Ιστορικοί πίνακες διάσημων καλλιτεχνών. Οι πιο διάσημοι Ρώσοι καλλιτέχνες

Μόνα Λίζα. Λεονάρντο ντα Βίντσι 1503-1506

Ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους και διάσημους πίνακες στον κόσμο, το πλήρες όνομά του είναι Πορτρέτο της κυρίας Λίζα ντελ Τζιοκόντο. Το πορτρέτο απεικονίζει τη Liza del Giocondo, μια Ιταλίδα μεσαίας τάξης, μητέρα έξι παιδιών από την Αναγέννηση. Το μοντέλο έχει ξυρισμένα φρύδια και μαλλιά στην κορυφή του μετώπου, κάτι που συνάδει με τη μόδα του quattrocento. Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι απέδωσε αυτό το πορτρέτο στα αγαπημένα του έργα, το περιέγραφε συχνά στις σημειώσεις του και αναμφίβολα το θεωρούσε το καλύτερο του έργο. Αυτή η εικόνα δικαίως είναι επικεφαλής της λίστας με τους πιο δημοφιλείς πίνακες στον κόσμο.

«Η Γέννηση της Αφροδίτης». Sandro Botticelli 1482 - 1486

Μια εξαιρετική εικονογράφηση του μύθου της γέννησης της Αφροδίτης. Η γυμνή Αφροδίτη κατευθύνεται προς τη γη με ένα κέλυφος, οδηγούμενη από τον δυτικό άνεμο από τον Ζέφυρο, τον άνεμο ανακατεμένο με λουλούδια - αυτό συμβολίζει την άνοιξη και την ομορφιά. Στην ακτή, την Αφροδίτη συναντά μια από τις θεές της ομορφιάς. Μετά τη δημιουργία αυτού του πίνακα, ο καλλιτέχνης Botticelli έλαβε παγκόσμια αναγνώριση, σε αυτό τον βοήθησε το μοναδικό στυλ γραφής του, διακρίθηκε ευνοϊκά από τους συγχρόνους του με τους αιωρούμενους ρυθμούς του, τους οποίους δεν χρησιμοποίησε κανένας άλλος εκτός από αυτόν.

«Δημιουργία του Αδάμ». Μιχαήλ Άγγελος 1511

Τοποθετημένο στην οροφή της Καπέλα Σιξτίνα, είναι το τέταρτο από τα εννέα έργα της σειράς. Ο Μιχαήλ Άγγελος διευκρίνισε την μη πραγματικότητα της συμβίωσης του ουράνιου και του ανθρώπου, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, η εικόνα του Θεού δεν περιέχει μια εκπληκτική ουράνια δύναμη, αλλά δημιουργική ενέργεια που μπορεί να μεταφερθεί χωρίς άγγιγμα.

«Πρωί σε πευκοδάσος». Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky 1889

«Girl on the Ball». Πάμπλο Πικάσο 1905

Μια εικόνα αντιθέσεων. Απεικονίζει τη στάση ενός περιπλανώμενου τσίρκου σε μια καμένη έρημο. Οι κύριοι χαρακτήρες είναι επίσης πολύ αντιθετικοί: Ένας δυνατός, λυπημένος, μονολιθικός άντρας κάθεται σε έναν κύβο. Εκείνη την ώρα, ένα εύθραυστο και χαμογελαστό κορίτσι ισορροπεί δίπλα του, πάνω σε μια μπάλα.

«Η τελευταία μέρα της Πομπηίας». Karl Bryullov 1833

Κατά τη διάρκεια μιας επίσκεψης στην Πομπηία το 1828, ο Bryulov έκανε πολλά σκίτσα και σκίτσα, ήξερε ήδη πώς θα έμοιαζε το τελικό έργο. Ο πίνακας παρουσιάστηκε στη Ρώμη, αλλά στη συνέχεια μεταφέρθηκε στο Λούβρο, όπου πολλοί κριτικοί και ιστορικοί τέχνης θαύμασαν το ταλέντο του Καρόλου, μετά από αυτό το έργο του ήρθαν οι παγκόσμιοι κλασικοί, αλλά δυστυχώς, το μεγαλύτερο μέρος του έργου του συνδέεται μόνο με αυτόν τον πίνακα.

Ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους πίνακες

«Starlight Night». Vincent van Gogh 1889

Ένας λατρευτικός πίνακας ενός Ολλανδού καλλιτέχνη, τον οποίο ζωγράφισε από τις δικές του αναμνήσεις (κάτι που δεν είναι χαρακτηριστικό του Βαν Γκογκ), επειδή εκείνη την περίοδο ήταν στο νοσοκομείο. Άλλωστε, όταν περνούσαν οι κρίσεις οργής, ήταν αρκετά επαρκής και μπορούσε να σχεδιάσει. Για αυτό, ο αδερφός του Theo έκανε συμφωνία με τους γιατρούς και του επέτρεψαν να δουλέψει με μπογιές στον θάλαμο. Γιατί ο Βαν Γκογκ του έκοψε το αυτί; Διαβάστε στο άρθρο μου.

«Το ένατο κύμα». Ιβάν Αϊβαζόφσκι 1850

Ένας από τους πιο γνωστούς πίνακες με θέμα τη θάλασσα (μαρίνα). Ο Aivazovsky καταγόταν από την Κριμαία, οπότε δεν είναι δύσκολο να εξηγήσει κανείς την αγάπη του για το νερό και τη θάλασσα. Το ένατο κύμα είναι μια καλλιτεχνική εικόνα αναπόφευκτου κινδύνου και έντασης, μπορείτε επίσης να πείτε: η ηρεμία πριν από την καταιγίδα.

«Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι». Γιαν Βερμέερ 1665

Η εμβληματική σκηνή του Ολλανδού καλλιτέχνη, ονομάζεται και ολλανδική Μόνα Λίζα. Αυτό το έργο δεν είναι εντελώς πορτραίτο, αλλά σε μεγαλύτερο βαθμό ανήκει στο είδος "troni", όπου η έμφαση δεν δίνεται στο πορτρέτο ενός ατόμου, αλλά στο κεφάλι του. Το κορίτσι με ένα μαργαριταρένιο σκουλαρίκι είναι δημοφιλές στη σύγχρονη κουλτούρα και έχουν γυριστεί αρκετές ταινίες για αυτήν.

"Εντύπωση. Ανατέλλοντος Ήλιος «Κλοντ Μονέ 1872

Ο πίνακας που γέννησε το είδος «ιμπρεσιονισμός». Ο δημοφιλής δημοσιογράφος Louis Leroy, αφού επισκέφτηκε την έκθεση με αυτό το έργο, νίκησε τον Claude Monet, έγραψε: "Η ταπετσαρία που κρέμεται στον τοίχο, και φαίνονται πιο τελειωμένα από αυτό" Impression ". Θεωρείται ο κανονικός εκπρόσωπος του είδους, πιο δημοφιλής από πολλούς άλλους πίνακες μεγάλων καλλιτεχνών.

Επίλογος και μικρό αίτημα

Εάν βρήκατε αυτό το υλικό χρήσιμο και σας άρεσε, ενημερώστε τους φίλους σας σε αυτήν τη σελίδα! Αυτό θα βοηθήσει πολύ στην ανάπτυξη του ιστότοπου και θα σας ενθουσιάσει με νέα υλικά! Εάν θέλετε να παραγγείλετε ένα αντίγραφο ενός δημοφιλούς πίνακα, τότε επισκεφτείτε τη σελίδα Πώς να αγοράσετε έναν πίνακα ζωγραφικής. Συμβαίνει συχνά ένα άτομο να ενδιαφέρεται αρχικά για δημοφιλείς πίνακες και στη συνέχεια να θέλει να έχει ένα αντίγραφο του αριστουργήματος στον τοίχο του.

