Sanat eserlerinin genel sınıflandırması. Edebiyat

Bu nesnel-öznel bir edebiyat türüdür (Hegel) Bu, dünyanın nesnel bir resmi ve onun öznel yayılımıdır.

Genel biçim diyalogdur. İçeriğin jenerik özellikleri açısından bakıldığında, dramatik eserler, sırayla, konumlarına göre karakterize edilmelidir.

Anlaşmazlık

Dram(Yunanca drama, kelimenin tam anlamıyla - eylem), 1) üç edebiyat türünden biri (destan ve şarkı sözleriyle birlikte; aşağıya bakınız). cins edebi ). Dram (edebiyatta) aynı zamanda ait tiyatro ve Edebiyat : icranın temel ilkesi olan okumada da algılanır. Dram (edebiyatta) tiyatro sanatının evrimi temelinde oluşturuldu: aktörlerin birbirine bağlanması pandomim sözlü edebiyat türü olarak ortaya çıkışına damgasını vurmuştur. Özgüllüğü şunlardan oluşur: olay örgüsü, yani olayların akışının yeniden üretilmesi; eylemin dramatik yoğunluğu ve sahne bölümlerine bölünmesi; karakterlerin söylemlerinin sürekliliği; anlatı başlangıcının yokluğu (veya tabi kılınması) (bkz. anlatım ). Kolektif algı için tasarlanmış, Dram (edebiyatta) her zaman en akut sorunlara yöneldi ve en çarpıcı örneklerde popüler oldu. A. S. Puşkin'e göre, randevu Dram (edebiyatta)“... kalabalığın üzerinde, çokluğun üzerinde, merakını işgal ederek” (Poln. sobr. soch., cilt 7, 1958, s. 214).

Dram (edebiyatta) derin çatışma doğasında vardır; temel ilkesi, insanların sosyo-tarihsel veya "ebedi", evrensel insan çelişkilerinin yoğun ve etkili deneyimidir. Sanatın her türüne açık olan dramatizm, sanatta doğal olarak hakimdir. Dram (edebiyatta) V. G. Belinsky'ye göre drama, aziz veya tutkuyla arzulanan, uygulanması gereken, tehdit altında olduğu durumlarda uyanan insan ruhunun önemli bir özelliğidir.

Dramatik çatışmalar eylemde somutlaşır - karakterlerin davranışlarında, eylemlerinde ve başarılarında. Çoğunluk Dram (edebiyatta) bir kural olarak, karakterlerin doğrudan yüzleşmesine dayanan (Aristoteles'in "eylem birliği" ilkesine tekabül eden) tek bir dış eylem üzerine kuruludur. Eylem şuradan izlenir: Teller önceki değiş tokuş , geniş zaman dilimlerini (ortaçağ ve doğu Dram (edebiyatta), örneğin, Kalidasa tarafından “Shakuntala”) veya yalnızca doruk noktasında, sonuca yakın olarak alınır (antik trajediler, örneğin, Sophocles tarafından “Oedipus Rex” ve birçok Dram (edebiyatta) yeni zaman, örneğin, A. N. Ostrovsky'nin "Çeyiz"). 19. yüzyılın klasik estetiği. bu inşaat ilkelerini mutlaklaştırmaya meyilli Dram (edebiyatta) Hegel'e bakmak Dram (edebiyatta) birbiriyle çarpışan istemli eylemlerin (“eylemler” ve “tepkiler”) yeniden üretimi olarak Belinsky şunları yazdı: “Dramanın eylemi tek bir çıkara odaklanmalı ve yan çıkarlara yabancı olmalı ... Dramada, seyri ve gelişimi mekanizmasında gerekli olmayacak tek bir kişi olmak” (Poln. sobr. soch., cilt 5, 1954, s. 53). Aynı zamanda, "... yolu seçme kararı olaya değil, dramanın kahramanına bağlıdır" (ibid., s. 20).

En önemli biçimsel özellikler Dram (edebiyatta): karakterlerin davranış eylemleri (yani eylemleri) olarak hareket eden sürekli bir ifadeler zinciri ve bunun bir sonucu olarak - tasvir edilenlerin uzay ve zamanın kapalı alanlarında konsantrasyonu. Kompozisyonun evrensel temeli Dram (edebiyatta): içinde gerçek denilen tasvir edilen zamanın, sanatsal denilen algının zamanına uygun olduğu sahne bölümleri (sahneler). Halkta, ortaçağda ve doğuda Dram (edebiyatta), Shakespeare'de olduğu gibi, Puşkin'in "Boris Godunov"unda, Brecht'in oyunlarında, eylemin yeri ve zamanı çok sık değişir. Avrupalı Dram (edebiyatta) 17-19 yüzyıllar kural olarak, tiyatro performanslarıyla örtüşen birkaç ve çok uzun sahne bölümlerine dayanır. Mekan ve zamanın gelişiminin kompaktlığının en aşırı ifadesi, 19. yüzyıla kadar varlığını sürdüren N. Boileau'nun “Şiirsel Sanat”ından bilinen “birlikler”dir. (“Wit'ten Vay”, A. S. Griboyedov).

Vakaların büyük çoğunluğunda dramatik eserler sahnede sahnelenmeye yöneliktir, okuma için drama denilen çok dar bir dramatik eser çemberi vardır.

Dramatik türlerin kendi tarihleri ​​vardır, özellikleri büyük ölçüde antik çağlardan klasiklere kadar tarihsel olarak iki tür bir fenomen olduğu gerçeğiyle belirlenir: ya maske ağladı (trajedi) ya da maske güldü (komedi).

Ancak 18. yüzyılda bir komedi ve trajedi-dram sentezi ortaya çıktı.

Dram, trajedinin yerini aldı.

1)trajedi

2) komedi

4)saçmalık

5)vodvil türü içeriği, komedi türünün içeriğine yakındır, çoğu durumda mizahi. tür biçimi, türler ve mısralarla tek perdelik bir oyundur..

6) trajikomedi tasvir edilen acı ve sevincin karşılık gelen kahkaha-gözyaşları tepkisi ile birleşimi (Eduardo de Filippo)

7) dramatik kronik. Tür olarak dramaya benzer bir türün kural olarak bir kahramanı yoktur ve olaylar bir akışta verilir. Bill Berodelkovsky Fırtına

en büyük sayı komedi tarihsel olarak tür seçeneklerine sahiptir: İtalyan bilimsel komedisi; İspanya'da maskeler komedisi; , Pelerinler ve kılıçlar, Bir karakter, konum, bir görgü komedisi (ev) şakası vb.

RUS DRAMA. Rus profesyonel edebi draması 17. ve 18. yüzyılların sonunda şekillendi, ancak ondan önce, çoğunlukla sözlü ve kısmen el yazısı halk draması olmak üzere asırlık bir halk dönemi geldi. İlk başta, arkaik ritüel eylemler, daha sonra yuvarlak dans oyunları ve soytarılar, bir sanat formu olarak dramaturjinin karakteristik unsurlarını içeriyordu: diyalogizm, eylemin dramatizasyonu, yüzlerde oynama, bir veya başka bir karakterin görüntüsü (kılık). Bu unsurlar folklor dramasında pekiştirildi ve geliştirildi.

Folklor Rus dramasının pagan aşaması kayboldu: bir çalışma Halk sanatı Rusya'da sadece 19. yüzyılda başladı, büyük halk dramalarının ilk bilimsel yayınları sadece 1890-1900'da Etnografik İnceleme dergisinde (o zamanın bilim adamlarının yorumları ile V. Kallash ve A. Gruzinsky) ortaya çıktı. Folklor drama çalışmasının bu kadar geç başlaması, Rusya'da halk dramasının ortaya çıkmasının yalnızca 16.-17. yüzyıllara kadar uzandığı konusunda yaygın bir görüşe yol açtı. Alternatif bir bakış açısı var, burada yaratılışın tekneler gömme adetlerinden elde edilen pagan Slavlar. Ancak her halükarda, folklor dramalarının metinlerinde en az on yüzyıl boyunca meydana gelen olay örgüsü ve anlamsal değişiklikler, kültürel araştırmalarda, sanat tarihinde ve etnografyada hipotez düzeyinde ele alınmaktadır. Her tarihsel dönem, içeriklerinin çağrışımsal bağlantılarının kapasitesi ve zenginliği ile kolaylaştırılan folklor dramalarının içeriğine damgasını vurdu.

Erken Rus edebi dramaturjisi. Rus edebi dramaturjisinin kökeni 17. yüzyıla kadar uzanır. ve etkisi altında Rusya'da ortaya çıkan okul-kilise tiyatrosu ile ilişkilidir. okul oyunları Ukrayna'da Kiev-Mohyla Akademisi'nde. Polonya'dan gelen Katolik eğilimlerle mücadele etmek, Ortodoks Kilisesi Ukrayna'da kullanılan folklor tiyatrosu. Oyunların yazarları, kilise ritüellerinin olay örgülerini ödünç aldılar, onları diyaloglara dönüştürdüler ve aralarına komedi araları, müzik ve dans numaraları serpiştirdiler. Tür olarak bu dramaturji, Batı Avrupa ahlakının ve mucizelerinin bir melezini andırıyordu. Ahlaki, yüksek sesleniş tarzında yazılmış, okul dramasının bu eserleri, alegorik karakterleri (Vice, Pride, Truth, vb.) Hirodes vb.). Çoğu ünlü eserler - Tanrı'nın adamı Alexy hakkında eylem, İsa'nın Tutkusu Üzerine Eylem ve diğerleri Okul dramasının gelişimi Dmitry Rostovsky'nin isimleriyle ilişkilidir ( Varsayım draması, Noel draması, Rostov eylemi ve diğerleri), Feofan Prokopovich ( Vladimir), Mitrofan Dovgalevsky ( Tanrı'nın İnsana Karşı Sevgisinin Güçlü Görüntüsü), George Konissky ( Ölülerin dirilişi) ve diğerleri Simeon Polotsky ayrıca kilise okulu tiyatrosunda başladı

18. yüzyılın Rus draması Alexei Mihayloviç'in ölümünden sonra, tiyatro kapatıldı ve sadece I. Peter altında yeniden canlandırıldı. Ancak, Rus dramasının gelişimindeki duraklama biraz daha uzun sürdü: Büyük Peter tiyatrosunda, tercüme edilmiş oyunlar ağırlıklı olarak oynandı. Acıklı monologlar, korolar, müzikal eğlenceler ve ciddi alaylar içeren gerçek, övgü dolu eylemler bu zamanda yaygınlaştı. Peter'ın faaliyetlerini yücelttiler ve güncel olaylara cevap verdiler ( Ortodoks dünyasının zaferi, Livonia ve Ingria'nın Kurtuluşu vb.), ancak dramaturjinin gelişimi üzerinde özel bir etkiye sahip değillerdi. Bu performansların metinleri daha çok doğada uygulandı ve anonimdi. Rus dramaturjisi, 18. yüzyılın ortalarından itibaren, oluşumu ile eş zamanlı olarak hızlı bir yükseliş yaşamaya başladı. profesyonel tiyatro ulusal bir repertuara ihtiyacı olan.

