Caratteristiche stilistiche dei concerti strumentali del XVIII secolo. Concerto come un concerto di musica classico del genere musicale brevemente

16.06.2019

W. musica rock nel 6 ° grado "Concerto strumentale"

Tipo di lezione - Formazione e miglioramento delle nuove conoscenze, ma tenendo conto dei requisiti del GEF è una lezione "Apertura" di una nuova conoscenza.

Lo scopo della lezione: Per dare un'idea del genere del concerto strumentale, circa quando e come è nato come sviluppato.

Basato sullo scopo della lezione, quanto seguecompiti:

Formazione scolastica : Introdurre gli studenti con la nascita e lo sviluppo del genere del concerto strumentale sull'esempio del concerto "Seasons" A.VIVALDI, consolida idee su vari tipi di concerto, espandere le idee sulla musica del programma.

Sviluppando : Continua a conoscere i migliori campioni della musica dell'era barocca.

Educativo : Educare la reattività emotiva alla percezione della musica classica, sviluppare interesse e rispetto per il patrimonio musicale dei compositori di altri paesi.

Recentemente, il compito della lezione musicale espanse. Più lo acquisisce sempre piùauto-educazione estimolante compiti.

Auto-educazione : Sviluppa le competenze e le competenze dell'auto-educazione musicale ed estetica. (Lavoro indipendente in gruppi)

Stimolare: promuovere la formazione di interesse sostenibile per gli studiosi, incoraggiare gli scolari a ulteriori conoscenze, per sviluppare la necessità di ricostituire, aggiornare costantemente, sviluppare le loro conoscenze (uso di una varietà di strumenti di apprendimento)

L'intensificazione dell'attività creativa e cognitiva degli alunni è raggiunta attraverso l'uso di moderne tecnologie pedagogiche, attraverso l'integrazione di vari tipi di tecnologie d'arte e informazioni.

All'esempio di opere musicali pittoresche e letterarie, mostra agli studenti il \u200b\u200bruolo del principio musicale nella vita e nella lavorazione dell'arte visiva e della letteratura, il rapporto di musica con altri tipi di arte.

Attraverso la chiarezza del lavoro per rivelare il tema della lezione in una forma affascinante e accessibile.

Metodi :

organizzazione e attuazione di istituzioni educative:

illustrativo esplicativo.

stimolazione e motivazione di attività educative ed educative:

situazione di intrattenimento

confronto, analisi, generalizzazione

accettazione del confronto con le arti adiacenti

per fonte di informazioni e natura dell'attività:

velite-induttivo (conversazione), deduttivo visivo (confronto, analisi del lavoro musicale ascoltato, suggerendo all'empatia, retrospettiva).

La lezione è costruita su due tipi di attività musicali e pratiche degli studenti - questa è un'udienza (percezione attiva) di musica e intonazione, che è espressa nella performance. La scelta di questi tipi di attività è dovuta alla lezione, al suo scopo e agli obiettivi.

Tecnologie: informazioni e comunicazioni, risparmio sanitario

Attrezzatura: Proiettore multimediale, Centro musicale, Laptop, Fochrestomatologia per il libro di testo "Musica" 6 Classi, Musica Dizionario V. Razhnikov, Testo della stampa di A. Yermolov "Seasons"

Durante le classi

1. Momento organizzativo

Insegnante:

– Ciao ragazzi!
La risposta dei bambini:

– Ciao!

Insegnante: Ciao, cari ragazzi e ospiti, contento di vedere che spero che tu prenda una parte attiva nella lezione. A sua volta, cercherò di mantenere la lezione per te interessante e informativo.

La musica ispira il mondo intero, rifornisce l'anima con le ali, contribuisce al volo dell'immaginazione,
la musica dà vita e divertimento a tutti gli esistenti ...
Può essere chiamato l'incarnazione dell'intero bello e sublime.

Platone

Insegnante: E iniziamo una lezione, ovviamente, dalla musica!

(Il passaggio dal concerto degli strumenti Vivaldi "Seasons"

Proviamo a rispondere, a cosa parleremo oggi nella lezione?

Musica Antonio Vivaldi (1 scivolo)

Ragazzi mi ricordano il tema del 2 ° semestre dell'anno:

Studenti: "Il mondo della camera e delle immagini della musica sinfonica"

Insegnante: E qual è la musica da camera?

Studenti: Camera, cioè Musica in camera progettata per l'esecuzione in piccole stanze per un piccolo pubblico.

Insegnante: Per capire cosa sta succedendo il discorso oggi, indovina la parola cruciverba musicale. La parola ha nascosto verticalmente. (Slide 2)

per

Grande squadra di musicisti strumentali, eseguendo congiuntamente un lavoro (orchestra)

Lavoro naturale per coro, solisti e orchestra (Cantata)

La prestazione musicale in cui il principale mezzo di espressività è cantando (Opera)

Adesione orchestrale all'opera, spettro o lavoro sinfonico indipendente (Overture)

Ensemble di quattro artisti (cantanti o strumentisti) (Quartetto)

7. (Verticale) Un importante lavoro musicale per un'orchestra sinfonica e uno strumento solista composto da 3 parti (concerto)

Lezione di tema della parola

L'argomento della lezione "concerto strumentale" ( diapositiva 3)

Quale scopo possiamo mettere?

Cos'è un concerto?

Concerto (IT.concerto. - opportuno, con lat. -concerto. - Consenso) (diapositiva 4)

sollettura

strumento (pianoforte, violini, ecc.) E orchestra sinfonica.

Il genere del concerto avviene nel XVII secolo a causa dello sviluppo intensivo degli atti di violino.

-I mangia lo faremo oggi nella lezione?

Piano di lezione:

Saluto musicale

Ascoltare la musica

Analisi del lavoro musicale

Lavorare in gruppi

Parola lavoro

Cantando

CONCLUSIONI. Risultati.

Compiti a casa (5 diapositive)

Chi è Antonio Vialadi?

Cosa sappiamo di lui?

Insegnante: Antonio Vivaldi - violinista-virtuoso, direttore e insegnante, uno dei più grandi compositoriXVII. – XVIII. esplosivo Vissuto e lavorato nell'erabarocco
Era il creatore del genere -concerto strumentale . (Slide 6-7)

Ciclo "Seasons"

La cima della creatività di Vivaldy. Questo ciclo unito.quattro concerti Per aver risolto il violino e l'orchestra di stringa. In loro, lo sviluppo dell'immagine musicale è basato sul confronto del suono* Violino - assolo* Orchestra – tutti (tradotto dai mezzi italianiqualunque cosa ) ". Il principio di contrasto determinato la forma in tre parti del concerto: la prima parte è veloce ed energica; 2 ° - lirico, cantante, piccole dimensioni in forma; 3 ° pezzo - Finali, vivi e brillanti (8-9 scivolo)

Insegnante: Di fronte a voi sui tavoli Lie dizionari delle emozioni estetiche V. Razhnikov.

Ti suggerisco di ascoltare una delle parti parte del concerto e del lavoro in gruppi. La natura ha sempre contenti musicisti, poeti e artisti. La bellezza della natura, il cambio delle stagioni: autunno, inverno, primavera, estate - unico, ognuno a modo suo

Cosa ne pensi che gli artisti avessero affrontato i poeti all'argomento dell'anno?

Conoscete tali lavori?

I poeti hanno scritto un sacco di poesie sulla natura, gli artisti hanno scritto un sacco di foto sulla natura, e i compositori hanno scritto molta musica raffigurante il dipinto della natura.

Oggi confrontiamo, come mostrato ogni stagione in poesia, in pittura e musica. E ci aiuteremo in queste poesie dei poeti russi, la riproduzione dei dipinti degli artisti russi e della musica magica del compositore italiano Antonio Vivaldi., Che riuscì a riflettere la bellezza della sua natura nativa per riflettere la sua musica. L'Italia, un paese ricco della sua cultura, monumenti antichi, bella natura. Ecco perché molti artisti russi, laureati dall'Accademia delle Arti, sono andati a uno stage in Italia

Poesie, dipinti e musica ci aiuteranno a vedere, ascoltare e sentire ogni volta dell'anno. (1a parte suoni, l'insegnante non chiama il titolo) .

Gruppo 1: compositori

Quali sentimenti fa questa musica espressa?

