituzioni educative generali è compilato in conformità con i requisiti dello standard educativo statale federale della seconda generazione LLC, programmi per l'istruzione generale

DG Bashkirova MI GLINKA IL FONDATORE DELLO STILE NAZIONALE, LA NAZIONALITÀ NELLA CREATIVITÀ VOCE “Buon compositore! Se potesse sapere che cento anni dopo la sua morte nella raccolta dei suoi romanzi

Istituzione scolastica statale municipale della regione di Khanty-Mansiysk "Scuola secondaria con. Nyalinskoye prende il nome dall'eroe dell'Unione Sovietica Vyacheslav Fedorovich Chukharev "APPENDICE all'OLP

2016 IS 185 anni di commedia di A.S. Griboedov "Guai dall'Ingegno". È impossibile studiare la vita e l'opera di GRIBOYEDOV senza fare riferimento a PUSHKIN. Ci sono molte coincidenze sorprendenti nel loro destino e nel loro lavoro, a volte

Programmazione tematica del calendario per la linea disciplinare "Musica" nell'ambito del materiale didattico "Sistema L.V. Zankov" in 4a elementare 1 ora a settimana - 34 ore all'anno. Regina GS Musica: libro di testo per la classe 4. Samara: casa editrice

Lezione Tema della lezione Numero di ore Caratteristiche dell'attività dello studente RUSSIA - MY MOTHERLAND. (3 ore) Data della lezione a posteriori. Piano. Melodia. Lezione-conversazione. Lezione di studio e primaria 2. Ciao, Patria

Domande sulla storia della letteratura russa (dipartimento bielorusso, corso per corrispondenza) 1. Il movimento letterario del 1800-1815. (L'evoluzione del classicismo, il sentimentalismo, l'emergere del romanticismo. Società letterarie.) 2.

Annotazione al programma di lavoro in musica di grado 5. Il programma musicale di 5a elementare è stato sviluppato in conformità con la componente federale dello standard statale per l'istruzione generale di base. Include

Istituto di istruzione di bilancio comunale "Scuola secondaria Severoonezhskaya" Approvato dal direttore della scuola E.R. Katrich 30 agosto 2016 Programma di lavoro sul tema “Art. Musica" per 7 a,

Istituzione scolastica di bilancio comunale scuola secondaria 4 del distretto urbano di Losino-Petrovsky Approvata con ordinanza del direttore della scuola secondaria MBOU 4 da

Istituzione Educativa Generale Autonoma Comunale "Scuola Secondaria 16" PROGRAMMA DI LAVORO sulla materia "Musica" classi 1-4 (FSES) 1. Risultati pianificati dell'apprendimento della musica Di conseguenza

ISTITUTO EDUCATIVO GENERALE AUTONOMO COMUNALE SCUOLA SECONDARIA 8 Allegato al principale programma educativo istruzione generale di base secondo la componente federale dell'istruzione statale

MINISTERO DELLA CULTURA DELLA FEDERAZIONE RUSSA BILANCIO DELLO STATO FEDERALE ISTITUTO EDUCATIVO DI ISTRUZIONE SUPERIORE "OREL STATE INSTITUTE OF CULTURE" (FGBOU VO "OGIK")

Istituzione scolastica di bilancio comunale "Scuola secondaria di Sergach 1" Programma di lavoro per la materia "Musica" classi 2-4 2016 1 Nota esplicativa Programma

Le origini della musica russa risalgono al lavoro delle tribù slave orientali che abitavano il territorio dell'antica Russia prima dell'emergere del primo stato russo nel IX secolo. I tipi più antichi di musica slava orientale possono essere giudicati ipoteticamente da prove storiche individuali, materiali provenienti da scavi archeologici, nonché da alcuni elementi vestigiali conservati in successivi esempi di folklore canoro. Al momento della formazione dell'antico stato russo con il suo centro a Kiev, il canto popolare occupava un posto importante nella vita familiare e sociale, erano conosciuti strumenti musicali di vario tipo. Già nel VI secolo l'arpa era uno degli strumenti preferiti dagli slavi.

Il folclore rituale associato alle credenze religiose pagane e alle azioni rituali che si sviluppò nell'era del sistema tribale-comunale si diffuse. Molti riti pagani continuarono a vivere tra il popolo anche dopo l'introduzione del cristianesimo in Russia (fine del X secolo), nonostante le severe condanne e persecuzioni da parte della Chiesa. Fino al 17° secolo autorità ecclesiastiche Furono emanati decreti e lettere contro i giochi e i canti “demoniaci” amati dal popolo. Nel tempo, il paganesimo come sistema integrale di credenze e idee sul mondo si è estinto e il rito pagano, perdendo il suo significato magico e cultuale, diventa un elemento del gioco. Ma allo stesso tempo si conservavano le forme esteriori del rito e alcuni punti che ne regolavano l'amministrazione.

Nell'antica Russia non c'erano forme sviluppate di musica profana professionale, che determinavano il ruolo particolarmente importante del folklore nella vita della società. Il canto popolare esisteva non solo tra le masse lavoratrici, ma anche nei più alti circoli feudali fino alla corte principesca. I principali portatori della cultura artistica secolare erano i buffoni, che sono un tipo di attore e musicista sincretico medievale. Differivano per lo stato sociale e la natura della loro arte. I buffoni erranti, che parlavano alla gente comune nelle strade e nelle piazze, erano al di fuori della gerarchia sociale della società feudale ed erano privati ​​di ogni diritto. I buffoni "servitori", che arrivavano al servizio dei feudatari e dei principi, stavano meglio e godevano della protezione del loro patrono. Tra i buffoni c'erano guslars, corni, "svirts" (esecutori su strumenti a fiato primitivi). Il loro repertorio consisteva principalmente in canti e balli popolari. Solo nel XVII secolo, sotto l'influenza dei cambiamenti culturali generali, la buffoneria perse il suo significato e fu allontanata dalle regioni centrali della Russia alla periferia settentrionale.

Con l'adozione del cristianesimo come religione di stato alla fine del X secolo, la musica sacra iniziò a svilupparsi. Le forme del canto dell'antica chiesa russa e, in larga misura, probabilmente, le sue stesse melodie, furono prese in prestito da Bisanzio. Da lì, il sistema della loro fissazione è stato adottato con l'aiuto di un tipo speciale di segni convenzionali, che erano una sorta di scrittura demenziale.

Come risultato del ripensamento delle forme bizantine prese in prestito, sorse un tipo completamente originale di antica arte canora russa: il canto Znamenny o il canto Znamenny. Non è possibile tracciare le fasi di questo processo, poiché le prime forme di scrittura di Znamenny non sono state decifrate.

I primi monumenti conosciuti dell'antica scrittura musicale russa risalgono alla fine dell'XI - inizio del XII secolo. Allo stesso tempo, c'era una tradizione orale nella pratica del canto in chiesa. Solo nei secoli XV - XVII. tutti i tipi di inni ecclesiastici venivano "posizionati sullo stendardo" e il canto "su ganci" (il gancio è il segno più comune della scrittura znamenny) divenne di uso comune.

Le caratteristiche più importanti dell'antica arte canora russa erano: la monofonia rigorosamente sostenuta, senza accompagnamento strumentale, la morbidezza del movimento melodico, l'assenza di salti a lunghi intervalli, lo stretto legame della melodia con il testo verbale, costituito da linee di lunghezza disuguale , come risultato di ciò - la libertà di organizzazione metroritmica, l'asimmetria della struttura dei brani, la costruzione di una melodia sulla base di formule canonizzate già pronte mediante la loro concatenazione e trasformazione delle varianti. La somma delle formule-canti che compongono il fondo melodico del canto Znamenny è stata coperta dal sistema dell'osmosi.

A Kievan Rus, insieme al solito znamenny, c'era un tipo speciale di canto kondakar, caratterizzato da un'abbondanza di abbellimenti melodici e lunghi canti di sillabe.

Dopo il crollo della Rus' di Kiev sorsero numerose scuole di canto, tra le quali spiccava in particolare quella di Novgorod. Durante il periodo di frammentazione feudale, Novgorod fu il principale custode delle antiche tradizioni canore russe. Dalla fine del XIV secolo, Mosca è stata promossa come un centro dell'arte canora tutta russa, unendo e sintetizzando i risultati delle scuole locali.

Nel XVI secolo fu creato un coro esemplare di diaconi cantanti del sovrano che, oltre a partecipare ai servizi reali, svolgeva le funzioni di ispezionare lo stato del canto ecclesiastico nel paese.

A metà del XVI secolo prese forma una scuola di cantanti e cantori di Mosca, che svolse un ruolo importante nello sviluppo dell'arte del canto in chiesa. Savva Rogov è considerato il suo fondatore, Fedor Krestyanin, Ivan Nos, Stefan Golysh erano famosi tra i suoi studenti e seguaci.

Il canto di Znamenny fiorì durante questo periodo, sorsero molte varianti melodiche. Varietà speciali di canto corale monodico si sono ramificate dal canto Znamenny - canto demestvenny e canto di viaggio.

Il 17° secolo fu un punto di svolta nella storia della musica russa, completando l'antico e allo stesso tempo preparando un nuovo periodo del suo sviluppo. La crisi della visione del mondo medievale, il crollo del consueto sistema di concetti e punti di vista riflettevano le controversie sul canto in chiesa, in cui due direzioni si scontravano. Uno di loro ha cercato di rafforzare l'antica tradizione attraverso riforme parziali, l'altro ha proposto e difeso nuove forme associate a un diverso sistema di visioni estetiche, una diversa comprensione dell'arte nella vita.

A metà del XVII secolo furono introdotti i segni di cinabro (designazioni di lettere che erano apposte sopra la fila principale di segni cantanti e indicavano l'altezza esatta). Questo sistema si basa sulla cosiddetta scala quotidiana di dodici passi diatonici, suddivisi in quattro "accordi". Insieme allo sviluppo e alla sistematizzazione delle basi teoriche del canto Znamenny nel 17° secolo, avvenne il suo ulteriore arricchimento melodico, nuovi canti e le loro varianti, stili di canto, o come venivano allora chiamati canti - canto di Kiev, canto bulgaro, canto greco .

Nella seconda metà del 17° secolo, il nuovo stile polifonia corale - canto partes, originariamente sviluppato in Ucraina e Bielorussia (N. Diletsky, I. Korenev). I tipi più semplici di canto in partes erano basati sulle melodie del canto di Znamenny. La forma più alta di canto in partes era un concerto corale a cappella per 8-12 o più voci.

Nel 17 ° secolo, il clavicembalo, l'organo e altri strumenti europei apparvero a corte e nelle case degli illuminati boiardi russi e furono create cappelle strumentali domestiche. La musica occupò un grande posto nel teatro di corte (1672 - 1676).

Alcune delle forme stilistiche e dei generi della musica russa che si sono sviluppate nel XVII secolo hanno continuato a vivere nel secolo successivo. Pertanto, il concerto in partes rimase la forma più importante di creatività dei compositori russi fino alla metà del XVIII secolo. Tra i suoi numerosi maestri ci sono N. Kalashnikov, N. Bavykin, F. Redrikov.

Sotto l'influenza diretta delle tendenze democratiche progressiste nel pensiero sociale e nella letteratura russa, nell'ultimo terzo del XVIII secolo si formò una scuola nazionale di compositori. I suoi rappresentanti hanno cercato di combinare nel loro lavoro i principi stilistici e le forme del primo classicismo europeo con temi e immagini della vita russa, con il magazzino melodico delle canzoni popolari russe. Apparvero le prime raccolte stampate di canzoni popolari: Trutovsky, Lvov e Prach. Molte delle registrazioni di melodie popolari in esse contenute sono state utilizzate dai compositori.

