NEW ORLEANS - LA PATRIA DEL JAZZ

Ma ancora. Cos'è il jazz e dove è apparso per la prima volta?

Il jazz non è apparso dall'oggi al domani, non è stato inventato da nessun genio. È un prodotto della creatività collettiva e a lungo termine di molte generazioni di persone, la ricerca di nuove idee e prestiti da molte culture. Il jazz è cresciuto e si è sviluppato in molti luoghi differenti STATI UNITI D'AMERICA. La popolazione nera che eseguiva tale musica viveva in molte città americane: Atlanta e Baltimora, Kansas City e St. Louis, che era il centro del ragtime, e William Christopher Handy, il "padre del blues", viveva a Memphis.

Alcuni storici ritengono che sia stata New Orleans a diventare la culla del jazz, la città era il luogo ideale per la nascita della musica jazz, perché aveva un'atmosfera sociale unica, aperta e libera.

Torna all'inizio del 19 ° secolo. il porto di New Orleans (Louisiana), situato nel Delta del Mississippi, che fino al 1803 apparteneva alla Francia napoleonica ed era famoso per le sue tradizioni democratiche, raccoglieva genti provenienti da diversi paesi e strati sociali. La gente si accalcava a New Orleans in cerca di una vita migliore e una vita confortevole. Le nuove terre attrassero anche irrequieti avventurieri, avventurieri e imbroglioni, esuli e fuggiaschi. Erano persone di diverse nazionalità: francesi, spagnoli, tedeschi, inglesi, irlandesi, indiani, cinesi, greci, italiani, africani. New Orleans era la più multiculturale e la più città musicale nel Nuovo Mondo. Era una città portuale dove arrivavano le navi con gli schiavi portati dalle coste occidentali e settentrionali dell'Africa. New Orleans era il principale centro della tratta degli schiavi e ospitava i più grandi mercati di schiavi negli Stati Uniti. Sono i discendenti di persone considerate "beni viventi" che creeranno la più americana di tutte le arti: il jazz. Uno dei fan appassionati di jazz attore famoso e il regista Clint Eastwood una volta ha osservato che gli americani si sono davvero arricchiti cultura mondiale due cose: western e jazz.

L'intera idea di improvvisazione, che è l'essenza del jazz, è indissolubilmente legata alla vita degli schiavi americani, che hanno dovuto imparare a sopravvivere in condizioni difficili. Ma il sogno principale dei neri americani è sempre stato la libertà! scrittore americano Earley ha detto che l'essenza del jazz è la libertà! Questa musica parla di liberazione. Naturalmente, c'erano molte altre nazioni negli Stati Uniti d'America, quelle che furono trattate in modo molto crudele e ingiusto. Ma solo i neri americani erano schiavi, solo loro hanno una coscienza storica di cosa significhi non essere liberi in un paese libero.

I proprietari di schiavi bianchi non incoraggiavano la creatività musicale amatoriale degli schiavi, ma capivano che se il "merce vivente" non fosse stato dato almeno una boccata d'aria fresca, avrebbe potuto perire o risorgere. Nel 1817, agli schiavi di New Orleans fu permesso una volta alla settimana, la domenica, di radunarsi in Congo Square per cantare e ballare. A volte White New Orleans veniva lì per guardare i neri americani cantare e ballare al suono dei tamburi. Nel lavoro degli schiavi afroamericani, le caratteristiche della loro culture nazionali... I ritmi contagiosi delle melodie caraibiche si sentivano nella musica degli schiavi portati dalle isole delle Indie Occidentali. I canti di lavoro delle piantagioni di cotone, riso e tabacco venivano cantati dagli schiavi portati dall'entroterra del Sud America, e gli schiavi dal Nord America cantavano spirituals con la forma respiratoria caratteristica dei sermoni delle chiese battiste.

A New Orleans, nonostante il "Codice Nero" (1724), che vietava i matrimoni misti tra bianchi e di colore, avvenne gradualmente la mescolanza nazionale e razziale. C'era una comunità in città persone libere che si chiamavano creoli colorati. Avevano la pelle più chiara dei neri africani, i discendenti dei coloni europei e le loro mogli e amanti dalla pelle scura. I creoli, tra i quali c'erano anche proprietari di schiavi e semplicemente persone benestanti, si consideravano eredi della cultura musicale europea e ne erano orgogliosi. V vita culturale I creoli di New Orleans suonavano ruolo positivo... I francesi e i creoli fondarono un teatro dell'opera in città, diversi orchestre sinfoniche, circoli sociali. Il repertorio del teatro dell'opera consisteva in opere di francesi e Compositori italiani... La musica di Minstrel veniva suonata anche nei teatri di New Orleans. Gli spettacoli hanno viaggiato in tutta l'America e sono arrivati, ovviamente, a New Orleans.

Nella seconda metà del XIX sec. a New Orleans, i cittadini di tutti i colori della pelle amavano ascoltare numerose orchestre semisinfoniche e orchestre all'aperto. Particolarmente popolari erano le marce bande di ottoni... E c'erano molte ragioni per le strade di New Orleans: matrimoni, funerali, feste in chiesa... E ogni primavera - Mardi Gras (cioè "Martedì grasso"), una vacanza divertente che si è svolta prima della Quaresima come un grandioso carnevale multicolore con sfilate, manifestazioni, picnic, concerti. Tutta questa azione è stata accompagnata dalla musica delle bande di ottoni in marcia.

Clarence Williams(1898-1965), pianista, cantante, compositore, editore musicale ha ricordato: “Sì, New Orleans è sempre stata una città molto musicale. Durante il grande martedì grasso e il Natale, tutte le case erano aperte e si ballava ovunque. Ogni casa era aperta per te e potevi entrare in qualsiasi porta, mangiare, bere e unirti alla compagnia lì".

Già nel XVIII sec. a New Orleans sorsero monasteri degli ordini dei cappuccini e dei gesuiti. La Chiesa cattolica romana ha creato le condizioni per un certo avvicinamento delle razze, la graduale compenetrazione delle loro tradizioni culturali... La città etnicamente diversa era, in un certo senso, una città romantica e musicale. La vita qui era aperta, come spesso accade nelle città del sud. In un isolato del quartiere, potrebbe vivere una varietà di persone, con le loro abitudini e caratteristiche nazionali... La musica per gli abitanti della città è stata l'ambiente che ha accompagnato tutti gli eventi, per tutta la loro vita, rappresentando una fusione di culture musicali italiane, francesi, spagnole, inglesi e africane.

