Γαλλικοί ιμπρεσιονιστές του 19ου αιώνα. Καλλιτεχνικές αρχές του ιμπρεσιονισμού

Ο ιμπρεσιονισμός είναι μια πορεία χαρακτηριστικών που προέκυψε στη δεκαετία του '70. XIX αιώνα στη γαλλική ζωγραφική και στη συνέχεια εκδηλώθηκε στη μουσική, τη λογοτεχνία, το θέατρο.

Ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική άρχισε να αναπτύσσεται πολύ πριν από τη γνωστή έκθεση του 1874. Ο πρωταρχικός φορέας των ιμπρεσιονιστών θεωρείται παραδοσιακά να είναι ο Edward Mana. Ήταν πολύ εμπνευσμένος από τα κλασικά έργα του Τιτιδικού, Rembrandt, Rubens, Velasqueza. Το όραμά του για τις εικόνες της Mana που εκφράζεται στις καμβά του, προσθέτοντας "δονητικά" εγκεφαλικά επεισόδια που δημιούργησαν την επίδραση της ατέλειας. Το 1863, η Manne δημιούργησε την Ολυμπία, η οποία προκάλεσε ένα μεγάλο σκάνδαλο στην πολιτιστική κοινωνία.

Με την πρώτη ματιά, η εικόνα έγινε σύμφωνη με παραδοσιακά κανόνια, αλλά ταυτόχρονα μεταφέρθηκε και καινοτόμες τάσεις. Περίπου 87 σχόλια γράφτηκαν σε διάφορες εκδόσεις του Παρισιού για την Ολυμπία. Μια μάζα αρνητικής κριτικής συλλέχθηκε σε αυτήν - ο καλλιτέχνης κατηγορήθηκε για χυδαιότητα. Και μόνο μερικά άρθρα θα μπορούσαν να ονομάζονται καλοπροαίρετοι.

Η Mana στη δουλειά του χρησιμοποίησε τις συσκευές της επικάλυψης βαφής ενός στρώματος, η οποία δημιούργησε την επίδραση των κηλίδων. Στη συνέχεια, αυτή η μέθοδος εφαρμογής των χρωμάτων μεταφέρθηκε από τους καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές ως βάση για εικόνες σε γραφικές καμβάδες.

Ένα χαρακτηριστικό χαρακτηριστικό του ιμπρεσιονισμού ήταν η καλύτερη σταθεροποίηση των εντυπωσιακών εντυπώσεων, με έναν ειδικό τρόπο να παίζει το φωτεινό μέσο με τη βοήθεια ενός πολύπλοκου μωσαϊκού καθαρού χρώματος, δρομολογητικά διακοσμητικά εγκεφαλικά επεισόδια.

Είναι περίεργο ότι στην αρχή των καλλιτεχνών της αναζήτησης χρησιμοποίησαν ένα κυάνιο - ένα εργαλείο για τον προσδιορισμό του μπλε ουρανού. Το μαύρο χρώμα αποκλείστηκε από την παλέτα, αντικαταστάθηκε με άλλες χρωματικές αποχρώσεις, γεγονός που επέτρεψε να μην καταστρέψει την ηλιόλουστη διάθεση των έργων ζωγραφικής.

Οι ιμπρεσιονιστές επικεντρώθηκαν στις τελευταίες επιστημονικές ανακαλύψεις του χρόνου τους. Η θεωρία του χρώματος Tempel και Helmholtz μειώνεται στα εξής: η ηλιοθεραπεία χωρίζεται στα συστατικά των χρωμάτων και, κατά συνέπεια, τα δύο χρώματα που τοποθετούνται σε καμβά ενισχύουν το εικονογραφικό αποτέλεσμα και όταν το χρώμα αναμειγνύεται, η ένταση χάνει την ένταση.

Η αισθητική του ιμπρεσιονισμού εξελίσσεται, εν μέρει, ως μια προσπάθεια να απαλλαγεί αποφασιστικά από τη σύμβαση του κλασικισμού στην τέχνη, καθώς και από τον επίμονο συμβολισμό και το βαθιά της καθυστερημένης εσωτερικής ζωγραφικής, το οποίο προσέφερε όλους να δουν τις κρυπτογραφημένες προθέσεις που χρειάζονται προσεκτικές ερμηνεία. Ο ιμπρεσιονισμός υποστήριξε όχι μόνο την ομορφιά της καθημερινής πραγματικότητας, αλλά η στερέωση της πολύχρωμης ατμόσφαιρας, όχι λεπτομερώς και δεν σβήνει, απεικονίζει τον κόσμο ως ένα αιώνια μεταβαλλόμενο οπτικό φαινόμενο.

Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές έχουν αναπτύξει ένα τελικό δεσμευμένο σύστημα. Οι προκάτοχοι αυτού του στιλιστικού χαρακτηριστικού ήταν οι καλλιτέχνες χρωμάτων, οι μετανάστες από το σχολείο Barbizon, οι κύριοι εκπρόσωποι των οποίων ήταν Camille Coro και John Constable.

Οι εργασίες στον ανοιχτό χώρο έδωσαν περισσότερες ευκαιρίες να καταγράψουν τις παραμικρές αλλαγές χρώματος σε διαφορετικές ώρες της ημέρας.

Ο Claude Monet δημιουργήθηκε αρκετές σειρές ζωγραφικής στο ίδιο οικόπεδο, για παράδειγμα, ο καθεδρικός ναός του Rueny (σειρά 50 έργων ζωγραφικής), "στοίβες" (σειρά 15 έργων ζωγραφικής), "λίμνη με νούφαρα", κλπ. Ο κύριος δείκτης αυτών Σειρά Υπήρξε μια αλλαγή στο φως και το χρωματικό σχήμα στην εικόνα του ίδιου αντικειμένου που γράφτηκε σε διαφορετικές ώρες της ημέρας.

Ένα άλλο επίτευγμα του ιμπρεσιονισμού είναι η ανάπτυξη ενός αρχικού γραφικού συστήματος, όπου οι πολύπλοκοι ήχοι αποσυντίθενται σε καθαρά χρώματα που μεταδίδονται από μεμονωμένες εγκεφαλικές επεισόσεις. Οι καλλιτέχνες δεν αναμειγνύουν τα χρώματα στην παλέτα, αλλά προτιμούσαν να επιβάλλουν εγκεφαλικά επεισόδια απευθείας στον καμβά. Μια τέτοια συσκευή που συνδέεται με τους πίνακες ειδικού ευρεία, μεταβλητότητα και ανακούφιση. Τα έργα καλλιτεχνών ήταν γεμάτα με χρώμα και φως.

Η έκθεση στις 15 Απριλίου 1874 στο Παρίσι ήταν το αποτέλεσμα της περιόδου του σχηματισμού και υποβολής στο ευρύ κοινό ενός νέου μαθήματος. Η έκθεση αναπτύχθηκε στο στούντιο φωτογράφο Felix Nadar στην λεωφόρο Kapuchin.

Το όνομα "ιμπρεσιονισμός" προέκυψε μετά την έκθεση, στην οποία εκτέθηκε η εικόνα της μνημείων "εντύπωση. Ανατολή ηλίου". Ο κριτικός L. Lerua στην επισκόπησή του στη δημοσίευση "ChariVari" έδωσε ένα χαραγμένο χαρακτηριστικό της έκθεσης του 1874, οδηγώντας στο παράδειγμα του Monet. Ένας άλλος κριτικός, ο Maurice Denis, κατηγορούμενος ιμπρεσιονιστές απουσία ατομικότητας, συναισθημάτων, ποίησης.

Στην πρώτη έκθεση, περίπου 30 καλλιτέχνες έδειξαν τα έργα τους. Ήταν το μεγαλύτερο, σε σύγκριση με τις επακόλουθες εκθέσεις μέχρι το 1886.

Είναι αδύνατο να μην πούμε για τη θετική ανατροφοδότηση από τη ρωσική κοινωνία. Οι Ρώσοι καλλιτέχνες και οι κριτικοί-δημοκράτες, πάντα ενδιαφέρονται έντονα για την καλλιτεχνική ζωή της Γαλλίας - I. V. Kramskaya, Ι. Ε. Repin και V. V. Stasov - Αξιολογήθηκαν ιδιαίτερα τα επιτεύγματα των ιμπρεσιονιστών από την πρώτη έκθεση.

Το νέο στάδιο της ιστορίας της τέχνης, το οποίο ξεκίνησε από την έκθεση του 1874, δεν ήταν μια ξαφνική έκρηξη επαναστατικών τάσεων - ήταν το αποκορύφωμα της αργής και συνεπούς ανάπτυξης.

Με όλα όσα όλοι οι μεγάλοι δάσκαλοι του παρελθόντος έκαναν τη συμβολή τους στην ανάπτυξη των αρχών του ιμπρεσιονισμού, οι άμεσες ρίζες της ροής μπορούν να εντοπιστούν πιο εύκολα στα είκοσι που προηγούνται της ιστορικής έκθεσης.

Σε παράλληλες εκθέσεις στην καμπίνα, κέρδισαν τον κύκλο εργασιών τους των ιμπρεσιονιστών της έκθεσης. Οι νέες τάσεις στη ζωγραφική αποδείχθηκαν στα έργα τους. Ανακλήθηκε πολιτισμός και εκθεσιακές παραδόσεις του σαλόνι. Σε άλλους καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές κατάφεραν να προσελκύσουν τους θαυμαστές νέων τάσεων στην τέχνη.

Η θεωρητική γνώση και η διατύπωση του ιμπρεσιονισμού άρχισε να αναπτύσσεται αρκετά αργά. Οι καλλιτέχνες προτιμούν περισσότερες πρακτικές και τα δικά τους πειράματα στο φως και το χρώμα. Σε ιμπρεσιονισμό, πρώτα από όλα τα γραφικά, εντοπίστηκαν την κληρονομιά του ρεαλισμού, τον αντι-ακαδημαϊκό, αντιαλλονικό προσανατολισμό και την εγκατάσταση της εικόνας της γύρω πραγματικότητας εκείνης της εποχής. Μερικοί ερευνητές σημειώνουν ότι ο ιμπρεσιονισμός έχει γίνει ένας ειδικός κλάδος του ρεαλισμού.