Il posto più importante nell'opera dei compositori del 18° secolo fu occupato dal genere operistico. I compositori più importanti di questo tempo sono V.A. Pashkevich, E.I. Fomin, D.S. Bortnyansky, M. Berezovsky, I. Khandoshkin e altri.

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storiaioCultura musicale russa del XIX secoloun

Caratteristiche storiche della cultura musicale russa del XIX secolo

Il 19° secolo è entrato nella storia della cultura musicale russa come un periodo del suo pieno e completo sviluppo. Durante questo periodo, il loro opere immortali ha creato M.I. Glinka, AS Dargomyzhsky, A.P. Borodin, MP Mussorgsky, NA Rimsky-Korsakov, MA Balakirev, PI Ciajkovskij. L'ulteriore sviluppo dei classici musicali russi è associato ai nomi di A.K. Glazunov, A.K. Lyadova, SI Taneeva, AN Scriabin e S.V. Rachmaninov, una parte significativa del cui lavoro cade già nel XX secolo.

Il processo di creazione della cultura musicale russa è stato effettuato rapidamente e violentemente. Ha percorso contemporaneamente diverse direzioni: nel campo delle nuove conquiste creative nei vari generi, nell'arricchimento attivo dei mezzi espressivi, nello sviluppo del pensiero critico musicale ed estetico.

Le conquiste della prima metà dell'Ottocento furono preparate dal periodo precedente, ma molte erano completamente nuove, determinate da cambiamenti nella vita stessa. Il contenuto e la direzione ideologica ed estetica dello sviluppo dell'arte è stato determinato dalla situazione socio-politica tesa e complessa che si è sviluppata non solo in Russia, ma anche nell'Europa occidentale. Economico e sviluppo politico numerosi paesi europei furono ostacolati dalla politica aggressiva di Napoleone I, che divenne imperatore di Francia dopo la sconfitta rivoluzione francese fine del 18° secolo. La campagna militare contro la Russia si concluse con una sconfitta per Napoleone. Nella guerra patriottica del 1812, l'intero popolo russo si alzò per difendere la Patria. Questi eventi diedero luogo a un grande rialzo della società, provocarono la manifestazione dell'ardente patriottismo popolare, la crescita della loro coscienza civile, di sé. Allo stesso tempo, la vittoria su Napoleone impose uno sguardo nuovo alla situazione delle masse. Cresce il malcontento popolare, si intensificano i disordini contadini, sorgono umori di opposizione tra i migliori rappresentanti della nobiltà, che comprendono la terribile contraddizione tra la potente forza eroica del popolo e la sua posizione diseredata e oppressa nel paese. Furono questi eventi a dare il più forte impulso al movimento decabrista, che fu brutalmente represso nel 1825.

Nella storia dell'arte russa, la rivolta dei Decabristi ha segnato una pietra miliare profonda. L'ideologia dei Decabristi servì da terreno su cui A.S. Puskin. Alla vigilia della rivolta di dicembre, Pushkin scrisse la prima tragedia popolare realistica "Boris Godunov", Griboedov scrisse la commedia accusatoria "Woe from Wit", gli anni del Decabrista causarono un fiorire senza precedenti di generi poetici.

Cambiamenti decisivi furono apportati anche nel campo della musica. I compositori dell'inizio del XIX secolo hanno lavorato molto nel campo dei generi teatrali. Le opere da favola Il principe invisibile e Ilya the Bogatyr, l'opera patriottica Ivan Susanin di Kavos, la musica di Kozlovsky per le tragedie di V.A. Ozerov “Edipo ad Atene e Fingal”, “Deborah” di Shakhovsky, oratorio di S.A. Degtyarev "Minin e Pozharsky" o "Liberazione di Mosca".

Vaudeville - una commedia leggera con numeri musicali - si è diffuso. Il primo vaudeville russo è considerato l'opera teatrale di Shakhovsky "The Cossack Poet" con musica di Kavos.

La creatività strumentale dei compositori russi era principalmente associata alla produzione di musica domestica. Tra le grandi opere, l'ouverture da concerto, la sinfonia in un movimento di A.A. Alyabyeva. Come autore di vari brani per pianoforte di genere e carattere, A.L. Gurilev. La sonata più significativa, "24 preludi e fughe". Il genere delle variazioni era molto sviluppato. Vengono inoltre realizzati quartetti e altre opere per complessi strumentali. La chitarra ha guadagnato particolare popolarità, il fondatore della scuola di chitarra è stato A.O. Sycra.

Compositori AN Verstovsky, AA Aliabiev, AE Varlamov, AL Gurilev.

Verstovsky è entrato nella storia della musica come compositore teatrale, autore di opere romantiche. Fu Verstovsky a far rivivere l'opera russa. Per 10 anni non è stata creata una sola opera significativa in questo genere. Nella sua migliore opera "Askold's Grave" ha introdotto nuovi temi, immagini e mezzi di espressione musicale e drammatica.

Nel periodo degli anni '20, M.I. Glinka. Il periodo in esame può essere chiamato periodo Glinka. La potente personalità creativa di Glinka ha portato la musica russa a nuova fase sviluppo, oscurando quasi tutto ciò che è stato creato dai loro predecessori. Creatore dell'opera classica russa e del romanticismo classico, ha anche gettato le basi della sinfonia russa classica. Le principali qualità che lo elevano tra gli altri compositori sono l'ampiezza della sua visione del mondo, una profonda connessione con il suo tempo e la vita della sua gente.

Nella seconda metà degli anni '30, nella musica russa fu proposto un nuovo nome: Dargomyzhsky. L'inizio del 19 ° secolo in Russia è stato segnato dal rapido sviluppo di una nuova tendenza che ha travolto tutti i paesi d'Europa: il romanticismo. Il romanticismo ha avuto un enorme impatto sul destino dell'arte mondiale. Ha espresso l'insoddisfazione delle nuove giovani generazioni per la realtà circostante, una protesta contro l'ingiustizia struttura sociale pace. I sogni della libertà della persona umana, la libera manifestazione delle forze spirituali dell'uomo con una forza straordinaria si sono riflessi nell'opera di Byron. Le più grandi figure d'arte - Chopin e Mickiewicz, Hugo, Berlioz e Liszt - collegavano i loro nomi con l'ideologia del "romanticismo militante".

Di particolare importanza per lo sviluppo dell'arte russa è stata un'importante tendenza del romanticismo: la lotta per l'originalità nazionale delle forme artistiche, dello stile e dei mezzi di espressione. I romantici sono usciti in difesa di tutto ciò che è individuale, originale, caratteristico. Hanno cercato di suscitare interesse per la vita del loro popolo autoctono, per il suo passato storico, per canti popolari, racconti e leggende. Sono stati questi aspetti dell'estetica romantica che hanno influenzato principalmente il lavoro dei compositori dell'era Pushkin e li hanno aiutati ad arricchire in modo significativo il linguaggio e lo stile della musica russa.

Nelle migliori opere dell'era del romanticismo, nei romanzi di Glinka, Alyabyev, nelle opere di Verstovsky, nei testi capricciosi di Varlamov, troviamo un vivido riflesso di vita popolare, personaggi e tipi, il desiderio di penetrare in profondità nell'animo umano. Superando gli estremi dell'estetica romantica - soggettivismo, esagerazione dei sentimenti, lotta per l'"eccezionale" - i compositori russi, come i loro contemporanei - poeti, stanno passando a una riproduzione più reale e completa della realtà.

Pushkin ha avuto un'influenza decisiva sull'intero percorso di sviluppo della musica russa. concetto di Pushkin dramma storico ha preparato il percorso di Glinka verso l'opera eroica popolare "Ivan Susanin". Ruslan e Lyudmila e Rusalka di Pushkin, profondamente folk nello spirito e nello stile, determinarono l'ulteriore sviluppo dell'opera classica russa di Glinka e Dargomyzhsky. Le sue poesie liriche divennero la base del romanzo classico russo.

Già dentro metà del diciannovesimo secolo, i classici musicali russi forniscono un esempio dell'unità di contenuto profondo e forma artistica perfetta. Il genere dell'opera è cambiato in modo significativo. Non si tratta più di una rete di singoli numeri musicali uniti da una trama, ma di un'opera musicale e drammatica completa con un unico concetto tematico e una forma monolitica. Il fulcro dello sviluppo drammatico è il conflitto. Nelle sue opere, Glinka dispiegò immagini della storia russa ("Ivan Susanin", 1836), epica epica ("Ruslan e Lyudmila", 1842). Il suo contemporaneo Dargomyzhsky ha mostrato nell'opera Rusalka un dramma della disuguaglianza sociale, un dramma di un uomo comune.

La musica sinfonica di Glinka, la sua "Kamarinskaya" e la "Spanish Overture" hanno gettato le basi musica in programma. Gli stessi principi di sviluppo sinfonico furono implementati dal suo allievo Balakirev, Tchaikovsky e dai compositori di The Mighty Handful.

Lo sviluppo della cultura musicale nel XIX secolo fu complesso e pieno di contraddizioni. L'inizio del XIX secolo è il periodo di sviluppo del genere romantico. La storia d'amore russa è stata influenzata dalla poesia russa, in particolare dal lavoro di AS Pushkin. cultura musicale russa

Il romanticismo quotidiano russo di quel tempo divenne, per così dire, un laboratorio per la reintonazione creativa, la creazione di un nuovo stile musicale. Melodia russa e ucraina, ritmi di danza russa e dell'Europa occidentale, discorsi e intonazioni declamatorie nella musica vocale, "italianismi" individuali e giri comuni della musica tedesca e francese: tutto questo può essere trovato nel genere del romance quotidiano.

Le caratteristiche principali della musica del romance quotidiano: il ruolo principale nella melodia appartiene alla sesta intonazione: un salto in alto di sesta e un salto in basso di una setta a un tono introduttivo armonico con successiva risoluzione; uso diffuso di tecniche di ritenzione melodica; uso frequente di un registro grave, che conferisce alla musica un carattere speciale e patetico; l'inserimento di giri recitativi e declamatori come mezzi di drammatizzazione; predominanza del minore armonico; frequente deviazione nelle tonalità più vicine, giustapposizione di maggiore e minore per mostrare un cambiamento di umore, uso frequente del quarto grado elevato; l'uso dei ritmi delle danze quotidiane, in particolare valzer, mazurca, polonaise, serenata; connessione con la musica strumentale quotidiana, espressa nell'uso di figurazioni chitarristiche e arpa; la forma del romanzo è più spesso distico; la diffusione dello stile di spettacolo gitano.

Le tendenze romantiche si sono manifestate nel genere delle ballate. Sono apparse notevoli ballate di Verstovsky, Alyabyev, Varlamov. Costruita nella forma libera di un lungo monologo drammatico, la ballata si è distinta per la complessità della composizione.

Verstovsky è considerato il creatore della ballata. Ampiamente note sono le sue ballate "Black Shawl" per le parole di A.S. Pushkin, "Tre canzoni di uno Skald", "Povero cantante" secondo le parole di Zhukovsky. Uno dei generi più diffusi nella musica della prima metà del XIX secolo è la "canzone russa", nata come imitazione della musica popolare. Queste sono canzoni popolari. Importanza ha ricevuto questo genere da Alyabyev, Gurilev, Varlamov. Le loro "canzoni russe" sono ricche e variegate nei contenuti.

