Caratteristiche generali dell'arte del Rinascimento. Periodizzazione dell'art

Arte rinascimentale

Il Rinascimento è il periodo di massimo splendore di tutte le arti, compreso il teatro, la letteratura e la musica, ma, senza dubbio, la principale tra queste, che esprimeva più pienamente lo spirito del suo tempo, erano le belle arti.

Non è un caso che esista una teoria secondo cui il Rinascimento iniziò con il fatto che gli artisti non erano più soddisfatti della cornice dello stile "bizantino" dominante e, alla ricerca di modelli per il loro lavoro, furono i primi a rivolgersi all'antichità. Uno dei primi ad abbandonare la "maniera bizantina" e cominciò ad utilizzare negli affreschi la modellazione in chiaroscuro delle figure di Pietro Cavallini. Ma invece delle icone, i dipinti furono creati per la prima volta dal più grande maestro del Proto-Rinascimento, Giotto.

Fu il primo a sforzarsi di trasmettere idee etiche cristiane attraverso la rappresentazione di sentimenti ed esperienze umane reali, sostituendo il simbolismo con la rappresentazione dello spazio reale e di oggetti specifici. Sui famosi affreschi di Giotto nella Cappella dell'Arena a Padova, accanto ai santi si possono vedere personaggi molto insoliti: pastori o un filatore. Ogni singola persona in Giotto esprime esperienze ben definite, un carattere definito.

Nell'epoca del Ducento (XIII secolo) in Italia, invece lingua letteraria Medioevo - latino - gradualmente formato volgare- Italiano. Un grande contributo alla sua creazione fu dato dal più grande scrittore dell'epoca Dante Alighieri (1256-1321). Nei suoi primi lavori, Nuova vita" scritto in italiano, Dante racconta la storia d'amore per Beatrice, dal loro primo incontro quando erano solo bambine, fino alla morte della sua amata, quando lei aveva 18 anni.

L'immagine di una semplice cittadina, esaltata dall'amore del poeta, la porta per tutta la vita. E proprio nello spirito del Rinascimento, una scena del suo “ Divina Commedia”, in cui raffigura la sua Beatrice seduta su un carro, simbolo della Chiesa alle porte del Purgatorio.

Nell'era del primo Rinascimento nell'arte, avviene lo sviluppo dell'antico patrimonio artistico, si formano nuovi ideali etici, gli artisti si rivolgono alle conquiste della scienza (matematica, geometria, ottica, anatomia). Firenze svolge un ruolo di primo piano nel plasmare i principi ideologici e stilistici dell'arte del primo Rinascimento. Le immagini create da maestri come Donatello e Verrocchio sono dominate da principi eroici e patriottici ("San Giorgio" e "David" di Donatello e "David" di Verrocchio).

Il fondatore della pittura rinascimentale è Masaccio (i murales della Cappella Brancacci, "Trinità"), Masaccio sapeva trasmettere la profondità dello spazio, collegava la figura e il paesaggio con un'unica idea compositiva e conferiva agli individui l'espressività del ritratto. Ma formazione ed evoluzione ritratto pittoresco, riflettendo l'interesse della cultura rinascimentale per l'uomo, sono associati ai nomi degli artisti della scuola umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

L'opera dell'artista Sandro Botticelli si distingue nel primo Rinascimento. Le immagini che ha creato sono spiritualizzate e poetiche. I ricercatori notano l'astrazione e il raffinato intellettualismo nelle opere dell'artista, il suo desiderio di creare composizioni mitologiche dal contenuto complicato e crittografato ("La primavera", "La nascita di Venere").

Uno dei biografi di Botticelli disse che le sue Madonne e Veneri danno l'impressione di smarrimento, evocando in noi un sentimento di indelebile tristezza... Alcuni di loro hanno perso il cielo, altri - la terra.

Il culmine nello sviluppo dei principi ideologici e artistici del Rinascimento italiano è l'Alto Rinascimento. Il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento è Leonardo da Vinci, grande artista e scienziato.

Ha creato una serie di capolavori: "La Gioconda" ("Gioconda"), "Madonna Benois" e "Madonna Litta", "La signora con l'ermellino". Nella sua opera, Leonardo ha cercato di esprimere lo spirito dell'uomo rinascimentale. Stava cercando fonti di forme artistiche perfette in natura, ma N. Berdyaev lo considera responsabile del prossimo processo di meccanizzazione e meccanizzazione. vita umana che separava l'uomo dalla natura.

La pittura raggiunge l'armonia classica nell'opera di Raffaello. La sua arte evolve dalle prime gelide immagini umbre delle Madonne (Madonna Conestabile) al mondo del "cristianesimo felice" delle opere fiorentine e romane. "Madonna con cardellino" e "Madonna in poltrona" sono morbide, umane e persino ordinarie nella loro umanità.

Ma l'immagine della "Madonna Sistina" è maestosa, collega simbolicamente il mondo celeste e quello terrestre. Soprattutto, Raffaello è conosciuto come il creatore di dolci immagini di Madonne. Ma nella pittura ha anche incarnato l'ideale del Rinascimento uomo universale(Ritratto di Castiglione), e il dramma degli eventi storici.

Michelangelo è un maestro che ha unito nella sua arte una bella fisicità con una profonda spiritualità di immagini ereditata dalla cultura cristiana medievale. Già dentro primi lavori Michelangelo manifestò la sua tragica visione del mondo ("Crocifissione"), il più sottile psicologismo delle immagini e virtuosismo tecnico ("Lamento di Cristo" dalla Basilica di San Pietro). Crea Michelangelo e il suo concetto di storia umana (soffitto dipinto della Cappella Sistina).

Un posto speciale nell'epoca dell'Alto Rinascimento è occupato dalla scuola veneziana, in cui il godimento della vita e l'amore per la natura si coniugavano con l'ideale umanistico (creatività di Giorgione, Tiziano). Il tardo Rinascimento e il Manierismo riflettono la crisi degli ideali umanistici rinascimentali.

Durante questo periodo, l'opera di Michelangelo riflette la crescente tragedia della sua visione del mondo (immagini della Cappella Medicea, in particolare "Notte", "Giudizio Universale" e gli affreschi della Cappella Paolina). Tra gli artisti che continuano le tradizioni dell'Alto Rinascimento, cresce la brama di decoratività e sfarzo (veronese), crescono il soggettivismo e lo spiritualismo.

Per i manieristi l'immagine non si costruisce sulla base dello studio della natura, come avveniva per gli artisti rinascimentali, ma sul loro sentimento interiore. Il manierismo intreccia in modo stravagante il misticismo e gli ideali della cultura di corte, è pieno di allegorie e plasticità artistica. Nel Manierismo c'è una negazione della tradizione rinascimentale (Correggio, Amanti, ecc.).

Contemporaneamente alla crisi dell'arte rinascimentale in Italia, fiorì nei Paesi Bassi e in Germania.

Jan van Eyck - la figura centrale del poro iniziale Rinascimento settentrionale. Una delle caratteristiche fondamentali di quest'arte si rifletteva nel suo lavoro: uno stretto legame con l'arte del tardo gotico. La pala d'altare di Gent, realizzata dai fratelli van Eyck, nella sua struttura figurativa unisce un rigoroso sentimento religioso con una percezione gioiosa e poetica della bellezza terrena, immagini ideali con i ritratti persone reali, simbolismo complesso con semplici emozioni umane. Nei ritratti di Jan van Eyck, l'enfasi è sulla pienezza spirituale e sulla pietà in immagini psicologicamente affidabili e naturalisticamente accurate.

Simbolismo complesso, fantasia e grottesco appaiono nell'opera di Hieronymus Bosch. Il suo stile sembra così insolito per l'epoca che molti storici dell'arte moderna considerano Bosch il precursore del surrealismo.

Lo sviluppo dell'arte del Rinascimento settentrionale è associato al nome di Albrecht Dürer, che ha gettato le basi dei generi secolari in Germania: ritratto, paesaggio, generi quotidiani. Un'altra caratteristica sorprendente del Rinascimento settentrionale si manifesta nel suo lavoro: il desiderio di rappresentare una persona come imperfetta e ideale, ma affidabile.

Parlando dell'arte del Rinascimento settentrionale, ovviamente, si dovrebbe prestare attenzione ai ritratti di Holbein e all'opera di Brueghel.

Riassumendo, va notato che il Rinascimento in Italia e la Riforma nel Nord Europa possono, come fece N. Berdyaev, essere considerati delle tappe periodo di transizione, che segnò la fine su scala storica di un tipo di civiltà (cosmogena, tradizionale) e l'inizio di una nuova civiltà tecnogenica.

Il Rinascimento italiano fu la fonte del Rinascimento settentrionale e della Riforma. La Riforma ha integrato e sviluppato le idee rinascimentali in un modo peculiare. Se il Rinascimento italiano fu l'inizio di una nuova cultura borghese urbana, allora la Riforma, creando il protestantesimo, assicurò lo sviluppo dinamico del capitalismo in Europa.

1. Alto Rinascimento.
2. Creatività di Leonardo da Vinci, Tiziano, Raffaello, Michelangelo.
3. Rinascimento settentrionale: arte dei Paesi Bassi e della Germania.

