Esempi di pittura, generi, stili, varie tecniche e indicazioni. Indicazioni nella pittura All Drawing Styles Elenco con esempi

Gotico (Da Ital. Gotico è insolito, barbarico) - un periodo nello sviluppo dell'arte medievale, che ha coperto quasi tutte le aree della cultura e lo sviluppo del territorio dell'Europa occidentale, centrale e parzialmente orientale dal XII al XV centrale. Gothic ha completato lo sviluppo dell'arte medievale europea, avvenuta sulla base dei risultati della cultura romanica, e nell'era del revival dell'arte del Medioevo era considerata "Barbaro". L'arte gotica era di culto in appuntamento e religioso su argomenti. Si applicava alle più alte forze divine, all'eternità, alla visione del mondo cristiano. Gothic nel suo sviluppo è diviso in anticipo gotico, un periodo di massimo pieno, tardo gotico.

I capolavori in stile gotico divennero famose cattedrali europee, che amano fotografare i turisti nei minimi dettagli. Nella progettazione degli interni dei consigli gotici, è stato assegnato un ruolo importante alle soluzioni a colori. Nella decorazione esterna e interna regnava l'abbondanza di doratura, l'illuminazione dell'interno, l'apertura delle pareti, la smembramento cristallino dello spazio. La materia era priva di pesanti e impermeabilità, era, come se fosse spiritualizzato.

Le enormi superfici delle finestre erano piene di vetro colorato con composizioni che riproducono eventi storici, leggende apocrifiche, grafici letterari e religiosi, immagini di scene domestiche dalla vita dei contadini semplici e degli artigiani, che erano un'enciclopedia unica dello stile di vita durante il Medioevo. Konom dall'alto verso il basso è stato riempito con composizioni ricci che sono state racchiuse nei medaglioni. La combinazione della luce e del colore ha iniziato a dipingere nella tecnica del vetro colorato allegato emotivamente emotività delle composizioni d'arte. Sono stati utilizzati diversi occhiali: spess-scarlatto, infuocato, rosso, melograno, verde, giallo, blu scuro, blu, ultramarina, scolpito il contorno del disegno ... le finestre della cinghia come le gemme preziose, penetrate dalla luce all'aperto, - si trasformano L'intero interno del tempio e personalizzato i suoi visitatori al modo esaltato.

Grazie al vetro a colori gotico, originarono nuovi valori estetici e le vernici hanno acquisito il suono più alto del colore brillante. Il colore puro ha generato un'atmosfera dell'ambiente dell'aria, dipinto in vari colori grazie al gioco di luce sulle colonne, al pavimento, al vetro colorato. Il colore si è trasformato in una fonte di luce nella prospettiva. Gli occhiali spessi, spesso diseguali, erano pieni di bolle non completamente trasparenti, intensificando l'effetto artistico del vetro colorato. La luce, passando attraverso il vetro steeple irregolare, schiacciato e ha iniziato a giocare.

I migliori campioni di venestre vetrate gotiche genuine sono aperte all'arredo nelle cattedrali di Chartra, Bourges e Parigi (per esempio, "Madonna con un bambino"). Pieno non meno magnificenza, così come "ruote infuocate" e "Fantastic Lightning" nella Cattedrale del Chartra.

Dalla metà del 1 ° secolo, i colori complessi ottenuti dal vetro duplicati hanno iniziato a entrare nella gamma colorata. Tali straordinarie vetrate in stile gotico sono state preservate in Saint-Chapel (1250 g). La vernice smaltata marrone è stata applicata sul vetro e le forme allo stesso tempo avevano un carattere aereo.

L'epoca gotica divenne il periodo di tiro dell'arte di un libro in miniatura, così come in miniature artistiche. Il rafforzamento delle tendenze secolari nella cultura ha rafforzato solo il loro sviluppo. Illustrazioni con composizioni multiforme su argomenti religiosi inclusi vari dettagli realistici: immagini di uccelli, animali, farfalle, ornamenti di motivi vegetali, scene domestiche. Speciale fascino poetico è pieno di opere del miniaturitario francese Jean Püsussel.

Nello sviluppo di miniature gotiche francesi del 13 ° e 14 ° secolo, il posto principale è stato occupato dalla scuola di Parigi. Il Salterio di St. Louis è pieno di composizioni multifigure incorniciata da un motivo di architettura gotica, motivo per cui la storia acquisisce una straordinaria armonia (Louvre, Parigi, 1270 g). Le figure delle signore e dei Cavalieri sono aggraziati, le loro forme si distinguono con linee fluenti, che crea l'illusione del movimento. La schermata e la densità delle vernici, così come l'architettura decorativa del disegno, trasformare i dati in miniatura in opere d'arte uniche e decorazioni preziose delle pagine.

Lo stile del libro gotico si distingue per forme appuntite, ritmo angolare, ansia, filigrana il modello openwork e i combustibili delle linee di bobina. Vale la pena notare che nel 14-15 ° secolo furono illustrati anche manoscritti secolari. Personaggi, trattamenti scientifici, collezioni di canzoni d'amore e cronache sono piene di magnifiche miniature. In una miniatura, illustrata dal lavoro della letteratura della Corte, l'ideale dell'amore knightly è stato incarnato, così come scene della vita circostante ordinaria. Creazione simile - Manoscritto Manes (1320).

Nel tempo, il tutorial nel Goth è intensificato. "Grandi cronache francesi" Kona del XIV secolo dimostrano chiaramente il desiderio dell'artista di penetrare nel significato degli eventi rappresentati da esso. Insieme a questi libri, l'eleganza decorativa è stata allegata utilizzando squisite vignette e un quadro di forme bizzarre.

La miniatura gotica ha avuto una grande influenza sulla pittura e ha fatto un flusso diretto nell'arte del Medioevo. Gothic è diventato solo uno stile, ma un importante collegamento nello sviluppo culturale generale della società. Il mago stile con incredibile accuratezza è stato in grado di riprodurre l'immagine del loro contemporaneo nell'argomento e nell'ambiente naturale. Lente magnifier e lavori gotici spiritualizzati sono circondati dall'aura del fascino estetico unico. Gothic ha dato origine a una nuova comprensione della sintesi delle Arti, e la sua conquista realistica ha preparato il terreno a transizione all'arte del Rinascimento.

Il numero di stili e indicazioni è enorme, se non infinito. Gli stili di arte non hanno limiti chiari, passano senza intoppi uno in un altro e sono in continuo sviluppo, miscelazione e contromissione. Come parte di uno stile storico artistico, emerge sempre uno nuovo, e lui, a sua volta, va al prossimo. Molti stili coesistono allo stesso tempo e quindi "stili puliti" non accade affatto.

Astrattismo (da Lat. Astratto - rimozione, distrazione) - Direzione artistica nell'arte, rifiutata dalla forma vicina alla realtà.

