Pittura dei moderni artisti russi. Artisti della pittura moderna

Ecco una selezione di dipinti per artisti ancora poco conosciuti, ma molto talentuosi. Tutti i ragazzi della Russia e dei nostri contemporanei. Vedi, leggere e divertiti.

Ragazzi, scrivo tutto il tempo qui su circospetti piuttosto noti e personalità. Io, ovviamente, sarebbe molto più interessante scrivere di quegli artisti, su chi non è ancora noto a nessuno, ma cosa fare - è in pubblico vkontakte che puoi scrivere su qualsiasi cosa, e il blog può solo scrivere ciò che le persone stanno cercando in Yandex e Google, altrimenti, oltre a te, nessuno andrà lì. Ma per una varietà e piacere io, tuttavia, ha deciso di fare una selezione di "artisti moderni conosciuti della Russia e dei loro dipinti".

• Cos'altro interessante? (Riferimenti ad altri articoli).
• I dipinti di Marchuk - uno dei moderni artisti ucraini più famosi
• Il leggendario Dean della Facoltà di Graphics Famous "Repeinki".

Qualcuno da questi ragazzi è ancora all'inizio del suo percorso, e qualcuno ha già avuto luogo relativamente e vende con successo le loro opere a Vkontakte o sui marketer sul tipo di fiere dei maestri e sono persino conosciuti nei circoli stretti, ma tutti sono Uniti di uno - non sono ancora noti alle ampie masse. Ma sconosciuto - non significa privo di talento, quindi penso che sarete interessati a guardare. Ho deciso di accendere qui non solo i veri disegni, ma anche diversi scultori.

Artisti moderni poco conosciuti della Russia e dei loro dipinti. Illustratori e pittori.

Artisti poco conosciuti. Colore surreale moderno nei dipinti di Maria Susarenko.

Ho imparato a conoscere questo artista non molto tempo fa e quasi immediatamente si innamorò dei suoi dipinti. In parte perché è molto vicina a me nello spirito, come artista, in parte dovuta all'ammirazione per la tecnica e la violenza della fantasia. Maria Susarenko - Una ragazza carina di San Pietroburgo e di una laurea del famoso spbghp. AL. STIGLITZ. Le immagini di Mary Susarenko sono un brillante mix di moderno e surrealismo. Sembra molto luminoso e decorativo.

Immagini di artisti poco conosciuti. Lavora Maria Susarenko.

Dettagli mozzafiato!

Artisti poco conosciuti. Subbotina Dasha.

Il motivo eterno di Yuralli è una Catan.
Uccisione divertente. Tale ruscello e sarei diffidente.

Moir - https://vk.com/shamancats.

Artisti moderni poco conosciuti in Russia. Scultori.

Lascia che non sia foto qui, ma decorazioni, ma sono così prestibili e amano che non potessi resistere. Alla fine, lo scultore è anche un artista. Sì, l'artista può essere un pittore, un programma, un illustratore o uno scultore (il tuo capitano è ovvio). Ci sono due ragazze, le cui decorazioni non sarebbero state pubblicate dallo stesso Rena Lalik.

Artisti poco conosciuti. Grimoire Black Chicken.

Nel workshop "Grimoire La Poule Noire", che tradotto "Grimoire del pollo nero" (il tuo capitano è ovvio), contiene Lera Prokopets. Lera è una miniatura scultore e solo una splendida signora. Funziona principalmente con argilla polimerica e pietre. Lera crea decorazioni mozzafiato nello stile che chiamerei il gothic "Art Nouveau". Tale bellezza leggermente strega, oscurità, ma elegante. Bene, sarebbe ancora, perché questo è il "Grimar del pollo nero".

Artisti poco conosciuti. Decorazione originale Art Nouveau. Foto dal workshop "Grimoire Black Chicken".

Hekata, dea greca della notte.
Morfina. Magro:) Se i demoni, sia che i vampiri con un linguaggio essiccato - uno dei motivi Lera preferiti.

Leonardo del lo stesso Piero da Vinci (15 aprile 1452-2 maggio 1519) - Il famoso pittore italiano, architetto, filosofo, musicista, scrittore, ricercatore, matematico, ingegnere, un Anata, inventore e geologo. È noto per i suoi dipinti, il più famoso dei quali sono l'ultima cena "e" Mona Lisa ", così come numerose invenzioni, molto con davanti al loro tempo, ma rimanendo solo su carta. Inoltre, Leonardo da Vinci ha dato un contributo importante allo sviluppo di anatomia, astronomia e tecnologia.

Raphael Santi (28 marzo 28 aprile 28 aprile 1483-6, 1520) - il grande artista italiano e un architetto che lavora nell'epoca del Rinascimento, che copre il periodo dalla fine del XV e dei primi anni del XVI secolo. Tradizionalmente, Rafael è considerato uno dei tre grandi maestri di questo periodo, insieme a Michelangelo e Leonardo da Vinci. Molte delle sue opere si trovano nel Palazzo Apostolico in Vaticano, in casa, chiamate macchine Raphael. Tra gli altri, ecco il lavoro più famoso - "Atene School".

Diego Rodriguez de Silva-I-Velasquez (6 giugno 1599-6 agosto 1660) - Artista spagnolo, ritrattista, Artista di corte King Philip IV, il più grande rappresentante della pittura spagnola del secolo d'oro. Oltre a numerosi dipinti raffiguranti scene storiche e culturali del passato, ha scritto molti ritratti della famiglia reale spagnola, così come altre famose figure europee. Il lavoro più famoso di Velasquez è il quadro "Menina" (o "Filip Philip IV") del 1656 nel Museo del Prado di Madrid.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Juan non-overporn Maria de los Remedios Sizhriano de la Santisima Trinidad Martyr Patricio Ruiz e Picasso (25 ottobre 1881-8, 1973) - L'artista e scultore spagnolo famoso in tutto il mondo, fondatore di indicazioni su Belle Art - cubismo. È considerato uno dei più grandi artisti che hanno influenzato lo sviluppo di belle arti nel XX secolo. Gli esperti, sono stati riconosciuti come il miglior artista tra coloro che vivevano negli ultimi 100 anni, così come il più "costoso" del mondo. Per la sua vita, Picasso ha creato circa 20 mila opere (in base ad altri dati 80 migliaia).

Vincent Villem van Gogh (30 marzo 1853-29, 1890) - Il famoso artista olandese che ha acquisito fama solo dopo la morte. Secondo molti esperti, Van Gogh è uno dei più grandi artisti della storia dell'arte europea, nonché uno dei rappresentanti più sorprendenti della posturment. Autore di oltre 2100 opere d'arte, tra cui 870 dipinti, 1 mila figure e 133 schizzi. I suoi numerosi autoritratti, paesaggi e ritratti sono una delle opere d'arte più riconoscibili e costose del mondo. Il più famoso lavoro di Vincent van Gogh, forse, è considerato una serie di dipinti chiamati "girasoli".

Michelangelo BUONAROTI (6 marzo 1475-18 febbraio 1564) - Sviluppato scultore italiano, artista, architetto, poeta e pensatore italiano che aveva un'impronta indelebile su tutta la cultura mondiale. Il lavoro più famoso dell'artista è forse gli affreschi sul soffitto della cappella sistina. Tra le sue sculture, le più famose sono "Pietà" ("Christ" a lutto ") e David. Dalle opere di architettura - il design delle cupole della Basilica di San Pietro. È interessante notare che Michelangelo divenne il primo rappresentante dell'arte dell'Europa occidentale, la cui biografia è stata scritta nella sua vita.

Il quarto posto nella classifica degli artisti più famosi del mondo è Mazacco (21 dicembre, 1401-1428) - il grande artista italiano che ha un'enorme influenza su altri maestri. Mazachho ha vissuto una vita molto breve, quindi ci sono poche prove biografiche. Solo quattro dei suoi affreschi sono conservati, che, senza dubbio, sono il lavoro del Mazacho. Altri, come ritenuto distrutto. Il più famoso lavoro di Mazacho è considerato l'affresco "Trinità" nella Chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, in Italia.

Peter Paul Rubens (28 giugno 1577-30 maggio 1640) - Pittore fiammingo (Diderland South), uno dei più grandi artisti dell'era barocca, è noto per il suo stile stravagante. Considerato l'artista più versatile del suo tempo. Nelle sue opere, Rubens enfatizzò e incorpora la vitalità e la sensualità del colore. Ha scritto numerosi ritratti, paesaggi e dipinti storici con trame mitologiche, religiose e allegoriche. Il lavoro più famoso di Rubens è il trittico "Ritiro dalla croce" scritto nel periodo dal 1610 al 1614 e ha portato l'artista in tutto il mondo fama.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 settembre 1571-18, 1610) - Il grande artista italiano del primo periodo barocco, fondatore della pittura realistica europea del XVII secolo. Nelle sue opere, il Caravaggio ha abilmente usato contrasti di luce e ombra, concentrandosi sui dettagli. Spesso ritraggono i romani ordinari, persone da strade e mercati nelle immagini dei santi e della Madonna. Esempi possono servire come "Evangelist Matthew", "Vakh", "Appeal di Shala", ecc. Uno dei dipinti dell'artista più famosi è considerato "burro" (1595), che Caravaggio lo ha definito il frammento della pittura.

Rembrandt Harmans Wang Reno (1606-1669) - Il famoso pittore e incisore olandese, che è considerato il più grande e famoso artista del mondo. L'autore di circa 600 dipinti, 300 incisioni e 2 mili disegni. La sua caratteristica caratteristica è un workshop con effetti di luce e ombre profonde. Il più famoso lavoro di Rembrandt è il quadro di quattro metri del "orologio notturno", scritto nel 1642 e ora è memorizzato nel Museo di Stato di Amsterdam.

La valutazione del lavoro più costoso è ora artisti viventi - questo è un design che parla del ruolo e del luogo dell'artista nella storia dell'arte è molto meno che circa l'età e la fortezza della salute

Le regole per la preparazione della nostra valutazione sono semplici: in primo luogo, vengono prese in considerazione solo le operazioni con i lavori degli autori viventi; In secondo luogo, vengono prese in considerazione solo le vendite all'asta pubblica; E in terzo luogo, la regola "un artista è un lavoro" (se nella classifica del lavoro due record appartengono a Jones, quindi rimane solo la cosa più costosa, e il resto non viene preso in considerazione). La classifica è condotta in termini di dollari (al tasso alla data di vendita).

1. Coniglio Jeff Kuns. 1986. $ 91.075 milioni

Più a lungo osservi la carriera dell'asta Jeff Kuns (1955), più sei convinto che non c'è nulla di impossibile per Pop Art. Puoi ammirare le sculture del kun sotto forma di giocattoli dai palloncini, e puoi considerare il loro kich e una camera - la tua destra. Non si può negare: gli impianti di Jeff Kuns sono soldi pazzi.

Jeff Kuns ha iniziato la sua strada verso la fama del maggior successo nel mondo ora l'artista vivente nel lontano 2007, quando il suo gigantesco installazione di metallo "Heart Heart" è stato acquistato per $ 23,6 milioni presso l'asta di Sotheby "S. Lavoro comprato che rappresenta la Galleria Kuns Larry Gagosyan (nella stampa ha scritto che negli interessi del miliardario ucraino Victor Pinchuk). La galleria non ha appena installato, ma, infatti, il lavoro dell'arte dei gioielli. Lasciare il lavoro eseguito e non da oro (acciaio inossidabile servito) e la dimensione di esso è chiaramente più che Coulon ordinario (altezza della scultura, 2,7 m pesa 1,600 kg), ma ha uno scopo simile. È stato speso più di sei e mezzo migliaia di ore per produrre una composizione cardiaca con un cuore rivestito con un cuore Dieci strati. Di conseguenza, un denaro gigante pagato per una spettacolare "decorazione".