Alto Rinascimento

L'arte dell'Alto Rinascimento cade tra la fine del XV e il primo trentennio del XVI secolo. L'"età dell'oro" dell'arte italiana fu cronologicamente molto breve, e solo a Venezia durò più a lungo, fino alla metà del secolo. Ma fu in questo momento che furono create le meravigliose creazioni dei titani del Rinascimento.

La più alta ascesa della cultura è avvenuta nei momenti più difficili periodo storico vita dell'Italia, a fronte di un forte indebolimento economico e politico degli stati italiani. Le conquiste turche in Oriente, la scoperta dell'America e una nuova rotta marittima verso l'India privano le città italiane del loro ruolo più importante. centri commerciali; la disunione e il costante conflitto intestina li rendono facili prede per i crescenti stati centralizzati del nord-ovest. Il movimento all'interno del paese dei capitali dal commercio e dall'industria all'agricoltura e la graduale trasformazione della borghesia in una classe di proprietari terrieri contribuirono al diffondersi della reazione feudale. L'invasione delle truppe francesi nel 1494, le guerre devastanti dei primi decenni del 16° secolo, la sconfitta di Roma indebolirono estremamente l'Italia. Fu in questo momento, quando la minaccia della completa schiavitù da parte degli invasori stranieri incombeva sul paese, che le forze del popolo, che entravano nella lotta per l'indipendenza nazionale, per una forma repubblicana di governo, si rivelarono e la loro autocoscienza nazionale stava crescendo. Ciò è dimostrato in molti dai movimenti popolari dell'inizio del XVI secolo città italiane, e in particolare a Firenze, dove il dominio repubblicano fu stabilito due volte: dal 1494 al 1512 e dal 1527 al 1530. Un'enorme ascesa sociale servì come base per il fiorire di una potente cultura dell'Alto Rinascimento. Nelle difficili condizioni dei primi decenni del Cinquecento si formarono i principi della cultura e dell'arte del nuovo stile.
Una caratteristica distintiva della cultura dell'Alto Rinascimento era la straordinaria espansione degli orizzonti sociali dei suoi creatori, la scala delle loro idee sul mondo e sullo spazio. La visione di una persona e il suo atteggiamento nei confronti del mondo sta cambiando. Il tipo stesso di artista, la sua visione del mondo, la sua posizione nella società sono decisamente diversi da quelli occupati dai maestri del XV secolo, che erano ancora largamente legati alla classe degli artigiani. Gli artisti dell'Alto Rinascimento non sono solo persone di grande cultura, ma personalità creative, libere dalla struttura delle fondazioni corporative, che obbligano i rappresentanti delle classi dirigenti a fare i conti con i loro piani.
Al centro della loro arte, generalizzata nel linguaggio artistico, l'immagine è idealmente persona bellissima, perfetto fisicamente e spiritualmente, non astratto dalla realtà, ma pieno di vita, forza interiore e significato, il potere titanico dell'autoaffermazione. La Roma papale e la Venezia patrizia divennero i centri più importanti della nuova arte insieme a Firenze all'inizio del XVI secolo. A partire dagli anni '30 del Cinquecento, nell'Italia centrale è cresciuta la reazione cattolica feudale, e con essa si è diffusa una corrente decadente nell'arte, chiamata Manierismo. E già nella seconda metà del XVI secolo apparvero le tendenze dell'arte antimanierista.
In questo tardo periodo, in cui solo i singoli centri della cultura rinascimentale mantengono il loro ruolo, sono loro che producono le opere più significative in termini di pregio artistico. Tali sono le ultime creazioni di Michelangelo, del Palladio e dei grandi veneziani.

L'opera di Leonardo da Vinci

Alcune tendenze nell'arte dell'Alto Rinascimento furono anticipate nell'opera di artisti eccezionali del XV secolo e si espressero nel desiderio di maestosità, monumentalizzazione e generalizzazione dell'immagine. Tuttavia, il vero fondatore dello stile Alto Rinascimento fu Leonardo da Vinci, un genio la cui opera segnò un grandioso cambiamento qualitativo nell'arte. Il significato della sua vasta attività, scientifica e artistica, divenne chiaro solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi di Leonardo. I suoi appunti e disegni contengono intuizioni brillanti in vari campi della scienza e della tecnologia. Fu, nelle parole di Engels, "non solo un grande pittore, ma anche un grande matematico, meccanico e ingegnere, al quale scoperte importanti vari rami della fisica.

L'arte per Leonardo era un mezzo per capire il mondo. Molti dei suoi schizzi servono come illustrazioni lavoro scientifico e nello stesso tempo è un'opera d'arte alta. Leonardo ha incarnato un nuovo tipo di artista: uno scienziato, un pensatore, che colpisce per l'ampiezza delle opinioni, la versatilità del talento.
Leonardo nasce nel paese di Anchiano, nei pressi del paese di Vinci. Era figlio illegittimo di un notaio e di una semplice contadina. Studiò a Firenze, nella bottega dello scultore e pittore Andrea Verrocchio. Una delle prime opere di Leonardo - la figura di un angelo nel Battesimo del Verrocchio (Firenze, Uffizi) - spicca tra i personaggi congelati con sottile spiritualità e testimonia la maturità del suo creatore.
Tra le prime opere di Leonardo c'è la Madonna con un fiore custodita nell'Eremo (la cosiddetta Madonna Benois, 1478 circa), decisamente diversa dalle numerose Madonne del XV secolo. Rifiutando il genere ei minuziosi dettagli insiti nelle opere dei maestri del primo Rinascimento, Leonardo ne approfondisce i caratteri e generalizza le forme. Le figure di una giovane madre e bambino, finemente modellate dalla luce laterale, riempiono quasi l'intero spazio del quadro. Naturali e plastici sono i movimenti delle figure, organicamente connesse tra loro. Spiccano chiaramente sullo sfondo scuro del muro. Il cielo azzurro che si apre attraverso la finestra collega le figure con la natura, con il vasto mondo dominato dall'uomo. Nella costruzione equilibrata della composizione si avverte uno schema interno. Ma non esclude il calore, il fascino ingenuo, osservato nella vita.
Nel 1480 Leonardo aveva già una propria bottega e riceveva ordini. Tuttavia, la sua passione per la scienza lo distraeva spesso dall'arte. La grande composizione d'altare "Adorazione dei Magi" (Firenze, Uffizi) e "San Girolamo" (Roma, Pinacoteca Vaticana) è rimasta incompiuta. Nel primo, l'artista ha cercato di trasformare la complessa composizione monumentale dell'immagine dell'altare in un gruppo a forma piramidale, facilmente visibile, per trasmettere la profondità dei sentimenti umani. Nel secondo - a un'immagine veritiera di angoli complessi corpo umano, paesaggio spaziale.
Non trovando una giusta valutazione del suo talento alla corte di Lorenzo Medici con il suo culto della squisita raffinatezza, Leonardo entrò al servizio del duca di Milano, Lodovico Moro. Il periodo milanese della creatività di Leonardo (1482-1499) si rivelò il più fruttuoso. Qui la versatilità del suo talento di scienziato, inventore e artista si è rivelata in pieno vigore.
Iniziò la sua carriera con l'esecuzione di un monumento scultoreo: una statua equestre del padre del duca Lodovico Moro Francesco Sforza. Un grande modello del monumento, elogiato all'unanimità dai contemporanei, perì durante la presa di Milano da parte dei francesi nel 1499. Sono sopravvissuti solo i disegni: schizzi di varie versioni del monumento, immagini di un allevamento, ricco di dinamica di un cavallo, poi un cavallo solennemente sporgente, che ricorda le soluzioni compositive di Donatello e Verrocchio. A quanto pare, quest'ultima opzione è stata tradotta in un modello della statua. Superava significativamente le dimensioni dei monumenti del Gattamelata e del Colleoni, cosa che diede ai contemporanei e allo stesso Leonardo un motivo per chiamare il monumento "il grande colosso". Quest'opera ci permette di considerare Leonardo uno dei maggiori scultori dell'epoca.
Non ci è pervenuto un solo progetto architettonico realizzato da Leonardo. Eppure, i suoi disegni e progetti edilizi, idee per creare una città ideale parlano del suo dono di architetto eccezionale.
Il periodo milanese comprende dipinti stile maturo - "Madonna nella Grotta" e "L'Ultima Cena". "Madonna nella Grotta" (1483-1494, Parigi, Louvre) - la prima composizione d'altare monumentale dell'Alto Rinascimento. I suoi personaggi Maria, Giovanni, Cristo e l'angelo acquisirono caratteristiche di grandezza, spiritualità poetica e pienezza di espressività. Uniti dallo stato d'animo della premura e dell'azione - il Cristo bambino benedice Giovanni - in un armonioso gruppo piramidale, come se un chiaroscuro sventolato da una leggera foschia, i personaggi della leggenda evangelica sembrano essere l'incarnazione immagini ideali felicità pacifica.

