In quali dipinti di Delacroix il tema della libertà suona. Abstract on the Argomento: Lavoro dell'artista francese Ezhen Delacroix "Libertà Leader People

25.06.2019

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Nel 1816, il Senegal aveva un crollo della fregata francese "Medusa". 140 passeggeri hanno lasciato il brigantino su una zattera, ma solo 15 sono stati salvati; Per sopravvivere in un walnia di 12 giorni sulle onde, dovevano ricorrere al cannibalismo. Nella società francese, scoppiava uno scandalo; Il colpevole della catastrofe riconobbe il capitano incompetente, Royalist sulle convinzioni.

"Per la società liberale francese del disastro della fregata" medusa ", la morte di una nave, che per un uomo cristiano simboleggia la comunità (prima della Chiesa, e ora la nazione), divenne un simbolo, un segno molto brutto di un nuovo regime di restauro di inizio. "

Ilya Dorrontchenkov.

Nel 1818, il giovane artista Theodore Zheriko, che stava cercando un argomento degno, leggi il libro dei sopravvissuti e cominciò a lavorare sulla sua foto. Nel 1819, la foto fu esposta al salone di Parigi e divenne un successo, un simbolo del romanticismo nella pittura. Zheriko abbandonò rapidamente l'intenzione di ritrarre il più seducente - la scena del cannibalismo; Non ha mostrato la pugnalata, la disperazione o il momento della salvezza stessa.

"A poco a poco ha scelto l'unico momento giusto. Questo è il momento delle massime speranze e massima incertezza. Questo è il momento in cui le persone sopravvissute sulla zattera vengono viste per la prima volta all'orizzonte Brig "Argus", che passò per la prima volta dalla carne (non l'ha notato).
E solo allora, andare sul corso del contatore, inciampato su di lui. Sullo schizzo, dove l'idea era già stata trovata, "Argus" è evidente, e nella foto si trasforma in un piccolo punto all'orizzonte, scomparendo, che attrae gli occhi, ma non importa come fa ".

Ilya Dorrontchenkov.

Zheriko rifiuta il naturalismo: invece dei corpi esauriti nella sua foto, bei atleti coraggiosi. Ma questo non è idealizzazione, è universalizzazione: l'immagine non riguarda i passeggeri specifici di "meduse", si tratta di tutti.

"Jerico Scattars in prima linea nei morti. Non è stato inventato: la gioventù francese fu incrinata da corpi morti e feriti. Eccitato, battiti intorno ai nervi, distrusse le convenzioni: il classicista non può mostrare brutto e terribile, e lo faremo. Ma questi cadaveri hanno un altro valore. Guarda cosa sta succedendo nel mezzo dell'immagine: c'è una tempesta, c'è un imbuto, in cui viene disegnato il look. E dai corpi, lo spettatore, in piedi proprio di fronte all'immagine, cammina su questa zattera. Siamo tutti lì. "

Ilya Dorrontchenkov.

L'immagine di Zheriko lavora in un modo nuovo: non è indirizzata all'esercito del pubblico, ma a ogni persona, tutti sono invitati alla zattera. E l'oceano non è solo l'oceano delle speranze perse del 1816. Questo è un obiettivo umano.

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Nel 1814, la Francia è stata ascoltata da Napoleone, e l'arrivo di Bourbon è stato percepito con sollievo. Tuttavia, molte libertà politiche sono state cancellate, è iniziata il restauro, e alla fine del 1820 la Generazione più giovane è diventata consapevole dell'adozione ontologica del potere.

"Eugene Delacroix apparteneva allo strato dell'élite francese, che è salita sotto Napoleone e fu spinto da Borbone. Tuttavia, era annesso: ha ricevuto una medaglia d'oro per la prima della sua foto nella cabina, "Lady Dante", nel 1822. E nel 1824 ha parlato con l'immagine del "Massanie on Chios", raffigurante la pulizia etnica, quando la popolazione greca dell'isola di Chios durante la guerra greca per l'indipendenza fu deportata e distrutta. Questa è la prima deglutizione del liberalismo politico nella pittura, che riguardava ancora paesi molto lontani ".

Ilya Dorrontchenkov.

Nel luglio del 1830, Karl X ha emesso diverse leggi che limitano seriamente le libertà politiche e hanno inviato truppe nella stanza di stampa del quotidiano dell'opposizione. Ma i parigini hanno risposto con le riprese, la città era coperta di barricate, e per i "tre giorni gloriosi" del regime di rubono cadde.

Sulla famosa immagine di Delacroix, dedicata agli eventi rivoluzionari del 1830, vengono presentati vari strati sociali: Schiegol nel cilindro, un ragazzo, un lavoratore in una maglietta. Ma il principale, ovviamente, è una giovane donna adorabile con seni e spalla nudi.

"La Delacroix risulta qui che non succede quasi mai a artisti del XIX secolo, pensiero sempre più realistico. Succede in una foto - molto patetico, molto romantico, molto temprando - collegare la realtà, fisicamente tangibile e brutale, (guarda i cadaveri amati da romantici in primo piano) e simboli. Poiché questa donna a sangue pieno è, ovviamente, la stessa libertà. Sviluppo politico a partire dal XVIII secolo agli artisti La necessità di visualizzare ciò che non può essere visto. Come puoi vedere la libertà? I valori cristiani arrivano a una persona attraverso un umano molto umano - attraverso la vita di Cristo e la sua sofferenza. E tali astrazioni politiche, come libertà, uguaglianza, fraternità, non hanno l'aspetto. E il Delacroix, forse il primo e non importa come l'unico che, in generale, ha fatto con successo con questo compito: ora sappiamo come appare la libertà. "

Ilya Dorrontchenkov.

Uno dei simboli politici nella foto è un berretto da frigia sulla testa della ragazza, un simbolo araldico permanente della democrazia. Un altro motivo parlante è nudità.

"Il nudget è stato a lungo associato alla naturalezza e alla natura, e nel XVIII secolo questa associazione è stata costretta. La storia della rivoluzione francese conosce anche la performance unica, quando l'attrice nuda del teatro francese rappresentava il nud nella cattedrale del teatro parigino. E la natura è la libertà, questo è naturale. E questo è ciò che, si scopre, questa donna tangibile, sensuale e attraente denota. Significa la libertà naturale. "

Ilya Dorrontchenkov.

Anche se questa immagine glorificata Delacroa, presto la sua è stata rimossa dai suoi occhi per molto tempo, ed è chiaro perché. Lo spettatore in piedi davanti si rivela essere nella posizione di coloro che attaccano la libertà che la rivoluzione attacca. Sul movimento eccezionale, che somnet tu, sembra molto a disagio.