Avanganism, Avangard. (da p. Avanguarde - un distacco avanzato) - il nome generale delle direzioni artistiche dell'arte del XX secolo, per le quali la ricerca di nuove forme e mezzi di mappatura artistica, sottostima o completa negazione di tradizioni e assolutizzazione di L'innovazione è caratteristica.

Accademismo (da p. Accademme) - Direzione nella pittura europea dei secoli XVI-XIX. Colpito sulle conseguenze dogmatiche da forme esterne di arte classica. I seguaci hanno caratterizzato questo stile come ragionamento sulla forma dell'arte dell'antico mondo antico e del Rinascimento. L'accademismo è fuggito dalle tradizioni dell'arte antica in cui l'immagine della natura è idealizzata, compensando lo standard di bellezza. In questo stile, Annibal, Agostino e Lodoviko Karracchi hanno scritto.

Action. (Dall'inglese. Azione Art - Azione d'arte) - APPRESSIONE, PERFORMANCE, EVENTO, ARTE DEL PROCESSO, L'ARTE DELLA DESCUSSIONE E UN NUOGUA DI ALTRE MODELLI DEI 1960 derivanti dall'arte all'avanguardia. Conformemente all'ideologia della quota dell'azionista, l'artista deve essere impegnato nell'organizzazione di eventi, processi. L'abbigliamento cerca di cancellare la linea tra arte e realtà.

Ampir. (da Franz. Empire - Impero) - Stile in architettura e arte decorativa che sorgono in Francia all'inizio del XIX secolo, durante il primo impero di Napoleone Bonaparte. Ampir - Finali dello sviluppo del classicismo. Per l'incarnazione di maestosità, raffinatezza, lusso, potere e forza militare, un ampir è caratterizzato da un appello all'arte antica: antiche forme decorative egiziane (trofei militari, sfinge alate ...), vasi etruscasi, pittura pubyana, greco e Decor romane, affreschi e ornamenti rinascimentali. Il rappresentante principale di questo stile è stato J.L.David (dipinti "Kryatva Horatiyev" (1784), "Brut" (1789))

Metropolitana (Dall'inglese sotterraneo - sotterraneo, dungeon) - un certo numero di direzioni artistiche nell'arte contemporanea, si oppongono da una cultura di massa, mainstream. La metropolitana respinge e viola gli orientamenti politici, morali ed etici e i tipi di comportamento adottati nella società, attuando il comportamento asociale nella vita di tutti i giorni. Nel periodo sovietico, quasi qualsiasi modalità non ufficiale, cioè. Non riconosciuto dalle autorità, l'arte si è rivelata sottovalutata.

Art Nouveau. (Da p. Art Nouveau, letteralmente nuova Art) - comune in molti paesi (Belgio, Francia, Inghilterra, Stati Uniti, ecc.) Stile moderno. L'artista più famoso di questa direzione di pittura: Alphonse Fly.

Art Deco (da p. Art Deco, Sokr. Da Decoratif) - Direzione nell'arte A metà del 20 ° secolo, che denota la sintesi di avanguardia e neoclassicismo, ha sostituito il costruttivismo. Caratteristiche distintive di questa zona: affaticamento, linee geometriche, lusso, chic, materiali costosi (avorio, coccodrillo in pelle). L'artista più famoso di questa zona è Tamara de Lilippitsk (1898-1980).

Barocco (da Ital. Barocco è uno strano, fantasia o un porto. Perola Barroca è la perla della forma sbagliata, ci sono altre ipotesi sull'origine di questa parola) - stile artistico nell'arte del tardo revival. Caratteristiche distintive di questo stile: esagerazione di dimensioni, intrecciato delle linee, un'abbondanza di dettagli decorativi, pesantezza e colossalità.

Revival, o Rinascimento (da p. Rinascimento, Ital. Rinascimento) - L'epoca nella storia della cultura dell'Europa, che ha sostituito la cultura del Medioevo e la precedente cultura del nuovo tempo. Quadro cronologico esemplare dell'epoca - il XIV-XVI secolo. Una caratteristica distintiva del Rinascimento - la natura laica della cultura e il suo antropocentrismo (cioè, interesse, prima di tutto, alla persona e alla sua attività). C'è un interesse per la cultura antica, c'è un "rinascita", come lo era, il termine è apparso. Disegno di immagini dei temi religiosi tradizionali, gli artisti hanno iniziato a utilizzare nuove tecniche artistiche: costruire una composizione alla rinfusa, utilizzando un paesaggio sullo sfondo, che ha permesso loro di rendere le immagini più realistiche, vivaci. Questo ha notevolmente distinto la loro creatività dalla precedente tradizione iconografica, abbondanti convenzioni nell'immagine. Gli artisti più famosi di questo periodo: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo BUONARATO (1475-1564), Titian (1477-1576), Antonio Corredjo (1489 -1534), Jerome Bosch (1450-1516), Albrecht Durer (1471-1528).

Woodland (da inglese - forestale) - stile in arte, originaria del simbolismo dei dipinti rocciosi, dei miti e delle leggende degli indiani nordamericani.

Gothic (da Ital. Gotico è insolito, barbarico) - un periodo nello sviluppo dell'arte medievale, che ha coperto quasi tutte le aree della cultura e lo sviluppo del territorio dell'Europa occidentale, centrale e parzialmente orientale dal XII al XV centrale. Gothic ha completato lo sviluppo dell'arte medievale europea, avvenuta sulla base dei risultati della cultura romanica, e nell'era del revival dell'arte del Medioevo era considerata "Barbaro". L'arte gotica era di culto in appuntamento e religioso su argomenti. Si applicava alle più alte forze divine, all'eternità, alla visione del mondo cristiano. Gothic nel suo sviluppo è diviso in anticipo gotico, un periodo di massimo pieno, tardo gotico.

Impressionismo (da p. L'impressione è un'impressione) - direzione nella pittura europea, originata in Francia nel mezzo del XIX secolo, il cui obiettivo principale era il trasferimento di impressioni fugaci e volatili.

Kitch, Kich (da lui. Kitsch - un miserabile) è un termine che denota uno dei fenomeni più odiosi della cultura di massa, sinonimo di pseudoismo, che si concentra sulla stravaganza dell'aspetto esterno, il pianto dei suoi elementi. In sostanza, Kitch è una specie di postmodernismo. Kitch è un'arte di massa da scelta. Il lavoro appartenente al kitch deve essere fatto ad un alto livello artistico, dovrebbe essere un affascinante trama, ma questo non è un vero lavoro dell'arte in senso alto, ma un abile falso per questo. In Kitche, ci possono essere profondi conflitti psicologici, ma non ci sono scoperte e rivelazioni d'arte genuine.

Classicismo (da Lat. Classicusus - Exemprary) - Stile artistico nell'arte, la base del quale è stata l'appello, come standard estetico ideale, alle immagini e alle forme di arte antica e il Rinascimento, che richiede una stretta adesione a una serie di regole e canoni.