Il più significativo dei dipinti monumentali di Leonardo, L'Ultima Cena, eseguita nel 1495-1497 per il monastero di Santa Maria della Grazie a Milano, trasferisce nel mondo delle passioni reali e dei sentimenti drammatici. Partendo dalla tradizionale interpretazione dell'episodio evangelico, Leonardo dà una soluzione innovativa al tema, una composizione che rivela profondamente sentimenti umani ed esperienze. Riducendo al minimo la rappresentazione dell'ambiente del refettorio, riducendo deliberatamente le dimensioni del tavolo e portandolo in primo piano, si concentra sul climax drammatico dell'evento, sulle caratteristiche contrastanti di persone di temperamento diverso, sulla manifestazione di una complessa gamma di sentimenti , espresso sia nelle espressioni facciali che nei gesti, con i quali gli apostoli rispondono alle parole di Cristo: «Uno di voi mi tradirà». Decisivo contrasto con gli apostoli sono le immagini del Cristo esteriormente calmo, ma tristemente pensieroso, che è al centro della composizione, e il traditore Giuda appoggiato al bordo del tavolo, il cui profilo ruvido e predatore è immerso nell'ombra. La confusione, sottolineata dal gesto di una mano che stringe convulsamente un portafoglio, e un aspetto cupo lo distinguono dagli altri apostoli, sui cui volti illuminati si legge un'espressione di sorpresa, compassione, indignazione. Leonardo non separa la figura di Giuda dagli altri apostoli, come fecero i maestri del primo Rinascimento. Eppure l'aspetto ripugnante di Giuda rivela l'idea del tradimento sempre più acuta e profonda. Tutti i dodici discepoli di Cristo si trovano in gruppi di tre, ai lati del maestro. Alcuni di loro balzano in piedi eccitati dai loro posti, rivolgendosi a Cristo. L'artista subordina i vari movimenti interni degli apostoli a un ordine rigoroso. La composizione dell'affresco colpisce per la sua unità, integrità, è rigorosamente equilibrato, centrico nella costruzione. La monumentalizzazione delle immagini, la scala del dipinto contribuiscono a dare l'impressione del significato profondo dell'immagine, subordinando l'intero grande spazio del refettorio. Leonardo risolve ingegnosamente il problema della sintesi tra pittura e architettura. Posizionata la tavola parallela alla parete, che è decorata con un affresco, ne conferma il piano. La riduzione prospettica delle pareti laterali raffigurate nell'affresco, per così dire, continua lo spazio reale del refettorio.
L'affresco è gravemente danneggiato. Gli esperimenti di Leonardo con nuovi materiali non hanno resistito alla prova del tempo, registrazioni e restauri successivi hanno quasi nascosto l'originale, che è stato cancellato solo nel 1954. Ma le incisioni superstiti e i disegni preparatori consentono di riempire tutti i dettagli della composizione.
Dopo la presa di Milano da parte delle truppe francesi, Leonardo lasciò la città. Cominciarono gli anni del vagabondaggio. Per ordine della Repubblica Fiorentina realizzò il cartone per l'affresco "Battaglia di Anghiari", che avrebbe dovuto decorare una delle pareti della Sala del Consiglio di Palazzo Vecchio (palazzo del governo cittadino). Durante la creazione di questo cartone, Leonardo entrò in concorrenza con il giovane Michelangelo, che eseguì un ordine per un affresco "La battaglia di Kashin" per un'altra parete nella stessa stanza. Tuttavia, questi cartoni, universalmente riconosciuti dai loro contemporanei, non sono sopravvissuti fino ad oggi. Solo vecchie copie e incisioni ci permettono di giudicare l'innovazione dei geni dell'Alto Rinascimento nel campo della pittura di battaglia.
Nel pieno della drammaticità e della dinamica della composizione di Leonardo, si dà l'episodio della battaglia per lo stendardo, il momento di massima tensione delle forze dei combattenti, si svela la cruda verità della guerra. Allo stesso tempo appartiene la realizzazione del ritratto della Gioconda (La Gioconda, 1504 circa, Parigi, Louvre), una delle opere più famose della pittura mondiale. La profondità e il significato dell'immagine creata sono straordinari, in cui le caratteristiche dell'individuo sono combinate con una grande generalizzazione. L'innovazione di Leonardo si manifestò anche nello sviluppo della ritrattistica rinascimentale.
Elaborata plasticamente, chiusa nella sagoma, la maestosa figura di una giovane donna domina un paesaggio lontano avvolto da una foschia bluastra con rocce e canali d'acqua che si snodano tra loro. Il complesso paesaggio semi-fantastico si armonizza sottilmente con il carattere e l'intelletto della persona ritratta. Sembra che l'instabile variabilità della vita stessa si senta nell'espressione del suo volto, ravvivato da un sorriso appena percettibile, nel suo sguardo calmo, sicuro di sé, penetrante. Il viso e le mani ben curate del patrizio sono dipinti con sorprendente cura e morbidezza. La più sottile, quasi fusa, foschia di chiaroscuro (il cosiddetto sfumato), che avvolge la figura, ammorbidisce i contorni e le ombre; non c'è un solo tratto netto o contorno angolare nell'immagine.
Negli ultimi anni della sua vita, Leonardo dedicò la maggior parte del suo tempo alla ricerca scientifica. Morì in Francia, dove venne su invito del re di Francia Francesco I e dove visse per soli due anni.
La sua arte, scientifica e studi teorici, la sua stessa personalità ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della cultura mondiale. I suoi manoscritti contengono innumerevoli appunti e disegni che testimoniano l'universalità del genio di Leonardo. Qui ci sono fiori e alberi accuratamente tracciati, schizzi di armi, macchine e dispositivi sconosciuti. Insieme a immagini analiticamente accurate, ci sono disegni che si distinguono per la loro straordinaria portata, epico o sottile lirismo. Appassionato estimatore del sapere sperimentale, Leonardo si adoperò per la sua riflessione critica, per la ricerca di leggi generalizzanti. "L'esperienza è l'unica fonte di conoscenza", ha detto l'artista. "The Book of Painting" rivela le sue opinioni come teorico dell'arte realistica, per il quale la pittura è sia "una scienza che la legittima figlia della natura". Il trattato contiene le affermazioni di Leonardo sull'anatomia, la prospettiva, cerca modelli nella costruzione di una figura umana armonica, scrive sull'interazione dei colori, sui riflessi. Tra i seguaci e gli allievi di Leonardo, però, non ce n'era uno che si avvicinasse al maestro in termini di talento; privati ​​di una visione indipendente dell'arte, hanno assimilato solo esternamente il suo modo artistico.

Dipinti e biografia di Tiziano Vecellio

Tiziano Venere di Urbino, 1538 Galleria degli Uffizi, Firenze Venere e Adone, 1550s Getty Museum, Los Angeles.

amore secolare (Vanità del terreno) 1515	Gioventù con un guanto strappato, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Ritratto di giovane donna, 1536

Amore terreno e celeste, 1515

Ritratto di Pietro Aretino 1545	Ritratto di Carlo V 1548	Danae 1554	Sisifo 1549	Venere con uno specchio 1555

Assunzione di Maria, (Assunta), 1518	Tarquinio e Lucrezia 1568-1571	Posizione nella bara 1524-1526	San Sebastiano 1570	Compianto per Cristo 1576

Madonna dei Pesaro, 1519-1526	Bacco e Arianna 1522	Introduzione al tempio 1534-1538	, 1546	Allegoria del tempo 1565

Tiziano (in realtà Tiziano Vecellio, Tiziano Veccellio) (circa 1488/1490 - 1576), pittore italiano dell'Alto e del Tardo Rinascimento. Studiò a Venezia con Giovanni Bellini, nella cui bottega si avvicinò a Giorgione; lavorò a Venezia, oltre che a Padova, Ferrara, Mantova, Urbino, Roma e Augusta. Strettamente legato ai circoli artistici veneziani (Giorgione, architetto Jacopo Sansovino, scrittore Pietro Aretino), maestro di spicco della scuola pittorica veneziana, Tiziano incarna nella sua opera gli ideali umanistici del Rinascimento. La sua arte che afferma la vita si distingue per la sua versatilità, ampiezza di copertura della realtà e rivelazione dei profondi conflitti drammatici dell'epoca. L'interesse per il paesaggio, la poesia, la contemplazione lirica, il colorito tenue sono legati ai primi lavori di Tiziano (la cosiddetta “Madonna gitana”, Kunsthistorisches Museum, Vienna; “Cristo e il peccatore”, Galleria d'arte, Glasgow) con l'opera di Giorgione; l'artista iniziò a sviluppare uno stile indipendente verso la metà degli anni 1510, dopo aver conosciuto le opere di Raffaello e Michelangelo. Le immagini calme e gioiose dei suoi dipinti furono segnate durante questo periodo dalla pienezza della vita, dalla luminosità dei sentimenti, dall'illuminazione interiore, il colore principale è costruito sulla consonanza di colori profondi e puri ("Amore terrestre e celeste", 1514 circa -1516, Galleria Borghese, Roma; “Flora”, 1515 circa, Uffizi; “Denario di Cesare”, 1518, Pinacoteca, Dresda). Poi Tiziano dipinse diversi ritratti, rigorosi e pacati nella composizione, e sottilmente psicologici ("Giovane con un guanto", Louvre, Parigi; "Ritratto di uomo", galleria Nazionale, Londra). Il nuovo periodo dell'opera di Tiziano (fine anni 1510 - 1530) è legato all'ascesa sociale e culturale di Venezia, che in quest'epoca divenne una delle principali roccaforti dell'umanesimo e delle libertà urbane in Italia. In questo periodo Tiziano realizzò monumentali pale d'altare piene di maestoso pathos ("L'Assunzione di Maria", 1516-1518 circa, chiesa di Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venezia), la cui composizione è permeata di movimento, dipinti in vangelo e Venere di Urbino, 1538 Galleria degli Uffizi, Firenze Venere e Adone, 1550s Getty Museum, Los Angeles.