Nell'era Pushkin, l'elegia diventa il tipo preferito di creatività sia per i poeti che per i musicisti: un tipo speciale di romanticismo, in cui prevalgono la contemplazione, la riflessione, la riflessione profonda. Le elegie di Pushkin, ricche di contenuto filosofico e civico, hanno attratto molti compositori. L'elegia di Genishta alle parole di Pushkin "La luce del giorno si è spenta" è ben nota. Notevole è l'elegia della giovane Glinka "Non tentare" alle parole di Baratynsky. Un posto speciale nell'arte vocale russa è occupato da canti da bere e da marcia, in cui viene toccato il tema eroico-patriottico.

La prova della crescita della cultura musicale russa nel secondo quarto del 19° secolo fu opera di Alyabyev, Varlamov e Gurilev.

AliabievAA.(1787-1851)

Alexander Alexandrovich Alyabyev è nato a Tobolsk. Come molti dei suoi grandi contemporanei, proveniva da una famiglia nobile ben nata, ricevette un'educazione eccellente e versatile durante l'infanzia. Fin da giovane ha mostrato talento creativo. Nel 1812 si offrì volontario per il reggimento ussari, partecipò a molte battaglie, fu ferito e ricevette ordini per merito militare. Dal 1823 visse a Mosca. Insieme ad A.N. Verstovsky e F. Ch. Scholz hanno scritto la musica per il prologo "Il trionfo delle Muse" per l'apertura del Teatro Bolshoi. Nel 1825 fu falsamente accusato di omicidio ed esiliato in Siberia con la privazione di tutti i diritti e il titolo di nobiltà. Il motivo della dura sentenza, a quanto pare, era la sua vicinanza ai circoli decabristi. Nel 1828 Alyabyev è stato inviato a Tobolsk. Qui ha diretto un'orchestra sinfonica e un coro, si è esibito come direttore e pianista. Scrive molto, nonostante la sua salute cagionevole. Con lui, i temi del patriottismo e dell'amore per la libertà sono entrati nella storia d'amore russa. La comunicazione con AS era importante per lui. Griboyedov, poeti - Decabristi, Dargomyzhsky.

Alyabyev ha dato un contributo significativo alla musica strumentale da camera. Ha scritto 3 quartetti d'archi, 2 trii con pianoforte, un quintetto con pianoforte, quartetti e quintetti per strumenti a fiato, brani e cicli di variazioni per vari strumenti, musiche per spettacoli drammatici, musica lirica " Notte al chiaro di luna o Brownies”, “Storm”, “Edwin e Oscar”, “Pescatore e Sirena”, “Amalat-bek”.

Contemporaneo di Glinka e Dargomyzhsky, Alyabyev nelle sue opere migliori si avvicina al metodo creativo di questi compositori. Molte delle sue opere non furono messe in scena e rimasero manoscritte. Un posto speciale nel lavoro di Alyabyev è occupato da "canzoni russe" e romanzi-monologhi. L'autore del famoso "Usignolo" secondo le parole di Delvig, Alyabyev ha introdotto un flusso romantico nella musica vocale russa.

È uno dei primi compositori a scrivere gran numero romanzi alle parole di Pushkin ("Ti ho amato", "Awakening", " Strada d'inverno" e così via.). Un posto speciale è occupato dai romanzi-monologhi legati al tema della solitudine, dell'esilio, dei pesanti vagabondaggi: "Irtysh", "Evening Bells". Nelle opere degli anni '40 fa riferimento alle trame valore sociale: "Taverna", "Capanna", "Guardiano del villaggio" alle parole di N.P. Ogarev, "Mendicante" alle parole di Beranger, in cui vengono mostrate le immagini degli indigenti. Queste canzoni hanno preparato le opere innovative di Dargomyzhsky ("Fever") e Mussorgsky ("Kalistrat", "Gopak", "Trepak").

Alyabiev ha cercato di aggiornare i mezzi di espressione. Ha sviluppato gli elementi declamatori della melodia vocale, ha aumentato il significato espressivo di armonia e consistenza e ha dato un significato indipendente alla parte pianistica del romanzo.

VarlamovAE(1801-1848)

Alexander Egorovich Varlamov è un compositore, cantante, insegnante-cantante e direttore d'orchestra russo. Ha ricevuto la sua educazione musicale presso la Cappella di Corte di San Pietroburgo, dove è stato corista e ha studiato con il direttore della cappella D.S. Bortnyansky.

Nel 1819 è stato nominato insegnante di coristi della cappella di corte russa in Olanda. Qui iniziò la sua attività di direttore di coro, cantante da camera e chitarrista. Nel 1823 tornato a San Pietroburgo, ha lavorato come insegnante di canto a scuola di teatro. Nel 1843 ricevette l'incarico di "compositore di musica" e vicedirettore dei teatri imperiali.

Nel 1833 ha pubblicato la prima raccolta di romanzi e canzoni e la prima guida metodologica russa alla pedagogia vocale "The Complete School of Singing". Lui stesso lo era cantante di talento, un maestro della cantilena, un interprete sottile e riflessivo.

Varlamov è entrato nella storia della musica russa come un maestro del romanticismo. I suoi romanzi riflettono la struttura figurativa della canzone popolare russa, le sue caratteristiche intonazionali e modali. conoscenza sottile arte vocale lo ha aiutato a creare vividi campioni della cantilena russa, melodie a flusso libero di respiro ampio. Una grande influenza sullo stile di Varlamov fu il modo di esibirsi dei cantanti gitani.

Varlamov ha creato circa 200 romanzi e canzoni basate su poesie dei poeti russi M.Yu. Lermontov, AN Pleshcheeva, AA Feta, AV Koltsova e altri.

Tra le "canzoni russe" di Varlamov predominano 2 generi: persistente lirica e danza veloce. In canzoni estese - generosità melodica, plasticità della melodia vocale, uso di tecniche di canto popolare russo - sviluppo del canto delle varianti, canti intra-sillabi ("Oh, you time, time", "What are you early, grass") . Il secondo tipo include canzoni dal ritmo attivo: "Una bufera di neve sta spazzando la strada", "Usignolo randagio".

Impatto del folklore urbano con il tipico ritmi di danza colpito nei romanzi "Non svegliarla all'alba", "Non cantare, usignolo", "Non cucire per me, madre, sarasran rosso" (parole di Tsyganov). Insieme a "Bell" di Gurilev e "Nightingale" di Alyabyev, la storia d'amore "Non cucirmi, madre, un prendisole rosso" è diventata di proprietà pubblica.

Vicino ai testi elegiaci di M.I. Glinka e AS Dargomyzhsky, i romanzi di Varlamov "Loneliness", "Mountain Peaks". Il drammatico monologo "Promemoria", "Tristezza", la ballata "Sellerò un cavallo", la storia d'amore capricciosa alle parole di Lermontov "La vela solitaria diventa bianca" ha creato la propria tradizione nei testi russi e ha trovato una risposta nel lavoro di A.S. Dargomyzhsky, PI Ciajkovskij, SV Rakhmaninov.

Opere principali: balletti "Il divertimento del sultano o del venditore di schiavi", "Il ragazzo astuto e il cannibale", 200 romanzi e canzoni, ensemble vocali, cori, musica per spettacoli drammatici.

GurilevAL.(1803-1858)

Alexander Lvovich Gurilev - Compositore, violinista, insegnante di pianista russo. Figlio di un musicista servo, è nato a Mosca. Ha studiato musica sotto la guida del padre. Fin da giovane ha suonato violino e viola nell'orchestra della fortezza. Nel 1831, insieme al padre, ricevette la libertà. Diventa famoso come compositore, pianista e insegnante. Condizioni finanziarie difficili e gravi malattie mentali in l'anno scorso la vita ha ostacolato la sua attività creativa. Ma nonostante questo, ha scritto un gran numero di opere.

La copertura dei generi nell'eredità pianistica di Gurilev è ampia: piccoli pezzi, fantasie da concerto su temi dell'opera di Donizetti "Lucretia Borgia", fantasia sui temi dell'opera di Glinka "Ivan Susanin", variazioni sui temi dei romanzi di Alyabyev "L'usignolo, il mio usignolo ", Varlamov "All'alba non svegliarla", variazioni sui temi delle canzoni popolari russe, polonaise, 2 valzer, 5 mazurche, ecc. Un'ampia varietà di tecniche armoniche, fluidità nella tecnica di scrittura del pianoforte, virtuoso lo scopo dà motivo di parlare di Gurilev come di un compositore di talento e di un musicista sottile un esecutore con eccellenti abilità pianistiche. Ha scritto molti romanzi sulle parole di Y. Lermontov, A.N. Koltsov, I. Makarov, N. P. Grekov e altri poeti: le canzoni "The Bell", "The Swallow Winds" sono intrise di stati d'animo elegiaci. Immagini affascinanti di ragazze sono date nelle canzoni "Mother Dove", "Girl's Sadness", "Sarafan". Tutti loro si distinguono per la loro specificità di genere, la morbidezza del movimento in tre parti nel ritmo del valzer.

I migliori romanzi di Gurilev risuonano con i testi di Glinka e Dargomyzhsky. Troviamo l'influenza di Glinka nei giri di intonazione, metodi tipici di un salto verso l'alto e il suo riempimento, canto del suono centrale da figure come groupetto, ecc.

Ma nei migliori romanzi, Gurilev rivela gli aspetti più attraenti del suo talento lirico. Tali sono i suoi romanzi "Non capisci la mia tristezza", "Musica interiore", "Separazione". Il riavvicinamento con Dargomyzhsky può essere visto nella storia d'amore con le parole di Lermontov "Sia noioso che triste". Il deposito declamatorio della melodia, la sua gamma compressa, gli accenti espressivi del discorso conferiscono alla musica il carattere di una conversazione con se stessi. Alyabyev, Varlamov, Gurilev ampiamente previsto, ha preparato il percorso futuro della storia d'amore russa.