Cosmismo (dal greco. Kosmos è un mondo organizzato, Kosma - Decoration) - la visione del mondo artistico e filosofico, che si basa sulla conoscenza dello spazio e dell'idea di una persona come cittadina del mondo, così come un microcosmo, come un macrocosmo. Il cosmismo è associato alla conoscenza astronomica dell'universo.

Cubismo (da fr. Cube - Cube) - La direzione modernista dell'arte, raffigurato oggetti di realtà disposti alle forme geometriche più semplici.

Letteretismo (dall'inglese. Lettera - una lettera, messaggio) - Direzione nel modernismo, basata sull'uso di immagini simili a font, testo illeggibile, nonché composizioni basate su lettere e testo.

Metarealismo, realismo metafisico (dal greco. Meta - tra e Gealis - reale, valida) - Direzione nell'arte, l'idea principale di cui esprimere la superconscita, la natura del superphone delle cose.

Minimalismo (è accaduto dall'inglese. L'arte minima è un'arte minima) - un corso artistico proveniente dalla trasformazione minima dei materiali utilizzati nel processo di creatività, semplicità e uniformità di forme, monocromicità, autocontrollo creativo dell'artista. Per il minimalismo, un rifiuto di soggettività, rappresentazione, illusionismo è caratteristico. Rifiutare le tecniche classiche e i materiali tradizionali dell'arte, i minimalisti utilizzano materiali industriali e naturali di semplici forme geometriche e colori neutri (nero, grigio), piccoli volumi, applicare i metodi di produzione seriale, trasportatore di produzione industriale.

Moderno (accadde da p. Moderne è il più nuovo, moderno) - Artista nel ICCCCTVE, in cui i benefici dell'EPOX avranno e sono accusati e serrati con l'aiuto di valori Xydee, gli OCNA del Napcipax Acimwers, opnantable e Dekopativazione.

Neo-plasticismo è una delle prime varietà di arte astratta. Creato entro il 1917 dal pittore olandese P. Mondrian e altri. Artisti inclusi nella "stile" dell'Unione. Per la neoplasticità, è caratteristica, secondo i suoi creatori, il desiderio di "armonia universale", espressa in combinazioni rigorosamente equilibrate di grandi figure rettangolari, chiaramente separate da linee perpendicolari di nero e dipinte nei colori locali dello spettro principale (con il Aggiunta di toni bianchi e grigi).

Primitivismo, arte ingenua, ingenuo - stile di pittura, in cui l'immagine è intenzionalmente semplificata, le sue forme vengono rese primitive come arte popolare, il lavoro di un bambino o una persona primitiva.

Op-art (dall'arte ottica inglese - optical art) - Direzione NeoAvanticardist in Arte visiva, in cui gli effetti del movimento spaziale, della fusione e della "paraia" delle forme sono raggiunti dall'introduzione di colori affilati e tonali, ripetizioni ritmiche, intersezione di linee di configurazione a spirale e reticolo.

Orientalism (da Lat. Oriens - East) - Direzione nell'arte europea in cui sono usati temi, simboli e motivi dell'est e dell'indocina

Orfismo (da p. Orfisme, da Orp? Ee - Orpheus) - Direzione nel dipinto francese degli anni '10. Il nome è dato nel 1912 dal poeta francese Apolliner Painting dell'artista Robert Delone. Orph è associato a cubismo, futurismo e espressionismo. Le principali caratteristiche di dipingere questo stile di estetismo, plasticità, ritmo, eleganza di sagome e linee.
Orfizma Masters: Robert Delone, Sonya Terk-delone, Banconi Bratelli, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossin, Fernan Leo, Morgan Russell.

Pop Art (dall'inglese. Pop - Un suono feroce, cotone leggero) - Direzione neavantistica in arte visiva, in cui la realtà sono oggetti tipici della vita urbanizzata moderna, campioni di cultura di massa e tutto l'ambiente di un ambiente materiale artificiale

Postmodernismo (da p. Postmodernisme - Dopo il modernismo) - un nuovo stile artistico, diverso dal modernismo, tornando alla bellezza della realtà secondaria, narrazione, appello alla trama, alle melodie, all'armonia delle forme secondarie. Per il postmodernismo, è caratterizzato da un'associazione all'interno di un prodotto di stili, motivi figurativi e tecniche artistiche prese in prestito da diverse epoche, regioni e sottoculture.

Realismo (dal lat. Gealis - reale, valido) - Direzione dell'arte caratterizzata dall'immagine di fenomeni sociali, psicologici e di altri fenomeni, nel modo più appropriato possibile.

Rococo (derivato da p. Rococo, Rocaille) - stile in arte e architettura, originata in Francia all'inizio del XVIII secolo. Grazia valida, facilità, carattere intimo-flirty. Essendo arrivato a sostituire il pesante barocco, Rococo è apparso allo stesso tempo e il risultato logico del suo sviluppo e il suo antipodio artistico. Con lo stile barocco, Rococo unisce il desiderio per il completamento delle forme, tuttavia, se il barocco è in solennità monumentale, allora Rococò preferisce l'eleganza e la facilità.

Simbolismo (da p. Symbolismme - un segno, segno di identificazione) - una direzione artistica nell'arte basata sulla forma di realizzazione delle idee principali del lavoro attraverso l'estetica associativa multi-valori e multipoint dei simboli.

Realismo socialista, il socialismo è una direzione artistica dell'arte, che è l'espressione estetica del concetto socialmente consapevole di pace e dell'uomo, a causa dell'epoca della società socialista.

Iperealismo, superrealismo, fotorealismo (dall'inglese. L'iperrealismo è sopra il realismo) - Direzione nell'arte basata sull'accurata riproduzione fotografica della realtà.

Surrealismo (da fr. Surrealisme è finito + realismo) - una delle direzioni del modernismo, l'idea principale di cui esprimere il subconscio (combinare il sonno e la realtà).

Trans-gangs (dal lat. Trans-through, attraverso e p. Avantgarde - Avangard) è una delle direzioni moderne del postmodernismo, che è sorto come reazione al concettualismo e pop art. Trans-gangs copre la miscelazione e la trasformazione di stili nati in prima linea, come cubismo, fusismo, futurismo, espressionismo, ecc.

Espressionismo (è successo da fr. Espressione - espressività) - la direzione modernista dell'arte, considerando l'immagine del mondo esterno solo come mezzo per esprimere gli stati soggettivi dell'autore.

Continuiamo la sezione "Needlework" e sottosezione "" Articolo. Dove ti offriamo le definizioni di diversi famosi e sconosciuti moderni e non molto stili, oltre a illustrarli nel miglior modo possibile.

Sono necessari stili d'arte nelle immagini, in particolare, in modo che tu possa scoprire, in quale stile disegni (o cucito in generale), o quale stile è più adatto per il disegno.