amore secolare (Vanità del terreno) 1515	Gioventù con un guanto strappato, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Ritratto di giovane donna, 1536

Nel periodo tardo della sua opera, Tiziano raggiunse l'apice sia nella sua abilità pittorica che nell'interpretazione emotiva e psicologica di temi religiosi e mitologici. La bellezza vivificante del corpo umano, la pienezza del mondo circostante divennero il motivo principale delle opere dell'artista con scene tratte dalla mitologia antica ("Danae", intorno al 1554, Prado, Madrid e l'Ermitage, San Pietroburgo; " Venere davanti allo specchio”, 1550, National Gallery of Art, Washington; "Diana e Atteone", 1556, e "Diana e Callisto", 1556-1559, entrambi i dipinti nella National Gallery of Scotland di Edimburgo).

Amore terreno e celeste, 1515

Ritratto di Pietro Aretino 1545	Ritratto di Carlo V 1548	Danae 1554	Sisifo 1549	Venere con uno specchio 1555

Assunzione di Maria, (Assunta), 1518	Tarquinio e Lucrezia 1568-1571	Posizione nella bara 1524-1526	San Sebastiano 1570	Compianto per Cristo 1576

Madonna dei Pesaro, 1519-1526	Bacco e Arianna 1522	Introduzione al tempio 1534-1538	Papa Paolo III con i nipoti Farnese, 1546	Allegoria del tempo 1565

L'opera di Raffaello Santi

Raphael Santi (1483-1520) ha incarnato nel modo più completo l'idea degli ideali più luminosi e più elevati dell'umanesimo rinascimentale con la massima completezza nella sua opera. Un giovane contemporaneo di Leonardo, che visse una vita breve ed estremamente movimentata, Raphael sintetizzò le conquiste dei suoi predecessori e creò il suo ideale di una persona bella e armoniosamente sviluppata, circondata da un'architettura o un paesaggio maestosi. Raffaello nacque ad Urbino, figlio di un pittore che fu il suo primo maestro. In seguito studiò con Timoteo della Viti e il Perugino, padroneggiando alla perfezione lo stile di quest'ultimo. Dal Perugino Rafael trasse quella morbidezza delle linee, quella libertà di collocare una figura nello spazio, che divenne caratteristica delle sue composizioni mature. A diciassette anni scopre una vera maturità creativa, creando una serie di immagini piene di armonia e chiarezza spirituale.

Delicato lirismo e sottile spiritualità contraddistinguono una delle sue prime opere: "Madonna Conestabile" (1502, San Pietroburgo, Eremo), un'immagine illuminata di una giovane madre raffigurata sullo sfondo di un trasparente paesaggio umbro. La capacità di disporre liberamente le figure nello spazio, di collegarle tra loro e con l'ambiente, si manifesta anche nella composizione “Il fidanzamento di Maria” (1504, Milano, Pinacoteca di Brera). L'ampiezza nella costruzione del paesaggio, l'armonia delle forme architettoniche, l'equilibrio e l'integrità di tutte le parti della composizione testimoniano la formazione di Raffaello come maestro dell'Alto Rinascimento.
Con il suo arrivo a Firenze, Raffaello assorbe facilmente le più importanti realizzazioni degli artisti della scuola fiorentina con il suo pronunciato inizio plastico e l'ampia copertura della realtà. Il contenuto della sua arte rimane il tema lirico della luce amore materno a cui attribuisce particolare importanza. Riceve un'espressione più matura in opere come Madonna nel verde (1505, Vienna, Kunsthistorisches Museum), Madonna con cardellino (Firenze, Uffizi), La bella giardiniera (1507, Parigi, Louvre). In sostanza, variano tutte lo stesso tipo di composizione, composto dalle figure di Maria, il Cristo bambino e il Battista, che formano gruppi piramidali sullo sfondo di un bel paesaggio rurale nello spirito delle tecniche compositive precedentemente trovate da Leonardo. La naturalezza dei movimenti, la morbida plasticità delle forme, la morbidezza delle linee melodiose, la bellezza del tipo ideale della Madonna, la nitidezza e purezza degli sfondi paesaggistici contribuiscono a svelare la sublime poesia della struttura figurativa di questi composizioni.
Nel 1508 Raffaello fu invitato a lavorare a Roma, alla corte di papa Giulio II, uomo imperioso, ambizioso ed energico che cercò di accrescere i tesori artistici della sua capitale e di attirare al suo servizio le figure culturali più talentuose dell'epoca. All'inizio del XVI secolo, Roma ispirava speranze per l'unificazione nazionale del Paese. Gli ideali di un ordine nazionale hanno creato il terreno per un'impennata creativa, per l'incarnazione di aspirazioni avanzate nell'arte. Qui, in prossimità dell'eredità dell'antichità, il talento di Raffaello fiorisce e matura, acquisendo una nuova portata e caratteristiche di pacata grandezza.
Raffaello riceve l'ordine di dipingere le stanze anteriori (le cosiddette stanze) del Palazzo Vaticano. Quest'opera, proseguita ad intermittenza dal 1509 al 1517, pose Raffaello tra i massimi maestri dell'arte monumentale italiana, risolvendo con sicurezza il problema della sintesi tra architettura e pittura rinascimentale. Il dono di Raffaello - muralista e decoratore - si manifestò in tutto il suo splendore quando dipinse gli Stanzi della Senyatura (sala tipografia). Sulle lunghe pareti di questa stanza, ricoperte da volte a vela, sono collocate le composizioni "Disputa" e "La scuola di Atene", sulle pareti strette - "Parnaso" e "Saggezza, moderazione e forza", personificando le quattro aree di attività spirituale umana: teologia, filosofia, poesia e giurisprudenza. La volta, divisa in quattro parti, è decorata con figure allegoriche che formano un unico sistema decorativo con pitture murali. Pertanto, l'intero spazio della stanza si è rivelato pieno di pittura.

Adam e Eve 1510	scuola ateniese 1509	Trionfo di Galatea 1511	Controversia 1510	profeta Isaia 1512