A che ora dell'anno questa musica può essere associata?

Studenti: Gli studenti determinano l'intonazione iniziale, la natura della musica, il tempo veloce, i contrasti di dinamica, i momenti visivi - imitando il canto degli uccelli è primavera

La musica ascoltata è luminosa, squillante, gioiosa. Si sente in volo, il movimento, il canto degli uccelli. La melodia è leggera, nella musica è sentita all'arrivo della primavera.

Come posso caratterizzare la melodia?

Studenti: Possibili risposte dei bambini: sentito chiaramente, dove si gioca l'orchestra e dove si suona il violino di risoluzione. Melody, che viene eseguita dall'orchestra in maggiore Lada, molto chiara, luminosa, facilmente ricordata in un ritmo di danza. La suoneria, eseguita da un solista, è molto più difficile, è virtuoso, bello, decorato con accoppiamento musicale, simile al canto degli uccelli).

Gli studenti definiscono che questa è la primavera

2 Gruppo: Artisti

Sul tavolo è la riproduzione dei dipinti del tempo dell'anno

Scrivi nel tavolo, che tipo di pitture, hai sentito e visto, e quali sentimenti hai causato queste opere d'arte e, naturalmente, determinano il periodo dell'anno

Dimmi, quali colori sono dominati?

Risposte agli studenti: Il colore della prima vegetazione è giallo-verde, fiore dei primi colori - bianco, rosa, cielo blu, uccelli nel cielo.

3 Gruppo: Poeti

Insegnante: Ciclo di concerti "Seasons" -saggio software , che si basa sui sonetti poetici, con l'aiuto di cui il compositore rivela il contenuto di ciascuno dei concerti del ciclo. Si presume che i sonetti siano scritti dal compositore

Ogni tavolo si trova una poesia su una delle stagioni.

Scrivi nel tavolo, quali poesie sono associate a questa musica e quali sentimenti hai causato queste opere d'arte

Snow si scioglie, correre in streaming,

La finestra ha fatto la primavera ...

Shavely condrererà

E la foresta vestirà il fogliame!

Chista Heavenly Azure.

Caldo e luminoso il sole è diventato

È tempo per le bufera di neve del male e della tempesta

Di nuovo per molto tempo ho passato ... A.Plechev

Discussione delle risposte del lavoro dei gruppi. (Diapositiva 10)

Insegnante: Suggerisco di ascoltare un frammento di 2 parti del concerto (diapositiva 11)

Determina il contenuto emotivo della parte, del ritmo, della dinamica?

Ascolta il passaggio del violino. Quali immagini sorgono nell'immaginazione?

Brillantemente il sole splende,
Nel calore dell'aria.
E ovunque tu possa vedere
Tutto il cerchio è leggero.
Nel miglio del prato
Fiori luminosi,
Gold Down.
Fogli scuri.
Foresta del dormitorio; né il suono
Il foglio non macello
Solo Zhavoronok.
Negli anelli dell'aria. I. SURIKOV.

Insegnante: ascolto 3 parti del concerto

Foresta, verniciato esattamente a LED,
Viola, oro, crimpato,
Allegro, muro di moto
È in piedi sopra un polare leggero.
Filo giallo Birches.
Shine in Blue Lazuries,
Come la torre, gli alberi di Natale sono più scuri,
E tra acero blu
Poi lì, poi qui nel fogliame
Summets nel cielo, quel guscio. K. Balmont.

(Diapositiva 12)

4 del concerto: "inverno" (Diapositiva 13)

Caricabatterie in inverno
Combattuto, vale la foresta
E sotto il frigorifero innevato,
Fisso, stupido,
Meravigliosa vita luccica.
Ed è in piedi, oltre
Non un morto e non vivo -
La magia assonnata è affascinata
Il tutto è omesso, tutto
Catena leggera Poohova ... F. Tyutchev

Fizkultminutka.

Insegnante: L'oggetto del tempo dell'anno è sempre stato popolare nell'art.

Nel nostro tempo moderno, ci sono anche opere del genere vocale sul periodo dell'anno.

Cantiamo la canzone del moderno compositore Alexander Yermolov "Seasons".

Valible - lavoro corale Sopra la canzone "Seasons" e musica. Alexandra Yermolov.

Definiamo i compiti: in quale personaggio canteremo, quali attività di articolazione saranno risolti.

Dai un'occhiatacompiti a casa

Esplora oggi la musica moderna Vivaldi oggi.

Qual è il segreto della popolarità della musica del compositore.

Quale delle persone moderne della IS-WA si rivolge alla creatività del compositore.

Fatti interessanti dalla vita del compositore

Poesie riguardo al compositore e al suo lavoro

Riflessione

Cosa ricordava cosa si stava chiedendo cosa è stato sorpreso dalla lezione?

Il concerto di pianoforte è uno dei loro generi più significativi e ricercati nel mondo della musica. La natura del genere del concerto, concretizzata dalla logica di gioco dinamica e sviluppata, la capacità di trasferire le collisioni di vita profonda, era molto attraente per i compositori di varie tradizioni temporanee e nazionali. Di particolare interesse nel genere in studio ha mostrato rappresentanti del classicismo viennese, nel cui lavoro il concerto strumentale solista era la cristallizzazione finale.

Lo studio del genere del concerto del pianoforte definisce il campo degli interessi scientifici di tali scienziati-musicista, come: Ln Raaben ("Concerto strumentale sovietico"), II Kuznetsov ("concerto di pianoforte" (per la storia e la teoria del genere))) , M. E. Tarakanov ("Concerto strumentale"), G. A. ORLOVA ("Concerto del Pianoforte sovietico"). Le prospettive essenziali delle ultime direzioni dell'analisi del genere, dal punto di vista della pratica esecutiva, dimostrare le opere di A. V. Murgy, D. I. Dyatlova, B. G. Gnilov; Il genere e gli aspetti storici del concerto di pianoforte sono stati analizzati nelle pubblicazioni scientifiche di Da Nagina, Ov Podkolozina, SG Paltadjanyan, e altri. Nonostante l'irrequieto interesse degli scienziati-musicista al genere del concerto, alcuni aspetti storici, così come teorici di Il problema in studio richiede uno studio più profondo. Questa circostanza determinata bersaglio Pubblicazioni: esplorare le concetture dell'origine e dello sviluppo del genere del concerto di pianoforte. Per l'implementazione dell'obiettivo del set, sono stati identificati i seguenti compiti Pubblicazioni:

Esplorare la genesi del genere del concerto strumentale;
Analizza le origini della formazione e dello sviluppo del genere del concerto del pianoforte;
Rivelare le specifiche del genere del concerto di pianoforte.

Il movimento storico della musica si riflette chiaramente nel destino dei generi musicali. I tempi di comunicazione dal vivo sono chiaramente manifestati dall'esempio di un concerto strumentale - uno dei generi più vintage della musica europea. Secondo i ricercatori, l'etimologia della parola "concerto" è associata al "Concertorate" italiano ("Accetto", "ACCETTARE") o con il "Concertare" latino ("Sfida", "Fight"), perché la relazione di Lo strumento di risoluzione e l'orchestra contengono elementi di "partnership" e "rivalità". Tradizionalmente, il concerto è definito come un unico pezzo o molti lavori musicali per uno o più strumenti da innovazione e orchestra.

Una delle specie del concerto strumentale è un concerto di pianoforte. Dalla storia dello sviluppo di un concerto di pianoforte non può essere separato dalla Genesi del concerto strumentale nel suo complesso, indagiamo sulle peculiarità dell'origine di questo genere musicale unico. Le origini del concerto di pianoforte vanno al lontano passato musicale. Mi concentro sul fatto che fino alla fine del XVII secolo. Il concerto strumentale, come un genere indipendente, non esisteva. Il concetto di "concerto" è stato scoperto per la prima volta nell'uso musicale del XVI secolo. Questa definizione è stata utilizzata per designare gli strumenti vocali. Concerti chiamati scritti spirituali corali con supporto strumentale. Ad esempio, è consigliabile chiamare i concerti di J. Gabriel, L. Sì Via giorno e Schutz. L'emergere del genere del concerto strumentale è associato all'emergere di uno stile di omofono nella musica. In questa fase, i compositori, più che mai, hanno cercato di sottolineare il valore principale di un principio melodico, espresso dallo strumento di risiedere, al contrario dell'orchestra di accompagnamento. La competizione tra lo strumento musicale che risolve e l'orchestra ha attualizzato l'importanza del principio del virtuoso nel genere del concerto. La pratica dei gruppi strumentali e della tradizione di una partita congiunta su strumenti musicali, che sale alla fisica popolare nella cultura europea del Medioevo, ha anche avuto una grande influenza sullo sviluppo del concerto strumentale.

