Στάση απέναντι στη ζωή Διαφορετικές εποχές άλλαξε μερικές φορές σχεδόν ξέχασε γι 'αυτόν, και μερικές φορές ήταν το πιο Δημοφιλές είδος Ζωγραφική. Ως ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής, εμφανίστηκε στο έργο των ολλανδικών καλλιτεχνών τον 17ο αιώνα. Στη Ρωσία, για μεγάλο χρονικό διάστημα που σχετίζεται με τη ζωή Κάτω είδος, και μόνο στις αρχές του 20ού αιώνα έγινε ένα πλήρες γονιδίωμα. Στον τέσσερις αιτιολογικά καλλιτέχνες δημιουργήθηκαν πολύ ένας μεγάλος αριθμός από Ακόμα μήπως, αλλά ανάμεσα σε αυτό το ποσό μπορείτε να διαθέσετε την πιο γνωστή και σημαντική εργασία για το είδος.

"Νεκρή φύση με ζαμπόν και ασημένια πιάτα" (1649) Villem Clas Hedda (1594-1682).

Ο ολλανδός καλλιτέχνης ήταν αναγνωρισμένος πλοίαρχος της νεκρή φύση, αλλά ήταν αυτή η ζωγραφική που ξεχωρίζει στο έργο του. Εδώ είναι αισθητά η ικανότητα των εγκεφαλικών αρχών στη μεταφορά καθημερινών οικιακών αντικειμένων - μια αίσθηση πραγματικότητας καθενός από αυτά δημιουργείται. Στο τραπέζι που καλύπτεται με ένα πλούσιο τραπεζομάντιλο, υπάρχει ένα κεχριμπάρι λεμόνι, ένα κομμάτι φρέσκο \u200b\u200bζαμπόν και ένα ασήμι πίνακα. Αύριο μόλις έχει τελειώσει, οπότε ένα μικρό χάος είναι αισθητό στο τραπέζι, το οποίο κάνει την εικόνα ακόμα πιο πραγματική. Όπως και τα περισσότερα από τα ολλανδικά, ακούγονται αυτή την περίοδο, εδώ κάθε στοιχείο φέρει μερικά Σημασιολογικό φορτίο. Έτσι, τα ασημένια πιάτα μιλούν για τον γήινο πλούτο, το ζαμπόν υποδηλώνει αισθησιακή χαρά, και λεμόνι - Εξωτερική ομορφιάκρύβοντας εσωτερική πικρία. Μέσα από αυτά τα σύμβολα, ο καλλιτέχνης μας θυμίζει ότι πρέπει να σκεφτεί περισσότερο για την ψυχή, και όχι μόνο για το σώμα. Η εικόνα γίνεται σε ένα μόνο καφέ-γκρι gamme χαρακτηριστικό του συνόλου Ολλανδική ζωγραφική αυτής της εποχής. Εκτός από το προφανές διακοσμητικό, αυτή η ακόμα ζωή μιλάει επίσης για την αόρατη "ήσυχη ζωή" των αντικειμένων που παρατηρήθηκε η προσεκτική εμφάνιση του καλλιτέχνη.

"Ροδάκινα και αχλάδια" (1895) Paul Cesanne (1830-1906).

Το είδος της νεκρή φύση ήταν πάντα πολύ συντηρητικό. Επομένως, σχεδόν μέχρι τις αρχές του 20ού αιώνα, έμοιαζε επίσης τον 17ο αιώνα. Όσο ο Paul Cezann δεν τον πήρε. Πίστευε ότι η ζωγραφική θα πρέπει να μεταδίδει αντικειμενικά την πραγματικότητα και οι εικόνες πρέπει να βασίζονται στους νόμους της φύσης. Ο Cezann ζήτησε να μεταφέρει μη μεταβλητή, αλλά μόνιμη ποιότητα του θέματος, μέσω της σύνθεσης του σχήματος και των χρωμάτων, συνδυάζοντας το σχήμα και το διάστημα. Και το είδος της νεκρή φύση έχει γίνει ένα εξαιρετικό αντικείμενο για αυτά τα πειράματα. Κάθε ένα από τα στοιχεία της νεκρή φύση των "ροδάκινων και των αχλαδιών" απεικονίζεται από διαφορετικές γωνίες. Έτσι βλέπουμε το τραπέζι από ψηλά, φρούτα και τραπεζομάντιλο - στο πλάι, ένα μικρό τραπέζι - από το κάτω μέρος, και η κανάτα είναι γενικά ταυτόχρονα από διαφορετικές πλευρές. Η Cezanne προσπαθεί να μεταφέρει σωστά το σχήμα και τον όγκο των ροδάκινων και των αχλαδιών. Για να το κάνετε αυτό, χρησιμοποιεί οπτικούς νόμους, τόσο ζεστές αποχρώσεις (κόκκινο, ροζ, κίτρινο, χρυσό) αντιλαμβάνονται από το προεξέχον, και το κρύο (μπλε, μπλε, πράσινο) - υποχώρηση βαθιά στα βάθη. Ως εκ τούτου, η μορφή των αντικειμένων στις νεκρές βλάστές του δεν εξαρτάται από τον φωτισμό, αλλά γίνεται σταθερό. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η Cezanna φαίνεται μνημειώδης.

Μπλε τραπεζομάντιλο (1909) Henri Matisse (1869-1954).

Ακόμη και οι άνθρωποι άπειροι στη ζωγραφική έχουν μια ιδέα για το τι φαίνεται η ζωή. Αυτοί είναι οι πίνακες στους οποίους απεικονίζονται οι συνθέσεις από οποιοδήποτε αντικείμενο ζωής ή χρωμάτων. Ωστόσο, δεν γνωρίζουν όλοι πώς αυτή η λέξη μεταφράζεται - νεκρή φύση. Τώρα θα σας πούμε για αυτό και πολλά άλλα πράγματα, τα οποία σχετίζονται με αυτό το είδος.

Την προέλευση της λέξης "νεκρή φύση"

Έτσι, η έκφραση της Φύσης Morte ήρθε στα ρωσικά, φυσικά, από τα γαλλικά. Όπως βλέπετε, χωρίζεται σε δύο μέρη - "φύση" και "morte", τα οποία μεταφράζονται, αντίστοιχα ως "φύση, φύση, ζωή" και "νεκρή, ήσυχη, σταθερή". Τώρα βάζουμε δύο μέρη μαζί και παίρνουμε όλη τη γνωστή λέξη "νεκρή φύση".