Poi è stata la vendita di un "fiore da un palloncino" del colore viola per £ 12,92 milioni ($ 25,8 milioni) su Londra Birds Christie il 30 giugno 2008. È interessante notare che i sette anni precedenti precedenti proprietari del "fiore" hanno acquisito un lavoro per $ 1,1 milioni. È facile calcolare che durante questo periodo il suo prezzo di mercato è cresciuto quasi 25 volte.

Il calo del mercato dell'arte del 2008-2009 ha dato agli scettici un motivo per dichiarare quella moda per Kuns. Ma sono stati sbagliati: insieme al mercato dell'arte, l'interesse per le opere di Kun è stato rianimato. Il successore Andy Warhol sul trono del re Pop Art ha aggiornato il suo record personale nel novembre 2012 in vendita su Christie's Multicolored Sculpture "Tulips" della serie "Celebration" per $ 33,7 milioni, tenendo conto della Commissione.

Ma i "tulipani" erano "fiori" nel senso letterale e figurativo. Solo un anno dopo, nel novembre 2013, la vendita di sculture in acciaio inossidabile "cane da palloncini (arancione)": il prezzo del martello era fino a $ 58,4 milioni! L'importo favoloso per l'ormai vivente. Il prodotto dell'autore moderno è stato venduto per il prezzo del Van Gogh di Pittura o Picasso. Queste erano già bacche ...

Con questo risultato, Kuns regnarono per diversi anni in cima alla valutazione ora che vivono artisti. Nel novembre 2018, David Hokney lo ha superato per un po '(vedi la seconda linea della nostra valutazione). Ma in soli sei mesi, tutto è tornato ai circoli: il 15 maggio 2019 a New York all'asta dell'arte del dopoguerra e dell'arte moderna in vendita, la scultura del 1986 è stata messe in vendita - un argento "coniglio" da inossidabile Acciaio, imitando la palla d'aria di tale forma.

In totale, le sculture dei kuns hanno creato 3 battute più una copia dell'autore. Una copia del "coniglio" è arrivato all'asta al numero 2 - dalla collezione dell editore di culto Saya Newhouse, comproprietario della casa editrice di Conde Nast (riviste Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, ecc.). L'argento "coniglio" è stato acquistato dal "Padre del Glamour" diciamo Newhouse nel 1992 per una quantità impressionante della somma di quegli anni - 1 milione di dollari. Dopo 27 anni nella lotta di 10 offerenti, la dimensione della scultura della scultura 80 volte ha superato il precedente prezzo di vendita. E tenendo conto della Commissione premium dell'acquirente, il risultato finale è stato un record per tutti gli artisti viventi di $ 91.075 milioni.

2. DAVID Hokney Ritratto dell'artista. Piscina con due pezzi. 1972. $ 90 312 500

David Hokney (1937) è uno dei più significativi artisti britannici del ventesimo secolo. Nel 2011, secondo i risultati di un sondaggio, migliaia di artisti e scultori britannici professionali, David Hokney ha riconosciuto l'artista britannico più influente di tutti i tempi. Allo stesso tempo, Hokney ha scavalcato tali questioni come William Törsner e Francis Bacon. La sua creatività, di regola, appartiene a Pop Art, anche se nel lavoro precocemente è più all'espressionismo nello spirito di Francis Pance.

David Hokney è nato e cresciuto in Inghilterra, nella contea dello Yorkshire. La madre del futuro artista mantenne la famiglia nel rigore puritano, e suo padre, un semplice ragioniere, un po 'disegnato a livello di amatoriale, incoraggiava le classi del figlio pittoresco. Venti con un piccolo David rimasto in California, dove c'era un totale di circa tre decenni. Lui e ora ci sono due workshop. Hokney ha reso gli eroi delle sue opere di ricchezze locali, le loro ville, piscine, piene di il sole della California dei prati. Una delle opere più famose del periodo americano è un dipinto "splash" - rappresenta un'immagine di uno spray snop, sollevato dalla piscina dopo che l'uomo è saltato nell'acqua. Per ritrarre questo fascio, "vivere" non più di due secondi, Hokney ha lavorato per due settimane. A proposito, questa immagine nel 2006 è stata venduta a Sotheby's per $ 5,4 milioni e per qualche tempo è stato considerato il lavoro più costoso.

Hokney (1937) è già ottanta ottanta, ma funziona ancora e non inventa anche nuove tecniche di funzionalità utilizzando innovazioni tecniche. Una volta arrivato, facendo enormi collage dalle immagini credibili, ha stampato il suo lavoro sui dispositivi fax, e oggi l'artista con un'ispirazione è padroneggiata disegnando sull'iPad. Le immagini disegnate sul tablet occupano un luogo degno nelle sue mostre.

Nel 2005, Hokney finalmente tornò dagli Stati in Inghilterra. Ora scrive sulla prigionia e nel workshop enorme (spesso costituito da diverse parti) paesaggi di foreste locali e wastelife. Secondo Hokney, per 30 anni trascorsi in California, è così convoluzioni da un semplice cambiamento di stagioni che ammira veramente e affascina. Gli interi cicli dei suoi lavori recenti sono dedicati, ad esempio lo stesso paesaggio in diversi momenti dell'anno.

Nel 2018, i prezzi delle immagini di Hokney diverse volte trafungono il marchio di 10 milioni di dollari. E il 15 novembre 2018, un nuovo record assoluto per la creatività è stato registrato per la creatività ora l'artista vivente - $ 90.132.500 per il dipinto "Ritratto di un artista (piscina con due figure)."

3. Gerhard Richter. Pittura astratta. 1986. $ 46,3 milioni

Live Classic. Gerhard Richter (1932) classificato secondo nella nostra classifica. L'artista tedesco era il leader tra i colleghi viventi fino a 58 milioni di record di Jeff Kunsa derubato. Ma è improbabile che questa circostanza possa scuotere l'già autorità di ferro di Richter al mercato dell'arte. Secondo i risultati del 2012, il fatturato annuale dell'asta dell'artista tedesco è inferiore solo a indicatori simili Andy Warhol e Pablo Picasso.

Per molti anni, niente di prefigurato quel successo che è caduto su Richter adesso. Per decenni, l'artista ha occupato un posto modesto nel mercato dell'arte moderna e non è affatto cercato di fammi. Si può dire che quella gloria lo ha riparato. Molti considerano l'acquisto del New York MOMA MOMA Museum nel 1995 dalle opere di Richter il 18 ottobre 1977. Il Museo American ha pagato $ 3 milioni per 15 dipinti in colori grigi e presto ha pensato di tenere una piena retrospettiva dell'artista tedesco. La Grand Exhibition ha aperto sei anni dopo, nel 2001, e da allora l'interesse per il lavoro delle rose di Richter come il lievito. Dal 2004 al 2008, i prezzi per il suo dipinto sono cresciuti tre volte. Nel 2010, Richter ha già portato $ 76,9 milioni, nel 2011, secondo ArtNet, le opere di Richter alle aste per l'importo di $ 200 milioni, e nel 2012 (secondo Artprice) - $ 262,7 milioni in più rispetto a qualsiasi altro Artista vivente.

Mentre Jasper Jones, Jasper Jones accompagna lo splendido successo all'asta, per lo più nei primi lavori, per le opere di Richter una tale separazione acuta non è caratteristica: la domanda è ugualmente resistente alle cose dei diversi periodi creativi, che nella carriera di Richter è stata una grande impostato. Negli ultimi sessant'anni, questo artista ci ha provato in quasi tutti i generi pittoreschi tradizionali - ritratto, paesaggio, marina, nudo, natura morta e, naturalmente, astrazione.

La storia dei record d'asta di Richter è iniziata con una serie di livelli ancora "candele". 27 immagini fotorealistiche delle candele nei primi anni '80, durante la loro ortografia, costano solo 15 mila marchi tedeschi ($ 5,800) per il lavoro. Ma comunque "candele", nessuno ha acquistato alla loro prima fiera nella galleria di Max Hezler a Stoccarda. Quindi il tema dei modelli è stato nominato vecchio stile; Oggi, le "candele" considerano i lavori per tutti i tempi. E stanno milioni di dollari.

Nel febbraio 2008, candela, Scritto nel 1983, è stato acquistato inaspettatamente per £ 7,97 milioni ($ 16 milioni). Questo record personale è durato tre anni e mezzo. Poi nell'ottobre 2011. un altro "Candela" (1982) Ho lasciato il martello su Christie già per £ 10,46 milioni ($ 16,48 milioni). Con questo record, Gerhard Richter è entrato per la prima volta i primi tre artisti viventi di maggior successo, prendendo il suo posto per Jasper Jones e Jeff Kuns.

Quindi la processione vittoriosa dei "dipinti astratti" di Richter è iniziata. Opere simili dell'artista scrive in una tecnica di un autore unico: fa una miscela di pitture semplici su uno sfondo chiaro, e poi con un lungo raschietto con un paraurti auto che li oscilla sulla tela. In questo caso, vengono ottenute intricate transizioni di colore, macchie e strisce. Considera la superficie dei suoi "dipinti astratti" come gli scavi: sono tracce di varie "figure" si affacciano sulle pause di numerosi strati colorati.

9 novembre 2011 All'asta dell'arte moderna e del dopoguerra Sotheby's su larga scala "Immagine astratta (849-3)" 1997 ha lasciato il martello per $ 20,8 milioni (£ 13,2 milioni). E mezzo anno dopo, 8 maggio 2012 All'asta della guerra e arte moderna di Christie's a New York "Immagine astratta (798-3)" 1993 a sinistra per il record $ 21,8 milioni. (tenendo conto della Commissione). Dopo cinque mesi - ancora un record: "Immagine astratta (809-4)" Dalla collezione di Rock Musician Eric Clapton il 12 ottobre 2012 all'asta di Sotheby a Londra lasciò il martello per £ 21,3 milioni ($ 34,2 milioni). La barriera di 30 milioni è stata presa da Richter con una tale facilità, come se non fosse di pittura moderna, ma sui capolavori, che non erano stati meno per anni. Anche se nel caso di Richter sembra che l'inclusione nel "grande" Pantheon sia avvenuta durante la vita dell'artista. I prezzi delle opere tedesche continuano a crescere.

Il prossimo record di Richter apparteneva al lavoro fotorealistico - Paesaggio "Piazza della Cattedrale, Milano (Domplatz, Mailland)" 1968. Il lavoro è stato venduto per 37,1 milioni. All'asta di Sotheby 14 maggio 2013. La vista della bellissima piazza è stata scritta dall'artista tedesco nel 1968 per ordine di Siemens Electro, soprattutto per l'ufficio di Milano dell'azienda. Al momento della sua scrittura, era il più grande prodotto figurativo di Richter (quasi tre tre metri).