russomusicaXVIIIeprimometàXIXsecolo

La musica russa ha percorso un lungo e glorioso percorso nel suo sviluppo. Quanti grandi compositori: Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Scriabin, Rachmaninov, Glazunov e molti altri! La loro arte ha glorificato la nostra Patria. In tutti i paesi il globo la loro musica suona e risveglia sentimenti luminosi, gentili e puri nel cuore delle persone. La fioritura della cultura musicale nel 19° secolo è stata preparata dall'intero corso del suo sviluppo in Russia. Da secoli si accumulano tra la gente preziose sorgenti di arte musicale. La creatività poetica e musicale popolare esisteva nell'antichità e rifletteva l'intera vita e la storia delle persone: i loro costumi e rituali, il loro lavoro e la loro lotta per la libertà, le loro speranze e sogni di una vita migliore. Molte canzoni dure e coraggiose furono create tra la gente su Stepan Razin, Emelyan Pugachev e altri leader di rivolte e guerre contadine. Il grande poeta russo AS Pushkin ha apprezzato molto le canzoni su Razin e Pugachev. Nella sua storia "La figlia del capitano" Pushkin cita la canzone "Non fare rumore, madre foresta di querce verdi" e ne parla come la canzone preferita di Pugachev. I nostri compositori classici russi hanno raccolto e studiato con cura la loro canzone nativa. Alcuni di loro - Balakirev, Rimsky-Korsakov, Lyadov - hanno compilato raccolte di canzoni russe per voce accompagnata dal pianoforte. Nelle loro opere usavano spesso melodie russe. E quando componevano le proprie melodie, introducevano intonazioni, canti e giri melodici caratteristici delle canzoni russe. La musica di Glinka e Tchaikovsky, Borodin e Mussorgsky è comprensibile e accessibile a un vasto pubblico proprio perché ricca di bellissime melodie e cantabili. Nel 18 ° secolo, casa urbano canzone, con accompagnamento armonico di accordi, nuovo nel suo carattere espressivo. Il canto cittadino, più semplice nella sua struttura, nasce sulla base melodica di un antico canto popolare, spesso chiamato "canto contadino". E in quasi tutte le canzoni urbane, in una certa misura, vengono utilizzati i canti, le caratteristiche modali e ritmiche di una vecchia canzone. Il lavoro dei poeti russi ha avuto un'influenza notevole sullo sviluppo del canto urbano. Un esempio di questo è la canzone "Come ti ho sconvolto", composta cantanti popolari alle parole leggermente modificate del famoso poeta russo del XVIII secolo A. Sumarokov. Nel 18 ° secolo ci sono spartito record Canzoni popolari russe. La prima raccolta di canzoni popolari è stata pubblicata dal cantante-guslist V. Trutovsky; è stata seguita da una vasta collezione compilata dal famoso poeta russo N. Lvov in collaborazione con I. Prach. Queste raccolte includevano non solo le vecchie canzoni più popolari e amate dalla gente, ma anche le nuove canzoni di città. Le raccolte hanno introdotto gli amanti della musica a bellissime melodie russe. Molte delle canzoni sono state successivamente utilizzate dai compositori in opere e in opere strumentali. Per tutto il 18° secolo, le solite melodie delle canzoni popolari sono sempre più ascoltate in vari brani strumentali, nella musica per spettacoli teatrali e opere liriche. Naturalmente, l'interesse per le melodie popolari non è sorto immediatamente. All'inizio, gli abitanti di entrambe le capitali russe erano contenti dei lavori compositori stranieri. Alla corte di San Pietroburgo venivano spesso allestite magnifiche rappresentazioni d'opera per una ristretta cerchia di ascoltatori. Ma molto più importante fu l'attività di piccole compagnie d'opera, che visitarono spesso San Pietroburgo e Mosca, a partire dagli anni '30. I prezzi ragionevoli hanno contribuito alla disponibilità generale degli spettacoli. Si trattava di divertenti opere comiche italiane e francesi basate su scene quotidiane, in cui il canto spesso si alternava a dialoghi colloquiali. Seguendo il modello delle opere parlate, nel tempo, ha creato e primo russi opere. All'inizio era senza pretese commedie domestiche con inserti musicali basati su melodie di canzoni russe. Alcuni di loro hanno ridicolizzato la vita e i costumi di varie classi: mercanti, funzionari ("San Pietroburgo Gostiny Dvor" del musicista servo M. Matinsky). E questo, senza dubbio, ha manifestato il legame delle prime opere russe con la letteratura russa avanzata (in particolare, con l'opera di Fonvizin). In quegli anni, a San Pietroburgo, era molto famoso il "Teatro Russo" accessibile al pubblico. Artisti russi di talento, come ad esempio E. Sandunova, si sono esibiti sui palcoscenici di San Pietroburgo e Mosca. L'ornamento dell'home theater di Sheremetyev era la meravigliosa attrice della gleba Parasha Zhemchugova (la canzone "Late Evening from the Woods" si è formata tra la gente sul suo straordinario destino). Tuttavia, il destino di attori e musicisti russi di talento nelle condizioni della Russia feudale si è spesso rivelato tragico, molti dei musicisti sono morti prematuramente. Nonostante la posizione difficile e priva di diritti dei musicisti, nell'ultimo quarto del XVIII secolo la Russia stava già sviluppando una propria scuola di composizione. I giovani compositori creano romanzi espressivi e adattamenti di canzoni russe, brani per pianoforte e violino, aperture sinfoniche, musica per spettacoli e, infine, opere. Tra loro c'erano Dubyansky, Berezovsky, Bortnyansky, Fomin, Khandoshkin e altri.

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Agenzia federale per l'istruzione

Accademia statale di economia e servizi di Ufa

Assessorato al Turismo e all'Ospitalità


CORSO DI LAVORO

per disciplina" Cultura mondiale e arte"

sull'argomento: cultura musicale russa del XIX secolo e sua importanza globale


completato: studente gr. SD-21

Mikhailova IV

verificato: candidato di scienze storiche, professore associato

Kotova TP



introduzione

sfondo storico

Lo sviluppo della cultura della canzone russa nel XIX secolo

Scuola di compositori russi

Mikhail Ivanovic Glinka

Aleksandr Sergeevich Dargomyzhsky

"Mazzo possente"

· Genio Pietro Ilic Ciajkovskij

Conclusione

Bibliografia

Applicazioni


introduzione


Senza musicala vita sarebbe un errore. (Friedrich Nietzsche)

Musicaè la mente incarnata in bei suoni. (Ivan Sergeevič Turgenev)

Musicamediatore tra la vita della mente e la vita dei sensi. (Ludwig van Beethoven)

La parola russa "musica" è di origine greca. Di tutte le arti, la musica colpisce più direttamente la percezione di una persona, "contagia con le emozioni". Il linguaggio dell'anima, come è consuetudine parlare di musica, proprio perché ha una forte influenza a livello subconscio sull'area dei sentimenti di una persona, ma non si può escludere l'impatto sull'area della mente. Scrivere in modo esaustivo definizione precisa fenomeno (o sostanza) chiamato "musica" è impossibile.

La ricchezza della musica russa è incommensurabile. Da più di dieci secoli le sue tradizioni si formano e si sviluppano a stretto contatto con la cultura musicale di altri paesi e in costante interazione con altri tipi di creatività artistica.

La musica russa è la parte più importante della cultura russa. Come la letteratura russa, la poesia, la pittura, il teatro, riflette vividamente tutte le fasi della vita sociale, la formazione del pensiero filosofico ed estetico russo. Nei suoi diversi generi e forme, la storia del popolo, la sua lotta di liberazione, il carattere della persona russa, l'originalità della natura e della vita russa hanno trovato la loro incarnazione.

Nel suo tesina Ho deciso di mostrare lo sviluppo musicale della Russia nel 19° secolo, che ha avuto luogo sullo sfondo degli eventi storici più importanti: la guerra patriottica, la rivolta dei decabristi, l'abolizione della servitù della gleba, ecc.

Il compito dell'opera è analizzare lo stato della cultura musicale della Russia nel XIX secolo, identificarne le caratteristiche, raccontare i compositori di questo secolo e le loro opere e anche identificare il significato della musica russa del XIX secolo secolo per la cultura mondiale.

Nella sua tesina coinvolgerà metodi di ricerca come lo studio e l'analisi della letteratura e dei documenti, la generalizzazione, l'analisi dei prodotti dell'attività, la descrizione.

Quando studierò questo argomento, userò la letteratura: Enciclopedia "Krugosvet", russa letteratura musicale E. Smirnova, Nikitina L.D. Storia della musica russa, ecc.

sfondo storico

compositore di cultura musicale della canzone

Il 19° secolo in Russia è associato a importanti cambiamenti politici e sociali e la guerra del 1812 e l'abolizione della servitù della gleba hanno svolto un ruolo importante in questo. In letteratura, poesia, musica e pittura, il tema della disuguaglianza sociale è diventato più acuto.

Già nella prima metà del 19° secolo, la cultura russa raggiunse una fioritura brillante e abbagliante. Liberato dagli elementi dell'imitazione, trova forme espressive originali e originali per i contenuti più vari e di più ampia portata e crea grandi valori duraturi di significato umano universale. Il lavoro di rappresentanti così brillanti come Pushkin, Lermontov, Gogol nella letteratura, Glinka nella musica è una delle vette più alte non solo in russo, ma anche nell'arte mondiale.

La guerra patriottica del 1812 diede un forte impulso alla nascita dell'iniziativa pubblica.Il patriottismo del popolo russo si manifesta nella crescente ansia per il bene comune, in un'ampia consapevolezza degli interessi comuni della nazione, nel desiderio di suscitare il livello di cultura e benessere nazionale.

La rivolta decabrista ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo della cultura russa nel 19° secolo. Tutte le emozioni, i pensieri, le esperienze si riflettono in molte opere musicali di quel tempo. L'era dei Decabristi segnò l'inizio dello sviluppo della canzone rivoluzionaria in Russia. Un grande merito a questo proposito appartiene alle figure del movimento decabrista: Ryleev e Bestuzhev. Le tradizioni della canzone rivoluzionaria, dettate dai poeti decabristi, furono riprese e sviluppate dai loro contemporanei. I temi dell'amore per la libertà e della protesta, la lotta contro l'oppressione sociale sono penetrati in profondità nel canto quotidiano.

Man mano che le idee di liberazione crescevano e si diffondevano, cresceva anche l'opposizione del governo ad esse. Già nella seconda metà del regno di Alessandro I, questo corso reazionario fu determinato, espresso nella distruzione delle università, nel rafforzamento della censura. Una lunga serie di reazioni senza precedenti crudeli, ottuse e spietate regna nella vita russa dopo la repressione della rivolta decabrista, insieme all'ascesa al trono di Nicola I. L'esistenza del giornalismo democratico, e ancor più delle organizzazioni politiche che conducono pratiche rivoluzionarie attività, era impossibile in Russia.

In queste condizioni, la letteratura è particolarmente importante, le opere di Pushkin, Gogol, Lermontov diventano il principale portavoce del pensiero emancipativo.

Tutto quanto sopra crea i prerequisiti per la formazione delle scuole classiche di letteratura e arte nazionale russa.

Glinka ha svolto un ruolo nello sviluppo della musica russa, per molti aspetti simile a quello che appartiene a Pushkin nello sviluppo della letteratura russa. Come Pushkin, Glinka ha ampiamente accettato e implementato vari elementi della cultura artistica contemporanea. Padroneggiando tutto ciò che è prezioso e praticabile dall'eredità dei suoi predecessori, Glinka supera i loro limiti e raggiunge un'enorme ricchezza, completezza di contenuti e perfezione dell'espressione artistica. In termini di equilibrio interiore, integrità armonica ideale e completezza, il lavoro di Glinka si è rivelato lo stesso modello innegabile e norma classica per le generazioni successive, come la poesia di Pushkin. Glinka ha segnato l'inizio della sua influenza nel mondo con il suo lavoro. Dargomyzhsky segue il percorso di Glinka nel suo lavoro. Introduce elementi di maggiore acutezza sociale, caratterizzazione quotidiana e psicologica, satira e umorismo nella musica russa, preparando molto di ciò che riceverà una forma chiara nel lavoro della giovane scuola nazionale degli anni '60. Glinka ha segnato l'inizio della sua influenza nel mondo con il suo lavoro.

I messaggi sulla musica russa iniziarono ad apparire sempre più spesso da quel momento sulla stampa estera. Pochi mesi prima della pubblicazione degli articoli di Berlioz su Glinka, il famoso musicologo francese Fetis scrisse dell'ancora giovane Dargomyzhsky come un talento musicale originale e promettente in Russia.