Η καταχώρηση δημοσιεύτηκε στο. Σελιδοδείκτης.

Κάθε χρόνο εκατοντάδες πίνακες βγαίνουν στο σφυρί για ιδιωτικές συλλογές. Οι συλλέκτες ξοδεύουν εκατομμύρια δολάρια για να αναπληρώσουν τις ιδιωτικές τους συλλογές. Οι πιο διάσημοι πίνακες δεν είναι πάντα οι πιο ακριβοί πίνακες. Οι πιο διάσημοι πίνακες του κόσμου ανήκουν σε παγκοσμίου φήμης μουσεία και με την κυριολεκτική έννοια της λέξης είναι ανεκτίμητοι. Ας ρίξουμε μια ματιά σε διάφορα μουσεία στον κόσμο και ας δούμε αυτά τα διάσημα έργα.

"Η γέννηση της Αφροδίτης"

Αυτός ο πίνακας ζωγραφίστηκε από τον μεγάλο καλλιτέχνη της Φλωρεντίας Sandro Botticelli μεταξύ 1485-1487. Απεικονίζει τη θεά Αφροδίτη (στην ελληνική μυθολογία - Αφροδίτη), να αναδύεται από τον αφρό της θάλασσας. Σήμερα αυτός ο πίνακας εκτίθεται στο Μουσείο Ουφίτσι στη Φλωρεντία.

"Νούφαρα"

Για 43 χρόνια της ζωής του, ο Μονέ έζησε στο Giverny (μια μικρή πόλη 80 χλμ από το Παρίσι) νοίκιασε ένα σπίτι από έναν Νορμανδό ιδιοκτήτη γης και αγόρασε το γειτονικό οικόπεδο στο οποίο βρισκόταν η λίμνη. Στη συνέχεια, σε αυτόν τον ιστότοπο, ο καλλιτέχνης δημιούργησε δύο κήπους, ο ένας από τους οποίους ήταν πάνω στο νερό. Τα κίνητρα του υδάτινου κήπου κατέχουν σημαντική θέση στο έργο του καλλιτέχνη. Έργα από αυτή τη σειρά έχουν διασκορπιστεί σε μουσεία σε όλο τον κόσμο, ωστόσο, μια αξιοπρεπής ομάδα έργων παρουσιάζεται στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης στη Νέα Υόρκη. Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο.

"The night Watch"

Ολοκληρώθηκε το 1642, στο απόγειο της Ολλανδικής Χρυσής Εποχής, το Night Watch είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Ολλανδού καλλιτέχνη Rembrandt van Rijn. Ο πίνακας δείχνει την απόδοση του λόχου τουφέκι του λοχαγού Frans Banning Kok και του υπολοχαγού Willem van Ruutenbürg. Ο πίνακας εκτίθεται στο Rijksmuseum στο Άμστερνταμ.

"Κραυγή"

Αυτός ο πίνακας είναι από μια σειρά έργων του Νορβηγού εξπρεσιονιστή ζωγράφου Edvard Munch. Ο πίνακας απεικονίζει μια ταλαίπωρη φιγούρα, με φόντο έναν κόκκινο-κόκκινο ουρανό. Ο Edvard Munch δημιούργησε πολλές παραλλαγές του The Scream. Ο πίνακας που παρουσιάστηκε ζωγραφίστηκε το 1893 και στεγάστηκε στην Εθνική Πινακοθήκη της Νορβηγίας. Ωστόσο, το 1994 το έργο κλάπηκε, αλλά μετά από λίγους μήνες βρέθηκε και επέστρεψε στο μουσείο.

"Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σκουλαρίκι"

Αυτός ο πίνακας μερικές φορές ονομάζεται «Ολλανδική Μόνα Λίζα». Το κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σκουλαρίκι ζωγραφίστηκε γύρω στο 1665 από τον Ολλανδό καλλιτέχνη Jan Vermeer.

"Starlight Night"

Το Starry Night ζωγράφισε ο Ολλανδός καλλιτέχνης Vincent van Gogh. Παρά το γεγονός ότι σε όλη του τη ζωή ο καλλιτέχνης πούλησε μόνο ένα από τα έργα του, το πεδίο της δημιουργικής του δραστηριότητας είναι πολύ πλούσιο. Το Starry Night είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του. Απεικονίζει το χωριό Saint-Remy. Από το 1941, ο πίνακας βρίσκεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη.

"Μόνα Λίζα"

Ο πιο διάσημος πίνακας του κόσμου εξακολουθεί να θεωρείται η «Μόνα Λίζα», η οποία ζωγραφίστηκε από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι κατά την Αναγέννηση στη Φλωρεντία. Άρχισε να ζωγραφίζει αυτό το αριστούργημα το 1503 (1504) και το ολοκλήρωσε λίγο πριν το θάνατό του το 1519. Το 1911, η Μόνα Λίζα απήχθη από τον υπάλληλο του Λούβρου Vincenzo Perugio, έναν Ιταλό πατριώτη που πίστευε ότι η Mona Lisa έπρεπε να επιστραφεί στην Ιταλία. Αφού φύλαξε τον πίνακα για 2 χρόνια στο σπίτι, ο Περούτζιο πιάστηκε να προσπαθεί να πουλήσει τον πίνακα στον διευθυντή της γκαλερί Ουφίτσι στη Φλωρεντία. Σήμερα, η Μόνα Λίζα κρέμεται ξανά στο Λούβρο στο Παρίσι, όπου 6 εκατομμύρια άνθρωποι βλέπουν τον πίνακα κάθε χρόνο.

Το άρθρο παρουσιάζει 22 πίνακες διαφορετικών εποχών, που αποτελούν αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής και αποτελούν ιδιοκτησία όλης της ανθρωπότητας.
Φωτογραφία #1.
Ο πίνακας φυλάσσεται στο Λούβρο, Παρίσι, Γαλλία. Η Μόνα Λίζα μπορεί να μην είχε αποκτήσει παγκόσμια φήμη αν δεν είχε απαχθεί το 1911 από έναν υπάλληλο του Λούβρου. Η εικόνα βρέθηκε δύο χρόνια αργότερα στο: ο κλέφτης απάντησε σε μια αγγελία στην εφημερίδα και προσφέρθηκε να πουλήσει τη "La Gioconda" στον διευθυντή της γκαλερί Ουφίτσι. Όλο αυτό το διάστημα, ενώ η έρευνα συνεχιζόταν, η «Μόνα Λίζα» δεν έφυγε από τα εξώφυλλα των εφημερίδων και των περιοδικών σε όλο τον κόσμο, με αποτέλεσμα να γίνει αντικείμενο αντιγραφής και λατρείας.
Φωτογραφία #2.

Ο πίνακας φυλάσσεται στο μοναστήρι της Santa Maria delle Grazie, στο Μιλάνο.
Για περισσότερα από 500 χρόνια ύπαρξης του έργου, η τοιχογραφία έχει καταστραφεί επανειλημμένα: μέσω της ζωγραφικής, έγινε μια πόρτα και στη συνέχεια τοποθετήθηκε, η τραπεζαρία του μοναστηριού, όπου βρίσκεται η εικόνα, χρησιμοποιήθηκε ως οπλοστάσιο, φυλακή, και βομβαρδίστηκε. Η περίφημη τοιχογραφία έχει αναστηλωθεί τουλάχιστον πέντε φορές, με την τελευταία αποκατάσταση να διαρκεί 21 χρόνια. Σήμερα, για να δουν το έργο, οι επισκέπτες πρέπει να κλείσουν τα εισιτήριά τους εκ των προτέρων και μπορούν να περάσουν μόνο 15 λεπτά στην τραπεζαρία.
Φωτογραφία #3.
Το έργο φυλάσσεται στην Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ στη Μόσχα.
Η εικόνα της Αγίας Τριάδας, που φιλοτέχνησε ο Αντρέι Ρούμπλεφ τον 15ο αιώνα, είναι μια από τις πιο διάσημες ρωσικές εικόνες. Το εικονίδιο είναι ένας κατακόρυφος πίνακας. Οι Τσάροι (Ιβάν ο Τρομερός, Μπόρις Γκοντούνοφ, Μιχαήλ Φιοντόροβιτς) «σκέπασαν» την εικόνα με χρυσό, ασήμι και πολύτιμους λίθους. Σήμερα ο μισθός φυλάσσεται στο Κρατικό Μουσείο-Αποθεματικό Sergiev Posad.
Φωτογραφία #4.

