XVII secolo. Si è rivelato incredibilmente favorevole per lo sviluppo cultura artistica. È diventato non solo un secolo di scienza, ma anche un secolo d'arte. È vero, tenendo conto della circostanza che è iniziata la fioritura del saggio della scienza, mentre l'arte ha già raggiunto il suo apogeo. Tuttavia, il cielo è ancora chiaro e senza nuvole. Il suo prestigio nella società è estremamente alto. Secondo il numero di grandi artisti del XVII secolo, a quanto pare, supera tutti gli altri, incluso il risveglio. Inoltre, se nell'era del Rinascimento, l'Italia nel campo dell'arte non conosce uguale, poi nel XVII secolo. L'arte sta vivendo un aumento di tutti paesi europeiah, e la Francia ora sembra preferibile.

Come altre aree della cultura, l'arte ha sperimentato gli effetti della differenziazione. Il suo isolato sta diventando più sollievo e distinto. Anche la connessione con la religione è notevolmente indebolita. Di conseguenza, i terreni religiosi e mitologici si stanno sbarazzando di eccessiva patetica, piena di vitalità profonda e naturalezza.

Un'altra conseguenza della differenziazione è che le personalità universali caratteristiche dell'era scompaiono tra gli artisti. Non c'era solo un artista brillante, ma anche un grande scienziato, un pensatore, inventore. Lascia che sia almeno, ma lo stesso si può dire su L. Alberti, F. Bruneland. Piero della Francesca, F. Rabl, ecc. Ora tali figure su larga scala diventano rare. Allo stesso tempo, c'è un aumento del principio soggettivo nell'art. Si manifesta nel crescente numero di individualità luminose, in una maggiore libertà creativa e coraggio, latitudine dell'occhiata alle cose.

L'arte interna è anche un processo di differenziazione, i generi esistenti cambiano e nuovi. NEL Pittura I generi completamente indipendenti diventano un paesaggio e un ritratto in cui lo psicologo ha migliorato. Natura morta sorgono e immagine degli animali. Il valore dell'originale è in aumento soluzioni composite, colori, dipinti, colore.

NEL musica Opera nasce. Il creatore di questo genere è compositore italiano K. Monteverdi (1567-1643), Scrittura di Opera "Orpheus", che è stato inserito 1607 G. E è diventato un vero capolavoro opera d'arte. La musica in lei per la prima volta non completa solo le poesie, ma è il principale recitazioneEsprimere il significato di tutto ciò che accade sul palco. Oltre all'opera nella musica, è sorto Cantata e Oratori.

Gli stili principali dell'arte del XVII secolo. Il barocco e il classicismo vengono eseguiti. Alcuni storici dell'arte ritengono che allo stesso tempo il realismo sorge come uno stile speciale nell'arte, ma questo punto di vista è contestato, sebbene sia riconosciuta l'esistenza di una tendenza realistica.

Barocco

Barocco Sorge alla fine del XVI secolo. in Italia. La parola "barocco" significa "strana", "pittoresca". Per lo stile barocco, la dinamica delle immagini, della tensione, della luminosità, dell'eleganza, del contrasto, del desiderio di grandezza, parata e pompa, alla sintesi delle arti, una combinazione di realtà e illusione, maggiore emotività e sensualità. Barocco era lo stile dell'élite aristocratica della società feudale in uscita, lo stile della cultura cattolica.

Il luminoso rappresentante del barocco italiano è l'architetto romano, scultore e pittore L. Bernini (1598-1680). Nel suo lavoro, le caratteristiche più caratteristiche dello stile sono state incarnate - e forti e deboli. Molte delle sue opere erano focalizzate sul monumento principale della Roma cattolica - la cattedrale di San Peter. Sotto la sua cupola, costruita da Great Michelangelo, una grande struttura decorativa monumentale è torna - metro di trenta metri, e nell'altare - un ugualmente magnifico dipartimento di marmo di Pietro, decorato con oro e figure raffiguranti angeli e Amurov, i padri della Chiesa e santi.

Una creazione ancora più maestosa di Bernini era un Grand Colonnato, composto da 284 colonne situate in quattro file e incorniciate una zona enorme di fronte alla cattedrale di San Peter. Le opere scultoree più significative di Bernini sono considerate "Apollo e Daphne" e "Ecstasy of St. Teresa. "

La figura più famosa del barocco europeo è artista fiammingo P. Rubens (1577-1640). Può essere chiamato una persona versatile con piena destra, che non è inferiore ai titani del Rinascimento. Era vicino agli umanisti, appassionato dei classici dell'antichità - Plutarch. Senekoy, Horacie, conosceva sei lingue, incluso latino. Rubens non era uno scienziato e un inventore, ma si occupava dei problemi dell'astronomia e dell'archeologia, ha mostrato interesse per l'orologio senza un meccanismo, all'idea di un movimento eterno, seguì nuovi prodotti in filosofia, comprendendo il senso in politica e attivamente partecipato a esso. Soprattutto ha amato la vita umana stessa.

Rubens ha incarnato l'impegno dell'umanesimo nel suo lavoro. È diventato un grande poeta di vita pieno di felicità, piacere e del lirismo. Rimane un cantante insuperabile di carne umana - maschile e soprattutto femminile, bellezza sensuale del corpo umano. Solo rubine potevano con tale coraggio e amore per trasmettere il fascino della carne stessa, il suo delicato calore, il carburante morbido. Riuscì a dimostrare che la carne potrebbe essere bella, non possedere una forma eccellente.

Uno degli argomenti centrali della sua creatività è una donna, amore e bambino come un frutto naturale e meraviglioso dell'amore. Questo lato della sua creatività può essere visto e sentirsi in tali dipinti come "Venere e Adonis". "Giunone e Argus", "Perseo e Andromeda", "Virsavia".

Essere in Italia, Rubens ha passato un bene scuola d'arte. Tuttavia, il suo temperamento fiammingo non è stato ricevuto da grandi italiani. È noto che i maestri italiani preferivano l'equilibrio, la calma e l'armonia, che hanno permesso loro di creare la bellezza eterna. Rubens rompe tutto questo a favore del movimento. Le figure umane rappresentate da loro sono spesso ricordate da una primavera compressa, pronta ad aprire all'istante. A questo proposito, è più vicino a tutti Michelangelo, le cui sculture sono piene di tensione e movimento interni. Le sue opere sono anche piene di rapido dinamismo. Tale, in particolare, sono la "battaglia di Amazons", "Abduzione delle figlie di Levkippa", "Hunt di Leopoli", "Caccia per un cinghiale".

Nelle opere di rubine, il colore e la pittura prevalgono sul disegno. Qui Titian serve come esempio. Ai rubini non piacciono i contorni troppo chiari. Sembra separare la materia dalla forma, rendendolo libero, vivo e carnale. Per quanto riguarda il colore, l'artista preferisce tonalità luminose, pulite e ricche piene di energia vitale sana. Non cerca non tanto per la loro armonia, quanto per orchestrazione, alla creazione della sinfonia di colore. Le rubine sono giustamente chiamata il grande compositore di colori.

Classicismo

Patria Classicismo La Francia è diventata. Se Baroque dà la preferenza ai sentimenti, allora il classicismo riposa a mente. L'arte antica è la norma più alta e un modello ideale per questo. I suoi principi principali sono chiarezza, ordine, sequenza logica, armonia e armonia.

Secondo il classicismo, il soggetto dell'arte dovrebbe essere sublime e bello, eroico e nobile. L'arte è lasciata per esprimere alti ideali morali, cantando la bellezza e la ricchezza spirituale di una persona, glorificano la celebrazione di un debito consapevole rispetto agli elementi dei sentimenti. Il giudice dell'arte non è solo il gusto, ma anche la mente.

Il classicismo condivide le principali disposizioni del razionalismo e soprattutto l'idea di un dispositivo ragionevole del mondo. Tuttavia, nella comprensione del rapporto tra uomo e natura, dissipato con lui, continuando la linea di umanesimo rinascimentale e considerando che queste relazioni dovrebbero essere basate sui principi del consenso e dell'armonia, e non la dominazione e la subordinazione. In particolare, questo vale per l'arte, uno dei cui compiti è di cantare l'armonia di una persona con una natura eccellente.

Il fondatore e la figura principale del classicismo in Pitturaè un artista francese N. Poussin (1594-1665). Nel suo lavoro, si basa completamente sul razionalismo R. Descarte, considerando che la sensazione è sempre parzialmente e unilateralmente, e solo la mente può coprire il soggetto in modo completo e in tutta la sua complessità. Pertanto, tutto dovrebbe essere giudicato su tutto.

