Εικονογραφήσεις από Waldemar Cossack. Απόκοσμη ομορφιά: γυναίκες στη ζωγραφική προς διαφορετικές κατευθύνσεις Ζωγραφική πίνακες σε γυμνό στυλ

Αν νομίζετε ότι όλοι οι σπουδαίοι καλλιτέχνες είναι στο παρελθόν, τότε δεν έχετε ιδέα πόσο λάθος κάνετε. Σε αυτό το άρθρο, θα μάθετε για τους πιο διάσημους και ταλαντούχους καλλιτέχνες της εποχής μας. Και, πιστέψτε με, τα έργα τους θα βυθιστούν στη μνήμη σας όχι λιγότερο από τα έργα του μαέστρου από τις προηγούμενες εποχές.

Βόιτσεχ Μπάμπσκι

Ο Wojciech Babski είναι ένας σύγχρονος Πολωνός καλλιτέχνης. Αποφοίτησε από το Πολυτεχνείο της Σιλεσίας, αλλά συνδέθηκε με τον εαυτό του. Πρόσφατα, σχεδίαζε κυρίως γυναίκες. Επικεντρώνεται στην έκφραση συναισθημάτων, προσπαθεί να αποκτήσει το μεγαλύτερο δυνατό αποτέλεσμα με απλά μέσα.

Αγαπά το χρώμα, αλλά συχνά χρησιμοποιεί αποχρώσεις του μαύρου και του γκρι για την καλύτερη εμπειρία. Δεν φοβάμαι να πειραματιστώ με διαφορετικές νέες τεχνικές. Πρόσφατα, κερδίζει όλο και περισσότερη δημοτικότητα στο εξωτερικό, κυρίως στο Ηνωμένο Βασίλειο, όπου πωλεί με επιτυχία τα έργα του, τα οποία μπορούν ήδη να βρεθούν σε πολλές ιδιωτικές συλλογές. Εκτός από την τέχνη, ενδιαφέρεται για την κοσμολογία και τη φιλοσοφία. Ακούει τζαζ. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στο Κατοβίτσε.

Γουόρεν Τσανγκ

Ο Warren Chang είναι ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννημένος το 1957 και μεγαλωμένος στο Monterey της Καλιφόρνια, αποφοίτησε cum laude από το Pasadena Art Center College of Design το 1981 με πτυχίο Καλών Τεχνών στον τομέα. Για τις επόμενες δύο δεκαετίες, εργάστηκε ως εικονογράφος για διάφορες εταιρείες στην Καλιφόρνια και τη Νέα Υόρκη πριν ξεκινήσει μια καριέρα ως επαγγελματίας καλλιτέχνης το 2009.

Οι ρεαλιστικοί πίνακές του μπορούν να χωριστούν σε δύο κύριες κατηγορίες: βιογραφικούς εσωτερικούς πίνακες και πίνακες που απεικονίζουν εργαζόμενους. Το ενδιαφέρον του για αυτό το στυλ ζωγραφικής έχει τις ρίζες του στο έργο του καλλιτέχνη του 16ου αιώνα Jan Vermeer και εκτείνεται σε αντικείμενα, αυτοπροσωπογραφίες, πορτρέτα μελών της οικογένειας, φίλων, μαθητών, στούντιο, αίθουσες διδασκαλίας και εσωτερικούς χώρους. Ο στόχος του είναι να δημιουργήσει διάθεση και συναίσθημα στους ρεαλιστικούς του πίνακες μέσω της χειραγώγησης του φωτός και της χρήσης σιωπηρών χρωμάτων.

Ο Τσανγκ έγινε διάσημος μετά τη μετάβαση στις παραδοσιακές εικαστικές τέχνες. Τα τελευταία 12 χρόνια, έχει κερδίσει πολλά βραβεία και διακρίσεις, το πιο διάσημο από τα οποία είναι το Master Signature από την Ένωση Ελαιοχρωματιστών της Αμερικής, τη μεγαλύτερη κοινότητα ελαιοχρωματιστών στις Ηνωμένες Πολιτείες. Μόνο ένα άτομο στα 50 τιμάται με την ευκαιρία να λάβει αυτό το βραβείο. Ο Γουόρεν ζει σήμερα στο Μοντερέι και εργάζεται στο στούντιό του και διδάσκει (γνωστός ως ταλαντούχος εκπαιδευτικός) στην Ακαδημία Τεχνών του Σαν Φρανσίσκο.

Aurelio bruni

Ο Aurelio Bruni είναι Ιταλός καλλιτέχνης. Γεννήθηκε στο Μπλερ, 15 Οκτωβρίου 1955. Αποφοίτησε με πτυχίο στη σκηνογραφία από το Ινστιτούτο Τέχνης στο Σπολέτο. Ως καλλιτέχνης, είναι αυτοδίδακτος, καθώς ανεξάρτητα «έστησε ένα σπίτι γνώσης» στα θεμέλια που τέθηκαν στο σχολείο. Ξεκίνησε να ζωγραφίζει σε λάδια σε ηλικία 19 ετών. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην Ούμπρια.

Ο πρώιμος πίνακας του Bruni έχει τις ρίζες του στον υπερρεαλισμό, αλλά με την πάροδο του χρόνου αρχίζει να εστιάζει στην εγγύτητα του λυρικού ρομαντισμού και συμβολισμών, ενισχύοντας αυτόν τον συνδυασμό με την εκλεπτυσμένη πολυπλοκότητα και καθαρότητα των χαρακτήρων του. Τα κινούμενα και άψυχα αντικείμενα αποκτούν ίση αξιοπρέπεια και φαίνονται σχεδόν υπερρεαλιστικά, αλλά ταυτόχρονα, δεν κρύβονται πίσω από μια κουρτίνα, αλλά σας επιτρέπουν να δείτε την ουσία της ψυχής σας. Η ευελιξία και η πολυπλοκότητα, ο αισθησιασμός και η μοναξιά, η στοχαστικότητα και η καρποφορία είναι το πνεύμα του Aurelio Bruni, που τρέφεται από τη λαμπρότητα της τέχνης και την αρμονία της μουσικής.

Αλεκάσανδρος Μπάλος

Ο Alkasandr Balos είναι ένας σύγχρονος Πολωνός καλλιτέχνης που ειδικεύεται στην ελαιογραφία. Γεννήθηκε το 1970 στο Gliwice της Πολωνίας, αλλά από το 1989 ζει και εργάζεται στις Ηνωμένες Πολιτείες, στο Shasta της Καλιφόρνια.

Ως παιδί, σπούδασε τέχνη υπό την καθοδήγηση του πατέρα του Jan, αυτοδίδακτου καλλιτέχνη και γλύπτη, επομένως, από μικρή ηλικία, οι καλλιτεχνικές δραστηριότητες έλαβαν πλήρη υποστήριξη και από τους δύο γονείς. Το 1989, σε ηλικία δεκαοκτώ ετών, ο Μπάλος έφυγε από την Πολωνία για τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου ο καθηγητής του σχολείου του και η καλλιτέχνης μερικής απασχόλησης Katie Gaggliardi ενθάρρυνε την Alkasandra να πάει σε σχολή τέχνης. Ο Μπάλος έλαβε τότε πλήρη υποτροφία από το Πανεπιστήμιο του Μιλγουόκι Ουισκόνσιν, όπου σπούδασε ζωγραφική με τον καθηγητή φιλοσοφίας Χάρι Ρόζιν.

Αφού ολοκλήρωσε τις σπουδές του το 1995 και πήρε το πτυχίο του, ο Μπάλος μετακόμισε στο Σικάγο για να σπουδάσει στη Σχολή Καλών Τεχνών, οι μέθοδοι του οποίου βασίζονται στο έργο του Jacques-Louis David. Ο εικονιστικός ρεαλισμός και η προσωπογραφία αποτελούν το μεγαλύτερο μέρος του έργου του Μπάλου στη δεκαετία του '90 και στις αρχές της δεκαετίας του 2000. Σήμερα ο Μπάλος χρησιμοποιεί την ανθρώπινη φιγούρα για να αναδείξει τις ιδιαιτερότητες και να δείξει τις ελλείψεις του ανθρώπου, ενώ δεν προσφέρει λύσεις.

Οι συνθέσεις πλοκής των πινάκων του προορίζονται να ερμηνευτούν ανεξάρτητα από τον θεατή, μόνο τότε οι καμβάδες θα αποκτήσουν την πραγματική χρονική και υποκειμενική τους σημασία. Το 2005, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στη Βόρεια Καλιφόρνια, από τότε το πεδίο του έργου του έχει διευρυνθεί σημαντικά και τώρα περιλαμβάνει περισσότερες ελεύθερες μεθόδους ζωγραφικής, συμπεριλαμβανομένης της αφαίρεσης και των διαφόρων στυλ πολυμέσων που βοηθούν στην έκφραση ιδεών και ιδανικών για τη ζωγραφική.

Μοναχοί Αλυσσών

Η Alyssa Monks είναι σύγχρονη Αμερικανίδα καλλιτέχνης. Γεννήθηκε το 1977 στο Ridgewood του New Jersey. Άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική όταν ήταν ακόμα παιδί. Παρακολούθησε το New School στη Νέα Υόρκη και το Πανεπιστήμιο Montclair State και αποφοίτησε από το Boston College το 1999 με πτυχίο. Ταυτόχρονα, σπούδασε ζωγραφική στην Ακαδημία Lorenzo Medici στη Φλωρεντία.

Στη συνέχεια συνέχισε τις σπουδές της στο μεταπτυχιακό πρόγραμμα στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης, στο Τμήμα Εικαστικής Τέχνης, αποφοίτησε το 2001. Αποφοίτησε από το Fullerton College το 2006. Για κάποιο διάστημα έδωσε διαλέξεις σε πανεπιστήμια και εκπαιδευτικά ιδρύματα σε όλη τη χώρα, δίδαξε ζωγραφική στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης, καθώς και στο Πανεπιστήμιο Montclair State και στο Lyme Academy of Arts College.

«Χρησιμοποιώντας φίλτρα όπως γυαλί, βινύλιο, νερό και ατμός, παραμορφώνω το ανθρώπινο σώμα. Αυτά τα φίλτρα σας επιτρέπουν να δημιουργήσετε μεγάλες περιοχές αφηρημένου σχεδιασμού, με νησιά χρώματος να κρυφοκοιτάζουν μέσα τους - μέρη του ανθρώπινου σώματος.

Οι πίνακές μου αλλάζουν τη σύγχρονη άποψη των ήδη καθιερωμένων, παραδοσιακών στάσεων και χειρονομιών των γυναικών που κάνουν μπάνιο. Θα μπορούσαν να πουν πολλά σε έναν προσεκτικό θεατή για τέτοια φαινομενικά αυτονόητα πράγματα όπως τα οφέλη της κολύμβησης, του χορού κ.ο.κ. Οι χαρακτήρες μου πιέζονται στο τζάμι του παραθύρου του ντους, παραμορφώνοντας το σώμα τους, συνειδητοποιώντας ότι με αυτόν τον τρόπο επηρεάζουν το περιβόητο ανδρικό βλέμμα σε μια γυμνή γυναίκα. Παχιά στρώματα χρώματος αναμειγνύονται για να μιμηθούν το γυαλί, τον ατμό, το νερό και τη σάρκα από μακριά. Ωστόσο, από κοντά, οι καταπληκτικές φυσικές ιδιότητες της λαδομπογιάς γίνονται εμφανείς. Πειραματιζόμενος με στρώματα χρώματος και χρώματος, βρίσκω μια στιγμή όπου οι αφηρημένες πινελιές γίνονται κάτι άλλο.

