Bendrosios Renesanso meno charakteristikos. Meno periodizavimas

Renesanso menas

Renesanso epocha buvo visų menų, įskaitant teatrą, literatūrą ir muziką, klestėjimo metas, tačiau neabejotinai pagrindinis iš jų, labiausiai išreiškęs savo laikmečio dvasią, buvo vaizduojamieji menai.

Neatsitiktinai egzistuoja teorija, kad Renesansas prasidėjo nuo to, kad menininkai nustojo tenkinti vyraujančio „bizantiškojo“ stiliaus rėmais ir, ieškodami pavyzdžių savo kūrybai, pirmieji atsigręžė į antiką. Jis vienas pirmųjų atsisakė „bizantiško būdo“ ir freskose pradėjo naudoti nespalvotą Pietro Cavallini figūrų modeliavimą. Tačiau paveikslus vietoj ikonų pirmasis sukūrė didžiausias protorenesanso meistras Giotto.

Jis pirmasis siekė krikščioniškąsias etines idėjas perteikti realių žmogaus jausmų ir išgyvenimų įvaizdžiu, simbolizmą pakeitė realios erdvės ir konkrečių objektų įvaizdžiu. Ant garsiųjų Giotto freskų Arenos koplyčioje Paduvoje šalia šventųjų galima išvysti gana neįprastus personažus: piemenis ar suktuką. Kiekvienas žmogus Giotto išreiškia gana specifinius išgyvenimus, specifinį charakterį.

Duchento epochoje (XIII a.) Italijoje vietoj literatūrinė kalba Viduramžiai – lotynų – palaipsniui formavosi liaudies kalba– italų. Prie jos kūrimo daug prisidėjo didžiausias to meto rašytojas Dante Alighieri (1256-1321). Savo ankstyvoje kūryboje " Naujas gyvenimas"Parašyta italų, Dantė pasakoja apie meilę Beatričei nuo pirmojo jų susitikimo, kai jie buvo dar visai vaikai, ir iki mylimosios mirties, kai jai buvo 18 metų.

Paprastos miesto moters, išaukštintos poeto meilės, įvaizdį jis nešiojasi visą gyvenimą. Ir gana renesanso dvasia, scena iš jo „ Dieviškoji komedija“, kuriame jis vaizduoja savo Beatričę, sėdinčią ant vagono, simbolizuojančio bažnyčią, prie skaistyklos vartų.

Ankstyvojo renesanso epochoje dailėje vyksta senovės meninio paveldo raida, formuojasi nauji etiniai idealai, menininkai atsigręžia į mokslo (matematikos, geometrijos, optikos, anatomijos) pasiekimus. Florencija vaidino pagrindinį vaidmenį formuojant ankstyvojo Renesanso meno ideologinius ir stilistinius principus. Tokių meistrų kaip Donatello ir Verrocchio (Donatelo „Šv. Jurgis“ ir „Dovydas“ bei Verrocchio „Deividas“) sukurtuose įvaizdžiuose dominuoja herojiški ir patriotiniai principai.

Renesanso tapybos pradininkas – Masaccio (Brankačių koplyčios, „Trejybės“ freskos), Masaccio mokėjo perteikti erdvės gelmę, figūrą ir peizažą susiejo su viena kompozicine koncepcija, portreto išraiškingumo suteikė individams. Bet tapsmas ir evoliucija vaizdinis portretas, atspindintys Renesanso kultūros domėjimąsi žmogumi, siejami su Umbijos mokyklos menininkų vardais: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Menininko Sandro Botticelli kūryba išsiskiria ankstyvuoju Renesansu. Jo sukurti vaizdai yra sudvasinti ir poetiški. Tyrėjai pastebi menininko darbuose abstrakciją ir rafinuotą intelektualumą, norą kurti sudėtingo ir šifruoto turinio mitologines kompozicijas („Pavasaris“, „Veneros gimimas“).

Vienas iš Botticelli biografų sakė, kad jo Madonos ir Veneros sukuria netekties įspūdį, sukeldamos mumyse neišdildomo liūdesio jausmą... Vieni prarado dangų, kiti – žemę.

Aukštasis Renesansas tampa Italijos Renesanso ideologinių ir meninių principų raidos kulminacija. Aukštojo Renesanso meno įkūrėju laikomas Leonardo da Vinci - puikus menininkas ir mokslininkas.

Sukūrė nemažai šedevrų: „Mona Liza“ („La Gioconda“), „Benois Madonna“ ir „Madonna Litta“, „Dama su ermine“. Savo kūryboje Leonardo stengėsi išreikšti Renesanso žmogaus dvasią. Jis ieškojo tobulų meno formų šaltinių gamtoje, tačiau būtent jį N. Berdiajevas laiko atsakingu už artėjantį mechanizacijos ir mechanizacijos procesą. žmogaus gyvenimas, kuris atitraukė žmones nuo gamtos.

Tapyba Rafaelio kūryboje pasiekia klasikinę harmoniją. Jo menas vystosi nuo ankstyvųjų, šaltai atskirtų Umbrijos madonų (Madonna Conestabile) atvaizdų iki Florencijos ir Romos kūrinių „laimingos krikščionybės“ pasaulio. „Madona su auksakrūmiu“ ir „Madona fotelyje“ yra švelnūs, žmogiški ir netgi žemiški savo žmogiškumu.

Tačiau „Siksto Madonos“ įvaizdis – didingas, simboliškai jungiantis dangiškąjį ir žemiškąjį pasaulius. Rafaelis geriausiai žinomas kaip švelnių madonų atvaizdų kūrėjas. Tačiau tapyboje jis įkūnijo Renesanso idealą universalus žmogus(Kastiljonės portretas), ir istorinių įvykių drama.

Mikelandželas yra meistras, kuris savo mene derino gražų kūniškumą su giliu vaizdų dvasingumu, paveldėtu iš viduramžių krikščioniškos kultūros. Jau įtraukta ankstyvas darbas Mikelandželas parodė savo tragišką pasaulėžiūrą („Nukryžiavimas“), subtiliausią vaizdų psichologizmą ir techninį virtuoziškumą („Kristaus raudos“ iš Šv. Petro katedros). Mikelandželas taip pat kuria savo žmonijos istorijos koncepciją (vaizdingos Siksto koplyčios lubos).

Ypatingą vietą Aukštojo Renesanso epochoje užima Venecijos mokykla, kurioje mėgavimasis gyvenimu ir meilė gamtai buvo derinamas su humanistiniu idealu (Džordionės, Ticiano darbai). Vėlesnis Renesansas ir manierizmas atspindi Renesanso humanistinių idealų krizę.

Šiuo laikotarpiu Mikelandželo kūryboje atsispindi didėjantis jo pasaulio suvokimo tragiškumas (Medici koplyčios vaizdai, ypač „Naktis“, „Paskutinis teismas“ ir Paolinos koplyčios freskos). Aukštojo renesanso tradicijas tęsiantys menininkai vis labiau trokšta dekoratyvumo ir puošnumo (Veronese), auga subjektyvizmas ir spiritizmas.

Manieristams įvaizdis kuriamas remiantis ne gamtos tyrinėjimu, kaip buvo Renesanso menininkų atveju, o jų vidiniu jausmu. Manierizmas įmantriai supina mistiką ir teismų kultūros idealus, kupinas alegorijų ir meninės plastikos. Manierizme yra Renesanso tradicijos neigimas (Correggio, Amanti ir kt.).

Kartu su Renesanso meno krize Italijoje jis suklestėjo Nyderlanduose ir Vokietijoje.

Jan van Eyck – centrinė pradinės poros figūra Šiaurės renesansas... Jo kūryboje atsispindi vienas esminių šio meno bruožų: glaudus ryšys su vėlyvosios gotikos menu. Gento altoriaus paveikslas, sukurtas brolių van Eyckų, savo figūrine struktūra sujungia griežtą religinį jausmą su džiaugsmingu ir poetišku žemiškojo grožio suvokimu, idealius vaizdus su portretais. tikrų žmonių, sudėtinga simbolika su paprastomis žmogaus emocijomis. Jano van Eycko portretai pabrėžia dvasinį išsipildymą ir pamaldumą psichologiškai tiksliais ir natūralistiškai tiksliais vaizdais.

Hieronymus Bosch kūryboje pasireiškia sudėtinga simbolika, fantazija ir groteskas. Jo stilius tiems laikams atrodo toks neįprastas, kad daugelis šiuolaikinio meno kritikų Boschą laiko siurrealizmo šaukliu.

Šiaurės renesanso meno raida siejama su Albrechto Durerio vardu, kuris Vokietijoje padėjo pasaulietinių žanrų pamatus – portretą, peizažą, kasdienio gyvenimo žanrus. Jo kūryboje pasireiškia dar vienas ryškus Šiaurės renesanso bruožas: noras pavaizduoti žmogų netobulą ir idealų, bet patikimą.

Kalbant apie Šiaurės renesanso meną, žinoma, reikėtų atkreipti dėmesį į Holbeino portretus ir Bruegelio kūrybą.

Apibendrinant pažymėtina, kad Renesansas Italijoje ir Reformacija Šiaurės Europoje, kaip darė N. Berdiajevas, gali būti laikomi etapais. pereinamasis laikotarpis, kuris istoriniu mastu pažymėjo vieno civilizacijos tipo (kosmogeninės, tradicinės) pabaigą ir naujos, technogeninės civilizacijos pradžią.

Italijos Renesansas buvo Šiaurės renesanso ir reformacijos šaltinis. Reformacija papildė ir savotiškai plėtojo Renesanso idėjas. Jei Italijos Renesansas buvo naujos miesto buržuazinės kultūros pradžia, tai Reformacija, sukūrusi protestantizmą, užtikrino dinamišką kapitalizmo raidą Europoje.

1. Aukštasis Renesansas.
2. Leonardo da Vinci, Ticiano, Rafaelio, Mikelandželo kūriniai.
3. Šiaurės renesansas: Nyderlandų ir Vokietijos menas.

