Il fondatore della tragedia lirica del genere del francese. Storia dell'opera francese
16. Opera francese in 17b. Creatività j.b.lilli.
Estetica del classicismo francese. La musica francese insieme all'italiano è uno dei fenomeni significativi della cultura dei secoli XVII-XVIII. Lo sviluppo dell'arte musicale era dovuto principalmente alla musica strumentale dell'opera e della camera.
L'opera francese ha sperimentato una forte influenza del classicismo (dal Lat. Classicus - "esemplare") - stile artistico che ha stabilito in Francia nel XVII secolo; E soprattutto - il teatro classico. I drammaturghi Pierre Cornell e Jean Rasin, mostrando la difficile lotta delle passioni, cantando un senso di dovere nelle tragedie. Gli attori hanno svolto un modo speciale: hanno pronunciato le parole di Narasphev, spesso usati gesti e espressioni facciali. Tale modo ha influenzato lo stile francese del canto: era diverso dalla vicinanza italiana Belkanto a parlato. I cantanti, come gli attori drammatici, chiaramente parliamo di parole, ricorrerono a un macello, singhiozzando.
Al cortile del "re del sole", l'opera Louis Xiv ha preso un posto importante. La Royal Academy of Music (il teatro in cui passò le esibizioni dell'opera) divenne uno dei simboli di lusso del cortile reale e del potere del monarca.
Jean-Baptiste Lully (1632-1687) - Un musicista eccezionale, compositore, conduttore, violinista, clavesista - un percorso vitale e creativo era estremamente particolare e molto caratteristico per il suo tempo. Nella musica francese, c'era un tipo di serie di opera - tragedia lirica (p. Tragedie Lyrique). Il creatore di questo genere era il compositore Jean Baptiste Lully. Opera Rugna, grandi cinque opere, differite dal lusso della produzione, lussureggiante di paesaggi e costumi, come richiesto dal cortile che desiderava occhiali luminosi, vacanza. Questo è tipico dell'era del dramma del barocco con le caratteristiche del classicismo. La passione è stata sollevata qui, hanno avuto luogo eventi eroici. Bellezza artificiale, squisita in musica e scenario, caratteristica del barocco e di equilibrio classico, armonia della costruzione. Questa funzione opera Lully.
Lully ha scritto Opera su trame di mitologia antica e poesie epiche del Rinascimento. La sua opera è "Armida" (1686) - è stata creata in base al poema eroico del poeta italiano Torquato Tasso "liberato da Gerusalemme". Secondo la trama, la regina Damasco dell'Armida è intorno ai suoi incantesimi del Cavaliere del Crusader Renault (Tasso - Rinaldo). Tuttavia, i compagni Renault gli ricordano debito militare, e il cavaliere lascia l'amato, e distrugge il regno nella disperazione. L'idea dell'Opera soddisfa i requisiti del classicismo (conflitto di debito e sentimenti), ma l'amore degli eroi è mostrato con tale espressività e profondità, che diventano il centro dell'azione. La cosa principale della musica di Lully - dispiegata Aria-Monologues, in cui gli argomenti di una canzone o di un personaggio di danza si alternano con un discorso, trasmettendo in modo flessibile e sottilmente il senso di personaggi. L'influenza del barocco si manifestava non solo nel lusso esterno della produzione, ma in una maggiore attenzione al dramma dell'amore; È la profondità dei sentimenti, e non seguendo un debito rende gli eroi interessanti per l'ascoltatore. Lo sviluppo dell'opera nazionale è proseguita sul lavoro del minore contemporaneo di Lully - Jean Philippe Ramo (1683-1764). Ha anche scritto nel genere della tragedia lirica. Nelle opere di Ramo, le caratteristiche psicologiche degli eroi si approfondirono, il compositore ha cercato di superare la lucentezza esterna e la menomlazione dell'opera francese. Avendo esperienza nella musica strumentale da camera, ha rafforzato il ruolo dell'orchestra. I numeri di danza hanno giocato un ruolo importante, che erano scene finite.
Jean Batist è nato a Firenze il 28 novembre 1632. Il figlio di Melnik, Lully fu portato via in Francia nell'infanzia, che divenne la seconda patria per lui. Essendo prima al servizio di una delle nobili signore della capitale, il ragazzo ha prestato attenzione alle brillanti abilità musicali. Avendo imparato il gioco sul violino e avendo raggiunto un successo sbalorditivo, è entrato nella corte Orchestra. Lully Advanced al cortile prima come eccellente violinista, poi come conduttore, un balletmaster, infine, come scrittore di balletto, e successivamente la musica dell'opera.
Negli anni 1650, ha diretto tutte le istituzioni musicali del servizio giudiziario come "Soprintendente musicale" e "Maestro Royal cognome". Inoltre, è stato il segretario, un approssimativo e un consulente di Louis XIV, che si lamentava con la nobiltà e ha contribuito all'acquisizione di un enorme stato. Possedere una mente eccezionale, forte volontà, talento organizzativo e ambizione, Lully, da un lato, dipendeva dall'autorità reale, d'altra parte, lui stesso aveva una grande influenza sulla vita musicale non solo Versailles, Parigi, ma anche Tutta la Francia.
Come performer, Lully divenne il fondatore di un violino e conduttore francese. Il suo gioco ha conservato recensioni entusiaste di diversi contemporanei eccezionali. La sua esecuzione è stata distinta per facilità, grazia e allo stesso tempo ritmo estremamente chiaro ed energico, che ha aderito invariabilmente con l'interpretazione delle opere del sistema e trame emozionali più diverse.
Ma il più grande impatto sull'ulteriore sviluppo della Scuola di esecuzione francese è stata Rono come conduttore, inoltre, in particolare il conduttore dell'opera. Qui non conosceva l'uguale.
In realtà, la creatività dell'Opera di Regnunque si è trasformata negli ultimi quindici anni della sua vita - negli anni '70 e '80. Durante questo periodo, ha creato quindici opere. Tra questi, "Teze" (1675), "ATIS" (1677), "Perseo" (1682), "Roland" (1685) e nel particolare "Armid" (1686) sono ampiamente conosciuti.
Opera Lully sorse sotto l'influenza del Teatro Classico del XVII secolo, era collegata con lui l'Uzame più vicino, appreso in molti modi il suo stile e il suo drammaturgia. Era una grande arte etica di un piano eroico, l'arte di grandi passioni, tragici conflitti. Già i nomi stessi dicono che, ad eccezione del "ISIS" condizionale egiziano, sono scritti sulle trame della mitologia antica e in parte solo dall'epico medievale cavaliere. In questo senso, sono consonanti con le tragedie di Cornel e Racina o Polyssen Painting.
Il librettista della maggior parte delle opere Lully era uno dei prominenti drammaturghi della destinazione classicista - Philip Cinema. Il film ha una passione d'amore, il desiderio di felicità personale è entrato in uno scontro con i velas debiti, e il top porta questi ultimi. Fabul è solitamente connesso con la guerra, con la difesa della patria, le imprese del comandante (Perseo "), con le arti marziali dell'eroe contro l'inesorabile roccia, con il conflitto di incantesimi e virtù (" Armida ") , con i motivi della retribuzione ("Teze"), Self-Sacrifice ("Allest"). Gli attori appartengono ai campi avversari e stanno vivendo i tragici scontri di sentimenti e pensieri.
Gli attori sono stati descritti magnificamente, è stato impressionante, ma le loro immagini sono rimaste solo schematiche, ma - specialmente nelle scene lirico - hanno acquistato la sostenibilità. L'eroico è andato da qualche parte; Ha assorbito il corteggiamento. Non è per caso che Voltaire nel opuscolo "il Tempio di avere un buon gusto" dalla bocca del film dal film con le signore.
Regnalmente come compositore era sotto forte influenza del classico teatro del suo miglior poro. Probabilmente ha visto le debolezze del suo librettista e, inoltre, cercò in una certa misura per superarle con la sua musica, severa e greataney. L'opera governativa, o, come si chiamava, la "tragedia lirica" \u200b\u200bera una composizione monumentale, ampiamente sciolta, ma eccellente equilibrata di cinque agzze con un prologo, apoteosi finale e un climax drammatico convenzionale entro la fine della terza azione. Lully voleva restituire gli eventi e le passioni, le azioni e i personaggi del film in via di estinzione della grandezza. Ha usato per questo principalmente per mezzo di una declamazione pateticamente elevata e di cantina. Il melodicamente sviluppando il suo sistema intonificativo, ha creato il suo discorso di declino, che era il principale contenuto musicale della sua opera. "La mia richitiva è fatta per conversazioni, voglio che sia completamente anche!" - così detto Lully.
In questo senso, la relazione artistica ed espressiva tra musica e testo poetico nell'opera francese era completamente diversa da quella dei maestri del naspetto. Il compositore ha cercato di ricreare il movimento in plastica del verso nella musica. Uno dei campioni più perfetti del suo stile è la quinta scena del secondo atto dell'opera dell'Armida.
Il libretto di questa famosa tragedia lirica è scritta sulla trama di uno degli episodi del poema Tarkvato Tasso "liberato da Gerusalemme". L'azione si svolge ad est nell'era delle crociate.
Opera Lulley non consisteva da solo i recitativi. I numeri di eccitazione arrotondati si trovano in esso, melodicamente correlati a allora, sensibili, flirty o scritti in ritmi vigorosi-marzo o zhem-danza. Le arie hanno concluso le scene di declino dei monologhi.