Ο πίνακας βρίσκεται στη Φλωρεντία στην γκαλερί Ουφίτσι.
Το έργο εικονογραφεί τον μύθο της γέννησης της Αφροδίτης. Μια γυμνή θεά επιπλέει στην ακτή σε ένα ανοιχτό κέλυφος, οδηγούμενη από τον άνεμο. Στην αριστερή πλευρά της εικόνας, ο Ζέφυρος (δυτικός άνεμος), στην αγκαλιά της συζύγου του Χλωρίδας, φυσά πάνω στο κοχύλι, δημιουργώντας έναν άνεμο γεμάτο λουλούδια. Στην ακτή, τη θεά συναντά μια από τις χάρες. Η «Γέννηση της Αφροδίτης» διατηρείται καλά χάρη στο γεγονός ότι ο Μποτιτσέλι εφάρμοσε ένα προστατευτικό στρώμα κρόκου αυγού στον πίνακα.
Φωτογραφία #5.

Φυλάσσεται στο Μουσείο Kunsthistorisches στη Βιέννη.
Σύμφωνα με τον συγγραφέα της εικόνας, η αποτυχία που συνέβη στην κατασκευή του Πύργου της Βαβέλ δεν φταίει για τα γλωσσικά εμπόδια που εμφανίστηκαν ξαφνικά σύμφωνα με τη βιβλική πλοκή, αλλά για τα λάθη που έγιναν κατά τη διαδικασία κατασκευής. Με την πρώτη ματιά, η τεράστια κατασκευή φαίνεται αρκετά ισχυρή, αλλά μετά από προσεκτικότερη επιθεώρηση, είναι σαφές ότι όλες οι βαθμίδες είναι άνισα τοποθετημένες, οι κάτω όροφοι είναι είτε ημιτελείς είτε ήδη καταρρέουν, το ίδιο το κτίριο γέρνει προς την πόλη και οι προοπτικές για ολόκληρο το έργο είναι πολύ λυπηρό.
Φωτογραφία #6.
Ο πίνακας φυλάσσεται στο Μουσείο Πούσκιν της Μόσχας.
Ο πίνακας κατέληξε στη Ρωσία χάρη στον βιομήχανο Ivan Abramovich Morozov, ο οποίος το 1913 τον απέκτησε για 16.000 φράγκα. Το 1918, η προσωπική συλλογή του I.A.Morozov κρατικοποιήθηκε. Αυτή τη στιγμή, ο πίνακας βρίσκεται στη συλλογή του Κρατικού Μουσείου Καλών Τεχνών που φέρει το όνομα του A.S. Πούσκιν.
Φωτογραφία #7.

Ο πίνακας βρίσκεται στην Πινακοθήκη Tretyakov, στη Μόσχα.
Το «Morning in a Pine Forest» είναι ένας πίνακας των Ρώσων καλλιτεχνών Ivan Shishkin και Konstantin Savitsky. Ο Σαβίτσκι ζωγράφισε αρκούδες, αλλά ο συλλέκτης Pavel Tretyakov, όταν απέκτησε τον πίνακα, έσβησε την υπογραφή του, οπότε τώρα μόνο ο Shishkin αναφέρεται ως συγγραφέας του πίνακα.
Φωτογραφία #8.

Ο πίνακας του Αϊβαζόφσκι φυλάσσεται στην Αγία Πετρούπολη στο Ρωσικό Κρατικό Μουσείο.
Ο Ivan Aivazovsky είναι ένας διεθνούς φήμης Ρώσος ναυτικός ζωγράφος που έχει αφιερώσει τη ζωή του στη ζωγραφική της θάλασσας. Δημιούργησε περίπου έξι χιλιάδες έργα, καθένα από τα οποία έλαβε αναγνώριση κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη. Ο πίνακας «Το ένατο κύμα» περιλαμβάνεται στο βιβλίο «100 μεγάλες εικόνες».
Φωτογραφία #9.

Ο πίνακας φυλάσσεται στο Λούβρο του Παρισιού.
Ο Ντελακρουά έγραψε ένα έργο βασισμένο στην Επανάσταση του Ιουλίου του 1830 στη Γαλλία. Σε μια επιστολή προς τον αδελφό του στις 12 Οκτωβρίου 1830, ο Ντελακρουά γράφει: «Αν δεν αγωνίστηκα για την Πατρίδα, τότε τουλάχιστον θα γράψω γι' αυτήν». Το γυμνό στήθος, που οδηγεί τον λαό, συμβολίζει την αφοσίωση του γαλλικού λαού εκείνης της εποχής, που με «γυμνά σεντούκια» πήγαινε στον εχθρό.
Φωτογραφία #10.

Το αριστούργημα φυλάσσεται στο Rijksmuseum στο Άμστερνταμ.
Ο αρχικός τίτλος του έργου του Ρέμπραντ είναι «Ομιλία από τον λόχο τουφέκι του Λοχαγού Φρανς Μπάνινγκ Κοκ και του υπολοχαγού Βίλεμ βαν Ράιτενμπουργκ». Στους ιστορικούς τέχνης που ανακάλυψαν τον πίνακα τον 19ο αιώνα φάνηκε ότι οι φιγούρες εμφανίζονταν σε σκούρο φόντο και ονομαζόταν «Night Watch». Αργότερα ανακαλύφθηκε ότι ένα στρώμα αιθάλης έκανε την εικόνα σκοτεινή, αλλά η δράση λαμβάνει χώρα στην πραγματικότητα κατά τη διάρκεια της ημέρας. Ωστόσο, ο πίνακας έχει ήδη μπει στο θησαυροφυλάκιο της παγκόσμιας τέχνης με το όνομα «Night Watch».
Φωτογραφία #11.
Ο πίνακας φυλάσσεται στο Ερμιτάζ της Αγίας Πετρούπολης.
Ο αρχικός τίτλος του πίνακα είναι «Madonna and Child». Το σύγχρονο όνομα του πίνακα προέρχεται από το όνομα του ιδιοκτήτη του - Count Litta, ιδιοκτήτη της οικογενειακής γκαλερί τέχνης στο Μιλάνο. Υπάρχει η υπόθεση ότι η φιγούρα του μωρού δεν ζωγραφίστηκε από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, αλλά ανήκει στο πινέλο ενός από τους μαθητές του. Αυτό αποδεικνύεται από τη στάση του μωρού για τον τρόπο του συγγραφέα.
Φωτογραφία #12.
Ο πίνακας φυλάσσεται στην Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, στη Μόσχα.
Ως βάση λαμβάνεται το παραμύθι "About Sister Alyonushka and Brother Ivanushka". Αρχικά, ο πίνακας του Vasnetsov ονομαζόταν "Fool Alyonushka". Τα ορφανά ονομάζονταν «ανόητα» εκείνη την εποχή. «Η Alyonushka», είπε αργότερα ο ίδιος ο καλλιτέχνης, «φαινόταν να ζει στο μυαλό μου για πολύ καιρό, αλλά στην πραγματικότητα την είδα στην Akhtyrka όταν συνάντησα ένα κορίτσι με απλά μαλλιά που μου χτύπησε τη φαντασία. Υπήρχε τόση μελαγχολία, μοναξιά και καθαρά ρωσική θλίψη στα μάτια της... Κάποιο ιδιαίτερο ρωσικό πνεύμα ανέπνεε από αυτήν».
Φωτογραφία #13.
Το έργο φυλάσσεται στο Alte Pinakothek του Μονάχου.
Ο πίνακας «Η απαγωγή των θυγατέρων του Λεύκιππου» θεωρείται η προσωποποίηση του θαρραλέου πάθους και της σωματικής ομορφιάς. Τα δυνατά, μυώδη μπράτσα των νέων αρπάζουν τις νεαρές γυμνές γυναίκες για να τις ανεβάσουν στα άλογά τους. Οι γιοι του Δία και της Λήδας κλέβουν τις νύφες των ξαδέρφων τους.
Φωτογραφία #14.