18. yüzyılın ortalarında Rus klasisizminin oluşumu gereklidir (Avrupa'da, bu zamana kadar klasisizmin en parlak dönemi geçmişte kaldı: Corneille 1684'te, Racine - 1699'da öldü.) V. Trediakovsky ve M. Lomonosov, klasik trajedide ellerini denediler, ancak Rus klasisizminin (ve genel olarak Rus edebi dramasının) kurucusu, 1756'da ilk profesyonel Rus tiyatrosunun yönetmeni olan A. Sumarokov'du. 1750'ler ve 1760'ların tiyatro repertuarının temelini oluşturan 9 trajedi ve 12 komedi yazdı.Sumarokov ayrıca ilk Rus edebi ve teorik eserlerinin de sahibi. özellikle, şiir üzerine mektup(1747) Boileau'nun klasik kanonlarına benzer ilkeleri savunuyor: dramaturji türlerinin katı bir bölümü, gözlem "üç birlik". Fransız klasikçilerinin aksine, Sumarokov eski hikayelere değil, Rus kroniklerine dayanıyordu ( Khorev, Sinav ve Truvor) ve Rus tarihi ( dmitry talip ve benzeri.). Rus klasisizminin diğer önemli temsilcileri de aynı şekilde çalıştı - N. Nikolev ( Sorena ve Zamir), Ya Knyaznin ( Rosslav, Vadim Novgorodsky ve benzeri.).

Rus klasisist dramaturjisinin Fransızlardan bir farkı daha vardı: trajedilerin yazarları aynı anda komediler de yazdılar. Bu, klasisizmin katı sınırlarını bulanıklaştırdı ve estetik eğilimlerin çeşitliliğine katkıda bulundu. Rusya'daki klasik, eğitici ve duygusal drama birbirinin yerine geçmez, neredeyse aynı anda gelişir. Hicivli bir komedi yaratmaya yönelik ilk girişimler Sumarokov tarafından zaten yapıldı ( Canavarlar, Boş kavga, Açgözlü adam, Hile ile Çeyiz, Narcissus ve benzeri.). Ayrıca, bu komedilerde kullandığı stilistik cihazlar folklor kolejleri ve fars - teorik çalışmalarda halk "oyunlarını" eleştirmesine rağmen. 1760'larda-1780'lerde. komik opera türü yaygın olarak kullanılmaktadır. Klasikçiler olarak ona haraç ödüyorlar - Knyazhnin ( Arabadan kaynaklanan sorun, Sbitenshchik, Braggart vb.), Nikolev ( Rosana ve Aşk) ve komedyenler-hicivciler: I. Krylov ( cezve) ve diğerleri.Ağırlıklı komedi ve küçük-burjuva dramanın yönleri ortaya çıkıyor - V. Lukin ( Mot, aşk tarafından düzeltildi), M.Verevkin ( Yani olmalı, Tam olarak aynı), P. Plavilshchikov ( Bobil, yanlar) ve diğerleri Bu türler sadece tiyatronun demokratikleşmesine ve popülaritesinin artmasına katkıda bulunmadı, aynı zamanda çok yönlü karakterlerin ayrıntılı gelişim gelenekleriyle Rusya'da sevilen psikolojik tiyatronun temellerini oluşturdu. 18. yüzyılda Rus dramasının zirvesi. neredeyse gerçekçi komediler olarak adlandırılabilir V.Kapnista (Yabeda), D. Fonvizina (çalı, Tuğgeneral), I. Krylova (moda dükkanı, kızlar için ders ve benzeri.). Krylov'un "soytarı trajedisi" ilginç görünüyor Trumpf veya Podshchipa Paul I'in saltanatı üzerine bir hiciv, klasik tekniklerin yakıcı bir parodisi ile birleştirildi. Oyun 1800 yılında yazılmıştır - Rusya için yenilikçi olan klasisist estetiğin arkaik olarak algılanmaya başlaması sadece 53 yıl sürmüştür. Krylov ayrıca drama teorisine de dikkat etti ( komedi üzerine not "Kahkaha ve üzüntü", A. Klushin'in komedi incelemesi "simyager" ve benzeri.).

19. yüzyılın Rus dramaturjisi 19. yüzyılın başlarında. Rus dramaturjisi ile Avrupa draması arasındaki tarihsel boşluk ortadan kalktı. O zamandan beri Rus tiyatrosu genel bir bağlamda gelişiyor. Avrupa kültürü. Rus dramasında çeşitli estetik eğilimler korunur - duygusallık ( N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov, vb.) biraz klasikçi bir kanadın romantik bir trajedisi (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy, vb.), lirik ve duygusal drama (I. Turgenev) - kostik bir broşür hiciviyle (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). Hafif, eğlenceli ve esprili vodviller popülerdir (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F.Koni, V. Karatygin ve benzeri.). Ancak, Rus dramaturjisinin "altın çağı" haline gelen ve eserleri bugün hala dünya tiyatro klasiklerinin altın fonunda yer alan yazarların ortaya çıkmasına neden olan, büyük Rus edebiyatının zamanı olan 19. yüzyıldı.

Yeni bir türün ilk oyunu bir komediydi A.Griboedova Wit'ten gelen vay. Yazar, oyunun tüm bileşenlerinin geliştirilmesinde inanılmaz bir ustalığa ulaşır: karakterler (psikolojik gerçekçiliğin organik olarak bunlarla birleştiği karakterler). yüksek derece tipleştirme), entrika (aşk iniş çıkışlarının medeni ve ideolojik çatışmalarla ayrılmaz bir şekilde iç içe geçtiği), dil (neredeyse tüm oyun, bugün canlı konuşmada korunan sözler, atasözleri ve kanatlı ifadelere tamamen dağılmıştır).

Zamanının çok ötesinde olan ve dünya tiyatrosunun daha da gelişmesi için vektörü belirleyen o zamanın Rus dramaturjisinin gerçek keşfi hakkında oyunlar vardı. A. Çehov. İvanov, Martı, İvan Amca, Üç Kızkardeş, Kiraz Bahçesi geleneksel dramatik türler sistemine uymazlar ve aslında dramaturjinin tüm teorik kanonlarını çürütürler. Onlarda pratik olarak hiçbir komplo entrikası yoktur - her durumda, arsa hiçbir zaman düzenleyici bir değere sahip değildir, geleneksel bir dramatik şema yoktur: arsa - inişler ve çıkışlar - sonuç; tek bir "uçtan uca" çatışma yoktur. Olaylar her zaman anlamsal ölçeğini değiştirir: büyük şeyler önemsiz hale gelir ve her gün küçük şeyler küresel bir ölçeğe dönüşür.

1917'den sonra Rus dramaturjisi. Ekim Devrimi ve ardından tiyatrolar üzerinde devlet denetiminin kurulmasından sonra, modern ideolojiye tekabül edecek yeni bir repertuar ihtiyacı doğdu. Ancak, en çok erken oyunlar, belki bugün sadece birini adlandırabilirsiniz - Gizem Takviyesi V. Mayakovski (1918). Temelde aynı çağdaş repertuar Erken Sovyet dönemi, kısa sürede alaka düzeyini yitiren topikal "ajitasyon" üzerine kuruldu.

Sınıf mücadelesini yansıtan yeni Sovyet draması 1920'lerde şekillendi. Bu dönemde L. Seifullina gibi oyun yazarları ünlü oldu ( Virineya), A. Serafimovich (Mariana, yazarın romanı dramatize etmesi demir akışı), L.Leonov ( porsuk), K.Trenev (Lyubov Yarovaya), B. Lavrenev (Arıza), V. İvanov (Zırhlı tren 14-69), V. Bill-Belotserkovsky ( Fırtına), D. Furmanov ( isyan), vb. Bir bütün olarak dramaturjileri, devrimci olayların romantik bir yorumu, trajedinin sosyal iyimserlik ile birleşimi ile ayırt edildi. 1930'larda V. Vişnevski başlığı doğru bir şekilde tanımlanmış bir oyun yazdı ana tür yeni vatansever dramaturji: İyimser bir trajedi(bu ad orijinal, daha iddialı seçenekleri değiştirdi - denizcilere ilahi ve muzaffer trajedi).