Combinazione di immagini nei murales religione cristiana e la mitologia pagana testimoniano la diffusione tra gli umanisti dell'epoca delle idee di riconciliazione della religione cristiana con la cultura antica e la vittoria incondizionata del principio secolare sulla chiesa. Anche nella "Disputa" (disputa dei padri della chiesa sul sacramento), dedicata all'immagine dei capi della chiesa, tra i partecipanti alla controversia, si possono riconoscere i poeti e gli artisti d'Italia - Dante, Beato Angelico e altri pittori e scrittori. Sulla celebrazione idee umanistiche nell'arte rinascimentale, la composizione "La scuola di Atene" parla della sua connessione con l'antichità, glorificando la mente di un uomo bello e forte, la scienza e la filosofia antiche. Il dipinto è percepito come l'incarnazione del sogno di un futuro più luminoso. Dalle profondità dell'infilata di grandiose campate ad arco emerge un gruppo di pensatori antichi, al centro del quale è il maestoso Platone dalla barba grigia e il fiducioso, ispirato Aristotele, che indica il suolo con un gesto della mano, i fondatori della filosofia idealistica e materialistica. In basso, a sinistra sulle scale, Pitagora si chinò sul libro, circondato dai suoi studenti, a destra - Euclide, e qui, proprio sul bordo, Raffaello si dipinse accanto al pittore Sodoma. Questo è un giovane con un viso gentile e attraente. Tutti i personaggi dell'affresco sono accomunati dallo stato d'animo di alta elevazione spirituale, pensiero profondo. Costituiscono gruppi inseparabili nella loro integrità e armonia, dove ogni personaggio prende esattamente il suo posto e dove l'architettura stessa, nella sua rigorosa regolarità e maestosità, contribuisce a ricreare l'atmosfera di un'alta ascesa del pensiero creativo.
Spicca con intensa drammaticità l'affresco "La cacciata di Eliodor" nella Stanza d'Eliodoro. La rapidità dell'avvenimento del miracolo - l'espulsione del ladro del tempio da parte del cavaliere celeste - è veicolata dalla rapida diagonale del movimento principale, che utilizza un effetto di luce. Papa Giulio II è raffigurato tra gli spettatori che assistono all'esilio di Eliodor. Questa è un'allusione agli eventi contemporanei a Raffaello - l'espulsione delle truppe francesi dallo Stato Pontificio.
Il periodo romano dell'opera di Raffaello è caratterizzato da alti risultati nel campo della ritrattistica. I personaggi della Messa a Bolsena (affreschi nella Stanza d'Eliodoro) acquisiscono tratti ritrattistici nitidi e pieni di vita. A genere ritratto Raffaello si rivolse anche alla pittura da cavalletto, mostrando qui la sua originalità, rivelando nel modello il più caratteristico e significativo. Dipinse ritratti di papa Giulio II (1511, Firenze, Uffizi), papa Leone X con il cardinale Ludovico dei Rossi e Giulio dei Medici (circa 1518, ibid) e altri ritratti. Un posto importante nella sua arte continua ad occupare l'immagine della Madonna, acquisendo tratti di grande imponenza, monumentalità, sicurezza, forza. Tale è la “Madonna della sedia” (“Madonna sulla sedia”, 1516, Firenze, Galleria Pitti) con la sua composizione armonica chiusa a cerchio.
Contemporaneamente Raffaello realizzò la sua più grande creazione, la Madonna Sistina (1515-1519, Dresda, Pinacoteca), destinata alla chiesa di S. Sisto a Piacenza. A differenza delle precedenti Madonne liriche, di umore più leggero, questa è un'immagine maestosa e piena di significato profondo. Le tende aperte dall'alto ai lati rivelano Maria, che cammina facilmente tra le nuvole, con un bambino in braccio. Il suo sguardo ti permette di guardare nel mondo delle sue esperienze. Seria e tristemente, con ansia, guarda da qualche parte in lontananza, come se prevedesse tragico destino figlio. A sinistra della Madonna è raffigurato Papa Sisto, che contempla con entusiasmo un miracolo, a destra - Santa Barbara, che abbassa con riverenza lo sguardo. Sotto ci sono due angeli, che guardano in alto e, per così dire, ci riportano all'immagine principale: la Madonna e il suo bambino infantilmente premuroso. L'impeccabile armonia e l'equilibrio dinamico della composizione, il ritmo sottile dei contorni lisci e lineari, la naturalezza e la libertà di movimento costituiscono la forza irresistibile di questo insieme, bella immagine. verità vitale e le caratteristiche dell'ideale si combinano con la purezza spirituale del complesso tragico Madonna Sistina. Alcuni ricercatori trovarono il suo prototipo nei lineamenti della “Dama col velo” (1513 circa, Firenze, Galleria Pitti), ma lo stesso Raffaello scrisse in una lettera all'amico Castiglione che la base del suo metodo creativo è il principio della selezione e generalizzazione delle osservazioni sulla vita: “Per scrivere una bellezza, ho bisogno di vedere molte bellezze, ma a causa della mancanza ... nelle belle donne, uso un'idea che mi viene in mente. Così, in realtà, l'artista trova tratti che corrispondono al suo ideale, che si eleva al di sopra dell'accidentale e del transitorio.
Raffaello morì all'età di trentasette anni, lasciando incompiuti dipinti della Villa Farnesina, delle logge vaticane e una serie di altre opere realizzate su cartone e disegni dai suoi allievi. I disegni liberi, aggraziati e senza vincoli di Raffaello hanno proposto il loro creatore tra i più grandi disegnatori del mondo. Il suo lavoro in architettura e arti applicate testimoniano di lui come una figura poliedrica dell'Alto Rinascimento, che ottenne grande fama tra i suoi contemporanei. Il nome stesso di Raffaello si trasformò in seguito in un nome comune per un artista ideale.
Numerosi studenti italiani e seguaci di Raffaello eressero il metodo creativo del maestro in un dogma indiscutibile, che contribuì alla diffusione dell'imitazione nell'arte italiana e prefigurava una crisi imminente dell'umanesimo.

L'opera di Michelangelo Buonarroti

Il culmine dell'Alto Rinascimento e allo stesso tempo un riflesso delle profonde contraddizioni della cultura dell'epoca fu l'opera del terzo dei titani dell'arte italiana: Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Anche rispetto a Leonardo e Raffaello, che colpiscono per il loro versatile talento, Michelangelo si differenzia in ciascuna delle aree creatività artistica ha lasciato opere grandiose per dimensioni e potenza, incarnando le idee più progressiste dell'epoca. Michelangelo fu un brillante scultore, pittore, architetto, disegnatore, ingegnere militare, poeta, e allo stesso tempo fu un combattente di alti ideali umanistici, un cittadino, in armi che difendeva la libertà e l'indipendenza della sua patria.
Il grande artista e combattente sono inseparabili nell'idea di Michelangelo. Tutta la sua vita è una lotta eroica incessante per l'affermazione del diritto umano alla libertà, alla creatività. Per tutto il tempo modo creativo al centro dell'attenzione dell'artista c'era un uomo, attivo, attivo, pronto all'impresa, colto da grande passione. Le sue opere del tardo periodo riflettono il tragico crollo degli ideali rinascimentali.
Michelangelo nacque a Caprese (nelle vicinanze di Firenze), nella famiglia del governatore della città. All'età di tredici anni entrò nella bottega del Ghirlandaio, e un anno dopo - in scuola d'arte alla corte di Lorenzo de Medici il Magnifico. Qui, nei cosiddetti giardini medicei del monastero di San Marco, proseguì gli studi sotto la guida di Bertoldo di Giovanni, convinto estimatore dell'antichità. Conoscendo la ricca e raffinata cultura della corte dei Medici, con meravigliose opere d'arte antica e moderna, con famosi poeti e umanisti, Michelangelo non si chiuse in uno squisito ambiente di corte. Già i primi lavori indipendenti confermano la sua attrazione per le grandi immagini monumentali, piene di eroismo e forza. Il rilievo "Battaglia dei Centauri" (primi anni '90, Firenze, Casa Buonarroti) rivela la drammaticità e la tempestosa dinamica del combattimento, l'impavidità e l'energia dei combattenti, la potente plasticità di figure forti interconnesse, permeate da un unico ritmo rapido.
formazione finale coscienza pubblica Michelangelo cade al momento della cacciata dei Medici da Firenze e dell'instaurazione di un sistema repubblicano. Contribuiscono al completamento i viaggi a Bologna e Roma educazione artistica. L'antichità apre davanti a lui le possibilità gigantesche nascoste nella scultura. A Roma nasce il gruppo marmoreo Pietà (1498-1501, Roma, Cattedrale di San Pietro), prima grande opera originale del maestro, intrisa di fede nel trionfo degli ideali umanistici del Rinascimento. tema drammatico Sul lutto di Cristo da parte della Madre di Dio, lo scultore decide in modo profondamente psicologico, esprimendo immenso dolore inclinando il capo, ritrovato esattamente dal gesto della mano sinistra della Madonna. Purezza morale l'immagine di Maria, la nobile moderazione dei suoi sentimenti rivelano la forza del carattere e sono espressi in forme classicamente chiare, con sorprendente perfezione. Entrambe le figure sono disposte in un gruppo indissolubile, in cui nessun dettaglio viola la silhouette chiusa, la sua espressività plastica.

Davide	Pietà	Madonna col Bambino	Mosé

Profonda convinzione, l'eccitazione di una persona che tende a un'impresa è catturata nella statua del David (Firenze, Accademia di Belle Arti), eseguita nel 1501-1504 dopo il ritorno dello scultore a Firenze. L'immagine del leggendario eroe incarnava l'idea di impresa civica, coraggio coraggioso e intransigenza. Michelangelo abbandonò la narrazione dei suoi predecessori. A differenza di Donatello e Verrocchio, che raffigurarono il David dopo aver sconfitto il nemico, Michelangelo lo presentò prima della battaglia. Si è concentrato sulla compostezza volitiva e sull'intensità di tutte le forze dell'eroe, trasmesse con mezzi di plastica. In questa statua colossale si esprime chiaramente la particolarità del linguaggio plastico di Michelangelo: con una posa apparentemente calma dell'eroe, la sua intera figura con un busto possente e braccia e gambe superbamente modellate, il suo bel volto ispirato esprime la massima concentrazione di fisici e spirituali forze. Tutti i muscoli sembrano essere permeati di movimento. L'arte di Michelangelo restituì alla nudità il significato etico che aveva nella plastica antica. L'immagine di David acquista un significato più ampio come espressione delle forze creative di un uomo libero. Già a quei tempi i fiorentini compresero il pathos civico della statua e il suo significato, collocandola nel centro cittadino davanti al palazzo Vecchio come appello alla difesa della patria e ad un governo giusto.
Trovata una forma convincente per risolvere la statua (basata su una gamba), modellandola magistralmente, Michelangelo gli fece dimenticare le difficoltà che dovette superare nella lavorazione della materia. La statua è stata scolpita da un blocco di marmo, che, come tutti credevano, è stato rovinato da uno sfortunato scultore. Michelangelo riuscì a incastrare la figura nel blocco di marmo finito in modo che si incastrasse in esso con la massima compattezza.
Contemporaneamente alla statua del David è stato realizzato un cartone per dipingere la Sala del Consiglio di Palazzo Vecchio “La battaglia delle Cascine” (nota da incisioni e da una copia pittorica). Entrando in concorrenza con Leonardo, il giovane Michelangelo ricevette un maggiore apprezzamento del pubblico per la sua opera; al tema della denuncia della guerra e delle sue atrocità, contrapponeva la glorificazione sentimenti elevati valore e patriottismo dei soldati fiorentini, che si precipitarono sul campo di battaglia al suono della tromba, pronti all'impresa.
Avendo ricevuto un ordine da papa Giulio II per la costruzione della sua lapide, Michelangelo, senza terminare la battaglia di Kashin, si trasferì a Roma nel 1505. Realizza un progetto per un maestoso mausoleo, decorato con numerose statue e rilievi. Per preparare il materiale - blocchi di marmo - lo scultore si recò a Carrara. Durante la sua assenza, il papa perse interesse all'idea di costruire una tomba. Offeso, Michelangelo lasciò Roma e solo dopo insistenti appelli del papa tornò. Questa volta ricevette un nuovo grande ordine: dipingere il soffitto della Cappella Sistina, che accettò con grande riluttanza, poiché si considerava principalmente uno scultore, non un pittore. Questo dipinto è diventato una delle più grandi creazioni dell'arte italiana.