Αναμφισβήτητα, στην ιμπρεσιονιστική τέχνη, όπως σε κάθε καλλιτεχνική ροή, που προκύπτει κατά τη διάρκεια της περιόδου θραύσης και η κρίση των παλαιών παραδόσεων, υφαίνονται, με όλη την εξωτερική ακεραιότητά της, διάφορες και ακόμη και αντιφατικές τάσεις.

Τα κύρια χαρακτηριστικά αποτέλεσαν αντικείμενο εργασιών καλλιτεχνών, στα μέσα καλλιτεχνικής εκφραστικότητας. Το βιβλίο της Irina Vladimirova στους Impressionists περιλαμβάνει πολλά κεφάλαια: "Τοπίο, φύση, εντυπώσεις", "Πόλη, χώροι συναντήσεων και χωρισμού", "χόμπι, ως τρόπος ζωής", "άνθρωποι και χαρακτήρες", "πορτραίτα και αυτοπροσωπογραφία" , "Νεκρή φύση". Περιγράφει επίσης το ιστορικό της δημιουργίας και της θέσης κάθε εργασίας.

Κατά τη διάρκεια της ακμή, οι καλλιτέχνες του ιμπρεσιονισμού βρήκαν μια αρμονική ισορροπία μεταξύ της αντικειμενικής πραγματικότητας και της αντίληψής της. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να συλλάβουν κάθε ακτίνα του φωτός, την κίνηση του αεράκι, τη μεταβλητότητα της φύσης. Για να διατηρήσετε τη φρεσκάδα των έργων ζωγραφικής, οι ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν το αρχικό γραφικό σύστημα, το οποίο στη συνέχεια ήταν πολύ σημαντικό για την ανάπτυξη της τέχνης στο μέλλον. Παρά τις γενικές τάσεις στις κατευθύνσεις της ζωγραφικής, κάθε καλλιτέχνης βρήκε τη δημιουργική του πορεία και τα κύρια είδη ζωγραφικής.

Ο κλασικός ιμπρεσιονισμός αντιπροσωπεύεται από τους καλλιτέχνες ως Eduard Mana, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederick Basil, Berta Morizo, Edgar Dega.

Εξετάστε τη συμβολή ορισμένων καλλιτεχνών στο σχηματισμό του ιμπρεσιονισμού.

Eduard Mana (1832-1883)

Τα πρώτα διδάγματα της ζωγραφικής Mane έλαβε από την Τ. Couture, χάρη σε αυτό, ο μελλοντικός καλλιτέχνης απέκτησε πολλές απαραίτητες επαγγελματικές δεξιότητες. Λόγω της έλλειψης κατάλληλης προσοχής του δασκάλου, η Mane αφήνει τον πλοίαρχο του πλοιάρχου και ασχολείται με την αυτο-εκπαίδευση. Επισκεφθείτε τις εκθέσεις σε μουσεία, οι παλιοί δάσκαλοι είχαν μεγάλη επιρροή στο δημιουργικό του σχηματισμό, ιδιαίτερα ισπανικά.

Στη δεκαετία του 1860, η Mane γράφει δύο έργα, στα οποία θεωρούνται οι βασικές αρχές της καλλιτεχνικής του υπογράμμισης. "Lola από τη Βαλένθια" (1862) και "Fleetist" (1866) δείχνουν τη χαίτη ως καλλιτέχνη που αποκαλύπτει τη φύση του μοντέλου μέσω της μετάδοσης χρώματος.

Οι ιδέες του στην τεχνική της εφαρμογής των κηλίδων και της στάσης απέναντι στο χρώμα έγιναν δεκτές από άλλους καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές. Στη δεκαετία του 1870, η Mane πλησιάζει τους οπαδούς της και λειτουργεί στο Plenier χωρίς μαύρο στην παλέτα. Ο προσεχείς στον ιμπρεσιονισμό ήταν το αποτέλεσμα της δημιουργικής εξέλιξης του ίδιου της Mane. Οι πιο ιμπρεσιονιστικές εικόνες της Mana θεωρούνται "στο σκάφος" (1874) και "Claude Monet στο σκάφος" (1874).

Η Mana έγραψε επίσης πολλά πορτρέτα διαφορετικών κοσμικών κυρίες, ηθοποιούς, προσομοιωτές, όμορφες γυναίκες. Σε κάθε πορτρέτο, η μοναδικότητα και η ατομικότητα του μοντέλου μεταφέρθηκε.

Λίγο πριν από το θάνατό του, η Mana γράφει ένα από τα αριστουργήματα του - "Bar Foli-Berger" (1881-1882). Σε αυτή την εικόνα, πολλά είδη συνδυάζονται ταυτόχρονα: πορτραίτο, νεκρή φύση, οικιακή σκηνή.

Ο Ν. Ν. Καλιτίνα γράφει: "Η μαγική μαγεία μαγεία είναι ότι το κορίτσι αντιτίθεται στο περιβάλλον, τόσο σαφώς αποκαλύπτει τη διάθεσή της και ταυτόχρονα είναι μέρος του συνόλου του πίσω σχεδίου, αόριστα μαντέψει, αόριστο, ανησυχητικό, επίσης επιλυθεί σε μπλε-μαύρο , Bluish-white, κίτρινα τόνους. "

Claude Monet (1840-1926)

Ο Claude Monet ήταν ένας αναμφισβήτητος ηγέτης και ιδρυτής του κλασικού ιμπρεσιονισμού. Το κύριο είδος της ζωγραφικής του ήταν ένα τοπίο.

Στη νεολαία του, ο Mone ήταν λάτρης της καρικατούρας και της γελοιογραφίας. Τα πρώτα μοντέλα για τα έργα τους ήταν ο δάσκαλός του, σύντροφοι. Για το δείγμα, χρησιμοποίησε καρικατούρες σε εφημερίδες και περιοδικά. Αντιγράψατε τα σχέδια στο "Golua" Ε. Καρζά, ποιητής και γελοιογράφος, φίλος της Γκούσταβας Κούρι.

Στο Κολλέγιο, η ζωγραφική Monet διδάσκεται Jacques-Francois Oshar. Αλλά ορθώς παρατηρήστε την επιρροή στο Monte Budene, ο οποίος υποστήριξε τον καλλιτέχνη, του έδωσε συμβουλές, κίνητρα να συνεχίσει τη δημιουργικότητα.

Τον Νοέμβριο του 1862, στο Paris Monet συνέχισε τις σπουδές του στο Παρίσι στη Γλέη. Χάρη σε αυτό το Monet, τον συναντήθηκε σε ένα εργαστήριο με βασικό, Renoir, Sisty. Οι νέοι καλλιτέχνες προετοιμαζόταν για την είσοδο στη Σχολή Χαριτωμένων Τεχνών, σεβόμενοι τον δάσκαλό τους, ο οποίος πήρε λίγα μαθήματα για τα μαθήματά τους και σε μια μαλακή μορφή έδωσε συμβουλές.

Ο Monet δημιούργησε τους πίνακές του όχι ως ιστορία, όχι σαν μια απεικόνιση μιας ιδέας ή θέματος. Η ζωγραφική του, όπως η ζωή, δεν είχε σαφείς στόχους. Είδε τον κόσμο, χωρίς να επικεντρώνεται στις λεπτομέρειες, σε ορισμένες αρχές, περπάτησε στο "τοπίο όραμα" (ο όρος ιστορικός τέχνης Α. Α. Φενελοροβά-Νταβυδόβα). Ο Monet προσπάθησε να επώαση, τη συγχώνευση των ειδών στον καμβά. Τα μέσα ενσάρκωσης των καινοτομιών του ήταν οι Epudes, οι οποίοι έπρεπε να ολοκληρωθούν πίνακες. Όλα τα σκίτσα προήλθαν από τη φύση.

Έγραψε ένα λιβάδι και τους λόφους, τα λουλούδια και τους βράχους και τους κήπους και τους ρουστίκ δρόμους και τη θάλασσα, τις παραλίες και πολλά άλλα, απευθύνθηκε στην εικόνα της φύσης σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Συχνά έγραψε την ίδια θέση σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, δημιουργώντας έτσι ολόκληρους κύκλους από τα έργα τους. Η αρχή του έργου του δεν ήταν μια εικόνα αντικειμένων στην εικόνα, αλλά μια ακριβής μετάδοση φωτός.

Ας δώσουμε μερικά παραδείγματα του έργου του καλλιτέχνη - "Πεδίο της Makov από το Αργεντένιο" (1873), το "πάτωμα" (1869), "λίμνη με νούφαρο" (1899), "Στήλες σίτου" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Ο Renoir αναφέρεται στους εκκρεμείς μάστερ ενός κοσμικού πορτρέτου, εκτός αυτού, εργάστηκε στα είδη του τοπίου, της σκηνής των νοικοκυριών, της νεκρή φύση.

Το χαρακτηριστικό του έργου του είναι ενδιαφέρον για την προσωπικότητα ενός ατόμου, την αποκάλυψη του χαρακτήρα και της ψυχής του. Στους καμβά του, η Renoir προσπαθεί να τονίσει το αίσθημα της πληρότητας της ύπαρξης. Ο καλλιτέχνης προσελκύει ψυχαγωγία και διακοπές, γράφει μπάλες, περπατάει με το κίνημά τους και μια ποικιλία χαρακτήρων, χορεύει.

Τα πιο διάσημα έργα του καλλιτέχνη - "Πορτρέτο μιας ηθοποιού Zhanna Samari", "ομπρέλες", "κολύμπι στο Σηκουάνα" και άλλοι.