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Il 2 maggio 1808, la ribellione anti-Napoleone scoppiava a Madrid, la città era nelle mani dei manifestanti, ma la sera del 3 ° numero nelle vicinanze della capitale spagnola, le massicce sparatorie dei ribelli sono stati scintillati . Questi eventi hanno presto portato alla guerra partigiana durata sei anni. Quando è finita, il pittore Francisco Goya sarà ordinato due immagini per perpetuare la rivolta. Il primo è "Uprising il 2 maggio 1808 a Madrid".

"Goya raffigura davvero il momento dell'inizio dell'attacco - che prima colpito da Navay, che ha iniziato la guerra. È questo suggerimento del momento qui è estremamente importante. Sembra essere portato alla telecamera, dal panorama si trasferisce in un piano estremamente vicino, che non era anche una così estensione davanti a lui. C'è un'altra cosa eccitante: la sensazione di caos e pugnalata qui è estremamente importante. Non c'è uomo che ti penti. Ci sono vittime e ci sono assassini. E questi assassini con gli occhi arato dal sangue, i patrioti spagnoli, in generale, sono impegnati nella carne ".

Ilya Dorrontchenkov.

Nella seconda immagine, i personaggi variano in luoghi: coloro che vengono tagliati nella prima foto, al secondo scatto quelli che li tagliavano. E l'ambivalenza morale della lotta stradale è sostituita dalla chiarezza morale: Goya sul lato di coloro che si ribellino e muore.

"I nemici sono ora divorziati. Giusto coloro che vivranno. Questa è una serie di persone in uniformi con pistole, sono assolutamente uguali, ancora più identiche dei fratelli di Horace di David. Non vedono le persone, e le loro cyvering li rendono simili alle macchine, sui robot. Queste non sono figure umane. Sono silhouette nera che si distinguono in un'oscurità notturna sullo sfondo della luce di pallottola di luce di illuminazione.

Lasciato quelli che muoiono. Si muovono, la società, gesticolati, e per qualche motivo sembra che siano al di sopra dei loro boia. Sebbene il principale personaggio centrale - l'uomo di Madrid in pantaloni arancioni e una camicia bianca - si erge sulle ginocchia. È ancora più alto, è un po 'sulla collinetta. "

Ilya Dorrontchenkov.

La tacca morente si trova nella postura di Cristo, e per il consumo di Joyya rappresenta raffigurante stigmatics sui suoi palmi. Inoltre, l'artista rende tutto il tempo un'esperienza difficile - guarda all'ultimo momento prima dell'esecuzione. Infine, Goya cambia la comprensione dell'evento storico. Prima di lui, l'evento è stato raffigurato con il suo lato rituale, retorico, l'evento Goya è un momento, passione, piangere non-laureato.

Nella prima immagine, il dittico mostra che gli spagnoli ritagliavano non i francesi: i piloti che cadono sotto le gambe di un cavallo, vestiti in costumi musulmani.
Il fatto è che nelle truppe di Napoleone c'era un distaccamento di Mamelukov, cavalieri egiziani.

"Sembrerebbe strano che l'artista si trasformi in un simbolo dell'occupazione francese dei combattenti musulmani. Ma questo permette a Goya di trasformare l'evento moderno nella storia della storia della Spagna. Per qualsiasi nazione è cresciuta la loro autocoscienza durante le guerre napoleoni, era estremamente importante rendersi conto che questa guerra fa parte della guerra eterna per i loro valori. E una tale guerra mitologica per il popolo spagnolo era una riconquista, il restauro della penisola dei Pirenei nei regni musulmani. Così, Goya, preservando la lealtà del documentario, la modernità, mette questo evento a contatto con il mito nazionale, costringendo la lotta del 1808 come la lotta eterna degli spagnoli per nazionali e cristiani ".

Ilya Dorrontchenkov.

L'artista è riuscito a creare la formula iconografica dell'esecuzione. Ogni volta i suoi colleghi - se la criniera, Dix o Picasso, hanno fatto appello al tema delle esecuzioni, hanno seguito Goya.

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La pittoresca rivoluzione del XIX secolo è ancora più tangibile rispetto all'immagine dell'evento, si è verificata nel paesaggio.

"Il paesaggio cambia completamente l'ottica. Una persona cambia la sua scala, una persona sta vivendo in un modo diverso nel mondo. Il paesaggio è un'immagine realistica di ciò che ci è intorno a noi, con una sensazione di idratazione d'aria satura e articoli di tutti i giorni in cui siamo spediti. Oppure può essere una proiezione delle nostre esperienze, e poi nei trabocchi del tramonto o in una gioiosa giornata di sole vediamo lo stato della nostra anima. Ma ci sono paesaggi sorprendenti che appartengono sia all'altro modus. Ed è molto difficile da capire, infatti, quale domina ".

Ilya Dorrontchenkov.

Questa dualità si manifesta vivamente dall'artista tedesco Caspar David Friedrich: i suoi paesaggi e ci raccontano della natura del Baltico, e allo stesso tempo sono una dichiarazione filosofica. Nello scenario di Friedrich c'è un tomiziente sensazione di malinconia; L'uomo raramente li penetra ulteriormente e di solito torna indietro allo spettatore.

Al suo ultimo film "L'età della vita" in primo piano mostra una famiglia: bambini, genitori, un vecchio. E poi, dietro il divario spaziale - un cielo al tramonto, il mare e le barche a vela.

"Se guardiamo come è costruito questo stoffa, vedremo la coltivazione del tiro rotolo tra il ritmo delle figure umane in primo piano e il ritmo delle barche a vela nel mare. Qui ci sono figure elevate, qui sono forme basse, queste sono grandi barche a vela, ecco le barche sotto le vele. La natura e le barche a vela sono ciò che viene chiamato la musica delle sfere, è eterna e indipendente dall'uomo. L'uomo in primo piano è il suo essere ultimo. Il mare a Friedrich è molto spesso una metafora di inthius, morte. Ma la morte per lui, un uomo credente, è la promessa della vita eterna, che non sappiamo. Queste persone in primo piano sono piccole, corrotte, non molto attraenti scritte - il loro ritmo ripetere il ritmo della barca a vela, come un pianista ripete la musica delle sfere. Questa è la nostra musica umana, ma è tutte le rime con la stessa musica che la natura è piena per Friedrich. Pertanto, mi sembra che in questa tela, Friedrich promette - non il paradiso dell afterlime, ma che il nostro ultimo essere è ancora in armonia con l'universo. "

Ilya Dorrontchenkov.

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Dopo la grande rivoluzione francese, la gente si rese conto che avevano un passato. Il XIX secolo dagli sforzi del romantico-estetico e degli storici-postiviso ha creato un'idea moderna della storia.