Poussin ha trascorso quasi tutta la sua vita in Italia, ma questo non gli ha impedito di diventare un artista veramente francese che ha creato una delle direzioni oculari nell'arte, esistente fino ai giorni nostri. Di maestri italiani Rafael ha avuto la più grande influenza su di lui. Le opere dei quali sono campioni ideali della perfezione completata, così come Tiziano, che ha tutti gli artisti successivi prendono le lezioni di pittura pura.

Sebbene Poussin dà la preferenza alla mente, la sua arte non può essere chiamata secca, fredda e razionale. Lo stesso rileva che lo scopo dell'arte è il piacere che tutti gli sforzi dell'artista siano finalizzati a deliziare il piacere dell'estetica spettatore. Le sue opere contengono già due elementi principali dell'arte quando diventa un fenomeno piuttosto indipendente e autosufficiente.

Uno di questi è associato a una plastica creata da puro mezzi artistici e pittoreschi, una combinazione di linee e colori, che costituisce una fonte di piacere speciale ed estetico. Il secondo è associato all'espressione, espressiva, con l'aiuto di cui l'artista colpisce lo spettatore e provoca lo stato dell'anima che si stava vivendo.

La presenza di questi due ha iniziato consente a Pusssin di combinare intelligenza e sentimento. Il primato della mente è combinato con amore con amore per la carne e la sensualità. Questo è evidenziato dai suoi dipinti "Venere e Adonis", "Sleeping Venus", "Vakhanalia", e altri, dove vediamo la persona perfetta dal corpo e dallo Spirito.

Nel periodo iniziale della creatività, Poussin ha prevalso la tela per argomenti storici e religiosi e mitologici. Sono dedicati a opere tali come "abduzione di sabinokanok", "prendendo

Gerusalemme "," Shepherds Arkadian ". Poi acceso primo piano Venendo il tema dell'armonia dell'uomo e della natura. È rappresentato nei dipinti "Triumph Flora", "Paesaggio con un Polyfem", "Paesaggio con Orfeps ed Euridic" e altri. La natura agisce non solo un luogo di residenza di una persona. Un consenso sensuale profondo è stabilito tra loro, una certa comunità di anime, formano un intero intero. Poussin ha creato vere sinfonie di uomo e natura.

NEL l'anno scorso La vita L'artista dà a tutta la sua attenzione a cantare la natura. Crea una serie poetica "Seasons".

Classicismo in architettura Ha trovato la sua perfetta forma di realizzazione nel Palazzo di Versailles, costruito dalla volontà del re francese Luigi XIV. Questo Grand Ensemble comprende tre maestosi palazzi e un enorme parco con piscine, fontane e sculture. L'ensemble si distingue per layout rigoroso, la geometria del vicolo del parco, la lente di sculture, alberi tagliati e cespugli.

Realismo

Tendenza realistica Nell'arte del XVII secolo. rappresenta principalmente un artista olandese Rembrandt. (1606-1669). Le origini di questa tendenza sono nel lavoro del pittore italiano Caravaggio (1573-1610), che ha avuto una grande influenza su molti artisti.

L'arte di Rembrandt in qualche modo occupa la posizione centrale tra barocco e classicismo. Nelle sue opere, è possibile rilevare le caratteristiche di questi due stili, ma senza alcun estremo inerente a ciascuno di essi. In particolare, il suo famoso "Dana" sembra molto sensuale e carnale, ma non a tale misura, poiché le rubine si sarebbero eseguite. Lo stesso con il classicismo. Alcune delle sue caratteristiche sono presenti nelle opere di Rembrandt, ma non hanno bellezza pulite e idealizzate, non c'è niente di maestoso ed eroico. Non ci sono ancoraggi, ecc. In loro, tutto è più vicino alla Terra, tutto è molto più facile, naturalmente, veritiero, vita.

Tuttavia, soprattutto la originalità dell'arte di Rembrandt è ancora nell'altro. È che grazie a lui pittura europea C'era una nuova direzione - Psicologo. Rembrandt ha risposto per la prima volta a un noto fascino di Socrate: "Conosci te stesso". Tirò gli occhi dentro se stesso, e aprì un enorme e sconosciuto mondo interiore, commisurato con un universo infinito. Il soggetto della sua arte sta diventando una ricchezza inesauribile di una vita spirituale umana.

Rembrandt sembra essere sbirciata e ascoltava senza fine stati psicologici, manifestazioni inesauribili di un personaggio umano individuale. Quindi tale abbondanza di non solo ritratti, ma anche autoritratti, in cui si ritrae in diversi periodi di vita - nella gioventù e nella vecchiaia, in diversi stati - pieno di vitalità e dopo malattia. Nelle sue opere, il ritratto non solo diventa un genere indipendente, ma raggiunge anche altezze senza precedenti. Tutta la sua creatività può essere chiamata art. Ritratto.

Tale svolta è in gran parte dovuta al fatto che Rembrandt - a differenza dei cattolici di Rubens e Poussin - era un protestante. Prima dell'aspetto del protestantesimo, una persona non ha cercato di separarsi consapevolmente dagli altri. Al contrario, non si è pensato fuori dalla comunità collettiva. Nell'antichità, tale comunità è stata sostenuta da norme politiche e morali. Nel Medioevo, il cristianesimo ha rafforzato le prime basi della Comunità della Fede.

Il protestantesimo ha violato questa tradizione, mettendo la responsabilità principale del destino di una persona su di lui stesso. Ora la situazione della salvezza è diventata principalmente la questione personale di ogni individuo. Nella coscienza dell'uomo occidentale c'era un profondo cambiamento, e Rembrandt ha pensato per la prima volta i cambiamenti che avevano avuto luogo, gli hanno espresso nella loro arte.

Sulla stretta attenzione ai segreti del tuo vita internaLa ricerca delle tue verità personali dicono molte opere del periodo iniziale della creatività di Rembrandt, e soprattutto i suoi autoritratti. Ciò è anche evidenziato da tali immagini come "Apostolo Paolo in Doktnica", "Cristo a Emmaus", ecc., Dove le esperienze psicologiche stanno andando alla ribalta, pensando al significato della vita ed essere. NEL periodo maturo E soprattutto dopo il famoso "Visione notturna"queste tendenze sono ulteriormente migliorate. In particolare, si manifestano nelle tele "ritratto di un vecchio in rosso", "ritratto di una vecchia". L'immagine "Sindics" diventa la parte superiore dell'arte di un ritratto di gruppo.

NEL l'ultimo periodo La creatività di Rembrandt è sempre più immersa nel profondo della coscienza umana. Invia un problema completamente nuovo per l'arte europea, il problema della solitudine dell'uomo. Un esempio di questo può servire come i suoi dipinti "filosofo", "il ritorno del figlio prodigo".

Differenze barocche dal classicismo.

Nell'era del classicismo, che seguì l'epoca barocca, il ruolo della polifonia polifonica è diminuita e è uscito per la prima volta omofono polifonia
(dal greco. "Homos" - "uno" e "sfondo" - "suono", "voce")

a differenza di polifonia dove tutte le voci sono uguali, in omofono polifoniaspicca uno, Eseguita argomento principale, e il resto svolge un ruolo accompagnamento(Manutenzione). L'accompagnamento è, di regola, il sistema di accordi (armonie). Da qui il nome del nuovo modo di scrivere musica - homofo armonico.

C'era meno ornamenti nella musica, gioielli. Le opere sono diventate più snelle, nella struttura, specialmente quelle scritte in forma sonatale.

Nell'epoca. barocco Nel prodotto musicale, ciascuna delle parti si è concentrata sull'espressione e sulla divulgazione uno, Luminosamente proibito sentimenti,ciò che è stato risolto dalla presentazione un argomento che è cambiato (vario)durante l'Imperiment, e nell'era classicismoin una parte del lavoro aperto molte emozioniche sono stati espressi dalla presentazione e dallo sviluppo due o più Varie per esempi.

Musica del primo barocco (1600-1654)

Il punto condizionale della transizione tra le epoche del Rinascimento e del barocco può essere considerato lo sviluppo del compositore italiano dell'opera italiana Claudio Monteverdi (1567-1643).