Aukštasis Renesansas

Aukštojo Renesanso menas patenka į 15-ojo amžiaus pabaigą ir pirmuosius tris XVI amžiaus dešimtmečius. Italų meno „aukso amžius“ chronologiškai buvo labai trumpas ir tik Venecijoje jis tęsėsi ilgiau, iki pat amžiaus vidurio. Tačiau būtent tuo metu buvo sukurti nuostabūs Renesanso titanų kūriniai.

Aukščiausias kultūros pakilimas įvyko sunkiausioje istorinis laikotarpis gyvenimą Italijoje, esant staigiam ekonominiam ir politiniam Italijos valstybių susilpnėjimui. Turkų užkariavimai Rytuose, Amerikos atradimas ir naujas jūrų kelias į Indiją atima Italijos miestus iš svarbiausių vaidmenų. prekybos centrai; Nesusitarimas ir nuolatinis tarpusavio nesantaika daro juos lengvu grobiu augančioms centralizuotoms šiaurės vakarų valstybėms. Kapitalo judėjimas šalies viduje iš prekybos ir pramonės į žemės ūkį ir laipsniškas buržuazijos virtimas žemvaldžių klase prisidėjo prie feodalinės reakcijos plitimo. Prancūzų kariuomenės invazija 1494 m., niokojantys XVI amžiaus pirmųjų dešimtmečių karai ir Romos pralaimėjimas labai susilpnino Italiją. Būtent tuo metu, kai virš šalies kilo grėsmė visiškam jos pavergimui svetimiems užkariautojams, atsiskleidė žmonių, stojančių į kovą už tautinę nepriklausomybę, už respublikinę valdymo formą, jėgos, augo jų tautinė savimonė. Tai liudija daugelyje XVI amžiaus pradžios populiarūs judėjimai Italijos miestai, o ypač Florencijoje, kur respublikonų valdžia buvo nustatyta du kartus: nuo 1494 iki 1512 ir nuo 1527 iki 1530 m. Didžiulis socialinis pakilimas buvo galingos Aukštojo Renesanso kultūros klestėjimo pagrindas. Sunkiomis XVI amžiaus pirmųjų dešimtmečių sąlygomis formavosi naujo stiliaus kultūros ir meno principai.
Išskirtinis Aukštojo Renesanso kultūros bruožas buvo nepaprastas jos kūrėjų socialinio akiračio išsiplėtimas, jų idėjų apie pasaulį ir erdvę mastas. Keičiasi požiūris į žmogų ir jo požiūris į pasaulį. Paties menininko tipas, pasaulėžiūra, padėtis visuomenėje ryžtingai skiriasi nuo XV amžiaus meistrų, kurie iki šiol daugiausia siejami su amatininkų luomu. Aukštojo Renesanso menininkai yra ne tik didelės kultūros žmonės, bet ir kūrybingos asmenybės, laisvos nuo gildijos fondų rėmų, verčiančios valdančiųjų klasių atstovus atsižvelgti į savo projektus.
Jų meno centre, apibendrintai menine kalba, vaizdas yra idealus nuostabus žmogus, tobulas fiziškai ir dvasiškai, nenusiblaškęs nuo realybės, bet pripildytas gyvybės, vidinė stiprybė ir reikšmingumas, titaniška savęs patvirtinimo galia. Svarbiausi naujojo meno centrai kartu su Florencija XVI amžiaus pradžioje buvo popiežiaus Roma ir patricijų Venecija. Nuo 1530-ųjų Centrinėje Italijoje stiprėjo feodalinė-katalikiška reakcija, o kartu su ja išplito dekadentiška meno kryptis, vadinama manierizmu. O jau XVI amžiaus antroje pusėje išryškėjo antimaneristinio meno tendencijos.
Šiuo vėlyvuoju laikotarpiu, kai savo vaidmenį išlaiko tik atskiri Renesanso kultūros centrai, būtent jie sukuria meniniu požiūriu reikšmingiausius meno kūrinius. Tokie yra vėlesni Mikelandželo, Palladio ir didžiųjų venecijiečių darbai.

Leonardo da Vinci darbas

Tam tikros aukštojo renesanso meno tendencijos buvo numatytos iškilių XV amžiaus menininkų kūryboje ir buvo išreikštos didingumo, monumentalizacijos ir įvaizdžio apibendrinimo troškimu. Tačiau tikrasis aukštojo renesanso stiliaus įkūrėjas buvo Leonardo da Vinci, genijus, kurio darbai pažymėjo didžiulį kokybinį meno poslinkį. Jo visa apimančios – mokslinės ir meninės – veiklos reikšmė paaiškėjo tik nagrinėjant išsibarsčiusius Leonardo rankraščius. Jo užrašuose ir piešiniuose yra puikios įžvalgos įvairiose mokslo ir technologijų srityse. Engelso žodžiais tariant, jis buvo ne tik puikus dailininkas, bet ir puikus matematikas, mechanikas ir inžinierius, kuriam esame skolingi. svarbių atradimų pačios įvairiausios fizikos šakos“.

Menas Leonardo buvo priemonė pažinti pasaulį. Daugelis jo eskizų yra skirti iliustracijai mokslinis darbas ir kartu jie yra aukštojo meno kūriniai. Leonardo įkūnijo naujo tipo menininką – mokslininką, mąstytoją, stulbinantį savo pažiūrų platumu, talento įvairiapusiškumu.
Leonardo gimė Anchiano kaime, netoli Vinci miesto. Jis buvo nesantuokinis notaro ir paprastos valstietės sūnus. Mokėsi Florencijoje, skulptoriaus ir dailininko Andrea Verrocchio studijoje. Vienas ankstyvųjų Leonardo darbų – angelo figūra Verrocchio paveiksle „Krikštas“ (Florencija, Uficis) – tarp sustingusių personažų išsiskiria subtiliu dvasingumu ir liudija jo kūrėjo brandą.
Vienas iš ankstyviausių Leonardo darbų yra Ermitaže saugoma Madona su gėle (vadinamoji Benua Madona, apie 1478 m.), kuri labai skiriasi nuo daugybės XV a. madonų. Atmesdamas ankstyvojo Renesanso meistrų kūrybai būdingą žanrą ir kruopštų detalizavimą, Leonardo pagilina charakteristikas, apibendrina formas. Subtiliai šoninės šviesos sumodeliuotos jaunos mamos ir kūdikio figūros užpildo beveik visą paveikslo erdvę. Organiškai tarpusavyje susietų figūrų judesiai natūralūs, plastiški. Jie aiškiai išsiskiria tamsiame sienos fone. Skaidrus mėlynas dangus, atsiveriantis lange, sujungia figūras su gamta, su didžiuliu pasauliu, kuriame dominuoja žmogus. Subalansuotoje kompozicijos konstrukcijoje juntamas vidinis dėsningumas. Tačiau tai neatmeta šilumos, naivaus žavesio, pastebimo gyvenime.
1480 m. Leonardo jau turėjo savo dirbtuves ir gavo užsakymus. Tačiau aistra mokslui jį dažnai atitraukdavo nuo meno studijų. Liko nebaigtas didysis altoriaus paveikslas „Magų garbinimas“ (Florencija, Uficis) ir „Šventasis Jeronimas“ (Roma, Vatikano Pinakotekas). Pirmajame menininkas siekė sudėtingą monumentalią altoriaus paveikslo kompoziciją paversti piramidine, lengvai matoma grupe, perteikti žmogiškų jausmų gelmę. Antrame - į tikrą sudėtingų kampų vaizdą Žmogaus kūnas, kraštovaizdžio erdvė.
Neradęs deramo savo talento įvertinimo Lorenzo Medici dvare su jo išskirtinio rafinuotumo kultu, Leonardo įstojo į Milano kunigaikščio Lodovico Moro tarnybą. Vaisingiausias pasirodė Milano Leonardo kūrybos laikotarpis (1482–1499). Čia visapusiškai atsiskleidė jo, kaip mokslininko, išradėjo ir menininko, talento universalumas.
Savo karjerą jis pradėjo nuo skulptūrinio paminklo – kunigaikščio Lodovico Moro tėvo Francesco Sforcos jojimo statulos – egzekucijos. Didelis paminklo maketas, sulaukęs vieningai didelio amžininkų pagyrimo, žuvo 1499 m., kai prancūzai užėmė Milaną. Išliko tik piešiniai – įvairių paminklo versijų eskizai, arba dinamikos kupinos augančio arklio, arba iškilmingai išsikišusio arklio vaizdai, primenantys Donatello ir Verrocchio kompozicinius sprendimus. Matyt, ši paskutinė versija buvo paversta statulos maketu. Jis buvo daug didesnis nei Gattamelate ir Colleoni paminklai, dėl kurių amžininkai ir pats Leonardo pavadino paminklą „didžiuoju kolosu“. Šis darbas daro Leonardo vienu didžiausių to meto skulptorių.
Ne vienas baigtas Leonardo architektūrinis projektas nepasiekė mūsų. Ir vis dėlto jo brėžiniai ir pastatų projektai, idealaus miesto kūrimo planai byloja apie jo puikaus architekto dovaną.
Milano laikotarpis apima paveikslai brandaus stiliaus – „Madona grotoje“ ir „Paskutinė vakarienė“. „Madona grotoje“ (1483–1494 m., Paryžius, Luvras) – pirmasis monumentalus Aukštojo Renesanso altoriaus paveikslas. Jos personažai Marija, Jonas, Kristus ir angelas įgavo didybės, poetinio dvasingumo ir gyvenimo išraiškingumo pilnatvės bruožų. Susimąstymo ir veiksmo nuotaikos suvienyti – Kristaus Kūdikis palaimina Joną – darnioje piramidinėje grupėje, tarsi papūsti lengvos chiaroscuro miglos, evangelijos legendos veikėjai vaizduojami kaip įsikūnijimas. idealūs vaizdai rami laimė.