Με βάση όλα τα παραπάνω, μπορείτε να κάνετε ένα συμπέρασμα ότι η ακόμα ζωή είναι ένα είδος Ζωγραφική γεύματος, μια εικόνα ενός καλλιτέχνη σε καμβά κατεψυγμένο, ακίνητο φύση. Αληθινή, μερικές φορές οι πλοίαρχοι της νεκρή φύση συμπληρώνουν τα αρκετά ζωντανά τους όντα - πεταλούδες, κάμπιες, αράχνες και σφάλματα και ακόμη και πουλιά. Αλλά η εξαίρεση επιβεβαιώνει μόνο τον βασικό κανόνα.

Σχηματισμός του είδους

Η ιστορία της νεκράς ζωής έχει σχεδόν 600 χρόνια. Μέχρι το XVI αιώνα Κανείς δεν μπορούσε να έρθει στο κεφάλι ότι μπορείτε να τραβήξετε κάποια χρώματα Αψυχα αντικείμενα, ακόμη και αν είναι πολύ όμορφο. Ακόμα οι ζωγραφικές ζωγραφιές απλά δεν υπήρχαν σε αυτές τις στιγμές. Στον Μεσαίωνα, η ζωγραφική ήταν εξ ολοκλήρου αφιερωμένη στον Θεό, την εκκλησία και τον άνθρωπο. Οι καλλιτέχνες έγραψαν φωτογραφίες για θρησκευτικά οικόπεδα, ήταν επίσης σε όλα τα πορτρέτα. Ακόμα και το τοπίο που εκτελείται μόνο ως συμπλήρωμα.

Αλλά ακόμα, ορισμένα στοιχεία της νεκράς ζωής έχουν ήδη συναντηθεί τον 15ο αιώνα από τους ολλανδούς ζωγράφους. Στους πίνακους τους με παραδοσιακό θρησκευτικό ή μυθολογικό περιεχόμενο, καθώς και πορτραίτα υπάρχουν εικόνες προσεκτικά αποφορτισμένες γιρλάντες, βιβλία, πιάτα και ακόμη και ανθρώπινα κρανία. Μερικοί αιώνες θα περάσουν και ολόκληρος ο κόσμος θα θαυμάσει τις δημιουργίες των λεγόμενων μικρών ολλανδικών πλοιάρχων ΝΟΜΙΚΗ ΖΩΗ.

Ωστόσο, η κατανομή του σε ένα ανεξάρτητο είδος καλών τεχνών δεν είναι ακόμα οι ολλανδοί άνδρες, αλλά οι γάλλοι. Όπως ο Francois αναχωρεί, η Monnuaye και ο Jean-Batist Udria διατύπωσε τις βασικές αρχές της ζωγραφικής "Θέμα", σχημάτισε την κύρια ιδέα της και εμφανίστηκε στο ευρύ κοινό όλη την ομορφιά και τη γοητεία της νεκρή φύση.

Η εποχή των μικρών ολλανδικών - η άνθηση της ζωγραφικής ακόμα δια βίου

Έτσι, ας προσπαθήσουμε να ασχοληθούμε για αρκετούς αιώνες πριν, προκειμένου να καταλάβουμε ποιοι τόσο μικρές ολλανδικές και γιατί, όταν πρόκειται για μια κλασική νεκρή φύση, τους θυμούνται πάντα. Οι πρώτες ολλανδικές ακόμα ζωγραφικές είναι οι δημιουργίες ζωγράφων που ζούσαν στις Κάτω Χώρες τον 17ο αιώνα. Μικρά ολλανδικά - τόσο αποδεκτή για να καλέσετε τη Σχολή Ζωγραφικής και της κοινότητας καλλιτεχνών που δημιούργησαν εικόνες οικιακής εστίασης μικρών μεγεθών. Φυσικά, έγραψαν όχι μόνο τη ζωή.

Μεταξύ αυτών ήταν πολλοί παίκτες τοπίου και δάσκαλοι της ζωγραφικής του είδους. Οι καμβάς τους δεν προορίζονταν καθόλου για παλάτια και εκκλησίες, αλλά να διακοσμήσουν τις κατοικίες των πιο συνηθισμένων πολιτών. Την εποχή εκείνη, περίπου 3 χιλιάδες καλλιτέχνες ζούσαν σε μια μικρή Ολλανδία και όλοι διέφεραν να φέρουν την ομορφιά του καθημερινού κόσμου σε καμβά να φέρουν την ομορφιά του καθημερινού κόσμου. Οι επόμενοι ιστορικοί τέχνης θα καλούν αυτή τη φορά από την ολλανδική αναγέννηση. Ήταν τότε ότι το είδος της νεκρή φύση ήταν ευρέως διαδεδομένο.

Κορυφαία ολλανδικά ακόμα Lifes

Στην όμορφη όπως στην αποθήκη, διάφορα σκεύη κουζίνας, φρούτα, λουλούδια πολυτελείας, είδη οικιακής χρήσης ξεδιπλώνεται μπροστά από το κοινό. Το λουλούδι ακόμα Lifes ήταν πολύ δημοφιλές. Ήταν εν μέρει λόγω του γεγονότος ότι στις Κάτω Χώρες, τα αμνημονεύκια χρόνου υπήρχαν μια λατρεία λουλουδιών και κηπουρικής. Μερικοί από τους πιο λαμπρούς εκπροσώπους του ολλανδικού τρόπου ζωγραφικής του τρόπου ζωής 17 στο. Καλλιτέχνες Yang Davids de Hem, καθώς και ο γιος του Cornelis de Hem.