Nelle condizioni più difficili Michelangelo lavorò per quattro anni (1508-1512), completando con le proprie mani l'intero dipinto dell'enorme soffitto (600 mq.). Secondo l'architettura della cappella, divise la volta che la ricopre in più campi, collocando in un ampio campo centrale nove composizioni su scene della Bibbia sulla creazione del mondo e la vita dei primi popoli sulla terra: "Separazione della luce dalle tenebre", "Creazione di Adamo", "Caduta", "L'ebbrezza di Noè", ecc. Ai lati di essi, alle pendici della volta, ci sono le figure dei profeti e delle sibille (indovini ), negli angoli dei campi - giovani nudi seduti; nelle vele dell'arco, stripping e lunette sopra le finestre - episodi della Bibbia e dei cosiddetti antenati di Cristo. Il grandioso insieme, che comprende più di trecento figure, sembra essere un inno ispirato alla bellezza, al potere, alla mente dell'uomo, alla glorificazione del suo genio creativo e delle gesta eroiche. Anche nell'immagine di Dio - un vecchio maestoso e potente, l'impulso creativo è innanzitutto enfatizzato, espresso nei movimenti delle sue mani, come se fosse davvero capace di creare mondi e dare vita a una persona. Forza titanica, intelletto, saggezza chiaroveggente e sublime bellezza caratterizzano le immagini dei profeti: Geremia profondamente addolorato, Isaia poeticamente ispirato, la potente Sibilla Cuma, la bella giovane Sibilla Delfica. I personaggi creati da Michelangelo hanno un enorme potere di generalizzazione; per ogni personaggio trova una posa, una svolta, un movimento, un gesto speciali.
Se i pensieri tragici erano incarnati nelle singole immagini dei profeti, allora nelle immagini dei giovani nudi, i cosiddetti schiavi, viene trasmessa una sensazione di gioia di essere, forza ed energia irrefrenabili. Le loro figure, presentate in scorci complessi, in movimenti, ricevono lo sviluppo plastico più ricco. Tutti loro, senza distruggere il piano delle volte, li arricchiscono, rivelano tettonica, rafforzano impressione generale armonia. La combinazione di squame grandiose, severo potere d'azione, bellezza e compostezza del colore dà origine a una sensazione di libertà e fiducia nel trionfo dell'uomo.

Rinascimento settentrionale

Il risveglio fu un fenomeno internazionale che abbracciò, oltre all'Italia, dove si espresse con maggior forza, anche i Paesi Bassi, la Germania, la Francia e la Spagna. apparso oggi termine speciale"Rinascimento del Nord", che descrive le caratteristiche del Rinascimento in altri paesi d'Europa. Significa “non solo una caratteristica puramente geografica, ma anche alcune caratteristiche del Rinascimento in Inghilterra, Germania, Spagna, Paesi Bassi, Svizzera e Francia. Molto caratteristica importante Il Rinascimento settentrionale fu che ebbe luogo durante il periodo della Riforma, e anche che nella cultura dei popoli di questi paesi, per ragioni storiche, non esisteva una tale abbondanza di monumenti antichi come in Italia.

Riforma(dal lat. reformatio - trasformazione) era lo stesso potente movimento religioso, che ora è, ad esempio, il fondamentalismo nei paesi islamici. Entrambi auspicavano un ritorno ai valori originari della fede (alla sua fondazione) e chiedevano seri cambiamenti (riforma) della pratica religiosa esistente.

L'inizio della Riforma fu segnato da un discorso nel 1517 in Germania di Martin Lutero (1483-1546), che avanzava 95 tesi che rifiutavano i principi fondamentali del cattolicesimo. Gli ideologi della Riforma negarono la necessità della Chiesa cattolica con la sua gerarchia e il clero in generale, i diritti della Chiesa a sbarcare ricchezze, rifiutando la Santa Tradizione cattolica nel suo insieme. Sotto la bandiera ideologica della Riforma, ebbero luogo le guerre contadine del 1524-1526. in Germania, Paesi Bassi e la Rivoluzione inglese. La Riforma segnò l'inizio del protestantesimo (in senso stretto, la Riforma è l'attuazione di trasformazioni religiose nel suo spirito).

Rinascimento tedesco segnò la fine della crisi spirituale (riforma luterana) e sociale (ascesa dei contadini), che durò mezzo secolo e cambiò notevolmente la Germania medievale. Con il lavoro di tre artisti - Grunewald (tra il 1470 e il 1475-1528), Dürer (1471-1528) e Holbein il Giovane (1497 o 1498-1543) - viene associato il "secolo d'oro" della pittura tedesca. Privo dell'integrità del Rinascimento italiano, il Rinascimento tedesco si sviluppò in un periodo cronologicamente breve e non ebbe la sua logica continuazione.

Un eccezionale rappresentante del Rinascimento in Germania, il cui lavoro ha determinato a lungo l'arte tedesca, è stato il pittore e incisore Dürer. Si ritiene che Dürer fosse ugualmente dotato come pittore, incisore e disegnatore; il disegno e l'incisione occupano in lui un posto ampio, a volte addirittura preminente. L'eredità di Dürer come disegnatore, che conta più di 900 fogli, può essere paragonata solo all'eredità di Leonardo da Vinci nella sua vastità e diversità. Ha dominato brillantemente tutto ciò che si conosceva allora tecniche grafiche- da una spilla d'argento e una penna ad ancia a una matita italiana, carboncino, acquarello Per quanto riguarda i maestri d'Italia, il disegno divenne per lui la fase più importante del lavoro sulla composizione, tra schizzi, studi di teste, braccia, gambe, tendaggi. È uno strumento di apprendimento tipi caratteristici- contadini, signori eleganti, fashionisti di Norimberga. Dürer ha avuto un'enorme influenza sullo sviluppo dell'arte tedesca del primo metà del XVI secolo. Il più grande incisore d'Europa, Dürer divenne famoso per il suo ciclo di opere sui temi dell'Apocalisse (1498).

La sua poliedrica attività divenne una delle incarnazioni del "titanismo" del Rinascimento. È l'unico maestro del Rinascimento settentrionale, che, nella direzione e versatilità dei suoi interessi, il desiderio di padroneggiare le leggi dell'arte, lo sviluppo di proporzioni perfette della figura umana e le regole della costruzione prospettica, possono essere paragonati i più grandi maestri Rinascimento italiano. Il periodo d'oro dell'arte del Rinascimento tedesco è spesso chiamato "l'era Dürer".

I contemporanei di Dürer furono i grandi maestri della pittura Hans Holbein il Giovane, Grunewald e Lucas Cranach il Vecchio (1472-1553).

Ritratti accurati, chiari nella caratterizzazione (pittura e disegno) di Holbein il Giovane, i suoi dipinti su temi religiosi, le incisioni sono caratterizzati da realismo, chiarezza e grandezza dell'arte rinascimentale, integrità monumentale della composizione ("Cristo morto", 1521). Grunewald, la cui vita è ancora poco studiata, rappresenta un'altra direzione del Rinascimento tedesco: i sentimenti per lui dominano la ragione e la soggettività - sull'analisi oggettiva. Il genio dell'artista è stato incarnato nell'opera principale: "Isenheim Altar" (1512-1515), dove immagini mistiche convivono con quelli umanistici, illuminati. La sua opera, connessa con l'ideologia delle classi inferiori e delle eresie, è piena di forza drammatica, tensione e dinamismo.

Tra i talentuosi creatori del Rinascimento tedesco, il ritrattista Lucas Cranach il Vecchio, pittore di corte di Federico il Saggio e amico di M. Lutero, occupa un posto d'onore, grazie al cui lavoro il paesaggio ha ricevuto uno sviluppo speciale. Ha gettato le basi per la scuola del paesaggio, conosciuta come la Scuola del Danubio.