"Il XIX secolo ha creato il dipinto storico, che la conosciamo. Non distratti gli eroi greci e romani che agiscono in un ambiente ideale guidato dai motivi ideali. La storia del XIX secolo diventa teatrale-melodrammatica, si sta avvicinando a una persona, e ora siamo in grado di empatia non grandi atti, ma infelicità e tragedie. Ogni nazione europea ha creato una storia nel XIX secolo, e, progettando la storia, lei, in generale, ha creato il ritratto e i piani per il futuro. In questo senso, la pittura storica europea del XIX secolo è terribilmente interessante da studiare, anche se a mio avviso non se ne andava, quasi non ha lasciato opere veramente fantastiche. E tra queste grandi opere, vedo un'eccezione che noi, i russi, possiamo giustamente essere orgogliosi di. È "Mattina Streletsky Execution" Vasily Surikov ".

Ilya Dorrontchenkov.

Pittura storica del XIX secolo, focalizzata su esternamente veritiere, di solito racconta un eroe, che dirige la storia o tollera la sconfitta. Immagine di Surikova Ecco un'eccezione luminosa. Il suo eroe è una folla in abiti motley, che occupa quasi quattro quinti dipinti; Per questo motivo, sembra che l'immagine sia incredibilmente non organizzata. Dietro la vivace folla whisteri, alcuni dei quali moriranno presto, è un eterogeneo, che preoccupa il beato tempio di Basilico. Per Peter congelato, Soldier Shangoy, HANGO HANGS - Sherng Denti da parete del Cremlino. L'immagine obbliga il duello dei punti di vista di Pietro e della rossa Sagittario.

"Possiamo molto del conflitto della società e degli stati, delle persone e degli imperi. Ma mi sembra che in questa cosa ci siano ancora alcuni valori che lo rendono unico. Vladimir Stasov, il promotore della creatività delle teste e il difensore del realismo russo, che ha scritto un sacco di eccesso su di loro, su Surikov ha detto molto bene. Ha chiamato foto di questo tipo "corale". In effetti, non c'è nessun eroe in loro - non c'è un singolo motore. Il motore diventa la gente. Ma in questa immagine il ruolo della gente è molto ben visibile. Joseph Brodsky nella sua lezione Nobel ha perfettamente detto che la vera tragedia non è quando l'eroe muore, ma quando il coro sta morendo. "

Ilya Dorrontchenkov.

Gli eventi si verificano nei dipinti di Surikov come in aggiunta alla volontà dei loro personaggi - e in questo il concetto della storia dell'artista, ovviamente, è vicino a Tolstovskaya.

"Società, persone, una nazione in questa immagine sembra separata. I soldati di Peter in uniforme, che sembrano nero e il sagittario in bianco sono contrari al bene e al male. Cosa collega queste due parti disuguali della composizione? Questo è un sagittario in una camicia bianca che va sull'esecuzione, e soldati in uniforme, che lo sostengono per la spalla. Se rimuoviamo mentalmente tutto ciò che li circondano, non saremo mai nella vita possiamo supporre che questa persona conduca all'esecuzione. Questi sono due amici che ritornano a casa, e uno supporta un altro amichevole e calore. Quando versando Greeneva nella "Capitano figlia" è stato eseguito da Pugachevtsy, dissero: "Non mi sentivo," come se volessero davvero rallegrare. Questa è la sensazione che le persone separate dalla volontà della storia allo stesso tempo Bratsk e una, è la qualità sorprendente della tela di Surikov, che non conosco da nessun'altra parte. "

Ilya Dorrontchenkov.

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Durante la pittura, la dimensione conta, ma non ogni trama può essere raffigurata su una grande canvasi. Diverse tradizioni pittoresche sono state ritratte da Sellian, ma il più delle volte - non negli enormi dipinti, vale a dire, il "funerale di Ornan" Gustava Kourba. Ornan - una prominente città provinciale, da dove viene l'artista stesso.

"Kourbe si è trasferito a Parigi, ma non è diventato parte dello stabilimento artistico. Non ha ricevuto un'educazione accademica, ma aveva una mano potente, uno sguardo molto catena e un'ambizione enorme. Ha sempre sentito il provincialmente, ed era meglio per lui a casa, a Ornan. Ma ha vissuto quasi tutta la sua vita a Parigi, combattendo con l'arte che stava già morendo, combattendo con l'arte, che idealizza e parla del generale, del passato, del bello, non notando. Tale arte, che piuttosto lodi, che presto ritardi, di regola, trova una grande esigenza. Kursbe era, in effetti, un rivoluzionario dipinto, anche se ora questa rivoluzionaria non è molto chiara per noi, perché scrive la vita, scrive la prosa. La cosa principale è che era rivoluzionario - questo è ciò che ha smesso di idealizzare la sua natura e cominciò a scriverlo esattamente mentre vede, o così, come credeva che vedesse ".

Ilya Dorrontchenkov.

Su un'immagine gigantesca, circa cinquanta persone sono raffigurate in piena crescita. Tutti sono volti reali, e gli specialisti hanno identificato quasi tutti i membri del funerale. Kursbe disegnò i suoi compatrioti, e sono stati lieti di salire sull'immagine esattamente cosa sono.

"Ma quando questa immagine è stata esposta nel 1851 a Parigi, ha creato uno scandalo. Ha camminato contro tutto ciò che il pubblico parigino era abituato a questo momento. Artisti, ha insultato la mancanza di una composizione chiara e una pittura pastorale forte, densa, che trasmette la materialità delle cose, ma non vuole essere bella. Una persona ordinaria ha spaventato il fatto che non poteva davvero capire chi fosse. Un sorprendente è stato il crollo delle comunicazioni tra il pubblico provinciale della Francia e dei parigini. I parigini hanno percepito l'immagine di questa folla ricca rispettabile come l'immagine dei poveri. Uno dei critici disse: "Sì, è una disgrazia, ma è una disgrazia della provincia, e Parigi ha la sua disgrazia". Sotto la disgrazia ha effettivamente compreso la massima veridicità. "

Ilya Dorrontchenkov.

Kurba ha rifiutato di idealizzare, che ha reso una vera avanguardia del XIX secolo. È focalizzato sul fan del francese e su un ritratto di gruppo olandese, e sulla solennità antica. Kurba insegna a percepire la modernità nella sua unicità, nella sua tragidità e nella sua bellezza.

"I saloni francesi conoscevano le immagini del grave lavoro contadino, dei poveri contadini. Ma il modus dell'immagine era generalmente accettato. I contadini dovevano rimpiangere, i contadini necessari per simpatizzare. Era una vista un po 'dall'alto. Una persona che simpatizza, per definizione, è in posizione prioritaria. E Kurba ha privato il suo spettatore la possibilità di un'empatia così paternalistica. I suoi personaggi sono maestosi, monumentali, ignorano i loro spettatori, e non ti permettono di stabilire con loro un tale contatto che li rende parte del solito mondo, sono stereotipi di rottura molto potenti ".

Ilya Dorrontchenkov.

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Il XIX secolo non amava se stesso, preferendo a cercare la bellezza in qualcos'altro, se fosse antichità, medioevo o est. La prima bellezza della modernità ha imparato a vedere Charles Bajler e l'incorpora in artisti di pittura che Bodler non era destinato a vedere: Ad esempio, Edgar Degas e Edoward Man.