Όταν ξεκίνησα να ζωγραφίζω το ανθρώπινο σώμα, αμέσως γοητεύτηκα και μάλιστα είχα εμμονή με αυτό και πίστευα ότι έπρεπε να κάνω τους πίνακές μου όσο πιο ρεαλιστικούς γίνεται. «Ομολόγησα» τον ρεαλισμό μέχρι που άρχισε να ξετυλίγεται και να αποκαλύπτει αντιφάσεις από μόνο του. Τώρα διερευνώ τις δυνατότητες και τις δυνατότητες του τρόπου ζωγραφικής, όπου η αναπαραστατική ζωγραφική και η αφαίρεση συναντιούνται - αν και τα δύο στυλ μπορούν να συνυπάρχουν ταυτόχρονα, θα το κάνω ».

Αντόνιο Φινέλι

Ιταλός καλλιτέχνης - " Παρατηρητής του χρόνου”- Ο Antonio Finelli γεννήθηκε στις 23 Φεβρουαρίου 1985. Αυτή τη στιγμή ζει και εργάζεται στην Ιταλία μεταξύ Ρώμης και Καμπομπάσο. Έργα του έχουν εκτεθεί σε διάφορες γκαλερί στην Ιταλία και στο εξωτερικό: Ρώμη, Φλωρεντία, Νοβάρα, Γένοβα, Παλέρμο, Κωνσταντινούπολη, Άγκυρα, Νέα Υόρκη και μπορούν επίσης να βρεθούν σε ιδιωτικές και δημόσιες συλλογές.

Σχέδια με μολύβι " Παρατηρητής του χρόνου"Ο Antonio Finelli μας στέλνει σε ένα αιώνιο ταξίδι στον εσωτερικό κόσμο της ανθρώπινης χρονικότητας και τη σχετική σχολαστική ανάλυση αυτού του κόσμου, το κύριο στοιχείο του οποίου είναι το πέρασμα στο χρόνο και τα ίχνη που αφήνει στο δέρμα.

Ο Finelli ζωγραφίζει πορτρέτα ανθρώπων οποιασδήποτε ηλικίας, φύλου και εθνικότητας, των οποίων οι εκφράσεις του προσώπου μαρτυρούν το πέρασμα στο χρόνο, ο καλλιτέχνης ελπίζει επίσης να βρει στοιχεία για την ανελέητη του χρόνου στα σώματα των χαρακτήρων του. Ο Αντόνιο ορίζει τα έργα του με έναν γενικό τίτλο: «Αυτοπροσωπογραφία», επειδή στα σχέδια με μολύβι δεν απεικονίζει μόνο ένα άτομο, αλλά επιτρέπει στον θεατή να σκεφτεί τα πραγματικά αποτελέσματα του χρόνου που περνά μέσα σε ένα άτομο.

Flaminia carloni

Η Flaminia Carloni είναι 37χρονη Ιταλίδα καλλιτέχνης, κόρη διπλωμάτη. Έχει τρία παιδιά. Έζησε στη Ρώμη για δώδεκα χρόνια, στην Αγγλία και τη Γαλλία για τρία χρόνια. Έλαβε πτυχίο στην ιστορία της τέχνης από το BD School of Art. Στη συνέχεια έλαβε δίπλωμα ως αποκαταστάτρια έργων τέχνης. Πριν βρει το επάγγελμά της και αφοσιωθεί πλήρως στη ζωγραφική, εργάστηκε ως δημοσιογράφος, χρωματιστής, σχεδιάστρια και ηθοποιός.

Η Flaminia ανέπτυξε ένα πάθος για τη ζωγραφική ως παιδί. Το κύριο μέσο της είναι το λάδι, επειδή λατρεύει το «coiffer la pate» και επίσης παίζει με το υλικό. Έμαθε μια παρόμοια τεχνική στα έργα του καλλιτέχνη Pascal Torua. Η Flaminia είναι εμπνευσμένη από μεγάλους ζωγράφους όπως οι Balthus, Hopper και François Legrand, καθώς και διάφορα καλλιτεχνικά κινήματα: street art, κινεζικός ρεαλισμός, σουρεαλισμός και ρεαλισμός της Αναγέννησης. Ο αγαπημένος της καλλιτέχνης είναι ο Caravaggio. Το όνειρό της είναι να ανακαλύψει τη θεραπευτική δύναμη της τέχνης.

Ντένις Τσέρνοφ

Ο Ντένις Τσέρνοφ είναι ένας ταλαντούχος Ουκρανός καλλιτέχνης, γεννημένος το 1978 στο Σαμπίρ, στην περιοχή Λβιβ, Ουκρανία. Μετά την αποφοίτησή του από την Καλλιτεχνική Σχολή του Χάρκοβο το 1998, έμεινε στο Χάρκοβο, όπου ζει και εργάζεται σήμερα. Σπούδασε επίσης στην Κρατική Ακαδημία Σχεδιασμού και Τεχνών του Χάρκοβο, Τμήμα Γραφικών, αποφοίτησε το 2004.

Συμμετέχει τακτικά σε εκθέσεις τέχνης, αυτή τη στιγμή υπήρχαν πάνω από εξήντα, τόσο στην Ουκρανία όσο και στο εξωτερικό. Τα περισσότερα από τα έργα του Ντένις Τσέρνοφ φυλάσσονται σε ιδιωτικές συλλογές στην Ουκρανία, τη Ρωσία, την Ιταλία, την Αγγλία, την Ισπανία, την Ελλάδα, τη Γαλλία, τις ΗΠΑ, τον Καναδά και την Ιαπωνία. Ορισμένα από τα έργα πουλήθηκαν στο Christie's.

Ο Denis εργάζεται σε ένα ευρύ φάσμα τεχνικών γραφικών και ζωγραφικής. Τα σχέδια με μολύβι είναι μία από τις αγαπημένες του μεθόδους ζωγραφικής, ο κατάλογος των θεμάτων για τα σχέδια με μολύβι είναι επίσης πολύ διαφορετικός, γράφει τοπία, πορτρέτα, γυμνά, συνθέσεις ειδών, εικονογραφήσεις βιβλίων, λογοτεχνικές και ιστορικές ανακατασκευές και φαντασιώσεις.

Η παγκόσμια ιστορία της καλής τέχνης θυμάται πολλές εκπληκτικές περιπτώσεις που σχετίζονται με τη δημιουργία και τις περαιτέρω περιπέτειες διάσημων έργων ζωγραφικής. Αυτό συμβαίνει γιατί για πραγματικούς καλλιτέχνες, η ζωή και το έργο είναι πολύ στενά συνδεδεμένα.

The Scream του Edvard Munch

Έτος δημιουργίας: 1893
Υλικά: χαρτόνι, λάδι, τέμπερα, παστέλ
Τοποθεσία: Εθνική Πινακοθήκη,

Ο διάσημος πίνακας "The Scream" του Νορβηγού εξπρεσιονιστή ζωγράφου Edvard Munch είναι ένα αγαπημένο θέμα συζήτησης από μυστικιστές σε όλο τον κόσμο. Σε κάποιους φαίνεται ότι ο καμβάς προέβλεψε τα τρομερά γεγονότα του 20ού αιώνα με τους πολέμους, τις περιβαλλοντικές καταστροφές και το Ολοκαύτωμα. Άλλοι είναι σίγουροι ότι ο πίνακας φέρνει ατυχία και ασθένεια στους παραβάτες του.

Η ίδια η ζωή του Μουνκ δύσκολα μπορεί να ονομαστεί ευημερούσα: έχασε πολλούς συγγενείς, θεραπεύτηκε επανειλημμένα σε ψυχιατρική κλινική και δεν παντρεύτηκε ποτέ.

Παρεμπιπτόντως, ο καλλιτέχνης αναπαρήγαγε τον πίνακα "The Scream" τέσσερις φορές.

Πιστεύεται ότι είναι το αποτέλεσμα της μανιοκαταθλιπτικής ψύχωσης από την οποία υπέφερε ο Μουνκ. Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, η θέα ενός απελπισμένου άνδρα με μεγάλο κεφάλι, ανοιχτό στόμα και χέρια εφαρμοσμένα στο πρόσωπό του συγκλονίζει ακόμη και όλους όσοι κοιτούν τον καμβά σήμερα.

"The Great Masturbator" του Salvador Dali

Έτος δημιουργίας: 1929
Υλικά: λάδι, καμβάς
Τοποθεσία: Κέντρο Τεχνών Reina Sofia,

Το ευρύ κοινό είδε τον πίνακα "The Great Masturbator" μόνο μετά το θάνατο του δασκάλου της εξωφρενίας και του πιο διάσημου υπερρεαλιστή Salvador Dali. Ο καλλιτέχνης το κράτησε στη δική του συλλογή στο θέατρο-μουσείο Dalí στο Figueres. Πιστεύεται ότι ένας ασυνήθιστος πίνακας μπορεί να πει πολλά για την προσωπικότητα του συγγραφέα, ιδιαίτερα για την επώδυνη στάση του απέναντι στο σεξ. Ωστόσο, μπορούμε μόνο να μαντέψουμε ποια κίνητρα κρύβονται στην εικόνα.

Αυτό μοιάζει με την επίλυση ενός παζλ: στο κέντρο της εικόνας υπάρχει ένα γωνιακό προφίλ που κοιτάζει προς τα κάτω, παρόμοιο είτε με τον ίδιο τον Νταλί είτε με έναν βράχο στην ακτή μιας καταλανικής πόλης, και μια γυμνή γυναικεία μορφή ανεβαίνει στο κάτω μέρος του κεφάλι - ένα αντίγραφο της ερωμένης του καλλιτέχνη Γκαλά. Ο πίνακας περιλαμβάνει επίσης ακρίδες, που προκάλεσαν στον Ντάλι έναν ανεξήγητο φόβο και τα μυρμήγκια είναι σύμβολο της φθοράς.

«Οικογένεια» του Έγκον Σίλε

Έτος δημιουργίας: 1918
Υλικά: λάδι, καμβάς
Τοποθεσία: Γκαλερί "Belvedere",

Κάποτε, ο όμορφος πίνακας του Αυστριακού καλλιτέχνη Egon Schiele ονομάστηκε πορνογραφία και ο καλλιτέχνης φυλακίστηκε για δήθεν αποπλάνηση ανηλίκου.

Σε τέτοια τιμή, του δόθηκε η αγάπη του μοντέλου του δασκάλου του. Οι πίνακες του Schiele είναι ένα από τα καλύτερα παραδείγματα εξπρεσιονισμού, ωστόσο είναι νατουραλιστικοί και γεμάτοι τρομακτική απόγνωση.

Τα μοντέλα του Schiele ήταν συχνά έφηβοι και πόρνες. Επιπλέον, ο καλλιτέχνης γοητεύτηκε από τον εαυτό του - η κληρονομιά του περιλαμβάνει μια μεγάλη ποικιλία αυτοπροσωπογραφιών. Ο Schiele έγραψε τον πίνακά του The Family τρεις ημέρες πριν από τον θάνατό του, απεικονίζοντας την έγκυο σύζυγό του που πέθανε από τη γρίπη και το αγέννητο παιδί τους. Notσως όχι το πιο παράξενο, αλλά σίγουρα το πιο τραγικό έργο του ζωγράφου.

"Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer" του Gustav Klimt

Έτος δημιουργίας: 1907
Υλικά: λάδι, καμβάς
Τοποθεσία: Νέα Πινακοθήκη,

Η ιστορία της δημιουργίας του διάσημου πίνακα από τον Αυστριακό καλλιτέχνη Gustav Klimt "Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer" μπορεί δικαίως να ονομαστεί συγκλονιστική. Η σύζυγος του αυστριακού μεγιστάνα ζάχαρης Ferdinand Bloch-Bauer έγινε η μούσα και η ερωμένη του καλλιτέχνη. Θέλοντας να εκδικηθεί και τους δύο, ο πληγωμένος σύζυγος αποφάσισε να καταφύγει σε μια πρωτότυπη μέθοδο: παρήγγειλε ένα πορτρέτο της γυναίκας του από τον Κλιμτ και τον βασάνισε με ατελείωτες γκρίνιες, αναγκάζοντάς τον να κάνει εκατοντάδες σκίτσα. Τελικά, αυτό οδήγησε στο γεγονός ότι ο Κλιμτ έχασε το προηγούμενο ενδιαφέρον του για το μοντέλο του.

Οι εργασίες για τον πίνακα συνεχίστηκαν για αρκετά χρόνια και η Adele είδε τα συναισθήματα του αγαπημένου της να σβήνουν. Η ύπουλη πλοκή του Φερδινάνδου δεν αποκαλύφθηκε ποτέ. Σήμερα η «αυστριακή Μόνα Λίζα» θεωρείται εθνικός θησαυρός της Αυστρίας.

"Black Supermatic Square" του Kazimir Malevich

Έτος δημιουργίας: 1915
Υλικά: λάδι, καμβάς
Τοποθεσία: State Tretyakov Gallery,

Σχεδόν εκατό χρόνια έχουν περάσει από τότε που ο Ρώσος πρωτοπόρος καλλιτέχνης Kazimir Malevich δημιούργησε τη διάσημη δημιουργία του και οι διαμάχες και οι συζητήσεις συνεχίζονται μέχρι σήμερα. Η εικόνα που εμφανίστηκε το 1915 στη φουτουριστική έκθεση "0.10" στην "κόκκινη γωνία" της αίθουσας που προοριζόταν για την εικόνα συγκλόνισε το κοινό και δόξασε για πάντα τον καλλιτέχνη. Είναι αλήθεια ότι σήμερα λίγοι άνθρωποι γνωρίζουν ότι οι σουπερματικές ζωγραφιές είναι μη αντικειμενική ζωγραφική, στην οποία το χρώμα κυβερνά την μπάλα και το "Μαύρο Τετράγωνο" δεν είναι στην πραγματικότητα μαύρο και καθόλου τετράγωνο.

Παρεμπιπτόντως, μία από τις εκδόσεις της ιστορίας της δημιουργίας του καμβά λέει: ο καλλιτέχνης δεν είχε χρόνο να ολοκληρώσει την εργασία στην εικόνα, έτσι αναγκάστηκε να καλύψει το έργο με μαύρο χρώμα, εκείνη τη στιγμή ήρθε ο φίλος του μπήκε στο στούντιο και αναφώνησε: "Λαμπρό!"

Η προέλευση του κόσμου από τον Gustave Courbet

Έτος δημιουργίας: 1866
Υλικά: λάδι, καμβάς
Τοποθεσία: Musée d'Orsay,

Ο πίνακας του Γάλλου ρεαλιστή καλλιτέχνη Gustave Courbet θεωρήθηκε εξαιρετικά προκλητικός για πολύ καιρό και δεν ήταν γνωστός στο ευρύ κοινό για περισσότερα από 120 χρόνια. Μια γυμνή γυναίκα ξαπλωμένη σε ένα κρεβάτι με απλωμένα πόδια προκαλεί ακόμα μια αμφίρροπη αντίδραση από τους θεατές σήμερα. Για το λόγο αυτό, στο Musée d'Orsay, ο πίνακας φυλάσσεται από έναν από τους υπαλλήλους.

Το 2013, ένας Γάλλος συλλέκτης ανακοίνωσε ότι έπεσε πάνω στο μέρος της εικόνας στο οποίο φαίνεται το κεφάλι του μοντέλου σε ένα από τα παλαιοπωλεία στο Παρίσι. Οι ειδικοί επιβεβαίωσαν την υπόθεση ότι ο καλλιτέχνης πόζαρε για την Joanna Hiffernan (Joe). Ενώ εργαζόταν πάνω στον πίνακα, ήταν ερωτευμένη με τον μαθητή του Courbet, τον καλλιτέχνη James Whistler. Η εικόνα προκάλεσε τον χωρισμό τους.

«Ένας άντρας και μια γυναίκα μπροστά σε ένα σωρό περιττωμάτων» της Τζοάν Μιρό

Έτος δημιουργίας: 1935
Υλικά: λάδι, χαλκός
Τοποθεσία: Foundationδρυμα Joan Miró,

Ένας σπάνιος θεατής, κοιτάζοντας έναν πίνακα του Ισπανού καλλιτέχνη και γλύπτη Joan Miró, θα είχε σχέση με τη φρίκη του εμφυλίου πολέμου. Αλλά ήταν η περίοδος των προπολεμικών αναταραχών το 1935 στην Ισπανία που λειτούργησε ως το θέμα του πίνακα με τον πολλά υποσχόμενο τίτλο "Ένας άντρας και μια γυναίκα μπροστά από ένα σωρό περιττωμάτων". Αυτή είναι μια εικόνα προαίσθησης.

Απεικονίζει ένα γελοίο ζευγάρι "σπηλιά" που έλκεται μεταξύ τους, αλλά δεν μπορεί να υποχωρήσει. Διευρυμένα γεννητικά όργανα, δηλητηριώδη χρώματα, διάσπαρτες φιγούρες σε σκούρο φόντο - όλα αυτά προέβλεπαν, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, τα τραγικά γεγονότα που πλησιάζουν.

Οι περισσότεροι από τους πίνακες του Joan Miró είναι αφηρημένα και σουρεαλιστικά έργα και η διάθεση που μεταφέρουν είναι χαρούμενη.

"Νούφαρα" του Κλοντ Μονέ

Έτος δημιουργίας: 1906
Υλικά: λάδι, καμβάς
Τοποθεσία: ιδιωτικές συλλογές

Ο εμβληματικός πίνακας του Γάλλου ιμπρεσιονιστή Claude Monet "Water Lilies" είναι διαβόητος - δεν είναι τυχαίο ότι ονομάζεται "επικίνδυνος από τη φωτιά". Αυτή η σειρά ύποπτων συμπτώσεων συνεχίζει να εκπλήσσει πολλούς σκεπτικιστές. Το πρώτο περιστατικό συνέβη ακριβώς στο στούντιο του καλλιτέχνη: ο Μονέ και οι φίλοι του γιόρταζαν το τέλος της εργασίας στον πίνακα, όταν ξαφνικά ξέσπασε μια μικρή φωτιά.

Η εικόνα σώθηκε και σύντομα αγοράστηκε από τους ιδιοκτήτες του καμπαρέ στη Μονμάρτη, αλλά λιγότερο από ένα μήνα αργότερα, το ίδρυμα υπέστη επίσης σοβαρή πυρκαγιά. Το επόμενο «θύμα» του καμβά ήταν ο Παριζιάνος φιλάνθρωπος Όσκαρ Σμιτς, του οποίου το γραφείο πήρε φωτιά ένα χρόνο αφότου κρεμάστηκαν τα «Νούφαρα» εκεί. Και πάλι ο πίνακας κατάφερε να επιβιώσει. Φέτος, ένας ιδιωτικός συλλέκτης αγόρασε νούφαρα για 54 εκατομμύρια δολάρια.

«Παρθένες της Αβινιόν» του Πάμπλο Πικάσο

Έτος δημιουργίας: 1907
Υλικά: λάδι, καμβάς
Τοποθεσία: Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης,

«Αισθάνεσαι ότι ήθελες να μας ταΐσεις με ρυμούλκηση ή να μας δώσεις βενζίνη», - έτσι μίλησε ο φίλος του Πικάσο, καλλιτέχνης Ζωρζ Μπρακ, για τον πίνακα «Οι Παρθένες της Αβινιόν». Ο καμβάς έγινε πραγματικά σκανδαλώδης: το κοινό αποθέωσε τα πρώην, τρυφερά και θλιβερά έργα του καλλιτέχνη και η απότομη μετάβαση στον κυβισμό προκάλεσε αποξένωση.

Οι γυναικείες φιγούρες με τραχιά αντρικά πρόσωπα και γωνιακά χέρια και πόδια ήταν πολύ μακριά από το χαριτωμένο κορίτσι στην μπάλα.

Οι φίλοι απομακρύνθηκαν από τον Πικάσο, ο Ματίς ήταν εξαιρετικά δυσαρεστημένος με την εικόνα. Ωστόσο, ήταν οι "Παρθένες της Αβινιόν" που καθόρισαν όχι μόνο την κατεύθυνση ανάπτυξης του έργου του Πικάσο, αλλά το μέλλον της καλής τέχνης γενικότερα. Ο αρχικός τίτλος του πίνακα είναι "Φιλοσοφικό πορνείο".

"Πορτρέτο του γιου του καλλιτέχνη" του Μιχαήλ Βρούμπελ

Έτος δημιουργίας: 1902
Υλικά: ακουαρέλα, γκουάς, μολύβι γραφίτη, χαρτί
Τοποθεσία: Κρατικό Ρωσικό Μουσείο,

Ο ιδιοφυής Ρώσος καλλιτέχνης της στροφής του 19ου - 20ου αιώνα Μιχαήλ Βρούμπελ διέπρεψε σχεδόν σε όλους τους τύπους καλών τεχνών. Ο πρωτότοκος Σάββα γεννήθηκε με ένα «χείλος λαγού», το οποίο αναστάτωσε βαθιά τον καλλιτέχνη. Ο Βρούμπελ απεικόνισε ειλικρινά το αγόρι σε έναν από τους καμβάδες του, χωρίς να προσπαθεί να κρύψει τη συγγενή παραμόρφωση.

Οι λεπτές αποχρώσεις του πορτρέτου δεν το καθιστούν γαλήνιο - μπορεί κανείς να διαβάσει το σοκ σε αυτό. Το ίδιο το μωρό απεικονίζεται με μια εκπληκτικά σοφή, παιδική εμφάνιση. Το παιδί πέθανε λίγο μετά την ολοκλήρωση των εργασιών στον πίνακα. Από εκείνη τη στιγμή στη ζωή του καλλιτέχνη, που θρηνούσε για την τραγωδία, ξεκίνησε μια «μαύρη» περίοδος ασθένειας και τρέλας.