1950'lerin sonu - 1970'lerin başlangıcı parlak bir kişilik tarafından işaretlendi. A.Vampilova. Kısa hayatı boyunca sadece birkaç oyun yazdı: Haziran ayında veda, büyük oğul, ördek avı, taşra şakaları (Bir melekle yirmi dakika ve Büyükşehir sayfasıyla ilgili durum), Geçen yaz Chulimsk'te ve bitmemiş vodvil Eşsiz İpuçları. Çehov'un estetiğine geri dönen Vampilov, önümüzdeki yirmi yılda Rus dramasının gelişiminin yönünü belirledi. 1970'lerin ve 1980'lerin Rusya'daki ana dramatik başarıları türle bağlantılıdır. trajikomediler. bunlar oyunlardı E. Radzinsky, L. Petrushevskaya, A. Sokolova, L. Razumovskaya, M.Roshchina, A. Galina, Büyük Gorina, A. Chervinsky, A. Smirnova, V. Slavkin, A. Kazantsev, S. Zlotnikov, N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina ve diğerleri Vampilov'un estetiğinin Rus drama ustaları üzerinde dolaylı ama somut bir etkisi oldu. V. Rozov tarafından yazılan o zamanın oyunlarında trajikomik motifler aşikardır ( Domuz), A. Volodin ( iki ok, Kertenkele, film senaryosu sonbahar maratonu) ve özellikle A. Arbuzov ( Gözlerim için bayramım, Mutlu günler mutsuz insan , Eski Arbat Masalları,Bu tatlı eski evde, kazanan, zalim oyunlar). 1990'ların başında, St. Petersburg'un oyun yazarları kendi derneklerini kurdular - "The Playwright's House". 2002 yılında dernek tarafından " altın maske", Theater.doc ve Çehov'un adını taşıyan Moskova Sanat Tiyatrosu, yıllık "Yeni Drama" festivalini düzenledi. Bu derneklerde, laboratuvarlarda, yarışmalarda, Sovyet sonrası dönemde ün kazanan yeni nesil tiyatro yazarları kuruldu: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. ve V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk , A. Obraztsov, I. Shprits ve diğerleri.

Ancak eleştirmenler, bugün Rusya'da paradoksal bir durumun geliştiğine dikkat çekiyor: modern tiyatro ve modern dramaturji paralel olarak, birbirinden biraz izole olarak var olurlar. 21. yüzyılın başındaki en yüksek profilli yönetmen aramaları. klasik oyunların üretimi ile ilişkili. Modern dramaturji ise deneylerini daha çok "kağıt üzerinde" ve internetin sanal ortamında yürütür.

dramaturji nedir? Bu sorunun cevabı, kelimenin kullanıldığı bağlama bağlı olacaktır. Her şeyden önce, bu, yazarın bir açıklamasının eşlik ettiği, karakterlerin dış dünya ile etkileşimini ima eden, sahne prodüksiyonlarına yönelik bir tür edebiyattır.

Dramaturji de tek bir ilke ve yasalara göre inşa edilmiş bir eserdir.

dramaturjinin özellikleri

• Eylem şimdiki zamanda gerçekleşmeli ve aynı yerde hızla gelişmelidir. İzleyici bir tanık olur ve neler olup bittiğine dair merak içinde olmalı ve empati kurmalıdır.
• Üretim, birkaç saatlik ve hatta yıllık bir zaman dilimini kapsayabilir. Ancak eylem, seyircinin izleme olanaklarıyla sınırlı olduğundan, sahnede bir günden fazla sürmemelidir.
• Eserin kronolojisine bağlı olarak, bir drama bir veya daha fazla eylemden oluşabilir. Bu nedenle, Fransız klasisizminin edebiyatı genellikle 5 eylemle temsil edilir ve 2 eylem İspanyol dramaturjisinin özelliğidir.
• Dramadaki tüm aktörler iki gruba ayrılır - antagonistler ve kahramanlar (sahne dışı karakterler de olabilir) ve her eylem bir düellodur. Ancak yazar kimsenin tarafını desteklememelidir - izleyici yalnızca işin bağlamından ipuçlarından tahmin edebilir.

Dram yapımı

Dramanın bir konusu, konusu, teması ve entrikası vardır.

• Arsa bir çatışmadır, karakterlerin olaylarla ilişkisi, sırayla birkaç unsuru içerir: açıklama, arsa, eylemin gelişimi, doruk, eylemde düşüş, sonuç ve final.
• Olay örgüsü, zaman diziliminde birbirine bağlı gerçek veya kurgusal olaylardır. Hem olay örgüsü hem de olay örgüsü olayların anlatısıdır, ancak olay örgüsü yalnızca ne olduğuna dair bir gerçektir ve olay örgüsü nedensel bir ilişkidir.
• Tema, dramatik bir çalışmanın temelini oluşturan, tek bir sorunla, yani yazarın izleyicinin veya okuyucunun düşünmesini istediği şeyle birleştirilen bir dizi olaydır.
• Dramatik entrika, bir eserdeki olayların beklenen seyrini etkileyen karakterlerin etkileşimidir.

drama unsurları

• Sergi - çatışmaya yol açan mevcut durumun bir ifadesi.
• Bağ, bir çatışmanın kurulması veya gelişmesi için bir ön koşuldur.
• doruk - en yüksek nokta fikir ayrılığı.
• Sonuç, ana karakterin darbesi veya çöküşüdür.
• Nihai, üç şekilde sona erebilecek olan çatışmanın çözümüdür: çatışma çözülür ve mutlu bir sona sahiptir, çatışma çözülmez veya çatışma trajik bir şekilde çözülür - kahramanın ölümü veya başka herhangi bir geri çekilmesi. finaldeki işten kahraman.

“Dramaturji nedir” sorusuna artık başka bir tanımla cevap verilebilir - dramatik bir eser inşa etme teorisi ve sanatıdır. Bir arsa inşa etme kurallarına güvenmeli, bir planı ve ana fikri olmalıdır. Ama kursta tarihsel gelişim dramaturji, türler (trajedi, komedi, drama), unsurları ve ifade araçları değişti, bu da dramaturji tarihini birkaç döngüye böldü.

dramaturjinin doğuşu

İlk kez, duvar yazıtları ve papirüsler, çağda dramaturjinin ortaya çıkışına tanıklık etti. Antik Mısır, ayrıca bir arsa, bir doruk ve bir sonuç da vardı. İlahlar hakkında bilgi sahibi olan rahipler, tam da mitler sayesinde Mısır halkının bilincini etkilemiştir.

İsis, Osiris ve Horus efsanesi Mısırlılar için bir tür İncil'i temsil ediyordu. Dramaturji, MÖ 5-6. yüzyılda Antik Yunanistan'da daha da geliştirildi. e. Trajedi türü, antik Yunan dramaturjisinde doğdu. Trajedinin konusu, iyi ve adil bir kahramanın kötülüğe muhalefetinde ifade edildi. Final, kahramanın trajik ölümüyle sona erdi ve izleyicide ruhunun derinlemesine temizlenmesi için güçlü duygulara neden olması gerekiyordu. Bu fenomenin bir tanımı var - katarsis.

Mitlere askeri ve politik temalar hakimdi, çünkü o zamanın trajedileri bir kereden fazla savaşa katıldılar. Antik Yunanistan'ın dramaturjisi aşağıdakilerle temsil edilir: ünlü yazarlar: Aeschylus, Sophocles, Euripides. Trajediye ek olarak, Aristophanes'in dünyanın ana temasını yaptığı komedi türü de yeniden canlandı. İnsanlar savaşlardan ve yetkililerin kanunsuzluklarından bıkmış durumdalar, bu nedenle barışçıl ve sakin bir yaşam talep ediyorlar. Komedi, bazen anlamsız bile olan komik şarkılardan kaynaklandı. Hümanizm ve demokrasi, komedyenlerin çalışmalarında ana fikirlerdi. O dönemin en ünlü trajedileri Aeschylus'un "Persler" ve "Zincirli Prometheus", Sophocles'in "Oedipus Rex" ve Euripides'in "Medea" oyunlarıdır.

MÖ 2.-3. yüzyılda dramaturjinin gelişimi üzerine. e. Antik Roma oyun yazarlarından etkilenmiştir: Plautus, Terence ve Seneca. Plautus, köle sahibi toplumun alt katmanlarına sempati duydu, açgözlü tefecilerle ve tüccarlarla alay etti, bu nedenle eski Yunan hikayelerini temel alarak onları sıradan vatandaşların zor hayatı hakkında hikayelerle tamamladı. Eserlerinde pek çok şarkı ve fıkra bulunan yazar, çağdaşları arasında popüler olmuş ve akabinde Avrupa tiyatrosunu etkilemiştir. Bu nedenle Moliere, ünlü komedisi The Treasure'ı The Miser adlı eserini yazarken temel almıştır.

Terence, sonraki neslin temsilcisidir. Etkileyici araçlara odaklanmaz, ancak karakterlerin karakterinin psikolojik bileşeninin tanımına daha derine iner ve komedi konuları her gün ve aile çatışmaları babalar ve çocuklar arasında. Ünlü oyunu "Kardeşler" bu sorunu en canlı şekilde yansıtır.

Dramanın gelişimine büyük katkı sağlayan bir diğer oyun yazarı da Seneca'dır. Roma imparatoru Nero'nun hocasıydı ve onun altında yüksek bir pozisyona sahipti. Oyun yazarının trajedileri her zaman kahramanın onu korkunç suçlara iten intikamı etrafında gelişmiştir. Tarihçiler bunu o zamanlar imparatorluk sarayında yaşanan kanlı vahşetlerle açıklıyor. Seneca'nın "Medea" adlı eseri daha sonra Batı Avrupa tiyatrosunu etkiledi, ancak Euripides'in "Medea"sının aksine, kraliçe temsil edilir. olumsuz karakter, intikam için susamış ve herhangi bir deneyim yaşamamış.

İmparatorluk çağındaki trajedilerin yerini başka bir tür - pandomim aldı. Bu, genellikle bir aktör tarafından ağzı kapalı olarak gerçekleştirilen müzik ve şarkı eşliğinde bir danstır. Ancak amfitiyatrolardaki sirk gösterileri daha da popülerdi - ahlakın azalmasına ve Roma İmparatorluğu'nun çöküşüne yol açan gladyatör dövüşleri ve araba yarışmaları. Oyun yazarları ilk kez izleyicilere dramaturjinin ne olduğunu en yakından sundular, ancak tiyatro yıkıldı ve drama ancak yarım bin yıllık bir gelişme ara verdikten sonra yeniden canlandırıldı.

Litürjik drama

Roma İmparatorluğu'nun çöküşünden sonra, dramaturji sadece 9. yüzyılda kilise ayinlerinde ve dualarda yeniden canlandı. Kilise, mümkün olduğu kadar çok insanı, Tanrı'ya ibadet ederek kitleleri ibadet etmeye ve kontrol etmeye çekmek için, İsa Mesih'in dirilişi veya diğer İncil hikayeleri gibi küçük gösteriler sunar. Litürjik drama bu şekilde gelişti.