Ο πίνακας βρίσκεται στο Ρωσικό Κρατικό Μουσείο στην Αγία Πετρούπολη.
Ο πίνακας απεικονίζει την περίφημη έκρηξη του Βεζούβιου το 79 μ.Χ. NS. και την καταστροφή της πόλης της Πομπηίας κοντά στη Νάπολη. Η εικόνα του καλλιτέχνη στην αριστερή γωνία του πίνακα είναι μια αυτοπροσωπογραφία του συγγραφέα.
Φωτογραφία #15.
Ο πίνακας φυλάσσεται στην Πινακοθήκη Παλαιών Δασκάλων στη Δρέσδη της Γερμανίας.
Η εικόνα έχει ένα μικρό μυστικό: το φόντο, που μοιάζει με σύννεφα από απόσταση, μετά από προσεκτική εξέταση αποδεικνύεται ότι είναι κεφάλια αγγέλων. Και οι δύο άγγελοι που απεικονίζονται στην παρακάτω εικόνα έχουν γίνει το μοτίβο πολλών καρτ ποστάλ και αφισών.
Φωτογραφία #16.

Ο πίνακας φυλάσσεται στην Πινακοθήκη Tretyakov, στη Μόσχα.
Η πλοκή του έργου είναι εμπνευσμένη από το ποίημα του Lermontov «The Demon». Ο δαίμονας είναι μια εικόνα της δύναμης του ανθρώπινου πνεύματος, της εσωτερικής πάλης, της αμφιβολίας. Σφίγγοντας τραγικά τα χέρια του, ο Δαίμονας κάθεται με λυπημένα, τεράστια μάτια στραμμένα στην απόσταση, περικυκλωμένος από αόρατα.
Φωτογραφία #17.

Ο πίνακας εκτίθεται στην Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ.
Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε αυτή την εικόνα για αρκετούς μήνες. Στη συνέχεια, ο Kazimir Malevich έκανε πολλά αντίγραφα του "Black Square" (σύμφωνα με ορισμένες πηγές, επτά). Σύμφωνα με μια εκδοχή, ο καλλιτέχνης δεν μπόρεσε να ολοκληρώσει τον πίνακα στην ώρα του, έτσι έπρεπε να καλύψει το έργο με μαύρη μπογιά. Στη συνέχεια, μετά την αναγνώριση του κοινού, ο Malevich έγραψε τα νέα "Black Squares" ήδη σε λευκούς καμβάδες. Ο Μάλεβιτς ζωγράφισε επίσης τους πίνακες "Κόκκινη Πλατεία" (σε δύο αντίτυπα) και έναν "Λευκό Τετράγωνο".
Φωτογραφία #18.

Ο πίνακας βρίσκεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη.
Σύμφωνα με τον ίδιο τον συγγραφέα, ο πίνακας ζωγραφίστηκε ως αποτέλεσμα των συνειρμών του Νταλί στη θέα του επεξεργασμένου τυριού. Επιστρέφοντας από τον κινηματογράφο, όπου πήγε εκείνο το βράδυ, η Gala προέβλεψε πολύ σωστά ότι κανείς, έχοντας δει το "The Persistence of Memory", δεν θα το ξεχνούσε. Φωτογραφία #19.

Ο πίνακας φυλάσσεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη.
Σε αντίθεση με τους περισσότερους πίνακες του καλλιτέχνη, η Έναστρη Νύχτα γράφτηκε από μνήμης. Ο Βαν Γκογκ βρισκόταν εκείνη την εποχή στο νοσοκομείο του Σεν-Ρεμί, βασανισμένος από κρίσεις τρέλας. Φωτογραφία #20.

Η τοιχογραφία βρίσκεται στην Καπέλα Σιξτίνα στο Βατικανό.
Ο πίνακας «Δημιουργία του Αδάμ» είναι η τέταρτη από τις εννέα κεντρικές συνθέσεις στην οροφή της Καπέλα Σιξτίνα, αφιερωμένη στις εννέα πλοκές του βιβλίου της Γένεσης. Η τοιχογραφία απεικονίζει το επεισόδιο: «Και ο Θεός έπλασε τον άνθρωπο κατ' εικόνα Του»
Φωτογραφία #21.

Ο πίνακας βρίσκεται στο Μουσείο Marmottan στο Παρίσι.
Ο τίτλος του έργου «Impression, soleil levant» με το ελαφρύ χέρι του δημοσιογράφου L. Leroy έγινε το όνομα της καλλιτεχνικής διεύθυνσης «impressionism». Ο πίνακας δημιουργήθηκε από τη φύση στο παλιό λιμάνι της Χάβρης στη Γαλλία.
Φωτογραφία #22.

Ο πίνακας βρίσκεται στο Courtauld Institute of Art στο Λονδίνο.
Το Folies Bergère είναι ένα βαριετέ και καμπαρέ στο Παρίσι. Ο Μανέ επισκεπτόταν συχνά το Folies Bergère και κατέληξε να ζωγραφίζει αυτόν τον πίνακα - τον τελευταίο πριν από το θάνατό του το 1883. Πίσω από το μπαρ, ανάμεσα σε ένα πλήθος που πίνει, τρώει, μιλάει και καπνίζει, είναι μια μπαργούμαν, απορροφημένη στις σκέψεις της, παρακολουθώντας έναν ακροβάτη σε ένα τραπέζι, που φαίνεται στην επάνω αριστερή γωνία της εικόνας.

Σε επαφή με

Τον 17ο αιώνα εισήχθη ο διαχωρισμός των ζωγραφικών ειδών σε «υψηλά» και «χαμηλά». Το πρώτο περιελάμβανε τα ιστορικά, μαχητικά και μυθολογικά είδη. Το δεύτερο περιελάμβανε κοσμικά είδη ζωγραφικής από την καθημερινή ζωή, για παράδειγμα, είδος είδους, νεκρή φύση, ζωγραφική ζώων, πορτρέτο, γυμνό, τοπίο.

Ιστορικό είδος

Το ιστορικό είδος στη ζωγραφική δεν απεικονίζει ένα συγκεκριμένο αντικείμενο ή πρόσωπο, αλλά μια συγκεκριμένη στιγμή ή γεγονός που έλαβε χώρα στην ιστορία των περασμένων εποχών. Περιλαμβάνεται στο κύριο ζωγραφικά είδηστην τέχνη. Πορτραίτο, μάχη, καθημερινά και μυθολογικά είδη είναι συχνά στενά συνυφασμένα με το ιστορικό.

«Η κατάκτηση της Σιβηρίας από τον Γερμάκ» (1891-1895)
Βασίλι Σουρίκοφ

Οι ζωγράφοι Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev και πολλοί άλλοι έγραψαν τους πίνακές τους στο ιστορικό είδος.