Iniziamo con lo stile chiamato "realismo". Realismo - Questa è una posizione estetica, secondo la quale il compito dell'arte consiste nel modo più accurato e oggettivo di fissazione della realtà possibile. Ci sono molti "realismo", realismo critico, realismo socialista, iperrealismo, naturalismo e molti altri. Nel senso più ampio della Parola, il realismo è la capacità dell'arte sinceramente, di rappresentare inconvenosamente una persona e il mondo che lo circonda nelle immagini di vita, riconoscibili, pur non copiando la natura passiva e impassibile e selezionando la qualità principale degli articoli in Forme visibili nelle forme visibili di oggetti e fenomeni.

Esempio: V. G. Khudyakov. Contrabbandieri (clicca per ingrandire):

Ora andiamo allo stile chiamato "impressionismo". Impressionismo (Fr. Impressionnisme, dall'impressione - impressione) - Stile dove gli artisti hanno provato i più naturali e imparziati per catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, trasferire le loro impressioni borbotti. L'impressionismo non ha sollevato problemi filosofici e non ha nemmeno provato a penetrare nella superficie del colore della restrizione. Invece, l'impressionismo si concentra sulla superficialità, sulla quantità di moto del momento, dell'umore, dell'illuminazione o del carbone visivo.

Esempio: J. William Tverner (Clicca per ingrandire):

Inoltre, nella lista, abbiamo molto meno noto che l'impressionismo e il realismo, lo stile chiamato "fovisismo". Fovisov. (FR. Fauave è selvaggio) - il nome è stato formato, poiché i dipinti hanno lasciato lo spettatore dell'energia e della passione dallo spettatore, e il critico francese Louis Vytil ha chiamato i pittori con bestie selvatiche (p. Les Fauves). Era la reazione dei contemporanei sul colore del colore, "selvaggio" espressività della vernice. Quindi la dichiarazione casuale è stata fissata come il nome dell'intero corso. Il formism nella pittura è caratterizzato dalla luminosità dei colori e semplificando la forma.

Lo stile successivo è moderno. Moderno - (da p. Moderne - moderno), Ar-Nouveau (p. Art Nouveau, lettere. "Nuova arte"), Yuegendstil (It. Jugendstil - "Young Style") - Direzione artistica nell'arte, dove la base era un rifiuto di linee dirette e angoli a favore di linee più naturali, "naturali", interessi per le nuove tecnologie. Il moderno cercato di combinare le funzioni artistiche e utilitaristici delle opere create, coinvolgono nella sfera di belle tutte le sfere dell'attività umana.

Un esempio di architettura moderna - nell'articolo "Case magiche Gaudi". Esempio di immagini in stile moderno: A. Sunset (clicca per ingrandire):

Quindi poi andare oltre. Espressionismo (Dal Lat. Expressio, "espressione") - un'espressione delle caratteristiche emotive delle immagini (di solito una persona o un gruppo di persone) o lo stato emotivo dell'artista stesso. In espressionismo, l'idea di impatto emotivo, che riguardava è stata posta in opposizione al naturalismo ed estetismo. La soggettività del atto creativo è stata enfatizzata.

Esempio: van Gogh, "Starry Night Over Ron":

Il prossimo corso che abbiamo parlato sono cubismo. Cubismo (Fr. Cubisme) - Direzione nelle arti visive, caratterizzata dall'uso delle forme convenzionali geometrate, il desiderio di "schiacciare" oggetti reali per primitivi stereometrici.

Quindi, lo stile chiamato "futurismo". Nome di stile futurismo è successo dal Futurum latino - futuro. Il nome stesso implica il culto del futuro e della discriminazione del passato insieme al presente. I futuristi sono stati dedicati al treno, un'auto, aeroplani in una parola, l'attenzione era a tutti i risultati momentanei della civiltà, fusi mediante progresso tecnico. Il futurismo è stato respinto dal formism, prendendo in prestito i risultati del colore da lui, e dal cubizm, che prese le forme artistiche.

E ora vai allo stile chiamato "abstractionism". Astrattismo (Lat. Astratto - rimozione, distrazione) - la direzione dell'arte non fuggiasca, rifiutata dall'immagine delle forme della pittura e della scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è il raggiungimento della "armonizzazione", la creazione di determinate combinazioni di colori e forme geometriche per causare varie associazioni dal contemplatore.

Esempio: V. Kandinsky:

Successivamente, siamo nella lista del dadaismo. Dadaismo, o Dada - il nome del flusso proviene da diverse fonti: nella lingua della tribù negro del Crup. Significa la coda della mucca sacra, in alcune zone d'Italia la madre è così chiamata, può essere la designazione Di una potenza di legno per bambini, un'approvazione dubbiosa nelle lingue russe e rumene. Potrebbe essere la riproduzione della ciotola infantile incoerente. In ogni caso, il Dadaism è qualcosa di completamente privo di significato, che è ora ed è diventato il nome di maggior successo per l'intero corso.

E ora andiamo al suprematismo. Suprematismo (Dal Lat. Supremo è il più alto) - espresso in combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici (nelle forme geometriche di una linea retta, quadrata, cerchio e rettangolo). La combinazione di figure geometriche multicolori e multiple forma una bilanciata composizioni suprematiche asimmetriche ha permeato il movimento interno.

Esempio: Kazimir Malevich:

Il prossimo corso consideriamo brevemente è il corso con lo strano nome "Pittura metafisica". Pittura metafisica (Ital. Pittura Metafisica) - qui la metafora e il sogno diventano la base per il rilascio del pensiero oltre la solita logica, e il contrasto tra realistico esattamente mostrato dall'argomento e dall'atmosfera strana in cui è posizionato, ha rafforzato l'effetto surreale .

Esempio - George Moorendi. Natura morta con un manichino:

E ora andiamo in un corso molto interessante chiamato "srrealismo". Surrealismo (fr. Suréalismo - superdealismo) si basa sulla risoluzione del sonno e della realtà. Il primo obiettivo dei surrealisti era l'esaltazione spirituale e la separazione dello Spirito dal materiale. Salvador Dali è diventato uno dei più grandi rappresentanti del surrealismo nella pittura.

Esempio: Salvador Dali:

Quindi, rivolgiamo a un tale flusso come pittura attiva. Pittura attiva (pittura su intuizione, Tashism, dal tachisme francese, da Tache - Spot) - un flusso che sta dipingendo le macchie che non ricreano immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Le macchie, le linee e le macchie di Tashizm sono applicate ai movimenti rapidi della tela della mano senza un piano predeterminato.

Il penultimo stile oggi è Pop Art. Pop art (pop-art inglese, una riduzione dell'arte popolare, l'etimologia è anche associata all'inglese. Ror - un colpo ruscicato, cotone) genera opere d'arte per i quali sono stati usati elementi della "cultura popolare". Cioè, l'immagine presa in prestito nella cultura di massa è posizionata in un contesto diverso (ad esempio, la scala e il materiale sono cambiati; la ricezione o il metodo tecnico è esposto; le interferenze informative sono rivelate e così via).