La città non poteva fare a meno di un'altra tradizione di New Orleans: passione e vizio. I giocatori d'azzardo e gli amanti dell'amore venale che vivevano a Storyville contribuirono alla prosperità del gioco d'azzardo e dei bordelli, progettati per tutti i gusti e per tutti i portafogli. Cabaret, saloon, sale da ballo, barili e honky-tonk - piccoli pub e taverne - lavoravano 24 ore su 24. I clienti di tali stabilimenti di intrattenimento di basso profilo e discutibili erano principalmente afroamericani poveri, elementi declassati e altro pubblico eterogeneo. E la musica risuonava in ogni istituzione.

E accanto - la pietà frenetica e il culto del voodoo con i suoi rituali: riverenza per gli spiriti degli antenati, sacrifici, "polvere di zombi", danze magiche e rituali portate da schiavi neri da Haiti. Danze rituali vudù venivano eseguite nella leggendaria piazza Congo e davanti alle porte della città fino al 1900. New Orleans potrebbe essere considerata il centro della stregoneria e della magia. Ha vissuto qui nella seconda metà del XIX secolo. e il più famosa regina vudù - Marie Laveau. E tutto questo è stato mescolato in una città così multistrato, dove le persone sono state costrette a capirsi e interagire tra loro se sono vicini.

Il 26 gennaio 1861, lo stato della Louisiana, in cui si trovava New Orleans, si staccò dall'Unione a seguito della guerra tra il nord e il sud. La guerra civile americana non ha fatto nulla di buono per i meridionali. Tuttavia, quindici mesi dopo, la flotta alleata entrò nel porto di New Orleans e la città fu costretta ad arrendersi. Residenti neri città del sud dove la schiavitù prese in quegli anni le forme più crudeli e sofisticate, questa occupazione portò la tanto attesa libertà, che gli schiavi sognavano. L'emergere del jazz fu una sorta di esplosione di energia creativa del popolo oppresso e divenne possibile solo dopo l'abolizione della schiavitù (1863). Questa musica è nata nella mente di persone che in precedenza non erano percepite dalla società come americani a tutti gli effetti, sebbene non siano diventati meno americani perché vivevano in questo paese.

Per dodici anni dopo la fine della Guerra Civile del Nord e del Sud degli Stati Uniti (1861-1865), durante l'era della Ricostruzione, i settentrionali assicurarono l'applicazione dell'ordine nel sud del paese. Ma nel 1877, dopo un accordo dietro le quinte tra i repubblicani del nord e i democratici del sud, le truppe federali furono ritirate dai territori meridionali dell'America. Senza il supporto dell'esercito, l'era della Ricostruzione era finita. E sebbene la schiavitù fosse ufficialmente abolita, i "bianchi padroni della vita" imponevano ovunque il potere con il "pugno di ferro". (Va notato che la supremazia bianca negli Stati Uniti continuerà a diffondersi nei prossimi cento anni.) I ranghi del Ku Klux Klan (organizzazioni di organizzazioni bianche nazionaliste terroristiche di estrema destra che sostengono l'idea della supremazia bianca su neri e immigrati con metodi estremisti), i tribunali di linciaggio (omicidio di persona sospettata di reato o violazione dei costumi pubblici, senza processo e senza indagine) sono diventati all'ordine del giorno. La segregazione (divisione della popolazione per colore della pelle, un tipo di razzismo) è diventata una legge di vita; e alcune streghe chiamarono questo sistema "Jim Crow's Law" (dal nome della prima esecuzione del menestrello di "Daddy Rice"). New Orleans, orgogliosa del suo cosmopolitismo e della sua democrazia, resistette per un po' a questo sistema, ma poi fu costretta ad arrendersi, sebbene vita musicale in città non svanì.

Alla fine del XIX secolo. New Orleans ha incontrato due nuovi generi musicali, senza il quale il jazz semplicemente non esisterebbe. Questi erano ragtime e blues. Il ragtime, che incorpora elementi folkloristici africani ed europei, è stato il primo genere pianistico afroamericano a prendere la forma di un concerto, da cui ha inizio la storia del jazz. È stato eseguito da pianisti nelle città del Midwest americano dal 1870 circa, dove viveva la maggior parte dei creatori di questa musica. Il ragtime si è diffuso nelle città di Kansas City, Chicago, Buffalo, New York, Omaha e, naturalmente, a New Orleans. La musica ragtime ha unito tutto ciò che è venuto prima:

• spirituale;
• danza della piantagione- keykuok (l'evoluzione di questa danza si concluse con il successivo popolare passo a due e il foxtrot);
• canti di menestrelli;
• melodie popolari europee;
• marce militari.

La musica trasformata di quadriglia, gavotta, valzer, polka era governata da un "ritmo irregolare" fresco, persistente, sincopato. Origine della parola ragtime non è ancora chiaro; forse viene dall'inglese, tempo irregolare- "tempo strappato". In effetti, quasi tutta la musica sincopata del XIX - inizi del XX secolo. prima del termine jazz Fu chiamato ragtime.

Per i prossimi venticinque anni, il ragtime, diffuso in tutta l'America, sarà la musica più popolare, con ogni località con il proprio colore specifico, i propri stili regionali. Gli esecutori di questa musica vivace, energica e spericolata hanno introdotto l'intero paese. I giovani adoravano ballare al ragtime, comunque la vecchia generazione questo stile di musica non ha favorito. I puritani, troppo severi nelle regole di comportamento, paragonavano la passione per il ragtime alla fase successiva del decadimento della società. Il tempo stesso ha dato la risposta. Verso il 1917, il ragtime iniziò a svanire, incapace di resistere alla propria popolarità, anche a causa della complessità della musica stessa e della difficoltà della sua esecuzione: senza una buona preparazione musicale, il ragtime non può essere suonato. Eseguito alla fine del XIX - inizio del XX secolo. Le bande di ottoni afroamericane e le bande di danza ragtime in seguito trovarono un posto degno nel jazz orchestrale, e il nome servì caratteristica musicale tali orchestre, ad esempio: Ragtime Band di Buddy Bolden.