Periodo storico 60-80 anni. È consuetudine chiamare il 19° secolo post-riforma - nel 1861, con regio decreto, fu cancellato servitù che ha portato alla liberalizzazione della vita pubblica russa. Questa fase è segnata da un'elevata fioritura della cultura artistica come fenomeno integrale e originale. Fu allora che nell'arte si formò un certo sistema di valori spirituali ed estetici, che si incarnarono nella letteratura e nel teatro, nella pittura e nella musica.

Lo sviluppo della cultura della canzone russa nel XIX secolo


"L'età era delle canzoni" - così il poeta G.R. Derzhavin. L'immagine della cultura della canzone di quel tempo era insolitamente varia e persino multilingue. Canzoni russe e francesi, zingaresche e tedesche, contadine e urbane, amatoriali e professionali si intrecciano in modo intricato nella vita di tutti i giorni. La canzone risuonava dalle pagine Lavori letterari ed è stato pubblicato in raccolte speciali "per il piacere di molti amanti", eseguite nelle case degli aristocratici.

Nel 19 ° secolo grande attenzione continuò ad essere riservata allo studio del folklore. I compositori russi consideravano la musica popolare una fonte di ispirazione. Collezionavano canti popolari e li usavano spesso nelle loro opere, senza perdere l'originalità del proprio linguaggio musicale.

Sorgono alcuni nuovi generi, vecchie forme (canzoni di tutti i giorni, canzoni sul tema del vagabondaggio, canzoni satiriche) si evolvono sotto l'influenza di nuovi contenuti di vita, la natura delle immagini e i mezzi espressivi dell'intonazione cambiano. La canzone popolare quotidiana risponde ai grandi eventi politici e sociali di importanza nazionale.

In esso si riflette ampiamente la Guerra Patriottica del 1812. Un intero ciclo di canzoni sul dodicesimo anno, legate all'orale tradizione folcloristica. In termini di contenuto e forme musicali e poetiche, sono molto diversi. A volte usano le tecniche dei vecchi tipi tradizionali. creatività delle canzoni popolari.

La guerra patriottica ha anche causato la comparsa di liriche espressive

canzoni che catturano il profondo dolore, la tristezza e il dolore delle persone causati dai gravi disastri della madrepatria, dalla devastazione terra natia, la perdita dei propri cari.

La canzone popolare russa iniziò a godere di una popolarità eccezionalmente ampia, diffondendosi in molti arrangiamenti diversi: per il coro, la voce con accompagnamento e i singoli strumenti. Dal 1806 al 1815 la raccolta di Prach fu pubblicata nella seconda e terza edizione. Sulla sua base sono state create raccolte di brani di tipo pubblico.

Danila Kashin, una talentuosa musicista russa che proveniva da servi della gleba, era ampiamente conosciuta per i suoi arrangiamenti di canzoni popolari. Nel 1833-1834. la sua raccolta "Canzoni popolari russe" è stata pubblicata in tre parti. Per l'epoca è caratteristico come la "Collezione" di Prach a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. All'inizio degli anni '40 apparve la seconda edizione della collezione Kashin, che ne testimoniava la popolarità e la grande richiesta. Nelle tecniche di elaborazione di Kashin, si può vedere chiaramente il desiderio di una sensibilità enfatizzata, a volte un po' isterica.

Sulla stessa strada con Kashin, il percorso di compenetrazione di canti popolari e intonazioni di romance urbano è stato seguito da un altro noto collezionista di canzoni, servo di origine, Ivan Rupin, che era anche un talentuoso cantante-interprete (il suo cognome era pronunciato dai suoi contemporanei con finale italiano - Rupini) e il compilatore di una raccolta di canti popolari, pubblicata nel 1831

Insieme a varie rifrazioni quotidiane della canzone popolare russa, si sviluppa una storia d'amore sentimentale lirica, che ha anche goduto di una popolarità eccezionalmente ampia negli strati più diversi della società. Come la "canzone russa" del XVIII secolo, il romanticismo russo nella sua parte predominante era associato alla sfera della musica domestica.Nel linguaggio musicale del romanticismo quotidiano, la semplicità dei mezzi è combinata con sincera immediatezza e sincerità di espressione. I compositori Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo del romanzo russo nel 19° secolo (vedi Appendice 1).

Aleksandr Aleksandrovich Aliabiev(1787-1851) nacque in un'antica famiglia nobile. In gioventù prestò servizio nell'esercito, partecipò alla guerra patriottica del 1812. Successivamente lasciò il servizio militare e si dedicò all'attività creativa. Alyabyev è l'autore di famosi romanzi: "Ti ho amato", "Winter road" (entrambi su poesie di Alexander Sergeevich Pushkin), "Nightingale" e altri. " Usignolo"- una delle canzoni preferite e più comuni di Alyabyev. Tutto in esso è modesto e semplice. La canzone è preceduta da una vivace introduzione al pianoforte nello spirito di una melodia di chitarra. Fin dalle prime intonazioni della parte vocale, si dispiega una melodia accattivante, morbida e ponderata. Ampia e morbidamente arrotondata, cattura e conquista subito con la sua rigorosa bellezza.

Compositore Aleksandr Egorovich Varlamov(1801-1848) - autore di romanzi popolari. In totale, ha creato circa duecento opere di questo genere, principalmente basate su poesie di poeti russi ("Red Sundress", "Una bufera di neve spazza lungo la strada", "All'alba non la svegli", "Una vela solitaria diventa bianco”, ecc.). Varlamov era anche conosciuto come cantante, chitarrista, direttore d'orchestra e insegnante. Scrisse uno dei primi libri di testo russi per cantanti: "The Complete School of Singing" (1840).

Alexander Lvovich Gurilev(1803-1858) era figlio di un musicista servo (nel 1831 lui e suo padre ricevettero la libertà). Compositore, pianista, violinista, violista e insegnante, Gurilev divenne famoso come autore di canzoni e romanzi. Le più famose sono le sue canzoni "Mother Dove", "Bell", "Sarafan", "The Swallow Curls" e i romanzi "Parting", "You not forget my sadness". Oltre ai testi vocali, il compositore ha lavorato nei generi della musica per pianoforte, ha raccolto ed elaborato canzoni popolari.

Il lavoro di Alyabyev, Varlamov e Gurilev è un prezioso contributo al tesoro della musica russa. Le loro migliori canzoni e storie d'amore sono incluse nel repertorio concertistico di cantanti e cori, sono cantate con amore tra la gente del nostro tempo.

compositore russo Scuola XIX secolo


Mikhail Ivanovic Glinka


Senza dubbio, il rappresentante più importante della scuola di compositori della prima metà del XIX secolo è Mikhail Ivanovic Glinka(1804-1857). Il lavoro di Mikhail Ivanovich Glinka si trova alle origini della scuola del compositore russo e le sue opere, i suoi metodi di lavoro, l'atteggiamento nei confronti dei generi musicali e delle tradizioni sono stati percepiti come esemplari nel XIX secolo. Dopo aver ricevuto un serio educazione musicale in Europa, Glinka è stato il primo a realizzare profondamente le peculiarità del russo musica nazionale e in gran parte grazie a questo maestro, i generi europei hanno ricevuto un'interpretazione originale in Russia. Le impressioni infantili di Glinka si riflettevano nel suo lavoro. I primi anni della sua vita furono trascorsi nella tenuta di suo padre tra la natura rurale del territorio di Smolensk. Lì imparò e si innamorò delle canzoni popolari, le ascoltò. I racconti della serva tata Avdotya Ivanovna, che lo amava teneramente e devotamente, affondarono profondamente nell'impressionabile anima infantile della piccola Glinka.

Gli eventi del 1812 fecero una grande impressione su Glinka. Fuggendo dall'invasione dell'esercito napoleonico, la famiglia Glinka lasciò la tenuta. Il ragazzo ha ascoltato molte storie sull'eroismo dei partigiani ed è stato per sempre intriso di amore e rispetto per il popolo russo, la sua potente forza e bellezza spirituale.

Nella vita familiare dei parenti di Glinka, la musica suonava spesso. Mio zio, che viveva nelle vicinanze, aveva una buona orchestra, composta da musicisti servi. La musica fece un'impressione straordinaria sul ragazzo, dopo i concerti camminava distratto. "La musica è la mia anima", ha detto una volta. L'orchestra della fortezza dello zio si esibì opere varie tra loro c'erano canzoni popolari. Ricordando le sue impressioni d'infanzia, Glinka scrisse: "... Forse queste canzoni, che ho ascoltato durante la mia infanzia, sono state la prima ragione per cui in seguito ho iniziato a sviluppare principalmente musica popolare russa".

L'abilità compositiva di Glinka si è manifestata più chiaramente in due opere - " Vita per il re"("Ivan Susanin") e " Ruslan e Ludmila". Ha creato campioni dell'opera nazionale russa: l'opera epica eroica e l'opera da favola. Il successivo sviluppo di questi generi è connesso ai principi stabiliti da Glinka.

L'opera Una vita per lo zar (in URSS negli anni 30-80 fu adottato il nome Ivan Susanin; 1836) fu scritta su una trama storica e patriottica. Il compositore si rivolse agli eventi dell'inizio del XVII secolo. - la lotta del popolo russo contro i conquistatori polacchi. La trama dell'opera - l'impresa di Ivan Susanin - è stata suggerita a Glinka dal poeta Vasily Andreevich Zhukovsky.

Una vita per lo zar è la prima opera russa senza dialoghi parlati; si basa su un continuo sviluppo musicale. Il tessuto musicale della composizione è permeato di scene corali. In particolare, aprono (il coro "My Motherland") e completano l'opera (l'ultimo giubilante coro vittorioso "Glory").

Al centro dell'opera c'è l'immagine del contadino russo Ivan Susanin. Il compositore sottolinea la forza morale dell'eroe. Per il suo caratteristica musicale intonazioni usate di melodie popolari. Antonida, la figlia di Susanin, è un'immagine luminosa e poetica ("gentile-aggraziata", secondo la definizione di Glinka) di una ragazza russa. Sobinin, il fidanzato di Antonida, è una milizia, un uomo audace e senza paura, Vanya... Figlio adottivo Susanin, - "semplice", secondo Glinka, un ragazzo di tredici anni. Le immagini dei giovani membri della famiglia Susanin - Vanya, Antonida, Sobinin sono disegnate nelle tradizioni e nelle intonazioni del canto quotidiano del romanzo.

Alle immagini russe si oppone il campo ostile dei polacchi. L'immagine coreografica dettagliata rappresenta l '"atto polacco" dell'opera: un magnifico ballo in un antico castello. Questa composizione sinfonica trasmette lo splendore, la grazia e l'orgoglio della nobiltà: la nobiltà polacca. Le melodie ei ritmi del suono Polonaise, Mazurka, Krakowiak. La bellezza della musica è affascinante, ma nel complesso la semplicità e la sincerità delle scene "russe" contrastano con lo splendore ostentato dell'"atto polacco".

Infine, i due campi si scontrano direttamente: il distaccamento polacco arriva al villaggio di Domnino da Susanin e chiede che li conduca nel luogo in cui si trova lo zar Mikhail Romanov. La scena di Susanin con i polacchi nel boschetto, dove li condusse alla morte, è il culmine dell'opera. L'epilogo è tragico: il personaggio principale dà la vita per la Russia. Di notte, nella foresta, Susanin esegue il suo recitativo monologo morente "Annusano la verità", trasformandosi in un'aria di preghiera "Ti alzi, alba mia", in cui l'eroe chiede a Dio la forza di incontrare l'ultima ora. Contiene sia un profondo dolore che una speranza. La musica - lenta nel tempo, rigorosa e concentrata nell'umore - ricorda gli inni della chiesa.