Μυθολογικό είδος

Θρύλοι, αρχαίοι θρύλοι και μύθοι, λαογραφία - η απεικόνιση αυτών των πλοκών, ηρώων και γεγονότων βρήκε τη θέση τους στο μυθολογικό είδος της ζωγραφικής. Ίσως μπορεί να διακριθεί στη ζωγραφική οποιουδήποτε έθνους, επειδή η ιστορία κάθε εθνικής ομάδας είναι γεμάτη θρύλους και παραδόσεις. Για παράδειγμα, μια τέτοια πλοκή της ελληνικής μυθολογίας όπως το μυστικό ειδύλλιο του θεού του πολέμου Άρη και της θεάς της ομορφιάς Αφροδίτης απεικονίζεται στον πίνακα "Παρνασσός" από έναν Ιταλό καλλιτέχνη ονόματι Andrea Mantegna.

Παρνασσός (1497)
Αντρέα Μαντένια

Τέλος, η μυθολογία στη ζωγραφική διαμορφώθηκε κατά την Αναγέννηση. Εκτός από τον Andrea Mantegna, εκπρόσωποι αυτού του είδους είναι οι Raphael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov κ.α.

Είδος μάχης

Η ζωγραφική μάχης περιγράφει σκηνές από τη στρατιωτική ζωή. Τις περισσότερες φορές, απεικονίζονται διάφορες στρατιωτικές εκστρατείες, καθώς και μάχες στη θάλασσα και στη ξηρά. Και δεδομένου ότι αυτές οι μάχες προέρχονται συχνά από την πραγματική ιστορία, η μάχη και τα ιστορικά είδη βρίσκουν τη διασταύρωση τους εδώ.

Θραύσμα από το πανόραμα "Μάχη του Μποροντίνο" (1912)
Franz Roubaud

Η ζωγραφική μάχης διαμορφώθηκε κατά τη διάρκεια της Ιταλικής Αναγέννησης στο έργο των καλλιτεχνών Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci και στη συνέχεια Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov και πολλών άλλων ζωγράφων.

Οικιακό είδος

Σκηνές από την καθημερινή, δημόσια ή ιδιωτική ζωή των απλών ανθρώπων, είτε είναι αστική είτε αγροτική, απεικονίζουν το είδος της καθημερινής ζωής στη ζωγραφική. Όπως πολλοί άλλοι ζωγραφικά είδη, οι καθημερινοί πίνακες σπάνια βρίσκονται σε ανεξάρτητη μορφή, εντάσσονται στο είδος του πορτρέτου ή του τοπίου.

"Πωλητής μουσικών οργάνων" (1652)
Κάρελ Φαμπρίτσιους

Η προέλευση της καθημερινής ζωγραφικής έγινε τον 10ο αιώνα στην Ανατολή και πέρασε στην Ευρώπη και τη Ρωσία μόλις τον 17ο-18ο αιώνα. Οι Jan Vermeer, Karel Fabricius και Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov και Ivan Alekseevich Ermenev είναι οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες οικιακής ζωγραφικής εκείνης της περιόδου.

Animalistic είδος

Τα κύρια αντικείμενα του ζωικού είδους είναι τα ζώα και τα πουλιά, άγρια ​​και κατοικίδια, και γενικά όλοι οι εκπρόσωποι του ζωικού κόσμου. Αρχικά, η ζωγραφική των ζώων ήταν μέρος των ειδών της κινεζικής ζωγραφικής, αφού πρωτοεμφανίστηκε στην Κίνα τον 8ο αιώνα. Στην Ευρώπη, ο ζωισμός διαμορφώθηκε μόνο στην Αναγέννηση - τα ζώα εκείνη την εποχή απεικονίζονταν ως ενσάρκωση των ανθρώπινων κακών και αρετών.

"Άλογα στο λιβάδι" (1649)
Paulus Potter

Ο Antonio Pisanello, ο Paulus Potter, ο Albrecht Durer, ο Frans Snyders, ο Albert Cape είναι οι κύριοι εκπρόσωποι του ζωοποιισμού στις εικαστικές τέχνες.

Νεκρή φύση

Στο είδος της νεκρής φύσης, απεικονίζονται αντικείμενα που περιβάλλουν ένα άτομο στη ζωή. Αυτά είναι άψυχα αντικείμενα συνδυασμένα σε μια ομάδα. Τέτοια αντικείμενα μπορεί να ανήκουν στο ίδιο γένος (για παράδειγμα, μόνο τα φρούτα φαίνονται στην εικόνα) ή μπορεί να είναι ετερογενή (φρούτα, πιάτα, μουσικά όργανα, λουλούδια κ.λπ.).

"Λουλούδια σε ένα καλάθι, μια πεταλούδα και μια λιβελούλα" (1614)
Αμβρόσιος Μπόσσαρτ ο Πρεσβύτερος

Η νεκρή φύση ως ανεξάρτητο είδος διαμορφώθηκε τον 17ο αιώνα. Οι Φλαμανδικές και Ολλανδικές σχολές νεκρής φύσης διακρίνονται ιδιαίτερα. Εκπρόσωποι διαφόρων στυλ, από τον ρεαλισμό μέχρι τον κυβισμό, ζωγράφισαν τους πίνακές τους σε αυτό το είδος. Μερικές από τις πιο διάσημες νεκρές φύσεις ζωγράφισαν οι ζωγράφοι Ambrosius Bosshart the Elder, Albertus Iona Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claesz Heda.

Πορτρέτο

Το πορτραίτο είναι ένα είδος ζωγραφικής που είναι ένα από τα πιο διαδεδομένα στις εικαστικές τέχνες. Ο σκοπός ενός πορτρέτου στη ζωγραφική είναι να απεικονίσει ένα άτομο, αλλά όχι μόνο την εμφάνισή του, αλλά και να μεταφέρει τα εσωτερικά συναισθήματα και τη διάθεση του ατόμου που απεικονίζεται.

Τα πορτρέτα μπορεί να είναι μεμονωμένα, ζευγαρωμένα, ομαδικά, καθώς και αυτοπροσωπογραφία, η οποία μερικές φορές ξεχωρίζει ως ξεχωριστό είδος. Και το πιο διάσημο πορτρέτο όλων των εποχών, ίσως, είναι ο πίνακας του Λεονάρντο ντα Βίντσι που ονομάζεται «Πορτρέτο της Μαντάμ Λίζα ντελ Τζιοκόντο», γνωστός σε όλους ως «Μόνα Λίζα».

Μόνα Λίζα (1503-1506)
Λεονάρντο Ντα Βίντσι

Τα πρώτα πορτρέτα εμφανίστηκαν πριν από χιλιάδες χρόνια στην Αρχαία Αίγυπτο - ήταν εικόνες των Φαραώ. Από τότε, οι περισσότεροι καλλιτέχνες όλων των εποχών ασχολήθηκαν με αυτό το είδος με τον ένα ή τον άλλο τρόπο. Το πορτρέτο και τα ιστορικά είδη ζωγραφικής μπορούν επίσης να επικαλύπτονται: η εικόνα ενός μεγάλου ιστορικού προσώπου θα θεωρείται έργο του ιστορικού είδους, αν και ταυτόχρονα θα μεταφέρει την εμφάνιση και τον χαρακτήρα αυτού του ατόμου ως πορτρέτο.

Γυμνός

Ο σκοπός του είδους γυμνού είναι να απεικονίσει το γυμνό σώμα ενός ατόμου. Η περίοδος της Αναγέννησης θεωρείται η στιγμή της εμφάνισης και της ανάπτυξης αυτού του τύπου ζωγραφικής και το κύριο αντικείμενο της ζωγραφικής στη συνέχεια έγινε πιο συχνά το γυναικείο σώμα, το οποίο ενσάρκωσε την ομορφιά της εποχής.