Ενδιαφέρον ότι η Renoir διακρίνεται από τη μουσικότητα και τραγούδησε στην εκκλησιαστική χορωδία υπό την ηγεσία του εξαιρετικού συνθέτη και του δασκάλου Charles Guno στο Παρίσι στον καθεδρικό ναό του Saint-Estash. Sh. Ο Gunno συνέστησε έντονα το αγόρι να συμμετάσχει στη μουσική. Αλλά ταυτόχρονα, η Renoir ανακάλυψε το καλλιτεχνικό ταλέντο - από 13 χρόνια έχει ήδη μάθει να ζωγραφίζει τα πιάτα από πορσελάνη.

Οι μαθήματα μουσικής επηρέασαν το σχηματισμό της προσωπικότητας του καλλιτέχνη. Ορισμένα έργα του συνδέονται με τα μουσικά θέματα. Βρήκαν το παιχνίδι αντανάκλασης τους στο πιάνο, κιθάρα, μαντολίνο. Αυτά είναι ζωγραφιές "κιθάρα κιθάρας", "νεαρή ισπανική γυναίκα με κιθάρα", "νεαρή κοπέλα για πιάνο", "γυναίκα που παίζει κιθάρα", "μαθήματα πιάνου" και άλλοι.

Jean Frederick Βασίλειος (1841-1870)

Σύμφωνα με τους φίλους των καλλιτεχνών του, ο Bazil ήταν ο πιο ελπιδοφόρος και εξαιρετικός ιμπρεσιονιστής.

Τα έργα του διακρίνονται από ένα φωτεινό σχέδιο χρωμάτων και με χειροποίητες εικόνες. Ο Pierre Auguste Renoir, ο Alfred Sisley και ο Claude Monet επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από το δημιουργικό του μονοπάτι. Το διαμέρισμα Jean Frederica για αρχάριους ζωγράφους ήταν ένα είδος στούντιο και στέγαση.

Ο βασιλικός κατά προτίμηση έγραψε στο Plenier. Η κύρια ιδέα της δημιουργικότητάς του ήταν μια εικόνα ενός άνδρα με φόντο τη φύση. Οι πρώτοι ήρωες στους πίνακες ήταν οι φίλοι του-καλλιτέχνες. Πολλοί ιμπρεσιονιστές αγάπησαν να αντλήσουν ο ένας τον άλλον στα έργα τους.

Ο βασιλικός του Frederick σε πολύ δημιουργικότητα εντόπισε την πορεία του ρεαλιστικού ιμπρεσιονισμού. Η πιο διάσημη εικόνα της εικόνας του είναι η "οικογενειακή επανένωση" (1867) - αυτοβιογραφική. Ο καλλιτέχνης απεικονίζει μέλη της οικογένειάς του. Το έργο αυτό παρουσιάστηκε στο σαλόνι και έλαβε μια έγκριση αξιολόγησης του κοινού.

Το 1870 ο καλλιτέχνης πέθανε στον Πρωσικό-Γαλλικό Πόλεμο. Ήδη μετά το θάνατο του καλλιτέχνη, οι φίλοι του-καλλιτέχνες διοργάνωσαν την τρίτη έκθεση των ιμπρεσιονιστών, όπου εκτέθηκαν και ο καμβάς του.

Camille Pissarro (1830-1903)

Ο Camille Pissarro είναι ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους καλλιτεχνών χρωμάτων μετά τον Κ. Monet. Τα έργα του ήταν συνεχώς εκτεθειμένα στις εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών. Στα έργα τους, το Pissarro προτιμούσαν τα όργανα, η ζωή και η εργασία. Οι πίνακές του χαρακτηρίστηκαν από τη δομή των εντύπων και τη σαφήνεια της σύνθεσης.

Αργότερα, ο καλλιτέχνης άρχισε να γράφει πίνακες σε αστικά θέματα. Ν. Ν. Καλιτίνα Στο βιβλίο του Σημειώσεις: "Εξετάζει τους δρόμους της πόλης από τα παράθυρα των επάνω ορόφων ή από τα μπαλκόνια, χωρίς να τις εισάγει στη σύνθεση."

Κάτω από την επιρροή του Georges Pierre Syra, ο καλλιτέχνης ανέλαβε την Poentilism. Αυτή η τεχνική συνεπάγεται την επιβολή κάθε κηλίδας ξεχωριστά, σαν να ρυθμίζεται το σημείο. Αλλά οι δημιουργικές προοπτικές σε αυτόν τον τομέα δεν πραγματοποιήθηκαν και ο Pissarro επέστρεψε στον ιμπρεσιονισμό.

Οι πιο διάσημοι πίνακες του Pissarro έγιναν "Boulevard Montmartre. Το απόγευμα, ηλιόλουστο, η Sunny, "Opera Pass στο Παρίσι", "Πλατεία του Γαλλικού Θέατρο στο Παρίσι", "Κήπος στο Pontoise", "Havita", "Σενόκος" και άλλοι.

Alfred Sisley (1839-1899)

Το κύριο είδος ζωγραφικής Alfred Sisley ήταν ένα τοπίο. Στα πρώιμα έργα του, μπορεί να φανεί κυρίως επηρεασμένη από την Κ. Κορυ. Σταδιακά, στη διαδικασία συνεργασίας με τον Κ. Monte, τον J. F. Bazil, P. O. Renoir αρχίζει να εμφανίζεται στα έργα του.

Ο καλλιτέχνης προσελκύει το παιχνίδι του φωτός, αλλάζοντας την κατάσταση της ατμόσφαιρας. Στο ίδιο τοπίο της Sisley έκανε έκκληση αρκετές φορές, καταγράφοντας το σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Η προτεραιότητα στα έργα του ο καλλιτέχνης έδωσε την εικόνα του νερού και του ουρανού, που άλλαξε κάθε δευτερόλεπτο. Ο καλλιτέχνης κατόρθωσε να επιτύχει την τελειότητα με τη βοήθεια ενός χρώματος, κάθε σκιά στο έργο του φέρει ένα είδος συμβολισμού.

Τα πιο διάσημα έργα του: "Αγροτικό δρομάκι" (1864), "Frost στο Luvesyyne" (1873), "Τύπος του Μονμάρτρου με ένα νησί λουλουδιών" (1869), "Νωρίς χιόνι στο Luvurezenne" (1872), "Bridge in Argente" ( 1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Ο Edgar Degas είναι ένας καλλιτέχνης που ξεκίνησε τον δημιουργικό του τρόπο με τη μάθηση στη Σχολή Χαριτωμένων Τεχνών. Εμπνευσμένος από τους καλλιτέχνες της ιταλικής αναγέννησης, η οποία είχε αντίκτυπο στο έργο του στο σύνολό του. Στην αρχή της DEGAS έγραψε ιστορικούς πίνακες, για παράδειγμα, "Spartan Girls προκαλούνται από τα σπαρτιατικά αγόρια. (1860). Το κύριο είδος της ζωγραφικής του είναι ένα πορτρέτο. Στα έργα τους, ο καλλιτέχνης βασίζεται στις κλασικές παραδόσεις. Δημιουργεί έργα που σημειώνονται με μια απότομη αίσθηση του χρόνου τους.

Σε αντίθεση με τους συναδέλφους του, η DEGA δεν μοιράζεται μια χαρούμενη, εξωτερική άποψη της ζωής και των πραγμάτων εγγενής ιμπρεσιονισμός. Ο καλλιτέχνης είναι πιο κοντά στην κρίσιμη παράδοση της τέχνης: η συμπόνια της τύχης ενός απλού ατόμου, η ικανότητα να βλέπεις τις ψυχές των ανθρώπων, τον εσωτερικό τους κόσμο, την ασυνέπεια, την τραγωδία.

Για μεγάλο ρόλο στη δημιουργία ενός πορτρέτου, αντικειμένων και εσωτερικών, γύρω από τον άνθρωπο. Δίνουμε μερικές εργασίες ως παράδειγμα: "Dio Dio με ορχήστρα" (1868-1869), "Γυναικείο πορτρέτο" (1868), "Chet Morbilli" (1867) και άλλοι.

Η αρχή του πορτρέτου στα έργα της DEGI εντοπίζεται σε όλη τη δημιουργική του πορεία. Στη δεκαετία του 1870, ο καλλιτέχνης σε πλήρη δόξα απεικονίζει την κοινωνία της Γαλλίας, ιδίως το Παρίσι στα έργα του. Προς το συμφέρον του καλλιτέχνη - αστική ζωή σε κίνηση. "Το κίνημα ήταν μια από τις σημαντικότερες εκδηλώσεις της ζωής και η ικανότητά του να μεταφέρει είναι η πιο σημαντική κατάκτηση της σύγχρονης ζωγραφικής", γράφει ο Ν.Ν. γράφει Kalitin.

Κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου, οι εικόνες αυτές δημιουργούνται ως "αστέρι" (1878), "Miss Lola στο Circus Fernando", "Racing in Epsoma" και άλλοι.

Η νέα συστροφή της δημιουργικότητας της DEGI γίνεται το ενδιαφέρον του για το μπαλέτο. Δείχνει τη ζωή στο παρασκήνιο της μπαλαρίνης, λέει για τη βαριά δουλειά τους και τις πεισματικές προπονήσεις τους. Αλλά παρά το γεγονός αυτό, ο καλλιτέχνης καταφέρνει να βρει ευεξία και ευκολία να μεταδώσει τις εικόνες τους.

Σε μια σειρά από μπαλέτες εικόνων DEGI, τα επιτεύγματα στο πλαίσιο της μετάδοσης των τεχνητών ελαφρών ράμπων είναι ορατές, μιλούν για την πολύχρωμη χορήγηση του καλλιτέχνη. Οι πιο διάσημοι πίνακες "Blue Dancers" (1897), "Χορός" (1874), "Χορευτής με Μπουκέτο" (1877), "Χορευτές σε ροζ" (1885) και άλλοι.

Στο τέλος της ζωής, λόγω της δυσλειτουργίας της δυσκίνησης, προσπαθεί τη δύναμή του στη γλυπτική. Τα αντικείμενά του είναι οι ίδιες μπαλαρίνες, γυναίκες, άλογα. Στο γλυπτό της DEGI προσπαθεί να περάσει το κίνημα και για να αξιολογήσει το γλυπτό, πρέπει να το εξετάσετε από διαφορετικές πλευρές.