Va notato che nel periodo di studio, l'orchestra (in una comprensione moderna) non esisteva. Le associazioni di ensemblei di musicisti, gli interessi e le preferenze dei quali erano determinati dalle forme sostenibili della combinazione di strumenti erano popolari. Caratteristica del concerto ensemble del XVII secolo. Era la partecipazione obbligatoria del cosiddetto partito di continuo, di norma, affidata da Clavewin. Questo strumento è stato eseguito come il capo dell'ensemble, il suo conduttore, cementato il suono generale. Era in questo momento che il principale principio del gioco del concerto è penetrato nel genere del concerto strumentale - il principio della concorrenza e della concorrenza. La forma del concorso ha assunto il collegamento organico del coordinamento e delle arti marziali, una combinazione di accordi reciproci e di accompagnamento, reciproco dei loro sforzi. La clausisina è stata sostenuta sia raddoppiata la voce dei bassi e il cosiddetto "middle floor" dello spazio musicale è stato riempito. Eppure, la cosa principale non era tanto nelle proprietà esterne della musica del concerto del XVII secolo, come nella natura interiore, che era caratteristica della coscienza musicale degli europei in studio. Il nuovo genere del concerto strumentale in molti modi echeggiava con la suite di danza.

Maestro del concerto strumentale del XVII secolo. È A. Korelli - L'autore dei primi campioni classici del concerto Grosso Genere (un grande concerto) basato sul confronto di Ripieno Solando e che accompagna Grosso. Concerti A. Korelli, di regola, sono molti. Il compositore incluso in concerti da quattro a sette parti, nonché un piccolo adagio, che serve come pacchi tra parti rapide. L'unità musicale del Concerto Grosso A. Korelli è stata anche manifestata nel mantenere la tonalità principale in tutte le parti. La musica di quasi tutti i concerti di questo incredibile maestro italiano di Patatichna, a volte gli entangi lirici sono ascoltati in esso, sono sentiti relazioni con origini popolari.

Posto speciale nella storia dello sviluppo del concerto strumentale dei secoli XVII - XVIII. Appartiene al compositore italiano, Vizoldi Virtuoso Virtuoso. In concerti di questo ingegnoso compositore, la struttura tipica del concerto strumentale, che ha assunto la tre partnership della forma. Se in Concerto Grosso A. Korelli, un gioco completo chiuso in breve Episodi solisti, allora A. Vivaldi Party of Soloists è nato da un volo fantastico illimitato e passa nella presentazione improvvisativa gratuita. Nei concerti A. Vivaldi, la scala dei resistri orchestrali aumenta, e l'intera forma acquisisce una nuova natura dinamica. Il creatore del concerto solista ha cercato suoni luminosi e insoliti, mescolati i timbri di diversi strumenti, spesso comprendevano dissonanze nella musica.

Va notato che i concerti A. Vivaldi hanno fornito le ampie opportunità dei musicisti di brillare un gioco virtuoso e mostrare il loro strumento di possesso perfetto. Ci sono alcuni dialoghi di concerto tra solisti e altri partecipanti a Concert Act. Era nei concerti A. Vivaldi alternato Solo e Tutti divennero un'età generica di Concerto Allegro. Inoltre, la caratteristica della caratteristica determinante di questa forma è la Ronda, che diventa il risultato della natura che afferma la vita del concerto strumentale dei secoli XVII - primitivi XVIII. Un vivido esempio dello stile dei concerti strumentali A. Vivaldi è il ciclo "Seasons".

Il nuovo stadio dell'evoluzione del concerto strumentale è associato al lavoro dei rappresentanti del tardo barocco - I. S. Bach e G. F. Ghendel. La scoperta di questi maestri di pensiero musicale nel campo del concerto strumentale, divenne ambulanza in un futuro lontano. L'abbondanza del legname contrasta, la diversità delle combinazioni ritmiche, l'interazione intensiva del solista e dell'ente dell'orchestra - tutto ciò funziona per complicazione e la lettura più profonda del concerto. Quindi, un brillante esempio di abilità concertistica I. S. Baha sono "concerti di Brandeburgo" per vari composti strumentali, il "concerto italiano", che ha approvato il valore indipendente della chiave, come strumento di concerto. Mi concentro sul fatto che sono i concerti chiave I. S. Bach, ha identificato il vettore dello sviluppo del futuro concerto del pianoforte. Mentre i ricercatori testimoniano, I. S. Bach ha lavorato per molto tempo nel campo del genere del concerto; Ha studiato attentamente i concerti del violino dei maestri italiani, ha reso la trascrizione dei concerti di violino per una chiave. Il compositore ha poi iniziato a scrivere i suoi concerti per il violino e prendi le loro accordi. Più tardi, I. S. Bach si è trasferito a scrivere i propri concerti chiave. Va notato che creando concerti di tastiera, I. S. Bach segue le tradizioni e l'esperienza dei maestri italiani, che è espresso in una struttura ciclica in tre parti, texture leggera, espressività melodica e virtuosismo.

Nel concerto strumentale solista, è stato rivelato il profondo miglioramento della creatività G. F. Handel. Non è affatto accidentalmente in una lettera a uno degli amici di M. I. Glinka ha scritto: "Per la musica da concerto - Handel, Handel e Handel. La cima della creatività del concerto strumentale di questo incredibile maestri è Concerto Grosso - i grandi tesori della musica orchestrale XVIII secolo. Le composizioni si distinguono per la gravità classica e la moderazione della lettera. Parlando della festivity di questo genere da G. F. Handel, si potrebbe definire il suo stile come "Handelle Barocco" e caratterizzarlo come un energico, vivace, brillante con contrasti luminosi e abbondanza di ritmi luminosi. Concerti G. F. Handel String on Melody and Texture, più concisa nella struttura compositiva. Secondo il Concerto Grosso Music Warehouse, principalmente omofoni. La struttura di ciascun ciclo è variata (da due a sei parti); Ogni concerto ha collegamenti speciali di genere, un aspetto poetico figurativo. Così, le tradizioni stabilite nel concerto musicxvii secolo, sviluppate in tutto il XVIII secolo.

I creatori del concerto strumentale del nuovo tipo erano rappresentanti del classicismo viennese. È nel lavoro dei classici di Vienna che il concerto strumentale diventa un nuovo genere di musica concert, che differisce dall'ex concertogrosso, così come dal concerto solista del XVII secolo. Lo stile classico sta cambiando l'aspetto delle composizioni cicliche, è approvato un rigido ciclo di tre parti regolamentari, con un'accentuazione della prima parte della Sonata Allegro.

Essaggi di concerto Y. Gaidna, VA Mozart, L. Van Beethoven nel suo suono, dalla scala dello sviluppo del materiale tematico, non sono inferiori alla loro sinfonia e combinano i principi della musica da solista e da concerto-sinfonica, che è caratteristica di questo Genere nel suo complesso.

Nonostante il fatto che il concerto strumentale nei classici viennesi sia stato relativo alla sinfonia, il genere studiato non è un tipo di sinfonia. Il concerto nell'era del classicismo funge da genere esistente indipendente con determinate caratteristiche. La composizione dell'orchestra è molto importante, dove il gruppo di stringa è fondamentale, è completato da un gruppo di venti in legno e in rame, gli utensili da shock sono usati episodicamente. Elimina praticamente la pratica degli strumenti della tastiera continua dalla composizione principale dell'orchestra. Lo strumento da innovazione (violino o pianoforte) diventa un partecipante uguale nella concorrenza concertistica, il dialogo del concerto. Il solista e l'Orchestra si avvicinano alle loro tecniche di esecuzione, creando così condizioni per un'interazione più stretta. L'inclusione di nuovi argomenti, la variabilità delle funzioni nella presentazione di un argomento - indica la formazione di un nuovo tipo di interazione solista e orchestra.