L'opera Una vita per lo zar fu rappresentata con grande successo il 27 novembre 1836 al Teatro Bolshoi di San Pietroburgo. Il popolo progressista della società russa l'ha molto apprezzata.

La consapevolezza della vittoria creativa ha ispirato il compositore a nuove idee e pochi anni dopo la fiaba dell'opera " Ruslan e Ludmila» (1842). È stato scritto sulla trama dell'omonima poesia di A. S. Pushkin. Lo sviluppo senza fretta dell'azione musicale ricorda antichi poemi epici e leggende. L'opera contiene sia scene rituali popolari, sia immagini colorate della natura, e immagini fantastiche. Il mondo degli eroi russi (Ruslan, Ratmir), il cantautore Boyan, il principe Vladimir si oppone al favoloso mondo dei maghi: Chernomor e Naina. Gli eroi sono mostrati con serietà epica e maestà epica. Chernomor e Naina (così come lo sfortunato rivale di Ruslan - Farlaf) sono attratti da un'indubbia dose di umorismo; l'autore, per così dire, dice all'ascoltatore: questi sono solo personaggi fiabeschi, piuttosto comici che malvagi. La caratteristica principale di Chernomor, il signore del castello magico, è una marcia per metà scherzosa. L'orchestra gioca un ruolo importante nella creazione di immagini. Disegnando il regno di Chernomor, il compositore usa le intonazioni della musica orientale. turco e danza araba, lezginka. L'opera Ruslan e Lyudmila, come ogni fiaba, si conclude con la vittoria del bene sul male e il trionfo dell'amore.

Romanzi e canzoni Glinka- l'orgoglio dei classici russi. Il compositore li ha scritti per tutta la vita. I romanzi lirici di Glinka sono una specie di confessione della sua anima. Alcuni di essi raffigurano immagini della natura e della vita russa. Nei romanzi, Glinka ha generalizzato e sviluppato tutto il meglio che è stato creato dai suoi predecessori e contemporanei, gli autori del romanticismo quotidiano. Molti romanzi famosi, ad esempio "Sono qui, Inezilla", "Ricordo un momento meraviglioso", sono stati scritti sui versi di A. S. Pushkin. Glinka si rivolse anche al lavoro di V. A. Zhukovsky, A. A. Delvig e altri poeti russi. Alle parole dell'allora popolare poeta Nestor Vasilievich Kukolnik, il compositore creò un ciclo di dodici romanzi Addio a Pietroburgo (1838), così come il famoso romanzo Doubt, che amava interpretare l'eccezionale cantante russo Fyodor Ivanovich Chaliapin.

Per l'orchestra, Glinka ha scritto un'ouverture fantasy sinfonica privata. Le sue migliori opere in questo genere sono "Kamarinskaya" (1848), "Jota of Aragon" (1845) e "Night in Madrid" (1851). "Kamarinskaya", secondo l'opinione generale dei compositori russi, ha gettato le basi per la musica sinfonica russa. Le aperture "spagnole" "Jota of Aragon" e "A Night in Madrid" sono un brillante esempio della padronanza di Glinka delle intonazioni e dello stile della musica spagnola. Il pezzo per orchestra "Waltz Fantasy" (1856) preparò l'apparizione dei valzer sinfonici di P. I. Tchaikovsky.

Grazie al lavoro di Mikhail Ivanovich Glinka, la scuola musicale russa ha ottenuto riconoscimenti in Europa. Le successive generazioni di compositori, e semplicemente amanti della musica, hanno sempre apprezzato molto il contributo del maestro alla cultura russa.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869)


Dargomyzhsky è un contemporaneo più giovane e seguace di Glinka. È entrato nella storia della musica russa come un "grande maestro della verità musicale", un audace innovatore.

Le opinioni di Dargomyzhsky presero forma negli anni '30 e '40. XIX secolo, il periodo del rapido sviluppo della cultura russa. Ha risposto con sensibilità a tutto ciò che è avanzato, progressista nell'arte russa. Nel suo lavoro era vicino agli scrittori e agli artisti democratici della Russia. I legami tra la musica vocale di Dargomyzhsky e Pushkin, Gogol e Lermontov sono particolarmente stretti. Non è un caso che le migliori creazioni di Dargomyzhsky siano state scritte sui versi di Pushkin e Lermontov.

Nell'opera di Dargomyzhsky il posto centrale è occupato da romanzi e opere liriche. Il compositore ha composto musica vocale da camera per tutta la vita: ha scritto oltre un centinaio di romanzi, canzoni, ensemble vocali. Questi generi erano una sorta di laboratorio creativo per Dargomyzhsky: in essi si formava il suo linguaggio musicale. I romanzi più famosi sono "Ti ho amato" (alle poesie di A.S. Pushkin), "È sia noioso che triste", "I'm sad" (alle poesie di Mikhail Yuryevich Lermontov). Sono intrisi di un sottile lirismo, uno stato d'animo di solitudine.

Un nuovo genere di testi vocali è apparso nel lavoro di A. S. Dargomyzhsky - canzone satirica. Vividi esempi di tali lavori sono le canzoni "Worm" e "Titular Advisor" (entrambe degli anni '50). Usando il recitativo che si avvicina al linguaggio naturale, il compositore dipinse ritratti sociali espressivi.

Le migliori opere di Dargomyzhsky includono opera "Sirenetta"(1855). Basandosi sul testo dell'omonima opera incompiuta di A. S. Pushkin, il compositore stesso scrisse il libretto. La sirena è la prima opera russa nella natura di un dramma musicale psicologico quotidiano. Il compito principale assegnato dal compositore è riflettere il mondo spirituale dei personaggi, le loro esperienze e personaggi.

Negli anni '60. Dargomyzhsky ha ricevuto un ampio riconoscimento pubblico. Le prime delle sue opere si sono svolte con grande successo, il compositore è stato eletto membro del comitato della filiale di San Pietroburgo della Società musicale russa.


"Mazzo possente"


La seconda metà del XIX secolo: il periodo post-riforma, l'abolizione della servitù della gleba, la liberalizzazione della vita pubblica, la fioritura del sentimento rivoluzionario nella società russa. Questa fase è segnata da un'elevata fioritura della cultura artistica come fenomeno integrale e originale. Fu allora che nell'arte si formò un certo sistema di valori spirituali ed estetici, che si incarnarono nella letteratura e nel teatro, nella pittura e nella musica.

L'arte musicale non è rimasta distaccata dalle questioni scottanti del nostro tempo. Le posizioni populiste sono caratteristiche della visione del mondo di molti compositori che credevano nel ruolo messianico del popolo russo, nel trionfo della loro storica impresa spirituale. La musica rifletteva l'intero spettro dell'intenso ricerca morale L'intellighenzia russa di quegli anni, incarnava nelle immagini musicali gli ideali ispirati dal tempo. Alcuni maestri hanno idealizzato la storia russa, la purezza della vita popolare, altri hanno creduto nell'auto-miglioramento dell'individuo sulla base delle leggi dell'etica popolare, mentre altri hanno cercato di incarnare nel loro lavoro un certo prototipo cultura popolare nato da una fonte sempre viva: la natura primordiale.

L'originalità del genere della musica russa è strettamente connessa con il "centrismo letterario" caratteristico della cultura artistica dell'era post-riforma. Generato dall'estetica del realismo, si esprimeva nel ruolo prioritario della parola, artistico e giornalistico. Il genere musicale principale in questo momento è l'opera: storica, epica, lirica, drammatica. Altri generi musicali sintetici continuano a svilupparsi: romanticismo, canzone. La musica vocale completa l'"enciclopedia musicale" della poesia russa, arricchendola di immagini socialmente accusatrici e lirico-psicologiche.

La seconda metà dell'Ottocento è il momento della nascita di un sodalizio, che ricevette una mano leggera dal critico V.V. Stasova, nome "Mazzo possente". Comprendeva M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, MP Musorgsky, NA Rimsky-Korsakov, A.P. Borodino.

The Mighty Handful è un fenomeno eccezionale dell'arte russa. Ha lasciato un segno profondo in molti settori della vita culturale della Russia, e non solo della Russia. Nelle prossime generazioni di musicisti - fino ai nostri giorni - ci sono molti eredi diretti di Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Balakirev. Unendo le loro idee, le loro visioni progressiste sono state un modello per artisti avanzati per molti anni.

Il capo e il leader del "Mighty Handful" era Mily Alekseevich Balakirev(1836/37-1910). È uno dei fondatori (1862) e dirigente (1868-73 e 1881-1908) della Libera Scuola di Musica. Dal 1867 al 1869 fu direttore della Società Musicale Russa e dal 1883 al 1894 direttore del Coro di Corte. Le sue opere più famose sono "Overture sui temi di tre canzoni russe" (1858), poesie sinfoniche "Tamara" (1882), "Rus" (1887), "In the Czech Republic" (1905), fantasia orientale per pianoforte " Islamey" ( 1869), romanzi, arrangiamenti di canzoni popolari russe, ecc.

Tra i compositori del "Mighty Handful" Il modesto Petrovich Musorgskij(1839-1881) fu il più importante portavoce della musica idee democratiche rivoluzionarieanni '60. gg. XIX secolo. Fu Mussorgsky che, come mai prima d'ora, seppe svelare in musica la dura verità della vita del popolo russo, con grande potere accusatore, per ricreare, come disse V.V. Stasov, “l'intero oceano del popolo russo, della vita, dei personaggi , relazioni, disgrazie, fardello insopportabile, umiliazioni”. Qualunque cosa Mussorgsky scriva: opere, canzoni, cori, ovunque agisce come un denunciatore arrabbiato e appassionato dell'ingiustizia sociale.

Nel 1863 il compositore iniziò a comporre l'opera "Salambo" (basata sull'omonimo romanzo scrittore francese Gustave Flaubert), e nel 1868 - all'opera "The Marriage" (al testo invariato della commedia di N.V. Gogol). Entrambe le opere rimasero incompiute, ma prepararono Mussorgsky alla creazione dell'opera Boris Godunov (1869), che divenne un fenomeno significativo nella musica russa.

L'intera forza del talento di Mussorgsky si è rivelata in opera "Boris Godunov"dopo la tragedia di Pushkin. In questa tragedia, Mussorgsky è stato attratto dall'opportunità di mostrare nell'opera il risveglio della forza del popolo, che si traduce in un aperto malcontento e, alla fine, in una rivolta spontanea. L'idea principale dell'opera è il conflitto tra il criminale zar Boris e il popolo, che porta a una rivolta. L'attenzione del compositore si è concentrata sulla rivelazione dell'idea principale: lo scontro del re e del popolo. Le persone nell'opera di Mussorgsky sono il personaggio principale. Nonostante la grande importanza delle scene di massa, l'attenzione principale nell'opera è data alla caratterizzazione del mondo interiore dei personaggi. In primo piano, ovviamente, c'è l'immagine di Boris, che si rivela attraverso lunghe scene di monologo. Padroneggiando brillantemente la tecnica del recitativo, Mussorgsky trasmette nella musica lo stato d'animo dell'eroe: ansia vaga, dolore e depressione, coscienza tormentosa, paura e persino allucinazioni. La parte dell'orchestra è molto difficile nell'opera. Segue in modo flessibile la voce, aggiungendo importanti sfumature psicologiche alla parte vocale. Quest'opera è vicina nello spirito agli umori democratici rivoluzionari che c'erano società russa tra 60-70 anni. XIX secolo.