Esempio: Richard Hamilton, "Cosa fa le nostre case di oggi diverse, tali attraenti?":

Di conseguenza, quest'ultimo oggi è il minimalismo. Minimal Art (eng. Art minimale), anche minimalism (minimalismo (eng. Minimalismo), ABC Art (ITA. ABC Art) è un flusso che includeva forme geometriche, purificati da qualsiasi simbolismo e metaforicità, ripetibilità, superfici neutrali, materiali industriali e metodo di produzione.

Quindi, c'è un numero enorme di stili d'arte - che perseguono i propri obiettivi.

Lo stile è chiamato la direzione generale dello sviluppo dell'arte, i cui campioni rappresentativi sono combinati con il significato ideologico, tecnica della trasmissione, tecniche caratteristiche dell'attività creativa. Gli stili nell'arte della pittura erano strettamente intrecciati, si arrendono nelle direzioni federali, esistevano in parallelo, arricchendo l'un l'altro.

Gli stili e le indicazioni pittoreschi sono stati formati sotto l'influenza dell'ideologia, dello sviluppo politico ed economico della società, della religione, delle tradizioni.

Storia dello sviluppo

La storia dello sviluppo degli stili dimostra la complessa evoluzione culturale della società.

Gotico

Originato in Francia nei secoli XI - XII. Lo stile si è evoluto nel territorio del Western, e dai secoli XIII - XIV - in Europa centrale. L'origine e l'evoluzione di questa direzione erano sotto la significativa influenza della Chiesa. Il Medioevo è il periodo del dominio del potere della chiesa su artisti secolari, così gli artisti gotici lavoravano con grafici biblici. Le caratteristiche distintive dello stile sono: luminosità, personalità, dinamismo, emotività, pomposatezza, disattenzione alla prospettiva. L'immagine non sembra monolitico - sembra un mosaico di diverse azioni raffigurate su tela.

Rinascimento o rinascita

È venuto dall'Italia nel XIV secolo. Circa 200 anni, questa direzione era dominante e divenne la base per lo sviluppo di Rococò e il Rinascimento settentrionale. Caratteristiche Caratteristiche Caratteristiche dei dipinti: ritorno alle tradizioni dell'antichità, il culto del corpo umano, interessi in dettaglio, idee umanistiche. Questa direzione non è stata concentrata sulla religione, ma sul lato secolare della vita. Il revival settentrionale dell'Olanda e della Germania era diverso - qui il rinascita è stato percepito come il rinnovamento della spiritualità e della fede cristiana che precede la riforma. Rappresentanti: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarti.

Manierismo

Direzione nello sviluppo della pittura del XVI secolo. Rinascita opposta ideale. Gli artisti si sono trasferiti dall'idea di perfezione dell'uomo e dell'umanesimo verso la soggettività dell'arte, orientamento sul significato interiore dei fenomeni e degli oggetti. Il nome dello stile viene dalla parola "manuale" italiana, che mostra completamente l'essenza del manierismo. Rappresentanti: I.PonTormormo, J.Vazari, Brozino, J.Dyva.

Barocco

Stile lussureggiante, dinamico, lussuoso di pittura e cultura, originaria dell'Italia nel XVI secolo. Per 200 anni, la direzione si è evoluta in Francia, Germania, Spagna. La pittura barocca è piena di colori vivaci, un'attenzione particolare è rivolta ai dettagli, decorazioni. L'immagine non è statica, emotivamente, quindi barocca è considerata la fase più intensa ed espressiva dello sviluppo della pittura.

Classicismo

Invecchiato nei paesi dell'Europa occidentale nel XVII secolo, dopo 100 anni è arrivato ai paesi dell'Europa orientale. L'idea principale è un rimborso per la tradizione dell'antichità. Ritratti, Paesaggi, Ritratti ancora per scoprire, grazie alla riproduzione dogmatica, realizzando regole di stile chiaro. Il classicismo è rinato nell'accademismo - lo stile che ha assorbito le caratteristiche più vivide dell'antichità e del Rinascimento. In questo stile, N. Laplussen ha funzionato, J.-L.David, film russi.

Romanticismo

Classicismo modificato nel secondo trimestre del XIX secolo. Caratteristiche dell'arte: il desiderio di trasferire l'individualità, anche se è imperfetta, emotività, espressività dei sentimenti, immagini fantastiche. L'arte degli artisti romantici nega le norme e le regole della fase classica dello sviluppo della pittura. L'interesse per le tradizioni folk, le leggende, la storia nazionale viene rianimata. Rappresentanti: F. Moya, T.Geriko, K. Brulilov, E.Dellakrua.

Simbolismo

La direzione culturale della fine XIX - XX secolo, la base ideologica ha imparato dal romanticismo. In primo luogo del lavoro c'era un simbolo, e l'artista era un intermediario tra la realtà e il fantastico mondo della creatività.

Realismo

Sondaggi artistici, che per la ribalta mettono la precisione della trasmissione di forme, parametri, sfumature. La naturalezza, la precisione dell'essenza interna e il guscio esterno è caratteristico. Questo stile è il più grande, popolare e sfaccettato. I suoi rami sono indicazioni moderne - foto e iperealismo. Rappresentanti: Kurbe, T.Russo, Artisti cinematografici, J. Bretton.

Impressionismo

Originato alla fine del XIX secolo del XIX-Early XX. Motherland - Francia. L'essenza dello stile è una forma di realizzazione nella foto della magia della prima impressione. Questo breve momento gli artisti sono stati trasferiti con striscio di vernice corta sulla tela. Tali immagini sono migliori per percepire non a distanza ravvicinata. Gli artisti sono pieni di vernici e luce. Il postopressione è diventato una fase di sviluppo dello stile - è caratterizzato da maggiore attenzione alla forma e ai contorni. Artisti: O. Rewar, K. Pisarro, K. Mone, P. Sezann.

Moderno

Uno stile originale e luminoso che è diventato la base per la formazione di molte direzioni pittoresche del XX secolo. La direzione ha raccolto le caratteristiche dell'arte di tutte le epoche - emotività, interesse per ornamenti, plasticità, predominanza di contorni lisci e curvilinei. La base per lo sviluppo era il simbolismo. Il moderno è ambiguo - sviluppato in Europa Paesi in modi diversi e in diversi nomi.

Avanguardia

Stili artistici per i quali il rifiuto del realismo è caratteristico, simbolismo del trasferimento di informazioni, luminosità delle vernici, individualizzazione e libertà di progettazione creativa. Le categorie di avanguardia includono: surrealismo, cubismo, fusismo, futurismo, espressionismo, astrazione. Rappresentanti: V. Kadinsky, P. Pikasso, S. Dali.

Primitivismo o stile ingenuo

La direzione per cui l'immagine semplificata della realtà è caratteristica.

Gli stili elencati sono diventati le principali pietre miliari nello sviluppo della pittura - continuano a reincarnare in nuove forme di espressione creativa degli artisti.

Uno dei modi principali del nostro pensiero. Il risultato è la formazione dei concetti e dei giudizi più comuni (astrazioni). In arte decorativa, l'astrazione è il processo di styling forme naturali.