La novità del classico concerto del pianoforte era anche nel metodo di mostrare le emozioni. Se un concerto strumentale barocco fissò un'emozione fissa, allora il concerto dell'era classicism ha dimostrato il trasferimento di colture in movimento, sviluppo, contrasto interno. Un concerto classico dinamico è venuto a sostituire un concerto barocco stabile.

L'immagine del processo di esperienza, il cambiamento nell'ultimo effetto, le immagini dei movimenti spirituali, richiedevano una forma musicale speciale. L'implementazione di un dato problema semantico è stata una forma di dibate, le cui funzioni dovevano migliorare l'instabilità iniziale, per affinare e solo alla fine per raggiungere l'equilibrio. La scala, la scelta delle composizioni orchestrali non mutevoli, la monumentalità dei cicli del concerto del piano classico ha contribuito all'attivazione del processo di limitazione dei confini del genere del concerto. A seguito di simili assunzioni innovative, i compositori hanno ricevuto più opportunità per attuare i propri disegni artistici. Va notato che oltre al dramma musicale, la forma di un concerto di pianoforte classico dimostra gli atteggiamenti degli atteggiamenti precedenti dell'era verso la cadenza, i tassi, il rapporto tra solista e l'orchestra si trasformano.

Secondo i ricercatori, il genere di un concerto classico di pianoforte può essere confrontato con l'azione teatrale, in cui la logica dei giochi musicali funge da logica delle situazioni di gioco, si trasforma nella logica dell'azione del palcoscenico, che consente ai mezzi del genere del concerto di attuare Complesso drammaturgia e autore nascosto il sottotesto.

Un'innovazione che determina la comparsa del concerto per pianoforte dell'era del classicismo era anche l'atteggiamento dei compositori e degli esecutori per la cadenza. Secondo i ricercatori, nel genere del concerto che precede il classicismo delle epoche, è stata prestata particolare attenzione ai cadendie. Nel XVIII secolo, quando l'arte dell'improvvisazione libera fiorì, la cadenza era considerata l'esecuzione "chiodo". È cadenza che ha dimostrato l'ingenuità creativa, così come il virtuosismo del contraente. La cadenza avrebbe dovuto soddisfare l'umore generale del lavoro e includere i suoi argomenti più importanti. Ogni virtoso di fascia alta dovrebbe avere possedere questa arte. La capacità di improvvisare non era solo la responsabilità del musicista, ma anche il diritto a cui è piaciuto nella performance degli scritti degli altri.

Va notato che i cassoni trovati nei concerti strumentali barocchi hanno consegnato un sacco di tormento negli artisti inesperti inesperti nell'improvvisazione. Molti artisti hanno imparato in anticipo la cadenza. A poco a poco, i cades plug-in hanno iniziato a essere fuori dai concerti. Fu durante il periodo di Vienna Classicism che c'era una frattura cardinale nella natura delle costruzioni cadenteneali, che ha completato la transizione dei cadenti dal quadro della cultura improvvisativa in una tradizione puramente scritta. Nella forma di concerto classica formata, la cadenza, come artista da solista virtuoso, era una parte obbligatoria della forma. Il primo passo in questa direzione è stato realizzato da L. van Beethoven, che inscritto nel suo quinto concerto tutte le cadenze note completamente. Nel concerto del pianoforte dell'epoca del classicismo, sono stati distribuiti virtuosi complessi cades. L'inizio della cadenza, più spesso, è stato enfatizzato o un accordo brillante o un passaggio virtuoso. Al momento del suono di questo frammento del concerto, l'attenzione dell'ascoltatore è stata ripetutamente aggravata. I principi per i quali è stata costruita la cadenza è specificata da elementi di sorpresa, avviamento virtuoso brillante, effetto. Esplorando le caratteristiche della formazione e dello sviluppo della cadenza nel concerto del pianoforte, è consigliabile citare le regole della "Scuola di pianoforte" D. Turka: "Cadenza, non solo deve sostenere l'impressione fatta dal gioco musicale, ma per quanto lontano il più possibile per rafforzarlo. Il modo più fedele per raggiungere questo obiettivo è quello di definire i pensieri di base più importanti o ricordarli con l'aiuto delle rivoluzioni. Pertanto, la cadenza dovrebbe essere strettamente connessa con il gioco eseguito e inoltre, da esso, attira principalmente il tuo materiale. Cadenza, così come ornamentazione gratuita, non dovrebbe essere costituito dalle difficoltà intenzionalmente portati, ma piuttosto da tali pensieri che corrispondono al personaggio principale del gioco. "

Il concerto del pianoforte dell'era classicism è un genere in cui l'affermazione di un tema musicale è approvato, non solo come un corriere di una certa espressività, ma anche come immagine artistica che contiene potenziali opportunità di sviluppo. È nei concerti di pianoforte che i compositori della scuola classica di Vienna raggiungono il più alto padronanza nel campo dello sviluppo tematico, lo sviluppo, utilizzando le tecniche più diverse - cambia la tonalità, l'armonizzazione, il ritmo, gli elementi di melodia. È anche caratteristico dello smembramento dell'argomento per i singoli motivi, che stessi sono sottoposti a varie trasformazioni e sono combinati in modo diverso l'uno all'altro. Il materiale tematico dei concerti di pianoforte di classici viennesi è caratterizzato da rilievo figurativo e individualità.

Tra le più importanti origini musicali - musica folk. Sulla base della ricchezza della canzone della gente dell'arte delle persone, i rappresentanti della scuola classica di Vienna sono venuti a una nuova comprensione della melodia, delle sue funzioni e opportunità.

Una particolarità speciale è segnato dal tema musicale dei concerti di pianoforti dei classici viennesi, che hanno sperimentato l'influenza dello stile italiano Belcanto. Secondo G. F. Teleman: "Il canto è una base universale della musica. Chi è preso per la scrittura - deve cantare in ciascuna delle parti. Chi gioca gli strumenti - deve essere nel canto della conoscenza. " Dato che Belcanto prevede una combinazione di eccellente cantilerio e ornamento virtuoso, gli argomenti di due tipi sono assegnati nei concerti di pianoforte classici: i temi sono vicini ai complessi tematici vocali del cantilene e virtuoso. A questo proposito, il solista appare in due amplua - come musicista ispirato e performer virtuoso.

I rappresentanti della Scuola Classica di Vienna sono abbastanza interessanti e diversificati nel genere del concerto del pianoforte, causando talmente l'interesse e lo sviluppo di questo genere nell'era del romanticismo, così come nel lavoro dei compositori del 20 ° secolo.

Come proprietà specifiche più importanti del genere del concerto di pianoforte, i ricercatori assegnano tradizionalmente quanto segue: logica di gioco, virtuosismo, improvvisazione, competizione, concernente.

Il principio di formazione del genere di un concerto classico è il gioco. È nel concerto strumentale che i componenti chiave del gioco sono più pienamente implementati - l'opposizione di vari principi e avversari. Nella scienza musicale, il concetto di Play Music Logic è stato utilizzato da E. V. Nazaykinsky. Nel genio di uno scienziato ("logica della composizione musicale"), la definizione della definizione studiata, come la logica di concessione, collisioni di vari strumenti e gruppi orchestrali, vari componenti del tessuto musicale, diverse linee di comportamento, formando a "Stereo", carattere teatrale, un'immagine di un'azione in via di sviluppo, è presentata. Dal momento che il concetto del gioco è determinante per un genere di concerti, dimostreremo più dettagli sulla sua caratterizzazione.

La letteratura enciclopedica presenta la seguente definizione del gioco: "Il gioco è una vista delle significative attività improduttivi, in cui il motivo si trova sia nel suo risultato che nel processo."