Nel 1872, il compositore iniziò a lavorare all'opera "Khovanshchina", che lui stesso definì "dramma musicale popolare". Allo stesso tempo, ha scritto un'opera con un piano completamente diverso: l'opera lirica "Sorochinsky Fair" basata sul romanzo di N.V. Gogol (rimasta incompiuta).

Secondo i contemporanei, Mussorgsky era un eccellente pianista. In omaggio al suo strumento preferito, ha creato un grande suite per pianoforte di dieci pezzi "Quadri di una mostra"(1874). Il concept della suite è stato ispirato dalla mostra postuma delle opere del suo amico, artista e architetto Viktor Alexandrovich Hartmann. Il ciclo inizia con un'introduzione, che diventa il leitmotiv dell'opera. L'autore l'ha chiamata "Walk" non a caso: trasmette il movimento del visitatore attraverso le sale della mostra. Questo è seguito da "immagini" separate: "Gnome", " vecchia serratura”,“ Giardino delle Tuileries ”,“ Bovini ”,“ Balletto dei pulcini non schiusi, ecc. La musica dell'introduzione viene periodicamente ripetuta e, grazie a ciò, il ciclo acquisisce unità e viene percepito come una composizione integrale.

Mussorgsky è l'autore di famose canzoni e romanzi. La prima canzone pubblicata "Where are you, little star ..." (parole del poeta e traduttore Nikolai Porfiryevich Grekov) ha dato origine a un tema lirico nell'opera vocale del compositore, che ha raggiunto il suo apice nel romanzo fantasy "Night" ( testi di A. S. Pushkin). Schizzi divertenti della vita familiare russa sono presentati nei romanzi "Ma se potessi incontrarti" (parole del poeta Vasily Stepanovich Kurochkin) e "Svetik Savishna" e "Seminarist" (parole del compositore).

Mussorgsky è un vero compositore folk che ha dedicato tutto il suo lavoro alla storia della vita, dei dolori e delle speranze del popolo russo. Il suo lavoro era così originale e innovativo, che ha ancora una forte influenza su compositori di diversi paesi.

Alexander Porfiryevich Borodin (1833-1887) -compositore unico. Nella musica, ha continuato sotto molti aspetti le tradizioni di Glinka. Nella sua musica, Borodin incarnava la grandezza e il potere del popolo russo, i tratti caratteriali eroici del popolo russo, le maestose immagini dell'epopea nazionale. E insieme a questo, nell'opera di Borodin ci sono immagini liriche, sincere, piene di passione e tenerezza.

Borodin è uno dei fondatori del russo sinfonia classica(2°, " Bogatyrskaja", 1876, che ha aperto la direzione eroico-epica nella sinfonia russa; quadro sinfonico "In Central Asia", 1980), quartetto d'archi classico russo. Maestro dei testi vocali ("Per le coste della lontana patria"); ha introdotto le immagini dell'epopea eroica nel romanzo, ha incarnato le idee di liberazione degli anni '60. 19esimo secolo ("La principessa addormentata", "La canzone della foresta oscura").

Un'opera notevole dell'antica letteratura russa del 12° secolo - "Il racconto della campagna di Igor" - ha affascinato Borodin, lo ha affascinato e lo ha ispirato a creare un'opera. Il laico ha raccontato della campagna infruttuosa del coraggioso principe Igor contro i Polovtsiani. L'autore ha invitato i principi a unirsi e in questo orientamento patriottico dell'opera è stato il suo ruolo progressivo. Su questa trama, Borodin ha creato la sua grandiosa opera "Principe Igor"(completato da Rimsky-Korsakov nel 1890).

Il principe Igor è un'opera lirico-epica in 4 atti con prologo. La musica dell'opera si basa in gran parte sulle intonazioni delle canzoni popolari: russe e orientali. Le scene popolari, sia russe che orientali, sono dipinte con colori vivaci. In questo, Borodin era un seguace di Glinka, che trovò anche una caratterizzazione artisticamente convincente per raffigurare il campo dei nemici.

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908).Tra i compositori di The Mighty Handful, Rimsky-Korsakov occupa un posto speciale. Con il suo lavoro fiorì nella musica russa storia. Tutta la sua vita è un servizio disinteressato e disinteressato all'arte, fedeltà ai suoi ideali.

La gamma di temi e trame incarnati da Rimsky-Korsakov è ampia e varia. Come tutti i "Kuchkists", il compositore si è rivolto alla storia russa, alle immagini della vita popolare, alle immagini dell'Oriente, ha anche toccato l'area del dramma quotidiano e la sfera lirica e psicologica. Ma con la massima completezza, il talento di Rimsky-Korsakov è stato rivelato in opere legate al mondo della fantasia e alle varie forme dell'arte popolare russa. Una fiaba, una leggenda, un'epopea, un mito, un rituale determinano non solo l'argomento, ma anche il significato ideologico della maggior parte delle sue opere. Rivelando le sfumature filosofiche dei generi folcloristici, Rimsky-Korsakov rivela la visione del mondo delle persone: il loro sogno eterno di una vita migliore, di felicità, incarnato nelle immagini di paesi e città da favola luminosi (regno di Berendeevo in The Snow Maiden, the city di Ledenets ne Il racconto dello zar Saltan); i suoi ideali morali ed estetici, che sono personificati, da un lato, dalle affascinanti eroine pure e gentili delle opere (la Principessa in Kashchei l'Immortale), dall'altro, cantanti leggendari(Lel, Sadko), questi simboli di un'arte popolare immortale; la sua ammirazione per il potere vivificante e l'eterna bellezza della natura; infine, l'indistruttibile fede del popolo nel trionfo delle forze della luce, della giustizia e del bene - la fonte dell'ottimismo insita nel lavoro di Rimsky-Korsakov.

Le peculiarità dello stile e del metodo artistico del compositore sono state rivelate nel modo più completo musica lirica. Le 15 opere di Rimsky-Korsakov rappresentano una straordinaria varietà di soluzioni di genere, drammatiche, compositive e stilistiche. Tra questi ci sono composizioni che gravitano verso la struttura del numero ("May Night", "Snow Maiden", " sposa reale”) e al continuo sviluppo (“Mozart e Salieri”, “Kashchei the Immortal”, “The Legend of città invisibile Kitezh", "Gallo d'oro"); opere con scene di grande folla (The Maiden of Pskov, May Night, The Snow Maiden, Mlada, Sadko, Kitezh) e senza di loro (Mozart e Salieri, Vera Sheloga, Kashchei Immortal), con ensemble completi schierati ("The Tsar's Bride") e senza ensemble ("Mozart e Salieri", "Il gallo d'oro") In ogni caso specifico (la scelta del genere, i principi delle decisioni drammatiche e stilistiche sono determinati dalle premesse della trama. Non ho mai creduto e non credo, - ha sottolineato Rimsky-Korsakov, - in un'unica vera forma operistica, credendo che tante storie quante ci sono nel mondo, dovrebbero esserci così tante (quasi tante) forme operistiche indipendenti corrispondenti.. Affermando la visione dell'opera principalmente come un'opera musicale, Rimsky-Korsakov allo stesso tempo poneva elevate esigenze sulla sua base poetica, unità e coerenza. stile letterario. Diresse attivamente il lavoro dei librettisti. Riga libretti d'opera il compositore l'ha scritto lui stesso.

L'opera sinfonica di Rimsky-Korsakov non è così ampia e diversificata rispetto all'opera. Tuttavia, ha anche dato un contributo sorprendente e originale in questo settore. La concretezza figurativa del pensiero musicale del compositore ha determinato la sua inclinazione al sinfonismo programmatico (principalmente pittorico, pittorico) e di genere (associato a temi di canto e danza popolare). Da qui la caratteristica scelta di generi e forme - un'ouverture (fantasia), un quadro sinfonico, una suite e una certa direzione di stile - un'inclinazione alla variazione, l'ornamentazione nello sviluppo della materia, una particolare attenzione alle possibilità coloristiche dell'armonia e orchestrazione.

Rimsky-Korsakov ha lasciato un'enorme eredità creativa in quasi tutti i generi musicali. Le sue opere sono diverse nei contenuti, ma la loro caratteristica principale è una profonda penetrazione nella vita e nella vita delle persone, nei loro pensieri e aspirazioni.


Il brillante Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)


Tra i compositori classici russi spicca il nome di Ciajkovskij. È caro agli amanti della musica di tutto il mondo. Le sue opere catturano ed emozionano allo stesso modo tutte le persone: musicisti professionisti e il pubblico in generale. Ciajkovskij ha dedicato il suo lavoro all'uomo, il suo amore per la Patria e la natura russa, le sue aspirazioni alla felicità e la sua coraggiosa lotta contro le forze oscure del male. Nella musica del compositore - l'intera vita di una persona con la sua gioia, dolore, speranze, lotta, disperazione. E non importa quello che dice Čajkovskij, è sempre sincero e sincero.

Lo stile della musica di Tchaikovsky si è sviluppato nel contesto delle idee non convenzionali del compositore sulla natura dell'identità nazionale. Nell'interpretazione di "nazionale" e "popolare" ha seguito una strada diversa rispetto agli aderenti al "kuchkismo". Il folklore russo non era per lui una fonte universale, il principio fondamentale del linguaggio musicale. Con l'aiuto di intonazioni di canzoni popolari generalizzate e indirette, Čajkovskij ha incarnato l'immagine nazionale della "russità", la Russia, la realtà russa nella sua moderna versatilità. Pertanto, il compositore non si è posto il compito di utilizzare nella musica generi specifici di autentico folklore contadino, ma si è rivolto al "dizionario dell'intonazione" della vita musicale urbana che lo circondava. Le abituali intonazioni urbane, combinate con apertura emotiva, sincerità e melodiosità, hanno reso la musica di Tchaikovsky comprensibile e accessibile al pubblico più ampio sia in Russia che all'estero. Ecco perché le opere di Tchaikovsky hanno rapidamente conquistato la simpatia degli europei, hanno contribuito al riconoscimento internazionale della musica russa in tutto il mondo.

Čajkovskij ha scritto in quasi tutti i generi e in ognuno di essi ha pronunciato la sua nuova parola artista brillante. Ma forse il suo genere preferito era musica lirica.In esso, Ciajkovskij era un vero riformatore. Il compositore ha immaginato l'opera come il genere più democratico. "L'opera", ha scritto, "ed è solo l'opera che ti avvicina alle persone, rende la tua musica legata al pubblico reale...". L'azione dell'opera si basa su forti sentimenti ed esperienze umane. Ciajkovskij prestava grande attenzione al contenuto delle sue opere, dando sempre la preferenza alla trama della vita russa, poiché era la persona russa che conosceva e capiva davvero bene.

Uno di le migliori opere Ciajkovskij opera Eugenio Onegin.Molto prima della decisione di scrivere un'opera basata sulla trama di Eugenio Onegin, Ciajkovskij fu affascinato dalle poesie di Pushkin. Uno dei suoi posti preferiti nel romanzo poetico era la lettera di Tatyana a Onegin e il compositore sognava di comporre musica con queste parole. La prima rappresentazione dell'opera, su richiesta del compositore, ebbe luogo dagli studenti del Conservatorio di Mosca sotto la direzione di N. Rubinshtein il 17 marzo 1879.