"La criniera è un provocatore. MANA allo stesso tempo un brillante pittore il cui fascino delle cui pitture, vernici, molto paradossalmente collegate, fa sì che lo spettatore non si farsi chiedere domande ovvie. Se guardi i suoi dipinti, siamo spesso costretti a riconoscere che non capiamo cosa hanno portato queste persone che si rendono l'un l'altro, perché questi articoli sono collegati sul tavolo. La risposta più semplice: Mana principalmente pittore, mana principalmente occhio. È interessante per lui collegare colori e trame e la logica coniugazione di oggetti e persone è la decima attività. Tali immagini mettono spesso uno spettatore che cerca un contenuto che cerca storie in un vicolo cieco. Le storie di mana non lo dice. Poteva rimanere così sorprendentemente accurato e raffinato apparecchio ottico, se non avesse creato il suo ultimo capolavoro già in quegli anni quando possiedono una malattia mortale ".

Ilya Dorrontchenkov.

Il dipinto "Bar a Fool-Berger" è stato esposto nel 1882, prima il ridicolo dei critici prima, e poi rapidamente è stato riconosciuto come capolavoro. Il suo tema è un concerto del caffè, un fenomeno luminoso della vita parigina della seconda metà del secolo. Sembra che Mana abbia catturato vivacemente e in modo affidabile la vita di Foli-Berger.

"Ma quando iniziamo a guardare da vicino per il fatto che hai fatto la criniera nella tua foto, capiremo che esiste un numero enorme di incongruenze che sono inconsciamente inquietanti e, in generale, non ricevendo il permesso. La ragazza che vediamo la commessa, deve rendere i visitatori di fermarci, cascando con lei e ordinare ancora bere. Nel frattempo, non flirta con noi, ma guarda attraverso di noi. Sulla tabella, ci sono quattro bottiglie di champagne in calore - ma perché non in ghiaccio? Nella riflessione dello specchio, queste bottiglie non sono sul bordo del tavolo, su cosa stanno in primo piano. Il vetro con rose non è visto sotto l'angolo, sotto ciò che tutti gli altri oggetti in piedi sul tavolo sono stati visti. E la ragazza nello specchio non sembra esattamente il modo in cui la ragazza che ci guarda: lei è più lenta, ha forme più arrotondate, si appoggiò verso il visitatore. In generale, si comporta come dovrebbe portare al quale guardiamo. "

Ilya Dorrontchenkov.

La critica femminista ha prestato attenzione al fatto che la ragazza con i suoi contorni assomiglia a una bottiglia di champagne champagne sul bancone. Questa è un'osservazione lenta, ma difficilmente completa: dipinti malinconici, l'isolamento psicologico dell'eroina è contrario dall'interpretazione rettilinea.

"Queste trama ottica e enigmi psicologici dell'immagine sembrano avere una risposta inequivocabile, farci avvicinarsi di nuovo e porre queste domande ogni volta, impregnando inconsciamente la sensazione di vita moderna bella, triste, tragica, quotidiana, che ha sognato Baudelaire e per per sempre lasciato a noi mana. "

Ilya Dorrontchenkov.

Nel suo diario, il giovane Eugene Delacroix è stato registrato il 9 maggio 1824: "Ho sentito il desiderio di scrivere sulle storie moderne". Non è stata una frase casuale, un mese prima ha registrato una frase simile: "Voglio scrivere ai trame della rivoluzione". L'artista e prima ha ripetutamente parlato del desiderio di scrivere su argomenti moderni, ma molto raramente implementato questi desideri. Era perché ha avuto luogo Delacroix: "... dovresti sacrificare tutto per il bene dell'armonia e il vero trasferimento della trama. Dobbiamo fare in foto senza modelli. Il modello dal vivo non corrisponde mai esattamente all'immagine che vogliamo trasmettere: un modello o volgare, o difettoso, o la sua bellezza è così diversa e più perfetta che tutti devono cambiare ".

Beauty Life Model L'artista preferiva le trame di Romanov. "Cosa dovrebbe essere fatto per trovare la trama? Si chiede una volta. - Apri un libro in grado di ispirare e ottenere il tuo umore! " E lui santo segue il suo consiglio: ogni anno il libro sta diventando sempre più fonte di argomenti per lui.

Così gradualmente cresciuto sul muro, separando Delacroix e la sua arte dalla realtà. Così chiuso nella sua privacy e ha trovato la sua rivoluzione del 1830. Tutti quelli che pochi giorni fa furono il significato della vita della generazione romantica, è stato immediatamente scartato molto indietro, è diventato "sembrare piccolo" e inutile prima della grandezza degli eventi compiuti.

Strutturare ed entusiasmo sperimentato in questi giorni invasero la vita isolata di Delacroix. La realtà perde il suo guscio ripugnante della volgarità per lui, rivelando la grande grandezza, che non l'ha mai vista e stava cercando prima nelle poesie di Bairon, storico cronache, antica mitologia e oriente.

Giorni di luglio hanno risposto nell'anima di Ezhen Delacroy l'idea di una nuova immagine. Barricade Battales 27, 28 e 29 luglio nella storia francese ha deciso l'esito del colpo di stato politico. Durante questi giorni, il re Karl X è stato rovesciato - l'ultimo rappresentante delle persone odiate della dinastia Bourbon. Per la prima volta, per la prima volta, non era una trama storica, letteraria o orientale, ma la vita reale. Tuttavia, prima che questa idea incorporata, doveva andare lungo e difficile percorso di cambiamento.

R.Sosa, il biografo dell'artista, ha scritto: "All'inizio, sotto la prima impressione della vista, Delacroix non intendeva ritrarre la libertà nel mezzo dei suoi aderenti ... voleva solo riprodurre uno dei luglio Episodi, come, per esempio, la morte di D'Arkol. " Sì, allora c'erano molte imprese e ha portato vittime. La morte eroica di D'Arkol è collegata con la cattura dei ribelli del municipio parigino. Il giorno, quando le truppe reali fossero tenute sotto il ponte Grevsky sospeso di sparare, apparve un giovane uomo, che si precipitò al municipio. Ha esclamato: "Se io percussione, ricorda che il mio nome è d'Orco." Era davvero ucciso, ma è riuscito a affascinare il popolo e il municipio è stato preso.

Eugene Delacroix ha fatto uno schizzo di penna, che, forse, è diventato il primo schizzo alla foto futura. Il fatto che non fosse un disegno ordinario, dicono la scelta esatta del momento, e la completezza della composizione e degli accenti riflessioni su singole figure, e lo sfondo architettonico, fusi organicamente con l'azione e altri dettagli. Questo disegno potrebbe davvero fungere da schizzo per l'immagine futura, ma l'Art Historian E. Sheene credeva che fosse rimasto solo uno schizzo che non aveva nulla a che fare con quello del cannuccio che è stato scritto successivamente.