"Country Concert" (1510)
κοκκινοχρυσός

Ο Τιτσιάν, ο Αμεντέο Μοντιλιάνι, ο Αντόνιο ντα Κορρέτζιο, ο Τζορτζιόνε, ο Πάμπλο Πικάσο είναι οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες που ζωγράφισαν γυμνούς πίνακες.

Τοπίο

Το κύριο θέμα του είδους τοπίου είναι η φύση, το περιβάλλον είναι η πόλη, η ύπαιθρος ή η ερημιά. Τα πρώτα τοπία εμφανίστηκαν στην αρχαιότητα όταν ζωγράφιζαν παλάτια και ναούς, δημιουργώντας μινιατούρες και εικόνες. Ως ανεξάρτητο είδος, το τοπίο διαμορφώθηκε ήδη τον 16ο αιώνα και έκτοτε είναι ένα από τα πιο δημοφιλή ζωγραφικά είδη.

Είναι παρών στο έργο πολλών ζωγράφων, ξεκινώντας από τους Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasov, Edouard Manet, συνεχίζοντας με τους Isaac Ilyich Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque και τελειώνοντας με πολλούς σύγχρονους καλλιτέχνες του 21ου αιώνα.

"Χρυσό Φθινόπωρο" (1895)
Ισαάκ Λεβιτάν

Μεταξύ της ζωγραφικής τοπίου, μπορεί κανείς να διακρίνει είδη όπως η θάλασσα και τα τοπία της πόλης.

Veduta

Η Veduta είναι ένα τοπίο, σκοπός του οποίου είναι να απεικονίσει τη θέα μιας αστικής περιοχής και να μεταδώσει την ομορφιά και τη γεύση της. Αργότερα, με την ανάπτυξη της βιομηχανίας, το αστικό τοπίο μετατρέπεται σε βιομηχανικό τοπίο.

"Πλατεία του Αγίου Μάρκου" (1730)
Canaletto

Μπορείτε να εκτιμήσετε τα τοπία της πόλης κοιτάζοντας τα έργα των Canaletto, Pieter Bruegel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.

Μαρίνα

Η θαλασσογραφία, ή θαλασσογραφία, απεικονίζει τη φύση του θαλάσσιου στοιχείου, το μεγαλείο του. Ο πιο διάσημος θαλάσσιος ζωγράφος στον κόσμο είναι ίσως ο Ivan Konstantinovich Aivazovsky, του οποίου ο πίνακας "Το ένατο κύμα" μπορεί να ονομαστεί αριστούργημα της ρωσικής ζωγραφικής. Η ακμή της μαρίνας έγινε ταυτόχρονα με την ανάπτυξη του τοπίου ως τέτοιου.

"Ιστιοφόρο σε μια καταιγίδα" (1886)
Τζέιμς Μπάτερσγουορθ

Οι Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio και Raphael Monleon Torres είναι επίσης γνωστοί για τα θαλασσινά τους τοπία.

Αν θέλετε να μάθετε ακόμα περισσότερα για το πώς προέκυψαν και αναπτύχθηκαν τα είδη της ζωγραφικής στην τέχνη, δείτε το παρακάτω βίντεο:

Πάρτε το για τον εαυτό σας, πείτε το στους φίλους σας!

Διαβάστε επίσης στην ιστοσελίδα μας:

Δείτε περισσότερα

Ο μυστηριώδης κόσμος της τέχνης μπορεί να φαίνεται μπερδεμένος σε έναν άπειρο, αλλά υπάρχουν αριστουργήματα που πρέπει να γνωρίζουν όλοι. Το ταλέντο, η έμπνευση και η επίπονη δουλειά σε κάθε χτύπημα γεννούν έργα που θαυμάζονται αιώνες αργότερα.

Είναι αδύνατο να συγκεντρώσουμε όλες τις εξαιρετικές δημιουργίες σε μια επιλογή, αλλά προσπαθήσαμε να επιλέξουμε τους πιο διάσημους πίνακες που συγκεντρώνουν γιγαντιαίες ουρές μπροστά από μουσεία σε όλο τον κόσμο.

Οι πιο διάσημοι πίνακες Ρώσων καλλιτεχνών

«Πρωί σε ένα πευκοδάσος», Ιβάν Σίσκιν και Κονσταντίν Σαβίτσκι

Έτος δημιουργίας: 1889
Μουσείο

Ο Σίσκιν ήταν εξαιρετικός τοπιογράφος, αλλά σπάνια χρειαζόταν να σχεδιάσει ζώα, έτσι οι φιγούρες των αρκουδών σχεδιάστηκαν από τον Σαβίτσκι, έναν εξαιρετικό ζωγράφο ζώων. Στο τέλος του έργου, ο Τρετιακόφ διέταξε να σβήσει την υπογραφή του Σαβίτσκι, πιστεύοντας ότι ο Σίσκιν είχε κάνει πολύ πιο εκτεταμένη δουλειά.

«Ο Ιβάν ο Τρομερός και ο γιος του Ιβάν στις 16 Νοεμβρίου 1581», Ίλια Ρέπιν

Χρόνια δημιουργίας: 1883–1885
Μουσείο: Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Για να δημιουργήσει το αριστούργημα, πιο γνωστό ως «Ο Ιβάν ο Τρομερός σκοτώνει τον γιο του», ο Ρέπιν εμπνεύστηκε τη συμφωνία Antar του Rimsky-Korsakov, δηλαδή το δεύτερο κίνημά του, με τίτλο «The Sweetness of Revenge». Επηρεασμένος από τους ήχους της μουσικής, ο καλλιτέχνης απεικόνισε μια αιματηρή σκηνή δολοφονίας και τις επακόλουθες τύψεις στα μάτια του κυρίαρχου.

Καθιστός δαίμονας, Μιχαήλ Βρούμπελ

Έτος δημιουργίας: 1890
Μουσείο: Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Ο πίνακας ήταν μια από τις τριάντα εικονογραφήσεις που σχεδίασε ο Vrubel για την επετειακή έκδοση του M.Yu. Λέρμοντοφ. Ο «καθισμένος δαίμονας» προσωποποιεί τις αμφιβολίες που είναι εγγενείς στο ανθρώπινο πνεύμα, τη λεπτή, άπιαστη «διάθεση της ψυχής». Σύμφωνα με τους ειδικούς, ο καλλιτέχνης ήταν σε κάποιο βαθμό εμμονή με την εικόνα ενός δαίμονα: αυτή την εικόνα ακολούθησαν το "Demon Flying" και το "Demon Defeated".

"Boyarynya Morozova", Vasily Surikov

Χρόνια δημιουργίας: 1884–1887
Μουσείο: Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Η ταινία βασίζεται στην πλοκή της ζωής των Παλαιών Πιστών "The Tale of the Boyar Morozova". Η κατανόηση της βασικής εικόνας ήρθε στον καλλιτέχνη όταν είδε ένα κοράκι να ανοίγει μαύρα φτερά ως σημείο σε έναν χιονισμένο καμβά. Αργότερα, ο Σουρίκοφ έψαχνε για ένα πρωτότυπο για το πρόσωπο του βογιάρ για μεγάλο χρονικό διάστημα, αλλά δεν βρήκε τίποτα κατάλληλο, ώσπου μια μέρα συνάντησε μια ηλικιωμένη γυναίκα με χλωμό, φρενήρη πρόσωπο στο νεκροταφείο. Το σκίτσο του πορτρέτου ολοκληρώθηκε σε δύο ώρες.