Nelle attività artistiche, l'astrazione è costantemente presente; Nella sua estrema espressione nella raffinata creatività, conduce all'astrazione, una direzione speciale nell'arte visiva del XX secolo, per il quale il rifiuto dell'immagine di oggetti reali, la generalizzazione limite o un completo fallimento della forma, conquistata gratuita Composizioni (da linee, punti, punti, aerei e aerei e Dr.), esperimenti con colore, espressione spontanea del mondo interiore dell'artista, il suo subconscio in forme astratte caotiche e non organizzate (espressionismo astratto). A quest'area può essere attribuito al dipinto dell'artista russo V. Kandinsky.

I rappresentanti di alcune correnti nell'arte astratta hanno creato strutture logicamente ordinate, affidandosi alla ricerca di un'organizzazione razionale di forme in architettura e design (il suprematismo del pittore russo K. Malevich, costruttivismo, ecc.) Nella scultura l'astrazione espresso meno che nella pittura.

L'astrazione è stata una risposta alla disarmonia generale del mondo moderno e aveva successo perché ha proclamato il rifiuto di consapevole nell'arte e ha chiesto "per dare le forme iniziative, le vernici, il colore".

Realismo

Da fr. Realisme, dal lat. Realis - reale. Nell'arte, in senso ampio, vero, obiettivo, obiettivo, completo riflesso della realtà di specifici mezzi inerenti ai tipi di creatività artistica.

I segnali generali del metodo del realismo sono la precisione nella riproduzione della realtà. Allo stesso tempo, l'arte realistica ha una grande varietà di metodi di conoscenza, generalizzazioni, riflesso artistico della realtà (G. Korzhev, M. B. Greci, A.A. Plastov, A. M. Gerasimov, T. N. Yablonskaya, P. D. Corin et al.)

Arte realistica del XX secolo. Tratti nazionali luminosi e varietà di forme acquisite. Realismo: il fenomeno è l'opposto del modernismo.

Avanguardia

Da fr. Avant - Advanced, Garde - Un distaccamento - Un concetto che definisce le imprese sperimentali e moderniste nell'art. In ogni epoca, i fenomeni innovativi sono sorti nelle arti visive, ma il termine "avanguardia" è stato stabilito solo all'inizio del XX secolo. In questo momento, tali direzioni apparvero come fusismo, cubismo, futurismo, espressionismo, astrazione. Poi negli anni '20 e '30, le posizioni d'avanguardia occupano il surrealismo. Nel periodo dei 60-70, vengono aggiunte nuove varietà di astrazione - varie forme di sforzi, lavori con oggetti (pop art), arte concettuale, fotorealismo, cinetica, ecc. Artisti-Avant-Gardei esprimono una sorta di protesta contro il tradizionale tradizionale cultura.

In tutte le direzioni d'avanguardia, nonostante la loro grande varietà, è possibile identificare le caratteristiche generali: un rifiuto delle norme di immagine classica, novità formale, deformazione di forme, espressione e varie trasformazioni di gioco. Tutto ciò porta all'erosione dei confini tra arte e realtà (redi-cameriera, installazione, ambiente), creando un ideale di un'opera d'arte aperta invadendo direttamente l'ambiente. L'arte dell'avanguardia è progettata per il dialogo dell'artista e dello spettatore, l'interazione attiva di una persona con opere d'arte, complicità nella creatività (ad esempio, arte cinetica, hepping, ecc.).

Le opere di direzioni d'avanguardia a volte perdono l'inizio visivo e uguale a oggetti di circostante. Le direzioni moderne di avanguardia sono strettamente intrecciate, formando nuove forme di arte sintetica.

Andersrund.

inglese Sotterraneo - sotterraneo, dungeon. Il concetto significa che la cultura "sotterranea" si oppone alla Convenzione e alle restrizioni della cultura tradizionale. Le mostre degli artisti dell'area in considerazione spesso non sono passate nei saloni e nelle gallerie, ma direttamente sulla Terra, così come nelle transizioni sotterranee o nella metropolitana, che in un certo numero di paesi si chiama la metropolitana (metropolitana). Probabilmente, questa circostanza ha anche influenzato il fatto che questa direzione nell'arte del XX secolo. Questo nome è stato stabilito.

In Russia, il concetto della metropolitana è diventato la designazione della comunità di artisti che rappresentavano l'arte informale.

Surrealismo

P. Surrealisme - superdealismo. Direzione in letteratura e arte del XX secolo. La corrente negli anni '20. Arrivando in Francia all'iniziativa dello scrittore A. Breton, il surrealismo divenne presto una direzione internazionale. I surrealisti ritenevano che l'energia creativa deriva dalla sfera del subconscio, che si manifesta durante il sonno, l'ipnosi, le dolorose sciocchezze, spiegazioni improvvise, azioni automatiche (matita casuale vagabondaggio su carta, ecc.)

Artisti surreali, in contrasto con gli astrattori, non rifiutare l'immagine di oggetti reali, ma rappresentarli nel caos, deliberatamente privo di relazioni logiche. L'assenza di significato, il rifiuto di un ragionevole riflesso della realtà è il principale principio dell'arte del surrealismo. Anche il nome della direzione sta parlando del divorzio dalla vita reale: "Sur" in francese "over"; Gli artisti non rivendicano il riflesso della realtà, ma ha messo mentalmente le loro creazioni "sopra il realismo, emettendo fantasie pazze per opere. Così, i dipinti surrealisti includevano simili, incapaci di spiegare M. Ernsta, J. Miro, I. Tango, così come oggetti trattati con surrealisti oltre il riconoscimento (M. oppenheim).

La direzione surreale, che era diretta da S. Dali, era basata sulla precisione illusoria di riprodurre l'immagine irriletta derivante nel subconscio. I suoi dipinti si distinguono per un modo accurato di scrittura, trasmissione accurata dell'illuminazione, prospettiva, che è caratteristica della pittura accademica. Lo spettatore, lasciando la persuasività del dipinto illusorio, è attratto in un labirinto di inganni e misteri irrisolvibili: gli oggetti solidi diffusi, densi acquisire trasparenza, oggetti incompatibili sono attorcigliati e scoperti, i volumi massicci acquisiscono la realtà, e tutto ciò crea un'immagine impossibile in realtà .

Conosciuto tale fatto. Una volta alla mostra prima del lavoro di S. ha dato lo spettatore a lungo, sbirciando attentamente e cercando di capire il significato. Infine, in completa disperazione, disse ad alta voce: "Non capisco cosa significhi!" L'espressione dello spettatore è stata ascoltata alla mostra S. Dali. "Come puoi capire cosa significa se io stesso non capisco," disse l'artista, esprimendo così il principio di base dell'arte surreale: scrivere dipinti senza pensare, senza riflettere, abbandonare la mente e la logica.

Le mostre di opere di surrealisti sono state accompagnate, di regola, scandali: il pubblico era indignato, guardando dipinti ridicoli e incomprensibili, ritenevano che fossero ingannati, mistificati. I surrealisti hanno accusato il pubblico, ha dichiarato che quelli dietro, non sono cresciuti al lavoro degli artisti "Advanced".