Il compositore è nato nella città italiana di Cremona nella famiglia del dottore. Come un musicista Monteverdi si è sviluppato nella sua giovinezza. Ha scritto e eseguito madrigali; Ha suonato sull'organo, Viola e altri strumenti. La composizione della musica Monteverdi ha studiato compositori al momento in quel momento. Nel 1590, è stato invitato a Mantova come cantante e il musicista alla corte di Duke Vincenzo Gonzhagi; Più tardi è stato diretto cappella della corte. Nel 1612, Monteverdi ha lasciato il servizio a Mantova e dal 1613 si è stabilito a Venezia. In molti modi, grazie a Monteverdi nel 1637, la prima casa dell'Opera pubblica del mondo è stata aperta a Venezia. Lì il compositore ha guidato la cappella della Cattedrale di San Marco. Prima che la morte di Claudio Monteverdi abbia accettato la san spirituale.

Avendo studiato creatività dell'opera Rinascimento Koposzans Per e Kachchini, Monteverdi ha creato le proprie opere d'opera. Già nella prima opere - "Orpheus" (1607) e Ariadne (1608) - il compositore è riuscito a trasmettere sentimenti profondi e appassionati con mezzi musicali, creare un effetto drammatico stress. Monteverdi è l'autore di molte opere, ma solo tre sono conservate - "Orpheus", "il ritorno di Ulisse alla madrepatria" (1640; sulla trama dell'antico poema epico greco "Odyssey") e "Coronazione del papavero" ( 1642).

La musica e il testo sono armoniosamente combinati nelle operazioni di Monteverdi. Nel cuore dell'opera - monologo - Recittiv (da esso recitare - "Reclamazione"), in quale dichiaratoogni parola e musica trasmette in modo flessibile le sfumature di umore. I monologi, i dialoghi e gli episodi corali fluiscono uniformi l'uno nell'altro, l'azione si sta sviluppando lentamente (in tre o quattro atti nelle operazioni di Monteverdi), ma dinamicamente. Ruolo importante Il compositore ha preso l'orchestra. In "Orphey", ad esempio, ha usato quasi tutti gli strumenti in quel momento. La musica dell'orchestra non è solo accompagnata da cantare, ma se stessa racconta gli eventi che si svolgono sul palcoscenico e le esperienze dei personaggi. In "Orphey" è apparso per la prima volta overture.(P. Ouverture o lat. Apertura - "Apertura", "Inizio") - adesione strumentale a un importante lavoro musicale. Claudio Monteverdi Operas ha avuto un impatto significativo sui compositori veneziani, gettò le fondamenta della scuola veneziana .

Monteverdi ha scritto non solo opere, ma anche musica spirituale, religioso e pezzi madrigali. È diventato il primo compositore che non ha opposto ai metodi polifonici e omofono - gli episodi del coro delle sue opere includono ricevimenti polifoni.
Nel lavoro di Monteverdi, uno nuovo è collegato con le vecchie tradizioni del Rinascimento.

PER inizio di XVIII. nel. foresta scuola di Opera a Napoli. Caratteristiche di questa scuola - alta attenzione al canto, il ruolo dominante della musica. Era a Napoli che è stato creato stile vocale Belkanto. (It. Bel Canto è "eccellente canto"). Belkanto è famoso per la straordinaria bellezza del suono, della melodiosità e della perfezione tecnica. L'artista in stile Belkantant deve essere in grado di suonare molte sfumature di voce raccolta, così come Virtuoso trasmette numerose, sovrapposte sulle principali sequenze rapide della melodia dei suoni - Colorautura (IT. Coloratura - "Decorazione").

Nel XVIII secolo musica lirica è diventato il principale tipo di arte musicale in Italia, il che è stato utile livello professionale cantanti che hanno studiato in conservatorio (It. Conservatorio, ERR LAT. conservare - "Protezione") - Istituzioni educative che stavano preparando i musicisti. A quel tempo, nei centri dell'opera d'arte italiana - Venezia e Napoli - sono stati creati quattro giardino d'inverno. La popolarità del genere è stata servita e aperta da teatri opera disponibili per tutti i settori della società. Le opere italiane hanno messo nei cinema delle più grandi capitali europee e compositori di Austria, Germania e altri paesi hanno scritto Opera in testi italiani.

La figura significativa del primo periodo barocco, la cui posizione era dalla parte del cattolicesimo, opposta alla crescente influenza ideologica, culturale e pubblica del protestantesimo, era Giovanni Gabrieli (1555-1612). Il suo lavoro appartiene allo stile " Alta rinascita."(Il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo degli strumenti (nominando un determinato strumento per i propri compiti specifici) indicano chiaramente che è stato uno dei compositori che hanno influenzato l'aspetto di un nuovo stile.

Uno dei requisiti imposti dalla Chiesa al lavoro della musica spirituale era testi Nei lavori con la voce erano oRIGROLY.. Ha chiesto il carico dalla polifonia alle tecniche musicali, dove le parole sono andate alla ribalta. Le voci sono diventate più complicate, Vitivat rispetto all'accompagnamento.

La distribuzione di nuove tecniche è un grande contributo di compositore tedesco Heinrich Shzyuz (1585-1672), Studente a Venezia. Questo è il più famoso compositore tedesco a Johanna Sebastian Bach e uno dei più importanti compositori del primo periodo barocco, insieme a D. Gabrieli e K.Montvery. Ha usato nuove tecniche nelle sue opere quando ha servito come Khameister a Dresda.

Musica musicale barocco (1654-1707)

Il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa è spesso chiamato Assolutismo. L'assolutismo ha raggiunto il suo apogeo con il re francese Louis Xiv. Per tutta l'Europa, Louis Louis era un modello di ruolo. Compresa la musica eseguita presso la corte. La maggiore disponibilità di strumenti musicali (era particolarmente correlata alla tastiera) ha dato impeto allo sviluppo camera Musica (da esso. Telecamera - "stanza")Eseguita in piccole stanze oa casa.

Baroque maturo è diverso Dalla prima diffusione diffusa di un nuovo stile polifonico ( lettera gratuita) e divisione intensificata forme musicali, specialmente nell'opera. Come in letteratura, la possibilità di un multi-line stampa lavori musicali ha portato all'espansione del pubblico; Ingerito lo scambio tra i centri della cultura musicale.

Nella teoria della musica matura barocca è determinata concentrando compositori su armonia e tentativi di creare sistemi snelli di formazione musicale.
Negli anni successivi, questo ha portato all'aspetto di un set teorici Lavoro duro e faticoso. Un meraviglioso modello di tali attività può essere il lavoro del periodo del tardo barocco - "Gradus Ad Parnassum" (russo. Passi per Parnassa), pubblicato nel 1725 da Johann Josef Fuchom. (It. Johann Joseph Fux) (1660-1741), teorico austriaco e compositore. Questo saggio sistematizzò la teoria del contrappunto, quasi fino alla fine del XIX secolo, era un beneficio essenziale per studiare il contrappunto.

Un rappresentante eccezionale dei compositori del tribunale del cantiere Louis XIV era Giovanni Battista Lulley (1632-1687). (Jean -Batist). Già a 21 anni, ha ricevuto il titolo di "compositore della corte musica strumento». Lavoro creativo Lully fin dall'inizio era strettamente collegato al teatro. Seguendo il tribunale dell'organizzazione musica da camera E il saggio di "Airs de Cour" (tribunale Aria) ha iniziato a scrivere musica di balletto. Louis Xiv ha ballato in balletti, che sono stati quindi intrattenimento preferito della nobiltà cortesia. Lully era un danzatore eccellente. È stato in grado di partecipare alla produzione, ballare insieme al re. È noto per il suo giunto Lavora con il moliere, sui giochi di cui ha scritto la musica. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully stava ancora scrivendo musica lirica. Sorprendentemente, Lully ha creato un tipo completo di opera francese; cosiddetto in Francia tragedia lirica (Fr. Tragedie Lyrique), e ha raggiunto l'indubbia maturità creativa nei primi anni del suo lavoro presso l'Opera House. Rentramò spesso il contrasto tra il suono maestoso della sezione orchestrale e semplici destinatari e arie. Lingua musicale Governare non è molto complicato, ma certamente nuovo: Chiarezza di armonia, energia ritmica, chiarezza del compartenenza della forma, la purezza della trama parla della vittoria dei principi del pensiero di omofono. In larga misura, il suo successo è stato anche facilitato dalla sua capacità di selezionare i musicisti all'orchestra, e il suo lavoro con loro (lui stesso ha condotto le prove). Un elemento integrale del suo lavoro era attenzione all'armonia e ad uno strumento di risoluzione.