Οι γραφικές δημιουργίες τους κέρδισαν δημοτικότητα και φήμη λόγω του γεγονότος ότι γνώριζαν πώς να απεικονίζουν λουλούδια και φρούτα. Προσεκτική μελέτη των εξαρτημάτων με ένα εκλεπτυσμένο Γκάμα χρωμάτων Και η ιδανικά χτισμένη σύνθεση έκανε τις ζωγραφιές τους με ασύγκριτες. Αυτοί οι καλλιτέχνες ζωγράφισαν πολυτελή ανθοδέσμη, που στέκονται σε όμορφα αγγεία, με τους οποίους ο φλάουτο των πεταλούδων? Γιρλάντες φρούτων; διαφανή ποτήρια κρασιού γεμάτα με κρασί. πιάτα με σταφύλια και άλλα φρούτα. μουσικά όργανα Κλπ. Η γνωστή νεκρή φύση του πατέρα και ο γιος χτυπάει από τον ρεαλισμό τους, την ωραία μετάδοση του παιχνιδιού του φωτός και του εκλεπτυσμένου χρώματος.

Νεκρή φύση στη ζωγραφική των ιμπρεσιονιστών

Η μεγάλη προσοχή δόθηκε στο είδος της νεκρή φύση και Γάλλοι ιμπρεσιονιστές, καθώς και τους προμείσπιους. Φυσικά, ο τρόπος γραφής τους διέφερε απότομα από την ρεαλιστική πολυπλοκότητα των μικρών ολλανδικών, επειδή η κλασική ζωγραφική των ιμπρεσιονιστών δεν προσελκύει. Claude Monet, Edward Mana, Edgar Degas, Van Gogh - Όλοι αυτοί οι καλλιτέχνες αγαπούσαν τα λουλούδια και τα φυτά που γράφουν, επειδή και οι δύο αποτελούν μέρος της φύσης, της οποίας η ομορφιά έπεσε όλη τη ζωή τους.

Ο Auguste Renoir έγραψε για τη ζωή του μια ολόκληρη γκαλερί όμορφου αέρα που ακίνητες. Μερικές φορές η εικόνα του "κατεψυγμένου χαρακτήρα" απαιτείται να είναι ιμπρεσιονιστές μόνο ως συμπλήρωμα. Για παράδειγμα, στην ζωγραφική "πρωινό στο γρασίδι", Edward Mana στο προσκήνιο, μπορείτε να δείτε μια υπέροχη νεκρή φύση των διάσπαρτων ρούχων, διάσπαρτα στο γρασίδι των φρούτων και του σκύλου. Ο Van Gogh έγραψε πολλές ασυνήθιστες ακόμα ζωφάνες. Πολλοί γνωρίζουν τους πίνακες "ηλιοτρόπια" ή "ίριδες", αλλά εξακολουθεί να έχει τέτοιο καμβά, όπως η καρέκλα "van gogh" - όλα αυτά είναι επίσης δείγματα ζωγραφικής νεκρή φύση.

Ρωσική νεκρή φύση

Παραδόξως, στη Ρωσία νεκρή φύση στη μορφή Ξεχωριστό είδος Δεν ήταν σε μεγάλο χρονικό διάστημα, καθώς θεωρήθηκε σχεδόν το χαμηλότερο από όλα τα είδη της εξαιρετικής τέχνης, τα οποία δεν απαιτούν θεμελιώδεις γνώσεις ούτε ειδικές δεξιότητες στη ζωγραφική. Μόνο στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Οι Ρώσοι Κινητές ήταν σε θέση να προκαλέσουν ενδιαφέρον για αυτό το είδος τέχνης από το ρωσικό κοινό.

Στη συνέχεια, πολλοί ρωσικοί ζωγράφοι γοητεύτηκαν από μια νεκρή ζωγραφική. Νεκρή φύση διάσημους καλλιτέχνεςΌπως ο Igor Grabar, Kuzma Petrov-Vodkin, Ivan Khrutsk, μπορεί να δει στις αίθουσες της γκαλερί Tretyakov, το ρωσικό μουσείο, το μουσείο Καλές τέχνες τους. Πούσκιν στη Μόσχα, καθώς και στο Ερμιτάζ. Αλλά η πραγματική άνθηση της ακουστικής ζωγραφικής συνέβη στη χώρα μας στην εποχή του σοσιαλισμού.

Φωτογραφία νεκρή φύση

Με την άφιξη της φωτογραφίας στον κόσμο της τέχνης, ένα άλλο είδος εμφανίστηκε ως φωτογραφία ακόμα Lifes. Σήμερα, πολλοί άνθρωποι ενδιαφέρονται για τη δημιουργία φωτογραφικών αριστουργημάτων. Ορισμένες φωτογραφίες απλά έκπληκνται από την τελειότητα και την ικανότητά τους του φωτογράφου. Μερικές φορές με τη βοήθεια της φωτογραφικής μηχανής, οι ταλαντούχοι φωτιστές καταφέρνουν να φτάσουν οι νεκρές βλάστηση, οι οποίες δεν είναι κατώτερες από τις πιο γνωστές δημιουργίες μικρών ολλανδικών.

Για να αρχίσετε να σχεδιάζετε νεκρή φύση, πρέπει πρώτα να το καταλάβετε από οποιαδήποτε στοιχεία. Για τα πρώτα πειράματα στην ακίνητη ζωγραφική ζωγραφικής, δεν είναι καλύτερο να μην κάνετε πολύπλοκες συνθέσεις, τα ζευγάρια-τρόικα θα είναι αρκετά.

Στη συνέχεια, τραβήξτε τη ζωή σταδιακά. Πρώτα πρέπει να κάνετε ένα σχέδιο με ένα μολύβι ή ένα άνθρακα. Στη συνέχεια, θα πρέπει να υπάρχουν εύκολα υποβρύχια που αποκαλύπτουν τα βασικά χρώματα και τις σκιές της σύνθεσης, και στη συνέχεια μπορείτε να ξεκινήσετε απευθείας στο σχέδιο των εξαρτημάτων.

Η νεκρή φύση είναι ένα είδος που απέκτησε φήμη στη δυτική τέχνη μέχρι το τέλος του XVI αιώνα και από τότε παραμένει ένα σημαντικό είδος. Η νεκρή φύση ταξινομείται σύμφωνα με την εικόνα των συμβατικών αντικειμένων που μπορεί να είναι φυσικά, όπως λουλούδια, φρούτα κ.λπ. ή τεχνητά, όπως γυαλιά, μουσικά όργανα κλπ. Το ακόλουθο είναι μια λίστα με τους 10 πιο διάσημους καλλιτέχνες ακόμα ζωής συμπεριλαμβανομένων των πεδίων Charden, Cezanna, Van Gogh και Georgio Morandi.