Il gioco è l'attributo di qualsiasi azione musicale e teatrale. Tra i concetti moderni del gioco, la teoria dello storico olandese Y. Heising, che considerava la funzione culturale del gioco nel suo sviluppo storico, occupa un posto speciale. Le opere dello scienziato dicono che il "gioco" è, soprattutto, attività gratuite. Il gioco sugli ordini non è più un gioco. J. HASEING trova la relazione di musica e giochi attraverso i tentativi di trovare termini comuni per entrambi i concetti. "Il gioco è fuori dalla prudenza della vita pratica, al di fuori della sfera dei bisogni e del beneficio. Si riferisce anche all'espressione musicale e alle forme musicali. Le leggi del gioco agiscono al di fuori delle norme della ragione, del debito e della verità. È anche vero per la musica ... in qualsiasi attività musicale c'è un gioco. La musica intrattenere e la gioia serve o cerca di esprimere alta bellezza, o ha uno scopo sacro liturgico - rimane sempre un gioco. "

Il gioco è schierato prima dell'ascoltatore come una catena di eventi affascinanti, ognuno dei quali, essendo una risposta al precedente, a sua volta genera nuove risposte o un nuovo pensiero. La logica del gioco si sviluppa nella musica come strumento di gioco. Come ha notato il grande compositore tedesco R. Schumann, "La parola" Play "è molto buona, poiché il gioco sullo strumento dovrebbe essere lo stesso del gioco con lui. Chi non gioca con lo strumento, non giocare e su di esso. "

Nel genere del concerto, la logica di gioco è di grande importanza. La gradazione degli altoparlanti nel micrometro della logica di gioco agisce spesso come mezzo di confronti di contrasto, intrusioni, accenti inaspettati. Come Note di E. V. Nazaykinsky, la logica del gioco nel livello compositivo può manifestarsi in un'interpretazione speciale del modulo. Su sintattico - in speciali "figure di gioco". Come tali "figure di gioco", lo scienziato evidenzia come: cambio di modus, trappola intonazione, invasione, impegnazione, replica-seconda, ripetizione impercettibilmente incrementale, soffiatura, colpo di stato, sovrapposizione, unione, superamento di ostacoli, tono bloccato, pickup variante, gioco Errore et al. Va notato che i partecipanti all'azione del gioco possono agire come certe costruzioni tematiche e piccoli motivi, brevi repliche musicali. La loro combinazione è la base della logica strumentale e di gioco.

La natura del gioco del concerto di pianoforte è realizzata dal virtuosismo. Ci concentriamo sul fatto che l'elemento definitivo del virtuosismo è l'abilità esecutiva del musicista, che dovrebbe essere molto migliore del performer medio. Virtuoso (da ITAL.VIRTUOSO - DA LATTO.VIRTUS - VALOR, TALENT) - Artista posseducente tecnica artistica. La prima menzione di "virtuoso" è associata ai secoli Italy XVI - XVII. Questo termine era destinato a una persona che è stata segnata in qualsiasi campo intellettuale o artistico. Il termine si è sviluppato nel tempo, allo stesso tempo espanso ed è stato disaggregato. Inizialmente, i musicisti hanno onorato una simile classificazione, essendo compositori, teorici o famoso Maestro, che era più importante del workshop.

Il concerto come genere implica la manifestazione dimostrativa pubblicamente dell'abilità del musicista dell'artista e del suo virtuosismo. Allo stesso tempo, il virtuosismo è subordinato al contenuto interno della musica ed è un elemento organico di un'immagine artistica. Si dovrebbe anche notare che il virtuosismo non esprime altro che l'inizio artistico della persona umana ed è parte della calligrafia performante del musicista stesso. L'unità organica del virtuosismo e dei cantanti è prima incarnata nel genere del concerto. Il virtuosismo da parte del solista, da un lato, lo rende il leader nel dialogo con l'orchestra, e dall'altro, contribuisce alla "socievolezza" del genere del concerto stesso.

Un principio altrettanto importante che determina il genere della natura del concerto di pianoforte è il principio di avversaria. Va notato che l'idea della concorrenza è radicata nell'antica Grecia, dove nacque i Giochi Olimpici. Ad oggi, i avversari definiscono quasi tutte le aree della vita umana, contribuisce alla manifestazione creativa, nonché all'auto-realizzazione della personalità creativa. Il principio della concorrenza nella musica, in particolare nel concerto strumentale, non implica seriamente il confronto "seriamente". Concert Competition è una situazione condizionale in cui si sente l'atmosfera del dialogo, esprimendo nella "comunicazione" dei principali concorrenti. Pertanto, la concorrenza del concerto è solo un'immagine idealizzata del confronto di Solo e Orchestra. La concorrenza prevede un'alternanza alternativa della replica del solista e del gioco dell'orchestra, perché alcuni pensieri possono apparire sia nella parte del partecipante principale nella competizione, sia in una presentazione puramente orchestrale insieme a un solista o senza la sua partecipazione. Va notato che in una concorrenza di concert, come in qualsiasi azione di gioco, è importante non tanto il risultato (chi è il primo?), Quanta effetto è come il fatto dell'esistenza di tale confronto.

Diversi tipi di rapporto tra l'orchestra e il solista, che determinano metodi specifici per l'organizzazione strutturata del materiale musicale, nonché gli strumenti di concerti, sono specificati dai principi del concerto. Concentrai sul fatto che il principio di concerto è stato applicato per la prima volta in Italia, a sua volta dei secoli XVI - XVII, nell'interpretazione dei concerti vocali e strumentali. Tuttavia, basandosi sugli studi scientifici dello storico musicale tedesco A. Shering, possiamo parlare dell'origine più antica di questo principio. Secondo il ricercatore, le sue origini "... possono essere rintracciate all'antichità, a cambiare cantare nella tragedia greca e ai salmi degli ebrei antichi, che vengono poi rivelati di nuovo durante il Medioevo come antiformi nel rituale cattolico." Questa è un'indicazione dell'origine musicale e drammatica di concerti. Secondo BV Asafieva, è proprio il mezzo per concerrare che il dialogo strumentale, basato sulla divulgazione, gli impulsi, stabiliti nella tesi, è in fase di attuazione, che può fungere da varietà di elementi, fino a un altoparlante o "il Semplice coniugazione dei suoni ", per non parlare delle costruzioni dettagliate del tipo di tema melodico.

La tecnologia di concessione, vale a dire l'interazione del solista con l'orchestra nel genere del concerto, è nata in Concerti A. Vivaldi. I punti fondamentali sono l'alternanza di Tutti e Solo, il genere e la programmazione, l'uso di Timbre, mezzi dinamici e ritmici di espressività. La combinazione di queste caratteristiche, in una combinazione armonica, aumenta l'importanza e la rilevanza del principio di concessione. Va notato che nell'era dei classici viennesi, questo principio varia in modo significativo. Il concerto diventa strettamente associato allo sviluppo tematico. È prevista l'improvvisazione del solista (cadenza). Il partito solista ha la natura del virtuosismo ornamentale.

L'implementazione di auto-espressione creativa gratuita nel concerto di pianoforte è il principio dell'improvvisazione. Questo principio simboleggia la più alta manifestazione della natura del gioco del concerto del pianoforte. L'imperialità è una conseguenza dell'iniziativa spontanea-creativa del musicista dell'artista. L'essenza di improvvisazione è i nuovi elementi dell'interpretazione del lavoro e degli aspetti dell'espressività musicale.

Si consiglia di notare che il ruolo dell'esecuzione dell'improvvisazione è stato ottimo nelle attività dei musicisti del XVII - la prima metà del XVIII secolo. Secondo la pratica di quel tempo, il pianista doveva usare i motivi della musica precedente in improvvisazione casuale, ma potrebbe anche scalarlo e nuovi argomenti stranieri. Nei concerti strumentali di questa era, ci sono episodi musicali, dove l'orchestra è silenziosa, e il solista ha l'opportunità di mostrare la sua abilità e fantasia. È noto che sia il V. A. A. Mozart che L. Van Beethoven erano grandi improvvisatori, che si riflettevano nei loro concerti di pianoforte.

La velocità della reazione artistica, la luminosità delle immagini improvvisamente emergenti, l'ingenuità nel cambiamento acuto del loro cambiamento - le qualità che l'improvvisatore dovrebbe avere. La sorpresa improvvisativa è stata segnata dall'adesione del solista, argomenti di illuminazione variazionale improvvisa, confronto da loro, contrasti di armonia, sapore orchestrale. Ma questi turni sono legati dalla logica musicale saggia. La natura improvvisativa è anche caratteristica di cadenzata di un concerto classico, ma il principio di improvvisazione nei cadenza del classico concerto del pianoforte è stato regolato rigidamente.