Compositore e violista Arkandgelo Corelli. (1653-1713) è noto per il suo lavoro sullo sviluppo del genere di Confanto Grosso (Concerto Grosso - " grande concerto") . Korelli era uno dei primi compositori le cui opere sono state pubblicate ed eseguite in tutta Europa. Come le composizioni dell'opera della ferrovia, il genere di Concerto Grosso è costruito su un confronto contrastante del suono dei piccoli gruppi solitori dell'orchestra e del suono della piena orchestra. La musica è costruita su transizioni taglienti da parti rumorosamente che suonano in silenziose, i passeggeri veloci sono contrari a rallentare. Tra i seguaci dell'Arkandell Corelli è stato Antonio Vivaldi, che in seguito scriveva centinaia di opere scritte nelle forme preferite di Corelli: trio-sonats e concerti.

NEL Inghilterra Genio brillante marcato maturo marcato Henry Peressella. (1659-1695). Morì i giovani, all'età di 36 anni, scrivendo un gran numero di funziona e diventando ampiamente conosciuto durante la vita. Pörslell ha familiarità con il lavoro di Korelli e altri compositori italiani dell'era barocca. vita breve Purcell ha scritto un sacco di opere vocali, strumentali, musicali e teatrali, il più significativo di quali - opera "Didona e Eney" (1689). Questo è il primo inglese opera nazionale. È stata ordinata da un insegnante di danza da una guest house per nobili fanciulle. La natura privata dell'ordine ha influenzato la comparsa del lavoro: a differenza delle monumentali opere di Monteverdi o Lulley, la scrittura di Peressella quasi di dimensioni, l'azione si sta sviluppando rapidamente. L'Opera Libretto (Autore Nicholas Tate) è stata scritta sui motivi dell'Eroic Epic "Eneida" del poeta romano Virgilio.

Virgia è uno dei difensori di Troy - Eney dopo che la caduta della città va in Western. La tempesta unghie la sua nave alle rive dell'Africa; Qui incontra con Didon, Queen Cartagine. Didona amava Eney e quando l'eroe della distruzione degli dei la lasciò, privava la vita. A Opere Pörsella, il messaggero, separato da eroi, non sono dei, ma le streghe della foresta (personaggi popolari del folklore inglese). Eney ha preso una bufala per il dovere sacro agli dei e distrutto il più prezioso - amore.

Caratteristica distintiva della creatività di Peresella - armonia. Il compositore possedeva un dono straordinario per creare melodie perfette - calma, maestosa e immacolata in forma. Dopo Henry Pörsella nella musica inglese fino al XX secolo. È improbabile che tu possa chiamare come artigiani luminosi.

A differenza dei compositori sopra riportati Dietrich Buxthehude (1637-1707) Non era un compositore da corte. Buchwood ha lavorato organistaPrimo, a Helsingborg (1657-1658), poi a Elsinor (1660-1668), e poi, a partire dal 1668, nella Chiesa di San Maria a Lübeck. Non ha guadagnato la pubblicazione delle sue opere, ma la loro esecuzione, e il patrocinio della nobiltà preferiva la composizione della musica sui testi della Chiesa e l'esecuzione delle proprie composizioni di organi. La composizione per il corpo si è distinta per la ricchezza della fantasia , l'abbondanza di confronti imprevisti e colorati, purtroppo il dramma profondo, non tutti i lavori sono stati conservati di questo compositore. La musica della stazione del pennello è in gran parte costruita sulla scala delle idee, della ricchezza e della libertà di fantasia, tendenza a patetico, drammatismo, diverse intoniazioni orari. La sua creatività ha avuto una forte influenza su tali compositori come I. S. Bach e G.F.Tel.

Musica in ritardo barocco (1707-1760)

La linea esatta tra maturo e tardo barocco è un argomento di discussione; Lei mente da qualche parte tra 1680 e 1720. In un considerevole grado di difficoltà, la sua definizione è il fatto che paesi diversi Gli stili sono cambiati incumbronar; Le innovazioni già adottate come regola in un posto erano nell'altra con reperti freschi. ItaliaGrazie ad Arkandgelo. Korelli. E i suoi discepoli Francesco Geminiani e Pietro Locatelli diventano il primo paese in cui baroque si muove da maturo nel periodo in ritardo. Milestone importante può essere considerata quasi assoluta la maggior parte della tonalitàcome un principio di strutturazione della musica da scrittura. Questo è particolarmente evidente in lavori teorici Jean Philip Ramo, che ha preso il posto del Lully come il principale compositore francese. Allo stesso tempo, l'emergere del lavoro capitale di Johann Josef fuchsa "grado inferno Parnassum" (1725), dedicato alla rigida polifonia di stile, testimoniata alla presenza nella musica due Stili vincenti - omofono-armonico e polifonico.

Formescoperto dal periodo precedente raggiunto la maturità e grande variabilità; Concerto, Suite, Sonata, Confrato Grosso, Oratoria, Opera e Balletto non avevano più nettamente pronunciato caratteristiche nazionali. Universalmente stabilito schemi generalmente accettati di opere: un dente grafico ripetitivo (AABB), una semplice tre parte (ABC) e Rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - Compositore italiano, nato a Venezia.
Nel 1703 accettava San prete cattolico. Il 1 ° dicembre dello stesso anno, diventa Maestro di Violino nel rifugio orfano veneziano "Pio Ospedale della Pieta" per le ragazze. La fama di Vivaldi non ha portato discorsi a concerti o comunicazioni al cortile, ma la pubblicazione del suo lavoro, che comprendeva i suoi trio-sonati, ili sonats e concerti. Sono stati pubblicati ad Amsterdam e diffuso su Europa. È in questi generi strumentaliA quel tempo, ancora in via di sviluppo, (sonata barocca e concerto barocco), Vivaldi e ha fatto il loro contributo più significativo. La musica Wivaldi è caratteristica certe tecniche: Forma ciclica a tre pagine per Concho Grosso e l'uso di Rhurneli in parti rapide. Vivaldi ha composto più di 500 concerti. Ha anche dato i nomi dei programmi ad alcuni dei suoi lavori, come le famose "stagioni". La carriera Vivaldi mostra una maggiore opportunità per il compositore di esistere indipendentemente: sul reddito da attività di concerti e pubblicazione dei loro scritti.

Domenico Scarlatti. (1685-1757) era uno dei principali compositori e artisti di tastiera del suo tempo. Ha iniziato la sua carriera come compositore di corte; Inizialmente in Portogallo, e dal 1733 a Madrid, dove ha trascorso il resto della sua vita. Suo padre Alessandro Scarlatti è considerato il fondatore della scuola opera napoletana. Domenico ha anche composto opere e musica della Chiesa, ma la fama (già dopo la sua morte) è stata fornita a lui lavori per tastiere. Parte di queste opere ha scritto per il proprio piacere, parte - per i suoi nobili clienti.

Il compositore del tribunale più famoso dell'era barocco è diventato Georg Friedrich Handel. (1685-1759). È nato in Germania, ha studiato in Italia per tre anni, ma nel 1711 a sinistra a sinistra, dove ha iniziato il suo brillante e commerciale carriera di successo Un compositore operatore indipendente che esegue ordini per la nobiltà. Avere energia instancabile, Handel riciclato il materiale degli altri compositori e costantemente rielaborato I tuoi saggi. Ad esempio, è famoso per rielaborato il famoso Oratoria "Messiah" tutte le volte che ora non c'è versione che può essere chiamata iniziale. Nonostante il fatto che le sue condizioni finanziarie siano state migliorate, è stato in declino, la sua fama basata su opere pubblicate per tastiera, musica cerimoniale, operazioni, Concesso Grosso e Oratoriors è aumentato. Dopo la morte, è stato riconosciuto come il principale compositore europeo e fu studiato dai musicisti dell'epoca del classicismo. Per la sua vita, ha scritto Handel 50 Opera (Almira "Agrippina," Rinaldo "," Julius Caesar "e altri), 23 Oratoria ("Messia", "Samson", "Giuda Makov", "Ercole"), innumerevoli choroni della chiesa, concerti di organi e numerosi lavori di intrattenimento ("musica sull'acqua", "musica per i fuochi d'artificio reale").