№10 Still Life Series, Artist Tom Desetman

Η κίνηση ποπ τέχνης προέκυψε στη δεκαετία του '50 του 20ου αιώνα και χρησιμοποιεί αναγνωρίσιμες εικόνες από ένα δημοφιλές κουλτούρα. Μεταξύ των περισσότερων Δημοφιλή έργα Το Pop Art είναι μια σειρά από ακόμα Lifes Tom Duskelman. Οι ακόμα ζωντανοί του απεικονίζουν στοιχεία Σύγχρονη Mira, όχι φρούτα και λαχανικά της προηγούμενης γενιάς καλλιτεχνών αυτού του είδους. Αυτή η εργασία (νεκρή φύση # 30) είναι ένας συνδυασμός ζωγραφικής, γλυπτών και κολάζ εμπορικών σημάτων, που ο Tom είδε στο δρόμο.

№9 Vanitas με βιολί και γυάλινη σφαίρα

Καλλιτέχνης: Peter Clas

Πηγαίνετε στο τελικό στάδιο αυτής της σειράς θέσεων σχετικά με το είδος της νεκρή φύση. Θα αφιερωθεί στο έργο των καλλιτεχνών της Ρωσίας.

Ίσως, ίσως από τον Fedor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Γραφικά νεκρή φύση F.P. Tolestoy, διάσημος ρωσικός γλύπτης, μετάλλινος, συντάκτης και ζωγράφος, ίσως το πιο εξαιρετικό και πολύτιμο μέρος του Δημιουργική κληρονομιάΑν και ο ίδιος ο καλλιτέχνης είπε ότι δημιούργησε αυτά τα έργα "στον ελεύθερο χρόνο του από σοβαρή κατοχή".

Η κύρια ιδιοκτησία των κρατρικών σχεδίων του τρόπου ζωής είναι παχύ - η ψευδαίσθηση τους. Ο καλλιτέχνης προσεκτικά αντιγράφηκε τη φύση. Προσπάθησε, σύμφωνα με τα δικά του λόγια, "με αυστηρές φυλακές για να μεταφέρει ένα αντιγραμμένο λουλούδι από τη φύση σε χαρτί όπως είναι, με όλες τις παραμικρές λεπτομέρειες που ανήκουν σε αυτό το λουλούδι." Προκειμένου να εισαγάγει ένα σφάλμα ο θεατής, το Tolstoy χρησιμοποίησε τέτοιες τεχνικές ψευδαισθήσεων, ως εικόνα σταγονιδίων δροσιάς ή ημιδιαφανές χαρτί, που καλύπτουν το σχέδιο και βοηθώντας στην εξαπατώντας το όραμα.

Η Ilya Efimofich Repin (1844-1930) στράφηκε επίσης σε ένα τέτοιο κίνητρο της νεκρή φύση ως λουλούδια. Αυτά τα έργα περιλαμβάνουν τη ζωγραφική "φθινόπωρο μπουκέτο" (1892, Tretyakov γκαλερί, Μόσχα), όπου ο καλλιτέχνης με την ίδια προσοχή απεικονίζει Φθινόπωρο τοπίο, Νεαρή γυναίκα που στέκεται ενάντια στο φόντο των χρυσών δέντρων, και ένα μέτριο μπουκέτο από κίτρινα και λευκά χρώματα στα χέρια της.

I. repin. Φθινόπωρο μπουκέτο. Πορτρέτο μιας πίστης σχοινιού. 1892, Γκαλερί Tretyakov

Η ιστορία της ζωγραφικής "μήλα και φύλλα" είναι κάπως ασυνήθιστη. Νεκρή φύση, συνδυάζοντας φρούτα και φύλλα, ορίζεται για έναν φοιτητή της Repina, V.A. Serov. Η υποκείμενη σύνθεση μου άρεσε τόσο ο δάσκαλος που αποφάσισε να γράψει μια τέτοια ακόμα ζωή. Τα λουλούδια και τα φρούτα προσέλκυσε πολλούς καλλιτέχνες που προτιμούσαν από άλλα πράγματα ακριβώς αυτά, τα πιο ποιητικά και όμορφα δείχνουν τον κόσμο της φύσης. Ακόμη και σε. Ο Kramskaya, ο οποίος θεωρήθηκε απόλυτα σε ένα τέτοιο είδος, έδωσε επίσης φόρο τιμής στη νεκρή φύση, δημιουργώντας μια θεαματική εικόνα "Μπουκέτο λουλουδιών. Floxes "(1884, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα).

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) είναι γνωστό στους περισσότερους από εμάς ως καλλιτέχνης που έδωσε προσοχή στον τομέα του τοπίου, πορτρέτου και Ιστορική ζωγραφική. Ωστόσο, πρέπει να σημειωθεί ότι το θέμα στο έργο του έπαιξε πάντοτε σημαντικό ρόλο και συχνά κατέλαβε την ίδια ισότιμη θέση, καθώς και άλλα στοιχεία της σύνθεσης. Λίγο υψηλότερο, ανέφερα ήδη το φοιτητικό του έργο "μήλα στα φύλλα", 1879, που κρατούσε υπό την ηγεσία της repin. Αν συγκρίνουμε αυτό το έργο με το έργο που γράφτηκε στο ίδιο θέμα της repin, μπορείτε να δείτε ότι η νεκρή φύση του Serov διακρίνεται από πιο σκίτσο από το ύφασμα του δασκάλου του. Ο αρχάριος καλλιτέχνης χρησιμοποίησε χαμηλή άποψη, έτσι το πρώτο και το δεύτερο σχέδιο συνδυάζονται και το υπόβαθρο μειώνεται.