Pertanto, esaminando le peculiarità dell'origine e dello sviluppo del concerto di pianoforte, oltre ad analizzare le specifiche del suo genere di natura, abbiamo concluso che il concerto di pianoforte è uno dei maggiori generi monumentali della musica strumentale. L'emergere del genere in studio è associato all'emergere di uno stile di omofono nella musica. La cristallizzazione dei principali segni del genere del concerto (molte struttura a contrasto, il principio di avversarità e improvvisazione, le immagini brillanti) viene effettuata nell'era barocca (creatività A. Vivaldi, A. Korelli, I. S. Baha, G. F. Handel.). Una nuova pietra miliare nella storia dello sviluppo del genere del concerto di pianoforte apre i maestri del "Vienna Classicism" (J. Gaidn, V. A. Mozart L. van Beethoven). Il concerto del pianoforte di questi innovatori del vocabolario musicale si distingue per la scala del piano, la drammatizzazione delle immagini musicali, la luminosità della melodia, lo sviluppo sinfonico del materiale tematico, il virtuosismo con una grande comunicazione organica del solista e dell'orchestra. L'essenza del genere del concerto di pianoforte è specificato dai seguenti principi: logica di gioco, virtuosismo, improvvisazione, concorrenza, concerning. I principi designati definiscono non solo le caratteristiche della struttura e del contenuto del concerto, ma formano anche il campo dei compiti e dei metodi per risolverli nella pratica esecutiva del pianista.

I risultati presentati nel lavoro non pretendono di essere pienamente studiati da un problema analizzato e suggerire ulteriore sviluppo. È consigliabile esplorare le caratteristiche della realizzazione del genere natura del concerto su specifici esempi di saggi concerti dei compositori classici, nonché i rappresentanti della cultura musicale della seconda metà del XIX - primo XXI secolo.

LETTERATURA

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Princess N. A. Concerto per pianoforte: storia, teoria del problema

Questa pubblicazione presenta un'analisi del genere di un concerto di pianoforte come una varietà di musica strumentale. Le caratteristiche dello sviluppo storico del genere studiato sono indicate. Le caratteristiche del genere strutturale del concerto sono state identificate e analizzate.

Parole chiave: concerto di pianoforte, genere, struttura, forma musicale.

PRISCHEPA N. A. A. Concerto per pianoforte: storia, teoria della domanda

L'articolo riguarda l'analisi del Genere Concerto per pianoforte come forma di musica strumentale. Le caratteristiche dello sviluppo del genere sono definite. Sono analizzate caratteristiche strutturali e generi del concerto del pianoforte.

Parole chiave: Concerto per pianoforte, genere, struttura, forma musicale.

La storia dell'emergenza e dello sviluppo del genereCONCERTO.

Buon pomeriggio, cari amici, amanti della musica! Mi dando il benvenuto al prossimo incontro del nostro salotto musicale! Oggi la conversazione andrà sul genere musicale.

Tutto ciò che sei noto la parola "concerto". Cosa significa questo termine? (risposte degli ascoltatori). I concerti sono diversi. Li elenchiamo. (I partecipanti incontrano le note in cui sono elencati i tipi di concerti:

Concerto sinfonico

Concerto delle stelle pop russe

Concerto della musica classica

Concerto della musica folk russa

Concerto della musica spirituale

Concerto di musica antica

Concerto dell'orchestra del governatore degli strumenti popolari russi "

Concerto solisti del teatro Bolshoi

Concerto solista Artista.

Benefitico (spettacolo o presentazione nel teatro, la collezione da cui è disponibile a favore di uno degli artisti partecipanti o di un intero gruppo, ad esempio coro, orchestra), ecc.

Ma c'è un altro significato di questa parola. Il concerto è un genere musicale. A proposito di lui oggi e andrà una storia. Presenterà brevemente la storia dell'emergere e lo sviluppo del genere e ascolta i frammenti di concerti creati da grandi maestri in diverse epoca storica.

Cos'è un concerto? La parola è educata a partire dal concerto. - armonia, consenso e da cervello - Conceptere) - Un lavoro musicale, più spesso per uno o più strumenti di risanzione con l'orchestra.Infatti, il rapporto dello strumento di risanzione e dell'orchestra nel concerto contengono elementi e "partnership" e "rivalità". Ci sono anche concerti per uno strumento - senza orchestra (concerti -assolo) , Concerti per l'Orchestra - Senza strettamente certi feste soliste, concerti per voce (o voti) con orchestra e concerti per il coro . Il creatore di un tale concerto è il compositore russo Dmitry Bortnyansky.

Preistoria.

Il concerto è apparso in Italia alla svolta dei secoli XVI-XVII come il lavoro polifonico vocale della musica della Chiesa (il cosiddetto concerto spirituale) e sviluppato dal polihoreismo e confrontando i cori, ampiamente utilizzati dai rappresentanti della scuola veneziana. Gli scritti di questo tipo potrebbero essere indicati come concerti (concerzi) e motetti; Più tardi, I. S. Bach ha chiamato concerts il loro cantato polifonico.

I rappresentanti della scuola veneziana sono stati ampiamente utilizzati nel supporto strumentale del concerto spirituale.

Concerto dell'era barocca.

All'inizio del XVIII secolo La fonte include diversi tipi di concerto. Nei concerti del primo tipo, un piccolo gruppo di strumenti - Concertino (Concertino, "Little Concert") - si oppone al Gruppo Maggiore, che è stato chiamato, come il lavoro stesso, Concerto Grosso, "Big Concert"). Tra i saggi noti di questo tipo - 12 Concerto Grosso (op. 6) Arkandell Corelli, dove il concerto è rappresentato da due violini e violoncello, e Grosso Concanto è uno strumento di stringa più ampio. Concertino e Concerto Grosso sono associati a Basso Continuo ("Basse" permanente "), che è presentato con un tipico della musica barocca dalla composizione di accompagnamento dello strumento della tastiera (più spesso del closing) e dello strumento String BASS. I concerti di Corelli sono costituiti da quattro o più parti.

Suona un frammento del concerto A. Korelli

Un altro tipo di concerto barocco è stato composto per uno strumento di risanzione con il gruppo di accompagnamento chiamato Ripieno o tutti. Tale concerto di solito consisteva in tre parti, eprimo Quasi ha sempre avuto la forma di Rondo: la sezione introduttiva orchestrarea (ribalta), in cui è stato esposto il materiale tematico principale della parte e i frammenti sono stati ripetuti dopo ogni partizione da solista. Le sezioni da solista venivano solitamente somministrate al contraente l'opportunità di brillare con il virtuosismo. Spesso svilupparono il materiale del ribaltamento, ma spesso consistevano solo dai passaggi di Gamot, Arpeggio e Sequences. Alla fine della parte, il ribaltamento è apparso nella sua forma originale.Secondo , la parte lenta del concerto è stata lirica e composta in forma libera. Veloceparte finale Spesso c'era un tipo di danza e molto spesso l'autore è tornato alla forma di Rondo. , uno dei compositori più famosi e prolifici del barocco italiano, ha scritto molti concerti da solista, tra cui quattro concerti per il violino, noto comeLe stagioni .

Suggerisco di ascoltare 3h. Concerto "Estate", che si chiama "Temporale"

La finale del concerto di La minore per violino con l'orchestra ("Moscow Virtuosos")

Vivaldi ha anche concerti per due e più strumenti da innovazione in cui sono combinati elementi delle forme di un concerto solista, Grosso conclude e persino il terzo tipo di concerto - solo per l'orchestra, che a volte era chiamata Concerto Ripieno.

Concerti I.S. Bach, tra cui sette concerti chiave, due per violino e sei cosiddetti. Concerti di Brandeburgo, in generale, seguire anche i modelli di concerti di Vivaldi: loro, come le opere di altri compositori italiani, Bach ha studiato molto zelantemente.

Frammento del concerto di Branderburg №3 G-Dur

Concerto classico.