Ο ιμπρεσιονισμός (Franz. ImpressionNisme, από την εντύπωση - εντύπωση), κατεύθυνση στην τέχνη του τελευταίου τρίτου 19ου - αρχές του 20ού αιώνα, του οποίου ο πλοίαρχος, ο οποίος καθορίζει τις φευγαλέες εντυπώσεις του, ζήτησε το πιο φυσικό και περιττό να συλλάβει τον πραγματικό κόσμο στην κινητικότητα του και τη μεταβλητότητα. Ο ιμπρεσιονισμός προέρχεται από τη γαλλική ζωγραφική στα τέλη της δεκαετίας του 1860. Η Eduar Mane (επίσημα δεν αποτελεί μέρος του ομίλου ιμπρεσιονιστών), η Degas, η Renoir, η Moneta εισήγαγε φρεσκάδα και παραμόρφωση της αντίληψης της ζωής στην οπτική τέχνη.

Οι γαλλικοί καλλιτέχνες στράφηκαν στην εικόνα της στιγμιαίας, που συλλέγονται από το ρεύμα της πραγματικότητας των καταστάσεων, της ανθρώπινης πνευματικής ζωής, της εικόνας των ισχυρών πάθους, της πνευματικότητας της φύσης, το ενδιαφέρον για το εθνικό παρελθόν, η επιθυμία για συνθετικές μορφές τέχνης συνδυάζεται με τα κίνητρα του Παγκόσμια θλίψη, τη μελέτη και την αναψυχή της "σκιάς", "η νύχτα" της νύχτας της ανθρώπινης ψυχής, με τη διάσημη "ρομαντική ειρωνεία", επέτρεψε το ρομαντισμό να συγκριθεί με ασφάλεια και εξισορροπημένη υψηλή και πεπτική, πραγματική και φανταστική, πραγματική και φανταστική . Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές χρησιμοποίησαν κατασπτικές καταστάσεις πραγματικότητας, που χρησιμοποιούνται κατά την πρώτη ματιά μη ισορροπημένη σύνθετα κατασκευή, απροσδόκητες προοπτικές, απόψεις, φέτες φιγούρων.

Το 1870-1880 σχηματίζεται το τοπίο του γαλλικού ιμπρεσιονισμού: ο Κ. Μονττέ, ο Κ. Πισσέρο, ο Sisley ανέπτυξε ένα σταθερό σύστημα Plenuer, δημιούργησε ένα αίσθημα αφρώδους ηλιακού φωτός, τον πλούτο των χρωμάτων της φύσης, διαλύοντας τα έντυπα μέσα τη δόνηση του φωτός και του αέρα. Το όνομα της κατεύθυνσης συνέβη από το όνομα της εικόνας της εντύπωσης Claude Monet ". Soleil Levant", που παρουσιάστηκε το 1874, τώρα στο μουσείο Marmottan, Παρίσι). Η αποσύνθεση σύνθετων λουλουδιών στα καθαρά συστατικά που επιβλήθηκαν στον καμβά με ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια, έγχρωμες σκιές, τα αντανακλαστικά και ο Valeris έδωσαν το απαράμιλλο φως, ο ιμπρεσιονισμός ζωγραφικής τάσης.

Τα ξεχωριστά κόμματα και οι τεχνικές αυτής της κατεύθυνσης στη ζωγραφική χρησιμοποιήθηκαν από τους ζωγράφους της Γερμανίας (Μ. Lieberman, L. Corint), ΗΠΑ (J. Whistler), Σουηδία (Α.Λ. Τορορέ), Ρωσία (Κ.Α. Κοροβίνη, δηλ. Grabar) και πολλά άλλα Εθνικές σχολές τέχνης. Η έννοια του ιμπρεσιονισμού εφαρμόζεται επίσης στο γλυπτό του 1880-1910, το οποίο έχει κάποια ιμπρεσιονιστικά χαρακτηριστικά - την επιθυμία για τη μεταφορά άμεσης κίνησης, της ρευστότητας και της απαλότητας, το πλαστικό σκίτσο (έργα του Ο. Roden, χάλκινα ειδώλια των DEGI et αϊ .). Ο ιμπρεσιονισμός στην οπτική τέχνη επηρέασε την ανάπτυξη εκφραστικών μέσων σύγχρονης λογοτεχνίας, μουσικής, θεάτρου. Στην αλληλεπίδραση και στη διαμάχη με το γραφικό σύστημα αυτού του ύφους στην καλλιτεχνική κουλτούρα της Γαλλίας, τα τέλη του 19ου - αρχές του 20ού αιώνα υπήρχαν ρεύματα νεο-ταυτισμό και μετακίνησης.

Νεο-ταυτότητα (Franz. Neo-ImpressionNisme) - ένα μάθημα στη ζωγραφική, η οποία προέκυψε στη Γαλλία περίπου το 1885, όταν οι κύριοι κύριοι του, J. Singer και P. Signac, ανέπτυξαν μια νέα γραφική τεχνική του Διονισμού. Οι γαλλικές νεο-εντυπώσεις και οι οπαδοί τους (Τ. Van Reiselberg στο Βέλγιο, J. Segantini στην Ιταλία και άλλους), αναπτύσσοντας τις τάσεις του καθυστερημένου ιμπρεσιονισμού, επιδιώκουν να εφαρμόσουν σύγχρονες ανακαλύψεις στον τομέα της οπτικής στην τέχνη, δίνοντας μεθοδικό χαρακτήρα τις τεχνικές για αποσύνθεση τόνου για καθαρά χρώματα. Ταυτόχρονα, ξεπερνούν το ατύχημα, αποσπασματικό της ιμπρεσιονιστικής σύνθεσης, κατέφυγαν στα τοπία τους και πολυστρωματικά πάνελ-πάνελ σε επίπεδες διακοσμητικές λύσεις.

Ταχυδρομική ύλη (από το Lat. μετά - μετά και τον ιμπρεσιονισμό) - το συλλογικό όνομα των κύριων ροών της γαλλικής ζωγραφικής των τέλη του 19ου - αρχές 20ου αιώνα. Ο οδηγός της μεταποίησης από τα μέσα της δεκαετίας του 1880 αναζητούσε νέα εκφραστικά φάρμακα που θα μπορούσαν να ξεπεράσουν τον εμπειρικό της καλλιτεχνικής σκέψης και να επιτρέψουν να προχωρήσουν από την ιμπρεσιονιστική στερέωση ορισμένων στιγμών της ζωής στην ενσωμάτωση των μακροπρόθεσμων κρατών της, των υλικών και των πνευματικών σταθερών. Για την οικονομική περίοδο, χαρακτηρίζεται η ενεργή αλληλεπίδραση των μεμονωμένων κατευθύνσεων και μεμονωμένων δημιουργικών συστημάτων. Το έργο των πλοιάρχων νεροιμπιακαστισμού, των NABI ομάδων, καθώς και ο Van Gogh, P. Cesanne, P. Gogen, συνήθως κατατάσσεται με την ανάρτιση.

Αναφορά και βιογραφικά στοιχεία "Γκαλερί ζωγραφικής πλανήτη μικρού κόλπου" που προετοιμάζονται με βάση τα υλικά της «Ιστορίας της ξένης τέχνης» (ed. Mt Kuzminina, NL Maltseva), "Καλλιτεχνική Εγκυκλοπαίδεια Ξένων Κλασικών Τέχνης", "Μεγάλη Ρωσική Εγκυκλοπαίδεια" .

Η ευρωπαϊκή τέχνη των τελευταίων 19ου αιώνα εμπλουτίστηκε με την εμφάνιση ενός νεωτεριστικού αργότερα, η επιρροή του εξαπλώθηκε στη μουσική και τη λογοτεχνία. Ονομάστηκε "ιμπρεσιονισμός", δεδομένου ότι βασίστηκε στις καλύτερες εντυπώσεις του καλλιτέχνη, των εικόνων και του συναισθήματος.

Την προέλευση και την ιστορία της εμφάνισης

Αρκετοί νέοι καλλιτέχνες στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα είχαν ενωθεί σε μια ομάδα. Είχαν κοινό στόχο και συνέπεσαν τα συμφέροντα. Το κύριο πράγμα για αυτή την εταιρεία ήταν η εργασία στη φύση, χωρίς τους τοίχους του εργαστηρίου και τους διάφορους παράγοντες αποτρεπτικού. Στους πίνακους του, προσπάθησαν να μεταφέρουν όλη την αισθησιασμό, την εντύπωση του παιχνιδιού του φωτός και της σκιάς. Τα τοπία και τα πορτρέτα αντανακλούσαν την ενότητα της ψυχής από το σύμπαν, με τον έξω κόσμο. Οι πίνακές τους είναι γνήσια ποίηση χρωμάτων.

Το 1874 πραγματοποιήθηκε μια έκθεση αυτής της ομάδας καλλιτεχνών. Τοπίο Claude Monet "εντύπωση. Η ανατολή "Sunrise" σταμάτησε την κριτική, η οποία στην ανάκλησή του για πρώτη φορά κάλεσε αυτούς τους δημιουργούς με ιμπρεσιονιστές (από τη γαλλική εντύπωση - "εντύπωση").

Το υπόβαθρο της γέννησης του ιμπρεσιονισμού στυλ, οι πίνακες των εκπροσώπων των οποίων σύντομα θα αποκτήσουν μια απίστευτη επιτυχία, το έργο της εποχής της Αναγέννησης. Το έργο των Ισπανών Velasquez, το El Greco, οι βρετανοί του Turner, Constable επηρεάστηκαν άνευ όρων από τους Γάλλους, οι οποίοι ήταν οι Hedlemen του Impressionism.

Οι εκπρόσωποι φωτεινών στυλ στη Γαλλία έγιναν Pissarro, Mana, Degas, Sisan, Cesan, Monet, Renoir και άλλοι.