Φωτογραφία: thinkstockphotos.com, flickr.com

Υπάρχουν αιώνια θέματα στην τέχνη. Ένα από αυτά είναι το θέμα των γυναικών, το θέμα της μητρότητας. Κάθε εποχή έχει το δικό της ιδανικό για μια γυναίκα, ολόκληρη η ιστορία της ανθρωπότητας αντικατοπτρίζεται στο πώς είδαν οι άνθρωποι μια γυναίκα, ποιοι μύθοι την περιέβαλλαν και βοήθησαν στη δημιουργία της. Ακριβώς ένα πράγμα - σε όλες τις ηλικίες και τους καιρούς Ο θηλυκός χαρακτήρας έχει προσελκύσει, προσελκύει και θα προσελκύσει την ιδιαίτερη προσοχή των καλλιτεχνών.

Οι εικόνες των γυναικών που δημιουργούνται στην πορτραίτη φέρνουν ένα ποιητικό ιδεώδες στην αρμονική ενότητα των πνευματικών του ιδιοτήτων και της εξωτερικής του εμφάνισης. Από τα πορτρέτα, μπορούμε να κρίνουμε πώς τα κοινωνικά γεγονότα, η μόδα, η λογοτεχνία, η τέχνη και η ίδια η ζωγραφική επηρεάζουν την εμφάνιση μιας γυναίκας, την ψυχική της σύνθεση.

Σας παρουσιάζουμε μια ποικιλία εικόνων γυναικών που ζωγραφίζουν σε διαφορετικές κατευθύνσεις

ΡΕΑΛΙΣΜΟΣ

Η ουσία της σκηνοθεσίας είναι η πιο ακριβής και αντικειμενική καταγραφή της πραγματικότητας. Η γέννηση του ρεαλισμού στη ζωγραφική συνδέεται συχνότερα με το έργο του Γάλλου καλλιτέχνη Gustave Courbet, ο οποίος άνοιξε την προσωπική του έκθεση "The Pavilion of Realism" στο Παρίσι το 1855. Απέναντι στον ρομαντισμό και τον ακαδημαϊσμό. Στη δεκαετία του 1870, ο ρεαλισμός χωρίστηκε σε δύο κύριους τομείς - τον νατουραλισμό και τον ιμπρεσιονισμό. Οι φυσιοδίφες ονομάζονταν καλλιτέχνες που προσπαθούσαν να συλλάβουν την πραγματικότητα όσο το δυνατόν ακριβέστερα και φωτογραφικά.

Ivan Kramskoy "Άγνωστος"

Serov "Κορίτσι με ροδάκινα"

ΑΚΑΔΗΜΙΣΜΟΣ

Ο ακαδημαϊσμός μεγάλωσε ακολουθώντας τις εξωτερικές μορφές της κλασικής τέχνης. Ο ακαδημαϊσμός ενσάρκωσε τις παραδόσεις της αρχαίας τέχνης, στις οποίες εξιδανικεύεται η εικόνα της φύσης. Για τον ρωσικό ακαδημαϊσμό του πρώτου μισού του 19ου αιώνα, είναι χαρακτηριστικά τα εξαιρετικά θέματα, το υψηλό μεταφορικό ύφος, η ευελιξία, η πολυμορφία και η μεγαλοπρέπεια. Τα βιβλικά θέματα, τα τοπία των κομμωτηρίων και τα τελετουργικά πορτρέτα ήταν δημοφιλή. Ενώ το θέμα των πινάκων ήταν περιορισμένο, τα έργα των ακαδημαϊκών διακρίθηκαν για την υψηλή τεχνική τους ικανότητα.

Bouguereau "Pleiade"

Bouguereau "Mood"

Cabanel "Η γέννηση της Αφροδίτης"

ΙΜΠΡΕΣΙΟΝΙΣΜΟΣ

Οι εκπρόσωποι του στυλ προσπάθησαν να αποτυπώσουν με φυσικό και αμερόληπτο τρόπο τον πραγματικό κόσμο στην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά του, για να μεταφέρουν τις φευγαλέες εντυπώσεις τους. Ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός δεν έθεσε φιλοσοφικά ζητήματα. Αντ 'αυτού, ο ιμπρεσιονισμός εστιάζει στην επιπολαιότητα, τη ρευστότητα της στιγμής, τη διάθεση, τον φωτισμό ή τη γωνία θέασης. Οι πίνακές τους αντιπροσώπευαν μόνο τις θετικές πτυχές της ζωής, δεν παραβίαζαν κοινωνικά προβλήματα και απέφευγαν προβλήματα όπως η πείνα, οι ασθένειες, ο θάνατος. Βιβλικές, λογοτεχνικές, μυθολογικές, ιστορικές πλοκές που ενυπάρχουν στον επίσημο ακαδημαϊσμό απορρίφθηκαν. Έκαναν σχέδια για φλερτ, χορό, διαμονή σε καφετέρια και θέατρο, εκδρομές με βάρκα, σε παραλίες και κήπους. Κρίνοντας από τους πίνακες των ιμπρεσιονιστών, τότε η ζωή είναι μια σειρά από μικρές διακοπές, πάρτι, ευχάριστη διασκέδαση έξω από την πόλη ή σε φιλικό περιβάλλον.

Μπολντίνι "Μουλέν Ρουζ"

Renoir "Πορτρέτο της Jeanne Samary"

Manet "Πρωινό στο γρασίδι"

Mayo "RosaBrava"

Lautrec "Γυναίκα με ομπρέλα"

ΣΥΜΒΟΛΙΣΜΟΣ

Οι Συμβολιστές άλλαξαν ριζικά όχι μόνο διάφορες μορφές τέχνης, αλλά και την ίδια τη στάση απέναντί ​​της. Ο πειραματικός χαρακτήρας τους, η προσπάθεια για καινοτομία, ο κοσμοπολιτισμός έχουν γίνει πρότυπο για τις περισσότερες σύγχρονες τάσεις στην τέχνη. Χρησιμοποίησαν σύμβολα, υπονοούμενα, υπαινιγμούς, μυστήριο, αίνιγμα. Η κύρια διάθεση ήταν συχνά απαισιοδοξία, φτάνοντας στην απόγνωση. Σε αντίθεση με άλλες τάσεις στην τέχνη, ο συμβολισμός υποθέτει την έκφραση «άφθαστων», μερικές φορές μυστικιστικών ιδεών, εικόνων της αιωνιότητας και της ομορφιάς.

Ρεντόν "Οφηλία"

Franz von Stuck "Salome"

Watts "Ελπίδα"

Ροσέτι "Περσεφόνη"

ΜΟΝΤΕΡΝΟ

Η νεωτερικότητα προσπάθησε να συνδυάσει τις καλλιτεχνικές και ωφελιμιστικές λειτουργίες των δημιουργημένων έργων, να εμπλέξει όλες τις σφαίρες της ανθρώπινης δραστηριότητας στη σφαίρα της ομορφιάς. Ως αποτέλεσμα, υπάρχει ενδιαφέρον για τις εφαρμοσμένες τέχνες: εσωτερική διακόσμηση, κεραμικά, γραφικά βιβλίων. Οι καλλιτέχνες του Art Nouveau άντλησαν έμπνευση από την τέχνη της Αρχαίας Αιγύπτου και τους αρχαίους πολιτισμούς. Το πιο αξιοσημείωτο χαρακτηριστικό του Art Nouveau ήταν η απόρριψη ορθών γωνιών και γραμμών υπέρ ομαλότερων, καμπυλωτών γραμμών. Οι καλλιτέχνες της Art Nouveau έπαιρναν συχνά στολίδια από τον κόσμο των φυτών ως βάση για τα σχέδιά τους.

Klimt "Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer I"

Κλιμτ "Δανάη"

Κλιμτ "Τρεις ηλικίες μιας γυναίκας"

Πετάξτε "Φρούτα"

ΕΞΠΡΕΣΙΟΝΙΣΜΟΣ

Ο εξπρεσιονισμός είναι ένα από τα πιο επιδραστικά κινήματα τέχνης του 20ού αιώνα. Ο εξπρεσιονισμός προέκυψε ως αντίδραση στην οξεία κρίση του πρώτου τετάρτου του 20ού αιώνα, στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο και στα επακόλουθα επαναστατικά κινήματα, στις παραμορφώσεις του αστικού πολιτισμού, που κατέληξαν στην επιθυμία για παράλογο. Χρησιμοποιήθηκαν τα κίνητρα του πόνου, της κραυγής, η αρχή της έκφρασης άρχισε να κυριαρχεί πάνω στην εικόνα.

Μοντιλιάνι. Με τη βοήθεια των σωμάτων και των προσώπων των γυναικών, προσπαθεί να διεισδύσει στις ψυχές των χαρακτήρων του. «Ενδιαφέρομαι για έναν άνθρωπο. Το πρόσωπο είναι το μεγαλύτερο δημιούργημα της φύσης. Το χρησιμοποιώ ακούραστα », επανέλαβε.

Μοντιλιάνι "Κοιμωμένος γυμνός"

Schiele "Γυναίκα με μαύρες κάλτσες"

ΚΥΒΙΣΜΟΣ

Ο κυβισμός είναι μια μοντέρνα τάση στις εικαστικές τέχνες (κυρίως στη ζωγραφική) του 1ου τετάρτου του 20ού αιώνα, η οποία έφερε στο προσκήνιο το επίσημο έργο της κατασκευής μιας τρισδιάστατης μορφής σε ένα επίπεδο, ελαχιστοποιώντας τις οπτικές και γνωστικές λειτουργίες της τέχνης Ε Η εμφάνιση του Κυβισμού χρονολογείται παραδοσιακά 1906-1907 και σχετίζεται με το έργο του Πάμπλο Πικάσο και του Ζορζ Μπράκ. Γενικά, ο κυβισμός ήταν ένα ρήγμα με την παράδοση της ρεαλιστικής τέχνης που αναπτύχθηκε κατά την Αναγέννηση, συμπεριλαμβανομένης της δημιουργίας μιας οπτικής ψευδαίσθησης του κόσμου σε ένα επίπεδο. Το έργο των Κυβιστών ήταν μια πρόκληση για την τυπική ομορφιά της τέχνης του σαλονιού, τις ασαφείς αλληγορίες του συμβολισμού και την ευθραυστότητα της ιμπρεσιονιστικής ζωγραφικής. Μπαίνοντας στον κύκλο των επαναστατικών, αναρχικών, ατομικιστικών τάσεων, ο Κυβισμός ξεχώρισε ανάμεσά τους με μια τάση προς τον ασκητισμό του χρώματος, προς απλές, βαριές, απτές μορφές και στοιχειώδη κίνητρα.

Πικάσο "Γυναίκα που κλαίει"

Πικάσο "Μαντολίνο"

Πικάσο "Παρθένες της Αβινιόν"

ΣΟΥΡΕΑΛΙΣΜΟΣ

Η βασική έννοια του υπερρεαλισμού, υπερρεαλισμός- συνδυασμός ύπνου και πραγματικότητας. Για αυτό, οι σουρεαλιστές πρότειναν έναν παράλογο, αντιφατικό συνδυασμό νατουραλιστικών εικόνων μέσω κολάζ και μετακίνησης ενός αντικειμένου από έναν μη καλλιτεχνικό χώρο σε έναν καλλιτεχνικό, λόγω του οποίου το αντικείμενο ανοίγει από μια απροσδόκητη πλευρά, ιδιότητες που δεν παρατηρήθηκαν έξω το καλλιτεχνικό πλαίσιο εμφανίζεται σε αυτό. Οι σουρεαλιστές εμπνεύστηκαν από την ριζοσπαστική αριστερή ιδεολογία, αλλά πρότειναν να ξεκινήσουν την επανάσταση από το δικό τους μυαλό. Σκέφτηκαν την τέχνη ως το κύριο όργανο απελευθέρωσης. Αυτή η τάση αναπτύχθηκε υπό τη μεγάλη επιρροή της θεωρίας της ψυχανάλυσης από τον Freud. Ο σουρεαλισμός είχε τις ρίζες του στο συμβολισμό και επηρεάστηκε αρχικά από συμβολιστές καλλιτέχνες όπως ο Gustave Moreau και ο Odilon Redon. Πολλοί από τους δημοφιλείς καλλιτέχνες ήταν σουρεαλιστές, συμπεριλαμβανομένων των Ρενέ Μαγκρίτ, Μαξ Έρνστ, Σαλβαδόρ Νταλί, Αλμπέρτο ​​Τζιακομέτι.