Bununla birlikte, insanlar performanslar için toplandılar ve hizmetin kendisinden dikkati dağıldı, bunun sonucunda yarı ayinsel bir drama ortaya çıktı - performanslar sundurmalara aktarıldı ve izleyiciler için daha anlaşılır olan İncil hikayelerine dayanan yaşam hikayeleri başladı. esas alınmıştır.

Avrupa'da dramaturjinin canlanması

Dramaturji, 14-16. yüzyılda Rönesans döneminde daha da gelişmiş ve eski kültürün değerlerine geri dönmüştür. Antik Yunan ve Roma mitlerinden arsalar Rönesans yazarlarına ilham veriyor

İtalya'da tiyatro canlanmaya başladı, sahne prodüksiyonlarına profesyonel bir yaklaşım ortaya çıktı, opera, komedi, trajedi ve pastoral gibi müzikal bir çalışma yeniden canlandı - ana teması kırsal olan bir dramaturji türü hayat. Gelişiminde komedi iki yön verdi:

• eğitimli insanlardan oluşan bir çevre için tasarlanmış bilimsel komedi;
• sokak komedisi - doğaçlama maskeler tiyatrosu.

İtalyan dramaturjisinin en önde gelen temsilcileri Angelo Beolco ("Coquette", "Unvansız komedi"), Giangiorgio Trissino ("Sofonisba") ve Lodovico Ariosto ("Göğüsle ilgili komedi", "Öfkeli Orlando").

İngiliz draması gerçekçilik tiyatrosunun konumunu güçlendirir. Mitlerin ve gizemlerin yerini sosyo-felsefi bir yaşam anlayışı alıyor. Rönesans dramasının kurucusu İngiliz oyun yazarı olarak kabul edilir - Christopher Marlo ("Tamerlane", " trajik hikaye Doktor Faust). Gerçekçilik tiyatrosu, çalışmalarında hümanist fikirleri de destekleyen William Shakespeare tarafından geliştirildi - Romeo ve Juliet, Kral Lear, Othello, Hamlet. Bu zamanın yazarları sıradan insanların arzularını dinledi ve oyunların favori kahramanları basitler, tefeciler, savaşçılar ve fahişeler ile mütevazı fedakar kahramanlardı. Karakterler, o zamanın gerçeklerini aktaran arsaya uyum sağlar.

17-18. yüzyıl dönemi, Barok ve Klasisizm dönemlerinin dramaturjisi ile temsil edilir. Hümanizm bir yön olarak arka planda kaybolur ve kahraman kendini kaybolmuş hisseder. Barok fikirler Tanrı ile insanı birbirinden ayırır, yani artık insanın kendisi kendi kaderini etkilemeye bırakılır. Barok dramanın ana yönü, Lope de Vega'nın Fuente Ovehuna ve Sevilla Yıldızı dramalarında ve Tirso de Molina - The Seville Seducer'ın eserlerinde bulunan Maniyerizmdir (dünyanın geçiciliği ve insanın istikrarsız konumu). , Dindar Martha.

Klasisizm, esas olarak gerçekçiliğe dayandığı için barok'un zıttıdır. Trajedi ana tür haline gelir. Pierre Corneille, Jean Racine ve Jean-Baptiste Molière'in eserlerinde favori bir tema, kişisel ve sivil çıkarların, duyguların ve görevlerin çatışmasıdır. Devlete hizmet, bir insan için en yüksek asil amaçtır. "Cid" trajedisi Pierre Corneille'e büyük başarı getirdi ve Jean Racine'nin "Büyük İskender", "Thebais veya Kardeşler-düşmanları" adlı iki oyunu Molière'in tavsiyesi üzerine yazıp sahnelendi.

Moliere, o dönemin en popüler oyun yazarıydı ve hüküm süren kişinin himayesi altındaydı ve geride en çok yazılmış 32 oyun bıraktı. farklı türler. Bunlardan en önemlileri “Madcap”, “Doktor Aşık” ve “Hayali Hasta”dır.

Aydınlanma döneminde üç eğilim geliştirildi: 18. yüzyılda İngiltere, Fransa, Almanya ve İtalya'nın dramaturjisini etkileyen klasisizm, duygusallık ve rokoko. Dünyanın sıradan insanlara karşı adaletsizliği, oyun yazarlarının ana teması haline geldi. Üst sınıflar sıradan insanlarla yerleri paylaşır. Aydınlanma Tiyatrosu, insanları yerleşik önyargılardan kurtarır ve onlar için sadece eğlence değil, aynı zamanda bir ahlak okulu olur. Filistin draması popülerlik kazanıyor (George Lilo "The London Merchant" ve Edward Moore "The Gambler"), burjuvazinin sorunlarını vurgulayarak onları telif sorunları kadar önemli görüyor.

Gotik dramaturji ilk kez John Gom tarafından temaları bir aile ve gündelik doğa olan "Douglas" ve "Ölümcül Keşif" trajedilerinde sunuldu. Fransız draması büyük ölçüde şair, tarihçi ve yayıncı Francois Voltaire ("Oedipus", "Sezar'ın Ölümü", " müsrif oğul"). John Gay ("Dilenci Operası") ve Bertolt Brecht ("Üç Kuruşluk Opera") komedi için yeni yönler açtı - ahlaki ve gerçekçi. Ve Henry Fielding neredeyse her zaman İngiliz siyasi sistemini hicivli komediler (Çeşitli Kılıklarda Aşk, Kahve Evi Politikacısı), tiyatro parodileri (Pasquin), saçmalıklar ve balad operaları (Piyango, Schemer Maid) aracılığıyla eleştirdi ve ardından tiyatro sansürü yasası tanıtılmıştı.

Almanya romantizmin atası olduğundan, Alman dramaturjisi en çok 18. ve 19. yüzyıllarda gelişmiştir. Eserlerin kahramanı, gerçek dünyanın aksine, idealize edilmiş yaratıcı yetenekli bir kişidir. F. Schelling'in romantiklerin dünya görüşü üzerinde büyük etkisi oldu. Daha sonra Gotthald Lessing, klasisizmi eleştirdiği ve Shakespeare'in Aydınlanma gerçekçiliğinin fikirlerini desteklediği "Hamburg Dramaturjisi" adlı çalışmasını yayınladı. Johann Goethe ve Friedrich Schiller, Weimar tiyatrosunu yaratır ve oyunculuk okulunu geliştirir. Heinrich von Kleist ("Schroffenstein Ailesi", "Homburg Prensi Friedrich") ve Johann Ludwig Tieck ("Çizmeli Kedi", "İçinden Dışa Dünya") Alman dramaturjisinin en parlak temsilcileri olarak kabul edilir.

Rusya'da dramaturjinin altın çağı

Rus draması, 18. yüzyılda klasisizm temsilcisi altında aktif olarak gelişmeye başladı - trajedileri ("Canavarlar", "Nergis", "Koruyucu", "Hayal gücüyle Aldatılan") olan "Rus tiyatrosunun babası" olarak adlandırılan AP Sumarokov Molière'in çalışmalarına odaklandılar. Ancak 19. yüzyılda bu yön kültür tarihinde olağanüstü bir rol oynadı.

Rus dramalarında çeşitli türler geliştirildi. Bunlar, dönemin ilgili sosyo-politik sorunlarını yansıtan V. A. Ozerov'un (“Yaropolk ve Oleg”, “Atina'da Oidipus”, “Dimitri Donskoy”) trajedileridir. Napolyon Savaşları, I. Krylov'un hiciv komedileri (“Deli Aile”, “Kahve Evi”) ve A. Griboedov (“Woe from Wit”), N. Gogol (“Devlet Müfettişi”) ve A. Pushkin (“Boris”) tarafından eğitici dramalar Godunov”, “Veba Zamanı Bayramı).

19. yüzyılın ikinci yarısında gerçekçilik, Rus dramalarındaki yerini sağlam bir şekilde kurdu ve A. Ostrovsky bu yönde en çarpıcı oyun yazarı oldu. Eserleri tarihi oyunlar ("Voevoda"), dramalar ("Fırtına"), hiciv komedileri ("Kurtlar ve Koyun") ve peri masallarından oluşuyordu. Eserlerin ana karakteri becerikli bir maceracı, tüccar ve taşralı bir aktördü.

Yeni yönün özellikleri

19. yüzyıldan 20. yüzyıla kadar olan dönem bizi yeni bir drama olan natüralist dramaturji ile tanıştırır. Bu zamanın yazarları, o zamanın insanlarının yaşamının en çirkin yönlerini göstererek "gerçek" hayatı aktarmaya çalıştılar. Bir kişinin eylemleri yalnızca içsel inançları tarafından değil, aynı zamanda onları etkileyen çevre koşulları tarafından da belirlendi, bu nedenle çalışmanın ana karakteri bir kişi değil, hatta bütün bir aile veya ayrı bir sorun, olay olabilir.

Yeni drama birkaç edebi akımı temsil ediyor. Hepsi, oyun yazarlarının karakterin ruh haline, gerçekliğin makul bir şekilde aktarılmasına ve tüm insan eylemlerinin doğa bilimleri açısından açıklanmasına dikkat etmesiyle birleştirilir. Yeni dramanın kurucusu Henrik Ibsen'di ve natüralizmin etkisi en açık şekilde Ghosts oyununda kendini gösterdi.

V tiyatro kültürü 20. yüzyılda 4 ana yön gelişmeye başlar - sembolizm, dışavurumculuk, Dadaizm ve gerçeküstücülük. Dramaturjideki bu eğilimlerin tüm kurucuları, geleneksel kültürün reddedilmesi ve yeni ifade araçlarının aranmasıyla birleşti. Sembolizmin temsilcileri olarak Maeterlinck (“The Blind”, “Joan of Arc”) ve Hofmannsthal (“The Fool and Death”) oyunlarında ölümü ve insanın toplumdaki rolünü ana tema olarak kullanırlar ve Hugo Ball, Dadaist dramaturjinin bir temsilcisi, anlamsızlığı vurguladı insan varlığı ve tüm inançların tamamen reddedilmesi. Sürrealizm, kahramanları tutarsız diyaloglar ve kendi kendini yok etme ile karakterize edilen Andre Breton ("Lütfen") adıyla ilişkilidir. Dışavurumcu drama, ana karakterin tüm dünyaya karşı olduğu romantizmi miras alır. Temsilciler bu yönde dramaturjide Gan Jost ("Genç Adam", "Hermit"), Arnolt Bronnen ("Tanrı'ya Karşı İsyan") ve Frank Wedekind ("Pandora'nın Kutusu") vardı.