Reikšmingiausias Leonardo monumentalus paveikslas „Paskutinė vakarienė“, 1495–1497 m. atlikta Milano Santa Maria della Grazie vienuolyne, įkelia tikrų aistrų ir dramatiškų jausmų pasaulį. Nukrypdamas nuo tradicinės evangelijos epizodo interpretacijos, Leonardo pateikia naujovišką temos sprendimą, kompoziciją, giliai atskleidžiančią žmogaus jausmus ir patirtis. Sumažindamas restorano aplinkos kontūrus, sąmoningai mažindamas stalo dydį ir išstumdamas jį į pirmą planą, jis sutelkia dėmesį į dramatišką įvykio kulminaciją, į kontrastingus skirtingo temperamento žmonių bruožus, į sudėtingo spektro pasireiškimą. jausmai, išreikšti tiek veido išraiškomis, tiek gestais, kuriais apaštalai atsako į Kristaus žodžius: „Vienas iš jūsų mane išduos“. Ryškų kontrastą apaštalams daro kompozicijos centre esančio išoriškai ramaus, bet liūdnai mąslaus Kristaus ir į stalo kraštą besiremiančio išdaviko Judo atvaizdai, kurių grubus grobuoniškas profilis paniręs į vidų. šešėlis. Sumišimas, paryškintas konvulsyviai rankinėje gniaužiančios rankos mostu, niūri išvaizda išskiria jį iš kitų apaštalų, kurių nušvitusiuose veiduose galima įskaityti nuostabos, užuojautos, pasipiktinimo išraišką. Leonardo neatskiria Judo figūros nuo kitų apaštalų, kaip tai darė ankstyvojo Renesanso meistrai. Ir vis dėlto atstumiantis Judo pasirodymas išdavystės idėją atskleidžia ryškiau ir giliau. Visi dvylika Kristaus mokinių yra suskirstyti į grupes po tris abiejose mokytojo pusėse. Kai kurie iš jų iš susijaudinimo pašoka iš savo vietų ir atsigręžia į Kristų. Įvairius vidinius apaštalų judesius menininkas pajungia griežtai tvarkai. Freskos kompozicija stulbinanti savo vienybe, vientisumu, griežtai subalansuota, sutelkta konstrukcijoje. Vaizdų monumentalizavimas, tapybos mastelis prisideda prie gilios vaizdo reikšmingumo įspūdžio, pajungusio visą didelę refektorijos erdvę. Leonardo puikiai išsprendžia tapybos ir architektūros sintezės problemą. Pastatęs stalą lygiagrečiai sienai, kurią puošia freska, jis patvirtina jos plokštumą. Perspektyvus freskoje pavaizduotas šoninių sienų sumažinimas tarsi tęsia tikrąją valgyklos erdvę.
Freska smarkiai apgadinta. Leonardo eksperimentai su naujomis medžiagomis neatlaikė laiko išbandymo; vėlesni įrašai ir restauracijos beveik paslėpė originalą, kuris buvo pašalintas tik 1954 m. Bet išlikusios graviūros ir paruošiamieji brėžiniai leidžia užpildyti visas kompozicijos detales.
Prancūzų kariams užėmus Milaną, Leonardo paliko miestą. Prasidėjo klajonių metai. Florencijos Respublikos užsakymu jis pagamino kartoną freskai „Anghiari mūšis“, kuri turėjo papuošti vieną iš Tarybos salės Palazzo Vecchio (miesto valdžios pastate) sienų. Kurdamas šį kartoną, Leonardo varžėsi su jaunuoju Mikelandželu, kuris pildė freskos „Kachino mūšis“ užsakymą kitai to paties kambario sienai. Tačiau šie kartonai, sulaukę visuotinio amžininkų pripažinimo, neišliko iki šių dienų. Tik senos kopijos ir graviūros leidžia spręsti apie Aukštojo Renesanso genijų naujoves mūšio tapybos srityje.
Visoje Leonardo kompozicijos dramaturgijoje ir dinamikoje, mūšio dėl vėliavos epizode, suteikiamas aukščiausios kovos jėgų įtampos momentas, atskleidžiama žiauri karo tiesa. Vieno garsiausių pasaulio tapybos kūrinių – Monos Lizos (La Gioconda, apie 1504 m., Paryžius, Luvras) portreto kūrimas datuojamas šiais laikais. Neeilinis kuriamo vaizdo gylis ir reikšmingumas, kuriame individo bruožai derinami su dideliu apibendrinimu. Leonardo naujovė pasireiškė ir Renesanso portretų raidoje.
Plastiškai išdirbta, uždara siluetu, didinga jaunos moters figūra dominuoja tolimame, melsvos miglos apgaubtame kraštovaizdyje, tarp kurių vingiuoja akmenys ir vandens kanalai. Sudėtingas pusiau fantastinis kraštovaizdis subtiliai dera su subjekto charakteriu ir intelektu. Panašu, kad netvirtas paties gyvenimo permainingumas jaučiamas vos juntamos šypsenos pagyvintoje veido išraiškoje, ramiai pasitikinčiame, skvarbiame žvilgsnyje. Patricijos moters veidas ir aptakios rankos nutapytos nuostabiai atsargiai ir švelniai. Subtiliausia, tarsi tirpstanti, chiaroscuro (vadinamoji sfumato) migla, apgaubianti figūrą, sušvelnina kontūrus ir šešėlius; paveikslėlyje nėra nė vieno ryškaus teptuko potėpio ar kampinio kontūro.
Paskutiniais savo gyvenimo metais Leonardo didžiąją laiko dalį skyrė moksliniams tyrimams. Jis mirė Prancūzijoje, kur atvyko Prancūzijos karaliaus Pranciškaus I kvietimu ir gyveno tik dvejus metus.
Jo meno, mokslo ir teoriniai tyrimai, pati jo asmenybė turėjo didžiulę įtaką pasaulio kultūros raidai. Jo rankraščiuose yra daugybė užrašų ir piešinių, liudijančių Leonardo genialumo įvairiapusiškumą. Čia kruopščiai nupieštos gėlės ir medžiai, nežinomų įrankių, mašinų ir aparatų eskizai. Greta analitiškai tikslių vaizdų yra piešinių, išsiskiriančių nepaprasta apimtimi, epiškumu ar subtiliu lyriškumu. Aistringas eksperimentinių žinių gerbėjas Leonardo siekė kritiško jų supratimo, apibendrinančių dėsnių paieškos. „Patirtis yra vienintelis žinių šaltinis“, – sakė menininkas. „Tapybos knygoje“ atskleidžiamos jo, kaip realistinio meno teoretiko, pažiūros, kuriam tapyba kartu yra „mokslas ir teisėta gamtos dukra“. Traktate pateikiami Leonardo teiginiai apie anatomiją, perspektyvą, jis ieško darnios žmogaus figūros konstravimo raštų, rašo apie spalvų sąveiką, apie refleksus. Tačiau tarp Leonardo pasekėjų ir mokinių nebuvo nei vieno, kuris kreipėsi į mokytoją gabumu; netekę savarankiško požiūrio į meną, jie tik išoriškai asimiliavo jo meninę manierą.

Tiziano Vecellio nuotraukos ir biografija

Ticianas Urbinskajos Venera, 1538 m Uffizi galerija, Florencija Venera ir Adonis, 1550 m Getty muziejus, Los Andželas.

Pasaulietinė meilė (Žemiškas veltėdis) 1515 m	Jaunuolis su suplyšusia pirštine, 1515–1520 m	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Jaunos moters portretas, 1536 m

Žemiškoji ir dangiškoji meilė, 1515 m

Pietro Aretino portretas 1545	Karolio V portretas 1548	Danae 1554	Sizifas 1549	Venera su veidrodžiu 1555

Marijos Žengimo į dangų, (Assunta), 1518 m	Tarkvinijus ir Lukrecija 1568-1571	Padėtis karste 1524-1526	Šventasis Sebastianas 1570	Rauda dėl Kristaus 1576

Pesaro šeimos Madona, 1519–1526 m	Bachas ir Ariadnė 1522	Įvadas į šventyklą 1534-1538	, 1546	Laiko alegorija 1565

Ticianas (iš tikrųjų Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio) (apie 1488/1490 - 1576), italų aukštojo ir vėlyvojo renesanso tapytojas. Mokėsi Venecijoje pas Giovanni Bellini, kurio dirbtuvėse suartėjo su Džordžine; dirbo Venecijoje, taip pat Paduvoje, Feraroje, Mantuje, Urbine, Romoje ir Augsburge. Glaudžiai susijęs su Venecijos meniniais ratais (Giorgione, architektas Jacopo Sansovino, rašytojas Pietro Aretino), puikus Venecijos tapybos mokyklos meistras, Ticianas savo kūryboje įkūnijo humanistinius Renesanso idealus. Jo gyvybę patvirtinantis menas išsiskiria įvairiapusiškumu, tikrovės aprėpties platumu, gilių dramatiškų epochos konfliktų atskleidimu. Domėjimasis kraštovaizdžiu, poezija, lyrinė kontempliacija, subtilus koloritas susijęs su ankstyvąja Ticiano kūryba (vadinamoji „čigonų madona“, Meno istorijos muziejus, Viena; „Kristus ir nusidėjėlis“, Meno galerija, Glazgas) su Giorgione kūryba; menininkas pradėjo kurti savarankišką stilių iki XX amžiaus 10-ojo dešimtmečio vidurio, susipažinęs su Rafaelio ir Mikelandželo kūryba. Ramūs ir džiaugsmingi jo paveikslų vaizdai šiuo laikotarpiu pasižymi pilnakrauju, jausmų ryškumu, vidiniu nušvitimu, pagrindinis koloritas pastatytas ant gilių, grynų spalvų dermės („Žemiška ir dangiška meilė“, apie 1514–1516 m. Borghese galerija, Roma; „Flora“, apie 1515 m., Uficis; „Cezario denaras“, 1518 m., Paveikslų galerija, Drezdenas). Tuo pačiu metu Ticianas nutapė keletą portretų, griežtos ir ramios kompozicijos bei subtiliai psichologinių („Jaunas vyras su pirštine“, Luvras, Paryžius; „Vyro portretas“, Nacionalinė galerija, Londonas). Naujasis Ticiano kūrybos laikotarpis (1510-ųjų pabaiga – 1530-ieji) siejamas su socialiniu ir kultūriniu Venecijos iškilimu, kuri šioje epochoje tapo viena pagrindinių humanizmo ir miesto laisvės tvirtovių Italijoje. Šiuo metu Ticianas kūrė monumentalius, didingo patoso alsuojančius altoriaus vaizdus („Marijos ėmimas į dangų“, apie 1516–1518 m., Santa Maria Gloriosa dei Frari bažnyčia, Venecija), kurių kompozicija persmelkta judesio, paveikslai ant Evangelijos ir Urbinskajos Venera, 1538 m Uffizi galerija, Florencija Venera ir Adonis, 1550 m Getty muziejus, Los Andželas.