Ο Gil Elvgren (1914-1980) ήταν ο κορυφαίος καλλιτέχνης του εικοστού αιώνα. Καθ 'όλη τη διάρκεια της επαγγελματικής του καριέρας, η οποία ξεκίνησε στα μέσα της δεκαετίας του 1930 και διήρκεσε πάνω από σαράντα χρόνια, καθιερώθηκε ως ένας από τους αγαπημένους συλλέκτες και οπαδούς σε όλο τον κόσμο. Παρόλο που ο Jill Elvgren θεωρείται κυρίως καλλιτέχνης, αξίζει τον τίτλο ενός κλασικού Αμερικανού εικονογράφου που έχει καλύψει διάφορους τομείς της εμπορικής τέχνης.

25 χρόνια δουλειάς για τη διαφήμιση της Coca-Cola τον βοήθησαν να καθιερωθεί ως ένας από τους σπουδαίους εικονογράφους του χώρου. Οι διαφημίσεις της Coca-Cola περιλάμβαναν πινέζες εικόνες των Elvgren's Girls, οι περισσότερες από τις οποίες απεικόνιζαν τυπικές αμερικανικές οικογένειες, παιδιά, εφήβους-απλούς ανθρώπους που κάνουν τις καθημερινές τους δραστηριότητες. Κατά τη διάρκεια του Β ’Παγκοσμίου Πολέμου και του Κορεατικού Πολέμου, ο Έλβγκρεν ζωγράφισε ακόμη και στρατιωτικές εικονογραφήσεις για την Coca-Cola, μερικές από τις οποίες έγιναν« εικόνες »στην Αμερική.

Το έργο του Elvgren για την Coca-Cola αντανακλούσε το αμερικανικό όνειρο για μια ασφαλή, άνετη ζωή και μερικές από τις εικονογραφήσεις για τις ιστορίες στα περιοδικά αντικατόπτριζαν τις ελπίδες, τους φόβους και τις χαρές των αναγνωστών τους. Αυτές οι εικόνες δημοσιεύθηκαν τη δεκαετία του 1940 και 1950 σε μια σειρά από εξέχοντα αμερικανικά περιοδικά όπως το McCall's, το Cosmopolitan, το Good Housekeeping και το Woman's Home Companion. Μαζί με την Coca-Cola, ο Elvgren έχει συνεργαστεί επίσης με Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania και Napa Auto Parts.

Ο Έλβγκρεν διέπρεψε όχι μόνο με τους πίνακες και τα διαφημιστικά του γραφικά - ήταν επίσης επαγγελματίας φωτογράφος που χειριζόταν μια κάμερα τόσο επιδέξια όσο ένα πινέλο. Αλλά η ενέργεια και το ταλέντο του δεν σταμάτησαν εκεί: εκτός από αυτό, ήταν δάσκαλος, οι μαθητές του οποίου αργότερα έγιναν διάσημοι καλλιτέχνες.

Ακόμα και στην παιδική ηλικία, ο Έλβγκρεν εμπνεύστηκε από φωτογραφίες διάσημων εικονογράφων. Κάθε εβδομάδα, έσκισε από τα περιοδικά φύλλα και εξώφυλλα με εικόνες που του άρεσαν, με αποτέλεσμα να συλλέγει μια τεράστια συλλογή, η οποία άφησε το στίγμα της στο έργο του νεαρού καλλιτέχνη.

Το έργο του Elvgren επηρεάστηκε από πολλούς καλλιτέχνες όπως ο Felix Octavius ​​Carr Darley (1822-1888), ο πρώτος καλλιτέχνης που πέτυχε να διαψεύσει την ανωτερότητα των αγγλικών και ευρωπαϊκών σχολών εικονογράφησης έναντι της αμερικανικής εμπορικής τέχνης. Ο Norman Rockwell (1877-1978), τον οποίο γνώρισε ο Elvgren το 1947, και αυτή η συνάντηση σηματοδότησε την αρχή μιας μακράς φιλίας. Charles Dana Gibson (1867-1944), κάτω από το πινέλο του οποίου βγήκε το ιδανικό ενός κοριτσιού, το οποίο συνδύαζε έναν «γείτονα» (κορίτσι-δίπλα) και «κορίτσι-των-ονείρων σου», Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) και άλλοι.

Ο Elvgren μελέτησε από κοντά το έργο αυτών των κλασικών καλλιτεχνών, δημιουργώντας τελικά τη βάση στην οποία βασίστηκε η περαιτέρω ανάπτυξη της τέχνης.

Έτσι η Jill Elvgren γεννήθηκε στις 15 Μαρτίου 1914, μεγάλωσε στην Αγία Πολ Μινεάπολη. Οι γονείς του, Άλεξ και Γκόλντι Έλβγκρεν (Άλεξ και Γκόλντι Έλβγκρεν) ήταν ιδιοκτήτες καταστήματος στο κέντρο της πόλης που πωλούσαν ταπετσαρίες και μπογιά.

Μετά την αποφοίτησή της από το λύκειο, η Τζιλ ήθελε να γίνει αρχιτέκτονας. Οι γονείς του ενέκριναν αυτήν την επιθυμία, καθώς παρατήρησαν το ταλέντο του στο σχέδιο όταν, σε ηλικία οκτώ ετών, το αγόρι αποκλείστηκε από το σχολείο λόγω του γεγονότος ότι ζωγράφισε τους τομείς των σχολικών βιβλίων. Ο Έλβγκρεν εισήλθε τελικά στο Πανεπιστήμιο της Μινεσότα για να σπουδάσει αρχιτεκτονική και σχέδιο, ενώ παρακολουθούσε μαθήματα τέχνης στο Ινστιτούτο Τέχνης της Μινεάπολις. Εκεί συνειδητοποίησε ότι το σχέδιο τον ενδιαφέρει πολύ περισσότερο από το να σχεδιάζει κτίρια.

Το φθινόπωρο του ίδιου έτους, ο Elvgren παντρεύτηκε την Janet Cummins. Και έτσι, την Πρωτοχρονιά, οι νεόνυμφοι μετακομίζουν στο Σικάγο, όπου υπήρχαν πολλές ευκαιρίες για καλλιτέχνες. Φυσικά, θα μπορούσαν να είχαν επιλέξει τη Νέα Υόρκη, αλλά το Σικάγο ήταν πιο κοντά και ασφαλέστερο.

Κατά την άφιξή του στο Σικάγο, ο Jill προσπάθησε να κάνει τα πάντα για να αναπτύξει την καριέρα του. Μπαίνει στην περίφημη Αμερικανική Ακαδημία Τεχνών στο κέντρο της πόλης, όπου έγινε φίλος με τον Μπιλ Μόσμπι, έναν καταξιωμένο καλλιτέχνη και δάσκαλο που πάντα υπερηφανευόταν για το γεγονός ότι η Τζιλ αναπτύχθηκε υπό την καθοδήγησή του.

Όταν ο Jill Elvgren ήρθε στην Ακαδημία, φυσικά, ήταν ταλαντούχος, αλλά δεν ξεχώρισε από τους περισσότερους μαθητές που σπούδαζαν εκεί. Αλλά μόνο ένα πράγμα τον διέκρινε από τα άλλα: ήξερε ακριβώς τι ήθελε. Κυρίως ονειρευόταν να γίνει καλός καλλιτέχνης. Για δύο χρόνια σπουδών, κατέκτησε ένα μάθημα σχεδιασμένο για τρεισήμισι: παρακολούθησε μαθήματα το βράδυ, το καλοκαίρι. Στον ελεύθερο χρόνο του ζωγράφιζε πάντα.

Ταν καλός μαθητής και δούλευε περισσότερο από άλλους. Ο Τζιλ παρακολούθησε όλα τα μαθήματα στα οποία μπορούσε να πάρει τουλάχιστον κάποιες γνώσεις σχετικά με τη ζωγραφική. Σε δύο χρόνια σημείωσε εκπληκτική πρόοδο και έγινε ένας από τους καλύτερους αποφοίτους της Ακαδημίας.

Η Jill είναι ένας καταπληκτικός καλλιτέχνης που λίγοι μπορούν να ταιριάξουν. Δυνατός στην κατασκευή, μοιάζει με ποδοσφαιριστή. τα μεγάλα χέρια του δεν μοιάζουν καθόλου με τα χέρια ενός καλλιτέχνη: το μολύβι κυριολεκτικά "βυθίζεται" σε αυτά, αλλά η ακρίβεια και η σχολαστικότητα των κινήσεών του μπορούν να συγκριθούν μόνο με την ικανότητα ενός χειρουργού.

Κατά τη διάρκεια των σπουδών του στο ινστιτούτο, ο Τζιλ δεν σταμάτησε ποτέ να εργάζεται. Ακόμα και τότε, οι εικονογραφήσεις του ήταν στολισμένες με φυλλάδια και περιοδικά της ακαδημίας στην οποία σπούδαζε.

Εκεί, ο Τζιλ γνώρισε πολλούς καλλιτέχνες που έγιναν φίλοι του για όλη του τη ζωή, για παράδειγμα: Χάρολντ Άντερσον, Τζόις Μπαλαντίν.

Το 1936, ο Τζιλ και η σύζυγός του επέστρεψαν στη γενέτειρά τους, όπου άνοιξαν το στούντιο τους. Λίγο νωρίτερα, κάνει την πρώτη του πληρωμένη δουλειά κατά παραγγελία: ένα εξώφυλλο για ένα περιοδικό μόδας που παρουσιάζει έναν όμορφο άντρα που φοράει διπλό στήθος και ελαφρύ καλοκαιρινό παντελόνι. Αμέσως μετά που ο Έλβγκρεν έστειλε τη δουλειά του στον πελάτη, ο διευθυντής της εταιρείας τον κάλεσε να συγχαρεί και να παραγγείλει μισή ντουζίνα ακόμη εξώφυλλα.