çağdaş drama

20.-21. yüzyılın başında modern dramaturji, konumunu yitirmiş ve yeni türler ve anlatım araçları arayışına girmiştir. Rusya'da varoluşçuluğun yönü oluştu ve bundan sonra Almanya ve Fransa'da gelişti.

Jean-Paul Sartre dramalarında (“Kapalı Kapıların Ardında”, “Sinekler”) ve diğer oyun yazarları, eserlerinin kahramanı olarak sürekli hayatın düşüncesiz yaşamını düşünen birini seçerler. Bu korku, etrafındaki dünyanın kusurlarını düşünmesine ve onu değiştirmesine neden olur.

Franz Kafka'nın etkisi altında gerçekçi karakterleri reddeden absürt tiyatro ortaya çıkar ve oyun yazarlarının eserleri tekrarlayan diyaloglar, eylemlerin tutarsızlığı ve nedensel ilişkilerin yokluğu şeklinde yazılır. Rus dramaturjisi evrensel insani değerleri ana tema olarak seçmektedir. İnsanın ideallerini savunur ve güzellik için çabalar.

Dramaturjinin edebiyattaki gelişimi dersle doğrudan ilişkilidir. tarihi olaylar Dünyada. oyun yazarları Farklı ülkeler, sürekli sosyo-politik sorunların izlenimi altında, genellikle sanattaki trendlere öncülük ettiler ve böylece kitleleri etkilediler. Dramaturjinin en parlak dönemi, gelişimi sırasında dramanın biçimlerinin ve unsurlarının değiştiği Roma İmparatorluğu, Eski Mısır ve Yunanistan dönemine düştü ve eserlerin teması ya arsaya yeni sorunlar getirdi ya da geri döndü. antik çağın eski sorunları. Ve ilk bin yılın oyun yazarları, konuşmanın ifadesine ve o zamanın oyun yazarı - Shakespeare'in eserinde en açık şekilde ifade edilen kahramanın karakterine dikkat ederse, modern yönün temsilcileri rolünü güçlendirdi. eserlerinde atmosfer ve alt metin. Yukarıdakilere dayanarak, soruya üçüncü bir cevap verebiliriz: dramaturji nedir? Bunlar bir dönem, ülke veya yazar tarafından birleştirilen dramatik eserlerdir.

çok gerekli ve faydalı ders! :)) En azından benim için çok faydalı oldu.

"Cins", tür, "tür" kavramları

Cins edebi - konuşma organizasyonlarının türüne benzer bir dizi edebi eser ve bir nesneye veya konuya bilişsel odaklanma veya sanatsal ifade eyleminin kendisine.

Edebiyatın türlere ayrılması, sözcüğün işlevleri arasındaki ayrıma dayanır: sözcük ya nesnel dünyayı betimler ya da konuşmacının durumunu ifade eder ya da sözlü iletişim sürecini yeniden üretir.

Geleneksel olarak, her biri kelimenin belirli bir işlevine karşılık gelen üç edebi tür vardır:
epik (resimsel işlev);
şarkı sözleri (anlatım işlevi);
dram ( iletişimsel işlev).

Hedef:
İnsan kişiliğinin imajı, diğer insanlarla ve olaylarla etkileşim içinde nesneldir.
Şey:
Plastik hacmi, uzamsal-zamansal kapsamı ve olay zenginliği içinde dış dünya: karakterler, koşullar, karakterlerin etkileşimde bulunduğu sosyal ve doğal çevre.
İçerik:
Yazar tarafından sanatsal olarak yazılan karakterler ve koşullarda sunulan, maddi ve manevi yönleriyle gerçekliğin nesnel içeriği.
Metin ağırlıklı olarak betimleyici-anlatısal bir yapıya sahiptir; konu-resimsel ayrıntılar sistemi tarafından özel bir rol oynar.

Hedef:
Yazar-şairin düşünce ve duygularının ifadesi.
Şey:
Dürtüselliği ve kendiliğindenliği içinde kişiliğin iç dünyası, dış dünyayla etkileşimin neden olduğu izlenimlerin, hayallerin, ruh hallerinin, derneklerin, meditasyonların, yansımaların oluşumu ve değişimi.
İçerik:
Şairin sübjektif iç dünyası ve insanlığın manevi hayatı.
Organizasyonun özellikleri zayıf. konuşmalar:
Metin, artan ifade gücü ile ayırt edilir, dilin mecazi olanakları, ritmik ve ses organizasyonu özel bir rol oynar.

Hedef:
Diğer insanlarla çatışma halindeki insan kişiliğinin eylemdeki görüntüsü.
Şey:
Karakterler ve karakterlerin amaçlı eylemleri aracılığıyla temsil edilen dış dünya ve karakterlerin iç dünyası.
İçerik:
Gerçekliğin nesnel içeriği, yazar tarafından sanatsal olarak tipikleştirilmiş karakterler ve koşullarda sunulur ve bir sahne düzenlemesi içerir.
Organizasyonun özellikleri zayıf. konuşmalar:
Metin, karakterlerin monologlarını içeren ağırlıklı olarak diyalojik bir yapıya sahiptir.
Edebi tür - kararlı tür şiirsel yapı edebi tür içinde.

Tür - ortak biçimsel, anlamlı veya işlevsel özelliklerle birleştirilmiş bir edebi tür içindeki bir grup eser. Her biri için edebi dönem ve eğilimlerin tipik olarak kendilerine özgü tür sistemleri vardır.

Destanlar: türler ve türler

Büyük formlar:
epik;
Roman (Romanın türleri: Aile-ev, Sosyo-psikolojik, Felsefi, Tarihsel, Fantastik, Ütopik roman, Eğitim Romanı, Aşk hikayesi, Macera romanı, Yolculuk romanı, Liro-destansı (ayette roman))
epik roman;
Epik şiir.

Orta formlar:
Masal (hikayenin türleri: Aile-ev, Sosyal-psikolojik, Felsefi, Tarihsel, Fantastik, Masal, Macera, Manzum masal);
Şiir (şiir türleri: Destansı, Kahramanca, Lirik, Lirik-destansı, Dramatik, İronik-komik, Didaktik, Hicivsel, Burlesk, Lirik-dramatik (romantik));

Küçük formlar:
Öykü (hikaye türleri: Deneme (tanımlayıcı-anlatı, “ahlaki-açıklayıcı”), Romantik (çatışmalı-anlatı);
roman;
Masal (masal türleri: Büyü, Sosyal, Hiciv, Sosyo-politik, Lirik, Fantastik, Hayvansal, Bilimsel ve eğitici);
masal;
Deneme (deneme türleri: Sanatsal, Gazetecilik, Belgesel).

Destan, biçim açısından anıtsal olan ulusal sorunların destansı bir eseridir.

Bir roman, anlatının oluşum, gelişme ve etkileşim sürecinde çeşitli kişiliklerin kaderine odaklandığı, ayrıntılı bir arsaya sahip bir çalışma olan geniş bir destan biçimidir. sanat alanı ve dünyanın “örgütünü” iletmek ve analiz etmek için yeterli zaman tarihsel öz. Bir özel hayat destanı olan roman, bireysel ve toplumsal yaşamı, görece bağımsız, kapsamlı olmayan ve birbirini yutmayan unsurlar olarak sunar. Romandaki bireysel kaderin hikayesi genel, önemli bir anlam kazanır.

Hikaye, destanın ortalama biçimidir, bir kronik ile bir çalışma, kural olarak, anlatının oluşum ve gelişme sürecinde bir bireyin kaderine odaklandığı bir arsa.

Şiir - anlatı veya lirik arsa ile büyük veya orta boy şiirsel bir çalışma; çeşitli tür modifikasyonlarında, ahlaki ve kahramanca başlangıçları, samimi deneyimleri ve büyük tarihsel ayaklanmaları, lirik-destansı ve anıtsal eğilimleri birleştiren sentezini ortaya koyuyor.

Hikaye - küçük destansı form kurgu, tasvir edilen yaşam fenomenlerinin hacmi açısından küçük ve dolayısıyla metnin hacmi açısından bir nesir çalışması.

Kısa bir hikaye, küçük bir nesir türüdür, hacim olarak kısa bir hikayeyle karşılaştırılabilir, ancak ondan keskin bir merkezcil arsa, genellikle paradoksal, betimleme eksikliği ve kompozisyon titizliği ile farklıdır.

Edebi peri masalı - yazarın folklor kaynaklarına dayanan veya tamamen orijinal olan sanatsal nesir veya şiirsel çalışması; ağırlıklı olarak fantastik, büyülü, kurgusal veya geleneksel peri masalı karakterlerinin harika maceralarını betimleyen, büyünün, bir mucizenin arsa oluşturan bir faktör rolünü oynadığı, karakterizasyon için ana başlangıç ​​​​noktası olarak hizmet eder.

Bir masal, didaktik destanın küçük bir biçimidir. kısa hikaye hikayeyi veren açıkça formüle edilmiş ahlaki bir sonuçla ayet veya nesir olarak alegorik anlam. Bir masalın varlığı evrenseldir: farklı durumlara uygulanabilir. Sanat dünyası masallar, genellikle komedi tonlarında boyanmış geleneksel görüntü ve motif çemberini (hayvanlar, bitkiler, şematik insan figürleri, öğretici hikayeler) içerir. sosyal eleştiri.

Bir deneme, hızlı bir şekilde çözülen tek bir çatışmanın ve tanımlayıcı bir görüntünün daha büyük bir gelişiminin yokluğunda bir hikayeden ve kısa bir hikayeden farklı olan bir tür küçük epik edebiyat biçimidir. Deneme, yerleşik sosyal çevreyle olan çatışmalarında kişiliğin karakterinin oluşum sorunlarına çok fazla değinmiyor, ancak "çevrenin" medeni ve ahlaki durumunun sorunlarına değiniyor ve büyük bir bilişsel çeşitliliğe sahip.