"Bogatyrs", Viktor Vasnetsov

Χρόνια δημιουργίας: 1881–1898
Μουσείο: Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Το μελλοντικό επικό αριστούργημα γεννήθηκε σε ένα μικρό σκίτσο με μολύβι το 1881. Για περαιτέρω εργασία στον καμβά, ο Βασνέτσοφ συνέλεξε με κόπο πληροφορίες για τους ήρωες από μύθους, θρύλους και παραδόσεις για πολλά χρόνια και μελέτησε επίσης τα αυθεντικά αρχαία ρωσικά πυρομαχικά σε μουσεία.

Ανάλυση του πίνακα του Βασνέτσοφ "Τρεις ήρωες"

«Λούζοντας το κόκκινο άλογο», Kuzma Petrov-Vodkin

Έτος δημιουργίας: 1912
Μουσείο: Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Αρχικά, η εικόνα σχεδιάστηκε ως ένα καθημερινό σκίτσο από τη ζωή ενός ρωσικού χωριού, αλλά κατά τη διάρκεια της εργασίας ο καμβάς του καλλιτέχνη ήταν κατάφυτος από έναν τεράστιο αριθμό συμβόλων. Με το κόκκινο άλογο, ο Petrov-Vodkin σήμαινε "η μοίρα της Ρωσίας". αφού η χώρα μπήκε στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, αναφώνησε: «Λοιπόν, γι' αυτό ζωγράφισα αυτή την εικόνα!». Ωστόσο, μετά την επανάσταση, οι φιλοσοβιετικοί κριτικοί τέχνης ερμήνευσαν τη βασική φιγούρα του καμβά ως «προάγγελο επαναστατικών πυρκαγιών».

«Τριάδα», Αντρέι Ρούμπλεφ

Έτος δημιουργίας: 1411
Μουσείο: Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Η εικόνα που έθεσε τα θεμέλια για την παράδοση της ρωσικής αγιογραφίας τον 15ο – 16ο αιώνα. Ο καμβάς που απεικονίζει την τριάδα της Παλαιάς Διαθήκης των αγγέλων που εμφανίστηκαν στον Αβραάμ είναι σύμβολο της ενότητας της Αγίας Τριάδας.

«Το ένατο κύμα», Ιβάν Αϊβαζόφσκι

Έτος δημιουργίας: 1850
Μουσείο

Ένα μαργαριτάρι στον «πίνακα» του θρυλικού Ρώσου θαλασσογράφου, που χωρίς δισταγμό μπορεί να θεωρηθεί ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους στον κόσμο. Μπορούμε να δούμε πώς οι ναυτικοί που επέζησαν από θαύμα μετά την καταιγίδα προσκολλώνται στον ιστό εν αναμονή μιας συνάντησης με το «ένατο κύμα», τη μυθική κορύφωση όλων των καταιγίδων. Όμως οι ζεστές αποχρώσεις που επικρατούν στον καμβά δίνουν ελπίδα για τη σωτηρία των θυμάτων.

«The Last Day of Pompeii», Karl Bryullov

Χρόνια δημιουργίας: 1830–1833
Μουσείο: Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Ολοκληρώθηκε το 1833, ο πίνακας του Bryullov εκτέθηκε αρχικά στις μεγαλύτερες πόλεις της Ιταλίας, όπου προκάλεσε πραγματική αίσθηση - ο ζωγράφος συγκρίθηκε με τον Μιχαήλ Άγγελο, τον Τιτσιάνο, τον Ραφαήλ... Στο σπίτι, το αριστούργημα χαιρετίστηκε με όχι λιγότερο ενθουσιασμό, εξασφαλίζοντας την παρατσούκλι "Καρλομάγνος" για τον Bryullov. Ο καμβάς είναι πραγματικά υπέροχος: οι διαστάσεις του είναι 4,6 επί 6,5 μέτρα, γεγονός που τον καθιστά έναν από τους μεγαλύτερους πίνακες μεταξύ των δημιουργιών Ρώσων καλλιτεχνών.

Οι πιο διάσημοι πίνακες του Λεονάρντο ντα Βίντσι

"Μόνα Λίζα"

Χρόνια δημιουργίας: 1503–1505
Μουσείο: Λούβρο, Παρίσι

Ένα αριστούργημα της φλωρεντινής ιδιοφυΐας που δεν χρειάζεται συστάσεις. Αξιοσημείωτο είναι ότι ο πίνακας έλαβε το λατρευτικό του καθεστώς μετά το περιστατικό με την απαγωγή από το Λούβρο το 1911. Δύο χρόνια αργότερα, ο απαγωγέας, ο οποίος αποδείχθηκε ότι ήταν υπάλληλος του μουσείου, προσπάθησε να πουλήσει τον καμβά στην γκαλερί Ουφίτσι. Τα γεγονότα της υπόθεσης υψηλού προφίλ καλύφθηκαν λεπτομερώς στον παγκόσμιο Τύπο, μετά την οποία εκατοντάδες χιλιάδες αναπαραγωγές βγήκαν στην αγορά και η μυστηριώδης La Gioconda έγινε αντικείμενο λατρείας.

Χρόνια δημιουργίας: 1495–1498
Μουσείο: Santa Maria delle Grazie, Μιλάνο

Πέντε αιώνες αργότερα, η κλασική τοιχογραφία στον τοίχο της τραπεζαρίας του μοναστηριού των Δομινικανών στο Μιλάνο αναγνωρίζεται ως ένας από τους πιο μυστηριώδεις πίνακες στην ιστορία. Όπως συνελήφθη από τον Ντα Βίντσι, η εικόνα απεικονίζει τη στιγμή του πασχαλινού γεύματος, όταν ο Χριστός ειδοποιεί τους μαθητές για την επικείμενη προδοσία. Ένας τεράστιος αριθμός κρυμμένων συμβόλων έδωσε αφορμή για μια εξίσου τεράστια ποικιλία μελετών, υπαινιγμών, δανεισμών και παρωδιών.

"Madonna Litta"

Έτος δημιουργίας: 1491
Μουσείο: Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Γνωστός και ως «Madonna and Child», ο πίνακας διατηρήθηκε στη συλλογή των Dukes of Litta για μεγάλο χρονικό διάστημα και το 1864 αγοράστηκε από το Ερμιτάζ της Αγίας Πετρούπολης. Πολλοί ειδικοί συμφωνούν ότι η φιγούρα του μωρού δεν ζωγραφίστηκε προσωπικά από τον Ντα Βίντσι, αλλά από έναν από τους μαθητές του - μια στάση που ήταν πολύ αχαρακτήριστη για έναν ζωγράφο.

Οι πιο διάσημοι πίνακες του Σαλβαδόρ Νταλί

Έτος δημιουργίας: 1931
Μουσείο: Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη

Παραδόξως, το πιο διάσημο έργο της ιδιοφυΐας του σουρεαλισμού γεννήθηκε από τη σκέψη του τυριού Camembert. Ένα βράδυ, μετά από ένα φιλικό δείπνο που ολοκληρώθηκε με ένα σνακ με τυρί, ο καλλιτέχνης βυθίστηκε σε αντανακλάσεις πάνω στον «πολτό που απλώθηκε» και η φαντασία του σχεδίασε μια εικόνα ενός ρολογιού που λιώνει με ένα κλαδί ελιάς στο πρώτο πλάνο.

Έτος δημιουργίας: 1955
Μουσείο: Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Μια παραδοσιακή πλοκή που έχει λάβει έναν σουρεαλιστικό καμβά χρησιμοποιώντας αριθμητικές αρχές που μελετήθηκαν από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι. Στο προσκήνιο, ο καλλιτέχνης έβαλε ένα είδος μαγείας του αριθμού «12», απομακρυνόμενος από την ερμηνευτική μέθοδο ερμηνείας της βιβλικής πλοκής.