Στη συνέχεια ήρθε μια άλλη ενδιαφέρουσα παραγγελία, η οποία ήταν να σχεδιάσει τις πέντε Dionne Quintuplets, η γέννηση των οποίων έγινε αίσθηση στα μέσα ενημέρωσης. Ο πελάτης ήταν ο Brown και ο Biglow, ο μεγαλύτερος εκδότης ημερολογίων στον κόσμο. Το έργο αυτό τυπώθηκε στα ημερολόγια του 1937-1938, τα οποία πωλήθηκαν σε εκατομμύρια αντίτυπα. Από τότε, ο Elvgren άρχισε να ζωγραφίζει τα πιο διάσημα κορίτσια στην Αμερική, γεγονός που του έφερε μεγάλη επιτυχία. Ο Elvgren αρχίζει να καλείται να συνεργαστεί με άλλες εταιρείες, για παράδειγμα, τον ανταγωνιστή της Brown και του Biglow - τον Louis F. Dow Calendar Company. Τα έργα του καλλιτέχνη άρχισαν να τυπώνονται σε βιβλιαράκια, χαρτιά και ακόμη και σπιρτόκουτα. Στη συνέχεια, πολλοί από τους πίνακες ζωγραφικής του σε φυσικό μέγεθος που φτιάχτηκαν για το Royal Crown Soda εμφανίστηκαν σε παντοπωλεία. Η ίδια χρονιά γίνεται ιδιαίτερα σημαντική για τον Elvgren, καθώς το πρώτο τους παιδί, η Karen, γεννήθηκε σε αυτόν και τη γυναίκα του.

Ο Έλβγκρεν συνεχίζει να εργάζεται κατόπιν παραγγελίας και μαζί με την οικογένειά του αποφασίζει να επιστρέψει στο Σικάγο. Σύντομα γνώρισε τον Haddon H. Sundblom (1899-1976), ο οποίος ήταν το είδωλό του. Ο Sandblom έχει τεράστιο αντίκτυπο στο έργο του Elvgren.

Χάρη στον Sandblom, ο Elvgren έγινε καλλιτέχνης για διαφημίσεις της Coca-Cola. Μέχρι τώρα, αυτά τα έργα είναι εικόνες στην ιστορία της αμερικανικής εικονογράφησης.

Αμέσως μετά τον βομβαρδισμό του Περλ Χάρμπορ, ο Έλβγκρεν κλήθηκε να ζωγραφίσει για τη στρατιωτική εκστρατεία. Το πρώτο του σχέδιο για αυτή τη σειρά δημοσιεύτηκε το 1942 στο Good Housekeeping με τον τίτλο «Ξέρει τι είναι η ελευθερία» και απεικόνιζε ένα κορίτσι που φορούσε στολή αξιωματικού του Ερυθρού Σταυρού.

Το 1942, γεννήθηκε ο Jill Jr. και το 1943 η σύζυγός του περίμενε ήδη ένα τρίτο παιδί. Η οικογένεια του Έλβγκρεν μεγάλωσε, ωστόσο, όπως και η επιχείρησή του. Ο Jill συμμετέχει σε διαφημιστικά έργα και πουλά επίσης την παλιά του δουλειά. Απολάμβανε τη ζωή, καθώς ο ίδιος ήταν ήδη ένας σεβαστός καλλιτέχνης και ένας ευτυχισμένος οικογενειάρχης. Όταν γεννήθηκε το τρίτο παιδί στην οικογένειά του, ο Έλβγκρεν έπαιρνε ήδη περίπου $ 1000 ανά πίνακα, δηλ. περίπου 24.000 δολάρια ετησίως, που ήταν τεράστιο ποσό εκείνη την εποχή. Αυτό σήμαινε ότι η Jill θα μπορούσε να γίνει ο πιο ακριβοπληρωμένος εικονογράφος στις Ηνωμένες Πολιτείες και φυσικά να έχει μια ξεχωριστή θέση στο Brown and Bigelow.

Πριν ξεκινήσει να εργάζεται αποκλειστικά για τους Brown και Bigelow, δέχτηκε την πρώτη (και μοναδική) παραγγελία από την εταιρεία του Joseph Hoover στη Φιλαδέλφεια. Για να αποφύγει προβλήματα με τους Μπράουν και Μπίγκελοου, δέχτηκε την προσφορά με την προϋπόθεση ότι ο πίνακας δεν ήταν υπογεγραμμένος. Για αυτό το έργο, με τίτλο "Dream Girl", έλαβε 2.500 $. ήταν το μεγαλύτερο που ζωγράφισε ποτέ (101,6cm x 76,2cm).

Η συνεργασία με τους Brown και Bigelow επέτρεψε στον Elvgren να συνεχίσει να ζωγραφίζει για την Coca-Cola, αλλά μπορούσε να εργαστεί σε οποιαδήποτε άλλη εταιρεία που δεν είχε καμία σύγκρουση με τους Brown και Bigelow. Έτσι, το 1945, οι Elvgren και Brown και Bigelow ξεκίνησαν μια συνεργασία που κράτησε πάνω από τριάντα χρόνια.

Ο σκηνοθέτης Brown και Bigelow Charles Ward έκανε το όνομα του Elvgren αναγνωρίσιμο. Πρότεινε επίσης στον Gil να κάνει ένα γυμνό pin-up, στο οποίο ο καλλιτέχνης συμφώνησε με μεγάλο ενθουσιασμό. Αυτός ο πίνακας έδειξε μια γυμνή ξανθιά νύμφη στην παραλία, κάτω από το μοβ-μπλε φως του φεγγαριού σε λιλά λουλούδια. Αυτή η εικονογράφηση κυκλοφόρησε σε μια τράπουλα, σε συνδυασμό με το έργο ενός άλλου καλλιτέχνη - ZoÎ Mozert. Την επόμενη χρονιά, ο Γουόρντ παρήγγειλε ένα άλλο γυμνό pin-up από τον Έλβγκρεν για περισσότερους χάρτες, αλλά αυτή τη φορά εξ ολοκλήρου μόνο από τον Έλβγκρεν. Αυτό το έργο έσπασε τα ρεκόρ πωλήσεων των Brown και Bigelow και ονομάστηκε "Mais Oui by Gil Elvgren".

Τα τρία πρώτα σχέδια για τους Brown και Bigelow έγιναν μπεστ σέλερ της εταιρείας μετά από μερικές εβδομάδες. Αυτές οι εικόνες χρησιμοποιήθηκαν σύντομα για χαρτιά.

Μέχρι το τέλος της δεκαετίας, ο Elvgren είχε γίνει ο πιο επιτυχημένος καλλιτέχνης των Brown και Bigelow, χάρη στα μέσα μαζικής ενημέρωσης, το έργο του ήταν ευρέως γνωστό στο κοινό και άρθρα για αυτόν δημοσιεύθηκαν ακόμη και σε περιοδικά. Οι εταιρείες με τις οποίες συνεργάστηκε περιλάμβαναν Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Μικτό ουίσκι, General Electric Appliance και σοκολάτες Pangburn's.

Αντιμέτωπος με μια τέτοια ζήτηση για τα έργα του, ο Elvgren σκέφτηκε να ανοίξει το δικό του στούντιο, επειδή υπήρχαν ήδη πολλοί καλλιτέχνες που θαύμαζαν το έργο του και τη λεγόμενη "ζωγραφική με μαγιονέζα" λεία σαν μετάξι). Αλλά αφού ζύγισε όλα τα υπέρ και τα κατά, εγκατέλειψε αυτήν την ιδέα.

Η Jill Elvgren ταξίδεψε πολύ, γνώρισε πολλά άτομα με επιρροή. Ο μισθός του στα Brown και Bigelow άλλαξε: αν πληρωνόταν προηγουμένως 1.000 $ για καμβά, τώρα έπαιρνε 2.500 $ και ζωγράφιζε 24 πίνακες ετησίως, καθώς και τόκους από περιοδικά όπου τυπώνονταν οι εικόνες του. Μετακόμισε με την οικογένειά του σε ένα νέο σπίτι στο προάστιο Winnetka, όπου άρχισε να χτίζει το στούντιο του στη σοφίτα, γεγονός που του επέτρεψε να εργαστεί ακόμη πιο παραγωγικά.

Η Τζιλ είχε υπέροχη γεύση και ήταν πνευματώδης. Τα έργα του είναι πάντα ενδιαφέροντα σε σύνθεση, χρωματικούς συνδυασμούς και προσεκτικά μελετημένες πόζες και χειρονομίες τα καθιστούν ζωντανά και συναρπαστικά. Οι πίνακές του είναι ειλικρινείς. Η Τζιλ ένιωσε την εξέλιξη της γυναικείας ομορφιάς, η οποία ήταν πολύ σημαντική. Ως εκ τούτου, η Elvgren ήταν πάντα σε ζήτηση από τους πελάτες.

Το 1956, ο Τζιλ μετακόμισε με την οικογένειά του στη Φλόριντα. Wasταν απόλυτα ικανοποιημένος από τη νέα του κατοικία. Εκεί άνοιξε ένα εξαιρετικό στούντιο, όπου σπούδασε τον Bobby Toombs, έγινε δικαίως αναγνωρισμένος καλλιτέχνης. Είπε ότι ο Έλβγκρεν ήταν ένας εξαιρετικός δάσκαλος που του έμαθε να χρησιμοποιεί όλες τις δεξιότητές του προσεκτικά.

Στη Φλόριντα, ο Gill ζωγράφισε έναν τεράστιο αριθμό πορτρέτων, μεταξύ των μοντέλων του ήταν η Myrna Loy, η Arlene Dahl, η Donna Reed, η Barbara Hale, ο Kim Novak. Στη δεκαετία του 1950 και του 1960, κάθε επίδοξο μοντέλο ή ηθοποιός θα ήθελε ο Έλβγκρεν να σχεδιάσει ένα κορίτσι της ομοιότητάς του, το οποίο στη συνέχεια θα τυπωθεί σε ημερολόγια και αφίσες.

Ο Έλβγκρεν ήταν πάντα σε αναζήτηση νέων ιδεών για τους πίνακές του. Αν και πολλοί από τους φίλους του καλλιτέχνες τον βοήθησαν σε αυτό, βασίστηκε περισσότερο στην οικογένειά του: συζήτησε τις ιδέες του με τη γυναίκα και τα παιδιά του.

Ο Έλβγκρεν συνεργάστηκε με τους καλλιτέχνες που δίδασκε ή, αντιστρόφως, με τους οποίους σπούδασε. που ήταν φίλοι του, με τους οποίους είχε πολλά κοινά. Ανάμεσά τους ήταν ο Χάρι Άντερσον, η Τζόις Μπαλαντίν, ο Αλ Μπουέλ, ο Ματ Κλαρκ, ο Έρλ Γκρος, ο Εντ Χένρι, ο Τσαρλς Κίνγχαμ και άλλοι.

Η Jill Elvgren έζησε τη ζωή στο έπακρο. Ως ένθερμος τουρίστας, αγαπούσε το ψάρεμα και το κυνήγι. Θα μπορούσε να περάσει ώρες στην πισίνα, του άρεσαν τα αγωνιστικά αυτοκίνητα, μοιράστηκε επίσης το πάθος των παιδιών του για τη συλλογή παλιών όπλων.

Με τα χρόνια, ο Elvgren απέκτησε πολλούς βοηθούς στο στούντιο, οι περισσότεροι από τους οποίους αργότερα έγιναν επιτυχημένοι καλλιτέχνες. Όταν ο Έλβγκρεν έπρεπε να αρνηθεί να συνεργαστεί με εταιρείες λόγω του τεράστιου όγκου εργασίας, οι καλλιτεχνικοί διευθυντές συμφώνησαν να περιμένουν ένα χρόνο ή περισσότερο, αν μόνο η Τζιλ εργαζόταν για αυτές.