Uno di i più grandi compositori Era barocco - Johann Sebastian Bach Nato
21 marzo 1685 nella città di Eisenakh, in Germania. Per la sua vita, ha composto più di 1000 opere in generi diversi, oltre all'opera. Ma durante la sua vita, non ha raggiunto alcun successo significativo. Molte volte in movimento, Bach ha sostituito una posizione non troppo alta per l'altra: a Weimar, era un musicista del tribunale a Weimar Duke Johanna Ernst, divenne un custode nella Chiesa di Sant'Anno Bonifacea ad Arnstadt, dopo alcuni anni ha preso la posizione di un organista nella Chiesa di San Mussea a Mülhausen, dove ha lavorato solo circa un anno, dopo di che è tornato a Weimar, dove prese il posto dell'organista della corte e l'organizzatore di concerti. In questa posizione è stato ritardato per nove anni. Nel 1717, Leopold, Duke Anhalt-Kotensky, assunse Baha fino alla posizione di Kapelmeister, e Bach ha iniziato a vivere e lavorare a Koten. Nel 1723, Bach si è trasferito a Lipsia, dove è rimasto fino alla sua morte nel 1750.

I.S. Bach sapeva in Germania in Germania come compositore, artista, insegnante e padre Bakhov Junior, principalmente Karl Philip Emmanuel. Ma negli ultimi anni di vita, dopo la morte di Bach, la sua fama come compositore cominciò a diminuire: il suo stile era considerato vecchio stile rispetto al fiorente classicismo.

Nel 1802, Johann Nikolay Fintekel ha pubblicato la prima biografia più completa di Johanna Sebastian Bach. Nel 1829, 79 anni dopo la morte di I. S. Baha, Felix Mendelson ha eseguito la Berlino Bakhovsky "Passione in Matteo". Il successo di questo concerto ha risorto interesse per la creatività I. S. Baha e ha causato la comparsa di un enorme interesse per la musica di Baha in Germania, e poi in tutta Europa.

Ora I. S. Bach è uno dei più compositori popolari Tutti i tempi: per esempio, nel voto " Miglior compositore Millennium, "CultureCiosque.com BACH ha avuto il primo posto.

Classicismo (da Lat. Classicusus - Exemprary) - stile artistico e direzione nell'arte Europa XVII. - Secoli XIX. Si basa sulle idee del razionalismo, l'obiettivo principale del quale illuminare il pubblico sulla base di un certo ideale, campione, che simile a. Come un tale esempio, la cultura del mondo antico servita. Regole, i canoni del classicismo erano di fondamentale importanza; Dovevano essere conformi a tutti gli artisti che creano come parte di questa direzione e stile.

Storia dell'origine

Come direzione, Classicismo copriva tutti i tipi di arte: pittura, musica, letteratura, architettura.

Classicismo, lo scopo principale di illuminare il pubblico sulla base di un certo ideale e conformità con tutti i canoni generalmente accettati è completamente il contrario, che ha negato tutte le regole ed è stato un rimbalzo contro qualsiasi tradizione artistica in qualsiasi direzione.

Nel suo sviluppo, il classicismo ha superato 3 tappe:

1. Primo classicismo (1760s - l'inizio del 1780);
2. Rigoroso classicismo (1780 - 1790 °);
3. Tardo classicismo, chiamato il nome (i primi 30 anni del XIX secolo).

La foto presenta un arco trionfale a Parigi - un vivido esempio di classicismo.

Stili

Il classicismo è caratterizzato da chiaro forme geometriche, materiali di alta qualità, finitura nobile e moderazione. Maestà e armonia, grazia e lusso sono le principali caratteristiche distintive del classicismo. Più tardi furono visualizzati negli interni nello stile del minimalismo.

Caratteristiche generali di stile:

• pareti lisce con motivi floreali morbidi;
• elementi dell'antichità: palazzi e colonne;
• stucco;
• parquet gourmet;
• sfondi in tessuto sulle pareti;
• mobili eleganti e aggraziati.

Una caratteristica dello stile classico russo è diventato calmo forme rettangolari, trattenute e allo stesso tempo diversi design decorativi, proporzioni verificate, una visione degna, armonia e gusto.

Esterno

I segni esterni di architettura classica sono pronunciati, possono essere rivelati al primo occhio sull'edificio.

• Costruzioni: Forma sostenibile, massiccia, rettangolare e ad arco. Le composizioni sono chiaramente pianificate, viene osservata una severa simmetria.
• Forme: Chiara geometria, volume e monumentalità; Statue, colonne, nicchie, rotunda, emisferi, frontoni, fregi.
• Linee:rigoroso; sistema di pianificazione regolare; Bassorilievi, medaglioni, disegno liscio.
• Materiali: Pietra, mattoni, legno, stucco.
• Tetto:forma complessa e intricata.
• Colori prevalenti: Bianco saturo, verde, rosa, viola, celeste blu, dorato.
• Elementi caratteristici: arredamento discreto, colonne, pilastri, ornamento antico, scala in marmo, balconi.
• Finestra: Semicircolare, rettangolare, allungato, decorato modestamente.
• Porte: Rettangolare, Viper, spesso decorato con statue (Lion, Sfinge).
• Decor: Scultura, doratura, bronzo, perla, intarsio.

Interni.

Nell'interno dei locali dell'era del classicismo c'è nobile, moderazione e armonia. Tuttavia, tutti gli articoli interni non sembrano mostre museali, ma sottolineano solo il sottile gusto artistico e il proprietario rispettabile.

La stanza ha la forma giusta, piena di atmosfera di nobiltà, intimità, calore, lusso squisito; Non sovraccaricato con i dettagli.

Posto centrale nella decorazione degli interni è occupato da materiali naturali, legno prezioso, marmo, pietra, seta.

• Soffitti: Leggero alto, spesso multi-livello, con stucco, ornamento.
• Pareti: Decorato con tessuti, luminosi, ma non luminosi, i pilastri e le colonne, lo stucco o la pittura sono possibili.
• Pavimentazione: Parquet da preziose specie di legno (Merbau, Kamshi, Tik, Yatoba) o marmo.
• Illuminazione:lampadari da cristallo, pietra o vetro costoso; Lampadari placcati in oro con plafondi sotto forma di candela.
• Attributi interni obbligatori: Specchi, caminetti, accoglienti sedie a basso contenuto di tè, tavolini a basso tè, tappeti fatti a mano leggera, dipinti con grafici antichi, libri, vasi di pavimento massiccio e stilizzato antichità, vasi di antichità stilizzata, stand tremendi.

I motivi antichi sono spesso usati nella decorazione della stanza: meandri, festos, ghirlande di Lavrova, fili di perle. Per la decorazione, vengono utilizzati tessuti costosi, compresi arazzi, taffetà e velluto.

Mobilia

I mobili del classicismo si distinguono per buona qualità e rispettabilità, fatti di materiali costosi, per lo più dal legno prezioso. È interessante notare che la trama dell'albero appare non solo come materiale, ma anche come elemento decorativo. Articoli per mobili sono realizzati manualmente, decorati con fili, doratura, intarsio, pietre preziose e metalli. Ma la forma è semplice: linee rigorose, chiare proporzioni. Tavoli e sedie della sala da pranzo sono realizzati con eleganti gambe intagliate. I piatti sono porcellane, sottili, quasi trasparenti, con un modello, doratura. Uno degli attributi più importanti dei mobili era considerato un contatore segreto con un corpo cubico a gambe elevate.

Architettura

Classicismo applicato alle basi dell'architettura antica utilizzando non solo elementi e motivi, ma anche modelli nel design. La base del linguaggio architettonico è un ordine con la sua rigorosa simmetria, la proporzionalità della composizione creata, la regolarità della pianificazione e la chiarezza del modulo del volume.

Il classicismo è il completo opposto con i suoi cordoni e eccessi decorativi.

Palazzi non aperti, Garden-Park Ensemble, che divennero la base di un giardino francese con i suoi vicoli raddrizzati rifiniti con prati sotto forma di coni e palle. Dettagli tipici del classicismo - scale accentati, arredamento antico classico, cupola negli edifici pubblici.

La tarda classicismo (AMPIR) acquisisce simboli militari ("Arco trionfale" in Francia). In Russia, Canon stile architettonico Il classicismo può essere chiamato San Pietroburgo, in Europa è Helsinki, Varsavia, Dublino, Edimburgo.

Scultura

Nell'era del classicismo, i monumenti pubblici erano diffusi, personificando il valore militare e la saggezza dei mariti statali. E la soluzione principale per gli scultori era l'immagine dell'immagine delle figure famose nell'immagine degli antichi dei (ad esempio Suvorov - sotto forma di Marte). Tra gli individui è diventato popolare per ordinare scultori monumenti lapidi per perpetuare i loro nomi. In generale, le sculture dell'epoca sono calma intrinseche, moderazione di gesti, incoerenza delle espressioni, purezza delle linee.