Il disco "Cathedral Square" è durato quasi due anni mentre 10 febbraio 2015 Il suo non interrotto "Immagine astratta" (1986): il prezzo del martello ha raggiunto £ 30.389 milioni ($ 46,3 milioni). L'immagine "Abstract Picture" "Abstract Pattern" L'offerta di Sotheby con una dimensione di 300,5 × 250,5 cm è una delle prime opere su larga scala di Richter nel suo particolare raschietto tecnico dell'autore degli strati di vernice. Per l'ultima volta nel 1999, questa "immagine astratta" è stata acquistata all'asta per $ 607 mila (da quest'anno e fino all'attuale lavoro di vendita è stata esposta al Museo di Ludwig di Colonia). All'asta del 10 febbraio 2015, alcuni passi d'asta del cliente americano per £ 2 milioni hanno raggiunto il prezzo di un martello di $ 46,3 milioni. Dal 1999, il lavoro è cresciuto nel prezzo di oltre 76 volte!

4. Cui Zhurzho "Grandi montagne innevate." 2013. $ 39,577 milioni.

Per molto tempo, non abbiamo seguita con attenzione lo sviluppo della situazione nel mercato dell'arte cinese, non volendo sovraccaricare i nostri lettori con una quantità notturna di informazioni su "non la nostra" arte. Ad eccezione del dissidente Ai Weiwei, non così nemmeno costoso, come artista risonante, gli autori cinesi mi sembravano troppo numerosi e distanti da noi per approfondire ciò che avevano sul mercato. Ma le statistiche, come si dice, la signora è seria, e se stiamo parlando del maggior successo ora degli autori viventi del mondo, quindi senza una storia sui rappresentanti eccezionali dell'arte contemporanea, non è ancora a fare.

Iniziamo con l'artista cinese Cui Zuzhuo (Cui Ruzhuo). L'artista è nato nel 1944 a Pechino, dal 1981 al 1996 viveva negli Stati Uniti. Dopo il ritorno in Cina, ha iniziato a insegnare alla National Academy of Arts. Tsui Zhurzho ripensa il tradizionale maneru cinese di disegno nel mascara e crea enorme pergamene web che gli uomini d'affari e i funzionari cinesi come regali sono così amati. A ovest, è noto essere estremamente piccoli, anche se deve essere, molte ricordano la storia con un rotolo per $ 3,7 milioni, che erroneamente buttato fuori, accettati per la spazzatura, i detergenti dell'Hong Kong Hotel. Quindi è stato un rotolo di Tsui Zhurzho.

Zui Zhurzho è già 70, e il mercato del suo lavoro è fiorente. Oltre 60 opere di questo artista hanno attraversato il bar a $ 1 milione. Tuttavia, il successo del suo lavoro è ancora solo nelle aste cinesi. Records Cui Zhurzho impressiona davvero. All'inizio "Paesaggio nella neve" Alla porta all'asta di Poly a Hong Kong 7 aprile 2014 raggiunto il prezzo di un martello in 184 milioni di dollari di Hong Kong ( $ 23,7 milioni di USA).

Esattamente un anno dopo 6 aprile 2015,alla speciale sala d'asta di Poly a Hong Kong, dedicata esclusivamente alle opere di CUI Zhurzho, serie "Great Snow Landscape of Mountain Jiangnan"(Jiannan - la regione storica in Cina, che occupa la giusta ribalta del Nizhtze) Degli otto paesaggi di inchiostro su carta, il prezzo di un martello di 236 milioni di dollari di Hong Kong raggiunti ( $ 30,444 milioni di USA).

Un anno dopo, la storia ripetuta di nuovo: nella solitana, Zui Zhurzho, tenuta da poli aste a Hong Kong 4 aprile 2016 Polyptih da sei parti "Grandi montagne innevate" Il 2013 ha raggiunto il prezzo di un martello (compresa la commissione della casa d'asta) 306 milioni di dollari di Hong Kong ($ 39,577 milioni di USA). Finora, questo è un record assoluto tra gli artisti asiatici ora viventi.

Come rivenditore d'arte Johnson Chan crede, per 30 anni lavorando con arte moderna cinese, c'è un desiderio incondizionato di aumentare i prezzi per il lavoro di questo autore, ma tutto ciò accade a un livello di prezzo simile, dove è improbabile che i collezionisti esperti vogliano comprare qualcosa. "I cinesi vogliono sollevare le valutazioni dei loro artisti, gonfiare i prezzi del loro lavoro a grandi aste internazionali come il fatto che Poly organizzato a Hong Kong, ma non dovrebbe dubitare che queste valutazioni siano completamente fabbricate," Commenti Johnson Chan L'ultimo record Tsui Zhurzho.

Questo, ovviamente, solo il parere di un rivenditore separato e abbiamo un record reale registrato in tutti i database. Quindi ci concheremo con esso. Tsui Zuhuo stesso, a giudicare dalle sue dichiarazioni, lontano dalla modestia di Gerhard Richter, quando si tratta del successo dell'asta. Sembra che questa gara per i record sia seriamente affascinata. "Spero che per i prossimi 5-10 anni, i prezzi per il mio lavoro supereranno i prezzi del lavoro dei maestri occidentali come Picasso e Van Gogh. Questo è un sogno cinese ", dice Tsui Zhurzho.

5. Jasper Jones. Bandiera. 1983. $ 36 milioni

Il terzo posto nella valutazione degli artisti viventi appartiene all'americano Jasper Johnsu (1930). Prezzo record corrente per Johns - $ 36 milioni. Così tante pagato per il suo famoso "Bandiera" Nell'Alard of Christie "s 12 novembre 2014.

Una serie di immagini "Bandiere", iniziata da Jones a metà degli anni '50, subito dopo l'artista restituito dall'esercito, divenne uno dei centrali nel suo lavoro. L'artista era ancora in gioventù interessato all'idea di Redi-Meida, trasformando l'oggetto quotidiano nell'opera d'arte. Tuttavia, le bandiere di Jones non erano reali, sono stati scritti da olio su tela. Pertanto, il lavoro dell'arte ha acquisito le proprietà di una cosa dalla vita ordinaria, era allo stesso tempo e l'immagine della bandiera e della bandiera stessa. Una serie di opere con bandiere ha portato Jasper Jusses World Fame. Ma il suo lavoro astratto è ugualmente popolare. Per molti anni, la lista dei lavori più costosi, compilati dalle regole di cui sopra, ha guidato il suo astratto "Falsa partenza". Fino al 2007, questa tela molto luminosa e decorativa, scritta da Jones nel 1959, è stata considerata il proprietario di un Praticamente inaccessibile per ora l'artista vivente (anche un classico della vita classico) - $ 17 milioni. Così tanto per quello è stato pagato in oro per il mercato dell'arte 1988..

È interessante notare che l'esperienza di Jasper Jones come portatore di un record non era continuo. Nel 1989, ha interrotto il lavoro di un collega sul laboratorio del Villem de Kunning: la "miscela" dell'astrazione di due metri è stata venduta a Sotheby per $ 20,7 milioni. Jasper Johns doveva essere spostato. Ma dopo 8 anni, nel 1997 , De Cuning è morto, e "Falstart" Jones ha nuovamente preso la prima linea di rating dell'asta ora vivendo artisti per quasi 10 anni.

Ma nel 2007 tutto è cambiato. Il record "Falstart" prima eclisse le opere di giovani e ambiziosi Damien Hirst e Jeff Kuns. Poi ci fu una vendita record per $ 33,6 milioni di "ispettore addormentato per benefici" Brush Brush Lusien Freud (ora il defunto, e quindi, che non partecipa a questa classifica). Successivamente, i record di Gerhard Richter sono iniziati. In generale, finora con l'attuale record di 36 milioni di Jasper Jones, uno dei maestri dell'arte del dopoguerra americano, che lavora presso la giunzione neo-dadaismo, l'espressionismo astratto e la pop art, è all'onorevole terzo posto.

6. Ed Rushe. DISTRUGGERE. 1963. $ 30,4 milioni

Improvviso successo del dipinto "Smash" del pennello dell'artista americano Edward Rushaya (r. 1937) alle occasioni Christie's 12 novembre 2014 Portato questo autore agli artisti viventi più costosi. Il precedente prezzo del record per le opere di Ed Rushaya (spesso il nome di Ruscha è pronunciato in russo come "ruša", ma la pronuncia corretta del roaster) era "totale" $ 6,98 milioni: così tanti pagati per la sua tela "Burning Benzocolon" nel 2007 . Sette anni dopo il suo "DISTRUGGERE" Sotto la stima $ 15-20 milioni ha raggiunto il prezzo di un martello $ 30,4 milioni.. Ovviamente, il mercato delle opere di questo autore è arrivato a un nuovo livello - non è per niente che le sue opere siano decorate con la Casa Bianca Barack Obama, e Larry Gagosyan stesso lo espone nelle sue gallerie.

Ed Rushee non ha mai cercato di fare il dopoguerra New York con l'hobby del suo paziente con l'espressionismo astratto. Invece, per oltre 40 anni, stava cercando ispirazione in California, dove si è trasferito dal Nebraski di 18 anni. L'artista si fermò alle origini di un nuovo corso nell'arte, chiamata Pop Art. Insieme a Warhol, Liechtenstein, Wayne Tibo e altri cantanti, Edward Hushet nel 1962 prese parte alla mostra "Una nuova immagine di cose ordinarie" nel Museo Pasaden, che divenne la prima esposizione del museo dell'America Pop Art. Tuttavia, Ed Rush Solde non piace quando il suo lavoro è attribuito a Pop Art, Conceuatualism o qualche altro flusso di arte.

Il suo stile unico è chiamato "pittura di testo". Dalla fine degli anni '50, Ed Rubre cominciò a disegnare parole. Inoltre, per Warhol, il lavoro dell'arte è stata la Banca di Zuppa, per Ed Rushaya erano le solite parole e frasi prese da lui o da un cartellone o imballaggio nel supermercato, o dai titoli dei film (Hollywood era sempre da Rusheya "sotto Il lato ", e a differenza di molti artisti-artisti, Rushev rispettava una" fabbrica da sogno "). Le parole sulle sue tele acquisire le proprietà degli oggetti tridimensionali, queste sono vere naturali ancora dalle parole. Quando guardi il suo web, il primo in mente arriva la percezione visiva e solida della parola disegnata, e dopo il significato semantico. Quest'ultimo, di regola, non è suscettibile di decrittografia non ambigua; Le parole e le frasi selezionabili possono essere interpretate in modi diversi. La stessa parola gialla brillante "Smash" su uno sfondo blu profondo può essere percepito come una chiamata aggressiva per rompere qualcosa o qualcuno; Come un singolo aggettivo, eliminato dal contesto (parte di qualche intestazione del giornale, ad esempio), o semplicemente come una parola separata catturata nel flusso urbano delle immagini visive. Ed Rushe gode di questa incertezza. "Ho sempre profondamente rispettato cose strane, inspiegabili ... le spiegazioni in un certo senso uccidono la cosa", ha detto in una delle interviste.

7. Christopher Vul. Senza nome (RIOTA). 1990. $ 29,93 milioni

Artista americano Christopher vul (1955) Ho interrotto per la prima volta la valutazione degli artisti viventi nel 2013 - dopo aver venduto oggi il lavoro dell'apocalisse per $ 26,5 milioni. Questo record lo ha immediatamente messo in una riga con Jasper Jones e Gerhard Richter. L'ammontare di questo affare storico - più di $ 20 milioni è stato sorpreso da molti, da prima che il prezzo dell'artista non abbia superato $ 8 milioni. Tuttavia, la rapida crescita nel lavoro del lavoro di Christopher Voura era già evidente: c'erano 48 Le transazioni d'asta nell'importo superiore a $ 1 milione e 22 di esse (quasi la metà) sono state tenute nel 2013. Due anni dopo, il numero di lavori di Chris Voula, ha venduto più di $ 1 milione, ha raggiunto 70 anni, e il nuovo record personale non si è fatto aspettare. Alle occasioni Sotheby's 12 maggio 2015 Lavoro "Untitled (Riot)" è stato venduto per $ 29,93 milioni. Tenendo conto del premio dell'acquirente.