Όλη όμως αυτή η επιτυχία του Τζιλ το 1966 επισκιάστηκε από μια φοβερή τραγωδία που έπληξε την οικογένειά του: η γυναίκα του Τζιλ, Τζάνετ, πέθανε από καρκίνο. Μετά από αυτό, βυθίστηκε ακόμη περισσότερο στη δουλειά. Η δημοτικότητά του παραμένει αμετάβλητη, δεν χρειάζεται να ανησυχεί για τίποτα άλλο εκτός από το αποτέλεσμα της δουλειάς του. Αυτή ήταν η καλύτερη περίοδος στην καριέρα του Έλβγκρεν, αν όχι για το θάνατο της γυναίκας του.

Η ικανότητα του Elvgren να μεταφέρει τη γυναικεία ομορφιά ήταν ασυναγώνιστη. Όταν σχεδίαζε, συνήθως καθόταν σε μια καρέκλα σε τροχούς, ώστε να μπορεί να κινείται εύκολα και να βλέπει το σχέδιο από διαφορετικές γωνίες, και ένας μεγάλος καθρέφτης πίσω του του επέτρεψε να έχει μια γενική ιδέα για ολόκληρη την εικόνα. Το κύριο πράγμα στη δουλειά του ήταν κορίτσια: προτιμούσε μοντέλα ηλικίας 15-20 ετών, τα οποία μόλις ξεκινούσαν την καριέρα τους, αφού είχαν μια αμεσότητα που εξαφανίζεται με την εμπειρία. Όταν ρωτήθηκε για την τεχνική του, είπε ότι προσθέτει τις δικές του πινελιές: επιμηκύνει τα πόδια, μεγαλώνει το στήθος, στενεύει τη μέση, κάνει τα χείλη πιο σφριγηλά, τα μάτια πιο εκφραστικά, η μύτη είναι μύτη, δίνοντας έτσι στο μοντέλο περισσότερα ελκυστικότητα. Ο Elvgren ανέπτυξε πάντα τις ιδέες του προσεκτικά από την αρχή μέχρι το τέλος: η επιλογή του μοντέλου, τα στηρίγματα, ο φωτισμός, η σύνθεση, ακόμη και το χτένισμα ήταν πολύ σημαντική. Μετά από αυτό, φωτογράφησε τη σκηνή και άρχισε να σχεδιάζει.

Ένα ξεχωριστό χαρακτηριστικό της δουλειάς της Jill ήταν ότι κοιτάζοντας τους πίνακες, φαινόταν ότι τα κορίτσια επρόκειτο να ζωντανέψουν, να πουν ένα γεια ή να προσφερθούν να πιουν ένα φλιτζάνι καφέ. Έμοιαζαν όμορφα και ενθουσιώδη. Πάντα γοητευτικοί, οπλισμένοι με φιλικό χαμόγελο, ακόμη και κατά τη διάρκεια του πολέμου έδωσαν στους στρατιώτες δύναμη και ελπίδα να επιστρέψουν σπίτι στα κορίτσια τους.

Πολλοί καλλιτέχνες ονειρεύονταν να ζωγραφίσουν με τον τρόπο που έκανε ο Έλβγκρεν, όλοι θαύμαζαν το ταλέντο και την επιτυχία του.

Κάθε χρόνο ζωγράφιζε με μεγαλύτερη ευκολία και επαγγελματισμό, οι πρώτοι του πίνακες φαίνονται πιο «σκληροί» σε σύγκριση με τους μεταγενέστερους. Έφτασε στο αποκορύφωμα των δεξιοτήτων στον τομέα του.

Στις 29 Φεβρουαρίου 1980, ο Jill Elvgren, ένας άνθρωπος που αφοσιώθηκε στην ευχαρίστηση των ανθρώπων με τη δημιουργικότητά του, πέθανε από καρκίνο σε ηλικία 65 ετών. Ο γιος του Drake βρήκε τον τελευταίο ημιτελή αλλά υπέροχο πίνακα για τον Brown και τον Bigelow στο στούντιο του πατέρα του. Πέρασαν τρεις δεκαετίες από τον θάνατο του Έλβγκρεν, αλλά η τέχνη του εξακολουθεί να ζει. Χωρίς αμφιβολία, ο Elvgren θα μείνει στην ιστορία ως καλλιτέχνης που συνέβαλε σημαντικά στην αμερικανική τέχνη τον εικοστό αιώνα.

Τα είδη ζωγραφικής εμφανίστηκαν, κέρδισαν δημοτικότητα, ξεθώριασαν, εμφανίστηκαν νέα, υποείδη άρχισαν να διακρίνονται μέσα στα υπάρχοντα. Αυτή η διαδικασία δεν θα σταματήσει όσο υπάρχει ένα άτομο και προσπαθεί να αιχμαλωτίσει τον κόσμο γύρω του, είτε είναι φύση, είτε κτίρια είτε άλλα άτομα.

Νωρίτερα (μέχρι τον 19ο αιώνα) υπήρχε μια διαίρεση των ειδών ζωγραφικής σε τα λεγόμενα "υψηλά" είδη (γαλλικό μεγάλο είδος) και "χαμηλά" είδη (γαλλικά petit είδος). Αυτή η διαίρεση προέκυψε τον 17ο αιώνα. και βασίστηκε σε ποιο θέμα και πλοκή απεικονίστηκαν. Από αυτή την άποψη, τα υψηλά είδη περιελάμβαναν: μάχη, αλληγορικά, θρησκευτικά και μυθολογικά και το χαμηλό - πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση, ζωισμός.

Ο διαχωρισμός σε είδη είναι μάλλον αυθαίρετος, αφού η εικόνα μπορεί ταυτόχρονα να περιέχει στοιχεία δύο ή περισσότερων ειδών.

Ανιμαλισμός ή ζωικό είδος

Ο ανιμαλισμός ή το ζωώδες είδος (από τα λατινικά animal - animal) είναι ένα είδος στο οποίο το κύριο κίνητρο είναι η εικόνα ενός ζώου. Μπορούμε να πούμε ότι αυτό είναι ένα από τα αρχαιότερα είδη, γιατί σχέδια και μορφές πτηνών και ζώων υπήρχαν στη ζωή των πρωτόγονων ανθρώπων. Για παράδειγμα, στον γνωστό πίνακα του Ι.Ι. Η φύση του Shishkin "Πρωί σε πευκοδάσος" απεικονίζεται από τον ίδιο τον καλλιτέχνη και οι αρκούδες είναι εντελώς διαφορετικές, απλώς ειδικεύονται στην απεικόνιση ζώων.

Ι.Ι. Shishkin "Πρωί σε πευκοδάσος"

Ως υποείδος μπορεί να διακριθεί Hippic είδος(από τα ελληνικά. ιπποπόταμοι - άλογο) - ένα είδος στο οποίο το κέντρο της εικόνας είναι η εικόνα ενός αλόγου.

ΔΕΝ. Sverchkov "Άλογο στο στάβλο"

Πορτρέτο

Ένα πορτρέτο (από τη γαλλική λέξη portrait) είναι ένας πίνακας στον οποίο η κεντρική εικόνα ενός ατόμου ή μιας ομάδας ανθρώπων. Το πορτρέτο δεν μεταφέρει μόνο εξωτερική ομοιότητα, αλλά αντικατοπτρίζει και τον εσωτερικό κόσμο και μεταφέρει τα συναισθήματα του καλλιτέχνη προς το πρόσωπο του οποίου το πορτρέτο ζωγραφίζει.

Ι.Ε. Repin Portrait of Nicholas II

Το είδος πορτρέτου υποδιαιρείται σε άτομο(εικόνα ενός ατόμου), ομάδα(εικόνα πολλών ανθρώπων), από τη φύση της εικόνας - προς τα εμπρόςόταν ένα άτομο απεικονίζεται σε πλήρη ανάπτυξη σε αξιοσημείωτο αρχιτεκτονικό ή τοπίο υπόβαθρο και θάλαμος - Δωμάτιοόταν ένα άτομο απεικονίζεται μέχρι το στήθος ή μέχρι τη μέση σε ουδέτερο φόντο. Μια ομάδα πορτρέτων, ενωμένων σύμφωνα με κάποιο κριτήριο, σχηματίζει ένα σύνολο ή μια γκαλερί πορτρέτου. Ένα παράδειγμα θα ήταν τα πορτρέτα των μελών της βασιλικής οικογένειας.

Επισημαίνεται ξεχωριστά αυτοπροσωπογραφίαστο οποίο ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του.

K. Bryullov Αυτοπροσωπογραφία

Το πορτρέτο είναι ένα από τα παλαιότερα είδη - τα πρώτα πορτρέτα (γλυπτά) υπήρχαν ήδη στην αρχαία Αίγυπτο. Ένα τέτοιο πορτρέτο λειτούργησε ως μέρος της λατρείας της μετά θάνατον ζωής και ήταν ένα «διπλό» ενός ατόμου.

Τοπίο

Τοπίο (από τη γαλλική πληρωμή - χώρα, περιοχή) - ένα είδος στο οποίο η κεντρική εικόνα είναι η εικόνα της φύσης - ποτάμια, δάση, χωράφια, θάλασσα, βουνά. Σε ένα τοπίο, το κύριο σημείο είναι, φυσικά, η πλοκή, αλλά είναι εξίσου σημαντικό να μεταφέρουμε την κίνηση, τη ζωή της γύρω φύσης. Από τη μία πλευρά, η φύση είναι όμορφη, θαυμαστή, και από την άλλη, είναι αρκετά δύσκολο να αντικατοπτριστεί αυτό σε μια εικόνα.

C. Monet "Πεδίο παπαρούνες στο Argenteuil"

Ένα υποείδος του τοπίου είναι θαλασσινό τοπίο ή μαρίνα(από γαλλική θαλάσσια, ιταλική μαρίνα, από λατινικά marinus - θάλασσα) - η εικόνα μιας θαλάσσιας μάχης, της θάλασσας ή άλλων γεγονότων που εκτυλίσσονται στη θάλασσα. Ένας εξέχων εκπρόσωπος ναυτικών ζωγράφων - Κ.Α. Ο Αϊβαζόφσκι. Είναι αξιοσημείωτο ότι ο καλλιτέχνης ζωγράφισε πολλές από τις λεπτομέρειες αυτού του πίνακα από τη μνήμη.

Ι.Ι. Αϊβαζόφσκι "Το ένατο κύμα"

Ωστόσο, οι καλλιτέχνες συχνά προσπαθούν να τραβήξουν τη θάλασσα από τη φύση, για παράδειγμα, ο W. Turner για να ζωγραφίσει τον πίνακα "Snowstorm. Το ατμόπλοιο στην είσοδο του λιμανιού δίνει σήμα κινδύνου, χτυπώντας το ρηχό νερό », πέρασε 4 ώρες δεμένο στη γέφυρα του καπετάνιου ενός πλοίου που έπλεε σε καταιγίδα.

W. Turner «Blizzard. Το ατμόπλοιο στην είσοδο του λιμανιού δίνει σήμα κινδύνου, χτυπώντας το ρηχό νερό »

Το στοιχείο του νερού απεικονίζεται επίσης στο τοπίο του ποταμού.

Ξεχωριστή διάκριση αστικό τοπίο, στο οποίο το κύριο θέμα της εικόνας είναι οι δρόμοι και τα κτίρια της πόλης. Ένα είδος αστικού τοπίου είναι Βεντούτα- η εικόνα του τοπίου της πόλης με τη μορφή πανοράματος, όπου ασφαλώς διατηρείται η κλίμακα και οι αναλογίες.