Moda

L'interesse per l'antichità in abiti cominciò a manifestarsi negli anni '80 del XVIII secolo. Questo è stato particolarmente manifestato in abito da donna. In Europa, è sorta una nuova bellezza ideale, glorificando forme naturali e linee di belle donne. I migliori tessuti fluidi dei toni della luce sono passati alla moda, specialmente bianchi.

Abiti da donna perduti fotogrammi, pads e gonne inferiori e ha ottenuto la forma della tunica lunga e drappeggiata, tagliata sui lati e la cintura intercettata sotto il seno. Hanno messo il tricon del colore corporale. Sandali con nastri serviti come scarpe. L'acconciatura copiava con l'antichità. La moda rimane ancora nella moda, che coperta la faccia, le mani, la scollatura.

Tra gli accessori, sono stati utilizzati dai Türban di Kisie, decorati con piume, poi sciarpe turche o scialli del Kashmir.

A PARTIRE DAL primo xix. Gli abiti da secolo parata iniziarono a cucire con anelli e scollatura profonda. E negli abiti quotidiani, la scollatura era coperta da un gulo in pizzo. Cambia gradualmente l'acconciatura e la polvere si esaurisce. I capelli alla moda accalcati in riccioli legati da un nastro d'oro o decorato con una corona di fiori.

La moda da uomo era sotto l'influenza degli inglesi.Italiano Sukonny frak, letturate (capispalla, reministering sirtuk), jabn e polsini. È nell'era del classicismo che i legami degli uomini sono inclusi.

Arte

Nella pittura, il classicismo è anche caratterizzato da contenimento e rigore. Gli elementi principali della forma e della leggerezza. Il colore locale enfatizza oggetti e figure in plastica, separa il piano di immagine spaziale. Il più grande master XVII secolo. - Lorren Claude, famoso per i suoi "paesaggi perfetti". Pathos civile e lirico uniti in "Paesaggi decorativi" pittore francese Jacques Louis David (XVIII secolo). Tra gli artisti russi, Carla Bryulllov, che ha combinato il classicismo con (XIX secolo) può essere distinto.

Il classicismo nella musica è associato a nomi così grandi come Mozart, Beethoven e Haydn, che ha determinato l'ulteriore sviluppo dell'arte musicale.

Letteratura

La letteratura dell'era del classicismo ha promosso la mente, vincendo i sentimenti. Il conflitto tra il debito e le passioni è la base della trama del lavoro letterario. Le riforme linguistiche sono state effettuate in molti paesi e le fondamenta dell'arte poetica sono posate. Rappresentanti principali della direzione - Francois Maller, Cornel, Rasin. Il principale principio compositivo del lavoro è l'unità del tempo, del luogo e dell'azione.

In Russia, il classicismo si sviluppa sotto gli auspici dell'epoca dell'illuminazione, le quali le idee principali erano l'uguaglianza e la giustizia. Maggior parte rappresentante luminoso La letteratura dell'epoca del classicismo russo - M. Lomonosov, che ha posato le fondamenta delle poesie. Il genere principale era comico e satira. Fonvizin, Kantemir ha lavorato in questa linea.

"L'età dell'oro" considera l'era del classicismo per arte teatraleche si è sviluppato molto dinamicamente e migliorato. Il teatro era piuttosto professionale, e l'attore sul palcoscenico non era solo giocato, ma viveva, preoccupato, rimanendo allo stesso tempo stesso. Lo stile teatrale è stato proclamato dall'arte della declino.

Personalità

Tra i classisti più luminosi, tali nomi possono anche essere distinti come:

• Jacques-Anj Gabriel, Pirase, Jacques-Germain Suffro, Bazhenov, Karl Rossi, Andrei Voronikhin, (architettura);
• Antonio Kanov, Torvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (scultura);
• Nikola Poussin, Lebrene, Engr (pittura);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhanin, Sumarokov, Chemnitzer (letteratura).

Video Recensione del classicismo

Conclusione

Le idee dell'era classicism sono utilizzate con successo nel design moderno. Conserva la nobiltà ed eleganza, bellezza e grandezza. Le caratteristiche principali sono una pittura murale, un drappo, stucco, mobili in legno naturale. Le decorazioni sono un po ', ma tutte sono lussuose: specchi, dipinti, candelieri massicci. In generale, lo stile e ora caratterizza il proprietario come un rispettabile, lontano da una persona povera.

Più tardi appare anche, che ha segnato l'arrivo di una nuova era. Era la combinazione di diversi stili moderni, che include non solo classico, ma anche barocco (nella pittura), cultura anticae l'era del Rinascimento.

Università dell'Accademia dell'istruzione russa

Caratteristiche del barocco e classicismo.

Gli stili principali dell'arte del XVII secolo.

Eseguito: studente del 2 ° corso

Compartimento a tempo pieno

Studi culturali speciali

Yakubova K.n.

Docente: MAREEVA N.S.

Mosca 2010.

Introduzione ................................................. ................................ ... ... 3

1. Caratteristiche della cultura del XVII secolo ......... ... ............................ ..... ... 4.

2. Barocco come il corso artistico del XVII secolo .............................. ..5

2.1. Prerequisiti e caratteristiche barocche .............................................. ....... 5.

2.2. Barocco in architettura ................................................... .......... ... 6.

2.3. Barocco in letteratura .............................................. ........ .......... 8.

2.4. Barocco in pittura e scultura ............................................. .... 9.

3. Classicismo come un corso artistico del XVII secolo ............... ... ...... ..10

3.1. Prerequisiti e caratteristiche del classicismo ............................................ 10

3.2. Classicismo in letteratura .............................................. .. ... ... ..... 11

3.3. Classicismo in architettura e pittura ....................................... 12

3.4. Classicismo nella scultura ................................................... ......... 13.

Conclusione ................................................. ............................................... 14.

Lista di referenze ............................................... ..................................... 15.

introduzione

Il mio tema prova "Classicismo e barocco in Europa cultura xvii. C.: Idee e incarnazione. " La scelta di questo argomento è dovuta a una serie di motivi:

Primo, barocco e classicismo sono i due flussi artistici più ampi e influenti dell'era in considerazione.

In secondo luogo, queste direzioni sono complesse e dual in natura, il che rende questa questione uno dei più rilevanti nelle conoscenze culturali.

In terzo luogo, barocco e classicismo rappresentano un contributo eccezionale al tesoro dell'arte del mondo, che causa ancora più interesse per le loro conoscenze.

Lo scopo del mio lavoro è quello di studiare tali direzioni nell'arte del XVII secolo come classicismo e barocco.

Per raggiungere l'obiettivo, ho bisogno di risolvere un numero di compiti:

· Considerare i modelli generali di sviluppo della cultura europea del XVII secolo;

· Esplorare le caratteristiche del barocco e del classicismo come i principali flussi artistici del periodo specificato.

1. Caratteristiche della cultura del XVII secolo

XVII secolo - un secolo e pianoforte secolo secolo, Pascal e Spinoza, Rembrandt e Milton, l'età dei coraggiosi navigatori, i rilocazioni ai paesi d'oltremare, il commercio grassetto, il periodo di tiro dei test naturali, la letteratura moralizzante - e ... un secolo di a Parrucca, raggiungendo la più grande pompa negli anni '60, una parrucca che indossava ciascuna - dal re, ad ammiraglio prima del commerciante.

Il XVII secolo non aprirà accidentalmente il periodo della nuova volta: era davvero un secolo di un nuovo uomo, nuova scienza, nuova arte.

In Europa, il nuovo tempo si scopre nella formazione e il rafforzamento delle tendenze capitaliste, e nel capitalismo dell'Inghilterra è più chiaramente approvato in realtà. Lo stesso tempo è il periodo della prima rivoluzione borghese, ha scoperto la tragedia e la disumanità del cambiamento violento nella società e la crudeltà dei suoi organizzatori.

L'approccio razionalistico alla realtà è stato dichiarato e rafforzato, la mente cominciò a svolgere il ruolo principale nel mondo. Questo è stato espresso principalmente nella formazione di una nuova scienza, sia sperimentale che teorica. I risultati scientifici del XVII secolo creano prerequisiti per l'ulteriore sviluppo delle scienze fondamentali fino ai tempi moderni e formano le fondamenta di una nuova vista filosofica sul mondo.

Il XVII secolo è il periodo iniziale della formazione del metodo di produzione borghese. Questo è estremamente complesso e contrario all'epoca nella vita degli stati europei. L'era delle prime rivoluzioni borghese e il periodo di massimo splendore delle monarchie assolutistiche; il tempo della rivoluzione scientifica e la fase finale della controllata; L'era del grande classicismo barocco e asciutto e razionale grande ed espressivo.