Christopher vul è noto principalmente al suo lavoro su larga scala con immagini di lettere nere su fogli di alluminio bianco. Essi, di regola, stabiliscono record alle aste. Tutte queste sono la fine degli anni '80 - i primi anni '90. Come dice la leggenda, un giorno wolly ha camminato la sera a New York e improvvisamente ha visto su un nuovo graffito di camion bianco con lettere nere - parole sessuali e luv. Questo è lo spettacolo così gli impressionato che è immediatamente tornato al laboratorio e ha scritto la sua versione con queste parole. Nel Courtyard era il 1987 e cerca ulteriormente dall'artista di parole e frasi per la loro "lettera", riflettono lo spirito controverso di questa volta. Questa è la chiamata "Vendi una casa, vendi la macchina, vendi bambini", presi dall'avvolgimento del film "Apocalypse oggi", e la parola "pazzo" ("pazzo") nelle lettere maiuscole e la parola "Riot" ( "Ribellione"), spesso trovata nei titoli di giornali di quel tempo.

Parole e frasi di vul mettere su fogli di alluminio con stencil di vernici alchidiche o smaltate, lasciando intenzionalmente tamburi, tracce da stencil e altre prove del processo creativo. L'artista delle parole ha diviso in modo che lo spettatore non abbia capito immediatamente il significato. All'inizio, vedi solo il cluster di lettere, cioè ti percepisci la parola come oggetto visivo, e solo allora stai leggendo e decifrando il significato della frase o delle parole. Vul ha usato il font, che era nel corso del militare americano dopo la seconda guerra mondiale, che rafforza l'impressione dell'ordine, delle direttive, dello slogan. Queste opere "lettera" sono percepite come parte del paesaggio urbano come graffiti illegali, disturbando la purezza della superficie di qualche oggetto stradale. Questa serie di opere di Christopher Vul è riconosciuta come uno dei vertici dell'astrazione linguistica, e quindi si stima che sia così alto da amanti dell'arte contemporanea.

8. Peter Doyig. ROVEL. 1991. $ 28,81 milioni

Britannico Peter Doyig.(1959), anche se si riferisce alla generazione di postmodernici kuns e hirst, scelse un genere molto tradizionale del paesaggio per se stesso, per molto tempo in precedenza non in favore degli artisti avanzati di favore. Peter Doyig farà rivivere l'interesse del pubblico al dipinto figurativo. Il suo lavoro è molto apprezzato sia critici che non specialisti, e la prova di questo è un rapido aumento dei prezzi per le sue opere. Se nei primi anni '90, i suoi paesaggi costano diverse migliaia di dollari, ora il conto va a milioni.

Il lavoro di Doyig è spesso chiamato realismo magico. Basato su paesaggi reali, crea immagini fantasy, misteriose e spesso scure. L'artista ama ritrarre gli oggetti abbandonati da persone: un edificio dilapidato della costruzione di Le Corbusier in mezzo a una foresta o una canoa bianca vuota su un lago Stroy. Oltre alla natura e all'immaginazione, Doyaga ispira film horror, vecchie cartoline, foto, video amatoriali e così via. I dipinti Doyig sono colorati, complessi, decorativi e non provocativi. Tale dipinto è carino. Riscalda l'interesse dei collezionisti anche bassa produttività dell'autore: l'artista che vive a Trinidad non crea più di una dozzina di immagini all'anno.

Nei primi anni 2000, i paesaggi separati dell'artista sono stati venduti per diverse centomila dollari. Allo stesso tempo, Doyiga è arrivata alla Galleria di Saatchi, sulla Biennale nel Museo di Whitney e sulla collezione di MOMA. Nel 2006, il piano d'asta è stato superato a $ 1 milione. E il prossimo anno si è verificato una svolta inaspettata: il lavoro "Bianco Canoe", proposto a Sotheby's il 7 febbraio 2007 con una stima di $ 0,8-1,2 milioni, cinque volte superata la valutazione preliminare ed è stato venduto per £ 5,7 milioni ($ 11,3 milioni). A quel tempo era un prezzo record per il lavoro dell'artista europeo vivente.

Nel 2008, si sono svolte mostre personali di Doyiga nella Tate Gallery e il Museo dell'arte Contemporanea a Parigi. I cartellini di prezzo multimilionio per il lavoro Doyign sono diventati la norma. Il record personale di Peter Doyig è stato recentemente aggiornato più volte all'anno - abbiamo solo il tempo di cambiare l'immagine e il posto di questo artista nella nostra classifica ora gli autori viventi.

Ad oggi, il lavoro più costoso di Peter Doyiga è un paesaggio innevato "Roselyl" ("Rosedale") 1991. Ciò che è interessante, il record non è stato installato su Sotheby's o Christie's, ma all'asta della moderna casa d'asta d'arte Phillips. Questo è successo il 18 maggio 2017. La vista delle rotte coperte di neve, uno dei distretti di Toronto, è stato venduto a un acquirente telefonico per $ 28,81 milioni. Questo è circa 3 milioni sopra il record precedente ($ 25,9 milioni per il lavoro "assorbito dal Quagger") . La band "Rozdeil" ha preso parte alla mostra chiave di Doyig nella Galleria di Whitechapel di Londra nel 1998, e in generale questo lavoro per il mercato era fresco, e quindi un prezzo record è abbastanza meritato.

9. Frank Stella Cape Pine. 1959. $ 28 milioni

Frank Stella (Frank Stella) è un rappresentante luminoso dell'astrazione post-conoscenza e minimalismo nell'arte. A una certa fase, è indicato come pittura a bordo rigida (pittura a bordo rigido). All'inizio, Stella in contrasto con una rigida geometria, monocromicità ascetica e strutturatura dei suoi dipinti di spontaneità e dipinti caotici di espressionisti astratti come Jackson Pollock.

Alla fine degli anni '50, l'artista è stato notato dal famoso Gallery Player Leo Castelli e ha premiato per la prima volta la mostra. Su di lei, ha presentato i cosiddetti "dipinti neri" - la tela, dipinta da linee nere parallele con intervalli sottili di una tela immatura tra loro. Le linee sono piegate in forme geometriche, qualcosa che assomiglia all'illusione ottica, la maggior parte delle immagini che sfarfallio si muovono, serrando, creano una sensazione di spazio profondo, se li guardi per molto tempo. Il tema delle linee parallele con strisce di divisione sottili Stella continua nelle opere su alluminio e rame. Le vernici cambiano, la base scenica e persino la forma di modelli (tra gli altri, il lavoro sotto forma di lettere u, t, l) è assegnato). Ma il principio principale del suo dipinto era ancora nel contorno della chiarezza, nella monumentalità, nella forma semplice, dalla monocromicità. Nei prossimi decenni, Stella ha lasciato tale pittura geometrica verso forme e linee lisce, naturali e da dipinti monofonici - a transizioni di colore luminose e diverse. Negli anni '70, Stella catturava modelli enormi, con l'aiuto di cui le navi sono dipinte. L'artista li ha usati per enormi dipinti con elementi dell'Assemblea - Incluso pezzi di tubi in acciaio o rete metallica.

Nelle sue interviste precoci, Frank Stella discute francamente dei significati investiti nel loro lavoro, più precisamente, sulla loro assenza: "Quello che vedi, c'è qualcosa che vedi." L'immagine è l'oggetto stesso, piuttosto che giocare a qualsiasi cosa. "Questa è una superficie piatta con vernice su di esso e niente di più," disse Stella.

Bene, firmato da Frank Stella, questa "superficie con vernice su di esso" oggi può costare milioni di dollari. Per la prima volta nella valutazione degli artisti viventi, Frank Stella, nel 2015, con la vendita del lavoro "Transizione del delaver" (1961) per $ 13,69 milioni, tenendo conto della Commissione.

Quattro anni dopo, il 15 maggio 2019, il nuovo record ha stabilito un inizio (1959) lavoro "Capo Pines": il prezzo del martello è stato superiore a $ 28 milioni, tenendo conto della Commissione. Questo è uno dei 29 "dipinti neri" - il più con cui Stella ha debuttato alla sua prima mostra a New York. Una laureata della Princeton University Frank Stelle aveva poi 23 anni. Mancano spesso i soldi sulla pittura ad olio per gli artisti. Il giovane artista ha lavorato come lavori di riparazione, è piaciuto molto i colori puliti della vernice di vernice, e poi l'idea sorse per lavorare questa vernice su tela. La vernice nera dello smalto Stella scrive le strisce parallele, lasciando sottili linee di tela non custodite tra loro. E scrive senza linee, sull'occhio, senza previo schizzo. Stella non sapeva mai quante linee nere avrebbero successo in un'immagine specifica. Ad esempio, nella foto "Capo Soskin", c'erano 35. Il nome del lavoro si riferisce al nome del Capo nel Massachusetts Bay - Point of Pines. All'inizio del XX secolo, è stato un grande parco divertimenti su di esso, e oggi è uno dei quartieri della città di Revir.

10. Yoshito Nara Knife dietro la schiena. 2000. $ 24,95 milioni

Yoshito Nara (1959) è una delle figure chiave dell'arte neo-pop giapponese. Giapponese - Perché, nonostante la fama globale e molti anni di lavoro all'estero, il suo lavoro distingue ancora un'identità nazionale pronunciata. Personaggi preferiti di Nara - Ragazze e cani nello stile del manga di fumetti giapponesi e dell'anime. Le immagini hanno inventato da lui per molti anni come "entrò nella gente": sono stampati su magliette, rendono souvenir con loro e diversi merci. Nato nella povera famiglia, lontano dalla capitale, non è solo amato per il talento, ma anche apprezzare come persona che ha fatto se stessi. L'artista funziona velocemente, espressamente. È noto che alcuni dei suoi capolavori sono stati realizzati letteralmente a notte. Immagini e sculture di Yosito Nara sono solitamente molto concise, e anche ci sono avari in mezzi espressivi, ma portano sempre una forte carica emotiva. Le ragazze adolescenti vicino a Nara spesso guardano lo spettatore con quadrato non collocato. Nei loro occhi - Audacity, Challenge e Aggressione. Nelle mani - poi un coltello, poi una sigaretta. C'è un'opinione che le perversesioni del comportamento raffiguranti siano la reazione alla moralità pubblica di gabbia, vari tabù e i principi dell'istruzione adottati dai giapponesi. Severità quasi medievale e problemi di guida di vergogna all'interno, creano un terreno per un'esplosione emotiva differita. "Il coltello dietro la schiena" allo stesso tempo riflette una delle idee principali dell'artista. In questo lavoro c'è uno sguardo odiato da una ragazza, e una mano che minacciava dietro la schiena. Fino al 2019, i dipinti e le sculture di Yosito Nara hanno ripetutamente preso un segno in un milione, o anche alcuni milioni. Ma venti milioni - per la prima volta. Nara è uno degli artisti più famosi del mondo dell'origine giapponese. E ora il più costoso da ora vivere. Il 6 ottobre 2109, a Sotheby's a Hong Kong, ha selezionato questo titolo con Takasi Murakami e ha notevolmente con l'avanguardia di 90 anni di Yoya Kusama (i prezzi massimi all'asta per i suoi dipinti stanno già avvicinando a $ 9 milioni).