Φιλοσοφία ιμπρεσιονισμού στη ζωγραφική

Οι καλλιτέχνες που έγραψαν σε αυτό το στυλ δεν έχουν θέσει το καθήκον να προσελκύουν την προσοχή του κοινού και τα προβλήματα. Στο έργο τους, δεν βρίσκουν οικόπεδα για την κακή μέρα, είναι αδύνατο να πάρουμε ηθική ή να παρατηρήσουμε τις ανθρώπινες αντιφάσεις.

Οι εικόνες με τον ιμπρεσιονισμό στυλ απευθύνονται στη μεταφορά στιγμιαίας διάθεσης, την ανάπτυξη χρωμάτων λύσεων μυστηριώδους φύσης. Υπάρχει μόνο μια θετική αρχή στα έργα στα έργα, το καυκάσιος παρακάμπτει τους ιμπρεσιονιστές από το πάρτι.

Στην πραγματικότητα, οι ιμπρεσιονιστές δεν ενοχλούσαν να σκέφτονται το οικόπεδο και τις λεπτομέρειες. Ο κύριος παράγοντας δεν ήταν τι να σχεδιάζετε, αλλά να απεικονίσουν και να μεταφέρουν τη διάθεσή τους.

Τεχνική γραφής εικόνας

Η διαφορά μεταξύ του ακαδημαϊκού τρόπου σχεδίασης και της τεχνικής των ιμπρεσιονιστών. Από πολλές μεθόδους, απλώς αρνήθηκαν, μερικοί έχουν αλλάξει πέρα \u200b\u200bαπό την αναγνώριση. Εδώ είναι ποιες καινοτομίες συνέβαλαν:

1. Εγκαταλειμμένο περίγραμμα. Αυτό συνέβη στην αντικατάστασή του στο επίχρισμα - μικρό και αντίθεση.
2. Σταμάτησε να χρησιμοποιεί παλέτες για να επιλέγονται με χρώματα που συμπληρώνουν ο ένας τον άλλον και δεν απαιτούν συγχωνεύσεις να αποκτήσουν ένα συγκεκριμένο αποτέλεσμα. Για παράδειγμα, το κίτρινο είναι μοβ.
3. Σταμάτησε να σχεδιάζεται σε μαύρο χρώμα.
4. Πλήρως εγκαταλελειμμένη εργασία σε εργαστήρια. Έγραψαν αποκλειστικά στη φύση, έτσι ώστε να ήταν ευκολότερο να συλλάβει τη στιγμή, την εικόνα, το συναίσθημα.
5. Χρησιμοποιούνται μόνο χρώματα που έχουν καλή ικανότητα κάλυψης.
6. Δεν περίμεναν ένα νέο στρώμα. Φρέσκα επιχρίσματα που εφαρμόζονται αμέσως.
7. Δημιουργία κύκλων έργων για να εντοπίσουν τις αλλαγές στο φως και τη σκιά. Για παράδειγμα, το "Haystack" της βούρτσας του Claude Monet.

Φυσικά, οι καλλιτέχνες δεν έκαναν ακριβώς τα χαρακτηριστικά του στυλ του ιμπρεσιονισμού. Οι εικόνες του Eduar Mane, για παράδειγμα, δεν συμμετείχαν ποτέ σε κοινές εκθέσεις και ο ίδιος τοποθετείται ως ξεχωριστός καλλιτέχνης. Ο Edgar Dega εργάστηκε μόνο σε εργαστήρια, αλλά δεν ήταν επιβλαβές για την ποιότητα των έργων του.

Εκπρόσωποι της Γαλλικής Εμπροσλωσότητας

Η πρώτη έκθεση του έργου των ιμπρεσιών που χρονολογείται το 1874. Μετά από 12 χρόνια, πέρασε η τελευταία έκθεσή τους. Το πρώτο προϊόν σε αυτό το στυλ μπορεί να ονομάζεται "πρωινό στο γρασίδι" από το πινέλο E. Mana. Αυτή η εικόνα παρουσιάστηκε στο "σαλόνι απορριμμάτων". Συναντήθηκε εχθρική, επειδή ήταν πολύ διαφορετική από τους ακαδημαϊκούς κανόνες. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η Mane γίνεται η εικόνα γύρω από την οποία συλλέγεται ένας κύκλος οπαδών αυτής της στιλιστικής κατεύθυνσης.

Δυστυχώς, οι σύγχρονοι δεν επωφελήθηκαν από αυτό το στυλ ως ιμπρεσιονισμός. Οι εικόνες και οι καλλιτέχνες υπήρχαν σε διαφωνία με την επίσημη τέχνη.

Σταδιακά, ο Claude Monet έρχεται στο μέτωπο στην ομάδα των ζωγράφων, η οποία στη συνέχεια θα γίνει ηγέτης τους και ο κύριος ιδεολόγος του ιμπρεσιονισμού.

Claude Monet (1840-1926)

Η δημιουργικότητα αυτού του καλλιτέχνη μπορεί να περιγραφεί ως ιμπρεσιονισμός του ύμνου. Ήταν αυτός που ήταν ο πρώτος που αρνήθηκε να χρησιμοποιήσει το μαύρο στους πίνακές του, να το παρακινήσει από το γεγονός ότι ακόμη και οι σκιές και η νύχτα έχουν άλλους τόνους.

Ο κόσμος στις εικόνες του Monet είναι σκοτεινή περιγράμματα, μακρά εγκεφαλικά επεισόδια, κοιτάζοντας τα οποία μπορείτε να αισθανθείτε όλη την ποικιλία παιχνιδιών παιχνιδιών και νύχτες, εποχές, αρμονία του Fideline World. Μόνο μια στιγμή, η οποία σχεδιάστηκε από μια ζωτικότητα, στην κατανόηση του Monet και υπάρχει ιμπρεσιονισμός. Οι πίνακες φαίνεται να μην διαθέτουν σημαντικότητα, όλοι εμποτίζονται με ακτίνες φωτός και αέρα ροών.

Ο Claude Monet δημιουργήθηκε καταπληκτικά έργα: "Σταθμός Saint-Lazar", "καθεδρικός ναός Ruenan", ο κύκλος "Bridge Charning Cross" και πολλούς άλλους.

Auguste Renoir (1841-1919)

Οι δημιουργίες της RENAIR δημιουργούν μια εντύπωση εξαιρετικής ελαφρότητας, ευεξίας, ουσιαστικότητας. Το οικόπεδο γεννιέται σαν να είναι τυχαία, είναι γνωστό ότι ο καλλιτέχνης σκέφτηκε προσεκτικά όλα τα στάδια του έργου του και εργάστηκε από το πρωί στη νύχτα.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της δημιουργικότητας O. Renuara είναι η χρήση του μικρότερου, η οποία είναι δυνατή μόνο όταν η γραφή ιμπρεσιονισμού στα έργα του καλλιτέχνη εκδηλώνεται σε κάθε στρόφιγγα. Ένα άτομο θεωρείται από αυτόν ως σωματίδιο της ίδιας της φύσης, έτσι οι εικόνες με γυμνό στη φύση είναι τόσο πολυάριθμες.

Η αγαπημένη επάγγελμα του Renuara ήταν μια εικόνα μιας γυναίκας στην όλη της ελκυστική και ελκυστική ομορφιά. Τα πορτραίτα καταλαμβάνουν μια ιδιαίτερη θέση στη δημιουργική ζωή του καλλιτέχνη. "Ομπρέλες", "Κορίτσι με ανεμιστήρα", "πρωινό των Rowers" - μόνο ένα μικρό μέρος μιας εκπληκτικής συλλογής έργων ζωγραφικής του Auguste Renoara.

Georges Sere (1859-1891)

Η διαδικασία δημιουργίας μιας εικόνας του θείου που συνδέεται με μια επιστημονική δικαιολογία της θεωρίας του χρώματος. Το ελαφρύ αέρα με βάση την εξάρτηση από τους κύριους και πρόσθετους τόνους.

Παρά το γεγονός ότι ο J. Serez είναι εκπρόσωπος του τελικού σταδίου του ιμπρεσιονισμού και η τεχνική της είναι σε μεγάλο βαθμό διαφορετική από τους ιδρυτές, δημιουργεί επίσης μια ψευδαίσθηση της εντύπων του θέματος με τη βοήθεια των επιχρισμάτων, να εξετάσει και να δει ποια είναι δυνατή μόνο σε μια απόσταση.

Τα αριστουργήματα της δημιουργικότητας μπορούν να ονομαστούν εικόνες "Κυριακή Ημέρα", "Kankan", "Λογισμικό".

Εκπρόσωποι της ρωσικής ιμπρεσιονισμών

Ο Ρώσος ιμπρεσιονισμός προέκυψε πρακτικά αυθόρμητα, αναμειγνύεται πολλά φαινόμενα και μεθόδους. Ωστόσο, η βάση, όπως και η γαλλική, ήταν ένα οδοντωτό όραμα της διαδικασίας.

Στον ρωσικό ιμπρεσιονισμό, αν και τα χαρακτηριστικά των Γαλλικών διατηρήθηκαν, αλλά οι ιδιαιτερότητες της εθνικής φύσης και η κατάσταση της ψυχής έκανε σημαντικές αλλαγές. Για παράδειγμα, το όραμα του χιονιού ή των βόρειων τοπίων εκφράστηκε χρησιμοποιώντας ασυνήθιστες τεχνικές.

Στη Ρωσία, λίγοι καλλιτέχνες εργάστηκαν στο ύφος του ιμπρεσιονισμού, προσελκύουν τις απόψεις τους μέχρι σήμερα.

Η περίοδος ιμπρεσιονιστικής περιόδου μπορεί να διατεθεί στο έργο της Valentina Serov. Το "κορίτσι με τα ροδάκινα" είναι το λαμπρότερο παράδειγμα και το πρότυπο αυτού του στυλ στη Ρωσία.

Οι εικόνες κατακτήστε τη φρεσκάδα τους και το σύμφωνο καθαρό χρώμα. Το κύριο θέμα της δημιουργικότητας αυτού του καλλιτέχνη είναι η εικόνα ενός ατόμου στη φύση. "Βόρειο ειδύλλιο", "στο σκάφος", "Fyodor Shalyapin" - τα φωτεινά ορόσημα των δραστηριοτήτων της Κ. Κορονοί.