Rinascimento in Inghilterra. Il Rinascimento INGLESE divenne famoso non tanto per la pittura e l'architettura quanto per il teatro. Il suo periodo di massimo splendore arrivò tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo, raggiungendo il suo apice nell'opera di William Shakespeare (1564-1616). La fine del XVI secolo fu un periodo di rinascita senza precedenti della vita teatrale in Inghilterra, un periodo di ripresa economica e di trasformazione del paese in una potenza mondiale. È anche chiamata "era elisabettiana". Il prestigio del teatro crebbe; gli attori, in precedenza disprezzati comici erranti, erano circondati da un'attenzione universale, godevano del patrocinio dei patroni dei nobili. Nel 1576 aprì il primo teatro pubblico a Londra; a metà degli anni '80 esistevano già diversi di questi teatri. La compagnia di Shakespeare, che ricevette lo status reale nel 1589, cambiò più di una fase, fino al 1598-1599. per esso non fu costruito alcun edificio permanente, chiamato Globe Theatre. Il drammaturgo Shakespeare divenne comproprietario del teatro. Le opere di Shakespeare (ce ne sono 37 in totale) riflettevano la vita politica e spirituale dell'Inghilterra di quell'epoca.

Le prime commedie di Shakespeare, in particolare Molto rumore per nulla (1598), sono intrise di ottimismo. Tuttavia, a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. la sua mentalità è cambiata. L'anno scorso Il regno di Elisabetta fu segnato da disordini popolari e declino economico. Cadde l'autorità dello Stato e della Chiesa. Le tragedie "Romeo e Giulietta" (1595), "Amleto" (1601), "Otello" (1604), "Re Lear" (1605) mostrano la crisi dei valori universali e della moralità. Gli eroi di Shakespeare pensano, sentono e soffrono individui che stanno vivendo la perdita di orientamenti di vita, e il mondo incapace di aiutarli a ritrovare se stessi.

1. INTRODUZIONE

"Rinascimento" (Rinascimento) è un termine introdotto dall'architetto, pittore e storico Giorgio Vasari per definire l'epoca in cui il movimento culturale fu chiamato a far rivivere l'antichità e ad aprire prospettive di sviluppo della cultura occidentale. L'era del Medioevo è stata vista come una rottura nello sviluppo delle culture, è stato un periodo di barbarie e ignoranza. La rinascita ha avuto origine in Italia ed è stata associata principalmente all'emergere di relazioni borghesi nella società feudale e, di conseguenza, all'emergere di una nuova visione del mondo. Iniziò un ritorno alle conquiste dimenticate della cultura antica. Tutti i cambiamenti erano più evidenti nell'opera di persone d'arte.

La crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, l'ascesa del commercio mondiale, le grandi scoperte geografiche della fine del XV e dell'inizio del XVI secolo cambiarono la vita dell'Europa medievale. La cultura urbana ha creato nuove persone e ha formato un nuovo atteggiamento nei confronti della vita. Apparve la stampa, che aprì opportunità per la diffusione di opere letterarie e scientifiche.

In questo momento, la società italiana inizia a interessarsi attivamente alla cultura. Grecia antica e Roma, si cercano manoscritti di scrittori antichi. Diversi ambiti della vita sociale - arte, filosofia, letteratura, educazione, scienza - stanno diventando sempre più indipendenti e indipendenti dalla Chiesa. Il centro dell'attenzione nel Rinascimento era un uomo, quindi la visione del mondo dei portatori di questa cultura è indicata con il termine "umanistico" (dal latino humanitas - umanità). Per gli umanisti italiani, la cosa principale era l'attenzione dell'uomo su se stesso. Il suo destino risiede in larga misura nel suo proprie mani Egli è dotato da Dio di libero arbitrio.

Gli umanisti del Rinascimento credevano che ciò che conta in una persona non fosse la sua origine o stato sociale, un qualità personali. Come " persona perfetta“È stata riconosciuta una personalità forte, talentuosa e ampiamente sviluppata. Le virtù civili cominciarono ad essere considerate la principale dignità dell'individuo. “Devi giudicare una persona dalle sue qualità, e non dai suoi vestiti”, come dice argutamente un antico autore, “sai perché ti sembra così alto? Sei ingannato dall'altezza dei suoi tacchi: il piedistallo non è ancora una statua. Misura una persona senza trampoli. Lascia che metta da parte le sue ricchezze e il suo rango e stia davanti a te con una camicia”.

Gli umanisti furono ispirati dall'antichità, che serviva per loro come fonte di conoscenza e modello di creatività artistica. L'arte del Rinascimento ha posto le basi della cultura europea dei tempi moderni. Tutti i principali tipi di arte - pittura, grafica, scultura, architettura - sono cambiati molto.

Nell'era Rinascimento italianoÈ consuetudine distinguere più periodi: il Protorinascimentale (seconda metà del XIII-XIV secolo), il Primo Rinascimento (XV secolo), l'Alto Rinascimento (fine XV - primi decenni del XVI secolo), il tardo rinascimento (ultimi due terzi del XVI secolo).

2. FONDAZIONI DI VALORE DEL RINASCIMENTO ART

Il Rinascimento è caratterizzato dal culto della bellezza, in particolare della bellezza dell'uomo. La pittura italiana ritrae persone belle e perfette.

Artisti e scultori hanno lottato nel loro lavoro per la naturalezza, per una ricreazione realistica del mondo e dell'uomo. L'immagine planare non fu più utilizzata, la pittura si arricchì di una prospettiva lineare e aerea, la conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano, furono risolti i problemi del disegno accurato, del movimento naturale.

Gli oggetti d'arte sono il corpo umano, i soggetti moderni e religiosi. L'attenzione, l'interesse degli artisti si è concentrato sempre di più sulla persona e su tutto ciò che lo circonda. Tuttavia, l'art Primo Rinascimento era complesso, contraddittorio, e questa contraddizione lo portava avanti. Nell'arte del primo Rinascimento, insieme a piccoli dettagli, c'è la coscienza di un'immagine generalizzata, monumentale ed eroica di una persona perfetta.

L'uomo nel Rinascimento diventa di nuovo il tema principale dell'arte e il corpo umano è considerato la forma più perfetta in natura. La cultura umanistica del Rinascimento è permeata dal sogno di un uomo nuovo e del suo nuovo sviluppo spirituale. Le virtù civili cominciarono ad essere considerate la principale dignità dell'individuo. La coscienza teocentrica iniziò ad essere soppiantata da quella antropocentrica. Le idee dell'umanesimo erano incarnate in modo più vivido e completo nell'arte, il cui tema principale era una persona bella e armoniosamente sviluppata con illimitato spirituale e possibilità creative. L'arte del Rinascimento è permeata dall'umanesimo, dalla fede nelle forze creative dell'uomo, nell'illimitatezza delle sue possibilità, nel trionfo del progresso. Le figure in pittura acquistano volume e un notevole desiderio, è vero, di trasmettere l'anatomia del corpo umano.

I segni della cultura borghese e l'emergere di una nuova visione del mondo furono particolarmente pronunciati nel XV secolo. Ma proprio perché la formazione nuova cultura, e la nuova visione del mondo non è stata completata, il XV secolo è pieno di libertà creativa, audace audacia, ammirazione per l'individualità umana. Questa è l'era dell'umanesimo, della fede nel potere illimitato della mente, l'era dell'intellettualismo. La percezione della realtà è messa alla prova dall'esperienza, controllata dalla mente. Pertanto, lo spirito dell'ordine è così caratteristico dell'arte del Rinascimento. L'anatomia, la dottrina delle proporzioni del corpo umano sono di grande importanza per gli artisti.

L'antichità acquista il valore di un valore indipendente e gioca grande ruolo nella formazione della cultura secolare. Per l'arte, i tratti di antica semplicità e armonia diventano caratteristici dell'architettura. Le biblioteche contengono una ricca collezione di manoscritti antichi. Ci sono musei pieni di statue, frammenti di architettura antica. L'antica Roma è in restauro. Ma l'influenza dell'antichità si sovrappone alle tradizioni del medioevo e dell'arte cristiana, che conferisce un carattere complesso alla cultura del revival.

Nell'arte, i problemi del dovere civico, le alte qualità morali, l'eroismo, l'immagine di un armoniosamente sviluppato, forte nello spirito e il corpo di un eroe umano che è riuscito a elevarsi al di sopra del livello della vita quotidiana. L'arte dell'Alto Rinascimento rinuncia a piccoli dettagli in nome di immagine generale, lottando per l'armonia degli aspetti belli della vita. La ritrattistica si sviluppa e diventa una delle realizzazioni importanti del Rinascimento. La scultura era la forma d'arte più prestigiosa e fiorì con l'affermazione del barocco. Nel tardo Rinascimento c'erano meno illusioni e più realismo nella comprensione della realtà. Gli ideali di bellezza e armonia sono stati compresi in modo completo e sono diventati persino la norma, che ha influenzato vari tipi di attività creativa.