Uno dei più importanti rappresentanti del ragtime fu il pianista e compositore negro Scott Joplin(1868-1917). Compose circa seicento ragtime, tra i quali i più famosi sono Maple Leaf Rag, The Entertainer, Original Rags, pubblicato nel 1899 da John Stark Press. Il ragtime fiorì negli anni 1890 e 1910. La diffusione di questa musica è stata facilitata, oltre alle esibizioni dal vivo e pubblicazioni stampate ragtime, cilindri forati in cartone utilizzati nei pianoforti meccanici - player-roll (ing. tiri del giocatore). Sono giunte fino a noi testimonianze inestimabili della musica di quel periodo. A metà del XX secolo. i cilindri furono restaurati e i ragtime registrati su di essi furono trascritti su LP, quindi la musica di Joplin può essere ascoltata ancora oggi. In Europa, il pubblico ha conosciuto il ragtime all'inizio del XX secolo. grazie alle bande di ottoni. Successivamente, il ragtime ha trovato il suo riflesso anche nelle opere di compositori di musica accademica - K. Debussy, I. Stravinsky, P. Hindemith, D. Millau e altri.

Alla fine del XIX secolo. New Orleans ha sentito per la prima volta blues. I rifugiati, ex schiavi delle piantagioni, si riversarono a New Orleans dalla campagna in un flusso inesauribile. Fuggirono dal delta del Mississippi dalle navi del Lynch, del Ku Klux Klan e dal duro lavoro delle piantagioni di cotone e canna. Il blues faceva parte del loro bagaglio, un'espressione musicale di una comprensione speciale del mondo associata alla manifestazione dell'autocoscienza dei neri, del loro amore per la libertà e della protesta contro l'ingiustizia sociale. I neri americani esistono dalla fine degli anni 1860. nel loro lavoro, volevano liberarsi dalle catene dell'estetica dei menestrelli, nel cui spettacolo gli afroamericani si presentavano al pubblico come persone dotate di negatività qualità umane... Come risultato di questa peculiare ricerca musicale di protesta, sorse una forma di canto popolare laico, molto flessibile, plastico, malleabile e semplice: il blues. Le radici del blues sono profondamente radicate nel folklore negro. Parola blues

viene dall'inglese, diavoli blu- "diavoli malinconici", e in figuratamente- "quando i gatti si grattano l'anima". Per brillare nel blues, non basta solo la tecnica della performance, bisogna affiancare alla tecnica lo stato d'animo, il sentimento. Il blues era la musica laica degli afroamericani, ma può essere considerato il "fratello malvagio" della musica sacra Chiesa cristiana... Si basava sulle stesse tecniche dell'antifona (le domande del predicatore e le risposte del gregge). Ma se nella musica da chiesa una persona si rivolgeva a Dio, nel blues una persona disperata si rivolgeva a un oppressore sulla terra. L'artista blues sembra bandire la tristezza da se stesso. Testi blues che riflettono alcuni conflitto di vita, può essere tragico, realistico e caustico, ma la musica blues è sempre purificante. Il blues è il fenomeno più caratteristico della cultura musicale negra.

A New Orleans, i musicisti neri trascrivevano brani blues sugli strumenti a fiato che si trovavano nei negozi e nelle cianfrusaglie ad ogni svolta. Trombe, cornetti, tromboni provengono ancora dalle bande di ottoni del tempo della Guerra Civile del Nord e del Sud. In precedenza, nelle bande militari (bande di ottoni), che consistevano di musicisti bianchi, gli strumenti suonavano penetranti: il suono era diretto, acuto, brusco, potente, capace di accompagnare qualsiasi processione. E i musicisti di colore di New Orleans, per tecnica insufficiente e un minimo formazione professionale, gli strumenti suonavano diversamente: il suono iniziava a vibrare alla fine della nota, imitando il canto corale in chiesa o cantando interpreti blues... E tale musica esprimeva sentimenti completamente diversi, aveva un potere diverso sull'ascoltatore! E sebbene la musica fosse piuttosto primitiva, era un gioco sulla melodia, un abbellimento (una specie di prototipo di improvvisazione). Ha unito il suono spirituale, sublime e, allo stesso tempo, secolare della musica. La vivace vita di New Orleans ha permesso alle bande di ottoni negri di esibirsi quotidianamente, poiché tutti gli eventi sociali della città erano accompagnati dalla musica.

Strumento principale nella banda di ottoni di New Orleans fine XIX v. c'era una tromba o una cornetta. La composizione comprendeva anche un trombone e un clarinetto. Il gruppo ritmico era composto da un banjo o chitarra, tuba, batteria e piatti, e c'erano sei o sette musicisti in totale. Fu in tali orchestre che nacque il jazz. Come suonava la New Orleans Orchestra? I musicisti della prima linea dell'orchestra suonarono un certo tema, poi improvvisarono uno per uno o in gruppo, nacque una sorta di polifonia (polifonia), che imitava il contrappunto a tre parti caratteristico dello stile tradizionale di New Orleans. Fu il fondamentale, il primo stile del periodo classico (o arcaico) nella storia del jazz.

• cit. Citato da: Shapiro N. Ascolta quello che ti dirò. La storia del jazz raccontata dalle persone che l'hanno realizzata. pag. 14.

Stile New Orleans, lo stile che si è sviluppato verso la fine 19esimo secolo, fino a qualche tempo fa era considerato storicamente il primo stile jazz, e la città americana di New Orleans in Louisiana è la culla del jazz. È stato stabilito, tuttavia, che, indipendentemente da New Orleans, da circa la metà del XIX secolo in varie città del sud e del Midwest degli Stati Uniti (Memphis, Kansas City, St. Louis, Dallas e altre), esisteva e si sviluppava la musica legata al jazz. La leggenda di New Orleans non ha perso il suo significato, ma ha acquisito un significato diverso: questa città iniziò a essere chiamata non la patria, ma la capitale del primo jazz, sebbene il concetto di "stile di New Orleans" sia ancora spesso usato come sinonimo per tutto il jazz tradizionale nelle sue forme originali.

In senso più stretto, il termine "stile di New Orleans" è solitamente attribuito al caratteristico black jazz improvvisato di New Orleans, in contrasto con il tipo di musica jazz euro-americana che nacque a imitazione di esso, noto come "Dixieland". I ricercatori distinguono anche tra stili arcaici e classici del jazz tradizionale, rappresentati sia a New Orleans che in altre varietà locali.