Ιμπρεσιονισμός στη σύγχρονη εποχή

Επί του παρόντος, αυτή η κατεύθυνση στην τέχνη έλαβε μια νέα ζωή. Σε αυτό το στυλ, αρκετοί καλλιτέχνες γράφουν τα έργα τους. Σύγχρονες εντυπωσιακές ενώσεις στη Ρωσία (Andre Kon), στη Γαλλία (Laurel), στην Αμερική (Diana Leonard).

Ο Andre Kon είναι ο πιο εντυπωσιακός αντιπρόσωπος του νέου ιμπρεσιονισμού. Οι πίνακές του που γράφονται από το πετρέλαιο εντυπωσιάζουν με την απλότητα τους. Ο καλλιτέχνης βλέπει την όμορφη σε καθημερινά πράγματα. Ο δημιουργός ερμηνεύει πολλά αντικείμενα μέσω του πρίσματος της κίνησης.

Ακουαρέλα έργα του Laurent Parselyell γνωρίζει ολόκληρο τον κόσμο. Η σειρά των έργων του "παράξενο κόσμο" απελευθερώθηκε με τη μορφή καρτ-ποστάλ. Πανέμορφο, φωτεινό και αισθησιακό, συλλάβουν το πνεύμα.

Όπως και στην ηλικία των 19 ετών, οι καλλιτέχνες παραμένουν επί του παρόντος πολλή ζωγραφική. Χάρη σε αυτήν, ο Imressionism θα ζήσει πάντα. Οι καλλιτέχνες εξακολουθούν να εμπνέονται, εντυπωσιακοί και εμπνέουν.

fr. Η εντύπωση είναι η εντύπωση) - κατεύθυνση στην τέχνη του τελευταίου τρίτου του XIX-NCH. XX αιώνες, των οποίων οι εκπρόσωποι άρχισαν να γράφουν τοπία και σκηνές του είδους απευθείας από τη φύση, προσπαθώντας να είναι πολύ καθαρά και έντονα χρώματα για να μεταφέρουν ηλιόλουστη λάμψη, το φυσητήρα του ανέμου, το πλήθος της πόλης. Οι ιμπρεσιονιστές αναζητούσαν το πιο φυσικό και περιττό να συλλάβουν τον πραγματικό κόσμο στην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά του, να μεταφέρουν τις φευγαλέες εντυπώσεις τους.

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

ΙΜΠΡΕΣΙΟΝΙΣΜΟΣ

franz. ImpressionNisme, από την εντύπωση - εντύπωση), κατεύθυνση στην τέχνη του Con. 1860 - NCH. 1880s. Το πιο φωτεινά εκδηλωμένο στη ζωγραφική. Οι κορυφαίοι εκπρόσωποι: Κ. Μόντε, Ο. Renoir, Κ. Pisserro, Α. Guillaomen, Β. Morizo, Μ. Kassat, Α. Sisley, Kaibott και J. F. Bazil. Μαζί μαζί τους, η E. Mane και η E. Degi's Paintings τέταζαν, αν και το ύφος των έργων τους δεν μπορεί να ονομαστεί εντελώς ιμπρεσιονιστική. Το όνομα "ιμπρεσιονιστές" εδραιώθηκε πίσω από μια ομάδα νέων καλλιτεχνών μετά την πρώτη κοινή εκθέτη τους στο Παρίσι (1874, ηρενική, ηρενική, ο Pizarro, η Degas, η Sisley κ.λπ.), η οποία προκάλεσε έντονη διαταραχή του κοινού και των κριτικών. Μία από τις εικόνες που παρουσιάζονται από τον Κ. Monte (1872) ονομάστηκε "εντύπωση. Sunrise "(" L'Impression. Soleil Levant "), και ο αναθεωρητής στην κοροϊδία που ονομάζεται" Impressions "-" εντυπωσιασμένος ". Οι ζωγράφοι ενήργησαν βάσει αυτού του τίτλου στην τρίτη κοινή έκθεση (1877). Ταυτόχρονα, άρχισαν να παράγουν το περιοδικό "Impressionistist", κάθε αριθμός από το οποίο αφιερώθηκε στο έργο ενός από τους συμμετέχοντες στην ομάδα.

Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να συλλάβουν τον κόσμο γύρω του στη σταθερή μεταβλητότητα, τη ρευστότητα, να εκφράζουν αμερόληπτα τις άμεσες εντυπώσεις τους. Ο ιμπρεσιονισμός βασίστηκε στις τελευταίες ανακαλύψεις οπτικών και χρώματος θεωρίας (φασματική αποσύνθεση της ηλιακής ακτίνας σε επτά χρώματα του ουράνιου τόξου). Σε αυτό, ήταν σύμφωνο με το πνεύμα της επιστημονικής ανάλυσης χαρακτηριστικών του CON. 19ος αιώνας Ωστόσο, οι ίδιοι οι ιμπρεσιονιστές δεν προσπάθησαν να προσδιορίσουν τα θεωρητικά θεμέλια της τέχνης τους, επιμένοντας στην ιδανική δημιουργικότητα του διαισθητικού καλλιτέχνη. Οι καλλιτεχνικές αρχές των ιμπρεσιονιστών δεν ήταν ομοιόμορφες. Ο Monte έγραψε τοπία μόνο σε άμεση επαφή με τη φύση, σε εξωτερικούς χώρους (στο Plenier) και ακόμη και χτίστηκε ένα εργαστήριο σε μια βάρκα. Οι DEGAS εργάστηκαν στο εργαστήριο για τις μνήμες ή χρησιμοποιώντας φωτογραφίες. Σε αντίθεση με τους εκπροσώπους των μεταγενέστερων ριζοσπαστικών ροών, οι καλλιτέχνες δεν υπερέβαιναν πέρα \u200b\u200bαπό το αναγεννησιακό διαχωριστικό σύστημα με βάση τη χρήση της άμεσης προοπτικής. Τιμήθηκαν ακράδαντα στη μέθοδο εργασίας με τη φύση, η οποία ανεγέρθηκε από αυτούς στην κύρια αρχή της δημιουργικότητας. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να "γράψουν τι βλέπετε" και "όπως βλέπετε". Η συνεπής εφαρμογή αυτής της μεθόδου οδήγησε στη μεταστροφή όλων των βασικών στοιχείων του καθιερωμένου γραφικού συστήματος: Κολίτιδα, σύνθεση, χωρική κατασκευή. Καθαρά χρώματα εφαρμόστηκαν σε καμβά με μικρά ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια: πολύχρωμα "σημεία" που βρίσκονται κοντά, ανάμειξη σε ένα πολύχρωμο θέαμα όχι στην παλέτα και όχι στον καμβά, αλλά στο μάτι του θεατή. Οι ιμπρεσιονιστές έφτασαν στην πρωτοφανή υπερηχητή της γεύσης, τον πρωτοφανή πλούτο των αποχρώσεων. Το επίχρισμα έχει γίνει ανεξάρτητο μέσο εκφραστικότητας, γεμίζοντας την επιφάνεια μιας ζωντανής τρελής δόνησης των χρωμάτων σωματιδίων. Ο καμβάς παρομοήθηκε από τη μεταφερόμενη πολύτιμα χρώματα του μωσαϊκού. Στην πρώην ζωγραφική, μαύρη, γκρίζα, καφετιά αποχρώσεις επικράτησαν. Στις καμβάδες των ιμπρεσιονιστών, το χρώμα έλαμψε φωτεινά. Οι ιμπρεσιονιστές δεν εφαρμόζουν ελαφρότητα για τη μετάδοση των όγκων, εγκατέλειψαν σκοτεινές σκιές, οι σκιές στις ζωγραφιές τους ήταν επίσης έγχρωμες. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν ευρέως επιπλέον χρώματα (κόκκινο και πράσινο, κίτρινο και μοβ), οι οποίες αύξησαν την ένταση του χρώματος του χρώματος. Στους πίνακες του Monet, το χρώμα ήταν τεμπέλης και διαλύθηκε στην ακτινοβολία των ακτίνων του ηλιακού φωτός, τα τοπικά χρώματα απέκτησαν πολλές αποχρώσεις.

Οι ιμπρεσιονιστές απεικόνισαν τον κόσμο σε όλο τον κόσμο σε αιώνια κίνηση, μετάβαση από το ένα κράτος στο άλλο. Άρχισαν να γράφουν μια σειρά έργων ζωγραφικής, που θέλουν να δείξουν πώς το ίδιο κίνητρο ποικίλλει ανάλογα με την ώρα της ημέρας, του φωτισμού, των οποίων καιρού κ.λπ. (κύκλοι "Boulevard Montmartre" Κ. Pissarro, 1897; "Ruenan Cathedral", 1893- 95 και "Κοινοβούλιο Λονδίνου", 1903-04, Κ. MONET). Οι καλλιτέχνες βρήκαν τρόπους για να αντικατοπτρίζουν την κίνηση των σύννεφων (Α. Sisley. "Luan στο Saint-Mamma, 1882), το παιχνίδι είναι λάμψη της ηλιοφάνειας (Ο. Renoir." Swing ", 1876), ριπές αιολικής ενέργειας (Κ. MONET. "Αίθριο στην Άγια Διεύθυνση", 1866), Jobs (Kaibott. "IER, το αποτέλεσμα της βροχής", 1875), που πέφτει το χιόνι (K. Pisserro. "Opera Pass, το αποτέλεσμα χιονιού", 1898), ταχεία άλογα (Ε. Mana. "Αγωνιστικά στο Lonzhan", 1865).