Silen era lully in ensemble, specialmente in caratteristica, affidata a personaggi comici che hanno avuto molto successo per lui. Il luogo considerevole si è tenuto nella "tragedia lirica" \u200b\u200be un coro - pastorale, militare, rituale religioso, fantasticamente favoloso e altri. Il loro ruolo, il più delle volte nelle scene di massa, è stato il beneficio del decorativo.
Lulley era brillante per il suo maestro temporale dell'Opera Orchestra, non solo cantanti esperti, ma anche disegnato una varietà di dipinti poetici-pittori. L'autore del "Armid" modificato, differenziato il timbro dipinge in relazione a effetti teatrali e scenici e disposizioni.
Efficace "sinfonia" all'opera, che ha aperto l'azione, e quindi il nome "Overture francese" è diventato particolarmente famoso.
Alla giornata nel teatro e nel repertorio del concerto, la musica di balletto di Lully è stata conservata. E qui il suo lavoro era per l'arte francese fondamentale. Opera Ballet Lully è lontano da sempre un divertimento: è stato spesso imposto non solo non solo un compito decorativo, ma anche drammatico, artistico e prolocabilmente consolidato con il progresso dell'azione panoramica. Da qui le danze di Pastoral-idilliaco (in Alsesta), lutto (in "Psychray"), caratteristiche comiche (in "Isis") e altri.
La musica di Balletto francese a Lully aveva il suo, almeno un secolo fa, ma ha fatto un nuovo jet in IT - "Fisse e melodie caratteristiche", ritmi affilati, tassi di movimento vivace. A quel tempo, era l'intera riforma della musica di balletto. In generale, i numeri strumentali della "tragedia lirica" \u200b\u200berano molto più che nell'opera italiana. Di solito e sulla musica erano più alti e più armonizzati con l'azione che è accaduta sul palco.
Cassata dalle norme e dalle convenzioni della Vita della Corte, la morale, l'estetica, il Lulley rimaneva ancora, "il grande artista, che coerente con i gentiluomini più significativi". Questo ha meritato odio tra la nobiltà della corte. Non era alien per libertà, anche se ha scritto un sacco di musica della Chiesa e per molti aspetti la riformava. Oltre al palazzo, le esibizioni della loro opera ha dato idee "in città", cioè, per la terza proprietà della capitale, a volte gratuitamente. Lui con entusiasmo e perseveranza sollevarono all'alta arte delle persone di talento dal fondo, che era e se stesso. Attività ricreative nella musica, i racconti dei sentimenti, Manera Spiega, anche quei tipi di persone che sono stati spesso incontrati alla Corte, Lully negli episodi di fumetti delle loro tragedie (ad esempio, in AZISE e GALATEI) incontrati inaspettatamente alle persone al teatro popolare , i suoi generi e l'intonazione. Ed è stato in grado di lui, perché, da sotto la penna, non furono pubblicati solo opere e canti della chiesa, ma anche bevendo e le canzoni di strada. Le sue melodie cantavano per le strade, "marchiera" sugli strumenti. Molte delle sue maglie, tuttavia, hanno guidato l'origine della canzone della strada. La sua musica presa in prestito dalla gente è tornata a lui. Non è un caso che il più giovane contemporaneo di Lully, La Vieville, testimonia che un amore Aria dell'Opera "Amadis" stava cantando con tutti i cuochi della Francia.
Collaborazione normativa di Lully con il brillante creatore della commedia realistica francese con un moliere, che spesso includeva numeri di ballo nelle sue esibizioni. Oltre alla pura musica di balletto, la resa comica dei personaggi del costume è stata accompagnata da una storia di canto. "Mr. de Prsoniak", "Madre della nobiltà", "paziente immaginario" è stato scritto e cresciuto sul palco come balletti comici. Per loro, Lully - un grande attore stesso, che una volta parlava sul palco, scriveva musica e musica vocale.
L'influenza del Lully sull'ulteriore sviluppo dell'opera francese è stata molto grande. Non solo è diventato il suo fondatore - ha creato una scuola nazionale e le sue tradizioni hanno sollevato numerosi studenti nello spirito delle sue tradizioni.
Il genere della tragedia lirica francese è attualmente conosciuta solo un cerchio relativamente stretto di specialisti. Nel frattempo, opere scritte in questo genere utilizzate nel loro tempo ampiamente fama; Non dovrebbe essere dimenticato di quanto sia stato potente la tragedia lirica per il successivo sviluppo dell'arte musicale. Per capire del suo ruolo storico, la piena comprensione di molti fenomeni del teatro musicale è impossibile. Lo scopo di questo lavoro è mostrare le caratteristiche tipologiche di questo genere nell'aspetto semantico. La semantica del genere sarà considerata in relazione con il contesto della cultura dei secoli della cultura del XVII-XVIII. - il tempo dell'emergenza e dello sviluppo della tragedia lirica.
Prima di tutto, ricordiamo che la tragedia lirica sta affrontando il materiale mitologico. Tuttavia, il mito è stato la base della scena dell'opera all'inizio del suo sviluppo. E in questi creatori della tragedia lirica e dell'opera italiana del XVII secolo, il desiderio di creare i mezzi del teatro musicale di una specie di mondo fantastico, sovrastando la realtà quotidiana. Se parli direttamente sulla tragedia lirica, risulta essere caratteristica specifica interpretazione Mito. Scene e immagini mitologiche sono interpretate in simbolico Piano - Ad esempio, nel prolista "Phaeton" J. Ruli glorificato Louis XIV, nella stessa trama dell'Opera opera il suo "analogo" mitologico - il dio del Sun Helios. Questa interpretazione, ovviamente, è stata in gran parte dovuta al legame del genere della tragedia lirica con la cultura della Francia del periodo del re del Sole King (durante questo periodo, la tragedia lirica sta vivendo una fase di apporto). È noto che l'idea dell'absolutizzazione del potere reale è stata visualizzata in molti lati della cultura del tempo, compresa la musica. Tuttavia, per ridurre la tragedia lirica solo L'idea della glorificazione del monarca è quasi legittima. La tendenza a un'interpretazione allegorica, allegorità, permea una varietà di forme di arte di quel tempo, rappresentando un elemento di pensiero artistico in genere.
Un sistema figurativo di tragedia lirica merita un'attenzione separata. Il mondo delle immagini della tragedia lirica appare come il mondo è il perfetto, esistente al di fuori di una misura temporanea specifica. Ha un carattere fondamentalmente "monotono" - la diversità delle sfumature semantiche della realtà reale per questo, non importa quanto esista. Lo sviluppo della trama stesso è predeterminato inizialmente - Fabul (non importa quanto sia difficile e confuso) implica una chiusura, si concentra sulla conservazione dell'ordine e dell'armonia specificata. Pertanto, i personaggi della tragedia lirica sono dotati di caratteristiche rigorosamente definite. Il carattere del personaggio qui ha un carattere "monolitico" enfatizzato - l'incoerenza (interna o esterna) non è assolutamente peculiare. Anche nei punti critici di sviluppo della trama (scene del quinto atto nel "Armid and Renault" Lully, o la disperazione del Teza nel quinto atto di "Ippolit e Aricia" J. Ramo, per esempio) il carattere di L'eroe pensa come un complesso psicologicamente unitario e indivisibile. Allo stesso tempo, il personaggio appare, di norma, contemporaneamente nella sua interezza, la graduale divulgazione in azione non è tipicamente per la tragedia lirica (che lo distingue, ad esempio, dallo Itch dell'opera di riforma). È chiaro che non è tipico della variabilità dinamica della natura, della sua formazione graduale o della sua trasformazione, che è diventata una linea integrale dell'interpretazione del carattere nelle opere dell'opera di un momento successivo.
Come si può vedere da tutto ciò che è detto, tale comprensione del carattere è più probabile che l'incarnazione generalizzata rispetto a singolarmente. Tuttavia, questo è abbastanza coerente con entrambe la tendenza all'interpretazione simbolicica-allegorica del mito, e con il desiderio di sottomettersi al mondo idealizzato e sublime, che è già stato discusso sopra. Nel modo più largo, c'è una connessione con l'estetica classica che ha influenzato la formazione di una tragedia lirica. Come N. Zhirmunskaya Nota, "Per il sistema estetico del classicismo, è caratteristico della forma di realizzazione digitata astratta di passioni e personaggi umani<…> Le fondamenta razionalistiche dell'estetica del classicismo hanno identificato la sua natura oggettiva, escludendo l'arbitrarietà della fantasia dell'autore e minimizzava l'elemento personale nel lavoro poetico "( Zhirmunskaya n. Racina Tragedia // Jean Rasin. Tragedia. Novosibirsk, 1977. P. 379).
Le caratteristiche descritte erano mezzi predeterminati e artistici che operano nella tragedia lirica. Si rivela essere una caratteristica imbracatura eccezionale della composizione, simmetria rigorosamente verificata ed equilibrio di proporzioni drammatiche (è interessante in questo senso ricordare che il Lully ha iniziato a creare le sue opere dallo sviluppo di un piano totale). Questo rendimento è presente sia sul livello architettonico che a livello della composizione di un atto separato (replay simmetrici di cori o numeri di danza, la logica dei piani tonali, ecc.), Un numero separato (usando un tre parti, Rondo forma, ecc.). Non sorprende che le tragedie lirico causano analogie con monumenti architettonici di Versailles. Tuttavia, tali analogie non dovrebbero essere fuorvianti sulla vera natura del dramma di queste opere. Quindi, V. Konen scrive: "Lulley ha agito non come architetto che lavora con il materiale musicale, ma come musicista profondamente descritto e manifestato in ogni fase del processo creativo - e nella composizione di un primo piano e in i dettagli del linguaggio musicale "( Konen V. Il percorso dal Lully al classico Symphony // da Lully fino ad oggi. M., 1967. P. 15).