A. Canaletto "Piazza San Marco"

Υπάρχουν άλλοι τύποι τοπίου - αγροτική, βιομηχανική και αρχιτεκτονική... Στην αρχιτεκτονική ζωγραφική, το κύριο θέμα είναι η εικόνα του αρχιτεκτονικού τοπίου, δηλ. κτίρια, κατασκευές · περιλαμβάνει μια εικόνα εσωτερικών χώρων (εσωτερική διακόσμηση χώρων). Ωρες ωρες Εσωτερικό(από τη γαλλική intérieur - εσωτερική) διακρίνεται ως ξεχωριστό είδος. Ένα άλλο είδος διακρίνεται στην αρχιτεκτονική ζωγραφική - Capriccio(από το ιταλικό capriccio, ιδιοτροπία, ιδιοτροπία) - αρχιτεκτονικό τοπίο φαντασίας.

Νεκρή φύση

Η νεκρή φύση (από τη γαλλική φύση morte - νεκρή φύση) είναι ένα είδος αφιερωμένο στην απεικόνιση άψυχων αντικειμένων που τοποθετούνται σε ένα κοινό περιβάλλον και σχηματίζουν μια ομάδα. Η νεκρή φύση εμφανίστηκε τον 15ο και τον 16ο αιώνα, ωστόσο, ως ξεχωριστό είδος, εμφανίστηκε τον 17ο αιώνα.

Παρά το γεγονός ότι η λέξη "νεκρή φύση" μεταφράζεται ως νεκρή φύση, στους πίνακες υπάρχουν μπουκέτα λουλουδιών, φρούτων, ψαριών, παιχνιδιών, πιάτων - όλα μοιάζουν "ζωντανά", δηλαδή, όπως το παρόν. Από την ίδρυσή της μέχρι σήμερα, η νεκρή φύση ήταν ένα σημαντικό είδος στη ζωγραφική.

Γ. Μονέ "Βάζο με λουλούδια"

Ως ξεχωριστό υποείδος μπορεί να διακριθεί Βανίτας(από τα Λατ. Vanitas - ματαιοδοξία, ματαιοδοξία) είναι ένα είδος ζωγραφικής στο οποίο ένα ανθρώπινο κρανίο καταλαμβάνει μια κεντρική θέση στην εικόνα, η εικόνα του οποίου προορίζεται να θυμίζει τη ματαιοδοξία και την αδυναμία της ανθρώπινης ζωής.

Ο πίνακας του F. de Champagne παρουσιάζει τρία σύμβολα της ευπάθειας του είναι - Ζωή, Θάνατος, Χρόνος μέσα από τις εικόνες μιας τουλίπας, ενός κρανίου, μιας κλεψύδρας.

Ιστορικό είδος

Το ιστορικό είδος είναι ένα είδος στο οποίο οι πίνακες απεικονίζουν σημαντικά γεγονότα και κοινωνικά σημαντικά φαινόμενα του παρελθόντος ή του παρόντος. Είναι αξιοσημείωτο ότι η εικόνα μπορεί να αφιερωθεί όχι μόνο σε πραγματικά γεγονότα, αλλά και σε γεγονότα από τη μυθολογία ή, για παράδειγμα, που περιγράφονται στην Αγία Γραφή. Αυτό το είδος είναι πολύ σημαντικό για την ιστορία, τόσο για την ιστορία μεμονωμένων λαών και κρατών, όσο και για την ανθρωπότητα στο σύνολό της. Στους πίνακες ζωγραφικής, το ιστορικό είδος είναι αδιαχώριστο από άλλους τύπους ειδών - πορτρέτο, τοπίο, είδος μάχης.

Ι.Ε. Repin "Οι Κοζάκοι γράφουν ένα γράμμα στον Τούρκο Σουλτάνο" K. Bryullov "Η τελευταία μέρα της Πομπηίας"

Είδος μάχης

Το είδος μάχης (από τη γαλλική bataille - μάχη) είναι ένα είδος στο οποίο οι πίνακες απεικονίζουν την κορύφωση μιας μάχης, εχθροπραξίες, μια στιγμή νίκης, σκηνές από τη στρατιωτική ζωή. Για τη ζωγραφική μάχης, η εικόνα στην εικόνα μεγάλου αριθμού ανθρώπων είναι χαρακτηριστική.

Α.Α. Deineka "Άμυνα της Σεβαστούπολης"

Θρησκευτικό είδος

Θρησκευτικό είδος - ένα είδος στο οποίο η κύρια ιστορία των πινάκων είναι η βιβλική (σκηνές από τη Βίβλο και το Ευαγγέλιο). Όσον αφορά τα θέματα, σχετίζεται με τη θρησκευτική και τη ζωγραφική εικόνων, η διαφορά τους είναι ότι οι πίνακες θρησκευτικού περιεχομένου δεν συμμετέχουν στις λειτουργίες και για την εικόνα αυτός είναι ο κύριος σκοπός. Εικονογραφίαμεταφρασμένο από τα ελληνικά. σημαίνει "εικόνα προσευχής". Αυτό το είδος περιορίστηκε από αυστηρά πλαίσια και νόμους ζωγραφικής, γιατί δεν έχει σκοπό να αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα, αλλά να μεταφέρει την ιδέα της θεϊκής αρχής, στην οποία οι καλλιτέχνες αναζητούν το ιδανικό. Στη Ρωσία, η ζωγραφική ανθούσε στους 12-16 αιώνες. Τα πιο γνωστά ονόματα ζωγράφων είναι ο Θεοφάνης ο Έλληνας (τοιχογραφίες), ο Αντρέι Ρούμπλεφ, η Διονύση.

Α. Ρούμπλεφ "Τριάδα"

Πώς ξεχωρίζει το μεταβατικό στάδιο από τη ζωγραφική στο πορτρέτο Παρσούνα(παραμορφωμένο από το Λατ. περσόνα - πρόσωπο, πρόσωπο).

Παρσούν Ιβάν ο Τρομερός. συγγραφέας άγνωστος

Οικιακό είδος

Οι πίνακες απεικονίζουν σκηνές της καθημερινής ζωής. Συχνά ο καλλιτέχνης γράφει για εκείνες τις στιγμές της ζωής των οποίων είναι σύγχρονος. Τα διακριτικά χαρακτηριστικά αυτού του είδους είναι ο ρεαλισμός των πινάκων και η απλή πλοκή. Η εικόνα μπορεί να αντικατοπτρίζει τα έθιμα, τις παραδόσεις, την τάξη της καθημερινής ζωής ενός συγκεκριμένου λαού.

Η οικιακή ζωγραφική περιλαμβάνει διάσημους πίνακες όπως "Barge Haulers on the Volga" του I. Repin, "τρόικα" του V. Perov, "άνιση γάμος" ​​του V. Pukirev.

I. Repin "Φορτηγά φορτηγά στο Βόλγα"

Επικό και μυθολογικό είδος

Επικό και μυθολογικό είδος. Η λέξη μύθος προέρχεται από την ελληνική. «Μύθος», που σημαίνει παράδοση. Οι πίνακες απεικονίζουν τα γεγονότα των θρύλων, των επών, των θρύλων, των αρχαίων ελληνικών μύθων, των αρχαίων θρύλων, των πλοκών λαογραφικών έργων.

Π. Βερονέζε "Απόλλων και Μαρσύας"

Αλληγορικό είδος

Αλληγορικό είδος (από τα ελληνικά. Αλεγορία - αλληγορία). Οι εικόνες είναι ζωγραφισμένες με τέτοιο τρόπο ώστε να έχουν κρυφό νόημα. Οι ιδέες και οι έννοιες είναι άυλες, αόρατες στο μάτι (δύναμη, καλό, κακό, αγάπη), μεταδίδονται μέσω εικόνων ζώων, ανθρώπων, άλλων ζωντανών όντων με τέτοια εγγενή χαρακτηριστικά που έχουν συμβολισμό, ήδη σταθερά στο μυαλό των ανθρώπων και βοηθούν στην κατανόηση του γενικού νοήματος της εργασίας.

L. Giordano "Η αγάπη και οι κακίες αφοπλίζουν τη δικαιοσύνη"

Ποιμαντική (από το γαλλικό ποιμενικό - βοσκός, αγροτικός)

Ένα είδος ζωγραφικής που εξυμνεί και ποιητικοποιεί την απλή και ειρηνική αγροτική ζωή.

F. Boucher "Φθινοπωρινό Ποιμαντικό"

Καρικατούρα (από ιταλικό caricare - για υπερβολή)

Ένα είδος στο οποίο, κατά τη δημιουργία μιας εικόνας, ένα κωμικό εφέ εφαρμόζεται σκόπιμα με την υπερβολή και την ακρίβεια των χαρακτηριστικών, της συμπεριφοράς, της ένδυσης κ.λπ. Ο σκοπός μιας καρικατούρας είναι να προσβάλλει, σε αντίθεση, για παράδειγμα, με ένα κινούμενο σχέδιο (από τα χρέωση), σκοπός του οποίου είναι απλώς να παίξει ένα κόλπο. Στενά συνδεδεμένες με τον όρο «καρικατούρα» είναι έννοιες όπως η δημοφιλής εκτύπωση, το γκροτέσκο.

Nu (από το γαλλικό nu - γυμνό, γδύσιμο)

Το είδος, στους πίνακες του οποίου απεικονίζεται ένα γυμνό ανθρώπινο σώμα, είναι συχνότερα γυναικείο.

Titian Vecellio "Αφροδίτη του Ουρμπίνο"

Παραπλάνηση, ή trompe l'oeil (από π. trompe -l’œil -οφθαλμαπάτη)

Ένα είδος, τα χαρακτηριστικά του οποίου είναι ειδικές τεχνικές που δημιουργούν μια οπτική ψευδαίσθηση και καθιστούν δυνατή τη διαγραφή της γραμμής μεταξύ πραγματικότητας και εικόνας, δηλ. η παραπλανητική εντύπωση ότι το αντικείμενο είναι τρισδιάστατο, ενώ είναι δισδιάστατο. Μερικές φορές το snag ξεχωρίζει ως υποείδος της νεκρής φύσης, αλλά μερικές φορές οι άνθρωποι απεικονίζονται επίσης σε αυτό το είδος.

Per Borrell del Caso "Αποφεύγοντας την κριτική"

Για λόγους πληρότητας, συνιστάται να εξετάσετε το trompe l'oeil στο πρωτότυπο, επειδή η αναπαραγωγή δεν είναι σε θέση να μεταφέρει πλήρως το αποτέλεσμα που απεικονίζει ο καλλιτέχνης.

Jacopo de Barbery "Πέρδικα και γάντια σιδήρου"

Θέμα-θεματική εικόνα

Ανάμειξη παραδοσιακών ειδών ζωγραφικής (καθημερινή, ιστορική, μάχη, τοπίο κ.λπ.). Με έναν άλλο τρόπο, αυτό το είδος ονομάζεται σχηματισμένη σύνθεση, τα χαρακτηριστικά του: ένα άτομο παίζει τον κύριο ρόλο, η παρουσία δράσης και μια κοινωνικά σημαντική ιδέα, οι σχέσεις (σύγκρουση συμφερόντων / χαρακτήρων) και οι ψυχολογικές προφορές εμφανίζονται απαραίτητα.

V. Surikov "Boyarynya Morozova"