Il jazz arcaico di New Orleans, secondo gli storici, esisteva dalla metà all'inizio degli anni '90 del XIX secolo. Forme dell'essere, sincretismo e originalità etnica indicano la sua appartenenza al folklore afroamericano (da cui l'altro nome - "folk jazz"), ma ha anche tendenze caratteristiche di forme più mature di fare musica: la crescita della professionalità, la graduale liberazione da funzioni applicate e trasformazione in musica per l'ascolto (elemento di concerto), il passaggio dai generi canori tradizionali con accompagnamento strumentale primitivo a complessi strumentali più sviluppati, e quindi generi orchestrali. Le sue altre caratteristiche: l'uso di una varietà di tecniche ritmiche metriche (una combinazione di tecniche ritmiche poliritmiche e incrociate con una pulsazione metrica di base stabile); sincope intensiva (vedi sincope); battito di spinta rimbalzante e resiliente (letteralmente che rimbalza, spingendo il battito); pulsione (tipo di movimento deciso e aspirante, che crea l'illusione di una costante accelerazione del ritmo); la presenza di un gruppo ritmico indipendente; improvvisazione collettiva, ecc. Lo sviluppo melodico si basava sul principio della variazione della strofa; l'interazione risposta (domanda-risposta) delle voci dell'ensemble caratteristica dello stile classico era assente; la polifonia prevalse piuttosto di un tipo eterofonico piuttosto che puramente polifonico. L'armonia in senso europeo non è stata ancora completamente dominata; la composizione dell'ensemble non differiva per costanza, strumenti e gruppi strumentali non avevano funzioni definite.

La formazione dello stile arcaico è strettamente legata ad alcune condizioni sociali, principalmente con la fine della guerra civile americana (1861-1865) e l'abolizione della schiavitù negli stati meridionali. A partire dal aree rurali I negri iniziarono a trasferirsi in città dove i resti della schiavitù furono rapidamente cancellati. Ambiente culturale favorevole, diversità tradizioni nazionali e anche i generi dell'arte urbana hanno giocato un ruolo importante, così come l'opportunità che si è aperta davanti ai neri di fare della musica la loro professione. Un importante incentivo è stato il fatto che dopo lo scioglimento delle bande militari, un gran numero di strumenti musicali a fiato e a percussione è entrato nel mercato nazionale, che è stato venduto a un prezzo molto conveniente. È quindi naturale che le prime orchestre del jazz arcaico fossero prevalentemente di ottoni. Hanno preso parte a feste, carnevali, cortei di strada e persino in servizi di chiesa, eseguita da spiritisti. Sono stati creati sul modello delle "bande musicali" militari, così come in parte creole orchestre da salone (orchestre di società) ed hanno eseguito un repertorio simile (marce, ragtime, melodie di canti popolari, danze di tutti i giorni), ma, naturalmente, in un tipico Negro sincopale, in uno spirito di improvvisazione... Il jazz arcaico nacque come imitazione della musica europea per ottoni da parte dei neri, ma in seguito divenne esso stesso oggetto di imitazione. Non sono sopravvissuti esempi genuini di "jazz marciante" arcaico (jazz delle bande musicali, jazz delle bande di strada).

Il periodo dello stile classico di New Orleans (circa 1890-1928) iniziò con il passaggio della musica folk negra alle sale da ballo urbane e ai luoghi di intrattenimento, ad es. in connessione con la sua "socializzazione". La composizione delle orchestre si espanse, poiché divenne possibile utilizzare strumenti che non potevano essere utilizzati nelle "orchestra da marcia" del jazz arcaico (pianoforte, contrabbasso, banjo, chitarra, batteria complessa). Si formarono infine i gruppi strumentali - ritmici (banjo, ottoni o contrabbasso, batteria e pianoforte) e melodici (cornetta o tromba, clarinetto e trombone); furono determinate le funzioni del solista e dell'ensemble, nonché il ruolo dell'improvvisazione e dell'arrangiamento; La tecnica responsiva (vedi Canto responsivo), che risale alle tradizioni del blues e del canto di lavoro, è diventata ampiamente utilizzata. Stabilito nuovo tipo polifonia (polifonia improvvisativa su base monometrica), i principi dell'organizzazione modale in armonia e ritmo si sono complicati, il ruolo dell'improvvisazione solista è aumentato pur mantenendo il predominio del fare musica collettiva. I tipi di pulsazioni di battuta divennero più diversi (l'accentuazione regolare di ogni battuta di una misura fu sostituita da un'alternanza a coppie di accenti forti e deboli, prima con accenti forti sul 1° e 3° tempo di una misura di quattro quarti, e successivamente il 2° e il 4°). L'arsenale di metodi per creare conflitto metro-ritmico, poliritmia e sincope è stato ricostituito; il repertorio esecutivo si è arricchito.

Una caratteristica del jazz classico è il richiamo a un'ampia varietà di fonti musicali. È folklore, quotidiano, religioso e musica accademica molti popoli del mondo - francesi, spagnoli, italiani, inglesi, irlandesi, scozzesi, tedeschi, per non parlare musica folk i neri stessi e i creoli di colore del sud degli Stati Uniti, oltre a canti e balli latinoamericani. La tradizione blues (nell'intonazione, nell'estrazione sonora, nella melodia, nell'armonia, nel ritmo, nella forma musicale) si è manifestata con particolare brillantezza nel jazz classico di New Orleans; sviluppato uno stile caldo e performante professionale. Parallelamente all'hot jazz negro, si svilupparono il ragtime orchestrale e il dixieland. Sulla base dello stile classico di New Orleans, sono emersi numerosi stili di jazz da camera, in particolare il pianoforte (barrel house, boogie-woogie, stile Harlem). Strettamente correlato ad esso è l'emergere dello stile Chicago e del primo swing. Alla fine degli anni '20, il jazz classico fu messo da parte dalla danza commerciale e dalla musica d'intrattenimento delle grandi orchestre; nella seconda metà degli anni '30 conobbe un periodo di rinascita (il cosiddetto "revival jazz").