L'artista sta già diventando poca figura di una D'Arkol, colpendo e il suo eroico impulso degli affascinanti ribelli. Questo ruolo centrale è goduto dalla libertà.

L'artista non era un rivoluzionario e lo stesso lo riconosce: "Sono un ribelle, ma non un rivoluzionario". Politica lo interessava in un po ', quindi voleva ritrarre un episodio di fugace separato (anche se la morte eroica di D'Arkol), nemmeno un fatto storico separato, ma la natura dell'intero evento. Quindi, sul luogo dell'azione, Parigi, è possibile giudicare solo in un pezzo, scritto sullo sfondo della foto sul lato destro (nel profondo di a malapena visto il bandiera alzato nella Torre della Cattedrale di Notre Dame ) e sulle case della città. La scala, la sensazione dell'immensa e la portata di ciò che sta accadendo - questo è ciò che la Delacroe riporta alla sua enorme rete e che non darebbe un'immagine di un episodio privato, anche se anche il maestoso.

La composizione del dipinto è molto dinamica. Nel centro della foto c'è un gruppo di uomini armati in abbigliamento semplice, si muove verso il primo piano dell'immagine e nel diritto. A causa del fumo in polvere, non c'è area, non visibile e quanto è grande questo gruppo stesso. Il capo della folla che riempie la profondità dell'immagine, costituisce una crescente pressione interna che inevitabilmente dovrebbe passare attraverso. E così, davanti alla folla, una donna eccellente con una bandiera repubblicana a tre colori nella sua mano destra e una pistola con una baionetta era ampiamente uscì da una nuvola di fumo in cima alle barricate prese. Sulla sua testa, il berretto del frigiano rosso dei giacobini, i vestiti sono svolazzati, esponendo il petto, il suo profilo del viso assomiglia alle caratteristiche classiche di Venere Milos. È una forza completa e la libertà di entusiasmo, che il movimento decisivo e audace indica la via dei combattenti. Leader le persone attraverso le barricate, la libertà non ordina e non comanda - incoraggia e si incoraggia i ribelli.

Quando si lavora su un'immagine nella visione del mondo di Delacroix, sono stati incontrati due principi opposti - ispirazione, ispirata alla realtà, e d'altra parte, che è stata a lungo inappropriata nella sua sfiducia di questa realtà. Differenza per il fatto che la vita può essere bella in sé, che le immagini umane e i mezzi puramente pittoreschi possono trasmettere l'immagine dell'immagine in piena comprensione. È sfiducia e ha dettato la figura simbolica della libertà Delacroix e alcuni altri chiarimenti allegorici.

L'artista trasferisce l'intero evento nel mondo dell'allegoria, riflettono l'idea mentre il proprietario è arrivato Rubens (Delacroix ha parlato con il giovane Eduard Man: "Dobbiamo vedere Rubens, è necessario riversarsi rubine, è necessario copiare Rubens, per rubens è Dio ") nelle sue composizioni che personifica i concetti distratti. Ma Delacroix non è ancora in tutto, segue il suo idolo: simboleggia la libertà senza una divinità antica, ma la donna più semplice che, tuttavia, diventa il maestoso reale.

La libertà allegorica è piena di verità vitale, in uno sforzo dei rivoluzionari, va avanti dalla colonna dei rivoluzionari, affascinandoli verso se stessi ed esprimendo il significato più alto della lotta - il potere dell'idea e della possibilità di vittoria. Se non sapevamo che il mio Samofarakaya fu scavato fuori dal terreno dopo la morte di Delacroix, era possibile presumere che l'artista abbia ispirato questo capolavoro.

Molti storici dell'arte hanno notato e rimproverato Delacanus per il fatto che tutta la grandezza dei suoi dipinti non può contestare le impressioni che prima si rivelano essere solo a malapena evidenti. Stiamo parlando di una collisione nella coscienza dell'artista delle aspirazioni opposte, che ha lasciato il segno anche nella tela completata, l'oscillazione del Delacroix tra il sincero desiderio di mostrare la realtà (che lo vedeva) e il desiderio involontario di rilanciare Ai gattini, tra il dipinto dell'emotivo, immediato e già stabilito, abituale della tradizione artistica. Molti non hanno adattato che il realismo più spietato, che porta all'orrore del pubblico ben previsto dei saloni d'arte, è collegato in questa immagine con bellezza perfetta, perfetta. Notando come dignità, la sensazione di affidabilità della vita, che non è mai stata manifestata prima nel lavoro di Delacroix (e non è mai accaduto più tardi), l'artista fu rimproverato per la generalizzazione e il simbolismo dell'immagine della libertà. Tuttavia, per la generalizzazione di altre immagini, mettendo l'artista in colpa che la nudità naturalistica del cadavere in primo piano è adiacente al tasto di libertà.

Questa dualità non si scivolava dai contemporanei di Delacroix, e da quelli successivi intenditori e critici. Persino 25 anni dopo, quando il pubblico era già abituato a Natureava Natureava Kourba e Jean Francois Mill, Maxim Duan ha ancora cresciuto fino alla "libertà sui barricate", dimenticando qualsiasi restrizione di espressioni: "Ah, se la libertà è tale, se questa ragazza con piedi nudi e petto nudo, che corre, gridando e agitando una pistola, allora non ne abbiamo bisogno. Non abbiamo nulla a che fare con questa forma Meger! "

Ma, rimproverando Delacroix, cosa potrebbe essere contrario alla sua foto? La rivoluzione del 1830 si rifletteva anche nel lavoro di altri artisti. Dopo questi eventi, il Trono Reale prese Luis Philipp, che ha cercato di presentare la sua venuta a potere quasi l'unico contenuto della rivoluzione. Molti artisti che hanno tenuto precisamente questo approccio all'argomento si precipitarono lungo il percorso della minima resistenza. Una rivoluzione come un'onda folk spontanea, come una grande raffica di folk per questi maestri, non esiste affatto. Sembrano correre a dimenticare tutto ciò che hanno visto nelle strade di Parigi nel luglio del 1830, e i "tre giorni gloriosi" appaiono nella loro immagine con azioni completamente ben montate dei cittadini parigini, che erano interessati solo a quanto rapidamente acquisire un nuovo re invece di espulso. In tali opere, è possibile attribuire l'immagine della Fontaine "Guardia, proclamando il re Luigi-Philippe" o la tela O. Berna "Duke Orleans, lasciando Pale-Royal."