Un sistema simile di fondi è responsabile e chiaramente espresso ritenuta emotiva, inerente alla tragedia lirica. La combinazione di tono moderatamente elevato, insieme all'installazione edonistica della percezione, era ovviamente predeterminata dall'estetica dell'arte francese del periodo in esame (in un piano più stretto - anche l'estetica della Corte aristocratica arte del regno di Louis XIV ). Inoltre, era dovuto al collegamento genetico interno della tragedia lirica con il drammatico teatro della Francia XVII secolo. (Questa connessione aveva e prerequisiti abbastanza concreti. F. Cinema, Autore Libretto Opere Lully, è stato un drammaturgo di proprietà della scuola classica francese, stesso Rullya ha collaborato con J.B. Moliere). R. Roldand scrive che la "tragedia francese si comportava in sé all'opera. I suoi dialoghi commisurati, una chiara separazione per periodi che si incontrano le altre frasi, le proporzioni nobili, la logica dello sviluppo ha fatto appello all'organizzazione musicale e ritmica ". Lo stile della tragedia lirica è giustiziato "nobiltà e dignità silenziosa, incompatibile con ogni sorta di sorprese, amando nelle sue opere della loro intelligenza non ottimistica, consentendo all'immagine delle solo passioni passarono attraverso la percezione dell'artista" ( Rollan r. La storia dell'opera in Europa a Lully e Scarlatti. Le origini del moderno teatro musicale // Romain Rolland.. Musica e patrimonio storico: rilasciare prima. M., 1986. P. 233-234).
Il sistema artistico della tragedia lirica si distingue per incredibili finiture - i componenti che formano sono interconnessi dall'unità dell'ordine stilistico ed estetico. Ciò gli ha permesso di risolvere compiti abbastanza complicati - anche quando sono stati generati da prerequisiti storicamente locali. Ciononostante, la chiusura di un tale sistema artistico, l'impossibilità di entrare in determinati limiti restrittivi durante lo sviluppo, a condizione che una "durata" storica relativamente breve. E allo stesso tempo, l'impatto della tragedia lirica per il successivo sviluppo dell'opera è stato molto intenso (in particolare, in particolare, è stato testato da G. Persell, Gendel, K. Itch, V. Mozart) - ha anche mantenuto questo Vita nel ricordo dell'arte musicale.
Jean-Baptiste Lully nelle sue operazioni che si chiamavano "Tragedie Mise en Musique" (letteralmente "tragedia, posata sulla musica", "Tragedia sulla musica"; nei generali musicali russi, meno accurati, ma più armoniosi termine "tragedia lirica"), Ho cercato Lully per rafforzare la musica di effetti drammatici e dare lealtà alla declino, un'importanza drammatica - Chorus. Grazie allo splendore della produzione, agli effetti del balletto, i vantaggi del libretto e della musica stessa, l'opera di Lully ha usato la grande fama in Francia e in Europa e durato sul palco di circa 100 anni, avendo un impatto sul Ulteriore sviluppo del genere. I cantanti in operatori con Lully iniziarono a esibirsi senza maschere, donne - ballano in balletto su una scena pubblica; Tubi e baro per la prima volta nella storia sono stati introdotti nell'orchestra, e un'overture, a differenza dell'italiano (Allegro, Adagio, Allegro), ha ricevuto la forma di tomba, Allegro, tomba. Oltre alle tragedie lirico, il Perù regnerà regolarmente a un gran numero di balletti (balletti de cour), sinfonia, trio, aria per violino, divertitore, overture e motori.
Non è vero per i musicisti francesi, come questo italiano, uno in Francia ha mantenuto popolarità per un intero secolo.
R. rolland.
J. B. Lully è uno dei più grandi compositori d'opera del XVII secolo, il fondatore del teatro musicale francese. Nella storia dell'opera nazionale, Rubbley entrò nel creatore di un nuovo genere - tragedia lirica (così chiamato in Francia una grande opera mitologica), sia come una figura teatrale eccezionale - era sotto il suo inizio, la Royal Academy of Music è diventata Il primo e principale teatro dell'opera Francia, che in seguito ha trovato la fama in tutto il mondo chiamata Grand Opera.
Lully è nato nella famiglia di Melnik. Le abilità musicali e il temperamento di recitazione dell'adolescente hanno attirato l'attenzione del Duke de Giza, che è OK. 1646 La foratura è stata portata a Parigi, avendo determinato il servizio per la principessa di Montpanne (Suor King Louis XIV). Non un'educazione musicale nella sua patria, che è stata in grado di cantare a 14 anni solo per cantare e suonare la chitarra, Lulley era impegnata a Parigi sulla composizione, cantando, ha preso le lezioni del gioco sulla clavesi e soprattutto il suo amato violino. Un giovane italiano, che ha raggiunto il favore di Louis XIV, ha fatto una brillante carriera con il suo cortile. Un talentuoso virtuoso, su cui parlava i contemporanei - "Gioca al violino come un batcher", è entrato presto nella famosa Orchestra "24 Violino King", ca. 1656 organizzato e ha guidato la sua piccola orchestra "16 violini del re". Nel 1653, Ruli ha ricevuto un "compositore della corte della musica strumentale", dal 1662 è già sovrintendente della musica da tribunale, e dopo altri 10 anni - il proprietario del brevetto per il diritto alla fondazione di Parigi della Royal Academy of Music " Con l'uso per tutta la vita di questo diritto e trasferirlo all'eredità dai figli, che sarà il suo successore della musica sovrintendente del re ". Nel 1681, Louis Xiv ha onorato la sua nobiltà dell'animale domestico e il titolo del Segretario Royal Advisor. Tenendo a Parigi, a Ruli fino alla fine dei giorni mantenuto la posizione del sovrano assoluto della vita musicale della capitale francese.
La creatività regolava principalmente in quei generi e forme che si sono sviluppati e coltivati \u200b\u200bal cortile "King-Sun". Prima di contattare l'opera, Lully nei primi decenni del loro servizio (1650-60) composto alla musica strumentale (Suite e deviazioni per strumenti a corda, giochi separati e marche per venti, ecc.), Scrittori spirituali, musica per prestazioni di balletto ( "Amur" del paziente "," Alsidiana "," Ballet beiding ", ecc.). Partecipare costantemente ai balletti della Corte come autore di musica, il direttore, l'attore e il ballerino, ha padroneggiato Lully le tradizioni della danza francese, la sua ritminicazione e caratteristiche panoramiche. La cooperazione con JB Moliere ha aiutato il compositore a entrare nel mondo del teatro francese, sentire la particolarità nazionale del discorso sul palcoscenico, il gioco di recitazione, il direttore, ecc. Lully scrive musica ai giochi di Moliere ("Insieme del matrimonio", "Princess Eldida", "Princess Eldida" , "Siclian", "Love-Healer", ecc.), Esegue il ruolo di Pursoniak nella commedia "Mr. De Proniak" e Mufti nel "Promanin nella nobiltà". Per molto tempo, l'opera rimase un avversario, che credeva che il francese non fosse inadatto per questo genere, Lully nei primi anni del 1670. Cool ha cambiato le sue opinioni. Nel periodo del 1672-86. Ha impostato 13 tragedie lirico presso la Royal Academy of Music (tra cui "CADM ed Hermione", "Alsesta", "Teze", "ATIS", "Armida", "ACYC e GALATIA"). Sono state queste opere che hanno posato le fondamenta del teatro musicale francese, identificarono quel tipo di opera nazionale, che per diversi decenni ha dominato la Francia. "Lully ha creato l'opera nazionale francese, in cui sia il testo che la musica sono combinati con i mezzi nazionali di espressione e gusti e che riflettono sia le carenze che la dignità dell'arte francese", il ricercatore tedesco di Krechmer scrive.
Lo stile della tragedia lirica Lully è stata formata in una stretta connessione con le tradizioni del teatro francese della classicismo epoca. Tipo di una grande composizione a cinque volte con un prologo, modo di recitazione e gioco di palcoscenico, fonti di trama (mitologia greca antica, storia dell'antica Roma), idee e problemi morali (conflitto di sentimenti e mente, passione e debiti) portano le opere Della Rugna con tragedie di P. Cornell e J. Rasina. Non meno importante è il rapporto della tragedia lirica con le tradizioni del balletto nazionale - grandi divertisters (numeri di danza inseriti che non sono legati alla trama), processioni solenni, processioni, festività, dipinti magici, scene pastorali aumentano le qualità decorative e spettacolari del gioco dell'opera. La tradizione di introdurre il balletto fu emersa nel tempo del Lully ed era estremamente sostenibile e persisteva nell'opera francese per diversi secoli. L'influenza di Lulley ha colpito la suite orchestrale della fine del XVIII-primo XVIII secolo. (M. Muffat, I. Fuchs, Teleman, ecc.). Tale nello spirito di divertiti di balletto del Lully, includevano danze francesi e giochi caratteristici. Grande distribuzione nell'opera e nella musica strumentale del XVIII secolo. Ricevuto uno speciale tipo di overture, che si è sviluppato nella tragedia lirica di Lully (T. N. "francese" overture, costituita da una lenta, solenne adesione ed energica, partizione principale mobile).