Διάσημο από την παιδική εικόνα "κορίτσι με ροδάκινα" ξεπερνά Είδος Πορτρέτο Και δεν είναι τυχαίο ότι ονομάζεται "κορίτσι με ροδάκινα" και όχι το "πορτρέτο της πίστης μαμούθ". Μπορούμε να δούμε ότι τα χαρακτηριστικά του πορτρέτου, το εσωτερικό και η νεκρή φύση συνδέονται εδώ. Ο καλλιτέχνης πληρώνει την ίδια προσοχή στην εικόνα του κοριτσιού σε μια ροζ μπλούζα και μερικά, αλλά επιδέξια ομαδοποιημένα θέματα. Σε ένα λευκό τραπεζομάντιλο βρίσκονται απαλά κίτρινα ροδάκινα, Φύλλα σφενδάμνου και λαμπρό μαχαίρι. Lovely Ανακαλύφθηκε και άλλα πράγματα που βρίσκονται στην άκρα: καρέκλες, μια μεγάλη πλάκα πορσελάνης, που κοσμούν τον τοίχο, μια φιγούρα ενός στρατιώτη παιχνιδιών, ένα κηροπήγιο στο περβάζι. Το φως του ήλιου, που ρίχνει έξω από το παράθυρο και αφήνοντας τα αντικείμενα φωτεινή λάμψη, δίνει την εικόνα ποιητική γοητεία.

Ο Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) έγραψε: "Και πάλι με τονίζει, όχι, δεν παραιτείται, αλλά ακούω από το οικείο εθνικό σημείωμα που θέλω να πιάσω καμβά και στο στολίδι. Αυτή είναι η μουσική ενός ολόκληρου ανθρώπου, που δεν διαχωρίζεται από περισπασμούς μιας ομαλό, διαφοροποιημένης και απαλότητας δυτικά. "

Στην Ακαδημία Τέχνων, ο αγαπημένος δάσκαλος Vrubel ήταν ο Pavel Chistyakov, ο οποίος πήρε τον νεαρό ζωγράφο για να "σχεδιάσει τη φόρμα" και υποστηρίζει αυτό Ογκομετρικές μορφές Μην δημιουργείτε στο διάστημα με σωλήνα και περιγράμματα, θα πρέπει να χτιστούν με γραμμές. Χάρη σε αυτόν, ο Vrubel έμαθε να μην δείξει μόνο τη φύση, αλλά σαν να είχε μια ειλικρινή, σχεδόν αγάπη συνομιλία μαζί της. Με ένα τέτοιο πνεύμα, διεξήχθη μια θαυμάσια νεκρή φύση των δασκάλων "Roshovnik" (1884).

Στο φόντο της εξαιρετικής κουρτίνας με floral μοτίβα, ο καλλιτέχνης δημοσίευσε ένα κομψό στρογγυλεμένο βάζο, ζωγραφισμένο από τα ανατολικά σχέδια. Ξεθωριασμένα απαλά λευκό λουλούδι Rosehip, σκιασμένο με μπλε-πράσινο πανί, και τα φύλλα του φυτού είναι σχεδόν συγχωνευμένα με αχνό λαμπερό λαιμό μαύρο βάζο. Αυτή η σύνθεση εκτελείται από τις απροσδιόριστες γοητείες και φρεσκάδα, τις οποίες ο θεατής απλά δεν μπορεί παρά να υποκύψει.

Μεγάλες δεξιότητες στη δημιουργία ακόμα Lifes - "Sniffs" έφτασε στο G.N. Θερμότητα και Τ. Ulyanov. Τις περισσότερες φορές, απεικόνισαν ένα μαχητικό τοίχο, στο οποίο τραβήχτηκαν οι κόμβοι και τα σώματα του δέντρου. Στους τοίχους είναι κρεμασμένα ή κλείστε για καρφιά καρφωμένες κορδέλες μια ποικιλία αντικειμένων: ψαλίδια, χτένια, γράμματα, βιβλία, μουσικά σημειωματάρια. Σε στενά ράφια, ρολόγια, μελάνια, μπουκάλια, κηροπήγια, πιάτα και άλλα μικρά πράγματα τοποθετούνται στα στενά ράφια. Φαίνεται ότι ένα τέτοιο σύνολο αντικειμένων είναι εντελώς τυχαίο, αλλά στην πραγματικότητα δεν είναι έτσι. Κοιτάζοντας τέτοιες ακόμα ζωφάνες, μπορείτε να μαντέψετε τα συμφέροντα των καλλιτεχνών που ασχολούνται με την ενότητα, την ανάγνωση, τη λάτρη της τέχνης. Masters με αγάπη και επιμελώς απεικόνισαν τα αγαπημένα τους πράγματα. Αυτοί οι πίνακες αγγίζουν την ειλικρίνειά τους και την αμεσότητα της αντίληψης της φύσης.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) επίσης πλήρωσε πολύ νεκρή φύση στο έργο του. Στις χαρούμενες καμβά του μπορείτε να δείτε φωτεινό Σατέν υφάσματα, αφρώδη με χαλκό samovars, λάμψη από πήλινα σκεύη και πορσελάνη κόκκινες φέτες καρπούζι, συστάδες σταφυλιών, μήλα, ορεκτικά cupcakes. Ένα από αυτά Υπέροχες εικόνες Είναι το "COMPICE FO TEA", το 1918 είναι αδύνατο να μην θαυμάσετε το φωτεινό μεγαλείο των αντικειμένων που εμφανίζονται στον καμβά. Αφρώδης Samovar, φωτεινό κόκκινο κρέας καρπούζια, γυαλιστερά μήλα και διαφανή σταφύλια, γυάλινο βάζο με μαρμελάδα, επιχρυσωμένο μπολ ζάχαρης και ένα κύπελλο που βλέπει, όλα αυτά τα πράγματα κάνουν μια εορταστική διάθεση σε μια εικόνα.

Στο είδος του ήπατος Μεγάλη προσοχή Πληρώθηκε στις αποκαλούμενες "ακόμα ζωντανές ζωές-ανόητες". Πολλοί ακόμα ζωντανοί - "εξαπατώντας", παρά το γεγονός ότι το κύριο καθήκον τους ήταν να εισαγάγει έναν θεατή για σφάλμα, διαθέτει αναμφισβήτητα καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα, ειδικά αισθητά σε μουσεία, όπου, υφαντά γύρω από τους τοίχους, τέτοιες συνθέσεις, φυσικά, δεν μπορούν να εξαπατήσουν το κοινό . Αλλά υπάρχουν εξαιρέσεις εδώ. Για παράδειγμα, "νεκρή φύση με βιβλία", που εκτελείται από το P.G. Ο Bogomolov, που εισάγεται στην απατηλή "βιβλιοθήκη" και οι επισκέπτες δεν αναγνωρίζουν αμέσως ότι είναι απλά μια εικόνα.