3. RINASCIMENTO ITALIANO

Per l'abbondanza di artigiani di talento, la portata della creatività artistica, l'Italia era in testa a tutti gli altri paesi europei nel XV secolo. I cambiamenti nell'arte, in primo luogo, hanno colpito la scultura. Nelle opere del maestro Niccolò Pisano si può rintracciare una chiara influenza dell'antichità. Ma l'inizio di una nuova era è legato al nome del pittore Giotto di Bondone (1266?-1337). Delle sue opere si conservano meglio gli affreschi della Cappella dell'Arena a Padova su scene evangeliche, dove già si può rintracciare il desiderio di trasmettere fedelmente l'anatomia del corpo umano. L'uomo di Giotto resiste ai colpi del destino. È pronto a sopportare le avversità senza perdersi d'animo, senza indurire contro le persone. Una tale comprensione non contraddiceva la morale della chiesa medievale, ma sollevava una persona, si affermava, gli dava vigore.

Nelle arti visive si sono formate diverse scuole con caratteristiche stilistiche uniche.

3.1. SCUOLA FIORENTINA XV secolo

Fu solo nel XV secolo che le caratteristiche del nuovo stile iniziarono ad apparire nell'architettura italiana. Filippo Brunelleschi (1377-1446) completò nel 1434 il Duomo di Firenze con una gigantesca cupola, edificio gotico iniziato nel 1295. L'architettura secolare del palazzo è caratterizzata da una combinazione di inespugnabilità della fortezza esterna con un'atmosfera interna di comfort.

Nell'architettura delle chiese appare il rivestimento delle facciate delle chiese con marmi policromi, motivo per cui la facciata diventa "a righe" - un tratto caratteristico del Rinascimento italiano.

La nuova scultura nasce nel 1401, quando viene indetto un concorso per decorare le porte delle porte battesimali del Duomo di Firenze. Lo scultore che dovette risolvere i problemi della plasticità europea - scultura rotonda, monumento - fu Donato di Niccolò di Betto Bardi (1386? -1466). Reminiscenze gotiche si osservano anche nella sua arte. Donatello risolve il problema di elevare una figura umana secondo le leggi della plasticità, sviluppate nell'antichità, ma dimenticate nel Medioevo. La statua di San Giorgio, eseguita da Donatello, incarna l'ideale del primo Rinascimento: un senso di autocoscienza e fiducia in questa immagine è enfatizzato dalla posa libera e pacata di una figura che ricorda una colonna. Questo «non è un dio umanizzato dell'antichità, ma un uomo divinizzato di una nuova era» (N. Punin).

Donatello ha anche l'onore di realizzare il primo monumento equestre del Rinascimento. Si tratta di una statua equestre del condottiero Erasmo di Narni a Padova.

Utilizzando le migliori tradizioni dell'arte del medioevo, dopo aver studiato l'antica arte plastica, Donatello giunse nella sua proprie decisioni, a immagini di profonda umanità e genuino realismo, che spiega la sua grande influenza su tutta la successiva scultura europea.

Il ruolo di primo piano nella pittura del primo Rinascimento fiorentino toccò a Tommaso di Giovanni di Simone Cassan Guidi, detto Masaccio (1401-1428). Risolse quei problemi di arte pittorica che Giotto aveva posto prima. Masaccio si dimostrò un artista, per il quale era chiaro come collocare le figure nello spazio, come collegarle tra loro e con il paesaggio, quali sono le leggi dell'anatomia del corpo umano. Risolse i principali problemi del Rinascimento: la prospettiva lineare e aerea.

Il Rinascimento o il Rinascimento ci hanno regalato molte grandi opere d'arte. Fu un periodo favorevole per lo sviluppo della creatività. I nomi di molti grandi artisti sono legati al Rinascimento. Botticelli, Michelangelo, Raffaello, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tiziano, Correggio: questa è solo una piccola parte dei nomi dei creatori di quel tempo.

Questo periodo è associato all'emergere di nuovi stili e pittura. L'approccio alla rappresentazione del corpo umano è diventato quasi scientifico. Gli artisti lottano per la realtà: elaborano ogni dettaglio. Le persone e gli eventi nei dipinti di quel tempo sembrano estremamente realistici.

Gli storici identificano diversi periodi nello sviluppo della pittura durante il Rinascimento.

Gotico - 1200. Stile popolare a corte. Si distingueva per pomposità, pretenziosità, eccessiva vivacità. Usato come vernici. I dipinti erano i soggetti di cui erano le trame d'altare. I rappresentanti più famosi di questa tendenza sono gli artisti italiani Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-rinascimentale - 1300s. In questo momento, c'è una ristrutturazione della morale nella pittura. I temi religiosi passano in secondo piano e il secolare sta guadagnando sempre più popolarità. Il dipinto prende il posto dell'icona. Le persone sono rappresentate in modo più realistico, le espressioni facciali e i gesti diventano importanti per gli artisti. Appare un nuovo genere di belle arti -. Rappresentanti di questo tempo sono Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Primo Rinascimento - 1400s. L'ascesa della pittura non religiosa. Anche i volti sulle icone diventano più vivi - acquisiscono caratteristiche umane facce. Gli artisti dei periodi precedenti hanno cercato di dipingere paesaggi, ma sono serviti solo come aggiunta, come sfondo all'immagine principale. Durante il primo Rinascimento diventa un genere indipendente. Il ritratto continua a svilupparsi. Gli scienziati scoprono la legge della prospettiva lineare e gli artisti costruiscono i loro dipinti su questa base. Sulle loro tele puoi vedere lo spazio tridimensionale corretto. I rappresentanti di spicco di questo periodo sono Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Alto Rinascimento - Età dell'Oro. Gli orizzonti degli artisti si allargano ancora: i loro interessi si estendono nello spazio del Cosmo, considerano l'uomo come il centro dell'universo.

In questo momento compaiono i "titani" del Rinascimento: Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Tiziano, Raffaello Santi e altri. Queste sono persone i cui interessi non si limitavano alla pittura. La loro conoscenza si estese molto oltre. Il rappresentante più in vista fu Leonardo Da Vinci, che non fu solo un grande pittore, ma anche scienziato, scultore, drammaturgo. Ha creato fantastiche tecniche di pittura, come lo "smuffato" - l'illusione della foschia, che è stata usata per creare la famosa "La Gioconda".

Leonardo Da Vinci

Tardo Rinascimento- il tramonto del Rinascimento (metà 1500 - fine 1600). Questa volta è associata a cambiamenti, a una crisi religiosa. Il periodo di massimo splendore finisce, le linee sulle tele diventano più nervose, l'individualismo se ne va. L'immagine dei dipinti sta diventando sempre più una folla. Opere di talento dell'epoca appartengono alla penna di Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

L'Italia ha dato di più al mondo artisti di talento del Rinascimento, sono i più citati nella storia della pittura. Nel frattempo, in altri paesi durante questo periodo, si sviluppò anche la pittura e influenzò lo sviluppo di quest'arte. La pittura di altri paesi durante questo periodo è chiamata Rinascimento settentrionale.

Rinascimento o Rinascimento (Rinascimento italiano, Rinascimento francese) - restauro, educazione antica, revival letteratura classica, arte, filosofia, ideali mondo antico, distorto o dimenticato in "dark" e "ritardato" per Europa occidentale periodo del medioevo. Fu la forma che assunse, dalla metà del 14° all'inizio del 16° secolo, il movimento culturale conosciuto sotto il nome di umanesimo (vedi brief e articoli a riguardo). È necessario distinguere l'umanesimo dal Rinascimento, che è solo la caratteristica più caratteristica dell'umanesimo, che ha cercato sostegno per la sua visione del mondo nell'antichità classica. La culla del Rinascimento è l'Italia, dove l'antica tradizione classica (greco-romana), che aveva un carattere nazionale per l'italiano, non è mai venuta meno. In Italia, l'oppressione del Medioevo non è mai stata avvertita in modo particolarmente forte. Gli italiani si chiamavano "latini" e si consideravano discendenti degli antichi romani. Nonostante l'impulso iniziale per il Rinascimento provenisse in parte da Bisanzio, la partecipazione dei Greci bizantini ad esso fu trascurabile.

Rinascimento. filmino

In Francia e in Germania lo stile antico si mescolava con elementi nazionali, che nel primo periodo del Rinascimento, il primo Rinascimento, erano più pronunciati che nelle epoche successive. Il tardo Rinascimento sviluppò i disegni antichi in forme più lussuose e potenti, da cui si sviluppò gradualmente il barocco. Mentre in Italia lo spirito del Rinascimento è penetrato quasi uniformemente in tutte le arti, in altri paesi solo l'architettura e la scultura sono state influenzate da modelli antichi. Il Rinascimento ha subito una revisione nazionale anche nei Paesi Bassi, in Inghilterra e in Spagna. Dopo che il Rinascimento è degenerato in rococò, è arrivata la reazione, espressa nella più stretta aderenza arte antica, disegni greci e romani in tutta la loro primitiva purezza. Ma questa imitazione (soprattutto in Germania) alla fine portò a un'eccessiva secchezza, che nei primi anni '60 del XIX secolo. tentò di superare il ritorno al Rinascimento. Tuttavia, questo nuovo dominio del Rinascimento nell'architettura e nell'arte durò solo fino al 1880. Da quel momento, il barocco e il rococò ricominciarono a fiorire accanto ad esso.