Pasaulietinė meilė (Žemiškas veltėdis) 1515 m	Jaunuolis su suplyšusia pirštine, 1515–1520 m	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Jaunos moters portretas, 1536 m

Vėlesniu savo kūrybos laikotarpiu Ticianas pasiekė aukštumų tiek savo tapybos įgūdžiais, tiek emociniu ir psichologiniu religinių bei mitologinių temų interpretavimu. Gyvybę teikiantis žmogaus kūno grožis, supančio pasaulio gausa tapo pagrindiniu menininko darbų motyvu, temomis iš senovės mitologijos (Danae, apie 1554 m., Prado, Madridas ir Ermitažas, Sankt Peterburgas; Venera priešais veidrodis, 1550 m., Nacionalinė meno galerija, Vašingtonas; Diana ir Actaeon, 1556, ir Diana ir Callisto, 1556–1559, abu paveikslai yra Nacionalinėje Škotijos galerijoje Edinburge).

Žemiškoji ir dangiškoji meilė, 1515 m

Pietro Aretino portretas 1545	Karolio V portretas 1548	Danae 1554	Sizifas 1549	Venera su veidrodžiu 1555

Marijos Žengimo į dangų, (Assunta), 1518 m	Tarkvinijus ir Lukrecija 1568-1571	Padėtis karste 1524-1526	Šventasis Sebastianas 1570	Rauda dėl Kristaus 1576

Pesaro šeimos Madona, 1519–1526 m	Bachas ir Ariadnė 1522	Įvadas į šventyklą 1534-1538	Popiežius Paulius III su anūkais Farnese, 1546 m	Laiko alegorija 1565

Raphaelio Santi menas

Ryškiausių ir iškiliausių Renesanso humanizmo idealų idėją savo darbe labiausiai įkūnijo Raphaelis Santi (1483–1520). Jaunesnysis Leonardo amžininkas, gyvenęs trumpą, itin įvykių kupiną gyvenimą, Rafaelis susintetino savo pirmtakų pasiekimus ir sukūrė savo gražaus, harmoningai išsivysčiusio žmogaus idealą, apsuptą didingos architektūros ar kraštovaizdžio. Rafaelis gimė Urbino mieste, tapytojo, kuris buvo pirmasis jo mokytojas, sūnus. Vėliau mokėsi pas Timoteo della Viti ir Perugino, puikiai įvaldydamas pastarojo manierą. Perudžine Rafaelis suvokė tą linijų glotnumą, laisvę statyti figūrą erdvėje, kuri tapo būdinga jo brandžioms kompozicijoms. Būdamas septyniolikmetis berniukas, jis atskleidžia tikrą kūrybinę brandą, kurdamas harmonijos ir dvasinio aiškumo kupiną vaizdų seriją.

Subtilus lyrizmas ir subtilus dvasingumas išskiria vieną iš ankstyvųjų jo kūrinių – „Madonna Conestabile“ (1502 m., Sankt Peterburgas, Ermitažas), nušvitusią jaunos motinos atvaizdą, pavaizduotą skaidraus Umbrijos kraštovaizdžio fone. Gebėjimas laisvai išdėstyti figūras erdvėje, sieti jas tarpusavyje ir su aplinka pasireiškia ir kompozicijoje „Marijos sužadėtuvė“ (1504, Milanas, Brera galerija). Erdvumas kraštovaizdžio konstrukcijoje, architektūros formų harmonija, visų kompozicijos dalių balansas ir vientisumas liudija Rafaelio, kaip aukštojo renesanso meistro, susiformavimą.
Atvykęs į Florenciją, Rafaelis lengvai įsisavina svarbiausius Florencijos mokyklos menininkų pasiekimus su ryškia plastine pradžia ir plačia tikrovės aprėptimi. Jo meno turinys išlieka lengva lyriška tema motiniška meilė, kuriam jis teikia ypatingą reikšmę. Brandesnę išraišką ji įgauna tokiuose kūriniuose kaip „Madona žalumoje“ (1505 m., Viena, Kunsthistorisches Museum), „Madona su auksakrūmiu“ (Florencija, Uficis), „Gražioji sodininkė“ (1507 m., Paryžius, Luvras). Iš esmės jos visos skiriasi to paties tipo kompozicija, sudaryta iš Marijos, Kūdikėlio Kristaus ir Krikštytojo figūrų, formuojančių piramidines grupes gražaus kaimo kraštovaizdžio fone pagal anksčiau Leonardo atrastą kompozicijos techniką. Judesių natūralumas, švelni formų plastika, melodingų linijų glotnumas, idealaus Madonos tipo grožis, peizažinių fonų aiškumas ir grynumas padeda atskleisti didingą šių kompozicijų figūrinės struktūros poeziją. .
1508 metais Rafaelis buvo pakviestas dirbti į Romą, į popiežiaus Julijaus II dvarą – valdingo, ambicingo ir energingo žmogaus, kuris siekė pagausinti savo sostinės meno lobius ir į savo tarnybą pritraukti talentingiausius to meto kultūros veikėjus. XVI amžiaus pradžioje Roma įkvėpė tautinio šalies susivienijimo viltis. Tautinės santvarkos idealai sukūrė pagrindą kūrybiniam pakilimui, pažangių siekių įkūnijimui mene. Čia, greta antikos paveldo, Rafaelio talentas klesti ir bręsta, įgydamas naują mastą ir ramios didybės bruožus.
Rafaelis gauna užsakymą nudažyti Vatikano rūmų iškilmingus kambarius (vadinamus posmus). Šis darbas, kuris su pertraukomis tęsėsi nuo 1509 iki 1517 m., Rafaelį paskyrė tarp didžiausių italų monumentaliojo meno meistrų, užtikrintai išsprendęs Renesanso architektūros ir tapybos sintezės problemą. Rafaelio, monumentalisto ir dekoratoriaus, dovana visu savo puošnumu pasireiškė tapant Station della Senyatura (spaudos kambarys). Ant ilgų šio kambario sienų, dengtų buriniais skliautais, yra kompozicijos „Ginčas“ ir „Atėnų mokykla“, ant siaurų sienų – „Parnasas“ ir „Išmintis, saikas ir stiprybė“, įkūnijančios keturias žmogaus dvasinės veiklos sritis. : teologija, filosofija, poezija ir jurisprudencija ... Skliautas, padalintas į keturias dalis, dekoruotas alegorinėmis figūromis, kurios su sienų tapyba sudaro vieną dekoratyvinę sistemą. Taigi visa patalpos erdvė buvo užpildyta tapyba.

Adomas ir Ieva 1510	Atėnų mokykla 1509	Galatėjos triumfas 1511	Ginčas 1510	Pranašas Izaijas 1512