Ma indicando la allegorità dell'immagine principale, alcuni ricercatori dimenticano di notare che la allegorità della libertà non crea affatto una dissonanza con il resto delle figure dell'immagine, non sembra così straniero ed eccezionale nella foto, come la può sembrare a prima vista. Dopotutto, il resto dei personaggi attuali è essenzialmente allegorico per il loro ruolo. Nel loro viso, Delacroix, come lo era, prende in prima linea quelle forze che hanno fatto una rivoluzione: lavoratori, intelligentia e piombo a piomboli. Lavoratore in una camicetta e studente (o artista) con una pistola - rappresentanti di sezioni ben definite della società. Questa è indubbiamente immagini luminose e affidabili, ma questa è la loro generalizzazione di Delacroix ai personaggi. E questo allegorismo, che è chiaramente sentito già in loro, nella figura della libertà raggiunge il suo più alto sviluppo. È una dea formidabile e bella, e allo stesso tempo è un audace parigino. E accanto ai salti di pietre, grida da gioia e sventolando pistole (come se stesse conducendo eventi) Yurki, il ragazzo sbattuto è un piccolo genio di barricate parigini, che, dopo 25 anni, Viktor Hugo chiamerà Gavrose.

L'immagine "Libertà sulle barricate" termina il periodo romantico nel lavoro di Delacra. L'artista stesso ha molto amato questa immagine e metti un sacco di sforzi in modo da cadere nel Louvre. Tuttavia, dopo la cattura del potere della "monarchia borghese", l'esposizione di questa canvasi è stata vietata. Solo nel 1848, Delacroix è stato in grado di ancora una volta, e anche per un bel po 'di tempo, metti la sua foto, ma dopo aver sconfitto la rivoluzione, cadde da molto tempo nel negozio. Il vero valore di questo prodotto di Delacroix è determinato dal suo secondo nome, non ufficiale: molti sono stati a lungo abituati a vedere in questa immagine "Marcellasi francese pittura".

La storia di un capolavoro

Eugene Delacroix. "Libertà su Barricates"

Nel 1831, nel salone di Parigi, il francese per la prima volta ha visto l'immagine della "libertà di Barricata" di Ezhen Delacroix, dedicata ai "tre giorni gloriosi" della rivoluzione di luglio del 1830. Il potere, la democrazia e il coraggio della decisione artistica della tela hanno fatto un'impressione sconcertante sui contemporanei. Secondo la leggenda, esclamò un borghese rispettoso:

"Dici - a capo della scuola? Dimmi di meglio - il capo della ribellione! "

Dopo la chiusura della cabina, il governo, spaventato da un fascino formidabile e stimolante, proveniente dalla foto, si affrettò a restituirlo all'autore. Durante la rivoluzione del 1848, è stata nuovamente messa in scena alla revisione universale nel Palazzo del Lussemburgo. E tornò all'artista. Solo dopo la tela esposta alla fiera del mondo a Parigi nel 1855, cadde nel Louvre. È custodito qui una delle migliori creature del romanticismo francese - una testimonianza di prove ispiratrici e un monumento eterno alla lotta del popolo per la loro libertà.

Qual è il linguaggio artistico trovato un giovane romantico francese per unire questi due, apparentemente i principianti opposti - generalizzazione diffusa, completa e crudele nella loro realtà nuda?

Parigi del famoso luglio 1930. Aria, impregnata con fumo di sizy e polvere. Città bella e magnifica, scomparendo nel mercato delle polveri. In lontananza, appena notevolmente notevolmente, ma con orgoglio lascerà le torri della Cattedrale della Parigi Nostra Signora -simbolo Storia, cultura, spirito del popolo francese.

Da lì, dal fumo della città, sulle rovine delle barricate, sui cadaveri dei compagni morti ostinati e risolutamente sporgenti dei ribelli. Ognuno di loro può morire, ma la fase dei ribelli irremovibili - ispira la volontà della vittoria, alla libertà.

Questa forza di ispirazione è incarnata nell'immagine di un'ottima giovane donna, in un impulso appassionato della chiamata. Energia inesauribile, libera e giovane swiftness del movimento, è simile alla dea greca della vittoria Nick. La sua forte figura è rivettata nel vestito di Hiton, un volto con caratteristiche perfette, con gli occhi brucianti disegnati ai ribelli. In una mano, tiene una bandiera a tre colori della Francia, in un'altra - una pistola. Cap Frigian - Un simbolo anticoliberazione dalla schiavitù. Il suo passo è rapido e facile - la dea va. Allo stesso tempo, l'immagine della donna reaena è la figlia del popolo francese. Guida la forza del movimento del gruppo sulle barricate. Da lei, come dalla fonte della luce e dal centro di energia, i raggi, la ricarica sete e saranno distrutti alla vittoria. Nelle immediate vicinanze, ciascuna a modo loro, esprimere il coinvolgimento in questo appello stimolante e stimolante.

Ragazzi giusti, parigi gatheam, sventolando con pistole. È più vicino alla libertà e, come lo era, illuminato dal suo entusiasmo e dalla gioia della raffica libera. Nel rapido, in un movimento da ragazzo, impaziente, ha persino un po 'più avanti della sua ispirazione. Questo è il predecessore del leggendario Gavrosh, vent'anni dopo, mostrato da Viktor Hugo nel romanzo "modellato":

"Gavrosh, piena ispirazione, splendente, ha preso il controllo del compito di lasciare tutto a sua volta. Riferitò ancora avanti e indietro, si alzò, affondò, ribalta, rumoroso, scintillante di gioia. Sembrerebbe che venisse qui per incoraggiare tutti. Ha avuto qualche tipo di disgrazia per questo? Sì, certo, la sua povertà. Aveva le ali? Sì, certo, la sua divertentezza. Era una specie di vortice. Lui, com'era, pieno d'aria, frequentando allo stesso tempo ovunque ... le enormi barricate lo sentono sulla loro cresta ".

Gavrosh nel dipinto di Delacroix - la personificazione della giovinezza, il "bellissimo impulso", l'accettazione gioiosa delle luminose idee della libertà. Due immagini - Gavroosha e libertà - come se si completino a vicenda: uno - il fuoco, l'altro - una torcia bruciata da lui. Heinrich Heine ha detto quale una risposta vivace ha causato la figura di Gavroosha nei parigini.

"Inferno! - Esclamò un mercante di generi alimentari. - Questi ragazzi battono come giganti! "

Studente sinistro con una pistola. Prima visto in essoauto ritratto artista. Questo dottore non è così rapido come GAVROSH. Il suo movimento è più moderato, più concentrato, senza senso. Le mani spremere con sicurezza il tronco di un fucile, il viso esprime coraggio, solida determinazione per stare alla fine. Questa è un'immagine profondamente tragica. Lo studente è consapevole della inevitabilità delle perdite che i ribelli soffriranno, ma le vittime non lo spaventano - la volontà della libertà è più forte. Dietro di lui è solo un lavoratore configurato coraggiosamente e risolutamente con una sciabola.

Ai piedi della libertà feriti. Lui è con difficoltàÈ impossibile dare un'occhiata, alla libertà, vedere e sentire la bella, per la quale muore. Questa figura rende un ambiguo inizio nel suono del panno delaziano. Se immagini di libertà, Gavrosh, studente, lavoratore - quasi simboli, l'incarnazione di una sfortunata volontà di Freedom Fighters - ispira e chiamare lo spettatore, poi i turni feriti alla compassione. L'uomo dice addio alla libertà, dice addio alla vita. È ancora una fretta, un movimento, ma già salutare la raffica.