Nella seconda metà del XVIII secolo. Tragedia lirica di Lully e dei suoi seguaci (M. Charpete, A. Kampra, A. Dewhush), e con esso e l'intero stile della Corte Opera diventa oggetto di discussioni acute, parodie, ridicole ("Buffon Guerra", "Guerra di glubisti e picchinnists "). L'arte che sorse nell'era del periodo di tiro dell'Absolutismo è stata percepita dai contemporanei di Drop e Rousseau come il pilota dilapidato, senza vita, pomposo. Allo stesso tempo, la creatività del Lully, che ha svolto un certo ruolo nella formazione di un grande stile eroico nell'opera, ha attirato l'attenzione dei compositori dell'opera (JF Ramo, GF Gendel, KV Itch), che ha avuto luogo alla monumentalità , il pattetore, rigorosamente razionale, un'organizzazione ordinata del tutto.
Gli autori del saggio - M. I. Terroganyan, O. T. Leontiev
Se avessi cartelloni pubblicitari del repertorio settimanale o decennale di tutti i teatri di opera del paese, quasi in ognuno di loro troverebbe i nomi di uno, due, e forse le tre opere scritte da compositori francesi. In ogni caso, è difficile immaginare tale troupe dell'opera che non sarebbe "carmen" George Bizeta o Faust Charles Guno. Indubbiamente, queste opere sono incluse nella Fondazione Gold of World Opera Classics, e il tempo non è potente per forzare le loro meravigliose vernici musicali. Generazioni di persone si sostituiscono, ma la popolarità di questi capolavori Biza e Huhno non si indebolisce.
Ma, naturalmente, il significato dell'opera francese nel processo storico dello sviluppo di questo genere è lontano dall'essere esaurito dalle opere nominate di Gunov e Bise. A partire da Jean Batista Lully (1632-1687), la cultura francese con piena destra può essere orgogliosa di molti e molti dei loro compositori che hanno lasciato il patrimonio più prezioso nel campo del teatro musicale. I migliori campioni di questa eredità hanno avuto un notevole impatto sullo sviluppo di altre scuole di opera nazionali.
Nell'aprile del 1659 a Parigi mette il gioco "Pastoral ISSI". Gli autori della sua musica e del suo testo - Francese: Robert Camber e Pierre. I punteggi del pezzo non sono stati preservati, ma il poster è stato preservato, testimoniando che "pastorale" era come "la prima commedia francese, posata sulla musica e presentata in Francia". Qualche tempo dopo, nel 1671, una pastorale a cinque agenti "Pomona" degli stessi autori - Camera e controparte - si apre la "Royal Academy of Music". Louis XIV lo dà per gestire il brevetto, secondo il quale quest'ultimo certifica pienamente la produzione presso l'Accademia dell'Opera. Ma presto il Brazda del Board of the Royal Academy of Music si trasferisce a Jean Batistu Lully, un uomo di grande mente, un'energia inesauribile e un talento musicale completo. Un'importante missione storica è diminuita della sua parte - per diventare il fondatore dell'opera nazionale francese.
L'eredità di Lully è rappresentata da tali opere musicali-teatrali come "Armid", "Roland", "Bellerofon", "Teze", "Isida". In loro, l'opera francese è approvata come una tragedia lirica (sotto la parola "lirica" \u200b\u200bin quei giorni è stata intesa come una tragedia musicale, in arrivo). Le trame di quest'ultimo si basano sugli eventi della storia antica o della mitologia greca.
Nelle Soci dell'Opera, Lully Molti momenti eroici e lirici, scene di genere e episodi di genere. Il compositore si sente superbamente la natura della voce, suona perfettamente feste vocali soliste, ensemble, cori. È il Lully che le successive generazioni dei musicisti della Francia sono obbligati al fatto che nelle loro operazioni, le scene riciclabili sono ben trasferite all'osservanza del francese. Lully è una eccezionale lettera orchestrale. I suoi mezzi colorati sono diversi, la tavolozza del suono è ampia - soprattutto nei casi in cui il compositore si rivolge all'immagine dei dipinti naturali.
Il prossimo dopo Lully, la figura più grande del genere dell'opera è stata Jean Philip Ramo (1683-1764), il suo "Ippolith", "Galant India", "Castore e Pollux", "Celebration Geba", "Darudanus" e altri scritti continuano E sviluppare tradizioni di Lully segnato con gusto squisito, sono invariabilmente melodici, luminosi teatrali. Considerevole attenzione RAMO paga alle scene di danza. Nota lungo la strada, che, non importa come in futuro, le caratteristiche stilistiche del supporto francese, l'elemento della danza svolgerà sempre un ruolo evidente in esso.
Le prestazioni dell'opera di Ramo, così come il suo predecessore del Lully, indubbiamente appartenevano ai fenomeni significativi della vita culturale di Parigi, i tempi di Louis XV. Tuttavia, l'epoca, distinta dal rapido sviluppo socio-politico di tutte le sezioni della nazione francese, non è stata soddisfatta delle idee e delle forme artistiche tradizionali. Lo stile musicale del borghese parigino, lo stile musicale del borghese parigino, non è più adatto per lo stile musicale del borghese parigino - Ramo con le loro tragogene, sperava agli antichi miti greci e biblici. La realtà circostante ha un nuovo modo, argomenti, trame, trame. Suggerito un nuovo genere opera. Così nel mezzo del XVIII secolo, un'opera di Comic National è nata in Francia.
Le sue origini sono divertenti idee bolad parigini e giuste. Outly satirico nella loro direzione, hanno ridicolizzato la morale delle classi dominanti - aristocrazia, clero. Creato parodie per il dramma e l'opera. Gli autori di questo tipo di idee usassero volentieri le melodie che erano nel popolo.
L'emergere dell'opera comica francese è stata influenzata dalla "Maid-Mistress" di J. Pergolezi, con cui i parigini si incontrarono nel 1752 durante il tour della troupe italiana. Da allora, l'opera comica francese apprende la caratteristica dell'italiano: l'azione musicale è intervallata da scene di conversazione - intermedi intermedi.
Nello stesso 1752, quando la "padrona della cameriera" stava camminando a Parigi, Jean Jacques Russo scrive il suo "stregone rustico". Qui vengono utilizzate solo forme puramente esterne del genere comico. Il "mago rustico" afferma un tipo di performance musicale fondamentalmente nuovo: le personalità leggendarie e gli eroi mitologici sono sostituiti da persone comuni con i loro interessi quotidiani, gioie e sofunzioni.
Insieme a J. J. Rousseau French Comic Opera, molti devono avere il talento di tali compositori come E. R. Duni (1709-1775), P. A. Montsigny (1729-1817), F. A. Fildine (1726-1795) e A. E. M. Gretri (1741-1813). In collaborazione con P. Leszhim, Sh. Favar, J. F. Marmontel e altri librettisti, creano eccellenti campioni della commedia musicale nazionale. Nella sua evoluzione, viene naturalmente sottoposto a cambiamenti significativi - principalmente nella parte della storia. Insieme a un intrigo divertente e affascinante nel libretto, nuove opere comiche trovano umori sensibili, sentimentali, a volte grandi sentimenti drammatici. Queste caratteristiche sono contrassegnate, in particolare, "Deserter" Montsigny, "Nina, o follia dall'amore" N. Daleirak e in particolare la migliore creazione di Gretri - Richard Lion Heart. In questi saggi, le caratteristiche musicali della romantica opera seguirono, il XIX secolo.
Mentre il genere dell'Opera comica è in modo significativo in evoluzione rispetto ai primi esperimenti in quest'area, nella "Accademia reale della musica" domina lo spirito di rigorose opere classiche, il tema e lo stile dei quali sono vicini alla scuola creativa di Itch. Tali sono il "Tarar" Antonio Salieri, "Edip in Colon" Antonio Sakkini, "Demophon" Luigi Cherubini.
Nella nostra storia sulla storia dell'opera francese, il nome del compositore tedesco Christopher Willibald Glitka non è nominato accidentalmente chiamato. Poco prima della vittoria della rivoluzione della Bourgeois francese del 1789, Parigi con un interesse profondo monitora l'attività del glitch, che ha scelto la capitale della Francia dall'arena artistica, dove è stata effettuata la sua famosa riforma dell'opera. Glitch era basato sulla tragedia lirica francese. Tuttavia, ha abbandonato il lusso puramente decorativo, battendo sull'effetto esterno e la caratteristica della Royal Rulyuli Era - Ramo. Tutte le aspirazioni del compositore, tutti i suoi fondi espressivi sono stati subordinati a un obiettivo: fare un dramma musicale sostanziale e naturalmente sviluppato dall'Opera. Tutte le scuole di Opera, tra cui la Teatro dell'Opera francese, hanno approfittato degli alti risultati artistici del problema tecnico o un altro.