2. Barocco come il corso artistico del XVII secolo

2.1. Prerequisiti e caratteristiche barocche

Barocco (It. Barosso è strano, fantasia) - una delle direzioni di stile principale dell'arte dell'Europa della fine dei secoli XVI - Mid-XVIII. È sorto in Italia e si diffuse nella maggior parte dei paesi europei. Migliorare nuove idee sulla volatilità eterna del mondo, barocco, a spettacoli spettacolari, forti contrasti, combinando il illusorio e reale, alla fusione delle arti (Urban e Palace-Park Ensembles, Opera, Cult Music, Oratorio); Allo stesso tempo, la tendenza verso l'autonomia dei singoli generi (Concerto Grosso, Sonata, suite nella musica degli attrezzi).

Lo stile barocco ha ricevuto la distribuzione preferenziale nei paesi cattolici colpiti da processi di controversiazione. La Chiesa protestante che sorge nella Riforma era molto non amante del lato esteriore spettacolare del culto. Intrattenimento ed è stato trasformato nella principale esistenza del cattolicesimo, la sua pietà religiosa è stata sacrificata. È impossibile essere migliori per essere gli obiettivi del rimborso del gregge nel Lohn della Chiesa cattolica, lo stile barocco con la sua grazia, a volte estesa espressività, patetica, attenzione alla sensazione sensuale, partenza corporea, accattivante abbastanza chiaramente, anche con l'immagine di meraviglie, visioni, ecstasics religiosi.

Ma l'essenza del barocco è più ampia dei sapori della Chiesa cattolica e dell'aristocrazia feudale, che ha cercato di usare gli effetti del grandioso e accecante, caratteristico del barocco, per riconciliare il potere, la pompa e la lucentezza degli stati e degli habitat delle persone vicino al trono.

Lo stile barocco con una nitidezza speciale esprime la crisi dell'umanesimo, la sensazione di vita disarmonica, impulsi senza scopo all'ignoto. In sostanza, apre il mondo in uno stato di divenire, e il mondo della borghesia stava quindi diventando il mondo. E in questo mondo borghese aperto mondiale è alla ricerca di stabilità e ordine. Il sinonimo della stabilità del mondo nel mondo è di lusso per lui, ricchezza. Si scopre che lo stile barocco combina un omaggio: monumentalità - con dinamismo, brillantezza teatrale - con solidità, misticismo, fantasticità, irrazionalità - con sobrilità e razionalità, veramente Burber BusinessLikness.

Centro di sviluppo artistico barocco a turno dei secoli XVI-XVII. Era Roma. Park and Palace Ensemble, architettura di culto, pittura decorativa e scultura, ritratto di parata, E successivamente, natura morta e paesaggio, - diventano i principali tipi e generi dell'arte barocca.

2.2. Barocco in architettura

Per l'architettura barocca (L. Bernini, F. Bornombini in Italia, B.F. Rastrelli in Russia) sono caratterizzati da portata spaziale, mucimenti, fluidità di forme complesse, solitamente curvilinei. Spesso ci sono colonnati su larga scala implementati, abbondanza di sculture sulle facciate e negli interni, voli lezionati, un gran numero di facciate low-slip e ampie con un plotone nelle colonne e ai pilastri medio-rasentati. La cupola acquisire. forme complesse, spesso sono multi-livellati, come la Cattedrale di San Pietro a Roma. Dettagli caratteristici del teamone barocco (Atlant), Caryatida, Maskaron.

Nell'architettura italiana, il rappresentante più importante dell'arte barocca era Carlo Madern (1556-1629), che si è rotto con manierismo e ha creato il suo stile. La sua creazione principale è la facciata della Chiesa romana di Santa Susanna (1603). La figura principale nello sviluppo della scultura barocca era Lorenzo Bernini, i cui primi capolavori eseguiti nel nuovo stile appartengono a circa il 1620. Bernini è anche un architetto. Appartiene al design della Piazza della Cattedrale di San Pietro a Roma e Interni, così come altri edifici. Un contributo significativo è stato lasciato da D. Fontana, R. R. Rodaldi, Gvarini, B. Longen, L. Vavvitelley, P. Sì Corton. In Sicilia dopo un grande terremoto del 1693, è apparso un nuovo stile del barocco siciliano barocco tardivo.

Cintiessennia Baroque, un'impressionante unione di pittura, sculture e architettura è considerata Korrano Capella nella Chiesa di Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Lo stile barocco si diffonde in Spagna, Germania, Belgio (poi Fiandre), Paesi Bassi, Russia, Francia. Barocco spagnolo, o Churripiezko locale (in onore dell'architetto Churgeriera), si diffuse anche in America Latina. Il monumento più popolare della sua cattedrale a Santiago de Compostela è anche uno dei più veniti dai credenti dei templi della Spagna. In America Latina, Baroque è stato mescolato con tradizioni architettoniche locali, questa è la versione più sofisticata e la chiamò Ultrabrarakko.

In Francia, lo stile barocco è più modesto che in altri paesi. In precedenza si credeva che qui non avevo ricevuto lo stile, e i monumenti barocchi erano considerati monumenti classicism. A volte usano il termine "classicismo barocco" in relazione alle varianti francesi e inglesi del barocco. Ora il Palazzo di Versailles insieme a un parco regolare, il Palazzo del Lussemburgo, la costruzione dell'Accademia francese di Parigi, e altri, sono contati per il barocco francese. Hanno davvero alcune caratteristiche del classicismo. La caratteristica caratteristica dello stile barocco è uno stile regolare in Garden-Park Art, l'esempio di cui è il parco di Versailles.

2.3. Barocco in letteratura

Gli scrittori e i poeti nell'era barocca percepiscono il mondo reale come illusione e sonno. Le descrizioni realistiche sono state spesso combinate con la loro immagine allegorica. Simboli, metafore, tecniche teatrali, immagini grafiche sono ampiamente utilizzate (linee di poesie formano un disegno), saturazione di figure retoriche, antitesi, parallelismo, gradazioni, oxuimoni. C'è un atteggiamento benedetto-satirico verso la realtà.

Per la letteratura, il barocco è caratterizzato da un desiderio di una varietà, alla somma della conoscenza del mondo, della comprensione, dell'enciclopedismo, che a volte si gira con curiosità caotiche e raccolta, lo sforzo per lo studio dell'esistenza nei suoi contrasti (spirito e carne, oscurità e luce, tempo ed eternità). Etica Barochko è segnato da un tag ai simboli della notte, il tema della fragilità e dell'impermanenza, il sogno di un sogno (F. de Kesvedo, P. Calderon). Il gioco conosciuto Calderon "La vita è un sogno." Tali generi si stanno sviluppando come un romanzo HARANE-Heroic (J. de Schuderi, M. de Schuderi), un vero romanzo domestico e satirico (Fyweier, Sh. Soret, P. Scarron). Come parte dello stile barocco, nascono le sue varietà, indicazioni: Marinesimo, Gongorismo (Cultura), Conservatismo (Italia, Spagna), Scuola Metafisica ed Eufismo (Inghilterra).

Le azioni dei romanzi sono spesso trasferite al mondo immaginario dell'antichità, in Grecia, i Cavaliers e le signore della corte sono raffigurati sotto forma di pastori e pastori, che hanno ottenuto il nome di Pastoral (Onor D'Iurf, Astrey). L'uso di metafore complesse prosperano in poesia. Ci sono forme comuni come Sonet, Rondo, una povertà (una piccola poesia che esprime qualsiasi pensiero spiritoso), madrigali.

A ovest nella zona romana, un eccezionale rappresentante di Grimmelsgauss (romanzo "Simplisisimimus"), nella zona di Drama-p. Calderon (Spagna). V. Wuiatur (Francia), D. Marino (Italia), Don Luis de Gongora e Agito (Spagna) divenne famoso in poesia. In Russia, la letteratura barocca comprende S. Polotsky, F. Prokopovich, all'inizio di M. Lomonosov. In Francia, "letteratura preventiva" fiorì durante questo periodo. Coltivato poi, principalmente nel salone Madame de Rambouy, uno dei saloni aristocratici di Parigi, il più alla moda e famoso.