Şarkı sözleri: tematik gruplar ve türler

Tematik gruplar:
meditatif şarkı sözleri
samimi şarkı sözleri
(arkadaşça ve aşk sözleri)
manzara şarkı sözleri
Sivil (sosyo-politik) şarkı sözleri
felsefi şarkı sözleri

Türler:
Ah evet
ilahi
Ağıt
İdil
Sone
Şarkı
Romantik
ditiramb
madrigal
Düşünce
İleti
Epigram
türkü

Ode - öncelikle klasisizm şiiri için karakteristik olan yüksek stilin önde gelen türü. Ode, kanonik temalar (Tanrı'nın yüceltilmesi, anavatan, yaşam bilgeliği, vb.), Teknikler ("sessiz" veya "hızlı" saldırı, sapmaların varlığı, izin verilen "lirik düzensizlik") ve türler (ode'ler) ile ayırt edilir. manevi, ciddi - “pindaric”, ahlaki - "Horatian", aşk - "Anacreontic").

Marş, programlı bir doğaya sahip ayetler için ciddi bir şarkıdır.

Elegy bir şarkı sözü türüdür, orta uzunlukta bir şiirdir, meditatif veya duygusal içerikli (genellikle hüzünlü), çoğunlukla birinci tekil şahıs, belirgin bir kompozisyon olmadan.

İdil - bir şarkı sözü türü, bazen huzursuz ve kısır bir insanın aksine, sonsuz güzel bir doğayı tasvir eden küçük bir eser, doğanın koynunda huzurlu bir erdemli yaşam, vb.

Sonnet - 2 dörtlük ve 2 dörtlük veya 3 dörtlük ve 1 beyit oluşturan 14 satırlık bir şiir. Aşağıdaki sone türleri bilinmektedir:
"Fransız" sone - abba abba ccd eed (veya ccd ede);
"İtalyan" sone - abab abab cdc dcd (veya cde cde);
“İngilizce sone” - abab cdcd efef gg.

Bir sone çelengi, her birinin ilk ayetinin bir öncekinin son ayetini tekrarladığı (“çelenk” oluşturan) 14 sonelik bir döngüdür ve bu ilk ayetler birlikte 15. “ana” soneyi oluşturur ( bir parlaklık oluşturur).

Romantizm için yazılmış kısa bir şiirdir. yalnız şarkı söylemek metni melodik bir melodi, sözdizimsel sadelik ve uyum, stanza sınırları içinde cümlenin bütünlüğü ile karakterize edilen enstrümantal eşlik ile.

Dithyramb - bir koro şarkısı, tanrı Dionysus'un onuruna bir ilahi veya daha sonra Bacchus - diğer tanrıların ve kahramanların onuruna ortaya çıkan eski bir şarkı sözü türü.

Madrigal, ağırlıklı olarak sevgi dolu-ilgili (daha az sıklıkla soyut-meditatif) içerikli, sonunda genellikle paradoksal bir keskinleştirme olan küçük bir şiirdir.

Duma, stili sembolik resimler, olumsuz paralellikler, gecikme, totolojik ifadeler, tek fikirlilik ile karakterize edilen lirik bir epik şarkıdır.

Mesaj, biçimsel özelliği belirli bir muhataba itirazın varlığı ve buna bağlı olarak istekler, dilekler, öğütler vb. Gibi motifler olan şiirsel bir mektup olan bir şarkı sözü türüdür. gelenek (Horace'dan), esas olarak ahlaki-felsefi ve didaktiktir, ancak çok sayıda anlatı, övgü, hiciv, aşk mesajı vb.

Bir epigram, genellikle sonunda keskin bir tane olan kısa hicivli bir şiirdir.

Ballad - arsanın dramatik gelişimine dayanan bir şiir olağanüstü hikaye, bir kişi ve toplum arasındaki etkileşimlerin veya kişilerarası ilişkilerin temel anlarını yansıtan. Ballad'ın karakteristik özellikleri, küçük bir hacim, genellikle trajedi ve gizemle doymuş gergin bir arsa, sarsıntılı anlatım, dramatik diyalog, melodiklik ve müzikalitedir.

Diğer edebiyat türleri ile şarkı sözleri sentezi

Lirik-destansı türler (türler) - destan ve şarkı sözlerinin özelliklerini birleştiren edebi ve sanatsal eserler; olaylarla ilgili arsa anlatımı, anlatıcının duygusal-meditatif ifadeleriyle birleştirilir ve lirik “Ben” imajını oluşturur. İki ilkenin bağlantısı, temanın birliği olarak, anlatıcının kendi yansıması olarak, hikayenin psikolojik ve günlük motivasyonu olarak, yazarın gelişen olay örgüsüne doğrudan katılımı olarak, yazarın kendi tekniklerini teşhir etmesi olarak işlev görebilir. , sanatsal kavramın bir unsuru haline gelir. Kompozisyon olarak, bu bağlantı genellikle lirik ara sözler şeklinde yapılır.

Düzyazı şiir, küçük bir cilt, artan duygusallık, genellikle arsasız kompozisyon, öznel bir izlenimi veya deneyimi ifade etmek için genel bir ortam gibi lirik bir şiirin özelliklerine sahip nesir biçimindeki lirik bir eserdir.

lirik kahraman- Sözlerdeki şairin imajı, yazarın bilincini ortaya çıkarmanın yollarından biridir. Lirik kahraman, lirik kompozisyonların metninden (bir döngü, bir şiir kitabı, lirik bir şiir, tüm şarkı sözleri seti) açıkça tanımlanmış bir figür olarak büyüyen yazar-şairin sanatsal bir “çiftidir”. hayati rol, bireysel kaderin kesinliği ile donatılmış bir kişi olarak, psikolojik farklılık iç dünya ve hatta bazen plastik bir görünümün özellikleri.

Lirik ifade biçimleri:
ilk kişide monolog (A.S. Puşkin - “Seni sevdim ...”);
rol yapma sözleri - metne eklenen karakter adına bir monolog (A.A. Blok - “Ben Hamlet'im / Kan soğuyor ...”);
yazarın duygu ve düşüncelerini konu görüntüsü aracılığıyla ifadesi (A.A. Fet - “Göl uykuya daldı ...”);
yazarın duygu ve düşüncelerinin nesnel görüntülerin ikincil bir rol oynadığı veya temelde koşullu olduğu yansımalar yoluyla ifadesi (A.S. Puşkin - “Yankı”);
yazarın duygu ve düşüncelerinin koşullu karakterlerin diyalogu yoluyla ifadesi (F. Villon - “Villon ve ruhu arasındaki anlaşmazlık”);
belirsiz bir kişiye hitap etmek (F.I. Tyutchev - “Silentium”);
arsa (M.Yu. Lermontov - “Üç palmiye ağacı”).

Trajedi - “Kaya Trajedisi”, “Yüksek Trajedi”;
Komedi - Karakterler komedisi, Gündelik komedi (ahlak), Mevkiler komedisi, Maskeler komedisi (commedia del'arte), Entrika komedisi, Soytarılık Komedisi, Lirik komedi, Hiciv komedisi, sosyal komedi, “yüksek komedi”;
Drama (görünüm) - “Küçük-burjuva draması”, Psikolojik drama, Lirik drama, Anlatı (epik) drama;
Trajikomedi;
Gizem;
melodram;
Vodvil;
saçmalık.

Trajedi, kahraman karakterlerin dünya ile çözümsüz çarpışmasına, trajik sonucuna dayanan bir drama türüdür. Trajedi ciddi bir ciddiyetle işaretlenir, gerçekliği en keskin şekilde tasvir eder, bir dizi iç çelişki olarak, en derin gerçeklik çatışmalarını sanatsal bir sembol anlamını kazanan son derece yoğun ve zengin bir biçimde ortaya çıkarır.

Komedi, karakterlerin, durumların ve aksiyonun farklı şekillerde sunulduğu bir drama türüdür. komik formlar ya da çizgi romanla dolu. Komedi öncelikle çirkinle alay etmeyi amaçlar (toplumsal ideale veya norma aykırıdır): komedinin kahramanları içsel olarak savunulamaz, tutarsızdır, konumlarına, amaçlarına uygun değildir ve bu, kahkaha kurbanı olarak verilir, bu da onu çürüten bir kahkahadır. Böylece “ideal” misyonlarını yerine getirirler.

Drama (görüş), trajedi ve komedi ile birlikte edebi bir tür olarak ana drama türlerinden biridir. Bir komedi gibi, esas olarak oynuyor mahremiyet ama asıl amacı ahlakla alay etmek değil, bireyi toplumla dramatik ilişkisi içinde tasvir etmektir. Trajedi gibi drama da keskin çelişkileri yeniden yaratma eğilimindedir; aynı zamanda, çatışmaları o kadar gergin ve kaçınılmaz değil ve prensipte başarılı bir çözüm olasılığına izin veriyor ve karakterleri o kadar istisnai değil.

Trajikomedi, hem trajedi hem de komedi özelliklerine sahip bir drama türüdür. Trajikomedinin altında yatan trajikomik dünya görüşü, mevcut yaşam kriterlerinin göreliliği ve komedi ve trajedinin ahlaki mutlaklığının reddi ile ilişkilidir. Trajikomedi mutlak olanı hiç tanımaz, burada öznel olan nesnel olarak görülebilir ve bunun tersi de mümkündür; bir görelilik duygusu tam bir göreliliğe yol açabilir; ahlaki ilkelerin yeniden değerlendirilmesi, her şeye kadir olmalarındaki belirsizliğe veya katı ahlakın nihai olarak reddedilmesine indirgenebilir; gerçekliğin belirsiz bir şekilde anlaşılması, ona karşı yakıcı bir ilgiye veya tam bir kayıtsızlığa neden olabilir, varoluş kalıplarını sergilemede daha az kesinliğe veya onlara kayıtsızlığa ve hatta dünyanın mantıksızlığının tanınmasına kadar inkarlarına neden olabilir.