1917-1923 Difficoltà nell'identificare il jazz antico

Arrivare alle radici del jazz non è facile. La prima registrazione di musica jazz eseguita dalla White Music Orchestra "Original Dixieland Jazz Band" risale al 1917. Inoltre, c'è ancora dibattito se la musica registrata su questo disco possa essere considerata tipica del jazz, se negri o altri musicisti bianchi di New Orleans suonassero così in quegli anni. Nel periodo compreso tra il 1900 e il 1920, il jazz, e soprattutto la sua varietà ritmica, che in seguito ricevette il nome di "swing", si sviluppò così rapidamente che spesso i musicisti di uno stesso ensemble procedevano nel loro modo di suonare da idee completamente diverse sul ritmo, usavano forme diverse di melodie di organizzazione ritmica e il divario nel tempo della comparsa di queste forme a volte raggiungeva i dieci o più anni. Quando si cominciarono a fare le prime registrazioni, il jazz, come forma d'arte musicale, non si era ancora definitivamente formato ed era impossibile dire di nessuno dei suoi movimenti: eccolo, il jazz tipico. Gruppo successivo I musicisti di New Orleans emigrarono nel nord, dove presto iniziarono a pubblicare i loro dischi. Nel 1923 c'erano abbastanza registrazioni per definire con più o meno certezza cosa fosse il jazz di New Orleans.

1910 Primi gruppi di New Orleans, strumentazione

Una delle varietà delle orchestre di New Orleans erano gli ensemble, che intorno al 1910 erano già diventati veri e propri gruppi jazz. Possiamo giudicare il loro modo di suonare dai dischi del primo jazz che ci sono pervenuti. Si trattava principalmente di gruppi da ballo che si esibivano in sale da ballo come Funky Butt e talvolta a picnic e feste. Nel 1910, e forse anche prima, fu determinata la composizione permanente di queste orchestre. Di norma, consistevano in cornetta, clarinetto, trombone a valvole o trombone da backstage, chitarra, contrabbasso, batteria e violini 1. Il violino spesso suonava la parte principale insieme alla cornetta, ma molto spesso i violinisti venivano inclusi nella composizione principalmente perché la maggior parte di loro sapeva notazione musicale, potrebbero imparare da soli nuovi brani e insegnarli agli altri. A volte queste orchestre includevano un pianista o un chitarrista, ma poiché spesso dovevano esibirsi in picnic e sale da ballo dove non c'era il pianoforte, gli accordi dei ritmi di base erano suonati principalmente da contrabbasso e chitarra. "Buddy" Bolden e "Bank" Johnson, molti altri pionieri del jazz hanno suonato in tali ensemble per la maggior parte della loro vita.

1 Contrariamente alla credenza popolare, agli albori del jazz, banjo e tuba (contrabbasso) non erano inclusi nelle orchestre jazz. Ma avevano contrabbassi e chitarre, come ha raccontato lo stesso Armstrong in una delle sue interviste. Le fotografie di dodici primi gruppi jazz lo testimoniano. Non vedrai una tuba su di loro, tuttavia, c'è un banjo. Dopo la prima guerra mondiale, entrambi questi strumenti divennero molto di moda e furono ampiamente utilizzati nel jazz e gruppi di danza. - ca. l'autore.

1910 Dixieland

I gruppi jazz eseguivano un'ampia varietà di musica, incluso il blues, ma non occupavano un posto così importante nel loro repertorio come nel repertorio delle orchestre che si esibivano di fronte ai clienti dei bar con musica "grezza". Oltre al blues, le band jazz hanno suonato arrangiamenti reg semplificati, vari pezzi alla moda, canzoni delle piantagioni e altre melodie. Furono queste orchestre che furono le prime a suonare musica nello stile che in seguito divenne noto come "Dixieland". I primissimi dischi di Dixieland, che divenne una sorta di punto di riferimento di questo stile, sono stati realizzati dalla "Original Dixieland Jazz Band". Tra questi ci sono pezzi come "Tiger Rag", "High Society", "Original Dixieland One-Step", "Panama", "Clarinet Marmalade" e altri.

1915 Jazz to Armstrong - sulla strada dal reg allo swing

Quando i dischi di Keppard apparvero nel 1923, i musicisti di New Orleans che lo avevano sentito suonare dieci anni prima rimasero stupiti di quanto la sua abilità professionale fosse diminuita. Keppard ha bevuto molto, ma sospetto che non sia questo il motivo della cattiva impressione dei dischi. Era solo che il modo di suonare di Keppard iniziò a sembrare antiquato rispetto ad Armstrong e ad altri giovani jazzisti che usavano schemi ritmici sempre più complessi. Cornettista bianco di New Orleans Altro periodo tardivo Johnny Wigs (John Wigenton Hyman) ha ricordato che rispetto alla performance "calda" di Oliver, che aveva ascoltato da giovane ballerino alla Tulane University, lo stile di Keppard e il cornettista Nick La Rocca, cantante della Original Dixieland Jazz Band, sembravano semplici e ingenuo con lui. Questa impressione si è formata perché Keppard e La Rocca non sono andati oltre il ritmo rigido e formalizzato del ragtime. Erano, per così dire, a metà strada dal reg al jazz con i suoi ritmi liberi ed elastici, ma, come mostrano le registrazioni, più vicini al ragtime raffinato che al jazz. E solo i musicisti della generazione più giovane avevano ormai superato o stavano cominciando a superare lo schematismo delle costruzioni ritmiche del reg.

Si può intuire che i primi jazzisti, la cui opera Armstrong ascoltò nel 1916 e in seguito, non conoscessero ancora il vero swing con la sua melodia "swinging" libera, come divenne dieci anni dopo. In quegli anni, lo swing si basava principalmente su semiminime pulsanti piuttosto che su crome. Nel ragtime, nel suo, per così dire, forma pura, un ruolo molto importante era svolto dai tamburi, che battevano alternativamente sia quarti che coppie di crome. Questo modo di esibirsi non dava nemmeno l'effetto boom-chick così caratteristico del jazz. I contrabbassi accentuavano solo il primo e il terzo battito. Così, i musicisti stavano appena iniziando a cercare modi per creare musica veramente jazz.

1917 Il jazz di New Orleans arriva a New York

All'inizio del 1917, seguito da un invito a lavorare nel famoso ristorante e sala da ballo di New York "Reisenwebers", situato all'incrocio tra la 58th Street e l'8th Avenue.