Prendere la Bastiglia (14 luglio, 1789) segna l'inizio di un colpo di stato rivoluzionario in Francia. Tutti gli aspetti della vita sociale e politica del paese cambiano drammaticamente. Tuttavia, è curioso che questo breve periodo, ma l'era ricca di epoca non è contrassegnata da tali opere d'opera, che la grandezza degli eventi sarebbe stata catturata in immagini artistici significative. Un movimento cicolare della vita pubblica ha inviato gli sforzi creativi dei compositori francesi e coloro che hanno trovato la seconda patria in Francia (ad esempio, Luigi Cherubini), in un'altra fila. Un enorme numero di marcia viene creata, canzoni rivoluzionarie (tra cui i capolavori, come "tutti i capolavori" e "karmañol" degli autori senza nome, "Marselyza" Ruget de Lily), opere coro e orchestrali destinate al pubblico delle strade e Piazze, per sfilate e processioni, per grandiose sui festival nazionali in scala. Allo stesso tempo, l'Opera House non sorge al di sopra delle rappresentazioni musicali e drammatiche di Gretri tipo "che offre libertà", "repubblicano trionfo" o "scegliendo repubblicano". Gli scritti erano ambientati sul palcoscenico della "Royal Academy of Music", ribattezzato il "teatro dell'opera nazionale". Nei giorni in cui la monarchia è crollata e il re di Louis XVI è stato giustiziato, hanno segnato la distruzione dello stile rigoroso del classicismo, originario del tempo del tempo.
Il fenomeno più significativo del periodo descritto è stato il genere dell'opera "horror and salvetion". Il motivo sociale in queste operazioni non era essenziale: gli argomenti puramente d'amore prevalcarono con una miscela di moralità ingenua. Un terreno divertente è stato saturo di tutti i tipi di avventure. Qualunque cosa i problemi cadde nell'eroe o nell'eroina, a volte erano fuori dalle proprietà inferiori, hanno sempre "sotto la tenda" attese un felice incrocio. Una vittima innocente e benvenuto trionfante, il cattivo e il vizio furono puniti.
Nell'opera "horror and salvetion" regnò lo spirito del melodramma, c'erano molti spettacolari momenti spettacolari. La drammaturgia fu costruita da compositori su un confronto contrastante di varie situazioni sceniche. I personaggi dei personaggi principali sono stati evidenziati e enfatizzati da mezzi musicali. Se possibile, la situazione di azione è stata accuratamente trasmessa. Lo spirito romantico si è rafforzato, i punteggi erano significativamente arricchiti a causa dell'uso diffuso dei generi della musica delle famiglie - una canzone del capo, un romanticismo, marcia, melodicamente vicino e accessibile alla più ampia gamma di ascoltatori. Lo stile dell'opera "horror and salvetion" ha avuto un effetto positivo sul successivo sviluppo di non solo francese, ma anche opere d'arte mondiale. "Orrore del monastero" di Berthon (1790), Wilhelm Tella Gretri (1791) e "Lounzione" di Kerubini (1791) - I primi lavori di questo genere. Dalla serie seguita dall'Opera, distribuisci la "Grotta" J. F. Laureuer (1793) e "Carrozzeriere" (o "due giorni") di Kerubini (1800).
Gli anni di consolato e Impero Napoleone Bonaparte (1799-1814) hanno imposto un'impronta notevole sulla cultura musicale francese. Nel "Imperial Academy of Music" (così ora chiamato il "teatro della National Opera") sono fissati, il cui contenuto si basa principalmente sulle leggende, i miti o gli eventi storici di lunga data. La scena regna un tono rialzato, una rappresentazione con il suo pomposo e la sospensione eclisca un altro. Altri lavori sono scritti con un obiettivo franco per glorificare il potente napoleone.
Per la "Accademia di musica imperiale", compositori di entrambe le vecchie generazioni e giovani, entrano ancora in un modo creativo indipendente. La migliore opera di questo periodo è "Semiramid" SH. S. Katabel, "Bards" J. F. L. L. L. spontini, la luminosa teatralità e l'intrattenimento dei quali anticipano il lavoro dell'opera di D. Meyerbera.
Le esibizioni di Comic Opera vanno in due teatri - Fady e Favar. E. N. Megyul e N. Daleurak, N. Ivoire e F. A. Bualdiar creano con successo qui. Il fenomeno curioso dovrebbe essere considerato "Joseph in Egitto" di Megyul (1807), dove non c'erano intrighi amore, nessun personaggio femminile. Con uno stile severo di musica generato da una leggenda biblica, molte pagine penetrate in modo lirico nell'opera. È anche interessante essere luminoso ed elegante "Cenerentola" Isyar (1810). Entrambe le opere sono diverse per l'aggregato dei loro agenti musicali ed espressivi. Entrambi testimoniano che il genere di Comic Opera si è rivelato flessibile e creativamente promettente per lo sviluppo dell'arte musicale e teatrale.
I successi del fumetto francese XIX secolo. In gran parte associato al nome Bougaldier, creato durante il restauro di Borbone (1814-1830) il suo lavoro più significativo - la "Bianca Lady" (1825) (il libretto dell'opera appartiene al famoso Playright Ezhen Skreba, il costante co-autore Meyerber, Offenbach e una serie di altri compositori eccezionali.). La musica dell'opera è dovuta a una profonda comprensione del baldaro dello spirito romantico della fonte letteraria, l'autore di cui era Walter Scott. L'autore della "Bianca Lady" è un eccellente drammaturgo dell'opera. Gli elementi di finzione sono integrati con successo da un effetto di sviluppo realistico; Orchestra, feste di solisti e cori sono perfettamente suoni. Il ruolo delle opere di Bualdiar è sufficientemente grande: i fili diretti vanno al genere dell'opera lirica, che ha stabilito nella fase francese nella seconda metà del XIX secolo.
Tuttavia, le alte altezze nel campo dell'opera comica sono riuscite a raggiungere Daniel Francois Espiri Nebra (1782-1871). Il Perù del compositore appartiene a un campione così eccezionale del genere, come "Fra-Devolo" (1830). L'Obur comprende superbamente e ritiene la natura dell'opera comica. La musica "Fra-Devololo" è leggera ed elegante, melodica e intelligenza, lavata con morbido umorismo e lirismo.
Un'altra gloriosa pagina nella storia della casa dell'opera francese è collegata con il nome della febbre. Nel 1828, la premiere del suo "muto da portici" (o "Fenelly") si è tenuta sul palcoscenico del Teatro Grand-Opera (o "Fenelly"), la cui trama era basata sugli eventi, sono associati a A Uprise non reciproca del 1647. Creato dal compositore Prima della rivoluzione del 1830, alla vigilia della caduta della dinastia del Bourbon, l'Opera ha migliorato l'emozionante umore pubblico di quegli anni. Essendo un'opera di un piano storico ed eroico, preparava, "insieme" con il "Wilhelm Tellem" di Rossini, il terreno per il periodo di massimo splendore del talento eccezionale di Gacomo Meerber.
Per la prima volta, Parigi ha conosciuto la Creatività dell'Opera di Meyerbera nel 1825, quando il suo "crociato in Egitto" è stato messo sulla grande fase dell'opera. Sebbene il lavoro e abbia avuto un successo noto tra il pubblico, il compositore, concentrandosi in modo superbamente nell'atmosfera della vita artistica di Parigi, la "capitale" musicale del mondo, ha capito che è stato necessario un stile operativo diverso, che corrispondeva all'ideologia di una nuova società borghese. L'esito delle ricerche pensierose e creative di Meyerber era l'opera "Robert Devil" (1831), che ha fatto il nome del suo autore con una celebrità europea. Successivamente, il compositore scrive "Huguenot" (1836), quindi - "Profeta" (1849). Sono queste opere di Meyerber e approvano lo stile della cosiddetta opera "grande".
Varie nella trama e nell'orientamento ideologico, Maerber Opera sono unite da molte caratteristiche comuni. Prima di tutto, con una connessione con la letteratura stabilita nell'arte europea, la pittura - la direzione del romanticismo. Sensazione sottile Le leggi della scena del teatro, il compositore in ogni caso raggiunge un entusiasmante intrattenimento. L'azione della sua opera si sviluppa sempre rapidamente, è saturata di eventi eccitanti; I sentimenti degli eroi sono enfatizzati brillanti, i loro personaggi sono nobili e sublimi. Il pensiero creativo del compositore ispira solo le persone con un destino interessante, a volte tragico (Robert - a Robert-Devil, Raul e Valentina - in "Huguenotes", John Leidensky - nel "Profeta").
La playurgia dell'opera di Meerbera fa affidamento sulla reception di contrasto - sia tra gli atti e all'interno. Sulla base dell'ottima conoscenza della scuola opera italiana, lo stile vocale del compositore è segnato da un inizio melodico ampiamente risolto e chiaramente pronunciato. La parte orchestrale sviluppata è una componente uguale della musica drammatica di Merber Music. È con l'aiuto del suono orchestrale che il compositore raggiunge effetti drammatici a volte molto forti (ad esempio, chiamiamo la famosa scena della "cospirazione e santificazione delle spade" nel quarto atto di "Huguenot"). Per più di un quarto di secolo, il "grande" stile di Meerbera stava conducendo in Francia, influenzando sia i compositori domestici che sui maestri di altre scuole nazionali (in particolare. "Orleansian Virgo" Tchaikovsky sta chiaramente trasportando tracce dell'effetto di L'opera che gioca a Mimebera - Scret).