La sua figura è transitoria. Vista dello spettatore, ancora fantastico e affascinato dalla determinazione rivoluzionaria dei ribelli, scende, ai piedi delle barricate coperte dai corpi dei gloriosi soldati morti. La morte è rappresentata dall'artista in tutto il sole e la prova del fatto. Vediamo le corone dei morti, i loro organismi esposti: la lotta di spietate, e la morte è lo stesso inevitabile satellite dei ribelli, così come la meravigliosa libertà ispiratrice.

Ma non proprio lo stesso! Dal terribile spettacolo al bordo inferiore dell'immagine, aumentiamo la nostra occhiata e vediamo la giovane bella figura - No! La vita vince! L'idea della libertà, incarnata così simmalmente e notevolmente, come indicato al futuro che la morte non è terribile nel nome.

L'immagine è stata scritta da un artista di 32 anni che era pieno di forza, energia, per vivere e creare. Un giovane pittore che ha superato la scuola nel laboratorio di Gena, lo studente del famoso David, stava cercando i suoi sentieri nell'arte. A poco a poco, diventa il capo di una nuova direzione - il romanticismo che è venuto a sostituire il vecchio classicismo. A differenza dei predecessori, costruito la pittura su fondamenta razionali, Delacroix ha cercato di apparire prima di tutto il cuore. Secondo lei, la pittura dovrebbe scuotere i sensi dell'uomo, per catturarlo completamente con la passione che possiede l'artista. Su questo percorso, Delacroix produce il suo credo creativo. Copia rubens, è appassionato di Turner, vicino a Zhriko, il suo sapore preferito del francesemasters. Tintoretto diventa. Il teatro inglese è arrivato in Francia dalle sue produzioni della tragedia di Shakespeare. Uno dei poeti preferiti era Byron. Di questi hobby e allegati, il mondo sagomato delle immagini di Daelacra è stato evoluto. Ha applicato agli argomenti storici,piazzole Abitato dalle opere di Shakespeare e Bairon. La sua immaginazione era preoccupata ad est.

Ma la frase appare nel diario:

"Ho sentito il desiderio di scrivere in storie moderne".

Delacroix dichiara e sicuramente è sicuramente:

"Voglio scrivere alle storie della rivoluzione."

Tuttavia, l'artista romantico circostante polveroso e la realtà lento non ha dato un materiale degno.

E improvvisamente in questo grigio ogni giorno, come vortice, come uragano, la rivoluzione è rotta. Tutta Parigi era coperta da barricate e per tre giorni ho riscontrato per sempre la dinastia del Bourbon. "I giorni sacri di luglio! - Esclamò Heinrich Heine .- Come il sole era il sole, quanto era grande il popolo di Parigi! "

Il 5 ottobre 1830, Delacroix, la prova della rivoluzione, scrive un fratello:

"Ho iniziato una foto nella trama moderna," Barricate ". Se non avessi combattuto per mia patria, almeno farò dipingere in suo onore. "

Quindi l'idea è sorta. All'inizio, Delacroix ha deciso di ritrarre un episodio concreto della rivoluzione, ad esempio, "Death d" Arkol ", un eroe che cadde sulla cattura del municipio. Ma l'artista ha rifiutato presto una tale decisione. Sta cercando una generalizzazionemodulo che incarnerebbe il più alto significato di ciò che sta accadendo. Nella poesia Augusta Barbie trovaallegoria. Libertà sotto forma di "... una donna forte con un potente seno, con una voce rauca, con il fuoco negli occhi ...". Ma non solo il poema di Barbier spinse l'artista per creare un'immagine della libertà. Era noto come franco francese combattuto ferocemente e disinteressato su barricate. I contemporanei si ricordarono:

"E le donne, prima di tutto, le donne della semplicità sono riscaldate, eccitate, ispirate, incoraggiate, feroci i loro fratelli, mariti e figli. Aiutarono i feriti sotto proiettili e il torrente o si precipitò ai loro nemici, come una leonessa. "

Delacroix probabilmente sapeva della Brave Girl che ha catturato una delle pistole del nemico. Poi lei, coronata con una corona di alloro, portata con il trionfo sulla sedia attraverso le strade di Parigi sotto il benvenuto a pianure del popolo. Quindi la realtà stessa ha dato simboli pronti.

Delacroix è rimasto solo artisticamente comprendendoli. Dopo ricerche prolungate, la trama dei dipinti è stata finalmente cristallizzata: la figura maestosa porta a un flusso irrefrenabile di persone. L'artista raffigura solo un piccolo gruppo di ribelli, vivi e morti. Ma i difensori delle barricate sembrano insolitamente numerosi.Composizione È costruito in modo che la battaglia del gruppo non sia limitata, non è chiusa in se stessa. È solo parte della valanga infinita delle persone. L'artista fornisce un frammento del gruppo: la cornice taglia le forme a sinistra, a destra, dal basso.

Di solito, il colore nelle opere di Delacroix acquisisce un suono appassito, svolge un ruolo dominante nella creazione di un effetto drammatico. Dipinge, poi infuria, battere, attutire, creare un'atmosfera tesa. Nella "libertà sulle barricate" Delacroix parte da questo principio. Molto precisamente, scegliendo inconfondibilmente dipingere, mettendolo con ampi tratti, l'artista trasmette l'atmosfera della battaglia.

Ma coloristico gamma Trattenuto. Delacroix si concentra susollievo modellazione forme . Questo richiedeva un motivo figurato. Dopotutto, raffigurante un concreto evento di ieri, l'artista ha creato un monumento a questo evento. Pertanto, le figure sono quasi scultoree. Pertanto, ciascunoil personaggio Essere parte di un'unica immagine intera, e qualcosa di chiuso in te stesso, sembra essere un simbolo che è andato al modulo completato. Pertanto, il colore non solo colpisce emotivamente i sentimenti dello spettatore,ma porta anche un carico simbolico. Nello spazio marrone-grigio, qui, poi c'è un solenne sobrionaturalismo e bellezza perfetta; Grezzo, terribile - e sublime, pulito. Non c'è da meravigliarsi Molti critici, anche benevolmente sintonizzati verso Delacroix, sono rimasti scioccati dalla novità e dal coraggio dei dipinti, impensabili per quel tempo. E non c'è da meravigliarsi dopo il francese lo chiamava "Marconasi" inpittura .