11. Zeng fanchi. L'altra sera. 2001. $ 23,3 milioni

All'asta di Sotheby a Hong Kong 5 ottobre 2013. L'anno Panno su larga scala "Ultima cena" Artista di Pechino Zeng Fangzhi (1964) È stato venduto per un importo registrazione di 160 milioni di dollari di Hong Kong - $ 23,3 milioni. STATI UNITI D'AMERICA. Il costo finale del Fangio è stato scritto, naturalmente, sotto l'influenza della creatività di Leonardo da Vinci, era il doppio della stima preliminare di circa $ 10 milioni. Precedente Record di prezzo Jeng Fangzhi - $ 9,6 milioni.Christie's Hong Kong Birdtage nel maggio 2008 per il lavoro "Una serie di maschera. 1996. No. 6 ".

"L'ultima cena" è il più grande (2,2 × 4 metro) del web di Fangi nella serie "Maschere", che copre il periodo dal 1994 al 2001. Il ciclo è dedicato all'evoluzione della società cinese sotto l'influenza delle riforme economiche. L'introduzione del governo del PRC degli elementi dell'economia di mercato ha portato a urbanizzazione e disaccordo dei cinesi. Falggey raffigura i residenti dei moderni megalopoli cinesi, che devono combattere per il posto sotto il sole. Tutta la nota composizione degli affreschi di Leonardo nella lettura di Fangii acquisisce un significato completamente diverso: il luogo dell'azione è stato trasferito da Gerusalemme alla classe della scuola cinese con tavole tipiche di geroglifici sulle pareti. "Cristo" e "Apostoli" si sono trasformati in pionieri con legami a mostre, e solo "Giuda" indossa una cravatta d'oro - questa è una metafora del capitalismo occidentale, penetrando e distruggendo il solito modo di vivere in un paese socialista.

Le opere di Jeng Falggey sono stilisticamente vicine all'espressionismo europeo e sono altrettanto drammatiche. Ma allo stesso tempo sono pieni di simboli e specifiche cinesi. Questa versatilità attira la creatività dell'artista dei collezionisti sia cinesi che occidentali. La conferma diretta di questa è la provenienza della "cena segreta": il lavoro è stato messo per un commercio nel famoso collezionista dell'Avant-garde cinese degli anni '80 - I primi anni '90 - Baron Guy Belgian Ulles.

12. Robert Rayman. Ponte. 1980. $ 20,6 milioni

Alle occasioni Christie il 13 maggio 2015 Lavoro astratto "Ponte" Artista americano di 85 anni Robert Raimana. (Robert Ryman) è stato venduto per $ 20,6 milioni.data la Commissione - due volte più costosa della stima inferiore.

Robert Rayman. (1930) Non ho capito immediatamente cosa voleva diventare un artista. All'età di 23 anni, si trasferì a New York da Nashville (Tennessee), volendo diventare un sassofonista jazz. Nel frattempo, non è diventato un musicista famoso, ho dovuto lavorare come guardia di sicurezza nella mamma, dove ha avuto luogo la sua conoscenza con Sollar Le Witt e Dan Flavin. Il primo ha funzionato al Museo del Segretario notturno, e la seconda guardia e sollevatore. Sotto l'impressione di espressionisti astratti, Rotko, De Cunning, Pollock e Newman, che hanno visto a MoMA, Robert Raiman, nel 1955, era impegnato nella pittura.

Riman è spesso classificato come minimalisti, ma preferisce essere chiamato "realista", poiché non è interessato a creare illusioni, dimostra solo le qualità dei materiali usati da lui. La maggior parte dei suoi lavori è scritta da vernici di tutte le possibili sfumature di bianco (da bianco grigiastro o giallastro-abbagliante) basato su una forma quadrata laconica. Per la sua carriera, Robert Rayman ha provato molti materiali e tecnici: scritto con olio, acrilico, caseina, smalto, pastello, gouache, ecc. Su tela, acciaio, plexiglass, alluminio, carta, cartone ondulato, vinile, carta da parati, ecc. Suo amico Il restoretor professionista Orrin Riley, gli consigliato sull'effetto di tali materiali che doveva usarlo. Mentre l'artista disse una volta: "Non sorge mai la domanda, che cosa Scrivi, soprattutto - come Scrivi". Si tratta della trama, nel carattere delle macchie, nel confine tra la superficie colorata e i bordi della base, così come nel rapporto tra lavoro e pareti. Dal 1975, l'elemento speciale delle sue opere diventa elementi di fissaggio, il design di cui Rayman si sta sviluppando e li lascia deliberatamente visibile, enfatizzando il suo lavoro "lo stesso del reale come le vere mura su cui appendono". Riman preferisce dare le opere di "nomi", ma non "nomi". "Nome" è ciò che aiuta a distinguere un lavoro da un altro, e Riman spesso dà nomi alle loro opere su marchi di vernice, aziende, ecc. E il "titolo" afferma ad alcuni allocazioni e significati profondamente nascosti, la presenza di cui nel loro lavora, l'artista nega regolarmente. Nient'altro che materiale e la tecnologia non importa.

13. Damien Hearst. Primavera assonnata. 2002. $ 19,2 milioni

Artista inglese Damien Heurst (1965) Era destinato a girare il primo posto di questa valutazione in una controversia con Jasper Jasper Live Jones. Il lavoro già menzionato "Falstart" potrebbe ancora rimanere un leader non ottimizzato se 21 giugno 2007 Installazione in quel momento 42 anni Kherst "Primavera assonnata" (2002) non è stato venduto su Sotheby "s per £ 9,76 milioni, cioè, per $ 19,2 milioni. Lavoro, a proposito, ha un formato piuttosto insolito. Da un lato, questa è una vetrina armadio con tablet (6,136 pillola), infatti, installazione classica. E dall'altro, questa vetrina è realizzata piatta (profonda 10 cm), viene presa nel telaio e appeso al muro, come un pannello del plasma, garantendo così il comfort del possesso, tipico dei dipinti. Nel 2002, la sorella di questa installazione, il "sonnolento inverno", è andato per $ 7,4 milioni, più del doppio più economico. La differenza nel prezzo di qualcuno "spiegato" dal fatto che le compresse invernali sono più sbiadite. Ma è chiaro che questa spiegazione è assolutamente infondata, perché il meccanismo dei prezzi per tali cose non è più associato alla loro decoratività.

Nel 2007, molti riconosciuti da un'autore del lavoro più costoso tra gli artisti infernale. La domanda è vera, dalla categoria "A seconda di come contare". Il fatto è che Herst è stato venduto per sterline costose e Jones per ora dollari più economici, e persino vent'anni fa. Ma anche se lo consideri alla pari, esclusi 20 anni di inflazione, il lavoro di Hirst era più costoso in dollari, e in sterline - Jones. La situazione era un confine, e tutti gli stessi erano ondati per decidere chi considera il più costoso. Ma Herst è durato in primo luogo non così tanto tempo. Nello stesso 2007, fu spostato dal primo posto Kuns con il suo "cuore sospeso".

Proprio sulla vigilia del calo globale dei prezzi per l'arte contemporanea, Herst ha intrapreso un start-up senza precedenti per il giovane artista - la solitana delle sue opere, che si è svolta il 15 settembre 2008 a Londra. Lehman Brothers ha annunciato sulla vigilia della bancarotta di fallimento non rovinava l'appetito agli amanti dell'arte contemporanea: Dalla proposta di Sotheby's 223 opere di nuovi proprietari non hanno trovato solo cinque (uno degli acquirenti, a proposito, era Viktor Pinchuk). Composizione "Toro Golden" - Enorme toro spaventapasseri in formaldeide, condita con un disco d'oro, "portato già £ 10,3 milioni ($ 18,6 milioni). Questo è il miglior risultato di Harst, se si considera in sterline (nella valuta in cui è stata effettuata la transazione). Tuttavia, stiamo classificando in termini di dollari, quindi (forse perdonami "Golden Toro") della migliore vendita di Hirst saremo considerati ancora "Sleepy Spring".

Dal 2008, le vendite del livello "Sleepy Spring" e il "Golden Toro" non avevano. Record freschi del 2010 - Sulle opere di Richter, Jones, Fangi, Voura e Kuns - trasferite Damien sulla sesta riga della nostra valutazione. Ma non faremo un giudizio categorico sul tramonto l'era di Hirst. Secondo gli analisti, Hearst come "Superstar" è già entrata nella storia, e quindi sarà per molto tempo; Tuttavia, il maggior valore del futuro è previsto per lavori creati nel periodo più innovativo della sua carriera, cioè negli anni '90.

14. Maurizio Kattelan. Lui. 2001. $ 17,19 milioni

Italiano Maurizio Katteman (1960) è venuto all'arte dopo aver lavorato come guardia, un cuoco, un giardiniere e un designer di mobili. L'autore autodidatta è diventato famoso in tutto il mondo grazie alle sue fulture e alle sue impianti ironici. Crollava il meteorite su Papa romano, ha trasformato la moglie del cliente in un trofeo da caccia, ha espresso il pavimento nel Museo dei Vecchi Maestri, ha mostrato un dito medio gigante della Borsa di Milano, ha portato un asino vivente alla Frieze Fair. Nel prossimo futuro, Kattelan promette di stabilire un bagno dorato nel museo Guggenheim. In definitiva, il riconoscimento anti-artistico di Maurizio Kattelan è stato ampiamente riconosciuto nel mondo dell'arte: è stato invitato alla Biennale veneziana ("Altro" installazione nel 2011 - un gregge di duemila piccioni, che stanno crescendo da tutti i tubi e le travi sulla folla Passando in basso), organizza la sua retrospettiva nel Museo Guggenheim di New York (novembre 2011) e, infine, paghi per la sua scultura Grandi soldi.

Dal 2010, il lavoro più costoso di Maurizio Kattelan era una scultura di cera di guardare fuori da un buco nel pavimento di una persona, esteriormente simile all'artista stesso ("Untitled", 2001). Questa installazione di sculture che esiste nel numero di tre copie più la copia dell'autore è stata dimostrata per la prima volta al Bummans Museum Wang Bengenna a Rotterdam. Poi questo personaggio malizioso guardò fuori dal buco nel pavimento con le foto dei pittori olandesi dei secoli XVIII - XIX. Maurizio Kattelatlan In questo lavoro si associa se stesso con un criminale audace, invadendo lo spazio sacro della sala dei musei con le foto di grandi maestri. Pertanto, vuole privare l'arte del nocciolo della santità, che i muri del museo gli danno. Lavoro, per la mostra di cui ogni volta che devi dormire, venduto per $ 7,922 milioni su Sotheby's.