Sebbene figli , In particolare Karl Philipp Emanuel e Johann Christian, ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del concerto nella seconda metà del XVIII secolo, il genere non è stato cresciuto a una nuova altezza, e . In numerosi concerti per violino, flauti, clarinetti e altri strumenti, e in particolare in 23 concerti chiave, Mozart, che aveva una fantasia inesauribile, sintetizzato gli elementi di un concerto solista barocco con la scala e la logicità della forma di sinfonia classica. Nel tardo pianoforte di Mozart di Mozart, il Ruturnel si trasforma in una mostra che comprende una serie di idee tematiche indipendenti, l'orchestra e l'interagire solista come partner uguali, un'armonia senza precedenti si ottiene nel partito solista tra virtuosismo e compiti espressivi. Anche Che qualitativamente ha cambiato molti elementi tradizionali del genere, chiaramente considerati il \u200b\u200bMANERA e il metodo del concerto Mozartov come ideale.

Concerto Mozart per 3 fs con orchestra

Concerto Beethoven per violino con orchestra

La seconda e terza parte al concerto di Beethoven sono associate a un breve passaggio, seguite da cadenza, e un tale mazzo è ancora più luminoso grazie al forte contrasto figurativo tra le parti. La porzione lenta si basa su una solenne melodia quasi antimoniaria, che dà abbastanza opportunità per il suo abile sviluppo lirico nella parte solista. La finale del concerto è stata scritta sotto forma di Rondo - questa è una parte mobile, "gioco" in cui una semplice melodia, con il suo "ritmico tritato" che ricorda la gente folk Viesis, intervarsi con altri argomenti, anche se Rondo contrasta con il ritornello, ma il mantenimento un magazzino di ballo comune.

XIX secolo.

Alcuni compositori di questo periodo (ad esempio, Chopin o Paganini) hanno completamente mantenuto la forma classica del concerto. Tuttavia, hanno appreso e innovazioni fatte al concerto di Beethoven, come l'entrata da solitaria all'inizio e l'integrazione della cadenza sotto forma di parte (cadenza - un episodio solista che funge da un pacco tra parti). Una caratteristica molto importante del concerto a 19 V. C'era una cancellazione di una doppia esposizione (orchestrale e solista) nella prima parte: ora nell'esposizione dell'orchestra e del solista eseguita insieme. Innovazioni simili sono caratteristiche dei grandi concerti di pianoforte di Shumanan, Brahms, Griga, Tchaikovsky e Rakhmaninov, concerti di violino di Mendelsohn, Brahms, Bruha e Tchaikovsky, concerti di violoncello di Algara e Dvorakik. Un'altra innovazione è contenuta nei concerti di concerti di foglia di pianoforte e in alcune opere di altri autori - ad esempio, in sinfonia per ALTA con Harold Orchestra in Italia Berlioz, nel concerto del pianoforte di Buzoni, dove viene introdotto il coro maschile. In linea di principio, la forma, il contenuto e le tecniche tipiche sono cambiati molto poco durante il XIX secolo. Il concerto è stato il risultato di rivalità con la musica del software che ha avuto una forte influenza su molti generi strumentali della seconda metà di questo secolo.Stravinsky. e , non lontano (se andassero a tutti) dai principi di base di un concerto classico. Per il 20 ° secolo Caratterizzato dalla rinascita del genere di Concerto Grosso (negli scritti di Stravinsky, Valo Williams, Bloch e ) e coltivazione del concerto per l'orchestra (corteccia, coda, ). Nella seconda metà del secolo, la popolarità e la redditività del genere del concerto rimane, e la situazione del "passato nei tempi moderni" è tipica in diversi scritti, come concerti di John Cage (per il pianoforte preparato), (per violino), Lu Harrison (per pianoforte), Philipper Glass (per violino), John Corigorno (per flauto) e differisci Liggeti (per violoncello).

concertus.) - Una scrittura musicale scritta per uno o più strumenti, con l'accompagnamento dell'orchestra, al fine di dare l'opportunità ai solisti per mostrare il virtuosismo di esecuzione. Il concerto, scritto per 2 strumenti, è chiamato doppio, per 3 - triplo. In tale k. L'orchestra ha un'importanza secondaria e solo in scommessa (tutti) riceve un valore indipendente. Il concerto in cui l'orchestra ha un grande valore sinfonico, è chiamato sinfonico.

Il concerto è di solito da 3 parti (parti estreme - in un movimento rapido). Nel XVIII secolo, una sinfonia in cui molti utensili stavano giocando da solista, chiamati Concerto Grosso. Più tardi, una sinfonia in cui uno strumento ha ricevuto un valore più indipendente in confronto con gli altri, è diventato noto come Symphonique Concervante, ConcertiRende Sinfonie.

La parola concerto, come il nome della composizione musicale, apparve in Italia alla fine del XVI secolo. Il concerto in tre parti è apparso alla fine del XVII secolo. Italian Korelli (vedi) è considerato il fondatore di questa forma K., da cui si sono sviluppati nel XVIII e XIX secolo. K. Per diversi strumenti. K. Viepical, violoncello e pianoforte sono più popolari. Più tardi, K. ha scritto Bach, Mozart, Beethoven, Schumanov, Mendelssohn, Tchaikovsky, Davydov, Rubinstein, Viotti, Paganini, Vietan, Bruch, Vietolian, Ernst, Servire, Litholf, ecc. Concerto di piccole dimensioni, in cui le parti sono unite, chiamate concertina.

Un concerto classico è anche chiamato un assemblaggio pubblico nelle sale con un suono speciale attraverso, in cui vengono eseguiti un numero di opere vocali o strumentali. Guardare il programma, il concerto è chiamato: sinfonico (in cui le opere orchestrali sono soddisfatte), spirituali, storiche (composte da varie era). Il concerto è anche chiamato l'Accademia quando gli artisti, sia solo che l'orchestra sono artisti prioritari.

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Questioni di concerti funziona per l'orchestra in ottone

il concerto ha 2 peperoni "concorrenti" tra il solista e l'orchestra, può essere chiamato la competizione.

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Guarda cos'è un "concerto strumentale" in altri dizionari:

Concerto su solo strumenti musicali, senza cantare. Un dizionario di parole straniere incluse nella lingua russa. Pavlenkov F., 1907 ... Dizionario di parole straniere della lingua russa

Concerto (lui. Konzert, da ital. Concerto ≈ concerto, armonia, consenso, dal lat. Concerto ≈ competitivo), un lavoro musicale, in cui una parte più piccola degli strumenti o dei voti di partecipazione è contraria a più di loro o l'intero ensemble, ... ...

strumentale - Aya, oh. Instrumentale adj., Esso. Strumentale. Rel. allo strumento dello strumento. Sl. 18. Alla Academy of Sciences, i maestri sono strumentali. Uomo 2 59. Arte strumentale. Lomon. ASS 9 340. | Muz. Bel Virtuoso Garthman, ... ... Dizionario storico del Gallicalism Lingua russa

Concerto (It. Konzert, da Ital. Concerto concerto, armonia, consenso, dal lat. Concerto Competi) Un lavoro musicale, in cui una parte più piccola degli strumenti o dei voti più piccoli si oppone alla loro parte superiore o all'intero ensemble, ... ... Grande enciclopedia sovietica.

1. Inizialmente le prestazioni pubbliche della musica, il concerto di parole (consorte) ha significato la composizione degli artisti (ad esempio, un involucro di violico), piuttosto che il processo di esecuzione, e in questo senso utilizzato fino a 17 V. Fino a quel momento, musica seria ... ... Enciclopedia Color.

concerto - A, m. 1) Prestazioni pubbliche degli artisti su un certo programma pre-disegnato. Organizzare un concerto. Andare ad un concerto. Concerto sinfonico. 2) Prodotto musicale per uno o più strumenti di sondaggio e orchestra. Concerto ... ... Dizionario popolare della lingua russa

- (It. Konzert, da Ital. Concerto concerto, lettere. Concorrenza (voti), dal lat. Concerto Competi). Il lavoro per molti artisti, in rum, una parte più piccola degli strumenti partecipanti o dei voti è restrittiva loro più di loro o di tutto ... ... ... Enciclopedia musicale

Concerto - (Da Ital. E lat. Consoldo consenso, competizione) 1) Instru., Wok. Miserale o wok. Genere, vantaggi. Ciclico, con opposizione, parlò. I partecipanti e i gruppi verranno eseguiti. composizione. K. è generato dall'idea del lavoro. Competizioni, giochi, rivalità, ... ... Dizionario enciclopedico umanitario russo

CONCERTO - (It. Concerto, p. Concerto, It. Konzert), 1) Prestazioni pubbliche della musica. Lavori (concerto sinfonico, chiesa, orchestra militare, giardino, ecc.). - 2) musica grande. Un gioco per qualsiasi strumento da solista con un'orchestra ... Dizionario Musica Riemann.