In due o tre settimane, l'ensemble di musicisti di New Orleans ha conquistato tutta New York. Gli impegni si susseguirono uno dopo l'altro. La popolarità dell'ensemble ha portato alla comparsa dei primi dischi per grammofono jazz. Durante questo periodo, l'ensemble comprendeva La Rocca, il trombonista Eddie "Daddy" Edwards, il clarinettista Larry Shields, il pianista Henry Ragas e il batterista Tony Sbarbaro. La tiratura del loro primo disco, di cui abbiamo parlato all'inizio del capitolo, ha superato il milione di copie - una cifra inaudita all'epoca. Questo successo è in parte dovuto al fatto che nella registrazione di "Livery Stable Blues" i musicisti sono riusciti a imitare accuratamente i suoni di un cortile. Negli anni seguenti, l'ensemble registrò una dozzina di dischi e fece un tour in Inghilterra. Nel tempo, acquisì un carattere sempre più commerciale e si disintegrò a metà degli anni '20. Nel 1936, tentarono di far rivivere di nuovo l'ensemble, ma poiché non ebbe successo con il pubblico, non se ne fece nulla di questa impresa.

In breve, la musica dell'Original Dixieland Jazz Band è da qualche parte a metà tra il jazz e i suoi predecessori e, a quanto pare, è più tipica per la musica "calda" degli anni '10 che per il jazz di Oliver, Morton e Bechet degli anni '20 . ...

Il merito artistico di questa musica è discutibile, ma il suo impatto sui contemporanei è innegabile. Il jazz ha rapidamente guadagnato popolarità ed è diventato un prodotto commerciale redditizio. Nei cinque anni trascorsi dall'uscita di Livery Stable Blues, sono stati catturati migliaia di giovani aspiranti artisti nuova musica, ha creato centinaia di ensemble - per lo più deboli, che non hanno nulla a che fare con il jazz.

1928 Cornetta e Tromba

Durante questo periodo, Armstrong passò dalla cornetta alla tromba. Solo un ascoltatore molto attento noterà la differenza di suono tra i due strumenti, dovuta alla leggera differenza nella costruzione del cabinet. Se la cornetta ha un terzo del corpo dritto e il resto ha una forma conica o, espandendosi gradualmente, passa nella campana, allora le parti diritte e affusolate del tubo sono uguali. Per confronto, si noti che il corpo del corno francese, che ha un suono un po' attutito, dovrebbe avere almeno teoricamente la forma di un cono ideale. La cornetta suona più morbida, più vellutata della tromba, ma la tromba è famosa per la sua potenza sonora, il timbro brillante e leggero. In linea di massima la differenza tra i due strumenti non è così grande, e la scelta dell'uno o dell'altro da parte dell'esecutore rimane principalmente una questione di gusti. La tecnica di esecuzione è la stessa per entrambi, sebbene abbiano bocchini leggermente diversi, e quindi la maggior parte dei musicisti evita di cambiare uno strumento con un altro durante la serata.

Per tradizione, la cornetta ha sempre fatto parte delle bande musicali ei musicisti di New Orleans l'hanno sempre usata ampiamente. Molti di loro erano diffidenti nei confronti della tromba, credendo che suonarla richiedesse una tecnica più virtuosa. Apparentemente, questo è il motivo per cui Armstrong non ha osato passare dalla cornetta alla tromba per così tanto tempo. Egli stesso ha nominato varie ragioni per questa eventuale transizione, ma, molto probabilmente, si è separato dalla cornetta su consiglio del capo dell'ensemble, Erskine Tate. Suo fratello James era il trombettista dello stesso ensemble, ed Erskine credeva che il gruppo di ottoni sarebbe suonato molto più armonioso se Louis, come James, avesse suonato la tromba. Armstrong lo ricorda: “Lui [Erskine. - tradotto.] credeva che la cornetta, opposta alle trombe, non fosse così “calda”. Ho ascoltato, qual è la differenza ... Quelli suonavano succosi, ricchi. Poi ho ascoltato i cornettisti, - di sicuro, non è uscito bene come quello della tromba "1.

Non improvvisazione musica collettiva L'orchestra di Oliver

Più tardi, un ensemble di musicisti di New Orleans sotto la direzione di King Oliver fece una serie di registrazioni. Di conseguenza, abbiamo eccellenti esempi di musica jazz antica. Quello che può essere considerato il suo più caratteristiche peculiari? Prima di tutto, è musica d'insieme. È interessante notare che in alcune registrazioni non c'è affatto un assolo, a parte qualche breve pausa, e molto raramente la lunghezza di un assolo supera un quarto dell'intera registrazione. Per la maggior parte tutti e sette o otto i musicisti suonano insieme, ed è incredibile che non solo non si senta il caos, ma, al contrario, l'esecuzione dell'orchestra suoni estremamente armoniosa. Questo è il merito dell'ostinato e determinato Oliver. Come ricorda Lil Hardin, le è stato detto fin dall'inizio di suonare accordi forti e potenti, e ogni volta che provava a suonare mano destra passaggi fluenti, Oliver, chinandosi su di lei, ringhiò rabbiosamente: "Abbiamo un clarinetto nell'orchestra anche senza di te!" Joe "King" Oliver era un vero leader e sapeva cosa voleva dai musicisti. E voleva che ogni artista comprendesse correttamente il suo compito e lo svolgesse rigorosamente.

Guidato da Oliver, l'ensemble improvvisava abbastanza raramente. Più tardi, il jazz divenne effettivamente musica basata sull'improvvisazione, ma questo stile di esecuzione era insolito per i pionieri del jazz di New Orleans. Avendo preso un accordo che li ha soddisfatti, non hanno ritenuto necessario cambiare nulla in futuro. Il solo fatto che ogni strumento dell'orchestra dovesse svolgere un ruolo strettamente definito limitava la possibilità di eventuali innovazioni. La cornetta di Oliver ne ha eseguito una semplice, argomento rigoroso spesso pause che altri strumenti hanno riempito. Il clarinetto ha abbinato l'armonia alla linea melodica principale. Il trombone sorreggeva l'insieme musicale con i suoi glissando o figure molto semplici suonate nel registro grave. Il gruppo ritmico ha fornito un ritmo di base chiaro e disadorno. Quattro brani sono stati registrati due volte negli studi di due diverse compagnie e in tutti e quattro i casi si sono rivelati molto simili tra loro, compresi gli assoli, sebbene eseguiti ad intervalli di due o tre mesi. In una parola, era un'orchestra disciplinata, e non poteva diventare diversa: il tessuto musicale era così denso che la deviazione di qualsiasi strumento da un dato corso poteva distruggere l'intera struttura del pezzo.