Il record è durato fino all'8 maggio 2016, quando un lavoro ancora più provocatorio di Kattelan "lui", raffigurante l'hitler a gomito, ha lasciato il martello per $ 17.189 milioni. La cosa è strana. Il nome è strano. Selezione del personaggio - rischioso. Come tutto a Kattelan. Cosa significa? "Sua" o "la sua infernale maestà"? È chiaro che non è sicuramente di cantare l'immagine del Fuhrer. In questo lavoro, Hitler appare piuttosto impotente, miserabile. E assurdo - la forma di realizzazione di Satana è fatta con un aumento dal bambino, indossando il costume di uno scolaro e si erge sulle ginocchia con un'umile espressione sul suo viso. Per Kattelan, questa immagine è un invito a pensare alla natura del male assoluto e di un modo per sbarazzarsi delle paure. A proposito, la scultura occidentale dello spettatore "lui" è ben nota. Il suo compagno della serie è stato esposto più di 10 volte nei principali musei del mondo, tra cui il Centro Pompidou e il Museo Solomone Gugenheim.

15. Mark Grotyan Senza nome (S III rilasciato in Francia Face 43.14). 2011. $ 16,8 milioni

Il 17 maggio 2017, una delle più potenti opere panoramiche, Mark Grotanna da sempre esposta su un'offerta è apparsa durante le offerte serali di Christie's a New York. Immagine "Senza nome (SI III rilasciato in Francia Face 43.14)" Paris Collector Patrick Sagin è stata sopportata con una stima di $ 13-16 milioni, e dal momento che la vendita di un sacco è stata garantita da una terza parte, l'istituzione di un nuovo personale Il record dell'asta dell'artista di 49 anni non è stato particolarmente sorpreso. Il prezzo del martello è $ 14,75 milioni di dollari (e tenendo conto del premio del compratore $ 16,8 milioni) ha superato l'ex record d'asta di Grentian più di $ 10 milioni. Ciò gli ha permesso di entrare nel club ora gli artisti viventi le cui opere sono vendute per otto- importi cifre. I risultati di sette nottili (le vendite sono più costose di $ 1 milione, ma non più di $ 10 milioni) nel salvadanaio dell'asta, il marchio Glyatina è già a circa trenta.

Mark Grotyan (1968), nel cui lavoro gli esperti del lavoro vedono l'influenza del modernismo, il minimalismo astratto, il POP e l'op-art, sono venuti al loro stile aziendale a metà degli anni '90, dopo aver spostato con un altro Brent Peterson a Los Angeles e aprendo la galleria "Camera 702". Mentre l'artista stesso ricorda, in quel momento iniziò a pensare a cosa per lui nell'arte in primo luogo. Stava cercando il motivo con cui sarebbe stato possibile sperimentare. E ho capito che era sempre interessato alla linea e al colore. Esperimenti nello spirito di radiazione e minimalismo con una prospettiva lineare, numerosi punti di partenza e forme triangolari astratte multicolori alla fine hanno portato una gloria mondiale di gloria.

Dai paesaggi colorati astratti con più linee di orizzonte e punti di riunione di prospettiva di conseguenza, è venuto a forme triangolari che assomigliano alle ali delle farfalle. Foto di Groutyan 2001-2007 Quindi chiamano - "farfalle". Oggi, spostando il punto della partenza o usare diversi punti della diversità di raccolta, è considerata una delle tecniche più forti dell'artista.

La prossima grande serie di opere è stata chiamata "persone"; Nelle linee astratte di questa serie, le caratteristiche del volto umano, semplificato per lo stato della maschera nello spirito di Matisse, Yalevsky o Brankuzy, sono indovinate. Parlando della semplificazione marginale e della stilizzazione delle forme, sulla decisione compositiva dei dipinti, quando i contorni degli occhi sparsi, le bocche ci cercano dal boschetto della foresta, i ricercatori celebrano il collegamento delle "persone" del Groayan con l'arte di Tribù primitive dell'Africa e dell'Oceania, mentre l'artista stesso semplicemente "come l'occhio dell'immagine guardando dalla giungla. A volte immaginavo i volti di babbuini o martiri. Non posso dire che consapevolmente o inconsciamente sono stato influenzato dalla primitiva arte africana, piuttosto che gli artisti sono stati influenzati da esso sotto la sua influenza. Picasso è l'esempio più ovvio. "

Le opere della serie "persone" sono chiamate occhi brutali ed eleganti, gradevoli e piacevoli per la mente. Nel corso del tempo, la trama di queste opere sta cambiando: per creare l'effetto dello spazio interno, l'artista utilizza ampi tratti di vernice spessa, anche spruzzi nello stile del centrocampo, ma la superficie dell'immagine è allineata in modo da sembrare Assolutamente piatto con un attento esame. Record d'asta consolidata "Untitled (SI III rilasciato in Francia Face 43.14)" si riferisce solo a questa serie glorificata di Groantia Series.

16. Takasi Murakami. Il mio cowboy solitario. $ 15,16 milioni.

giapponese Takasi Murakami (1962) è entrato nella nostra valutazione della scultura "My Lonely Cowboy"Venduto a Sotheby's nel maggio 2008 per $ 15,16 milioni.. Con questa vendita Takasi Murakami per molto tempo è stato considerato il maggior successo ora l'artista asiatico vivente - mentre non era eclissato dalla vendita della "cena segreta" Zeng Fangzhi.

Takasi Murakami funziona come un artista, scultore, abbigliamento designer e animatore. Murakov voleva prendere come base della sua creatività qualcosa di veramente giapponese, senza occidentali e altri prestiti. Nei suoi anni degli studenti, è stato affascinato dalla tradizionale pittura giapponese di Nihong, in seguito l'arte popolare di Anime e Manga arrivò a sostituirlo. Questo è nato psichedelico Mr DOB, modelli di fiori sorridenti e sculture luminose e brillanti della fibra di vetro, come se fosse appena venuto dalle pagine dei fumetti giapponesi. Alcuni considerano l'arte del fast food Murakov e l'incarnazione della volgarità, altri chiamano l'artista del giapponese Andy Warhol - e nei ranghi di quest'ultimo, come vediamo, un sacco di persone molto ricche.

Murakami ha preso in prestito un nome per la sua scultura al film Andy Warhol "Lonely Cowboys" (1968), che giapponese, come lui stesso ha ammesso, mai guardato, ma ha apprezzato dolorosamente la combinazione di parole. Murakov è una scultura e contenti fan dei fumetti giapponesi erotici e rise di loro. Aumentato di dimensioni, e anche tridimensionale, l'eroe anime si trasforma in una cultura di massa fetish. Questa affermazione artistica è abbastanza nello spirito del classico West Pop Art (ricorda l'auricolare dei mobili Allen Jones o la "Panther Panther" KUN), ma con un punto culminante nazionale.

17. Kaws. Album di Kaws. 2005. $ 14,784 505

Kaws - uno pseudonimo dell'artista americano Brian Donalyly From New Jersey. È il più giovane partecipante della nostra valutazione, nata nel 1974. Donelley ha iniziato un artista-animatore a Disney (sfondi dipinti per il cartone animato "101 dalmata", ecc.). Dalla gioventù era appassionato di graffiti. Inizialmente il suo disegno aziendale era un teschio con "iksami" sul posto dell'occhio. Il lavoro del giovane rayer è stato amato da spettacolo di business e persone del settore della moda: ha fatto una copertura per l'album Kanye West, ha rilasciato Nike, Comme des Garçons e collaborazione Uniqlo. Nel tempo, Kaws divenne una figura famosa nel mondo dell'arte moderna. La sua figurina di marca, simile a Mickey Maus, era abituata a musei, spazi pubblici e in collezioni private. In qualche modo, Kaws ha rilasciato una serie limitata di giocattoli in vinile insieme al mio marchio del cuore di plastica, e inaspettatamente divennero oggetto di alto interesse collettivo. Uno dei collezionisti appassionati di questi "giocattoli" è il fondatore di Black Star Rapper Timati: ha quasi completamente raccolto l'intera serie di compagni cavatatici.

Il lavoro di Kaws ha stabilito un record per la creatività dell'artista - $ 14,7 milioni - all'asta di Sotheby a Hong Kong il 1 ° aprile 2019. In precedenza, era nella collezione di un designer di moda giapponese Nigo. Meter Canvas L'album Kaws - Omgage Cover del famoso album The Beatles "Orchestra Club Lonely Hearts Sergeant Pepper" (Sgt. Banda del club del cuori solitari del pepe) 1967. Solo invece di persone su di esso sono disegnati Kimpsons - gli eroi stilizzati della serie animata Simpsons con "Iksami" invece di occhi.

18. Jin Shani. Sposa Tajik. 1983. $ 13,89 milioni

Tra i relativamente giovani e moderni artisti cinesi che sono tutti come si appartengono alla cosiddetta "nuova ondata" della fine degli anni '80 nell'arte cinese, un rappresentante di una generazione completamente diversa e un'altra scuola è stata completamente colpita inaspettatamente sulla nostra valutazione. Jin Shanya (Jin Shangyi), che è ora 80, si riferisce ai brillanti rappresentanti della prima generazione di artisti della Cina comunista. Le opinioni di questo gruppo di artisti sono state formate in larga misura influenzate dal socio comunista più vicino - l'URSS.

Arte ufficiale sovietica, socialismo, insolito, anche per la pittura ad olio della Cina (al contrario della pittura tradizionale cinese) negli anni '50 erano al culmine della popolarità, e nella Pechino Art University per tre anni (dal 1954 al 1957) venne a insegnare il Artista sovietico Konstantin Makodievich Maximov. Jin Shani è venuto da lui e lo colpì, chi in quel momento è stato il più giovane del gruppo. L'artista ricordava sempre il suo insegnante con grande calore, ha detto che era Maximov che gli ha insegnato a capire e raffigurare correttamente il modello. K. Mak Maksimov ha portato un intero pleiad di realisti cinesi, ora classici.

Nel lavoro di Jin Shani, l'influenza sia dello "stile duro" sovietico e della scuola europea della pittura è avvertito. Un sacco di tempo, l'artista ha dedicato allo studio del patrimonio del Rinascimento e del classicismo, mentre riteneva necessario mantenere lo spirito cinese nelle sue opere. Il dipinto "Tajik Bride", scritto nel 1983, è considerato un capolavoro generalmente accettato, una nuova pietra miliare nelle opere di Jin Shani. È stato messo sull'asta della Cina Guardian nel novembre 2013 e ha venduto più volte più della stima - per $ 13,89 milioni, tenendo conto della Commissione.

19. Banksy decadiato parlamento. 2008. $ 12,14 milioni

I murali con il tag Banksy hanno iniziato ad apparire sulle pareti delle città (prima britannico, e poi in tutto il mondo) alla fine degli anni '90. Il suo graffito filosofico e allo stesso tempo tagliente furono dedicati ai problemi dello stato dello Stato alla libertà di cittadini, crimini contro l'ambiente, il consumo irresponsabile, disumanità del sistema di migrazione illegale. Nel corso del tempo, le pareti "rimprovera" di Banksy hanno acquisito popolarità dei media senza precedenti. In effetti, è diventato uno dei principali espressioni espressioni dell'opinione pubblica, condannando l'ipocrisia degli Stati e delle corporazioni, che produce l'aumento delle ingiustizie nel sistema capitalista.

Il valore del banxi, la sensazione del "nervo del tempo" e la sua accuratezza della sua metafora è stata stimata non solo dal pubblico, ma anche dei collezionisti. Nel 2010 è stato dato centinaia di migliaia per le sue opere, e anche più di un milione di dollari. È arrivato al punto che Banksy Graffiti è stato disposto e rubato insieme con pezzi di pareti.