Una delle pagine più luminose nella storia della cultura musicale della Francia appartiene a un periodo significativo che è associato a un'opera lirica. Il primo campione classico di lei - "Faust" Charles Guno, la cui premiere si è tenuta nel 1859, cioè nel mezzo del XIX secolo. Nei prossimi decenni, il genere dell'Opera lirica domina il teatro musicale francese, che è il più vitale nel punto di vista degli interessi artistici di oggi. Un grande elenco di compositori ha lavorato in questo genere. Ancora, ovviamente, un elenco di scritti seguendo il "Faust". Romeo e Giulietta (1867) SH. GUNO; "Ricercatori di perle" (1863), "Jamile" (1871) e "Carmen" (1875) J. Bizet; Beatrice e Berliosi Benedetto (1862); Mignon A. Tom (1806); Samson e Dalila K. Saint-Santa (1877); "Tales of Hoffmann" J. Offenbach (1880); L. Elibe L. Elibe (1883); "Manon" (1884) e Verter (1886, Premiere - 1892) J. Massne sono i migliori e più popolari campioni dell'Opera lirica francese.
Anche la conoscenza più avanzata con la passività del palcoscenico di questi compositori convince che in nessun caso l'individualità creativa non ripeti l'altra. Questo è dovuto non solo alla differenza di talento; Piuttosto, la differenza tra le opinioni ideologiche ed estetiche degli artisti che sono emersi lontani dallo stesso tempo. Quindi, ad esempio, l'opera "Werker" è scritta da quasi esattamente tredici anni dopo, "Faust", in un altro periodo sociale e storico: 1859 si riferisce all'era del secondo impero (Napoleone III), 1886, quando Verter è stato creato , - stabilire nel paese della Repubblica Borgeois. Eppure, il "vertier", così come "Faust", appartiene al genere dell'opera lirica.
Il genere era a modo suo molto "capiente". Rappresenta lo stesso "Faust", avvicinandosi alle forme esterne al "grande" stile dell'opera e alla due-calde, "camera" Beatrice dell'Opera e Benedict Berliosi; Le Poetiche "Fairy Tales of the Hoffmann" Offenbach, che fu l'unica operazione dell'opera del grande legislatore della Operatta francese, e un brillante campione di realismo panoramico - Bise "Carmen". Se si dicesse aggiungere che per l'opera lirica, è caratterizzato dal frequente fascino dei suoi autori ai classici della fiction mondiale (Goethe, Shakespeare), agli argomenti orientali ("perle", "Jamile", "Lakme" ), Alle trame bibliche (Samson e Dalila "), in generale, il fenomeno descritto presenterà una foto del Pestruy, contraddittorio.
Nota, tuttavia, il seguente schema. L'opera lirica francese scompare, di regola, da un grande argomento storico ed eroico, limitato principalmente alla sfera di una vita umana intima. Una sostituzione di edifici ipertrofici dell'opera "grande", scene di coro sviluppata e ensembles arrivano romanzi, Cavatin, Ballad, Aryooso, cioè, che è una forma panoramica puramente catena. Quando la base del libretto sta diventando la più grande creazione della letteratura mondiale - ad esempio "Amleto" e "Romeo e Giulietta" Shakespeare, Faust, Wirette e Wilhelm Meister, - Opera perde un'idea filosofica profonda, mettendo un dramma d'amore la prima.
Ma questi "meno" del nuovo genere musical-teatrale di arte francese ha battuto in molti dei suoi "professionisti". Concentrandosi sul mondo spirituale dell'uomo, gli autori delle opere liriche hanno creato opere contrassegnate con sincerità e calore genuina dei sentimenti. In molti di loro, in particolare, in Messa, le caratteristiche del ritratto degli eroi hanno ricevuto il perfetto completamento psicologico.
Nelle partne di Gunov e Bise, Offenbach e Delibe, Tom e Massel, casi di utilizzo di campioni di folclore familiare urbano, che hanno reso le opere di questi compositori con stretti e listener di massa.
Separatamente, si dovrebbe dire di "Carmen" Bise. La rara veridicità nel trasferimento di complessi sentimenti e relazioni umane, la forza dell'impatto emotivo sul pubblico, la bellezza incredibile e allo stesso tempo il sorprendente segnando del punteggio, il divertimento riflettenti e tempestoso, e la tragedia dei condanni, messi Bizet Opera in un certo numero di opere uniche di tutte le lettere della musica mondiale.
L'opera di opera francese non può essere immaginata senza Pelleas e Melisanda Claude Debussy (1862-1918) e "Hour spagnolo" Maurice Ravel (1875-1937).
Debussy è il fondatore dell'impressionismo nella musica. La sua unica opera creata all'inizio del XX secolo. Secondo lo stesso dramma del nome del simbolista M. Metherlik, riflette pienamente l'estetica di questa particolare direzione nella bustina. Nell'opera, molti magnifici ritrovano sia nel campo delle vernici armoniche e orchestrali che nel campo delle lettere della diffusione-Aventic-Declamation. In esso, tuttavia, regna il pessimismo senza speranza.
"Hour spagnolo" Ravel è un'opera commedia lirica. Il focus del suo autore è concentrato da PA Orchestra. Con esso, viene disegnato incredibile in spiritoso e accuratezza del gioco della vita musicale del workshop di orologi, dove si verifica l'azione dell'opera. Come nei tassi di balletto, queste peculiari "symphrines coreografiche", nell'ora spagnolo, tutto è basato su un intrattenimento intrigo e la palette orchestrale affascinante con le sue vernici. La componente più importante dei titoli musicali dell'opera dei giochi - le forme vocali ampiamente disperse sono consapevolmente scaricate dal compositore sullo sfondo, rendendo il posto al modo di riciclaggio riciclaggio della lettera vocale.
Tale è brevemente la storia dell'opera francese dal centro del XVII all'inizio del XX secolo.
Dopo Debussy e Ravel, il teatro musicale francese ha un numero relativamente piccolo di nuove opere che hanno lasciato un segno notevole nell'arte dei nostri giorni. La "Grand Opera" di Parigi ha fatto appello alla musica moderna in una lunga serie di balletti, terreno e divertisten, che ha continuato la famosa tradizione francese di balletto. Nell'area dell'opera, non vi è tale abbondanza di lavori ripetuti, sebbene la moderna opera francese sia stata creata dagli sforzi di tali compositori significativi come A. Ongger, F. PULENK, D. MIYO, A. COGE, ecc.
Il primo dei moderni compositori francesi che lavora nel genere dell'opera dovrebbe essere chiamato Dario Miyo (1892-1974). L'immagine della sua creatività dell'opera è ricca e supplica. Ha scritto 15 opere e cinque importanti opere panoramiche in altri generi. Una delle prime esperienze teatrali di Miyo era musica per "Orestee" Eschil in P. Klodel. Ma la vera opera era solo la prima parte della trilogia - "Eurmini". Agamennone e hoeofors sono la natura di orali peculiari da una partizione ritmicata del coro parlante in combinazioni con una varietà di strumenti di impatto differenziati (questa ricezione in seguito è stata sviluppata abilmente K. Orf).
La seconda esperienza di Mio nel Genere Opera - "Christopher Columbus" (1930). Questa è una grande composizione da ventisette dipinti in due atti. Durante l'azione, i lettori leggono il "Libro della storia" e i cori situati nell'Auditorium commentano. Nel coro, come la testimonianza della propria vita, è anche Columbus. Una condizione indispensabile per la produzione è la schermata del film, dove vengono mostrati veri paesaggi esotici e tempeste del mare genuine, su cui dice il narratore.
L'argomento americano ha continuato a preoccuparsi di Miyo e dopo Columbus. Nel 1932, Parigi si è svolta a Parigi, il compimento della sua nuova opera "Maximilian" sul dramma Franz Vorfel "Juarez e Maximilian", e nel 1943 Miyo ha scritto Opera Bolivar (su Drama J. Superviel). Entrambi i lavori legati all'argomento e al materiale (la lotta dei popoli latinoamericani contro la colonizzazione e la loro lotta rivoluzionaria interiore), che ricorda l'opera Meerber - Skreba, vale a dire dalla loro "interpretazione litografica del SCCEIT storico ... in lo stile di litografie per la gente. "
Alla vigilia della seconda guerra mondiale nell'opera comica di Parigi, l'opera miaio "Eshiphyrie del cartman" è stata messa e due settimane prima dell'occupazione - "Medea" nella Grand Opera.
L'unico importante lavoro per il teatro musicale nel lavoro postbellico di Miyo - Opera David (1925-1954), messo a Gerusalemme tradotto nel linguaggio ebraico in occasione del 3000 ° anniversario della città di Gerusalemme. Questo operatore operatore in cinque azioni sulla famosa trama biblica (Libretto Arman Lüneel). Epicamente duri cori qui alternano con scene drammatiche (la vittoria di David su Avasalomoma) e gli episodi lirici (DAVID sta piangendo sui morti Saul e Ionafan).
Un importante contributo alla cultura dell'opera della Francia XX secolo. Realizzato Swiss Arthur Oneggger (1892-1955). Nel suo lavoro, le opere panoramiche di forme operative miste miste sono di grande importanza: "Affreschi monumentali" "Tsar David" "Jeanne D Arc su un fuoco", "Dance of the Dead".
"Tsar David" (1921) è un'opera-Oratorio per il coro, l'orchestra e il lettore alla trama biblica (lo stesso nell'opera Miyo sopra menzionato). ONEGGGER interpreta la leggenda biblica nelle tradizioni del Vangelo "Passions" di Baha e Oratoria Handel con le loro trame più bibliche.