2.4. Barocco in pittura e scultura

(P.P. Rubens "concatenato Prometheus") (L. Bernini "Eney e Ankhis")

Quindi, il barocco è una delle direzioni di stile principale dell'arte dell'Europa del XVII secolo. Il sinonimo della stabilità del mondo nel mondo è di lusso per lui, ricchezza. Lo stile barocco con i loro capolavori rappresenta un contributo eccezionale al tesoro dell'arte del mondo.

3. Classicismo come un corso artistico del XVII secolo

3.1. Prerequisiti e caratteristiche del classicismo

Classicismo (da Lat. Classicusus - esemplare) - Direzione creativa che si è formata view del mondo artistico.L'era della formazione e rafforzamento delle monarchie europee e affidandosi alle norme e campioni di arte antica. Il classicismo si riferisce anche a periodi e tendenze nella storia della cultura artistica europea, quando le forme dell'arte antica sono standard estetici.

Gli stati assolutisti non potevano impressionare l'idea di un ordine di ingrandimento, rigoroso coodo, un impressionante unità. Lo stato fingendo di essere "intelligence" cercato di vedere il bilanciamento, unificando il principio elevato ed elevato. Al contrasto barocco, il classicismo ha espresso il desiderio di un ragionevole sistema di vita armonioso, e questi desideri erano inerenti a non solo nel monarchum, ma anche alla coscienza popolare, con i suoi ideali del mondo, pace, coesione del paese. Oltre al lato attraente del classicismo, la sua paziente morale è stata eseguita, orientamento civile.

L'estetica del classicismo si concentra sull'imitazione campioni classici: Decisive per lui è la tesi aristotelica sull'imitazione della natura dell'arte, condivide un importante principio di un antico teatro di circa tre unità: luoghi, tempo e azione. Ma in effetti, si basa sulla filosofia razionalista di R. Dekarta. Il classicismo è stato diffuso nella Francia assolutistica, così come in una serie di altri paesi (Italia, Germania, Inghilterra).

Classicismo XVII secolo. Era strettamente connesso con la nobile cultura dello stato assolutista francese. Durante questo periodo si è formata un'estetica normativa, impegnata dall'arte del rispetto di alcune leggi e regole. Immagini artistiche Il classicismo si è distinto per la logicità e l'armoniosità dell'espressione; Erano ragionevolmente organizzati, logicamente costruiti e, di regola, sono privati \u200b\u200bdei tratti individuali. L'istituzione di rigide regole di creatività è una delle caratteristiche peculiari Estetica del classicismo. L'opera d'arte è stata intesa come classicisti non come un organismo naturalmente emerso, ma come un lavoro artificiale, creato, creato dalle mani di una persona secondo il piano, con un certo compito e scopo.

Il programma culturale ed estetico più olistico ha formato il classicismo francese. La sua fondazione ideologica era il razionalismo René Descartes (1596-1650).

3.2. Classicismo in letteratura

Il fondatore della poetica del classicismo è il francese Malherb Francese (1555-1628), che è stato riformato francese e verso e sviluppati canoni poetici. Tragica Cornel e Rasin (1639-1699) sono stati i principali rappresentanti del classicismo nel dramma (1639-1699), l'oggetto principale della creatività era il conflitto tra debito pubblico e passioni personali. Pierre Cornell scritto come commedie poetiche "Melita o lettere di povertà" (1629, Ed. 1633), "vedova o traditore punita" (1631-1632) e altri, Tragicommedia in versi "LED" (1637), Tragedie di Horace (1641) "Qinna o la misericordia di agosto" (1643) e altri. La tragedia di Jean Racina "Andromaha" esprime l'eroico dell'opposizione all'arbitrarietà dispotica. La tragedia di Fidra è diversa livelli alti Psicologo nella descrizione della personalità dell'eroina.

Gli alti sviluppi hanno anche ottenuto il genere "basso" Genere-Bass (J. Lafondtena), Satira (Buoystone), Commedia (Moliere 1622-1673). Scrittore francese Jean de Lafonten è noto come autore di fiabe, commedie, favole, la vita che riflette satiticamente nella Francia assolutistica.

Playwright francese Jean-Batist Moliere si è sviluppato nel suo genere Genere commedia della gente, ridicilizzando l'ozio e il pregiudizio della nobiltà. I suoi eroi parlano il solito linguaggio. Nella commedia "Motoman nella nobiltà" nella forma satirica descrive un rappresentante della terza tenuta, che voleva assomigliare al nobile. Moliere ha ridicolizzato la nobile ozio, l'egoismo (Don Juan), la compassione ("avaro"), Church Chanting (Tartuf). Caratteri negativi Altri personaggi di Moliere sono opposti - persone di risorse e spiritose del popolo. La produzione del suo Don Juan è stata condannata da cerchi ufficiali per l'ateismo e la liberalità.

Boooye è diventato famoso per tutta l'Europa come "legislatore di Parnassa", il più grande classicismo teorico, ha espresso le sue opinioni nel trattato poetico "arte poetica". Sotto la sua influenza nel Regno Unito, c'erano poeti John Dryden e Alexander Pupops, che fecero la forma principale della poesia britannica di Alexandrina. Per prosa inglese L'era del classicismo (Addison, Swift) è anche caratterizzata da una sintassi laminata.

3.3. Classicismo in architettura e pittura.

(Complesso architettonico nelle vicinanze della città di Potsdam) (Leighton Frederick "Girl")

3.4. Classicismo nella scultura

(J.A. Hudon "Voltaire Sculpture")

Conclusione.

In conclusione del tuo lavoro, posso fare conclusioni importanti.

Il XVII secolo è estremamente complesso e contrario all'epoca nella vita degli stati europei. Nominabile durante questo periodo - il periodo delle rivoluzioni borghesi iniziali, il periodo di massimo splendore delle monarchie assolutistiche, la rivoluzione scientifica, ci sono stili di arte come barocco e classicismo.

Baroque non può essere considerato solo come uno stile artistico, questo è un modo speciale di atteggiamenti verso la pace e con il mondo. È associato alla crisi degli ideali dell'umanesimo, degli sconvolgimenti sociali e politici caratteristici del XVII secolo.

Il classicismo, come barocco, è stato immanente inerente all'intera cultura del XVII secolo. Se barocco con la sua ricchezza e la sua varietà di sensazioni, la sensuale conoscenza del mondo, quindi il classicismo richiede chiarezza razionalista, un metodo ordinato per lo smembramento del tutto sulla parte e una considerazione coerente di ciascuno di essi.

Lo scopo del mio lavoro di prova è stato lo studio del classicismo e del barocco come gli stili principali del XVII secolo. Per raggiungere l'obiettivo nel primo capitolo è stato presentato caratteristiche generali cultura del periodo specificato. Nel secondo e nei terzi capitoli, ho provato il più pienamente possibile per rivelare le caratteristiche delle direzioni di stile del barocco e del classicismo in varie direzioni d'arte: pittura, architettura, letteratura, scultura. Riassumendo, posso dire che si ottiene l'obiettivo del lavoro.

Quindi, barocco e classicismo sono una delle direzioni di stile principale dell'arte dell'Europa del XVII secolo. Posizionano un contributo eccezionale al Tesoro dell'Arte Mondiale

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Nell'arte I. architettura XVIII. I secoli hanno prevalso due stili fondamentali - barocco e classicismo. Non hanno convocato accidentalmente per molto tempo, in un'epoca. È impossibile notare la loro stretta relazione, anche se anche le caratteristiche delle caratteristiche inerenti anche in una specifica direzione delle caratteristiche, verranno controllate. Qual è la differenza tra barocco e classicismo e come dare un'occhiata all'immagine o all'edificio, in quale stile si riferiscono?

Definizione

Barocco- Stile artistico, originato in Italia e comune nell'arte europea fino al centro del XVIII secolo.

Barocco

Classicismo- Stile artistico, caratteristico dell'arte dell'Europa e particolarmente manifestata luminosa nella seconda metà del XVIII secolo.

Confronto

Barocco e classicismo - indicazioni antagoniste, anche se hanno molto generale DAMN.Dopotutto, sono stati formati in un'epoca.

Conclusioni Sito

1. Barocco si distingue per la violenza e la dinamismo delle forme. Per classicismo, armonia ed equilibrio di tutte le parti sono caratteristici.
2. Barocco mette lusso, lusso, glitter, spruzzatura, fragilità, finiture ricche. Il classicismo apprezza il ritenuta e la semplicità delle linee, l'arredamento è usato molto pulito.
3. Baroque utilizza illusioni spaziali, proporzioni distorti e dando scala. Il classicismo si basa sull'armonia delle proporzioni che hanno origine nell'antica tradizione.