Οι ιμπρεσιονιστές έχουν αναπτύξει νέες αρχές για την κατασκευή της σύνθεσης. Προηγουμένως, ο χώρος της εικόνας άρεσε με την πλατφόρμα σκηνής, τώρα οι τραυματισμένες σκηνές έμοιαζαν ένα στιγμιότυπο, ένα φωτοκτόνο. Επινοήθηκε σε 19 V. Η φωτογραφία είχε σημαντικό αντίκτυπο στη σύνθεση της ιμπρεσιονιστικής εικόνας, ειδικά στο έργο της Ε. Degi, ο οποίος ο ίδιος ήταν ένας παθιασμένος φωτογράφος και, σύμφωνα με τα λόγια του, προσπάθησε να πιάσει τις μπαλαρίνες του Ballerin, να τους δει "σαν να Μέσα από την κλειδαρότρυπα, "όταν οι θέσεις τους, οι γραμμές του σώματος φυσικά, εκφραστικά και αξιόπιστα. Δημιουργώντας έργα ζωγραφικής στον υπαίθριο αέρα, η επιθυμία να συλλάβει γρήγορα αλλαγή φωτισμού αναγκαστικά καλλιτέχνες να επιταχύνει το έργο, γράψτε "alla prima" (σε μια υποδοχή), χωρίς προκαταρκτικά σκίτσα. Ο θραύστης, το "ατύχημα" της σύνθεσης και του δυναμικού εικονογραφικού τρόπου δημιούργησε ένα αίσθημα ειδικής φρεσκάδας στις εικόνες των ιμπρεσιονιστών.

Το αγαπημένο ιμπρεσιονιστικό είδος ήταν ένα τοπίο. Το πορτρέτο παρουσίασε επίσης ένα είδος "τοπίου προσώπου" (Ο. Renoir. "Πορτρέτο μιας ηθοποιού J. Samari", 1877). Επιπλέον, οι καλλιτέχνες επεκτείναν σημαντικά τον κύκλο των οικόπεδων ζωγραφικής, επικοινωνώντας με τα θέματα, που προηγουμένως θεωρήθηκαν ανάξια προσοχή: λαϊκές εκδηλώσεις, άλματα, πικνίκ της καλλιτεχνικής Βοημίας, το παρασκήνιο των θεάτρων κλπ. Ωστόσο, δεν υπάρχει λεπτομερής ιστορία στις εικόνες τους. Η ανθρώπινη ζωή διαλύεται στη φύση ή στην ατμόσφαιρα της πόλης. Οι ιμπρεσιονιστές έγραψαν όχι γεγονότα, αλλά το συναίσθημα, τις αποχρώσεις των συναισθημάτων. Οι καλλιτέχνες απέρριψαν ουσιαστικά τα ιστορικά και λογοτεχνικά θέματα, αποφεύγοντας την απεικόνιση δραματικές, σκοτεινές πλευρές της ζωής (πόλεμος, καταστροφή κ.λπ.). Επωφελήθηκαν να απελευθερώσουν την τέχνη από την εφαρμογή κοινωνικών, πολιτικών και ηθικών καθηκόντων, από την υποχρέωση αξιολόγησης των απεικονιζόμενων φαινομένων. Οι καλλιτέχνες αμφισβήτησαν την ομορφιά του κόσμου, ικανά να μετατρέψουν το πιο εγχώριο κίνητρο (επισκευή του δωματίου, γκρίζα ομίχλη του Λονδίνου, καπνού των ατμομηχανών, κλπ.) Στο μαγευτικό θέαμα (Kaibott. "Parquetters", 1875; K. Monet . "Σταθμός Saint-Lazar", 1877).

Το 1886 έλαβε χώρα η τελευταία έκθεση των ιμπρεσιονιστών (Ο. Renoir και K. Monet συμμετείχαν σε αυτήν). Μέχρι αυτή τη φορά, ανακαλύφθηκαν σημαντικές διαφορές μεταξύ των μελών της ομάδας. Οι δυνατότητες της μεθόδου ιμπρεσιονισμού εξαντλήθηκαν και ο καθένας από τους καλλιτέχνες άρχισε να αναζητά τον δικό τους τρόπο στην τέχνη.

Ο ιμιστική ως μια ολιστική δημιουργική μέθοδος ήταν το φαινόμενο της κυρίαρχης γαλλικής τέχνης, αλλά το έργο των ιμπρεσιονιστών είχε αντίκτυπο σε ολόκληρη την ευρωπαϊκή ζωγραφική. Η επιθυμία να ενημερώσει την καλλιτεχνική γλώσσα, την εξόφληση της πολύχρωμης παλέτας, η έκθεση των εικονογραφικών τεχνικών, από τώρα και στο εξής, εισήλθε σταθερά στο οπλοστάσιο των καλλιτεχνών. Σε άλλες χώρες, ο J. Whistler (Αγγλία και ΗΠΑ), ο Μ. Lieberman, L. Corint (Γερμανία), η H. Srima (Ισπανία) ήταν κοντά στον εντυπωσιακό. Ο αντίκτυπος του ιμπρεσιονισμού βίωσε από πολλούς ρώσους καλλιτέχνες (V. Α. Serov, Κ. Α. Κορονοί, Ι. Ε. Grabar, κλπ.).

Εκτός από τη ζωγραφική, ο ιμπρεσιονισμός ενσωματώθηκε στο έργο ορισμένων γλύπτων (Ε. Degas και O. Roden στη Γαλλία, M. Rosso στην Ιταλία, PP Trubetskoy στη Ρωσία) σε μια ζωντανή ελεύθερη μοντελοποίηση υγρών μαλακών μορφών, η οποία δημιουργεί ένα συγκρότημα παιχνίδι φωτός στην επιφάνεια του υλικού και αίσθηση της ατέλειας της εργασίας. Στις στάσεις κατέλαβε τη στιγμή της κίνησης, της ανάπτυξης. Στη μουσική, η εγγύτητα με τον ιμπρεσιονισμό ανακαλύπτεται από τα έργα του Κ. Debussy ("Ιστιοφόρα", "ομίχλη", "αντανακλάσεις στο νερό" κλπ.).

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

"Έκθεση Impressionists", λαμβάνοντας ως βάση το όνομα της εικόνας της εντύπωσης Claude Monet ". Αύξουσα ήλιος "(Fr. Impression, Levant Soleil). Αρχικά, ο όρος αυτός ήταν κάπως απόλυτος, δείχνοντας την κατάλληλη στάση απέναντι στους καλλιτέχνες που έγραψαν με ένα νέο "αμελόγειο" τρόπο.

Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική

Πηγές

Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του 1880, ο ιμπρεσιονισμός, παύει σταδιακά να υπάρχει ως μία μόνο κατεύθυνση και να αποσυντίθεται, δίνοντας μια αξιοσημείωτη ώθηση στην εξέλιξη της τέχνης. Με την έναρξη του XX αιώνα, αποκτήθηκε η τάση της άρνησης από τον ρεαλισμό και η νέα γενιά καλλιτεχνών απομακρύνθηκε από τον ιμπρεσιονισμό.

Την εμφάνιση του ονόματος

Υπάρχουν δεκαετίες. Και η νέα γενιά καλλιτεχνών θα έρθει στην παρούσα κατάρρευση των εντύπων και το φθαρμένο περιεχόμενο. Τότε η κριτική, και το κοινό, είδε στους καταδικασμένους ιμπρεσιονιστές - ρεαλιστές, και λίγο αργότερα και τα κλασικά της γαλλικής τέχνης.

Ειδικότητα της φιλοσοφίας του ιμπρεσιονισμού

Ο γάλλος ιμπρεσιονισμός δεν έθεσε φιλοσοφικά προβλήματα και δεν προσπάθησε καν να διεισδύσει στην επιφάνεια του χρώματος της καθημερινής. Αντίθετα, ο ιμπρεσιονισμός, η τεχνική σε κάποιο βαθμό στον τρόπο και τον τρόπο με τον τρόπο, επικεντρώνεται στην επιπολαιότητα, την ορμή των στιγμών, τη διάθεση, τον φωτισμό ή την άνθρακα.

Όπως η τέχνη της Αναγέννησης (Revival), ο Impressionism βασίζεται στις ιδιαιτερότητες και τις δεξιότητες της αντίληψης της προοπτικής. Ταυτόχρονα, το αναγεννησιακό όραμα εξερράγεται από αποδεδειγμένη υποκειμενικότητα και σχετικότητα της ανθρώπινης αντίληψης, η οποία καθιστά το χρώμα και τη μορφή αυτόνομων συστατικών της εικόνας. Για τον ιμπρεσιονισμό, δεν είναι τόσο σημαντικό να αποδειχθεί στο σχήμα, αλλά είναι σημαντικό όπως απεικονίζεται.

Οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών δεν μεταφέρουν κοινωνική κριτική, δεν επηρεάζουν τα κοινωνικά προβλήματα, όπως η πείνα, η ασθένεια, ο θάνατος, που αντιπροσωπεύουν μόνο τις θετικές πλευρές της ζωής. Αυτό οδήγησε αργότερα στη διάσπαση μεταξύ των ίδιων των ιμπρεσιονιστών.

Ιμπρεσιονισμός και κοινωνία

Ο ιμπρεσιονισμός είναι εγγενής στον Δημοκραρισμό. Σύμφωνα με την αδράνεια, την τέχνη και το XIX αιώνα θεωρήθηκε μονοπώλιο αριστοκράτων, υψηλότερα τμήματα του πληθυσμού. Πραγματοποίησαν τους κύριους πελάτες για τη ζωγραφική, τα μνημεία, είναι - τους κύριους αγοραστές έργων ζωγραφικής και γλυπτών. Τα οικόπεδα με τη δύσκολη εργασία των αγροτών, οι τραγικές σελίδες της νεωτερικότητας, οι επαίσχυντες πλευρές των πολέμων, της φτώχειας, των κοινωνικών αναταραχών καταδίκασαν, δεν εγκρίθηκαν, δεν αγοράστηκαν. Κρίση της βλάσφημης ηθικής της κοινωνίας στους πίνακες του Θεόδωρου Ζητίκο, ο Francois Mill βρήκε μια αναθεώρηση μόνο από τους υποστηρικτές των καλλιτεχνών και λίγων εμπειρογνωμόνων.