Pianta Sestroretsky Instrumental Factory. S.P.VOSCOVA Sestroretsky ARMANY Plant ... Wikipedia

Libri

Musica bielorussa della seconda metà del ventesimo secolo. Reader ,. La collezione comprende opere di compositori bielorussi creati nella seconda metà del 20 ° secolo. Contiene opere di vari generi: canzone (incluso folklore), romanticismo, camera ...

Il contenuto dell'articolo

CONCERTO(Ital. Concerto), un pezzo o molti lavori musicali per uno o più strumenti da innovazione e orchestra. L'origine della parola "concerto" non è abbastanza chiara. Forse è collegato con Ital. Contare ("Accetto", "vieni al consenso") o dal lat. Contarre ("pulito", "lotta"). In effetti, la relazione tra lo strumento solista e l'orchestra nel concerto contengono elementi e "partnership" e "rivalità". Per la prima volta, la parola "concerto" è stata applicata nel 16 ° secolo. Per designare gli strumenti vocali, in contrasto con il termine una cappella, che indicava saggi puramente vocali. I concerti di Giovanni Gabriel, scritti per la Cattedrale di St. Il marchio a Venezia, o concerti di Ludoviko da ViaDyan e Henry Schutza sono principalmente uno scritto spirituale light con supporto strumentale. Fino alla metà del 17 ° secolo. La parola "concerto" e aggettivo "concerto" (concertato ) ha continuato a relazionarsi con la musica vocale e strumentale, ma nella seconda metà di questo secolo, prima a Bologna, e poi i concerti puramente strumentali sono apparsi a Roma e a Venezia.

Concerto dell'era barocca.

Un altro tipo di concerto barocco è stato composto per uno strumento di risanzione con il gruppo di accompagnamento chiamato Ripieno o tutti. Tale concerto di solito consisteva in tre parti, e il primo ha quasi sempre la forma di Rondo: la sezione introduttiva orchestrata (ribalta), in cui il principale materiale tematico della parte e frammenti sono stati ripetuti dopo ogni partizione solista. Le sezioni da solista venivano solitamente somministrate al contraente l'opportunità di brillare con il virtuosismo. Spesso svilupparono il materiale del ribaltamento, ma spesso consistevano solo dai passaggi di Gamot, Arpeggio e Sequences. Alla fine della parte, il ribaltamento è apparso nella sua forma originale. Il secondo, la parte lenta del concerto è stata lirica e composta in forma libera, a volte la ricezione del "basso basso" è stato usato in esso. La parte finale veloce spesso aveva un tipo di danza e abbastanza spesso l'autore è tornato a lei per formare Rondo. Antonio Vivaldi, uno dei compositori più famosi e prolifici del barocco italiano, ha scritto un sacco di concerti da solista, tra cui quattro concerti per il violino, famoso chiamato Le stagioni. Vivaldi ha anche concerti per due e più strumenti da innovazione in cui sono combinati elementi delle forme di un concerto solista, Grosso conclude e persino il terzo tipo di concerto - solo per l'orchestra, che a volte era chiamata Concerto Ripieno.

Tra i migliori concerti dell'era barocca, si può chiamare le opere di Handel, e i suoi 12 concerti (OP. 6), pubblicati nel 1740, sono scritti sul campione di Concerto Grosso Korelli, con cui Handel si è incontrato durante il suo primo soggiorno Italia. Concerti I.S. Bach, tra cui sette concerti chiave, due per violino e sei cosiddetti. Concerti di Brandeburgo.In generale, seguire anche i modelli di concerti Vivaldi: sono, come le opere di altri compositori italiani, Bach ha studiato molto zelantemente.

Concerto classico.

Sebbene i figli di Baha, in particolare Karl Philipp Emanuel e Johann Christian, avessero svolto un ruolo importante nello sviluppo del concerto nella seconda metà del XVIII secolo, il genere è stato cresciuto a una nuova altezza e Mozart. In numerosi concerti per violino, flauti, clarinetti e altri strumenti, e in particolare in 23 concerti chiave, Mozart, che aveva una fantasia inesauribile, sintetizzato gli elementi di un concerto solista barocco con la scala e la logicità della forma di sinfonia classica. Nel tardo pianoforte di Mozart di Mozart, il Ruturnel si trasforma in una mostra che comprende una serie di idee tematiche indipendenti, l'orchestra e l'interagire solista come partner uguali, un'armonia senza precedenti si ottiene nel partito solista tra virtuosismo e compiti espressivi. Persino Beethoven, che ha qualitativamente cambiato molti elementi tradizionali del genere, chiaramente considerato il MANERA e il metodo del concerto Mozartov come ideale.

Il concerto di Beethovensky Violin di D principale (OP. 61) inizia dalla voce orchestrarica implementata, dove le idee principali sono presentate nella forma inseguita di un'esposizione semanata. Il tema iniziale ha un aspetto simile a marzo, che è in genere per un concerto classico, e Beethoven ha un ruolo importante per il LitiVr, questa qualità è enfatizzata. I secondi e terzi argomenti sono più liri ed espansivi, ma allo stesso tempo conservano la nobile sofisticazione data dal primo tema. Quando la voce solista, tuttavia, tutto cambia. Come risultato di girare inaspettato alla ribalta, i motivi secondari dell'esposizione orchestrali escono, depositati nella consistenza brillante dello strumento di risanamento: ogni elemento è ripensato e affilato. Poi il solista e l'orchestra competono nello sviluppo di diversi argomenti, e in ripresa ripetono il materiale tematico principale come partner. Più vicino alla fine della parte dei messaggi dell'orchestra, per consentire al solista di fare una cadenza - improvvisazione estesa, lo scopo di dimostrare il virtuosismo e l'ingegnosità del solista (in questo momento i solisti di solito non improvvisano, ma giocare i cassonati registrati di altri autori). La cadenza tradizionale termina con un rimorchio, dopo il quale segue la conclusione orchestrale. Beethoven, tuttavia, rende il violino a ricordare un secondo argomento lirico (suona sullo sfondo di un accompagnamento orchestrale rilassato) e dopo che gradualmente si sposta su una brillante conclusione. La seconda e terza parte al concerto di Beethoven sono associate a un breve passaggio, seguite da cadenza, e un tale mazzo è ancora più luminoso grazie al forte contrasto figurativo tra le parti. La porzione lenta si basa su una solenne melodia quasi antimoniaria, che dà abbastanza opportunità per il suo abile sviluppo lirico nella parte solista. La finale del concerto è stata scritta sotto forma di Rondo - questa è una parte mobile, "gioco" in cui una semplice melodia, con il suo "ritmico tritato" che ricorda la gente folk Viesis, intervarsi con altri argomenti, anche se Rondo contrasta con il ritornello, ma il mantenimento un magazzino di ballo comune.

XIX secolo.

Il ventesimo secolo.

Le rivoluzioni artistiche commesse durante i primi due decenni del 20 ° secolo. E il periodo dopo la seconda guerra mondiale, non troppo trasformata l'idea di base e l'aspetto del concerto. Persino i concerti di tali innovatori luminosi come Prokofiev, Shostakovich, Copland, Stravinsky e Bartok, non sono lontani (se viaggiano affatto) dai principi di base di un concerto classico. Per il 20 ° secolo Caratterizzato dalla rinascita del genere di Confanto Grosso (negli scritti di Stravinsky, Valo Williams, Bloch e Shnitke) e coltivando un concerto per l'orchestra (Barkok, Kodai, hindemite). Nella seconda metà del secolo, la popolarità e la redditività del genere del concerto rimane, e la situazione del "passato nei tempi moderni" è tipica in diversi scritti, come concerti di John Cage (per il pianoforte preparato), Sofia Gubaidulina (per violino), Lu Harrison (per pianoforte), Philip Glass (per violino), John Corigorno (per il flauto) e la diarrea Ligue (per violoncello).

Caratteristiche stilistiche dei concerti strumentali del XVIII secolo. Concerto come un concerto di musica classico del genere musicale brevemente

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