Nell'era della sorveglianza digitale sviluppata, Banksy continua ad essere preservato anonimato. C'è una versione che questa è più di una persona, ma un gruppo di diversi artisti, a capo della quale è una donna di talento. Questo spiegherebbe molto. E la nobiltà esterna dei riutili catturata tra le lenti delle telecamere dei testimoni e un metodo di applicazione stencil impersonale (dà velocità elevata e non richiede la partecipazione diretta dell'autore) e il romanzesco commovente delle trame dei dipinti (palle , fiocchi di neve, ecc.). Non importa come, le persone del progetto di Bankxi, compresi i suoi assistenti, sono in grado di mantenere saldamente la lingua della lingua.

Nel 2019, il lavoro più costoso di Bankxi è diventato inaspettato inaspettatamente il parlamento devoluto della tela di quattro metri ("degradato", il parlamento "decomposto" o "trasmittente" del Parlamento). Gli scimpanzé sostengono nella Camera dei Comuni, come se derisca il pubblico all'anno della Brexit scandalosa. È incredibile che l'immagine sia stata scritta 10 anni prima di questa svolta storica, e quindi qualcuno lo considera profetico. All'asta di Sotheby, il 3 ottobre 2019, durante un falce bargain, un acquirente sconosciuto ha acquisito questo olio per $ 12,143.000 - sei volte più costoso.

20. John Carren "carino e semplice". 1999. $ 12,007 milioni

Artista americano John Carren (1962)conosciuto con i suoi dipinti figurativi satirici su temi provocativi sessuali e sociali. Le opere di Carren riescono a combinare le tecniche di pittura dei vecchi maestri (in particolare Lucas Kranah senior e manieristi) e foto di moda da riviste lucido. Per ottenere una maggiore grottesca, i carrelli spesso distorce le proporzioni del corpo umano, aumenta o riducono le sue singole parti, raffigurano gli eroi nelle pose rotte e rotte.

Ho iniziato Carrag nel 1989 con ritratti di ragazze pervertito da un album scolastico; Continua nei primi anni del 1990 dipinti con bellezze di Bulshite ispirate alle foto di Cosmopolitan e Playboy; Nel 1992 apparve ritratti di ricche signore anziane; E nel 1994, Carren sposò lo scultore Rachel Finstein, che è diventato la sua principale musa e modello per molti anni. Alla fine degli anni '90, le competenze tecniche di Carren in combinazione con la cucina e grottesque i suoi dipinti gli hanno portato popolarità. Nel 2003 è stata presa Larry Gagosyan per la promozione dell'artista, e se un tale rivenditore è preso dall'autore, come viene preso Gagosyan, il successo è garantito. Nel 2004, ha avuto luogo una retrospettiva di John Carren nel Museo di Whitney.

A circa questa volta, ha iniziato a essere venduto per importi a sei cifre. L'attuale record per la pittura di John Carrena appartiene al lavoro "carino e semplicemente", venduto il 15 novembre 2016 a Christie per $ 12 milioni. Una foto con due nudi con difficoltà superata la linea inferiore di stima di $ 12-18 milioni e tuttavia , Per John Carren, che ora per 50, questo è sicuramente una svolta nella sua carriera. Il suo ex record del 2008 è stato di $ 5,5 milioni (pagato, a proposito, per lo stesso lavoro "carino e semplice").

21. Bryce Marden. Il partecipato. 1996-1999. $ 10,917 milioni.

Un altro ora vivente Abstractionist americano nella nostra classifica è Bryce Marden (1938). Il lavoro di Marden nello stile del minimalismo, e dalla fine degli anni '80 - la pittura gesticola, si distingue da una tavolozza unica autentica e leggermente mutata. La combinazione di fiori sulle opere di Marden è ispirata dai suoi viaggi in tutto il mondo - Grecia, India, Tailandia, Sri Lanka. Tra gli autori che hanno influenzato la formazione di Marden - Jackson Pollock (nei primi anni '60, Mardard ha lavorato come guardia di sicurezza nel museo ebraico, dove se stessa osservava i "jrippings" di Pollock), Alberto Dzhacometti (ha incontrato le sue opere a Parigi) e Robert Raushenberg (un po 'di tempo Marden ha lavorato come assistente). La prima fase della creatività di Marden è data alle classiche tele minimaliste costituite da blocchi rettangolari colorati (orizzontale o verticale). A differenza di molti altri minimalisti che hanno raggiunto la qualità perfetta delle opere, come se fosse stampata da una macchina, e non dipinta da una persona, Marden teneva tracce dell'artista, combinata materiali diversi (vernici ad olio). Dalla metà degli anni '80, sotto l'influenza della calligrafia orientale, le linee di avvolgimento, meardropod-simili sono venute a sostituire l'astrazione geometrica, lo sfondo per il quale sono serviti tutti gli stessi campi di colore monocromatici. Uno di questi lavori "Meandrovaya" - "I partecipanti" - a Sotheby nel novembre 2013 sono stati venduti per $ 10,917 milioni, tenendo conto della Commissione.

22. Pierre Sulazh. Peinture 186 x 143 cm, 23 Décembre 1959. $ 10,6 milioni

23. Zhang Xiaogan. Amore eterno. $ 10,2 milioni.

Un altro rappresentante dell'arte contemporanea cinese - simbolista e surrealista Zhang Xiaogan (1958). All'asta di Sotheby a Hong Kong 3 aprile 2011dove l'avanguardia cinese dalla collezione di baroni belga Gi Ullensa, trittico Zhang Syogan "Amore eterno" è stato venduto per $ 10,2 milioni. A quel tempo, è stato un record non solo per l'artista, ma anche per l'intera arte del controno cinese. Si dice che il lavoro di Xoyogana comprò la moglie di un miliardario van wei (Wang Wei), che aprirà il proprio museo.

Zhang Xiaogan, che appassiona per misticismo e filosofia orientale, ha scritto la storia di "amore eterno" in tre parti - vita, morte e rinascita. Questo trittico ha partecipato alla mostra culturale nel 1989 "Cina / Avangard" presso il National Art Museum. Nello stesso anno 1989, le dimostrazioni degli studenti erano crudelmente incastonate nella piazza Tiananmen. Seguendo questo tragico evento, iniziò la torsione dei dadi - la mostra nel Museo Nazionale è stata dispersa, molti artisti emigrati. In risposta, un realismo cinico, uno dei principali rappresentanti dei quali è diventato Zhang Xiaogan, è sorto in risposta da cima al socialismo.

24. Bruce Nauman. Henry Moore indifeso. 1967. $ 9,9 milioni

americano Bruce Nauman (1941), il proprietario del premio principale 48 Biennale veneziana (1999), è andato a lungo per il suo disco. Nauman ha iniziato la sua carriera negli anni Sessanta. Gli esperti lo chiamano, insieme a Andy Warhol e Joseph Boys, una delle figure più influenti dell'arte della seconda metà del ventesimo secolo. Tuttavia, l'intellettualità saturata e l'assoluta non disfrattiva di alcuni dei suoi lavori hanno ovviamente impedito il suo rapido riconoscimento e il successo nel pubblico in generale. Nauman spesso sperimenta con la lingua, aprendo i significati inaspettati delle solite frasi. Le parole diventano caratteri centrali di molte delle sue opere, tra cui Neon Pseudovskys e pannelli. Se stesso nauman si definisce uno scultore, anche se negli ultimi quarant'anni ci ha provato in generi assolutamente diversi - scultura, fotografie, videoart, spettacoli, grafica. All'inizio degli anni Novanta, Larry Gagosyan ha detto parole profetiche: "Il vero valore delle opere di Naisan deve ancora essere realizzato". Quindi è uscito: 17 maggio 2001 Sulla opera di Christie di Naughn 1967 "Henry Henry Moore (vista posteriore)" Henry Moore destinata a fallire (Backview) ha messo un nuovo record nel segmento dell'arte del dopoguerra. Realizzato in gesso e cera del cast dietro la parte posteriore delle mani di Nauman andò con un martello per $ 9,9 milioni. Alla collezione di magnate francese Francois Pinot (secondo altri dati, American Phillies Wattis). Il lavoro di stima era solo $ 2-3 milioni, quindi il risultato è stato per tutta una vera sorpresa.

Prima di questa vendita leggendaria, solo due opere di Nauman attraversarono il bar in un milione di dollari. E in tutta la sua carriera d'asta, solo sei opere, oltre a Henry Mura, lasciato per quantità di sette dollari, ma i loro risultati non vanno ancora a nessun confronto con nove milioni.

"L'indifeso Henry Moore" è una delle serie di opere polemiche di Naughn sulla figura di Henry Mura (1898-1986), l'artista britannico, i cui sessanta si riferiscono ai più grandi scultori del ventesimo secolo. Giovani autori che erano all'ombra di un maestro riconosciuto, poi lo attaccò con una critica del sudario. Il lavoro è nauman - la risposta a questa critica e allo stesso tempo riflettendo sul tema della creatività. Il nome del lavoro diventa un gioco di parole, in quanto collega i due significati della parola inglese rilegata - collegata (letteralmente) e condannata a una sorta di destino.

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L'arte della pittura moderna è lavorata creata al momento o nel prossimo passato. Un certo numero di anni passerà, e queste immagini saranno di proprietà della storia. Le opere di pittura, create nel periodo dagli anni '60 del secolo scorso e fino ad oggi, riflettono diverse direzioni dell'arte moderna, che possono essere attribuite alla categoria di postmodernismo. Al momento della modernità, il lavoro degli artisti di pittura è stato presentato più ampio, e negli anni '70 del XX secolo c'era un cambiamento nell'orientamento sociale dell'arte della pittura.

Arte reale

Gli artisti della pittura moderna sono principalmente nuove tendenze nella creatività visiva. Nella terminologia culturale, c'è il concetto di "arte corrente", che è correlata a qualcosa con il concetto di "pittura moderna". Sotto l'arte, gli artisti significano spesso l'innovazione quando il pittore appella i temi di ultramoderno, indipendentemente dalla loro direzione. L'immagine può essere scritta e rappresentare qualsiasi impresa industriale. O sulla tela c'è un paesaggio paesaggistico con un campo di grano, un prato, una foresta, ma allo stesso tempo la combinazione sarà sicuramente disegnata. Lo stile di pittura moderno coinvolge l'orientamento sociale dell'immagine. Allo stesso tempo, i paesaggi di artisti moderni senza un sottotesto sociale sono valutati molto più in alto.

Selezione della direzione

Dalla fine degli anni '90, gli artisti della pittura moderna rifiutano temi di produzione e traducono la loro creatività nella direzione della pura arte raffinata. Ci sono maestri di pittura fine ritratto, trame di paesaggio, ancora la vita nello stile del disegno fiammingo. E gradualmente in pittura moderna, l'arte genuina cominciò a manifestarsi, senza inferiore ai dipinti creati dagli artisti eccezionali del XVIII e XIX secolo, e in qualcosa di anche superiore a loro. I maestri di oggi del pennello aiutano una base tecnica sviluppata, un'abbondanza di nuovi fondi che consentono pienamente riflessi su tela. Quindi, gli artisti del dipinto moderno possono creare come loro abilità. Naturalmente, la qualità delle vernici o delle spazzole è importante nel processo di scrittura di immagini, ma la cosa principale è il talento.