Vaizdų derinimas tapyboje krikščionių religija o pagoniškoji mitologija liudijo tarp to meto humanistų išplitusią krikščioniškosios religijos sutaikinimo su senąja kultūra idėjomis ir besąlygišką pasaulietinio principo pergalę prieš bažnyčią. Net ir „Dispute“ (bažnyčių tėvų ginčas dėl sakramento), skirtame bažnyčios vadovų vaizdavimui, tarp ginčo dalyvių galima atpažinti Italijos poetus ir menininkus – Dantę, Fra Beato Angelico ir kt. dailininkai ir rašytojai. Apie šventę humanistines idėjas renesanso mene apie jos ryšį su antika byloja kompozicija „Atėnų mokykla“, šlovinanti gražaus ir stipraus žmogaus protą, senovės mokslą ir filosofiją. Paveikslas suvokiamas kaip svajonės išsipildymas dėl šviesios ateities. Iš grandiozinių arkinių tarpatramių siuitos gelmių išnyra grupė antikos mąstytojų, kurių centre – didingas žilabarzdis Platonas ir pasitikintis, įkvėptas Aristotelis, rankos mostu nukreipęs į žemę, įkūrėjai. idealistinės ir materialistinės filosofijos. Žemiau, kairėje prie laiptų, virš knygos pasilenkė Pitagoras, apsuptas savo mokinių, dešinėje – Euklidas, o čia, pačiame krašte, Rafaelis pavaizdavo save šalia tapytojo Sodomos. Tai jaunas vyras švelnaus, patrauklaus veido. Visus freskos veikėjus vienija aukšto dvasinio pakilimo nuotaika, gili mintis... Jie sudaro grupes, neišskiriamas savo vientisumu ir harmonija, kur kiekvienas personažas tiksliai užima savo vietą ir kur pati architektūra savo griežtu reguliarumu ir didingumu prisideda prie aukšto kūrybinės minties atmosferos atkūrimo.
Freska „Eliodoro išvarymas“ Stanza d'Eliodoro išsiskiria intensyvia dramatizmu. Įvykusio stebuklo – dangiškojo raitelio išvarymo iš šventyklos plėšiko – staigumas perteikiamas greita pagrindinio judesio įstriža, naudojant šviesos efektą. Popiežius Julijus II vaizduojamas tarp žiūrovų, žiūrinčių į Eliodoro išvarymą. Tai aliuzija į Rafaelio įvykius – prancūzų kariuomenės išvarymą iš Popiežiaus valstybių.
Romos Rafaelio kūrybos laikotarpis pasižymėjo dideliais pasiekimais portretų srityje. Mišių Bolseno veikėjai (freskos Stanza d'Eliodoro) įgauna ryškiai atrodančius portretinius bruožus. KAM portreto žanras Rafaelis pasuko ir į molbertinę tapybą, čia parodydamas savo originalumą, atskleisdamas modeliui būdingiausią ir reikšmingiausią. Nutapė popiežiaus Julijaus II (1511 m., Florencija, Uffizi), popiežiaus Leono X su kardinolu Ludovico dei Rossi ir Giulio dei Medici (apie 1518 m., ten pat) portretus ir kitus portretinius paveikslus. Svarbią vietą jo kūryboje ir toliau užima Madonos įvaizdis, įgyjantis didžiulės didybės, monumentalumo, pasitikėjimo ir stiprybės bruožų. Tokia yra Madonna della Cedia (Madonna in the Chair, 1516, Florencija, Pitti galerija) su harmoninga, uždara kompozicija.
Tuo pat metu Rafaelis sukūrė didžiausią savo kūrinį „Siksto Madonna“ (1515–1519, Drezdenas, paveikslų galerija), skirtą Šv. Sikstas Piačencoje. Skirtingai nei ankstesnės, lengvesnės nuotaikos, lyriškos madonos, tai didingas vaizdas, kupinas gilios prasmės. Iš viršaus šonuose praskleistos užuolaidos atskleidžia Mariją, lengvai vaikštančią debesimis su kūdikiu ant rankų. Jos žvilgsnis leidžia pažvelgti į jos išgyvenimų pasaulį. Rimtai ir liūdnai ji žiūri kažkur į tolį, tarsi numatydama tragiškas likimas sūnus. Madonos kairėje pavaizduotas popiežius Sikstas, entuziastingai mąstantis apie stebuklą, dešinėje – šventoji Barbora, pagarbiai žiūrinti žemyn. Žemiau du angelai žiūri aukštyn ir tarsi grąžina mus prie pagrindinio įvaizdžio – Madonos ir jos vaikiškai mąstančio kūdikio. Nepriekaištinga kompozicijos harmonija ir dinamiška pusiausvyra, subtilus sklandžių linijinių kontūrų ritmas, natūralumas ir judėjimo laisvė sudaro šios visumos nenugalimą galią, gražus vaizdas. Gyvenimo tiesa o idealo bruožai derinami su dvasiniu komplekso grynumu tragiška prigimtis Sikstas Madonna. Kai kurie tyrinėtojai jo prototipą aptiko „Ponios šyde“ bruožuose (apie 1513 m. Florencija, Pitti galerija), tačiau pats Rafaelis laiške draugui Castiglione rašė, kad jo kūrybos metodas remiasi atrankos principu ir gyvenimo pastebėjimų apibendrinimas: norint nupiešti gražuolę, reikia pamatyti daug gražuolių, bet dėl... gražių moterų trūkumo panaudoju kokią nors mintį, kuri ateina į galvą. Taigi realybėje menininkas randa bruožų, atitinkančių jo idealą, iškylantį virš atsitiktinio ir praeinančio.
Rafaelis mirė sulaukęs trisdešimt septynerių, palikdamas nebaigtus paveikslus, vaizduojančius Vilą Farneziną, Vatikano lodžijas ir daugybę kitų darbų, atliktų pagal kartoną ir jo mokinių piešinius. Nemokami, grakštūs, atsitiktiniai Rafaelio piešiniai įtraukė jų kūrėją į didžiausių pasaulio piešėjų gretas. Jo darbai architektūroje ir taikomosios dailės liudija jį kaip įvairiapusę gabią Aukštojo Renesanso figūrą, pelniusią didelę šlovę tarp savo amžininkų. Pats Rafaelio vardas vėliau tapo įprastu idealaus menininko vardu.
Daugybė italų mokinių ir Rafaelio pasekėjų mokytojo kūrybos metodą iškėlė į neginčijamą dogmą, prisidėjusią prie mėgdžiojimo paplitimo italų mene ir numatę gresiančią humanizmo krizę.

Michelangelo Buonarroti darbas

Aukštojo Renesanso kulminacija ir kartu gilių epochos kultūros prieštaravimų atspindys buvo trečiojo iš Italijos meno titanų – Michelangelo Buonarroti (1475-1564) kūrinys. Netgi palyginus su Leonardo ir Rafaeliu, išsiskiriančiais įvairiapusišku talentu, Mikelandželas skiriasi tuo, kad kiekvienoje srityje meninė kūryba jis paliko didelio masto ir galios kūrinius, įkūnijančius pažangiausias epochos idėjas. Mikelandželas buvo genialus skulptorius, tapytojas, architektas, braižytojas, karo inžinierius, poetas, o kartu kovotojas už aukštus humanistinius idealus, pilietis, su ginklu rankose, gynė savo tėvynės laisvę ir nepriklausomybę.
Didysis menininkas ir imtynininkas yra neatsiejami Michelangelo idėja. Visas jo gyvenimas – tai nepaliaujama didvyriška kova už žmogaus teisę į laisvę, į kūrybą. Visą ilgą laiką kūrybinis kelias Menininkės dėmesio centre atsidūrė efektyvus, veiklus, žygdarbiui pasiruošęs, didžiulės aistros apimtas žmogus. Vėlyvojo laikotarpio darbuose atsispindi tragiškas Renesanso idealų žlugimas.
Mikelandželas gimė Kaprese (Florencijos apylinkėse), mero šeimoje. Būdamas trylikos metų berniukas įstojo į Ghirlandaio dirbtuves, o po metų – m. meno mokykla Lorenzo Medičio Didžiojo teisme. Čia, vadinamuosiuose Medici soduose prie San Marco vienuolyno, jis tęsė mokslus, vadovaujamas Bertoldo di Giovanni, atkakliam antikos gerbėjui. Susipažinęs su turtinga ir rafinuota Medičių rūmų kultūra, nuostabiais senovės ir šiuolaikinio meno kūriniais, žinomais poetais ir humanistais, Mikelandželas nepasitraukė į išskirtinę teismo aplinką. Netgi ankstyvieji savarankiški jo darbai patvirtina jo potraukį į didelius monumentalius vaizdus, ​​kupinus didvyriškumo ir stiprybės. Reljefas „Kentaurų mūšis“ (XX amžiaus 9 dešimtmečio pradžia, Florencija, Casa Buonarroti) atskleidžia mūšio dramatiškumą ir audringą dinamiką, kovotojų bebaimiškumą ir energingumą, galingą tarpusavyje susijusių stiprių figūrų plastiką, persmelktą vienu greitu ritmu.
Galutinis formavimas viešoji sąžinė Mikelandželas patenka tuo metu, kai Medičiai buvo išvaryti iš Florencijos ir ten buvo sukurta respublikinė sistema. Kelionės į Boloniją ir Romą palengvina užbaigimą meninis ugdymas... Senovė jam atveria milžiniškas skulptūroje slypinčias galimybes. Romoje buvo sukurta marmuro grupė „Pieta“ (1498-1501, Roma, Šv. Petro katedra) – pirmasis didelis originalus meistro kūrinys, persmelktas tikėjimo humanistinių Renesanso idealų triumfu. Dramatiška tema Skulptorius Dievo Motinos Kristaus gedulą išsprendžia gilia psichologine prasme, didžiulį sielvartą išreikšdamas pakreipdamas galvą, tarsi rastą Madonos kairės rankos mostu. Moralinis grynumas Marijos atvaizdai, kilnus jos jausmų santūrumas atskleidžia charakterio tvirtumą ir perteikiami klasikinėmis aiškiomis formomis, nuostabiai tobulai. Abi figūros sukomponuotos į neišardomą grupę, kurioje nė viena detalė nepažeidžia uždaro silueto, jo plastinės išraiškingumo.

Deividas	Pieta	Madonna ir vaikas	Mozė

Gilus įsitikinimas, žygdarbio siekiančio žmogaus jaudulys užfiksuotas Dovydo statuloje (Florencija, Dailės akademija), įvykdyta 1501–1504 m., skulptoriui grįžus į Florenciją. Legendinio herojaus įvaizdyje buvo įkūnyta pilietinio žygdarbio, drąsaus narsumo ir nenuolaidžiavimo idėja. Mikelandželas atsisakė savo pirmtakų pasakojimo. Skirtingai nuo Donatello ir Verrocchio, kurie vaizdavo Dovydą nugalėjus priešą, Mikelandželas jį pristatė prieš mūšį. Jis sutelkė dėmesį į tvirtą valią ir visų herojaus jėgų įtampą, perduodamą plastinėmis priemonėmis. Šioje kolosalioje statuloje aiškiai išreikštas Mikelandželo plastinės kalbos ypatumas: išoriškai ramia herojaus poza, visa figūra su galingu liemeniu ir puikiai sumodeliuotomis rankomis bei kojomis, gražus įkvėptas veidas išreiškia didžiausią fizinio ir dvasinio susikaupimą. pajėgos. Atrodo, kad visi raumenys yra perkrauti judesių. Mikelandželo menas sugrąžino nuogumui etinę prasmę, kurią jis turėjo senovės plastinėje mene. Dovydo įvaizdis įgyja ir platesnę prasmę kaip laisvo žmogaus kūrybinių galių išraiška. Jau tuo metu Florencijos gyventojai suprato pilietinį statulos patosą ir jos reikšmę, įrengę ją miesto centre priešais Palazzo Vecchio pastatą kaip kvietimą saugoti tėvynę ir teisingą valdžią.
Radęs įtikinamą statulos sprendimo formą (su atrama ant vienos kojos), sumaniai ją sumodeliavęs, Mikelandželas privertė pamiršti sunkumus, kuriuos teko įveikti dirbant su medžiaga. Statula buvo iškalta iš marmuro luito, kurį, kaip visi tikėjo, sugadino nelaimingas skulptorius. Mikelandželui pavyko į gatavą marmuro luitą įkomponuoti figūrą taip, kad ji jame tilptų itin kompaktiškai.
Kartu su Dovydo statula kartonas buvo pagamintas Palazzo Vecchio tarybos salės paveikslui „Kachino mūšis“ (žinomas graviūromis ir vaizdine kopija). Konkuruodamas su Leonardo, jaunasis Mikelandželas už savo darbą gavo aukštesnį visuomenės įvertinimą; karo ir jo žiaurumų atskleidimo temą, jis priešinosi šlovinimui didingi jausmai Florencijos karių narsa ir patriotiškumas, trimito šauksmu skubančių į mūšio lauką, pasiruošusių žygdarbiui.
Gavęs popiežiaus Julijaus II užsakymą pastatyti savo antkapinį paminklą, Mikelandželas, nebaigęs „Kachino mūšio“, 1505 m. persikėlė į Romą. Jis suprojektuoja nuostabų mauzoliejų, papuoštą daugybe statulų ir reljefų. Paruošti medžiagos – marmuro blokelių – skulptorius išvyko į Kararą. Jo nebuvimo metu popiežius prarado susidomėjimą kapo statybos idėja. Įžeistas Mikelandželo, jis paliko Romą ir tik po atkaklių popiežiaus raginimų sugrįžo. Šį kartą jis sulaukė naujo grandiozinio užsakymo – Siksto koplyčios lubų dažymo, kurį sutiko su dideliu nenoru, nes pirmiausia save laikė skulptoriumi, o ne dailininku. Šis paveikslas tapo vienu didžiausių italų meno kūrinių.