Οι πιο διάσημοι πίνακες του Πάμπλο Πικάσο

Έτος δημιουργίας: 1905
Μουσείο: Μουσείο Πούσκιν, Μόσχα

Ο πίνακας έγινε το πρώτο σημάδι της λεγόμενης «ροζ» περιόδου στο έργο του Πικάσο. Η τραχιά υφή και το απλοϊκό στυλ συνδυάζονται με ένα ευαίσθητο παιχνίδι γραμμών και χρωμάτων, μια αντίθεση μεταξύ της τεράστιας σιλουέτας ενός αθλητή και μιας εύθραυστης αθλήτριας. Ο καμβάς πουλήθηκε μαζί με άλλα 29 έργα για 2 χιλιάδες φράγκα (συνολικά) στον Παριζιάνο συλλέκτη Vollard, άλλαξε αρκετές συλλογές και το 1913 αποκτήθηκε από τον Ρώσο φιλάνθρωπο Ivan Morozov, ήδη για 13 χιλιάδες φράγκα.

Έτος δημιουργίας: 1937
Μουσείο: Μουσείο Reina Sofia, Μαδρίτη

Guernica είναι το όνομα μιας πόλης στη χώρα των Βάσκων που βομβαρδίστηκε από γερμανικά βομβαρδιστικά τον Απρίλιο του 1937. Ο Πικάσο δεν είχε πάει ποτέ στη Γκουέρνικα, αλλά έμεινε έκπληκτος από το μέγεθος της καταστροφής σαν «χτύπημα από το κέρατο ταύρου». Ο καλλιτέχνης μετέφερε τη φρίκη του πολέμου σε μια αφηρημένη μορφή και έδειξε το πραγματικό πρόσωπο του φασισμού, καλύπτοντάς το με παράξενα γεωμετρικά σχήματα.

Οι πιο διάσημοι πίνακες της Αναγέννησης

The Sistine Madonna του Ραφαέλ Σάντι

Χρόνια δημιουργίας: 1512–1513
Μουσείο: Gallery of Old Masters, Δρέσδη

Αν κοιτάξετε προσεκτικά το φόντο, το οποίο με την πρώτη ματιά αποτελείται από σύννεφα, θα παρατηρήσετε ότι στην πραγματικότητα ο Ραφαήλ απεικόνιζε εκεί τα κεφάλια των αγγέλων. Οι δύο άγγελοι που βρίσκονται στο κάτω μέρος της εικόνας είναι γνωστοί σχεδόν περισσότερο από το ίδιο το αριστούργημα, λόγω της εκτεταμένης αναπαραγωγής του στη μαζική τέχνη.

Η Γέννηση της Αφροδίτης του Σάντρο Μποτιτσέλι

Έτος δημιουργίας: 1486
Μουσείο: Γκαλερί Ουφίτσι, Φλωρεντία

Ο πίνακας βασίζεται στον αρχαίο ελληνικό μύθο της γέννησης της Αφροδίτης από τον αφρό της θάλασσας. Σε αντίθεση με πολλά αριστουργήματα της Αναγέννησης, ο καμβάς έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα σε εξαιρετική κατάσταση χάρη στο προστατευτικό στρώμα του κρόκου αυγού, με το οποίο ο Μποτιτσέλι κάλυψε με σύνεση το έργο.

Η Δημιουργία του Αδάμ του Μικελάντζελο Μπουοναρότι

Έτος δημιουργίας: 1511
Μουσείο: Καπέλα Σιξτίνα, Βατικανό

Μία από τις εννέα τοιχογραφίες στην οροφή της Καπέλα Σιξτίνα, που απεικονίζει το κεφάλαιο από τη Γένεση: «Και ο Θεός δημιούργησε τον άνθρωπο κατ' εικόνα Του». Ήταν ο Μιχαήλ Άγγελος που απεικόνισε για πρώτη φορά τον Θεό ως έναν σοφό γέρο με γκρίζα μαλλιά, μετά από τον οποίο αυτή η εικόνα έγινε αρχετυπική. Οι σύγχρονοι επιστήμονες πιστεύουν ότι τα περιγράμματα της μορφής του Θεού και των αγγέλων προσωποποιούν τον ανθρώπινο εγκέφαλο.

«Night Watch», Ρέμπραντ

Έτος δημιουργίας: 1642
Μουσείο: Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο πλήρης τίτλος του πίνακα είναι «Ομιλία από την ομάδα τουφεκιού του λοχαγού Φρανς Μπάνινγκ Κοκ και του υπολοχαγού Βίλεμ βαν Ρούτενμπουργκ». Ο πίνακας έλαβε το σύγχρονο όνομά του τον 19ο αιώνα, όταν βρέθηκε από κριτικούς τέχνης, οι οποίοι, λόγω του στρώματος λάσπης που κάλυπτε το έργο, αποφάσισαν ότι η δράση στον πίνακα λαμβάνει χώρα κάτω από το κάλυμμα του νυχτερινού σκότους.

«Κήπος των Επίγειων Απολαύσεων», Ιερώνυμος Μπος

Χρόνια δημιουργίας: 1500–1510
Μουσείο: Μουσείο Prado, Μαδρίτη "Μαύρη Πλατεία"

Ο Μάλεβιτς έγραψε το Μαύρο Τετράγωνο για αρκετούς μήνες. ο θρύλος λέει ότι κάτω από ένα στρώμα μαύρης μπογιάς κρύβεται ένας πίνακας - ο καλλιτέχνης δεν είχε χρόνο να ολοκληρώσει το έργο εγκαίρως και, σε μια έκρηξη θυμού, θόλωσε την εικόνα. Υπάρχουν τουλάχιστον επτά αντίγραφα του «Μαύρου Τετράγωνου» φτιαγμένα από το χέρι του Μάλεβιτς, καθώς και ένα είδος «συνέχειας» των πλατειών των σουπρεματιστών - «Κόκκινη Πλατεία» (1915) και «Λευκή Πλατεία» (1918).

Η Κραυγή, Έντουαρντ Μουνκ

Έτος δημιουργίας: 1893
Μουσείο: Εθνική Πινακοθήκη, Όσλο

Λόγω της ανεξήγητης μυστικιστικής επίδρασης στον θεατή, ο πίνακας κλάπηκε το 1994 και το 2004. Πιστεύεται ότι ο πίνακας που δημιουργήθηκε στις αρχές του 20ου αιώνα προέβλεπε τις πολλές καταστροφές του επόμενου αιώνα. Ο βαθύς συμβολισμός του Scream έχει εμπνεύσει πολλούς καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένου του Andy Warhol.

Αυτός ο καμβάς εξακολουθεί να προκαλεί πολλές διαμάχες. Ορισμένοι κριτικοί τέχνης πιστεύουν ότι ο ενθουσιασμός γύρω από τον πίνακα, ζωγραφισμένο με την ιδιόκτητη τεχνική ψεκασμού, δημιουργήθηκε τεχνητά. Ο καμβάς δεν πουλήθηκε μέχρι που αγοράστηκαν όλα τα άλλα έργα του καλλιτέχνη, αντίστοιχα, η τιμή για ένα ανούσιο αριστούργημα εκτοξεύτηκε στα ύψη. Το "Number Five" πωλήθηκε για 140 εκατομμύρια δολάρια, και έγινε ο πιο ακριβός πίνακας στην ιστορία.

Δίπτυχο Μέριλιν του Άντι Γουόρχολ

Έτος δημιουργίας: 1962
Μουσείο: Tate Gallery, Λονδίνο

Μια εβδομάδα μετά τον θάνατο της Μέριλιν Μονρόε, ο σκανδαλώδης καλλιτέχνης άρχισε να δουλεύει στον καμβά. Στον καμβά εφαρμόστηκαν 50 στένσιλ πορτρέτα της ηθοποιού, στυλιζαρισμένα στο είδος της «ποπ αρτ» από μια φωτογραφία του 1953.
Εγγραφείτε στο κανάλι μας στο Yandex.Zen