Le caratteristiche generali dell'arte del surrealismo sono la fiction assurda, alogia, combinazioni paradossali di forme, instabilità visiva, variabilità delle immagini. Gli artisti hanno fatto appello all'imitazione dell'arte primitiva, la creatività dei bambini e malati di mente.

Gli artisti di questa direzione volevano creare una realtà sulle loro reti, non riflettendo la realtà provocata dal subconscio, ma in pratica è stato versato nella creazione di immagini patologicamente repulsive, eclectics e kitsch (IT. - Kitsch; prodotti a buon mercato e insapore progettato per un effetto esterno).

Separare i reperti di surrealisti sono stati utilizzati in aree commerciali di arte decorativa, come illusioni ottiche, consentendo di vedere due diverse immagini o grafici su un'immagine a seconda della direzione della vista.

Le opere dei surrealisti fanno sì che le associazioni più complesse possano essere identificate nella nostra percezione con il male. Visione di digiuno e sogni idilliaci, una rue, disperazione - questi sentimenti in varie versioni appaiono nelle opere dei surrealisti, influenzando attivamente lo spettatore, l'assurdità delle opere del surrealismo agisce sull'immaginazione associativa e sulla psiche.

Il surrealismo è un fenomeno artistico contraddittorio. Molte figure culturali veramente avanzate, consapevoli che questa direzione distrugge l'arte, successivamente rifiutata di opinioni surrealistiche (artisti P. Picasso, P. Clee, e altri, poeti F. Lorca, P. Neruda, regista spagnolo L. Bunuel, che ha sparato film surrealisti ). A metà degli anni '60, il surrealismo è stato sostituito da nuovi, ancora più aree accattivanti del modernismo, ma bizzarre, per lo più brutte, opere senza senso di surrealisti riempiono ancora le sale dei musei.

Modernismo

P. Modernisme, dal lat. Moderno - Nuovo, moderno. Designazione collettiva di tutte le ultime tendenze, indicazioni, scuole e attività dei singoli artisti del XX secolo., Aing della tradizione del metodo creativo (fusismo, espressionismo, cubismo, futurismo, astrazione, dadaismo, surrealismo, pop art, arte, cinetica Arte, iperrealismo, ecc.). Il modernismo è vicino al valore dell'avanguardia e opposta all'occupaismismo. Il modernismo è stato valutato negativamente dagli storici dell'arte sovietica come fenomeno di crisi della cultura borghese. L'arte ha la libertà di scegliere i loro percorsi storici. Contraddizioni del modernismo, in quanto tale, è necessario considerare non statico, ma in dinamiche storiche.

Pop Art

inglese Pop Art, dall'arte popolare - arte popolare. Direzione nell'arte dell'Europa occidentale e negli Stati Uniti dalla fine degli anni '50. Pop Art Floyishing è arrivato ai tempestosi anni '60, quando in molti paesi dell'Europa e dell'America, Bunts of Youngys è scoppiata. Il movimento della gioventù non ha avuto un unico obiettivo - era unito da un pathos negato.

I giovani erano pronti a buttare fuori l'intera cultura passata all'estero. Tutto ciò si rifletteva nell'art.

Caratteristica distintiva della chiamata di combinazione pop art con indifferenza. Tutto è ugualmente prezioso o ugualmente invalido, ugualmente bello o ugualmente brutto, ugualmente degno o non degno. Forse solo gli affari pubblicitari si basano sullo stesso atteggiamento impassibile-business verso tutto il mondo. Non è un caso che la pubblicità abbia avuto un enorme impatto sulla Pop Art e molti dei suoi rappresentanti hanno lavorato e lavorano nei centri pubblicitari. I creatori di programmi pubblicitari e spettacoli sono in grado di scintillare sui pezzi e combinare la polvere di lavaggio e il famoso capolavoro dell'arte, dentifricio e un fugo del bach nella combinazione di loro. Allo stesso modo, pop art.

I motivi multi-cultura sono gestiti in modi diversi. L'immagine è introdotta da collage o fotografie. Gli oggetti reali sono solitamente in combinazioni inaspettate o assurdhiamente assurdose (R. Raushenberg, E. Worth Hall, R. Hamilton). La pittura può imitare tecniche e tecniche composite di scudi pubblicitari, l'immagine del fumetto può essere aumentata alle dimensioni di una grande canvasi (R. Lichtenstain). La scultura può essere combinata con Milyales. Ad esempio, l'artista K. Oledenburg ha creato somiglianze della finestra-finestra Moising of Foods of enormi dimensioni da materiali insoliti.

Non c'è spesso confine tra scultura e pittura. L'opera d'arte di Pop Art spesso non ha solo tre dimensioni, ma si riempie anche di tutta la sala espositiva. In virtù di tali trasformazioni, l'immagine iniziale di un oggetto di cultura di massa viene convertita e percepita in modo molto diverso rispetto a un ambiente domestico reale.

La categoria principale della Pop Art non è un'immagine artistica, ma la sua "designazione", eliminando l'autore dal processo artificiale della sua creazione, immagini di qualcosa (M. dushan). Questo processo è stato introdotto per espandere il concetto di arte e inclusione in esso di un'attività sconosciuta, "uscita" dell'arte nel campo della cultura di massa. Gli artisti di Pop Art erano gli iniziatori di tali forme come hepptening, oggetto di installazione, ambiente e altre forme di arte concettuale. Flussi simili: sotterraneo, iperrealismo, op-art, redi-cameriera, ecc.

Op-art.

inglese O arte, scorfano. Dall'arte ottica - Arte ottica. La direzione dell'arte del XX secolo, che era diffusa negli anni '60. Gli artisti op-art usavano varie illusioni visive, in base alle peculiarità della percezione di figure piatte e spaziali. Gli effetti dello spostamento spaziale, la fusione, le forme sono state raggiunte dall'introduzione di ripetizioni ritmiche, colori affilati e contrasti tonali, incrociatura a spirale e configurazioni a spirale e reticolo, linee di congilazione. Nell'atto-art, gli impianti di luci che cambiano, i disegni dinamici sono stati spesso utilizzati (oltre nella sezione artistica cinetica). Le illusioni del movimento fluido, il cambiamento coerente delle immagini, la forma instabile e continuamente ricostruita sorge in op-art solo nella sensazione dello spettatore. La direzione continua la linea tecnica del modernismo.

Arte cinetica

Da c. Kinetikos - guidato in movimento. La direzione nell'arte contemporanea associata all'ampio utilizzo di strutture mobili e altri elementi dinamici. Il cinetismo come direzione indipendente è stato formato nella seconda metà degli anni '50, ma è stato preceduto dagli esperimenti per creare plastiche dinamiche nel costruttivismo russo (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko), dadaismo.