Sunkiausiomis sąlygomis ketverius metus (1508-1512) dirbo Mikelandželas, savo ranka užbaigdamas visą milžiniško plafono (600 kv. m) tapybą. Vadovaudamasis koplyčios architektonika, skliautą jis išskaidė į laukų seriją, plačiame centriniame lauke išdėliodamas devynias kompozicijas pagal Biblijos scenas apie pasaulio sukūrimą ir pirmųjų žmonių gyvenimą žemėje: „Šviesos atskyrimas nuo tamsos“, „Adomo sutvėrimas“, „Nupuolimas“, „Nojaus girtumas“ ir kt. Abiejose jų pusėse, skliauto šlaituose, yra pranašų ir sibilių (pramintųjų) figūros. vaizduojami, laukų kampeliuose – sėdintys nuogi jaunuoliai; skliauto burėse, apnuoginimai ir liunetės virš langų – epizodai iš Biblijos ir vadinamųjų Kristaus protėvių. Grandiozinis ansamblis, kuriame yra daugiau nei trys šimtai figūrų, tarsi įkvepiantis himnas grožiui, galiai, žmogiškajam protui, jo kūrybinio genialumo ir herojiškų darbų šlovinimui. Net ir Dievo – didingo galingo seno žmogaus – paveiksle, visų pirma, pabrėžiamas kūrybinis impulsas, išreikštas rankų judesiais, tarsi jos tikrai būtų pajėgios kurti pasaulius ir suteikti žmogui gyvybę. Titaniška jėga, intelektas, įžvalgi išmintis ir didingas grožis apibūdina pranašų atvaizdus: giliai susimąsčiusį gedulingą Jeremiją, poetiškai įkvėptą Izaiją, galingąją Kumos Sibilę, gražią jaunystę. Delfų Sibilė... Mikelandželo sukurti personažai turi didžiulę apibendrinimo galią; kiekvienam veikėjui jis randa ypatingą pozą, posūkį, judesį, gestą.
Jei atskiruose pranašų atvaizduose buvo įkūnytos tragiškos mintys, tai nuogų – jaunuolių, vadinamųjų vergų atvaizduose perteikiamas būties džiaugsmo jausmas, nenumaldoma jėga ir energija. Jų figūros, pateiktos sudėtingais sutrumpėjimais, judesiais, įgauna turtingiausią plastinę plėtrą. Visi jie, nesunaikindami skliautų plokštumų, juos praturtina, atskleidžia tektoniką, sustiprina bendras įspūdis harmonija. Grandiozinio masto, atšiaurios veiksmo jėgos, grožio ir spalvų koncentracijos derinys suteikia laisvės jausmą ir pasitikėjimą žmogaus triumfu.

Šiaurės renesansas

Renesansas buvo tarptautinis reiškinys, apėmęs be Italijos, kur jis labiausiai reiškėsi, ir Nyderlandus, Vokietiją, Prancūziją, Ispaniją. Šiandien pasirodė specialus terminas„Šiaurės renesansas“, kuriame aprašomi Renesanso epochos bruožai kitose Europos šalyse. Tai reiškia ne tik grynai geografinę ypatybę, bet ir kai kuriuos Renesanso epochos bruožus Anglijoje, Vokietijoje, Ispanijoje, Nyderlanduose, Šveicarijoje ir Prancūzijoje. Labai svarbi savybėŠiaurės renesansas buvo tas, kad jis vyko Reformacijos laikais, taip pat tai, kad šių šalių tautų kultūroje dėl istorinių priežasčių nebuvo tokios gausos senovės paminklų kaip Italijoje “.

Reformacija(iš lot. reformatio – transformacija) atstovavo tam pačiam galingam religiniam judėjimui, kuris dabar yra, pavyzdžiui, islamo šalyse fundamentalizmas. Abu jie pasisakė už grįžimą prie pirminių tikėjimo vertybių (prie jo pamatų) ir reikalavo rimtų esamos religinės praktikos pakeitimų (reformavimo).

Reformacijos pradžia buvo pažymėta 1517 metais Vokietijoje pasakyta Martino Liuterio (1483-1546) kalba, iškėlusias 95 tezes, atmetusias pagrindines katalikybės dogmas. Reformacijos ideologai neigė Katalikų bažnyčios su jos hierarchija ir apskritai dvasininkų reikalingumą, Bažnyčios teisę į žemę turtus, atmesdami visą katalikų šventąją tradiciją. 1524–1526 m. valstiečių karai vyko po reformacijos ideologine vėliava. Vokietijoje, Nyderlanduose ir Anglijos revoliucijos metu. Reformacija padėjo pamatus protestantizmui (siaurąja prasme reformacija yra religinių transformacijų įgyvendinimas savo dvasia).

Vokiečių renesansas buvo pusę amžiaus trukusios ir viduramžių Vokietiją labai pakeitusios dvasinės (liuteronų reformos) ir socialinės (valstiečių pakilimo) krizės pabaiga. Vokiečių tapybos „aukso amžius“ siejamas su trijų menininkų – Grunewaldo (1470–1475–1528), Diurerio (1471–1528) ir Holbeino jaunesniojo (1497 arba 1498–1543) – kūryba. Neturėdamas itališkojo renesanso vientisumo, vokiečių renesansas išsivystė per chronologiškai trumpą laikotarpį ir neturėjo logiško tęsinio.

Išskirtinis Renesanso epochos atstovas Vokietijoje, kurio darbai ilgą laiką apibrėžė vokiečių meną, buvo dailininkas ir graviūros meistras Diureris. Manoma, kad Diureris buvo vienodai gabus kaip tapytojas, grafikos kūrėjas ir braižytojas; piešimas ir graviūra jam užima didelę, kartais net pirmaujančią vietą. Dailininko Diurerio palikimas, turintis daugiau nei 900 lapų, savo platumu ir įvairove gali būti lyginamas tik su Leonardo da Vinci palikimu. Jam puikiai priklausė viskas, kas tada buvo žinoma grafikos technikai- nuo sidabrinio segtuko ir nendrinio rašiklio iki itališko pieštuko, anglies, akvarelės Italijos meistrams piešimas tapo svarbiausiu darbo prie kompozicijos etapu, įskaitant eskizus, galvų, rankų, kojų, draperijų studijas. . Tai mokymosi priemonė būdingi tipai- valstiečiai, protingi ponai, Niurnbergo mados moterys. Diureris pirmiausia turėjo didžiulę įtaką vokiečių meno raidai pusės XVI amžiaus. Didžiausias graviūros meistras Europoje Diureris išgarsėjo savo darbų ciklu „Apokalipsės“ temomis (1498).

Jo įvairiapusė veikla tapo vienu iš Renesanso „titanizmo“ įsikūnijimų. Jis yra vienintelis Šiaurės renesanso meistras, kuris pagal savo interesų kryptį ir įvairiapusiškumą, siekį įvaldyti meno dėsnius, tobulų žmogaus figūros proporcijų išvystymą ir perspektyvinės konstrukcijos taisykles, gali būti palyginti su didžiausi meistrai Italijos Renesansas. Vokiečių renesanso meno klestėjimas dažnai vadinamas „Diurerio era“.

Diurerio amžininkai buvo didieji tapybos meistrai Hansas Holbeinas jaunesnysis, Grunewaldas ir Lucas Cranach vyresnysis (1472-1553).

Tikslūs, raiški Holbeino jaunesniojo portretai (tapyba ir piešinys), jo paveikslai religine tematika, graviūros pasižymi tikroviškumu, Renesanso meno aiškumu ir didingumu, monumentaliu kompozicijos vientisumu (Miręs Kristus, 1521). Grunewaldas, kurio gyvenimas dar mažai tyrinėtas, atstovauja kitai vokiečių renesanso krypčiai: jam jausmai dominuoja prieš protą, o subjektyvumas – prieš objektyvią analizę. Dailininko genialumą įkūnijo pagrindinis kūrinys – „Isenheimo altorius“ (1512-1515), kur mistiniai vaizdai sugyventi su humanistiniais, apsišvietusiais. Jo kūryba, siejama su žemesniųjų klasių ideologija ir erezijomis, kupina dramatiškos jėgos, įtampos, dinamiškumo.

Tarp talentingų vokiečių renesanso kūrėjų garbingą vietą užima portretų tapytojas Lucas Cranach vyresnysis, Frydricho Išmintingojo dvaro tapytojas ir M. Liuterio draugas, kurio veiklos dėka kraštovaizdis sulaukė ypatingo vystymosi. Jis padėjo pamatus kraštovaizdžio mokyklai, žinomai kaip Dunojaus mokykla.