Πολύ καλή "νεκρή φύση με παπαγάλο" (1737) G.N. Tepplova. Με τη βοήθεια σαφών, σαφών γραμμών, μετακινώντας σε μαλακά, ομαλά περιγράμματα, ελαφρές, διαφανείς σκιές, λεπτές χρωματικές αποχρώσεις, ο καλλιτέχνης δείχνει μια ποικιλία αντικειμένων που ανυψώνονται σε ένα boardwall. Ξύλινη μεταδίδεται ξύλο, μπλε, ροζ, κιτρινωπές αποχρώσεις των οποίων βοηθά να δημιουργήσει σχεδόν ένα πραγματικό αίσθημα φρέσκιας μυρωδιάς μόνο ένα διάστικτο δέντρο.

Οι Ρώσοι ακόμα ζωντανοί - "εξαερισμού" του XVIII αιώνα δείχνουν ότι οι καλλιτέχνες εξακολουθούν να μην μεταδίδουν επιδέξια χώρο και τόμους. Το πιο σημαντικό, γι 'αυτούς να δείξουν την υφή των αντικειμένων, σαν να μεταφερθούν σε καμβά από την πραγματική πραγματικότητα. Σε αντίθεση με τις ολλανδικές ακόμα ζωφάνες, όπου τα πράγματα που απορροφάται από το ελαφρύ μέσο απεικονίζονται στην ενότητα μαζί της, στους πίνακες των ρωσικών πλοιάρχων, τα αντικείμενα που απορρίπτονται πολύ προσεκτικά, ακόμη και μικροσκοπικά, ζουν σαν από μόνα τους, ανεξάρτητα από τον γύρω χώρο.

Στην αρχή του 19 αιώνα μεγάλο ρόλο Στο μέλλον, η ανάπτυξη της νεκρή της ζωής έπαιξε από το σχολείο. Venetsianova, ο οποίος πέρασε αυστηρή οριοθέτηση των ειδών και προσπάθησε να διδάξει τους μαθητές του με ένα ολιστικό όραμα της φύσης.

A.G.Vetsianov. Khumno, 1821-23

Το βενετσιάνικο σχολείο ανακάλυψε ένα νέο είδος για τη ρωσική τέχνη - εσωτερικό. Οι καλλιτέχνες έδειξαν διάφορες εγκαταστάσεις του ευγενούς σπιτιού: σαλόνια, υπνοδωμάτια, ντουλάπια, κουζίνες, αίθουσες διδασκαλίας, ανθρώπινα κ.λπ. Σε αυτά τα έργα, δόθηκε μια σημαντική θέση μιας εικόνας διαφόρων αντικειμένων, αν και η ίδια η ζωή δεν ενδιαφέρεται σχεδόν για τους εκπροσώπους του βενετσιάνικου κύκλου (σε κάθε περίπτωση, διατηρήθηκε μια πολύ μικρή νεκρή ζωή, που εκτελούσε από τους μαθητές του διάσημου ζωγράφος). Παρ 'όλα αυτά, ο Venetsianov κάλεσε τους μαθητές του να δουλέψει προσεκτικά όχι μόνο τα πρόσωπα και τις φιγούρες των ανθρώπων, αλλά και τα πράγματα γύρω τους.

Το θέμα στη ζωγραφική του Βενετσιανού δεν είναι ένα εξάρτημα, είναι άρρηκτα συνδεδεμένο με τους υπόλοιπους πίνακες και είναι συχνά το κλειδί για την κατανόηση της εικόνας. Για παράδειγμα, μια παρόμοια λειτουργία εκτελείται από δρεπάνι στην εικόνα "Zntsy" (το δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1820, το ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Τα πράγματα στην Τέχνη της Βενετσιάς φαίνεται ότι συμμετέχουν στην αδιάσπαστη και γαλήνια ζωή χαρακτήρων.

Αν και ο Venetcianov, κατά πάσα πιθανότητα, δεν έγραψε την πραγματική ακόμα ζωή, περιλάμβανε αυτό το είδος στο εκπαιδευτικό του σύστημα. Ο καλλιτέχνης έγραψε: " Τα άψυχα πράγματα δεν υπόκεινται στις διαφορετικές αλλαγές, οι οποίες είναι χαρακτηριστικές των κινούμενων αντικειμένων, στέκονται, κρατούν μπροστά σε έναν άπειρο καλλιτέχνη, ζωντανό, ακίνητο και του δίνουν μια εποχή πιο ακριβή και έξυπνα, να διεισδύσουν στη σχέση ενός μέρους στο το άλλο όπως στις γραμμές, έτσι στο φως και τη σκιά, ο Koi εξαρτάται από τον ιστότοπο που καταλαμβάνεται από αντικείμενα”.

Φυσικά, η νεκρή ζωή έπαιξε σημαντικό ρόλο στο παιδαγωγικό σύστημα της Ακαδημίας Τεχνών στο XVIII- Xix αιώναx (Στα σχολεία της τάξης, οι μαθητές έγιναν αντίγραφα από τις νεκρές βλάστηση των ολλανδικών δασκάλων), αλλά ήταν ο Βενετσιανόφ ο οποίος κάλεσε νέους καλλιτέχνες να επικοινωνήσουν με τη φύση τους, εισήγαγαν το πρώτο έτος σπουδών για τον φοιτητή, που καταρτίστηκε από τέτοια πράγματα όπως τα στοιχεία γύψου, Πιάτα, κηροπήγια, πολύχρωμες κορδέλες, φρούτα και λουλούδια. Τα αντικείμενα για την κατάρτιση εξακολουθούν να κυριαρχούν οι Βενετσιανές, ώστε να ενδιαφέρονται για τους αρχάριους ζωγράφους, είναι κατανοητοί σε σχήμα, όμορφα σε χρώμα.