L'esibizione ben coordinata di tutti i musicisti era la cosa principale per Oliver. Gli assoli non venivano spesso eseguiti. I musicisti dei gruppi ritmici si esibivano raramente da soli e i loro assoli erano generalmente di breve durata. Parecchi grande libertà era previsto per il clarinetto, ma Dodds non diresse l'assolo in ogni registrazione. Ulteriore caratteristica specifica il jazz divenne la predominanza degli assoli dei singoli strumenti e la perdita dell'ensemble nel suo insieme sembrò interrompere il tempo tra i singoli numeri solisti. Per Oliver è stato il contrario: l'assolo è servito da condimento saporito per l'intera orchestra.

Il jazz di New Orleans è ora chiamato jazz tradizionale. Questo stile musicale ha avuto origine nell'omonima città di New Orleans ed è considerato il primo stile di jazz.

Le tradizioni delle tendenze musicali di questa città sono state accuratamente conservate e tramandate di generazione in generazione. Grazie a questo, il mondo ha riconosciuto Joe Oliver (King), Louis Armstrong e altri famosi jazzisti. Tuttavia, la maggior parte degli storici concorda sul fatto che il fondatore del jazz tradizionale sia ancora Buddy Bolden.

XIX per New Orlen è considerato l'antenato delle prime orchestre jazz, che trovarono espressione nell'uso delle "spasm band", composte da diversi percussionisti e strumenti musicali africani come marimba, squeaky pipe, bungee e impostazione della sezione ritmica. A quel tempo, tale musica poteva essere ascoltata in molte città di provincia, dove i musicisti locali usavano persino lattine e assi per lavare.

New Orleans Jazz nei primi anni di vita

Dopo la fine della guerra civile del 1865, molte bande militari chiusero a New Orleans, vendendo i loro strumenti per quasi niente. Questo è stato utilizzato attivamente dalla popolazione nera locale, che, dopo aver imparato a suonarli, ha iniziato a creare i suoi primi gruppi jazz. Il repertorio principale dei jazzisti afroamericani era costituito da marce, folklore, musica dance e gioca. A poco a poco apparvero le "bande campestri" provinciali, che suonavano mentre passavano per le vie della città, da cui presero il nome di "bande musicali". Nel corso del tempo, queste caratteristiche del jazz di New Orleans sono state adottate dalle band moderne e gradualmente si sono spostate in un'altra direzione della musica.

L'inizio del New Orleans Jazz definisce il periodo storico dal inizio XIX secolo e fino agli anni '20 del Novecento con la conservazione della definizione sonora e dello stile della musica di quel periodo. E dopo l'apertura a New Orleans del distretto di Storyville, famoso per i suoi numerosi locali di intrattenimento, il folklore afroamericano si è separato dal concetto base di jazz. A Storyville, le orchestre suonavano principalmente nella danza e nel teatro e gli amanti del jazz ordinari lavoravano per attirare i clienti.

Tuttavia, non è necessario immaginare il jazz del ventesimo secolo solo come New Orleans o Dixieland. Nei primi decenni del Novecento il jazz, grazie a virtuosi solisti e orchestre da ballo, è passato rapidamente al livello della musica improvvisata.

Jazz di New Orleans

I termini New Orleans e jazz tradizionale di solito definiscono lo stile dei musicisti che hanno suonato jazz a New Orleans tra il 1900 e il 1917, così come i musicisti di New Orleans che hanno suonato e registrato dischi a Chicago dal 1917 agli anni '20 circa. Questo periodo della storia del jazz è anche conosciuto come "l'età del jazz". E questo termine è anche usato per descrivere la musica eseguita in diversi periodi storici dal Rinascimento di New Orleans, che aspirava a eseguire il jazz nello stesso stile dei musicisti della New Orleans School.

Lo sviluppo del jazz negli Stati Uniti nel primo quarto del XX secolo

Louis "Sachmo" Armstrong

Dopo la chiusura di Storyville, jazz dal regionale genere folcloristico comincia a trasformarsi in una nazionale Direzione musicale diffondendosi nelle province settentrionali e nordorientali degli Stati Uniti. Ma la sua ampia distribuzione, ovviamente, non poteva essere facilitata solo dalla chiusura di un quartiere dell'intrattenimento. Insieme a New Orleans, nello sviluppo del jazz Grande importanza fin dall'inizio, hanno giocato St. Louis, Kansas City e Memphis. Ragtime nasce a Memphis nel XIX secolo, da dove si diffonde in tutto il continente nordamericano nel periodo 1890-1903. D'altra parte, le esibizioni di menestrelli, con i loro mosaici colorati di tutti i tipi di folklore afroamericano dal jig al ragtime, si diffusero rapidamente ovunque e aprirono la strada all'arrivo del jazz. Molte future celebrità del jazz hanno iniziato il loro viaggio proprio nel menstrell show. Molto prima della chiusura di Storyville, i musicisti di New Orleans sono andati in tournée con le cosiddette compagnie di "vaudeville". Jelly Roll Morton è regolarmente in tournée in Alabama, Florida, Texas dal 1904. Dal 1914 aveva un contratto per esibirsi a Chicago. Nel 1915, anche la White Dixieland Orchestra di Tom Brown si trasferì a Chicago. La famosa Creole Band, guidata dal cornettista di New Orleans Freddie Keppard, fece anche importanti tournée di vaudeville a Chicago. Separati a tempo debito dalla "Olympia Band", gli artisti di Freddie Keppard già nel 1914 si esibirono con successo nello stesso il miglior teatro Chicago e ricevettero un'offerta per fare una registrazione sonora delle loro esibizioni anche prima dell'Original Dixieland Jazz Band, che, tuttavia, Freddie Keppard rifiutò miope.

Ampliò notevolmente il territorio coperto dall'influenza del jazz, le orchestre suonavano sui piroscafi da diporto che risalivano il Mississippi. Dalla fine del XIX secolo, i viaggi fluviali da New Orleans a St. Paul sono diventati popolari, prima per un fine settimana e poi per un'intera settimana. Dal 1900, le orchestre di New Orleans hanno iniziato a esibirsi su questi battelli fluviali, rendendo la loro musica l'intrattenimento più attraente per i passeggeri dei tour fluviali. La futura moglie di Louis Armstrong, il primo pianista jazz Lil Hardin, iniziò in una di queste orchestre, Sugar Johnny.