Renesansas ANGLIJOJE... ANGLŲ Renesansas išgarsėjo ne tiek tapyba ir architektūra, kiek teatru. Ji suklestėjo XVI pabaigoje – XVII amžiaus pradžioje, savo viršūnę pasiekusi Viljamo Šekspyro (1564-1616) kūryboje. XVI amžiaus pabaiga buvo precedento neturinčio teatrinio gyvenimo Anglijoje atgimimo, ekonomikos augimo ir šalies virtimo pasauline galia metas. Jis taip pat vadinamas „Elžbietos era“. Teatro prestižas išaugo; aktoriai, anksčiau niekinami klajojančių komikų, buvo apgaubti visuotinio dėmesio, mėgavosi grandų globėjų globa. 1576 m. Londone buvo atidarytas pirmasis viešasis teatras, o devintojo dešimtmečio viduryje tokių teatrų jau buvo keli. 1589 metais karališkąjį statusą gavusi Šekspyro trupė pakeitė ne vieną sceną, kol galiausiai 1598–1599 m. nuolatinis pastatas, vadinamas „Globe“ teatru, jam nebuvo pastatytas. Dramaturgas Šekspyras tapo teatro bendrasavininku. Šekspyro pjesės (jų yra 37) atspindėjo to meto Anglijos politinį ir dvasinį gyvenimą.

Pirmosios Šekspyro komedijos, ypač daug triukšmo apie nieką (1598), buvo kupinos optimizmo. Tačiau XVI–XVII amžių sandūroje. pasikeitė jo pasaulėžiūra. Pastaraisiais metais Elžbietos valdymas buvo pažymėtas visuomenės neramumų ir ekonomikos nuosmukio. Valstybės ir Bažnyčios autoritetas mažėjo. Tragedijos Romeo ir Džuljeta (1595), Hamletas (1601), Otelas (1604), Karalius Lyras (1605) rodo visuotinių žmogaus vertybių ir moralės krizę. Šekspyro herojai – mąstančios, jaučiančios ir kenčiančios asmenybės, patiriančios gyvenimo orientacijos praradimą ir pasaulis negali padėti jiems atsidurti.

1. ĮVADAS

„Renesansas“ (Renesansas) yra architekto, tapytojo ir istoriko Giorgio Vasari sukurtas terminas, nusakantis epochą, kai kultūrinis judėjimas buvo raginamas atgaivinti senovę ir atverti Vakarų kultūros raidos perspektyvas. Viduramžių era buvo vertinama kaip lūžis kultūrų raidoje, tai buvo barbarizmo ir nežinojimo laikotarpis. Atgimimas kilo Italijoje ir pirmiausia buvo susijęs su buržuazinių santykių atsiradimu feodalinėje visuomenėje, o dėl to - naujos pasaulėžiūros atsiradimu. Prasidėjo grįžimas prie užmirštų antikinės kultūros laimėjimų. Visi pokyčiai ryškiausiai pasireiškė meno žmonių kūryboje.

Miestų augimas ir amatų plėtra, pasaulinės prekybos iškilimas, didieji geografiniai XV amžiaus pabaigos ir XVI amžiaus pradžios atradimai pakeitė viduramžių Europos gyvenimą. Miesto kultūra kūrė naujus žmones ir suformavo naują požiūrį į gyvenimą. Atsirado spauda, ​​kuri atvėrė galimybes literatūros ir mokslo kūrinių sklaidai.

Šiuo metu Italijos visuomenė pradeda aktyviai domėtis kultūra. Senovės Graikija ir Roma, ieškoma senovės rašytojų rankraščių. Įvairios visuomenės gyvenimo sritys – menas, filosofija, literatūra, švietimas, mokslas – tampa vis labiau nepriklausomos ir nepriklausomos nuo bažnyčios. Dėmesio centre Renesanso laikais buvo žmogus, todėl šios kultūros nešėjų pasaulėžiūra žymima terminu „humanistinė“ (iš lot. humanitas – žmogiškumas). Italų humanistams pagrindinis dalykas buvo žmogaus dėmesys sau. Jo likimas daugiausia priklauso nuo jo savo rankomis, jis yra Dievo apdovanotas laisva valia.

Renesanso humanistai tikėjo, kad žmoguje tai nėra jo kilmė ar Socialinis statusas, a asmeninės savybės... kaip " idealus žmogus„Pripažinta stipri, talentinga ir visapusiškai išvystyta asmenybė. Pagrindiniu asmens orumu imta laikyti pilietines dorybes. „Žmogus turi būti vertinamas pagal jo savybes, o ne pagal aprangą“, – šmaikščiai sako vienas senovės autorius, – „ar žinai, kodėl jis tau atrodo toks aukštas? Jo kulnų aukštis tave apgauna: cokolis dar ne statula. Išmatuokite žmogų be polių. Leisk jam atidėti savo turtus ir rangą ir pasirodyti prieš tave vienais marškiniais“.

Humanistus įkvėpė antika, kuri jiems buvo žinių šaltinis ir meninės kūrybos pavyzdys. Renesanso menas padėjo šiuolaikinės Europos kultūros pamatus. Visos pagrindinės meno formos – tapyba, grafika, skulptūra, architektūra – labai pasikeitė.

Epochoje Italijos Renesansasįprasta išskirti kelis laikotarpius: protorenesansą (XIII-XIV a. antroji pusė), ankstyvąjį renesansą (XV a.), aukštąjį renesansą (XV pabaiga – XVI a. pirmieji dešimtmečiai), vėlesnį Renesansą (paskutiniai du trečdaliai). XVI amžiuje).

2. VERTYBINIAI RENESANSO MENO PAGRINDAI

Renesansui buvo būdingas grožio, visų pirma žmogaus grožio, kultas. Italų tapyba vaizduoja nuostabius, tobulus žmones.

Menininkai ir skulptoriai savo kūryboje siekė natūralumo, tikroviško pasaulio ir žmogaus poilsio. Nustota naudoti plokštuminį vaizdą, tapyba praturtinta linijine ir oro perspektyva, žmogaus kūno anatomijos ir proporcijų pažinimas, taiklaus piešimo, natūralaus judėjimo problemos.

Žmogaus kūnas, modernūs ir religiniai dalykai tapo meno objektais. Menininkų dėmesys, susidomėjimas vis labiau sutelktas į žmogų ir į viską, kas jį supa. Tačiau str Ankstyvasis renesansas buvo sudėtingas, prieštaringas, ir šis prieštaravimas vedė jį į priekį. Ankstyvojo Renesanso mene kartu su smulkiomis detalėmis nubrėžiama apibendrinto, monumentalaus ir herojiško tobulo žmogaus įvaizdžio sąmonė.

Renesanso epochoje žmogus vėl tampa pagrindine meno tema, o žmogaus kūnas laikomas tobuliausia gamtos forma. Humanistinė Renesanso kultūra persmelkta svajonės apie naują žmogų ir jo naują dvasinis tobulėjimas... Pagrindiniu asmens orumu imta laikyti pilietines dorybes. Teocentrinę sąmonę pradėjo išstumti antropocentrinė. Humanizmo idėjas ryškiausiai ir pilnai įkūnijo menas, kurio pagrindinė tema buvo gražus, harmoningai išsivystęs žmogus, turintis neribotą dvasinę ir kūrybinės galimybės... Renesanso menas persmelktas humanizmo, tikėjimo žmogaus kūrybinėmis galiomis, jo galimybių neribotumu, pažangos triumfu. Figūros tapyboje įgauna apimties ir pastebimą norą, tiesa, perteikti žmogaus kūno anatomiją.

Buržuazinės kultūros ženklai ir naujos pasaulėžiūros atsiradimas ypač ryškiai pasireiškė XV a. Bet, kaip tik todėl, kad formavimasis nauja kultūra, o naujoji pasaulėžiūra nebuvo užbaigta, XV amžius kupinas kūrybinės laisvės, drąsaus drąsumo, susižavėjimo žmogaus individu. Tai humanizmo, tikėjimo beribe proto galia amžius, intelektualizmo era. Realybės suvokimas išbandomas patirtimi, valdomas proto. Štai kodėl tvarkos dvasia tokia būdinga Renesanso menui. Menininkams didelę reikšmę turi anatomija, žmogaus kūno proporcijų mokymas.

Senovė įgauna savarankiškos vertybės prasmę ir vaidina didelis vaidmuo formuojantis pasaulietinei kultūrai. Menui architektūroje tampa būdingi senovinio paprastumo ir harmonijos bruožai. Bibliotekose yra gausi antikvarinių rankraščių kolekcija. Atsiranda muziejai, užpildyti statulomis, senovės architektūros fragmentais. Antikinė Roma atkuriama. Tačiau antikos įtaka yra sluoksniuota ant viduramžių tradicijų ir krikščioniškojo meno, o tai suteikia atgimimo kultūrai kompleksinį pobūdį.

Dailėje – pilietinės pareigos, aukštų moralinių savybių, žygdarbio, harmoningai išsivysčiusio įvaizdžio problemos, stiprios dvasios ir žmogaus herojaus kūnas, sugebėjęs pakilti aukščiau kasdienybės lygio. Aukštojo Renesanso menas vardu atsisako nereikšmingų detalių bendras vaizdas, siekiantis gražiųjų gyvenimo pusių harmonijos. Portretų tapyba išsivystė ir tapo vienu iš svarbių Renesanso laimėjimų. Prestižiškiausia meno rūšis buvo skulptūra, suklestėjusi įsigalėjus barokui. Vėlyvajame Renesanse suvokiant tikrovę buvo mažiau iliuzijų ir daugiau realizmo. Grožio ir harmonijos idealai buvo visapusiškai suvokiami ir net tapo norma, turėjusia įtakos įvairioms kūrybinės veiklos rūšims.