Στους πίνακες που δημιουργούνται από ταλαντούχους φοιτητές της Βενετσιανόφ, τα πράγματα μεταφέρθηκαν ειλικρινά και φρέσκα. Αυτές εξακολουθούν να είναι ζωντανές Κ. Zelestova, Ρ.Ε. Cornilova. Υπάρχουν έργα στα έργα των βενετσιάννων που είναι στην ουσία τους δεν είναι ακόμα ζωντανές, αλλά, ωστόσο, ο ρόλος των πραγμάτων σε αυτούς είναι τεράστιος. Μπορείτε να καλέσετε, για παράδειγμα, το πανί "Υπουργικό συμβούλιο στα νησιά" και "Αντανάκλαση στον καθρέφτη" G.V. Το Soroki αποθηκεύτηκε στη συνάντηση του ρωσικού μουσείου στην Αγία Πετρούπολη.

G.v. Καρακάξα. "Υπουργικό συμβούλιο στα νησιά". Τμήμα, 1844, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Ακόμα οι ζωές σε αυτά τα έργα δεν είναι ανεξάρτητα, αλλά ως ένα ιδιόμορφο τμήμα του εσωτερικού τμήματος, που αντιστοιχεί στο γενικό σύνθετο και συναισθηματικό σύστημα ζωγραφικής. Το κύριο δεσμευτικό στοιχείο εδώ είναι το φως, γυρίζοντας απαλά από ένα στοιχείο σε άλλο. Κοιτάζοντας τον καμβά, ξέρετε πόσο ενδιαφέρουσα ο καλλιτέχνης σε όλο τον κόσμο απεικονίζει με αγάπη κάθε στοιχείο, κάθε μικρό πράγμα.

Νεκρή φύση που παρουσιάζεται στο "γραφείο στα νησιά", αν και χρειάζεται ένα μικρό μέρος μέσα Γενική σύνθεσηΦαίνεται ασυνήθιστα σημαντική κατανομή λόγω του γεγονότος ότι ο συγγραφέας το έκαψαν από τα υπόλοιπα υψηλά ελατήρια του καναπέ και τα αριστερά και στα δεξιά περικοπή το πλαίσιο. Φαίνεται ότι σαράντα τόσο γοητευμένος από τα αντικείμενα που βρίσκονται στο τραπέζι, που σχεδόν ξέχασαν για τους υπόλοιπους πίνακες. Ο πλοίαρχος έγραψε προσεκτικά τα πάντα: φτερό χήνας, μολύβι, τσίρκο, μεταφορά, perochitelnik, άβακας, φύλλα χαρτιού, κερί σε ένα κηροπήγιο. Η άποψη από τα παραπάνω σάς επιτρέπει να εξετάσετε όλα τα πράγματα, κανένας από αυτούς δεν ανάβει άλλο. Χαρακτηριστικά όπως ένα κρανίο, ρολόγια, καθώς και τα σύμβολα της "FASS" (ειδώλιο, χαρτί), επιτρέπουν σε ορισμένους ερευνητές να ταξινομούν νεκρή φύση στον τύπο των βινιλάς, αν και μια τέτοια σύμπτωση είναι καθαρά τυχαία, πιθανότατα έναν serf Ο καλλιτέχνης επωφελήθηκε από το γεγονός ότι βρισκόταν στο τραπέζι του ιδιοκτήτη του.

Γνωστός κύριος των συνθέσεων των υποκειμένων πρώτα halves XIX. Αιώνας ήταν ο καλλιτέχνης i.f. Khrutsky που έγραψαν πολλά Ομορφες εικόνες στο πνεύμα Ολλανδική νεκρή φύση XVII αιώνα. Μεταξύ των καλύτερων έργων του - "Λουλούδια και φρούτα" (1836, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα), "Πορτρέτο μιας συζύγου με λουλούδια και φρούτα" (1838, Μουσείο τέχνης Λευκορωσία, Μινσκ), "Νεκρή φύση" (1839, Μουσείο Ακαδημίας Τεχνών, Αγίας Πετρούπολης).

Στο πρώτο μισό του XIX αιώνα, η "βοτανική νεκρή φύση", η οποία ήρθε σε εμάς από τη Δυτική Ευρώπη, ήταν πολύ δημοφιλής. Στη Γαλλία, αυτή τη στιγμή, το έργο της βοτανικής με όμορφες εικόνες. Πολλά φήμη σε πολλές ευρωπαϊκές χώρες έλαβαν τον καλλιτέχνη P.Z. Ο Rabuay, ο οποίος θεωρήθηκε "ο πιο διάσημος ζωγράφος των λουλουδιών του χρόνου του". Το "βοτανικό σχήμα" ήταν ένα σημαντικό φαινόμενο όχι μόνο για την επιστήμη, αλλά και για την τέχνη και τον πολιτισμό. Παρόμοια σχέδια παρουσιάστηκαν ως δώρο, διακοσμημένα άλμπουμ, τα οποία τα βάζουν έτσι σε μια σειρά με άλλα έργα ζωγραφικής και γραφικών.

Στο δεύτερο μισό του XIX αιώνα, δόθηκε μεγάλη προσοχή στην εικόνα των αντικειμένων. Fedotov. Αν και δεν έγραψε τον άλλο φοιτητή, ο κόσμος των πραγμάτων που δημιουργήθηκε από αυτόν θαυμάζει την ομορφιά και την αλήθεια της.

Τα αντικείμενα στα έργα του Fedotov είναι αδιαχώριστα από τη ζωή των ανθρώπων, λαμβάνουν την πιο άμεση συμμετοχή στα δραματικά γεγονότα που απεικονίζονται από τον καλλιτέχνη.

Κοιτάζοντας την εικόνα " Φρέσκο \u200b\u200bιππικό"(" Πρωί μετά την Pirushka ", 1846), εκπληκτική την αφθονία των αντικειμένων, προσεκτικά εκκενώνεται από τον πλοίαρχο. Μια πραγματική νεκρή φύση, εκπληκτική από τη λασπονότητά του, παρουσιάζεται στη διάσημη εικόνα του Fedotov "βλέποντας σημαντικό" (1848). Ενσώματη πραγματική μεταδίδεται γυαλί: ψηλά ποτήρια κρασιού, μπουκάλι, decanter. Το καλύτερο και το διαφανές, φαίνεται να κάνει έναν απαλό κρυστάλλινο κουδούνισμα.