L'orchestra fluviale del collega pianista Fates Marable ha suonato molte future star del jazz di New Orleans. I piroscafi che navigavano lungo il fiume si fermavano spesso alle stazioni di passaggio, dove le orchestre eseguivano concerti per il pubblico locale. Tali concerti sono diventati i debutti creativi per Bix Beiderback, Jess Stacy e molti altri. Un altro famoso percorso attraversava il Missouri fino a Kansas City. In questa città, dove, grazie alle forti radici del folklore afroamericano, il blues si è sviluppato e finalmente ha preso forma, il virtuosismo dei jazzisti di New Orleans ha trovato un ambiente eccezionalmente fertile. All'inizio degli anni '20, Chicago divenne il principale centro per lo sviluppo della musica jazz, in cui, grazie agli sforzi di molti musicisti che si radunarono da diverse parti degli Stati Uniti, fu creato uno stile che ricevette il soprannome di Chicago jazz.

La forma classica e consolidata delle big band è nota nel jazz dai primi anni '20. Questa forma ha mantenuto la sua rilevanza fino alla fine degli anni '40. I musicisti che sono entrati nella maggior parte delle grandi band, di regola, quasi nell'adolescenza, hanno suonato parti abbastanza specifiche, imparate a memoria durante le prove o dagli spartiti. Meticolose orchestrazioni combinate con grandi sezioni di ottoni e legni hanno prodotto ricche armonie jazz e hanno creato un suono sensazionalmente forte che è diventato noto come "il suono della big band".

La big band divenne la musica popolare del suo tempo, con un picco a metà degli anni '30. Questa musica è diventata la fonte della mania del ballo swing. I leader delle famose orchestre jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett hanno composto o arrangiato e registrato su dischi una vera hit parade di brani che suonavano non solo alla radio ma anche ovunque in sale da ballo... Molte big band hanno messo in mostra i loro improvvisatori solisti, che hanno portato il pubblico a uno stato vicino all'isteria durante le "battaglie delle orchestre" ben promosse.

Sebbene la popolarità delle big band sia diminuita significativamente dopo la seconda guerra mondiale, le orchestre guidate da Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e molti altri hanno spesso girato e registrato dischi nei decenni successivi. La loro musica è stata gradualmente trasformata sotto l'influenza delle nuove tendenze. Gruppi come ensemble guidati da Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Ted Jones-Mel Lewis hanno esplorato nuovi concetti di armonia, strumentazione e libertà di improvvisazione. Oggi, le big band sono lo standard nell'educazione jazz. Orchestre di repertorio come la Lincoln Center Jazz Orchestra, Orchestra Jazz La Carnegie Hall, la Smithsonian Jazz Masterpieces Orchestra e il Chicago Jazz Ensemble suonano regolarmente arrangiamenti originali per big band.

Nel 2008 è stato pubblicato in russo il libro canonico di George Simon, Big Orchestra of the Swing Era. enciclopedia completa tutte le big band dell'età dell'oro dai primi anni '20 agli anni '60 del XX secolo.

Dopo la fine della moda mainstream delle grandi orchestre nell'era delle big band, quando la musica delle grandi orchestre sul palco iniziò a spiazzare i piccoli gruppi jazz, la musica swing continuò a suonare. Molti famosi solisti swing, dopo essersi esibiti nelle sale da ballo, amavano suonare jam arrangiate spontaneamente in piccoli club sulla 52nd Street a New York. Inoltre, questi non erano solo quelli che lavoravano come "sidemen" in grandi orchestre, come Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton e altri. Gli stessi leader delle grandi band - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teegarden, Harry James, Gene Krupa, essendo inizialmente solisti e non solo direttori, cercarono anche opportunità di suonare separatamente dalla loro grande band, in un piccolo composizione. Non accettando le tecniche innovative del prossimo bebop, questi musicisti hanno aderito allo stile swing tradizionale, dimostrando al contempo un'immaginazione inesauribile durante l'esecuzione di parti improvvisate. Le principali stelle dello swing si esibivano e registravano costantemente in piccole band chiamate "combo", all'interno delle quali c'era molto più spazio per l'improvvisazione. Lo stile di questa direzione del club jazz della fine degli anni '30 ricevette il nome di mainstream, o mainstream, con l'inizio dell'ascesa del bebop. Alcuni dei migliori interpreti di quest'epoca potevano essere ascoltati in ottima forma durante le jam degli anni '50, quando l'improvvisazione con accordi aveva già preso il sopravvento sul metodo di colorazione della melodia dell'era swing. Riemerso come stile libero alla fine degli anni '70 e '80, il mainstream ha assorbito elementi di cool jazz, bebop e hardbop. Il termine "modern mainstream" o post bebop è usato oggi per quasi tutti gli stili che non hanno uno stretto legame con gli stili storici della musica jazz.

Sebbene la storia del jazz sia iniziata a New Orleans all'inizio del ventesimo secolo, la musica è decollata nei primi anni '20 quando il trombettista Louis Armstrong lasciò New Orleans per creare nuova musica rivoluzionaria a Chicago. La migrazione dei maestri jazz di New Orleans a New York, iniziata poco dopo, ha segnato la tendenza di un movimento costante di musicisti jazz da sud a nord. Chicago ha abbracciato la musica di New Orleans e l'ha resa calda, aumentando la sua intensità non solo con i famosi ensemble Hot Five e Hot Seven di Armstrong, ma anche altri, inclusi artisti del calibro di Eddie Condon e Jimmy McPartland, il cui team della Austin High School ha contribuito a far rivivere le scuole di New Orleans. Altri famosi abitanti di Chicago che hanno spinto gli orizzonti dello stile jazz classico di New Orleans includono il pianista Art Hodes, il batterista Barrett Deems e il clarinettista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, che alla fine si trasferirono a New York, crearono lì una sorta di massa critica, che aiutò questa città a diventare una vera capitale mondiale del jazz. E mentre Chicago rimase il centro principale della registrazione del suono nel primo quarto del XX secolo, anche New York divenne il principale sede di concerti jazz, con club leggendari come Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy e Village Vanguard, nonché arene come Carnegie Hall.