Essere una delle migliori creazioni e generazioni di romanticismo francese, tela di lovekrua rimane unico nel suo contenuto artistico. "La libertà sulle barricate" è l'unico lavoro in cui il romanticismo con la sua eterna trazione per la maestosa ed eroica, con la sua sfiducia per la realtà rivolta a questa realtà, fu ispirata e ha trovato il più alto significato artistico. Ma, rispondendo a un invito a un particolare evento, improvvisamente ha cambiato il solito corso di vita di un'intera generazione, Delacroix va oltre i suoi limiti. Nel processo di lavoro sulla foto, dà alla volontà della sua immaginazione, risulta tutto il calcestruzzo, transitorio, uno, che può dare la realtà e la trasforma con un'energia creativa.

Questa tela ci viene sottomessa a noi il respiro caldo dei giorni di luglio del 1830, il ritiro rivoluzionario rapido della nazione francese ed è la perfetta forma di realizzazione artistica della bellissima idea della lotta del popolo per la loro libertà.

E. Varlamov.

, LANS.

A: foto del 1830

"Libertà, persone conduttrici" (P. La Liberté Guidant Le Peuple) o "Libertà su Barricates" - Foto dell'artista francese Ezhen Delacroix.

Delacroix ha creato un'immagine basata sulla rivoluzione del luglio 19930, che ha messo la fine del regime di restauro della monarchia Bourbon. Dopo numerosi schizzi preparatori, aveva bisogno di soli tre mesi per scrivere una foto. In una lettera al fratello il 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non avessi combattuto per la mia patria, scriverò almeno per questo".

Per la prima volta, "La libertà, la principale" è stata esposta nel salone di Parigi nel maggio del 1831, dove l'immagine era entusiasta accettata e immediatamente acquistata dallo stato. Hein Hein Heine è stato detto sulle sue impressioni del salone e dal dipinto di Delacroix. A causa della trama rivoluzionaria, la stoffa nel prossimo trimestre di un secolo non è stata esposta in pubblico.

Nel centro della foto raffigura una donna che simboleggia la libertà. Ha un berretto da frigia sulla sua testa, nella sua mano destra - la bandiera della Francia repubblicana, nella pistola sinistra. Il petto nudo simboleggia la dedizione del francese di quel tempo, che con "seni nudi" è andato al nemico. Figure attorno alla libertà - Un lavoratore, borghese, adolescente - simboleggia l'unità dei francesi durante la rivoluzione di luglio. Alcuni storici e critiche d'arte suggeriscono che sotto forma di un uomo nel cilindro a sinistra del personaggio principale, l'artista lo raffigurato.

Nel 1999, la "Freedom" ha fatto un volo di 20 ore da Parigi alla mostra a Tokyo attraverso il Bahrain e Calcutta. Il trasporto è stato effettuato a bordo della Eirbas Beluga (le dimensioni del Web - 2,99 m in un'altezza di 3,62 m di lunghezza - erano troppo alte per Boeing 747) in una posizione verticale in una lebocamera isotermica protetta dalla vibrazione.

Il 7 febbraio 2013, il visitatore del Museo del Louvre Lance, dove è esposto la "libertà", ha scritto la parte inferiore della tela con il pennarello, dopo di che è stata detenuta. Il giorno successivo, i restauratori rimossi danno, spendendo meno di due ore.

Filmografia

"Sul ponte. Fermato istantaneo ", film Alena Zobhera. Dal ciclo "Paletres" (Francia, 1989).

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Estratto che caratterizza la libertà Leader People

E la mia anima ha assorbito questa risata, nel senso che la morte assorbe i caldi raggi di addio del sole già alzato ...
- Beh, sei, mamma, siamo ancora vivi! .. Possiamo ancora combattere! .. tu stesso disse me stesso, cosa combatterà mentre vivo ... Quindi pensiamo, possiamo fare qualcosa. Possiamo salvare il mondo da questo male.
Mi ha sostenuto di nuovo con il suo coraggio! .. Ho trovato di nuovo le parole giuste ...
Questa bella ragazza coraggiosa, quasi un bambino, non poteva nemmeno immaginare quale tortura potesse mettere la sua karaff! In che tipo di dolore brutale poteva annegare la sua anima ... ma sapevo ... sapevo tutto ciò che stavo aspettando se non posso andare da lui. Se non accetto di dare pape l'unica cosa che voleva.
- Il mio bene, il mio cuore ... Non posso guardare il tuo tormento ... Non ti darò a lui, la mia ragazza! Il Nord e il tipo, non si preoccupano chi rimane in questa vita ... Allora perché dovremmo essere diversi? .. Perché dovresti preoccuparti di qualcos'altro, il destino di qualcun altro?!.
Io stesso avevo spaventato le mie parole ... anche se nel mio cuore ho capito bene che sono stati causati da solo la disperazione della nostra posizione. E, naturalmente, non avrei tradiuto questo per quello che ho vissuto ... per il bene di ciò che mio padre e povero Jirolamo morì. Solo, solo per un momento volevo credere che possiamo prendere e lasciare questo terribile, "Black" Karaff World, dimenticando tutto ... dimenticando di altre persone non familiari a noi. Dimenticando il male ...
Era una debolezza del minuto di un uomo stanco, ma ho capito che non avevo il diritto di permetterlo nemmeno. E qui, in cima a tutti, a quanto pare non potevo sopportare più violenza, le lacrime brucianti malvagie hanno rafforzato i torrenti nella mia faccia ... ma ho provato così tanto a permetterlo! .. Ho cercato di non mostrare la mia ragazza carina , che profondità della disperazione furono serrate dal mio dolore anima esausto e disinteressato ...
Anna tristemente mi guardò con i suoi enormi occhi grigi, in cui viveva in profondità, non a tutta la tristezza dei bambini ... ha accarezzato tranquillamente le mani, come se volesse calmare. E il mio cuore urlo urlo, non volendo umili ... non volendo perderla. Era l'unico significato restante della mia vita fallita. E non potevo lasciare che i non umani, che chiamò il papà romano, portarlo via da me!
"Mamma, non preoccuparti per me - come se legga i miei pensieri, sussurrò Anna. - Non ho paura del dolore. Ma anche se è molto doloroso, il nonno mi ha promesso di prendermi. Gli dissi ieri. Mi aspetterà se non ci riusciremo con te ... e anche papà. Entrambi aspetteranno lì. Ma solo tu ti lascerai molto doloroso ... ti amo così tanto, mamma! ..
Anna HID tra le mie braccia, come se cercasse protezione ... e non potevo proteggerla ... non potevo salvare. Non ho trovato la chiave per Karaff ...
"Perdonami, il mio sole, ti deluderò." Ci ho portato entrambi ... non ho trovato il modo di distruggerlo. Perdonami, Annushka ...
Ora passata inosservata. Abbiamo parlato di diverso, non tornando più dell'omicidio del Papa, mentre entrambi lo sapevano perfettamente - oggi abbiamo perso ... e non importavamo cosa volevamo ... Karafa visse, ed era la cosa peggiore e più importante. Non siamo riusciti a liberare il nostro mondo da lui. Non è riuscito a salvare persone buone. Viveva, nonostante tutti i tentativi, niente desideri. Non importa cosa...

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