Gizem - dönemin Batı Avrupa tiyatrosunun bir türü Geç Orta Çağ, içeriği vardı İncil hikayeleri; dini sahneler aralarla değişti, mistisizm gerçekçilik, dindarlık - küfür ile birleştirildi.

Melodrama bir tür drama, keskin entrika, abartılı duygusallık, iyi ile kötü arasında keskin bir karşıtlık, ahlaki ve öğretici bir eğilim içeren bir oyundur.

Vaudeville, beyit şarkılar ve danslarla eğlenceli bir entrika ile hafif bir oyun olan drama türlerinden biridir.

Farce, başta Fransa olmak üzere, 14-16. yüzyıl Batı Avrupa ülkelerinin, komik, genellikle hicivsel bir yönelim, gerçekçi somutluk, özgür düşünce ile ayırt edilen ve soytarılıklarla dolu bir tür halk tiyatrosu ve edebiyatıdır.

Dramatik eserler (başka bir gr. aksiyon), epik olanlar gibi, olaylar dizisini, insanların eylemlerini ve ilişkilerini yeniden yaratır. Destansı bir eserin yazarı gibi, oyun yazarı da "eylem geliştirme yasasına" tabidir. Ancak dramada ayrıntılı anlatı-tanımlayıcı bir görüntü yoktur.

Aslında yazarın buradaki konuşması yardımcı ve epizodiktir. Bunlar, bazen kısa özelliklerin, eylem zamanının ve yerinin belirlenmesinin eşlik ettiği aktörlerin listeleridir; eylemlerin ve bölümlerin başında sahne durumunun açıklamaları ve ayrıca karakterlerin bireysel kopyaları ve hareketlerinin, jestlerinin, yüz ifadelerinin, tonlamalarının (açıklamalar) belirtileri hakkında yorumlar.

Bütün bunlar dramatik bir eserin yan metnini oluşturur, ana metni karakterlerin ifadeleri, replikaları ve monologlarından oluşan bir zincirdir.

Bu nedenle bazı sınırlamalar. sanatsal olanaklar drama. Yazar-oyun yazarı, bir roman ya da destan, kısa öykü ya da kısa öykü yaratıcısı için mevcut olan görsel araçların yalnızca bir bölümünü kullanır. Ve karakterlerin karakterleri dramada destandakinden daha az özgürlük ve dolgunlukla ortaya çıkıyor. T. Mann, “Ben dramayı silüet sanatı olarak algılıyorum ve yalnızca anlatılan kişiyi hacimli, ayrılmaz, gerçek ve plastik bir görüntü olarak hissediyorum” dedi.

Aynı zamanda oyun yazarları, yazarların aksine epik eserler, kendilerini tiyatro sanatının gereksinimlerini karşılayan sözlü metin hacmiyle sınırlamak zorunda kalırlar. Dramada tasvir edilen eylemin zamanı, sahne süresinin katı çerçevesine uymalıdır.

Ve yeni Avrupa tiyatrosuna aşina olan formlardaki performans, bildiğiniz gibi, üç veya dört saatten fazla sürmez. Bu da dramatik metnin uygun bir boyutunu gerektirir.

Oyun yazarı tarafından sahne bölümü sırasında yeniden üretilen olayların süresi sıkıştırılmaz veya uzatılmaz; dramanın karakterleri, fark edilir bir zaman aralığı olmaksızın açıklamalar ve K.S.'nin belirttiği gibi ifadeleri. Stanislavsky, sağlam, sürekli bir çizgi oluştur.

Anlatı yardımıyla eylem geçmiş bir şey olarak damgalanırsa, dramadaki diyaloglar ve monologlar zinciri şimdiki zamanın yanılsamasını yaratır. Burada hayat sanki kendi yüzünden konuşuyor: tasvir edilenle okuyucu arasında bir aracı-anlatıcı yoktur.

Aksiyon dramada maksimum dolaysızlıkla yeniden yaratılır. Okuyucunun gözleri önünde akıyor. “Bütün anlatı biçimleri,” diye yazdı F. Schiller, “şimdiyi geçmişe aktarır; tüm dramatikler geçmişi bugün yapar.”

Drama sahne odaklıdır. Ve tiyatro kamusal, kitlesel bir sanattır. Performans, birçok insanı doğrudan etkiler, sanki onlardan önce olanlara tepki olarak birleşiyormuş gibi.

Puşkin'e göre dramanın amacı, çokluk üzerinde hareket etmek, onun merakını meşgul etmektir" ve bu amaçla "tutkuların gerçeğini" yakalamaktır: "Dram meydanda doğdu ve insanların eğlencesini oluşturdu. İnsanlar, çocuklar gibi eğlenceye, aksiyona ihtiyaç duyarlar. Drama ona olağanüstü, tuhaf olaylar sunar. İnsanlar güçlü duygular ister. Kahkaha, acıma ve korku, dramatik sanatla sarsılan hayal gücümüzün üç ipidir.

Dramatik edebiyat türü, özellikle kahkaha alanıyla yakından bağlantılıdır, çünkü tiyatro, kitlesel şenliklerle yakın bağlantılı olarak, bir oyun ve eğlence atmosferinde pekiştirildi ve geliştirildi. " çizgi roman türü antik çağ için evrenseldir," dedi O. M. Freidenberg.

Aynı şey diğer ülkelerin ve dönemlerin tiyatrosu ve draması için de geçerlidir. T. Mann, "komedyen içgüdüsü"nü "herhangi bir dramatik becerinin temel ilkesi" olarak adlandırdığında haklıydı.

Dramanın, tasvir edilenin dışa dönük muhteşem bir sunumuna yönelmesi şaşırtıcı değildir. Görüntülerinin abartılı, akılda kalıcı, teatral ve parlak olduğu ortaya çıkıyor. N. Boileau, “Tiyatro hem seste, hem anlatımda hem de jestlerde abartılı geniş çizgiler gerektirir” diye yazdı. Ve bu özellik Performans sanatları dramatik yapıtların kahramanlarının davranışlarına her zaman damgasını vurur.

Bubnov (Gorky'den En Altta), genel sohbete beklenmedik bir müdahaleyle tiyatro etkisi veren çaresiz Klesch'in çılgın tiradını “Tiyatroda nasıl oynadı” diye yorumluyor.

Tolstoy'un W. Shakespeare'e, sanatsal bir izlenim olasılığının ihlal edildiği iddia edilen abartı bolluğu nedeniyle suçlamaları (dramatik edebiyat türünün bir özelliği olarak) önemlidir. “King Lear” trajedisi hakkında “İlk sözlerden itibaren, bir abartı görülebilir: olayların abartılması, duyguların abartılması ve ifadelerin abartılması.”

L. Tolstoy, Shakespeare'in çalışmalarını değerlendirirken yanıldı, ancak büyük İngiliz oyun yazarının teatral abartmaya bağlılığı fikri tamamen haklı. "Kral Lear" hakkında daha az sebep olmaksızın söylenenler, eski komedilere ve trajedilere atfedilebilir, dramatik eserler klasisizm, F. Schiller ve V. Hugo'nun oyunlarına vb.

19. ve 20. yüzyıllarda, edebiyatta dünyevi özgünlük arzusu hakim olduğunda, dramanın doğasında bulunan gelenekler daha az belirgin hale geldi, çoğu zaman minimuma indirildi. Bu olgunun kökeninde, yaratıcıları ve teorisyenleri D. Diderot ve G.E. olan 18. yüzyılın sözde "küçük-burjuva draması" vardır. Azaltmak.

XIX yüzyılın en büyük Rus oyun yazarlarının eserleri. ve 20. yüzyılın başı - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov ve M. Gorky - yeniden yaratılan yaşam formlarının güvenilirliği ile ayırt edilir. Ancak oyun yazarları bakışlarını akla yatkınlığa, olay örgüsüne, psikolojik ve fiilen sözel abartıya diktiğinde bile devam etti.

Tiyatro gelenekleri, "yaşama benzerliğin" maksimum sınırı olan Çehov'un dramaturjisinde bile kendini hissettirdi. Gelelim The Three Sisters'ın son sahnesine. Genç bir kadın, on ya da on beş dakika önce, muhtemelen sonsuza kadar sevdiği birinden ayrıldı. Beş dakika önce nişanlısının ölümünü öğrendi. Ve şimdi, en büyük, üçüncü kız kardeşle birlikte, nesillerinin kaderi, insanlığın geleceği hakkında askeri bir yürüyüşün seslerini düşünerek geçmişin ahlaki ve felsefi sonuçlarını özetliyorlar.

Bunun gerçekte olduğunu hayal etmek pek mümkün değil. Ancak Üç Kızkardeş'in sonunun mantıksızlığını fark etmiyoruz, çünkü dramanın insanların yaşam biçimlerini önemli ölçüde değiştirdiği gerçeğine alışkınız.

Yukarıdakiler, A. S. Puşkin'in (daha önce atıfta bulunulan makalesinden) “dramatik sanatın özü inandırıcılığı dışlar” şeklindeki yargısının adaletine ikna eder; “Bir şiir, bir roman okurken çoğu zaman kendimizi unutabilir ve anlatılan olayın kurgu değil, gerçek olduğuna inanabiliriz.

Bir kasidede, bir mersiyede şairin gerçek duygularını gerçek koşullarda dile getirdiğini düşünebiliriz. Ama iki parçaya bölünmüş bir binada inandırıcılık nerededir, bu da biri hemfikir olan seyircilerle doludur.

Dramatik eserlerdeki en önemli rol, diyalogları ve monologları genellikle aforizmalar ve özdeyişlerle dolu olan karakterlerin konuşma kendini ifşa etme geleneklerine aittir. benzer yaşam durumu.

"Bir kenara" kopyalar, olduğu gibi, sahnedeki diğer karakterler için mevcut olmayan, ancak izleyiciler tarafından açıkça duyulabilen ve ayrıca karakterlerin tek başına, kendi başlarına, tamamen bir sahne olan monologlar tarafından açıkça duyulabilen koşulludur. iç konuşmayı ortaya çıkarma tekniği (v gibi birçok monolog vardır) eski trajediler ve modern zamanların dramaturjisinde).