"Judith" (1925), il dramma biblico con il testo R. Moraks continua e sviluppa la forma dell'opera-oratoride "Tsar David", ma è più vicino all'opera (nessun lettore e dialoghi vocali, il secondo comitato editoriale ha un sottotitolo " Opera Seria ").
La terza fase opera di oneguger è l'opera "Antigona" sul testo di Jean Cocteau (1927), la cui premiere si è tenuta nell'opera comica di Parigi nel 1943. Come "Antigue" J. Anuu Opera è diventata nelle condizioni di occupazione della manifestazione antifascista del fronte folk. ANTIGGER E COKTO Andando lungo la strada per vedere la trama, le forme, il design ideologico dell'antica tragedia, in contrasto con le tendenze della stilizzazione, che ha trovato l'espressione nello zar edipan di Stravinsky (anche il testo di Cokto, 1927) e L'Antagona K. Orfa (1949).
Il prossimo e centrale, secondo il suo valore, il drammatico Oratorio di OntoGor "Jeanne D" Ark al fuoco "è stato creato in collaborazione con il più grande moderno playwright francese P. Klodeli (1938). Gli autori hanno chiamato questo lavoro di misteri, significato Quelle viste religiose e secolari che sono state giocate sui quadrati di città francesi nel Medioevo.
La composizione "Jeanne D" Ark in un incendio "è molto originale. Il ruolo principale è eseguito da un'attrice drammatica. In scene folk corale, l'eroina non partecipa davvero: sono i suoi ricordi, le impressioni del recente passato. sono seguiti da cronologicamente in ordine inverso. Legato alla testa di Jeanne, il falò dell'Inquisizione è già stato piegato, ascolta le grida della folla eccitata, riuniva per guardare la combustione del "stregone", riproduce una riunione mentale di Il Tribunale della Chiesa, che la condannò ad esecuzione, ricorda l'incoronazione in Reims, l'educazione del popolo in occasione della vittoria sui dipinti britannici e persino completamente distanti della sua infanzia nel villaggio. Dopo ogni nuovo episodio, i ricordi restituiscono a Terribile realtà: Jeanne, legato al post e un'esecuzione in attesa.
Questo ha sfaccettato, ricco di contrasto, il lavoro comprende episodi sinfonici e dipinti di genere brillanti, sono dialoghi conversazionali e un coro. Il materiale musicale è estremamente diverso: qui e alta musica stile sinfonico (prologo) e la stilizzazione della danza (nella fase allegorica del gioco della carta), e i diversi sviluppi delle canzoni folk ("Trimazo", "Laon Bells ") e il khorala gregoriano. Spesso ci sono e ripetuti simboli del suono caratteristici (ululato di cani, cantando sediatingria, suonando campane, imitando il ruggito dell'asino e sanguinamento dei Rams). Nell'oratorio, la tragedia e la farsa, storico e moderno e moderno sono contraddittori. Oneggger era particolarmente preoccupato per la disponibilità e l'impelice dell'influenza di "Zhanna sul fuoco". Era destinato all'esecuzione in Francia nel 1938 e ha giustificato il suo scopo. Dopo la premiere il 12 maggio 1938, a Basilea, l'Oratorio è stato eseguito in dozzine di città meridionali francesi, e dopo la liberazione è stata messa sul palcoscenico della "Grand Opera" di Parigi.
Francis Polenk (1899-1963) è diventato il compositore opera più significativo della Francia negli anni postbellici. In precedenza, il suo interesse per il teatro musicale era moderato. Nel 1947, il suo "seno di Tyroshiya" opera-burlesque è stato messo sul palcoscenico dell'opera comica parigina (sul gioco di Apolliner). Musica Polenka qui è piena di sincero divertimento, ma questo non è gli Surini della commedia elegante e leggera, è piuttosto un grottesco nello spirito di Rabbia. In Opera Sang Deniz Duval, che da allora è diventato il miglior esecutore di feste femminili di tutti e tre le opere Polenka. La sua voce meravigliosa e una rara personalità artistica erano per il compositore di una specie di merito e del modello, quando ha lavorato sulla "voce umana" monologica dell'oro-atto e sui "dialoghi carmelitani".
La "voce umana" sul testo della scena drammatica di Jean Cocteau fu consegnata da un'opera comica nel 1959. In questa opera di un atto, una donna abbandonata dalla sua amata, parlando di lui per telefono per l'ultima volta. Domani deve sposarsi. La conversazione è spesso interrotta. L'eccitazione e la disperazione delle donne cresce: è preteso da allegro, poi piangendo e ammette che ha già cercato di suicidarsi. La scena dura 45 minuti. Il compositore come vero maestro della lettera vocale è stato in grado di superare il pericolo di monologo a lungo e monologe. La parte vocale in un riciclo melodico deriva da "Pelleas e Melisanda" Debussy, ma ha qualcosa in comune con Puccini in episodi eccibili.
Per ordine del teatro di Milano "La Scala" Pullenk composto nel 1953-1956. GRANDE OPERA "Dialoghi di carmelitano". È stata fornita per la prima volta il 26 gennaio 1957. Dopo la premiere italiana, era chiaro che nessuna opera moderna da Poucchini aveva un successo così incondizionato a La Scala, dove molte nuove opere sono state installate negli anni postbellici ("Carriera di Mota" Di Stravinsky, "Mczec" A. Berg, "Console" di Menotti, "David" Mio), che non ha ricevuto una risposta così emotiva come l'opera Poilka.
"Dialoghi di carmelitano" è un dramma psicologico. Il suo tema è una lotta spirituale interna, una scelta personale di una persona situata in una situazione critica: l'argomento è ben noto per il dramma moderno, aggiornato e naturale nel nostro tempo. Un problema speciale è qui per scegliere uno specifico materiale storico - episodio dai tempi della rivoluzione francese del 1789 (sanzioni di sedici donne-carmelite del monastero del Compente, Ghigliotto dalla Frase del Tribunale rivoluzionario). Il gioco è stato scritto su questa trama. Bernanosi "Paura congenita", che Pulisk usata e riciclata. Questo non è un lavoro epico sulla grande rivoluzione, ma un dramma lirico e psicologico su un argomento religioso ed etico. Non vi è alcuna negazione, né l'approvazione delle idee rivoluzionarie, non vi è alcuna valutazione dell'evento storico. La situazione ristretta è presa, le conseguenze degli shock sociali sono scioccate per un piccolo gruppo di persone che non dipendono da loro le circostanze della scelta vitale non utilizzata, prima della necessità di prendere la decisione fatale. Per moderno, in particolare francese, drammaturgia, un tale diagramma di un conflitto drammatico, come già accennato, è tipico. Ma ci sono nei "dialoghi carmelitani" e nella sua caratteristica originale: se la "antigon" e "lol lark" Anuya "debole" eroine si oppongono alla loro "debolezza indifesa" e al loro potere spirituale - violenza, tirannia, quindi la figura centrale dell'opera Polenka, una debole creatura Blanche, rende un'impresa morale solo "dentro se stesso", solo la sua debolezza interiore vince - la sua "paura congenita". Va a morte senza paura, fa un'impresa sacrificale del senso umano di solidarietà, lealtà all'amicizia, al luogo della coscienza, e non dall'obbedienza automatica all'idea religiosa del martirio. L'idea della Chiesa del sacrificio, intriso di fanatismo disumano, Blanche e della sua ragazza, la Nun Constanta, resistono internamente dall'inizio della fine. Il cuore della Blanche, un debole e paura di una lotta umana, risponde sinceramente solo alla sofferenza umana, e non sull'idea astratta del "grande sacrificio".
Blanche va al monastero della paura della vita, dei suoi allarmi e della crudeltà. Il suo sostegno spirituale è la fede. Ma la vita del monastero del primo momento inizia a distruggere questo sostegno, Blanche vede una terribile ribellione del suicidio del monastero del monastero contro l'umiltà di Hangeesky e ascolta la sua profezia sulla morte della Chiesa. Blanche sente l'agonia della Chiesa, la fine della fede, che è già impotente a sostenere e rafforzare il tormento dell'uomo. Tuttavia, le monache hanno accettato i voti del martirio e ha deciso di andare alla morte di "per la causa della fede", è entrato nella lotta sbagliata con l'autorità rivoluzionaria. Custodia Carmelitet e portarli una condanna a morte per l'incitamento da parte del "Nome di Dio". Con loro, insieme sul ponteggio, Blancher sta aumentando, liberi dall'impegno della chiesa Dogma, ma la corretta legge dell'amicizia: spera che il suo sacrificio di sé consolerà almeno una persona in un deathman - la sua ragazza Costanta. L'aspetto umano di Blanche, che ha preso la morte solo per "non disprezzare se stesso", aggrava l'impressione di disperatezza nel dramma immensamente cupo e doloroso dei Bernanos e dell'opera Polenka. Entrambi gli artisti mostrano la tragedia umana associata alla caduta della forza e al potere della fede, e illuminano, anche se indirettamente, il momento di una crisi acuta nella storia della Chiesa cattolica, che di per sé è molto rilevante per il moderno ovest, e In particolare - Francia. In questo lavoro, la più grande simpatia non è i fanatici religiosi, non i servi di fede, e i suoi "apostati", oscillanti, sbagliati.