Fedotov P.A. Σημαντικό τοίχο. 1848-1849. Gtg

Ο Fedotov δεν διαχωρίζει αντικείμενα από το εσωτερικό, έτσι τα πράγματα εμφανίζονται όχι μόνο αξιόπιστα, αλλά και γραφικά λεπτά. Το καθένα είναι το πιο κοινό ή όχι πολύ ελκυστικό στοιχείο που καταλαμβάνει τη θέση του στο συνολικό χώρο φαίνεται καταπληκτική και όμορφη.

Παρόλο που ο Fedotov δεν έγραψε ακόμα μήνες, έδειξε ένα αναμφισβήτητο ενδιαφέρον για αυτό το είδος. Η φλόγα του πρότεινε πώς να τοποθετήσετε ένα ή ένα άλλο θέμα, από ποια άποψη είναι να φανταστείτε ποια πράγματα θα κοιτάξουν δίπλα όχι μόνο λογικά λογικά, αλλά και εκφραστικά.

Ο κόσμος των πραγμάτων που βοηθούν να δείξουν τη ζωή ενός ατόμου σε όλες τις εκδηλώσεις της, δίνει στα έργα της ειδικής μουσικότητας Fedotov. Αυτοί είναι οι ζωγραφιές "άγκυρα, ακόμα άγκυρα" (1851-1852), "χήρα" (1852) και πολλά άλλα.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, το είδος του φοιτητή σταμάτησε να ενδιαφέρεται για καλλιτέχνες, αν και πολλά genrestones περιελάμβαναν πρόθυμα τα στοιχεία της νεκρή φύση στις συνθέσεις τους. Μεγάλη σημασία αποκτάται από τα πράγματα στους πίνακες ζωγραφικής V.G. Perova ("Κόμμα τσαγιού στο Μυιστάκι", 1862, Γκαλερί Tretyakovskaya, Μόσχα), L.I. Solomatkina ("σλαβικές πόλεις", 1846, κατάσταση Ιστορικό Μουσείο, Μόσχα).

Οι ακίνητες βλάστηση αντιπροσωπεύονται από το Β. Γενικές σκηνές Α. Yushanova ("καλώδια του αρχηγού", 1864), M.K. Klodta ("μουσικός ασθενής", 1855), V.I. Jacobi ("καλλιτέχνης", 1858), Α.Ι. Korzukhin ("Πριν από την ομολογία", 1877. "Στο μοναστήρι του ξενοδοχείου", 1882), Κ.Ε. Makovsky ("Alekseich", 1882). Όλοι αυτοί οι καμβάδες αποθηκεύονται τώρα στη συλλογή της γκαλερί Tretyakov.

Κ.Ε. Makovsky. "Alekseich", 1882, Γκαλερί Tretyakovskaya, Μόσχα

Το 1870-1880, το κορυφαίο είδος στη ρωσική ζωγραφική παρέμεινε νοικοκυριό, αν και το τοπίο και το πορτρέτο κατέλαβαν επίσης ένα σημαντικό μέρος. Ένας τεράστιος ρόλος περαιτέρω ανάπτυξη Η ρωσική τέχνη έπαιξε τους μηχανικούς που προσπάθησαν να δείξουν την αλήθεια της ζωής στα έργα τους. Οι καλλιτέχνες άρχισαν να δίνουν μεγάλης σημασίας Εργασία από τη φύση και συνεπώς, όλο και πιο συχνά στράφηκε στο τοπίο και η νεκρή φύση, αν και πολλοί από αυτούς θεωρούσαν το τελευταίο χάσιμο χρόνου, χωρίς νόημα ενθουσιασμό της μορφής που στερείται εσωτερικού περιεχομένου. Έτσι, i.n. Ο Kramskaya ανέφερε τον διάσημο γαλλικό ζωγράφο, που δεν παραμελήθηκε από τις ακόμα ζωές, σε μια επιστολή προς τον Β.Μ. Vasnetsov: "Δεν θα Ταλαντούχος άνθρωπος Ήταν χρόνος για την εικόνα, βάλτε, λεκάνη, ψάρι, κλπ. Είναι καλό να κάνουμε τους ανθρώπους που έχουν τα πάντα ήδη, και έχουμε μια κακή γωνία. "

Παρ 'όλα αυτά, πολλοί ρώσοι καλλιτέχνες που δεν έχουν γράψει νεκρή φύση, τους θαύμαζαν, κοιτάζοντας τα ρούχα των δυτικών πλοιάρχων. Για παράδειγμα, v.d. Ο Polenov, ο οποίος ήταν στη Γαλλία, έγραψε i.n. Kramsky: "Κοιτάς πώς πηγαίνει εδώ, σαν πετρέλαιο, ο καθένας εργάζεται σε ένα είδος, σε μια μεγάλη ποικιλία περιοχών που του αρέσει, και όλα αυτά εκτιμάται και πληρώνεται. Έχουμε κυρίως την αξία που γίνεται και εδώ - όπως γίνεται. Για παράδειγμα, για μια λεκάνη χαλκού με δύο ψάρια πληρώνουν είκοσι χιλιάδες φράγκα και ακόμη και επιπλέον, θεωρούν ότι αυτές οι χαλκοσωλήνες στον κύριο του πρώτου ζωγράφου και, ίσως, όχι χωρίς reson. "

Έχοντας επισκεφθεί το 1883 στην έκθεση στο Παρίσι v.i. Το Surimov θαυμάζει τοπία, ακόμα ζωγραφίζει και ζωγραφιές με την εικόνα των λουλουδιών. Έγραψε: "Καλά ψάρια του Hiberta. Το Fish Sliz παραδίδεται στον κύριο, πολύχρωμο, ζυμωμένο τόνο. " Υπάρχει στην επιστολή του προς τη Ρ.Μ. Tretyakov και τέτοιες λέξεις: "και gilbert ψάρια - ένα θαύμα τι. Λοιπόν, καθόλου στα χέρια που μπορείτε να πάρετε, πριν από την εξαπάτηση είναι γραμμένη. "

Και το Polenov, και ο Surikov θα μπορούσε να γίνει Όμορφοι δάσκαλοι Νεκρή φύση, όπως αποδεικνύεται από γραπτά αντικείμενα στις συνθέσεις τους (Polyenov, "Menshikov στο Berezov" Surikov).