Bir tür deney kuran oyun yazarı, bir kişinin ruh hallerini konuşulan kelimelerde maksimum dolgunluk ve parlaklıkla ifade ederse kendini nasıl ifade edeceğini gösterir. Ve dramatik bir eserdeki konuşma genellikle sanatsal lirik veya hitabet konuşmasına benzer: buradaki karakterler kendilerini doğaçlamacılar-şairler veya topluluk önünde konuşma ustaları olarak ifade etme eğilimindedir.

Bu nedenle Hegel, dramayı epik başlangıç ​​(olaysallık) ve lirik (konuşma ifadesi) bir sentezi olarak değerlendirirken kısmen haklıydı.

Dramanın sanatta adeta iki hayatı vardır: teatral ve edebi. Kompozisyonlarında var olan performansların dramatik temelini oluşturan dramatik eser, okuyanlar tarafından da algılanmaktadır.

Ama bu her zaman böyle değildi. Dramanın sahneden kurtuluşu kademeli olarak gerçekleştirildi - birkaç yüzyıl boyunca ve nispeten yakın zamanda sona erdi: 18. ve 19. yüzyıllarda. Dramaturjinin dünya çapındaki önemli örnekleri (antik çağdan 17. yüzyıla kadar) yaratıldıkları dönemde pratik olarak şu şekilde kabul edilmedi: Edebi çalışmalar: sadece sahne sanatlarının bir parçası olarak var oldular.

Ne W. Shakespeare ne de J. B. Molière çağdaşları tarafından yazar olarak algılanmadı. Yılın ikinci yarısındaki “keşif” XVIII yüzyıl Büyük bir dramatik şair olarak Shakespeare.

19. yüzyılda (özellikle ilk yarısında) dramanın edebi değerleri genellikle manzaranın üzerinde yer aldı. Böylece Goethe, "Shakespeare'in eserlerinin bedensel gözler için olmadığına" inanıyordu ve Griboedov, "Wit'ten Vay" dizelerini sahneden "çocukça" duyma arzusunu çağırdı.

Okumada öncelikle algıya odaklanılarak oluşturulan sözde Lesedrama (okuma draması) yaygınlaştı. Bunlar Goethe'nin Faust'u, Byron'ın dramatik eserleri, Puşkin'in küçük trajedileri, Turgenev'in dramaları, bunlar hakkında yazarın dediği gibi: "Sahnede tatmin edici olmayan oyunlarım, okumaya biraz ilgi gösterebilir."

Yazarın sahne üretimine yöneldiği oyun ile Lesedrama arasında temel bir fark yoktur. Okumak için yaratılan dramalar genellikle potansiyel olarak sahne dramalarıdır. Ve tiyatro (modern tiyatro dahil) inatla onların anahtarlarını arar ve bazen bulur, bunun kanıtı Turgenev'in "Ülkede Bir Ay" ın başarılı yapımlarıdır (her şeyden önce, bu ünlü devrim öncesi performanstır). Sanat Tiyatrosu) ve Puşkin'in 20. yüzyıldaki küçük trajedilerinin sayısız (her zaman başarılı olmaktan uzak olsa da) sahne okumaları.

Eski gerçek yürürlükte kalır: Dramanın en önemli, asıl amacı sahnedir. A. N. Ostrovsky, "Yalnızca sahnede icra edildiğinde," dedi, "yazarın dramatik kurgusu tamamen tamamlanmış bir biçim alır ve tam olarak yazarın kendisine ulaşmak için bir hedef olarak belirlediği ahlaki eylemi üretir."

Dramatik bir esere dayalı bir performansın yaratılması, onun yaratıcı olarak tamamlanmasıyla ilişkilidir: oyuncular oynadıkları rollerin tonlama-plastik çizimlerini yaratırlar, sanatçı sahne alanını tasarlar, yönetmen mizansenleri geliştirir. Bu bağlamda, oyun kavramı biraz değişir (bazı yönlerine daha fazla dikkat edilir, diğerlerine daha az dikkat edilir), genellikle somutlaştırılır ve zenginleştirilir: sahne üretimi dramaya yeni anlamlar getirir.

Aynı zamanda, edebiyatın sadık bir şekilde okunması ilkesi tiyatro için büyük önem taşır. Yönetmen ve oyunculardan, sahnelenen eseri izleyiciye mümkün olan maksimum eksiksizlikle iletmeleri istenmektedir. Sahne okumasının vefası, yönetmenin ve oyuncuların dramatik eseri ana içerik, tür, üslup özellikleriyle derinlemesine kavradığı yerde gerçekleşir.

Sahne performansları (ve film uyarlamaları) yalnızca yönetmen ile oyuncular ve yazar-oyun yazarının fikir çemberi arasında (göreceli olsa bile) bir anlaşmanın olduğu durumlarda, sahne figürleri oyunun anlamına dikkatle dikkat ettiğinde meşrudur. sahnelenen esere, türünün özelliklerine, üslubunun özelliklerine ve metnin kendisine.

18. ve 19. yüzyılların klasik estetiğinde, özellikle Hegel ve Belinsky tarafından drama (esas olarak trajedi türü), edebi yaratıcılığın en yüksek biçimi olarak kabul edildi: "şiir tacı" olarak.

Bütün çizgi sanatsal dönemler ve gerçekten de dramatik sanatlarda mükemmel olduğunu kanıtladı. Antik kültürün en parlak döneminde Aeschylus ve Sophocles, klasisizm döneminde Moliere, Racine ve Corneille destansı eserlerin yazarları arasında eşit değildi.

Bu açıdan önemli olan Goethe'nin eseridir. Büyük Alman yazar için her şey mevcuttu edebi türÖlümsüz Faust adlı dramatik bir eser yaratarak sanattaki yaşamını taçlandırdı.

Geçmiş yüzyıllarda (18. yüzyıla kadar), drama yalnızca destanla başarılı bir şekilde rekabet etmekle kalmadı, aynı zamanda çoğu zaman yaşamın uzay ve zamanda sanatsal yeniden üretiminin önde gelen biçimi haline geldi.

Bu birkaç nedenden kaynaklanmaktadır. Önce önemli bir rol oynadı tiyatro sanatı, toplumun en geniş kesimleri tarafından erişilebilir (el yazısı ve basılı bir kitabın aksine). İkincisi, "pre-realist" çağda dramatik eserlerin özellikleri (belirgin özelliklere sahip karakterlerin tasviri, insan tutkularının yeniden üretimi, pathos ve grotesklere yönelik çekim) genel edebi ve genel sanatsal eğilimlere tam olarak karşılık geldi.

Ve XIX-XX yüzyıllarda olmasına rağmen. epik edebiyatın bir türü olan sosyo-psikolojik roman, edebiyatın ön saflarına taşındı; dramatik eserler hala onurlu bir yere sahip.

V.E. Khalizev Edebiyat Teorisi. 1999

- ▲ tür kurgu edebiyat türleri. epik tür. epik. nesir ne hakkında sanatsal bir hikaye. Etkinlikler. yavan (# çalışır). kurgu. şarkı sözleri. dram... Rus Dilinin İdeografik Sözlüğü

Bu terimin başka anlamları vardır, bkz. Drama. Drama (bir edebiyat türü) ile karıştırılmamalıdır. Drama, edebi (dramatik), sahne ve sinematik bir türdür. Özellikle popülerlik kazandı edebiyat XVIII XXI yüzyıl, ... ... Vikipedi

Sanatta: Drama bir tür edebiyattır (destan ve şarkı sözleriyle birlikte); Drama bir tür sahne sineması eylemidir; çeşitli alt türleri, modifikasyonları (küçük-burjuva draması, absürt draması vb.) içeren bir tür; Yer adları: ... ... Vikipedi

D. şiirsel bir cins olarak Köken D. Doğu D. Antik D. Ortaçağ D. D. Rönesans Rönesanstan Klasisizm'e Elizabeth dönemi D. İspanyol D. Klasik D. Bourgeois D. Ro ... Edebiyat Ansiklopedisi

Destan, şiir, drama. Çeşitli kriterlere göre belirlenir: gerçekliği taklit etme yolları (Aristoteles), içerik türleri (F. Schiller, F. Schelling), epistemoloji kategorileri (GWF Hegel'de nesnel öznel), biçimsel .. ... ... ansiklopedik sözlük

Drama (Yunanca drama, kelimenin tam anlamıyla - eylem), 1) üç edebiyat türünden biri (destan ve şarkı sözleriyle birlikte; bkz. Edebi tür). D. aynı anda hem tiyatroya hem de edebiyata aittir: performansın temel ilkesi olarak, aynı zamanda ... ... içinde algılanır. Büyük Sovyet Ansiklopedisi

Modern Ansiklopedi

cins edebi- GENUS EDEBİYAT, kurmaca destan, şarkı sözü, drama eserlerinin üç grubundan biridir. Edebiyatın genel bölünmesi geleneği Aristoteles tarafından kurulmuştur. Cinsler arasındaki sınırların kırılganlığına ve ara formların bolluğuna rağmen (liroepik ... ... Resimli Ansiklopedik Sözlük

Destan, şiir, drama. Çeşitli kriterlere göre belirlenir: gerçekliği taklit etme yolları (Aristoteles), içerik türleri (F. Schiller, F. Schelling), epistemoloji kategorileri (G. Hegel'de nesnel öznel), biçimsel özellikler . .... ... Büyük Ansiklopedik Sözlük

GENUS, a (y), önceki. hakkında (in) tür ve (on) tür, pl. s, ov, koca. 1. Ana kamu kuruluşu kan bağıyla birleşmiş ilkel komünal sistem. Ailenin büyüğü. 2. Bir atadan gelen birkaç nesil ve genel olarak bir nesil ... Ozhegov'un açıklayıcı sözlüğü

Kitabın

• Puşkin, Tynyanov Yuri Nikolaevich. Olağanüstü bir nesir yazarı ve edebiyat eleştirmeni olan Yuri Nikolayevich Tynyanov (1894-1943) dışa doğru öğrenci yıllarından bahsettiği Puşkin'e benziyordu. Kim bilir, belki de yardımcı olan bu benzerlikti ...