In precedenza, l'arte folk ha anche dimostrato campioni di oggetti e giocattoli in movimento, come gli uccelli di legno della felicità della regione di Arkhangelsk, i giocattoli meccanici, imitando i processi del lavoro, dal villaggio di Bogorodskoye, ecc.

In arte cinetica, il movimento viene introdotto in modi diversi. Alcune opere sono trasformate dinamicamente dallo spettatore stesso, l'altra - le oscillazioni dell'ambiente dell'aria e il terzo sono guidati dal motore o dalle forze elettromagnetiche. Varietà infinitamente di materiali utilizzati - dal tradizionale mezzi tecnici super moderni, fino a computer e laser. Spesso nelle composizioni cinetiche applicano gli specchi.

In molti casi, l'illusione del movimento è creata cambiando l'illuminazione - qui il cinetico è chiuso con op-art. Le tecniche cinetiche sono ampiamente utilizzate nell'organizzazione di mostre, fiere, discoteche, nella progettazione di aree, parchi, interni pubblici.

Il cinetismo cerca di sintetizzare le arti: il movimento dell'oggetto nello spazio può essere completato dagli effetti dell'illuminazione, del suono, della musica leggera, del film, ecc.
Ricevimenti dell'arte moderna (avanguardia)

Iperealismo

inglese Iperrealismo. La direzione della pittura e della scultura derivante negli Stati Uniti ed è diventata un evento nell'arte visiva globale degli anni '70 del XX secolo.

Un altro nome dell'iperealismo è il fotorealismo.

Gli artisti di questa zona hanno imitato le foto con mezzi pittoreschi su tela. Hanno interpretato il mondo della città moderna: vetrino finestre di negozi e ristoranti, stazioni della metropolitana e semafori, edifici residenziali e passanti per le strade. Allo stesso tempo, è stata prestata particolare attenzione alla luce superficiale lucida, riflettente: vetro, plastica, lucidatura auto, ecc. Il gioco di riflessioni su tali superfici crea l'impressione della interpenetrazione di spazi.

L'obiettivo degli iperealisti era rappresentare il mondo non solo in modo affidabile, ma superfluo, super-processo. Per fare ciò, hanno usato modi meccanici per copiare le foto e aumentarli alle dimensioni di un grande web (diaprosezione e griglia su larga scala). Dipingere, di regola, spruzzato con un aerografo per preservare tutte le caratteristiche dell'immagine fotografica, eliminare la manifestazione della grafia individuale dell'artista.

Inoltre, i visitatori delle mostre di questa zona potrebbero incontrarsi nelle sale di figure umane fatte di moderni materiali polimerici in un valore naturale, vestiti con il vestito finito e dipinti in modo tale da non differire affatto dal pubblico. Ha causato molta confusione e persone scioccate.

Il fotorealismo ha sollevato il suo compito di affinare la nostra percezione di tutti i giorni, simboleggia l'ambiente moderno, riflette il nostro tempo nelle forme di "Arti tecniche", ampiamente diffuse nella nostra era di progresso tecnico. Fissaggio ed esponendo la modernità, nascondendo le emozioni dell'autore, il fotorealismo nelle loro opere software era al confine con l'arte visiva e quasi attraversata, perché cercava di competere con la sua vita stessa.

Redi-Maid.

inglese Ready Made - pronto. Una delle tecniche comuni dell'arte moderna (avanguardia), consistenti nel fatto che il soggetto della produzione industriale è sfuggito dalla solita situazione domestica ed è esposto nella sala espositiva.

Il significato di Redi-Maid è il seguente: quando si cambia l'ambiente, la percezione dell'oggetto cambia. Lo spettatore vede nell'argomento esposto sul podio, non una cosa utilitaristica, e un oggetto artistico, espressività della forma e del colore. Il nome di Redi-Maid per la prima volta nel 1913 - 1917 applicato M. Dushan in relazione ai suoi "oggetti finiti" (pettine, ruota della bicicletta, asciugabiancheria). Negli anni '60, Redi-Maid è stata ampiamente distribuita in varie direzioni dell'arte all'avanguardia, specialmente nel dadaismo.

Installazione

Dall'inglese. Installazione - Installazione. Composizione spaziale creata da un artista da vari elementi - articoli per la casa, prodotti industriali e materiali, oggetti naturali, informazioni testuali o visive. Gli stranieri di installazione erano padre M. dushan e surrealisti. Creare combinazioni insolite di cose ordinarie, l'artista dà loro un nuovo significato simbolico. Il contenuto estetico dell'installazione nel gioco dei valori semantici, che varia a seconda di dove si trova il soggetto - nel familiare ambiente domestico o nella sala espositiva. Molti artisti di avanguardia R. Raushenberg, D. Dyane, Yukker, I. Kabakov, creato installazione.

Installazione - una forma di arte, diffusa nel XX secolo.

Ambiente

inglese Ambiente - Dintorni, mercoledì. Una vasta composizione spaziale che copre lo spettatore come un ambiente reale, una delle forme caratteristiche dell'arte all'avanguardia dei 60-70. Atmosfera di tipo naturalistico, imittendo l'interno con figure creato sculture D. Segal, E. Kinholz, K. Odoland, D. Hanson. Tale realtà realtà potrebbe includere elementi di fiction pazza. Un altro tipo di ambiente è uno spazio di gioco che suggerisce determinate azioni del pubblico.

Accadendo

inglese Accadendo - in tal modo in atto. Una varietà di sforzi, il più comune nell'arte all'avanguardia dei 60-70. La successione si sviluppa come un evento, piuttosto provocato che organizzato, ma gli iniziatori dell'azione comportano necessariamente il pubblico. Ascoltando originata alla fine degli anni '50 come forma del teatro. Nell'ulteriore organizzazione di accadere, gli artisti sono più spesso direttamente nell'ambiente urbano o nella natura.

Considerano questa forma come genere di un lavoro in movimento, in cui l'ambiente, gli articoli non svolgono alcun ruolo rispetto ai partecipanti alla vita nell'azione.

L'effetto dell'eption provoca la libertà di ogni partecipante e manipolare oggetti. Tutte le azioni si stanno sviluppando secondo un programma previsto in precedenza in cui l'improvvisazione è molto importante, che emette una diversa prospettiva inconscia. Hephening può includere elementi di umorismo e folklore. In hepptening, il desiderio di avanguardia alla fusione dell'arte con il corso della vita è stato vividamente espresso.

E infine il tipo più avanzato di arte moderna - superplicità

Superplane.

Superflat è un termine inventato dal moderno artista giapponese Takasi Murakami.

Il termine superflat è progettato per spiegare la nuova lingua visiva, utilizzata attivamente dalla generazione di giovani artisti giapponesi, come Takasi Murakami: "Ho pensato alle realtà del disegno e della pittura giapponese e di come differiscono dall'arte occidentale. Per il Giappone, la sensazione del piano è importante. La nostra cultura non ha forme 3D. 2D-forme approvate nella pittura storica giapponese, simile a un linguaggio visivo semplice e piatto di animazione moderna, fumetti e design grafico. "