Opera Polenka ha un'iniziazione significativa: "Monteverdi, Mussorgsky e Verdi". Nell'interpretazione musicale del discorso, Polenk considera un follower non solo deboloso, ma anche Mussorgsky. Polenk's Plencerful e Strect Dramaturgy Associati con la tradizione del "grande" Opera Verdi. E tutto il lavoro nel suo complesso, come probabilmente credeva Polenk, è progettato per continuare la grande tradizione dell'opera, iniziata dal lavoro di Monteverdi, per la prima volta, la vera tragedia, la motivazione psicologicamente accurata delle azioni umane e dei contorni chiari dei personaggi.
Tra gli attuali compositori di opera francesi, la figura del Marsiglia rumeno Mikhailovich (R. 1898), che vive a Parigi, dal 1919, il Perù di questo compositore appartiene a due particolarmente caratteristici della scelta del materiale per gli anni post-bellici dell'opera : "Ritorno" (1954) - Dedicato a A. A. A. ONEGGER Radioje sul noto Maupassant Novella "a Porto" (Libretto K. Ruppel), la tragica storia di "restituita" e dimenticata, con attuale sottotesto moderno e socio-critico Motivi; E il secondo - "schifo o ultimo nastro" (1960), un'opera operativa singola sul gioco Samuel Beckett.
Nel 1950, Henri Barro (R. 1900) si è laureato alla Tragedia Eroica nel Genere Opera - "Numania" basato sui servi (sulla trama della storia antica sulla lotta contro la Spagna contro il potere di Roma). Nel 1951, Emanyuel Liewiewyly (r. 1898) ha fatto un dramma musicale lirico "Mrs. Borka" (secondo Flauber), nel 1954 il codice dell'opera Henri (p. 1901) "Caprise di Marianna" (a Mussse) è stato consegnato.
È interessante notare che uno scrittore popolare del chanson moderno e del cinetone Joseph Kosma (r. 1905) ha anche scritto una grande opera-oratore di "Tkach" al testo di J. Gosheron, che è stato ascoltato per la prima volta nel 1959 in La Repubblica Democratica tedesca e solo nel 1964 pubblicato dal teatro di Lione. L'opera Oratoria è dedicata alla storia della rivolta dei tessitori di Lione nel 1831. Gli autori, tuttavia, non hanno cercato di creare un'opera storica e ha sottolineato la rilevanza politica del materiale per la modernità. A nome della modernità, afferma il lettore che porta una performance. La storia della rivolta stessa è i ricordi. L'idea principale del lavoro è la necessità di una riorganizzazione rivoluzionaria del mondo da parte delle forze della classe operaia.
Le grandi scene coreali e le canzoni luminose di episodi costituiscono la base di questo lavoro. Cosma collega facilmente Chanson e coro con repliche clotativa di solisti. Il discorso lotto dei lettori commenta l'azione. Il lavoro fornisce opportunità sia per il concerto che per l'esecuzione di palcoscenico.
Non è vero per i musicisti francesi, come questo italiano, uno in Francia ha mantenuto popolarità per un intero secolo.
R. rolland.
J. B. Lully è uno dei più grandi compositori d'opera del XVII secolo, il fondatore del teatro musicale francese. Nella storia dell'opera nazionale, Rubbley entrò nel creatore di un nuovo genere - tragedia lirica (così chiamato in Francia una grande opera mitologica), sia come una figura teatrale eccezionale - era sotto il suo inizio, la Royal Academy of Music è diventata Il primo e principale teatro dell'opera Francia, che in seguito ha trovato la fama in tutto il mondo chiamata Grand Opera.
Lully è nato nella famiglia di Melnik. Le abilità musicali e il temperamento di recitazione dell'adolescente hanno attirato l'attenzione del Duke de Giza, che è OK. 1646 La foratura è stata portata a Parigi, avendo determinato il servizio per la principessa di Montpanne (Suor King Louis XIV). Non un'educazione musicale nella sua patria, che è stata in grado di cantare a 14 anni solo per cantare e suonare la chitarra, Lulley era impegnata a Parigi sulla composizione, cantando, ha preso le lezioni del gioco sulla clavesi e soprattutto il suo amato violino. Un giovane italiano, che ha raggiunto il favore di Louis XIV, ha fatto una brillante carriera con il suo cortile. Un talentuoso virtuoso, su quali contemporanei parlavano - "suonare il violino come pastella", è entrato presto nella famosa orchestra "24 violino re", ca. 1656 organizzato e ha guidato la sua piccola orchestra "16 violini del re". Nel 1653, Lully ha ricevuto un "compositore della corte della musica strumentale", dal 1662 è già sovrintendente della musica della corte, e dopo altri 10 anni - il proprietario del brevetto per il diritto alla fondazione di Parigi della Royal Academy of Music " Con la vita, questo diritto e il trasferimento di esso l'ereditarietà di questo figlio, che diventerà il suo successore per il sovrintendente della musica del re. " Nel 1681, Louis Xiv ha onorato la sua nobiltà dell'animale domestico e il titolo del Segretario Royal Advisor. Tenendo a Parigi, a Ruli fino alla fine dei giorni mantenuto la posizione del sovrano assoluto della vita musicale della capitale francese.
La creatività è stata regolata principalmente in quei generi e forme che si sono sviluppati e coltivati \u200b\u200bal cortile "King Sun". Prima di contattare l'opera, Lully nei primi decenni del loro servizio (1650-60) composto alla musica strumentale (Suite e deviazioni per strumenti a corda, giochi separati e marche per venti, ecc.), Scrittori spirituali, musica per prestazioni di balletto ( "Malato Amur", "Alsidiana", "balletto di beffa" e altri). Partecipare costantemente ai balletti della Corte come autore di musica, il direttore, l'attore e il ballerino, ha padroneggiato Lully le tradizioni della danza francese, la sua ritminicazione e caratteristiche panoramiche. La collaborazione con JB Moliere ha aiutato il compositore a entrare nel mondo del teatro francese, sentire la peculiarità nazionale del discorso del palcoscenico, il gioco di recitazione, il direttore, ecc. Lully scrive musica ai pezzi di Moliere ("Insieme del matrimonio", "Princess Eldida" , Siclian, "Love-Healer", ecc.), Esegue il ruolo di Pursoniak nella commedia "Mr. de Prsoniak" e Mufti nel "Promanin nella nobiltà". Per molto tempo, l'opera rimase un avversario, che credeva che il francese non fosse inadatto per questo genere, Lully nei primi anni del 1670. Cool ha cambiato le sue opinioni. Nel periodo del 1672-86. Ha inserito la Royal Academy of Music 13 Tragedie Lyrical (tra cui "CADM ed Hermione", "Alsesta", "Teze", "ATI", "Armida", "ACYC e GALATIA"). Sono state queste opere che hanno posato le fondamenta del teatro musicale francese, identificarono quel tipo di opera nazionale, che per diversi decenni ha dominato la Francia. "Lulley ha creato l'opera nazionale francese, in cui sia il testo che la musica sono combinati con mezzi nazionali di espressione e gusti e che riflettono sia le carenze che la dignità dell'arte francese", il ricercatore tedesco di Krechmer scrive.
Lo stile della tragedia lirica Lully è stata formata in una stretta connessione con le tradizioni del teatro francese della classicismo epoca. Tipo di una grande composizione a cinque volte con un prologo, modo di recitazione e gioco di palcoscenico, fonti di trama (mitologia greca antica, storia dell'antica Roma), idee e problemi morali (conflitto di sentimenti e mente, passione e debiti) portano le opere Della Rugna con tragedie di P. Cornell e J. Rasina. Non meno importante è il rapporto della tragedia lirica con le tradizioni del balletto nazionale - grandi divertisters (numeri di danza inseriti che non sono legati alla trama), processioni solenni, processioni, festività, dipinti magici, scene pastorali aumentano le qualità decorative e spettacolari del gioco dell'opera. La tradizione di introdurre il balletto fu emersa nel tempo del Lully ed era estremamente sostenibile e persisteva nell'opera francese per diversi secoli. L'influenza di Lulley ha colpito gli abiti orchestrali della fine del XVII - primo XVIII secolo. (M. Muffat, I. Fuchs, Teleman, ecc.). Tale nello spirito di divertiti di balletto del Lully, includevano danze francesi e giochi caratteristici. Grande distribuzione nell'opera e nella musica strumentale del XVIII secolo. Ricevuto uno speciale tipo di overture, che ha stabilito nella tragedia lirica di Lully (la cosiddetta "francese", costituita da una voce lenta, solenne ed energica, partizione principale mobile).
Nella seconda metà del XVIII secolo. Tragedia lirica di Lully e dei suoi seguaci (M. Charpete, A. Kampra, A. Dewhush), e con esso e l'intero stile della Corte Opera diventa oggetto di discussioni acute, parodie, ridicole ("Buffon Guerra", "Guerra di Grecker e Picchinnists "). L'arte che sorse nell'era del periodo di tiro dell'Absolutismo è stata percepita dai contemporanei di Drop e Rousseau come il pilota dilapidato, senza vita, pomposo. Allo stesso tempo, la creatività del Lully, che ha svolto un certo ruolo nella formazione di un grande stile eroico nell'opera, ha attirato l'attenzione dei compositori dell'opera (JF Ramo, GF Gendel, KV Itch), che ha avuto luogo alla monumentalità , il pattetore, rigorosamente razionale, un'organizzazione ordinata del tutto.