Ciajkovskij definì la sua opera "scene liriche". Il compositore ha concentrato tutta la sua attenzione nel rivelare il mondo interiore e spirituale dei suoi personaggi.

L'opera "Eugene Onegin" è una delle più alte realizzazioni dell'arte operistica russa. Immagini vere romanzo di Puskin ha contribuito a risolvere il problema della creazione di un "dramma intimo ma potente", i cui personaggi erano "vere persone viventi". Il dramma personale dei personaggi si svolge sullo sfondo di scene quotidiane. Diverse scene quotidiane conferiscono all'opera un fascino speciale.

L'innovazione di "Il lago dei cigni" - la sua insolita e dissomiglianza con tutto ciò che lo ha preceduto - se non è stata pienamente compresa immediatamente, è stata subito notata dal pubblico e dalla critica, anche se a volte ha suscitato sconcerto negli illuminati amanti della musica. Alcuni rimproverarono al compositore la povertà dell'immaginazione creativa, la monotonia dei temi e delle melodie e una certa monotonia. Altri credevano che la musica fosse bella, inoltre, anche troppo buona per il balletto. Tuttavia, la prima del balletto al Teatro Bolshoi di Mosca (20 febbraio 1877) fu un successo e lo spettacolo rimase in repertorio fino al 1883, quando lo scenario di questa produzione cadde in rovina.

La prima recensione sulla stampa, dove è stata apprezzata la realizzazione di un nuovo balletto, è appartenuta a G.A. Laroche: "Per musica" Il lago dei cigni"- il miglior balletto che abbia mai sentito... Le melodie, l'una dell'altra più plastiche, melodiose e più eccitanti, scorrono come da una cornucopia; il ritmo del valzer che prevale tra i numeri di danza è incarnato in una tale varietà di schemi aggraziati e accattivanti che non è mai melodica l'immagine di un compositore dotato e versatile non potrebbe resistere a una prova più brillante..."

Allo stesso tempo, anche la musica sinfonica occupa un posto importante nell'opera di Čajkovskij. Ha scritto 6 sinfonie e sinfonia del software"Manfred", tre concerti per pianoforte e orchestra, uno per violino e alcune suite orchestrali. Tra i brani sinfonici in un movimento spiccano la fantasia "Francesca da Rimini" ei brani in programma basati su trame shakespeariane (l'ouverture-fantasy "Romeo e Giulietta", il fantasy "La Tempesta").

La gamma degli interessi creativi del compositore è insolitamente ampia. La sua eredità comprende dieci opere (Eugene Onegin, Ondine, Il fabbro Vakula, La regina di picche, ecc.), tre balletti (Il lago dei cigni, La bella addormentata nel bosco, Lo schiaccianoci), sette sinfonie, più di dieci composizioni orchestrali, concerti strumentali, cori e musica per pianoforte, opere da camera e vocali. Ciajkovskij è stato un innovatore in ogni campo, anche se non ha mai aspirato al riformismo. Utilizzando i generi tradizionali, il compositore ha trovato l'opportunità di aggiornarli.

"Vorrei con tutta la forza della mia anima", scrisse Ciajkovskij, "che la mia musica si diffondesse, che aumentasse il numero di persone che la amano, che vi trovino conforto e sostegno".. Il desiderio del compositore si è avverato.

L'opera di Tchaikovsky è l'apice della cultura musicale mondiale del 19° secolo, una fonte sempre viva e preziosa da cui i compositori del 20° secolo e i nostri contemporanei non smettono mai di trarre ispirazione.


Conclusione


Il 19° secolo ha dato notevoli composizioni alla musica russa e mondiale. "Ruslan e Lyudmila" e "Ivan Susanin", "Eugene Onegin" e "Il lago dei cigni" sono l'orgoglio della cultura russa. Il fondo d'oro della musica russa comprende opere di Borodin, romanzi di Balakirev, Rimsky-Korsakov, Borodin, Cui.

I compositori russi iniziarono a viaggiare all'estero. Lì hanno comunicato con importanti maestri dell'arte musicale e, soprattutto, hanno ricevuto un'educazione musicale europea. La Russia ha suscitato un interesse reciproco in Europa e, nel corso di un secolo, molti musicisti eccezionali hanno girato Mosca e San Pietroburgo. L'introduzione alla cultura europea non solo ha accresciuto l'intellettuale e livello professionale Compositori e interpreti russi, ma li ha anche aiutati a comprendere meglio le tradizioni della musica nazionale, a conoscersi meglio.

Chi è il compositore russo più amato in America in questi giorni? Certo, Ciajkovskij. Molti americani considerano persino Pyotr Ilyich un compositore americano. Ha diretto le sue composizioni in America quando è stato invitato all'inaugurazione della famosa Carnegie Hall di New York. La sua musica è ascoltata quasi quotidianamente in America alla radio, in particolare la 4a e la 6a sinfonia e il 1° concerto per pianoforte. Lo Schiaccianoci è il balletto preferito d'America.

L'opera dei compositori classici Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky è un vero tesoro della cultura russa del 19° secolo. Le loro tradizioni furono implementate e sviluppate nelle opere di compositori della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo: Taneyev e Glazunov, Lyadov e Arensky, Kalinikov, Scriabin e Rachmaninov. Tutti loro sono degni successori dei loro grandi predecessori.

Nella mia tesina, ho mostrato lo sviluppo musicale della Russia nel 19° secolo, ho analizzato lo stato della cultura musicale, ne ho identificato le caratteristiche, ho parlato dei compositori di questo secolo e delle loro opere e ho anche rivelato il significato della musica russa del 19° secolo secolo per la cultura mondiale.

La cultura musicale russa del 19° secolo, attraverso la fusione con la cultura europea, attraverso la sua trasformazione, acquisì caratteristiche speciali originali e, a sua volta, iniziò ad esercitare un'influenza significativa su di essa, sviluppandosi fino ad oggi.


Bibliografia


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2. Levashova O., Keldysh Yu. Storia della musica russa-M., 1980

Enciclopedia intorno al mondo

Smirnova E. Letteratura musicale russa - M., 2001

Nikitina L.D. Storia della musica russa-M., 1999

Rapatskaya LA Storia della musica russa: dall'antica Russia all '"età dell'argento" - M., 2001

www.rimskykorsakov.ru

allegato 1


Gurilev, Varlamov, Alyabiev, Verstovsky

Fedor Ivanovic Glinka


Disegno del costume di Luce dell'alba. Opera "Ruslan e Lyudmila"


Appendice 2


Peter Ilic Ciajkovskij


Balletto "Lo Schiaccianoci" con la partecipazione degli attori del Teatro Bolshoi


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principali direzioni artistiche. Formazione della scuola di compositore classico russo

Il diciannovesimo secolo è entrato nella storia della cultura nazionale russa come un periodo di grandi conquiste dell'arte musicale, del suo pieno sviluppo a tutto tondo. Già negli anni '30 dell'Ottocento, la musica russa raggiunse un livello classico nell'opera di Glinka. E nella seconda metà del secolo raggiunse rapidamente le vette della cultura mondiale, arricchendo il mondo con opere di duraturo valore artistico. Nel lavoro di Glinka e dei suoi successori - Tchaikovsky, Musorsky, Rimsky-Korsakov, Borodin, la musica è diventata una vera espressione dei pensieri e delle aspirazioni delle persone, il risultato di secoli di esperienza accumulata nella coscienza delle persone.

Nel suo sviluppo storico, la scuola del compositore russo del XIX secolo ha attraversato non solo un percorso rapido, ma anche difficile. Nello sviluppo della cultura russa nella prima metà del XIX secolo, si sviluppano chiaramente due fasi, nettamente delimitate dagli eventi del 14 dicembre 1825: il primo quarto del secolo: gli anni della guerra patriottica e la maturazione del decabrismo. L'intero periodo successivo, successivo all'insurrezione decabrista, fino al 1855, segnato dalla fine guerra di Crimea. Nella storia dell'arte russa, la rivolta decabrista visse una pietra miliare profonda. L'ideologia del decabrismo servì da terreno su cui crebbe il lavoro di Pushkin. Ecco il lavoro ricco e diversificato dei poeti del circolo Pushkin N.M. Yazykova, AA Delviga, EA Baratynsky, D.V. Venivitino.

Cambiamenti decisivi furono apportati anche nel campo dell'arte musicale più giovane. Nel periodo degli anni '20, Glinka iniziò la sua carriera. Arriva l'ascesa dei testi romantici russi, alimentati dal lavoro dei poeti russi. I contemporanei di talento di Glinka, Alyabyev e Verstovsky, si stanno facendo avanti. Sul palcoscenico teatrale appaiono per la prima volta e ottengono un enorme successo opere romantiche Verstovsky e nell'opera di Alyabyev si sta formando un nuovo genere di monologo romantico psicologicamente ricco.

Tutti questi fenomeni significativi della musica russa sono sorti in stretta connessione con ricerche estetiche, nate in un'atmosfera di eventi tempestosi e inquietanti. Ciò vale principalmente per l'arte di Pushkin, che ha avuto un'influenza decisiva non solo su Glinka, ma sull'intero percorso di sviluppo della musica russa.

L'estetica realistica di Pushkin, il "poeta della realtà", ha lasciato un'impronta profonda nella musica russa del 19° secolo. La concezione di Pushkin del dramma storico preparò il percorso di Glinka per l'opera eroica popolare Ivan Susanin. Ruslan e Lyudmila e Rusalka di Pushkin, profondamente folk nello spirito e nello stile, determinarono l'ulteriore sviluppo dell'opera classica russa di Glinka e Dargomyzhsky. Le sue poesie liriche divennero la base del romanzo classico russo.

I principi dell'estetica realistica, che hanno nutrito il pensiero musicale, sono serviti come base più importante per l'attività creativa dei compositori classici. Nella musica classica russa. Come nelle opere dei grandi scrittori russi, la versatilità del metodo realistico si è manifestata con particolare completezza. Ha ricevuto un'espressione specifica in ciascuno regione indipendente arte.

Considerando quadro complesso sviluppo della cultura musicale del XIX secolo, non bisogna dimenticare le profonde contraddizioni che hanno accompagnato questo processo. I compositori russi affermavano la loro arte, i loro principi estetici nella lotta contro i gusti arretrati della corte e dell'aristocrazia, contro il predominio della musica pallida e imitativa che fioriva in questo ambiente con i gusti banali di un pubblico "colto", essenzialmente non coinvolto nell'alta cultura musicale. Un esempio è la storia teatrale delle opere di Glinka e Dargomyzhsky, che ha provocato una forte condanna da parte della critica reazionaria. La lotta per i classici russi si è ulteriormente intensificata in connessione con il movimento democratico rivoluzionario degli anni '60. Il destino di Balakirev. Costretto a ritirarsi dall'attività musicale nel pieno della sua vita e del suo talento, la morte prematura di Mussorgsky - questi sono i fatti che testimoniano l'eccezionale complessità del percorso creativo dei compositori classici russi.

I fedeli alleati di questi musicisti erano i più importanti critici musicali, creatore della scienza musicologica russa Odoevsky, Serov, Stasov. Le loro opinioni si sono formate sotto l'influenza diretta di Glinka. Odoevsky era un pari e amico del grande compositore, Stasov e Serov erano i suoi contemporanei e ammiratori più giovani. A loro è attribuita la conferma teorica dei principi creativi della scuola Glinka, l'affermazione nella scienza musicale russa e la critica dei più importanti principi di nazionalità e realismo.