3. ITALIJOS RENESANSAS

Italija XV amžiuje talentingų amatininkų gausa ir meninės kūrybos mastais pranoko visas kitas Europos šalis. Meno pokyčiai pirmiausia atsispindėjo skulptūroje. Meistro Niccolo Pisano darbuose galima atsekti ryškią antikos įtaką. Tačiau naujos eros pradžia siejama su tapytojo Giotto di Bondone (1266? -1337) vardu. Iš jo darbų geriausiai išsilaikiusios Paduvos Capella del Arena freskos apie evangelijos istorijas, kur jau norisi teisingai perteikti žmogaus kūno anatomiją. „Giotto vyras priešinasi likimo smūgiams. Jis pasirengęs ištverti negandas, neprarasdamas širdies, neužkietėjęs prieš žmones. Šis supratimas neprieštaravo viduramžių bažnytinei moralei, bet išugdė žmogų, tvirtino save, suteikė jėgų“.

Vaizduojamojo meno srityje susiformavo kelios mokyklos, turinčios savitų stilistinių bruožų.

3.1. FLORENTINOS MOKYKLA Xv amžiaus

Tik XV amžiuje Italijos architektūroje pradėjo ryškėti naujojo stiliaus bruožai. Filippo Brunelleschi (1377–1446) 1434 m. užbaigė Florencijos katedrą su milžinišku kupolu – gotikiniu 1295 m. pastatu. Palazzo pasaulietinei architektūrai būdingas išorinio tvirtovės neprieinamumo derinys su vidine komforto atmosfera.

Bažnyčių architektūroje išryškėja bažnyčių fasadų apdaila su įvairiaspalviu marmuru, todėl fasadas „dryžuotas“ – būdingas italų renesanso bruožas.

Naujoji skulptūra gimė 1401 m., kai buvo surengtas konkursas Florencijos katedros krikšto kameros durims papuošti. Skulptorius, kuriam teko spręsti Europos plastikos – apvaliosios skulptūros, paminklo – problemas, buvo Donato di Niccolo di Betto Bardi (1386? -1466). Jo dailėje pastebimi ir gotikiniai prisiminimai. Donatello pagal senovėje sukurtus, bet viduramžiais užmirštus plastiškumo dėsnius sprendžia augančios žmogaus figūros inscenizavimo problemą. Donatello įvykdyta Šv. Jurgio statula įkūnija ankstyvojo Renesanso idealą: savimonės ir pasitikėjimo šiuo įvaizdžiu jausmą pabrėžia laisva, rami, koloną primenančios figūros poza. Tai „ne sužmogintas senovės dievas, o sudievintas naujos eros žmogus“ (N. Puninas).

Donatello taip pat turi garbės sukurti pirmąjį jojimo paminklą Renesanso laikais. Tai yra jojimo statula Condottiere Erasmo di Narni Paduvoje.

Pasitelkęs geriausias viduramžių meno tradicijas, studijavęs antikinę plastiką, Donatello atėjo pas savąjį savo sprendimus, gilaus žmogiškumo ir tikrojo realizmo vaizdiniams, paaiškinantiems didžiulę jo įtaką visai vėlesnei Europos skulptūrai.

Pagrindinis vaidmuo Florencijos ankstyvojo Renesanso tapyboje teko Tommaso di Giovanni di Simone Cassan Guidi, žinomam Masaccio vardu (1401–1428). Jis išsprendė anksčiau Giotto iškeltas tapybos meno problemas. Masaccio pasirodė esąs menininkas, kuriam buvo aišku, kaip išdėstyti figūras erdvėje, kaip jas susieti tarpusavyje ir su kraštovaizdžiu, kokie yra žmogaus kūno anatomijos dėsniai. Jis išsprendė pagrindines Renesanso problemas – linijinę ir oro perspektyvą.

Renesansas ar Renesansas mums padovanojo daug puikių meno kūrinių. Tai buvo palankus laikotarpis kūrybiškumui vystytis. Daugelio didžių menininkų vardai yra susiję su Renesansu. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio – tai tik keli to meto kūrėjų vardai.

Su šiuo laikotarpiu siejamas naujų stilių ir tapybos atsiradimas. Žmogaus kūno vaizdavimo metodas tapo beveik moksliškas. Menininkai siekia realybės – dirba iki smulkmenų. Žmonės ir įvykiai to meto paveiksluose atrodo itin tikroviškai.

Istorikai Renesanso epochoje išskiria keletą tapybos raidos periodų.

Gotika – 1200 m... Populiarus stilius teisme. Jis išsiskyrė pompastika, pretenzingumu, perdėta spalva. Naudojamas kaip dažai. Paveikslai buvo altorių temomis. Žymiausi šios krypties atstovai – italų menininkai Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Prorenesansas – 1300 m... Šiuo metu tapyboje vyksta papročių pertvarka. Religinės temos pasitraukia į antrą planą, o pasaulietinės įgauna vis didesnį populiarumą. Paveikslas užima ikonos vietą. Žmonės vaizduojami realistiškiau, menininkams tampa svarbios veido išraiškos, gestai. Atsiranda naujas vaizduojamojo meno žanras -. Šio laiko atstovai yra Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Ankstyvasis Renesansas – 1400 m... Nereliginės tapybos žydėjimas. Net veidai ant piktogramų tampa gyvesni – jie įgyja žmogaus bruožai veidai. Ankstesnių laikotarpių menininkai bandė tapyti peizažus, tačiau jie tarnavo tik kaip pagrindinio įvaizdžio papildymas, fonas. Ankstyvojo Renesanso laikotarpiu tampa savarankišku žanru. Portretas toliau tobulėja. Mokslininkai atranda linijinės perspektyvos dėsnį, o menininkai kuria savo paveikslus remdamiesi tuo. Jų drobėse galima pamatyti teisingą trimatę erdvę. Ryškiausi šio laikotarpio atstovai – Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Aukštasis Renesansas – aukso amžius... Menininkų žvilgsnis tampa dar platesnis – jų interesai nusidriekia į Kosmoso erdvę, jie žmogų laiko visatos centru.

Šiuo metu pasirodė Renesanso „titanai“ - Leonardo Da Vinci, Mikelandželas, Ticianas, Raphaelis Santi ir kiti. Tai žmonės, kurių pomėgiai neapsiribojo tapyba. Jų žinios išsiplėtė kur kas toliau. Ryškiausias atstovas buvo Leonardo Da Vinci, kuris buvo ne tik puikus tapytojas, bet ir mokslininkas, skulptorius, dramaturgas. Tapyboje jis sukūrė fantastiškas technikas, tokias kaip „glotnoji“ – miglos iliuzija, kuria buvo sukurta garsioji „La Gioconda“.

Leonardas da Vinčis

Vėlyvasis Renesansas- Renesanso išnykimas (XVIII a. vidurys, 1600 m. pabaiga). Šis laikas siejamas su permainomis, religine krize. Žydėjimas baigiasi, linijos ant drobių tampa nervingesnės, išnyksta individualizmas. Minia vis labiau tampa paveikslų įvaizdžiu. To meto talentingi kūriniai priklauso Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto plunksnai.

Paolo Veronese

Italija pasauliui davė daugiausiai talentingi menininkai Renesansas, jie dažniausiai minimi tapybos istorijoje. Tuo tarpu kitose šalyse šiuo laikotarpiu vystėsi ir tapyba, kuri turėjo įtakos šio meno raidai. Kitų šalių tapyba šiuo laikotarpiu vadinama Šiaurės renesansu.

Atgimimas arba Renesansas (italų Rinascimento, prancūzų renesansas) - restauravimas, senovės švietimas, atgimimas klasikinė literatūra, menas, filosofija, idealai senovės pasaulis iškraipoma arba pamiršta į „tamsų“ ir „atgal“. Vakarų Europa viduramžių laikotarpis. Būtent tokią formą kultūrinis judėjimas, žinomas kaip humanizmas, įgavo nuo XIV a. vidurio iki XVI amžiaus pradžios (žr. santrauką ir straipsnius apie tai). Reikia skirti humanizmą nuo Renesanso, kuris yra tik būdingas humanizmo bruožas, kuris savo pasaulėžiūrai atramos ieškojo klasikinėje antikoje. Renesanso gimtinė yra Italija, kur senoji klasikinė (graikų-romėnų) tradicija, kuri italams turėjo nacionalinį pobūdį, niekada neišblėso. Italijoje viduramžių priespauda niekada nebuvo jaučiama itin stipriai. Italai save vadino „lotynais“ ir laikė save senovės romėnų palikuonimis. Nepaisant to, kad pradinis Renesanso impulsas iš dalies atėjo iš Bizantijos, Bizantijos graikų dalyvavimas jame buvo nereikšmingas.

Renesansas. Vaizdo įrašas

Prancūzijoje ir Vokietijoje antikinis stilius maišėsi su tautiniais elementais, kurie pirmuoju Renesanso laikotarpiu, ankstyvuoju Renesansu, veikė aštriau nei vėlesniais laikais. Vėlyvasis Renesansas senovinius pavyzdžius išplėtojo į prabangesnes ir galingesnes formas, iš kurių palaipsniui išsivystė barokas. Jei Italijoje Renesanso dvasia beveik vienodai skverbėsi į visus menus, kitose šalyse antikvariniai pavyzdžiai buvo paveikti tik architektūra ir skulptūra. Renesansas taip pat buvo nacionaliniu būdu apdorotas Nyderlanduose, Anglijoje ir Ispanijoje. Po to, kai Renesansas išsigimė į rokoko, atėjo reakcija, išreikšta griežčiausiu jos laikymusi antikvarinis menas, graikų ir romėnų pavyzdžiai visu savo primityviu grynumu. Tačiau ši imitacija (ypač Vokietijoje) galiausiai sukėlė per didelį sausumą, kuris XIX amžiaus 60-ųjų pradžioje. bandė įveikti grįždamas į Renesansą. Tačiau šis naujas Renesanso viešpatavimas architektūroje ir mene tęsėsi tik iki 1880 m. Nuo to laiko šalia jo vėl pradėjo klestėti barokas ir rokoko.