Οι ιμπρεσιονιστές σε αυτό το ζήτημα κατέλαβαν αρκετά συμβιβασμούς, ενδιάμεσες θέσεις. Βιβλική, λογοτεχνικά, μυθολογικά, ιστορικά οικόπεδα που εγγυάται στον επίσημο ακαδημαϊκό ακαδημαϊκό. Από την άλλη πλευρά, κατέστρεψαν αναγνώριση, σεβασμό, ακόμη και βραβεία. Η δραστηριότητα του Mane Eduar Man είναι ενδεικτική, ποια χρόνια επιτεύχθηκε αναγνώριση και βραβεία από το επίσημο σαλόνι και τη διοίκησή του.

Αντ 'αυτού, υπήρχε ένα όραμα της καθημερινής ζωής και της νεωτερικότητας. Οι καλλιτέχνες συχνά ζωγράφισαν ανθρώπους σε κίνηση, κατά τη διάρκεια της διασκέδασης ή της ανάπαυσης, αντιπροσωπεύουν την εμφάνιση ενός συγκεκριμένου τόπου με έναν ορισμένο φωτισμό, το κίνητρο της δουλειάς τους ήταν επίσης η φύση. Τα οικόπεδα ελήφθησαν, χορεύουν, διαμένουν σε ένα καφενείο και θέατρο, με τα πόδια, στις παραλίες και στους κήπους. Εάν κρίνετε τις εικόνες των ιμπρεσιονιστών, τότε η ζωή είναι μια σειρά των μικρών διακοπών, πάρτι, ευχάριστα αρτοσκευάσματα έξω από την πόλη ή σε ένα φιλικό περιβάλλον (μια σειρά από έργα ζωγραφικής Renuara, Mana και Claude Monet). Ιμπρεσιονιστές Ορισμένες από τις πρώτες άρχισαν να σχεδιάζουν στον αέρα, χωρίς να τροποποιήσουν τη δουλειά τους στο εργαστήριο.

Τεχνολογία

Το νέο μάθημα διακρίθηκε από την ακαδημαϊκή ζωγραφική τόσο σε τεχνικούς όσο και ιδεολογικούς όρους. Πρώτα απ 'όλα, οι ιμπρεσιονιστές εγκατέλειψαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρά ξεχωριστά και αντίθετα εγκεφαλικά επεισόδια, τα οποία επέβαλαν σύμφωνα με τις θεωρίες του χρώματος του Chevreil, Helmholtz και Ore. Η ηλιοθεραπεία χωρίζεται στα εξαρτήματα: μοβ, μπλε, μπλε, πράσινο, κίτρινο, πορτοκαλί, κόκκινο, αλλά δεδομένου ότι το μπλε είναι ένα είδος μπλε, τότε ο αριθμός τους μειώνεται σε έξι. Δύο χρώματα που βρίσκονται κοντά ενισχύουν ο ένας τον άλλον και, αντίθετα, όταν αναμιγνύονται, χάνουν την ένταση. Επιπλέον, όλα τα χρώματα χωρίζονται σε πρωτογενή, ή βασικά και διπλά, ή παράγωγα, με κάθε διπλή βαφή είναι επιπλέον στην πρώτη:

• Μπλε - πορτοκαλί
• κόκκινο πράσινο
• Κίτρινο - μοβ

Έτσι, ήταν δυνατό να μην αναμειγνύονται τα χρώματα στην παλέτα και να πάρετε το επιθυμητό χρώμα με τη σωστή επιβολή τους στον καμβά. Στη συνέχεια έγινε ένας λόγος για την εγκατάλειψη από το μαύρο.

Οι ιμπρεσιονιστές στη συνέχεια σταματούν να συγκεντρώνουν όλη την εργασία στις καμβάδες στα εργαστήρια, τώρα προτιμούν την Plair, όπου είναι βολικό να αρπάξει την εντύπωση που αναγκάζει από αυτό που φαινόταν ότι ήταν δυνατόν να κλείσει την εφεύρεση στον χαλύβδινο σωλήνα, ο οποίος, Σε αντίθεση με δερμάτινες σακούλες, θα μπορούσε να κλείσει έτσι ώστε το χρώμα να μην στεγνώσει.

Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν επίσης τα χρώματα καταφυγίων, τα οποία κακώς χάσουν το φως και είναι ακατάλληλα για ανάμειξη επειδή είναι γρήγορα γκρίζα, τους επέτρεπε να δημιουργήσουν εικόνες όχι με " εσωτερικός", αλλά " εξωτερικός»Το φως αντανακλάται από την επιφάνεια.

Οι τεχνικές διαφορές συνέβαλαν στην επίτευξη άλλων σκοπών, πρώτα απ 'όλα, οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να πιάσουν μια μιμητική εντύπωση, τις μικρότερες αλλαγές σε κάθε θέμα ανάλογα με τον φωτισμό και την ώρα της ημέρας, την υψηλότερη ενσωμάτωση των κύκλων της ειρήνης της Μότα "Στοίβα του SEN", "καθεδρικός ναός Ruenan" και "Κοινοβούλιο του Λονδίνου".

Σε γενικές γραμμές, στο ύφος του ιμπρεσιονισμού, αλλά η βάση του κινήματος ήταν ο Edward Mana, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Basta Basil και Berta Morizo. Ωστόσο, η Manne πάντα κάλεσε έναν «ανεξάρτητο καλλιτέχνη» και ποτέ δεν συμμετείχε σε εκθέσεις, και η Degi, αν και δεν έγραψε ποτέ το έργο του στο Πλνένουλη.

Χρονολογία από καλλιτέχνες

Ιμπρεσιονιστές

Εκθέσεις

• Πρώτη έκθεση (15 Απριλίου - 15 Μαΐου)

• Δεύτερη έκθεση (Απρίλιος)

Διεύθυνση: ul. Lepellet, 11 (γκαλερί Durane). Συμμετέχοντες: Bazil (μεταθανάτια, ο καλλιτέχνης πέθανε το 1870), Belior, Bureau, Debuten, Degas, Kaibott, Calc, Lever, Lepik, Lepik, Mille, Monet, Morizo, L. Otten, Pissarro, Renoir, Rouer, Sisley, Tillan, Tillan, Φραγκούης

• Τρίτη έκθεση (Απρίλιος)

Διεύθυνση: ul. Lepellet, 6. Συμμετέχοντες: Guillaumen, Degas, Kaibott, Calde, Lever, Lyami, Monet, Morizo, Alphonse Moro, Piett, Pisserro, Renoir, Rouer, Cezanne, Sisny, Tilla, Francois.

• Τέταρτη έκθεση (10 Απριλίου - 11 Μαΐου)

Διεύθυνση: Λεωφόρος Όπερα, 28. Συμμετέχοντες: Σαββατοκύριακο, κυρία Praemon, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaibott, Calc, Cassat, Leber, Monet, Piett, Pissarro, Rouer, Somm, Tilla, Forew.

• Πέμπτη έκθεση (1 Απριλίου - 30 Απριλίου)

Διεύθυνση: ul. Πυραμίδες, 10. Συμμετέχοντες: Σαββατοκύριακο, κυρία Praemon, Vidal, Vignon, Guillaumen, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaibott, Cassat, Lebour, Lever, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tillan, Forene.

• Έκτη έκθεση (2 Απριλίου - 1 Μαΐου)

Διεύθυνση: Boulevard Kapuchin, 35 (φωτογράφος Atelier Nadar). Συμμετέχοντες: Vidal, Vignon, Guillaumen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Cassat, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tilla, Forene.

• Έβδομη έκθεση (Μάρτιος )

Διεύθυνση: Foburg-sent-onorov, 251 (u dura-ruyel). Συμμετέχοντες: Vignon, Guillaumen, Gaugugen, Kaibott, Monet, Morizo, Pisserro, Renoir, Sisley.

• Όγδοη έκθεση (15 Μαΐου - 15 Ιουνίου)

Διεύθυνση: ul. Luffitt, 1. Συμμετέχοντες: Η κ. Pambone, Vignon, Guillaumen, Gauguin, Degas, Dzandomena, κασέτα, Morizo, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouer, Syra, Signac, Tilla, Foreland, Shiffenecker.

Ιμπρεσιονισμός στη λογοτεχνία

Στη βιβλιογραφία, ο ιμπρεσιονισμός δεν λειτούργησε ως ξεχωριστή κατεύθυνση, αλλά τα χαρακτηριστικά του αντικατοπτρίστηκαν στον φυσιολογικό και συμβολισμό.

Πρώτα απ 'όλα, χαρακτηρίζεται από μια έκφραση της ιδιωτικής εντύπωσης του συγγραφέα, την άρνηση της αντικειμενικής εικόνας της πραγματικότητας, την εικόνα κάθε στιγμής, η οποία υποτίθεται ότι συνεπάγεται την έλλειψη οικόπεδο, ιστορία και την αντικατάσταση της σκέψης με την αντίληψη , και τον λόγο - ένστικτο. Τα κύρια χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονιστικού στυλ διατύπωσε τους αδελφούς Gangur στο έργο τους "ημερολόγιο", όπου η περίφημη φράση " Δείτε, αισθανθείτε, express - αυτό είναι όλα τα τέχνη"Έγινε κεντρική θέση για πολλούς συγγραφείς.

Στη φυσιολογία, η κύρια αρχή ήταν η αλήθεια, η πίστη της φύσης, αλλά εντυπωσιάζεται και επομένως η εμφάνιση της πραγματικότητας εξαρτάται από κάθε ατομική προσωπικότητα και την ιδιοσυγκρασία του. Εκφράζεται πλέον πλήρως στα μυθιστορήματα του emil Zol, τις λεπτομερείς περιγραφές των μυρωδιών, των ηχών και των οπτικών αντιλήψεων.

Ο συμβολισμός, αντίθετα, απαίτησε την άρνηση του υλικού κόσμου και να επιστρέψει στο ιδανικό, ωστόσο, η μετάβαση είναι δυνατή μόνο μέσω των εντυπωσιακών εντυπώσεων, αποκαλύπτοντας τη μυστική ουσία σε ορατά πράγματα. Ένα ζωντανό παράδειγμα ποιητικού ιμπρεσιονισμού - μια συλλογή