Espressionismo astratto

Gli artisti moderni aderiscono ai metodi di pittura che consentono l'uso di tratti non geometrici applicati in una varietà di panno di grandi dimensioni. Ci sono grandi spazzole, a volte dipinti. Questo dipinto è difficile chiamare l'arte nel classico significato di questa parola, ma l'astrazione è la continuazione del surrealismo, che è apparso nel 1920 a causa delle idee di Andre Breton e ha immediatamente trovato molti seguaci, come il Salvator Dali, Hans Hofman , Adolf Gotlib. Allo stesso tempo, gli artisti della pittura moderna comprendono l'espressionismo a modo loro. Oggi questo genere differisce dal suo predecessore alla dimensione della tela, che può raggiungere tre metri.

Pop Art

L'astrazione astratti era una nuova dose concettuale, promuovendo valori estetici. Gli artisti moderni hanno iniziato a includere immagini di personalità famose nei loro dipinti, come Mao Zedong o Marilyn Monroe. Questa arte è stata chiamata Pop Art - una direzione popolare, generalmente accettata nella pittura. La cultura di massa arrivò a sostituire l'astrazione e ha dato origine a un tipo speciale di estetica, che in modo colorato e spettacolare presentato al pubblico ciò che era affatto sull'udienza, alcuni eventi di recente o immagine di persone famose in diverse situazioni di vita .

I fondatori e i seguaci della Pop Art erano Andy Warhol, Tom Vesselman, Peter Blake, Roy Liechtenstein.

Fotorealismo

L'arte moderna è sfaccettata, è spesso una nuova direzione che combina due o più specie di creatività visiva. Tale forma di autoespressione dell'artista è diventata fotorealismo. Questa direzione nella pittura è apparsa negli Stati Uniti nel 1968. È stato inventato dall'artista-avanguardia Louis Meizel, e la presentazione del genere si è verificato due anni dopo, nel Museo di Whitney durante la mostra "Ventiduedue realist".

La pittura nello stile del fotorealismo è associata a una foto, il movimento dell'oggetto sembra essere congelato nel tempo. L'artista del fotorealista raccoglie la sua immagine che verrà catturata nella foto, con l'aiuto di foto. Dal negativo o dalla diapositiva, l'immagine viene trasferita alla tela mediante proiezione o utilizzando una griglia su larga scala. Quindi viene creata un'immagine a full-flipper utilizzando le tecnologie di pittura.

Il fiorente fotorealismo è caduto a metà degli anni '70, poi c'era un declino della popolarità, e nei primi anni '90 il genere rinasceva di nuovo. I mastice artisti lavoravano principalmente negli Stati Uniti, c'erano molti scultori tra loro, che ha anche creato le loro opere utilizzando la proiezione dell'immagine. I maestri più famosi della pittura a base di fotorealismo sono Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Desekis, Donald Eddie, Duyne Hanson.

Artista-fotorealisti della giovane generazione - Raphaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive aveva.

Artisti moderni della Russia

• Serge Fedulov (nato nel 1958), nativo del territorio di Stavropol Nevinnomysssk. Partecipante di diverse mostre in America Latina e Europa. I suoi dipinti si distinguono per combinazioni realistiche e contrastanti di colori.
• Mikhail Golbev (Rod. 1981), si è laureato alla classe d'arte della Scuola di Omsk di Pittura. Attualmente vive a San Pietroburgo. Si distingue per un modo insolito di creatività, tutte le sue opere sono dipinti, riflessioni con profondo sottotesto filosofico.
• Dmitry Annenkov (nato nel 1965) a Mosca. Si è laureato all'istituto d'arte che prende il nome da Stroganov. Popolare all'estero, ma la preferenza dà mostre russe. L'arte di Annenkova è realistica, l'artista è un maestro riconosciuto della natura morta.

Impressionisti russi

• Alexey Chenigin, artista improritsionista russo (nato nel 1975), è il figlio del famoso artista Alexander Chernigigin. Ha studiato pittura e grafica nella scuola d'arte di Nizhny Novgorod. Si è laureato al Nizhny Novgorod Architectural Institute nella specialità "Design Industry". Membro dell'Unione degli artisti della Russia dal 1998. Dal 2001, un insegnante in Ngasu presso il dipartimento di interior design.
• KONSTANTIN LUPANOV, artista Krasnodar (nato nel 1977). Si è laureato all'Accademia Industriale con l'Università Statale della Cultura e delle Arti nella specialità "Monumental Painting". Membro di molte mostre d'arte a San Pietroburgo. Differisce su un modo raro di pittura ad olio con una gita a striscia. I dipinti di Lupanov sono completamente privi di combinazioni contrastanti di colori, le immagini fanno una all'altra. L'artista stesso chiama il suo lavoro "Merry, irresponsabile Mazni", ma in questa dichiarazione c'è una quota di coquetry: i dipinti sono in realtà scritti abbastanza professionalmente.

Artisti russi che disegnano nello stile del nudo

• Sergey Marchnikov (nato nel 1971), uno dei più famosi artisti russi della modernità. Si è laureato presso l'UFA College of Arts. I suoi dipinti sono un esempio di realismo sfacciato. Le opere hanno un'impressione di una fotografia d'arte, la composizione è così accurata e rimossa ogni tocco. Nel ruolo di un simulatore più spesso si trova nella moglie del pittore Natalia, e lo aiuta a creare un'immagine sensuale.
• Vera Vasilyevna Donskoy-Khilko (nata nel 1964), nipote del famoso cantante d'opera di Laurentia Dmitrievich Donskoy. Il rappresentante più luminoso della moderna pittura russa. Disegna nello stile di una storia nuda. Nella tavolozza creativa dell'artista, puoi trovare bellezze da East Harem e nude ragazze rustiche sulle rive del fiume la notte delle vacanze di Ivan Kapala, un bagno russo con il rilascio di donne più gastronomiche sulla neve e nuotare nell'angolo. L'artista disegna molto e talentuoso.

Artisti moderni della Russia, la loro creatività sono sempre più interessati a intenditori di eleganti arti del tutto il mondo.

Pittura moderna come arte del mondo

Attualmente, la creatività visiva ha preso forme diverse da quelle che erano richieste nei secoli XVIII e XIX. Artisti moderni del mondo rivolti all'Avant-garde in un'interpretazione più stretta, la tela ha acquisito raffinatezza e divenne più significativo. La società oggi ha bisogno dell'arte aggiornata, la necessità si applica a tutti i tipi di creatività, compresa la pittura. Le immagini di artisti moderni, se vengono eseguiti a un livello sufficientemente elevato, sono acquistati, diventano oggetto di contrattazione o scambio. Alcune tele sono incluse negli elenchi di opere d'arte particolarmente preziose. I dipinti del passato, scritti da grandi pittori, sono ancora in merito, ma gli artisti contemporanei stanno diventando sempre più popolari. Olio, tempera, acquerello, altre vernici, aiutarli nella creatività e nell'attuazione di successo del concepito. Le vernici, di regola, aderiscono ad un unico stile. Può essere paesaggio, ritratto, scene di battaglia o altro genere. Di conseguenza, per il suo lavoro, l'artista sceglie una certa varietà di vernici.

Artisti moderni del mondo

Gli artisti moderni più famosi differiscono nella maniera della lettera, il loro pennello riconoscibile, a volte non ha nemmeno bisogno di guardare la firma nella parte inferiore della tela. Famosi padroni di pittura moderna - Perlshin Philip, Alexander Isacev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Pietro Blake, Freud Lucien, Michael Paris, Guy Johnson, Eric Physle, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Il giornale d'arte Russiarappresenta il punteggio: gli artisti più costosi della Russia da ora vivono. Se sei ancora sicuro che non ci fossero artisti russi nella Fondazione occidentale, siamo pronti a discutere con esso. NUMERI DI LINGUA.

Le condizioni erano semplici: ognuno degli artisti viventi potrebbe essere rappresentato solo da uno, il lavoro più costoso. Nella preparazione del rating, non solo i risultati del commercio di aste pubbliche, ma sono state prese in considerazione le vendite private più high-tech. Gli autori del rating sono stati guidati dal principio "Se qualcosa è stato venduto a voce alta, significa che qualcuno ne ha bisogno", e quindi ha apprezzato il lavoro dei marketer e dei gestori stampa di artisti che hanno record hanno record vendite private al pubblico. Nota importante: il punteggio è compilato esclusivamente dagli indicatori finanziari; Se fosse basato sull'attività espositiva degli artisti, sembrerebbe in qualche modo diverso. Fonti esterne per Analytics ha servito risorse Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.come Artinvestment.ru..

La valuta della classifica mondiale è stata scelta dal dollaro USA, la sterlina britannica è stata presa come l'equivalente delle vendite di artisti russi (dal momento che il 90% delle vendite nazionali ha avuto luogo a Londra in questa valuta). Il restante 10% dei lavori venduti in dollari USA e l'euro, al tasso al momento della transazione, come risultato della quale alcune posizioni hanno cambiato il posto. Oltre al costo effettivo del lavoro, i dati sono stati raccolti sulla capitalizzazione complessiva degli artisti (il numero di lavori superiori venduti in tutti gli anni), sul posto di un artista moderno nella classifica degli artisti di tutti i tempi, sul posto del caro lavoro del partecipante tra tutte le opere di altri autori, e anche sulla nazionalità e del paese di residenza. Informazioni Importanti contiene statistiche delle vendite ripetute di ciascun artista come un indicatore di investimento obiettivo
Attrattiva.

L'anno scorso 2013 ha modificato significativamente la posizione degli artisti moderni nel rango internazionale delle vendite. Dalle prime 50 opere d'arte più costose della scorsa stagione, il 16 moderno è stato venduto - un numero di registrazione (per il confronto, 17 opere prese dal 2010 al 2012, nel XX secolo ce ne sono solo una vendita). La domanda di artisti viventi è identica in parte richiesti per tutta la domanda di arte contemporanea, in parte una comprensione cinica che la capitalizzazione delle attività dopo la loro morte aumenterà invariabilmente.

Tra i partecipanti russi il maggior numero di aspetti erano fratelli Sergey. e Alexey Tkachevy. (r. 1922 e 1925), il più giovane - Anatoly Osmolovsky. (r. 1969). La questione di chi diventerà nuovo Jean-Michel Baskia, mentre aperto. Nelle vendite dei nostri artisti, le classi chiare di acquirenti sono visibili: i leader acquistano collezionisti stranieri e oligarchi russi, luoghi del 10 al 30 forniscono collezionisti emigranti, e il fondo condizionale Top-50 è il nostro futuro, che è arrivato al mercato i giovani Collezionisti con denaro "nuovo».

1. Ilya Kabakov.
Sembra, in generale, il capo artista russo (che non impedisce a Kabakov nato a Dnepropetrovsk, si scrive Ukraino'om), padre-fondatore di Moscow concettualism (uno dei), l'autore del termine e del professionista dell'installazione totale. Dal 1988 vive e lavora a New York. Lavora in collaborazione con sua moglie, Emily Kabakuchi, perché il titolo dovrebbe assomigliare a "Ilya ed Emilia Kabakova", ma da quando illya iosifovich divenne conosciuto prima di ilya-Emilia, anche se rimane. Le opere si trovano nella Galleria Tretyakov, nel Museo Russo, Hermitage, MMA, Kolodzei Art Foundation (USA) e altri.
Anno di nascita: 1933
Lavoro: "Beetle". 1982.
Data di vendita: 28.02.2008
Prezzo (GBP) 1: 2 932 500
Capitalizzazione totale (GBP): 10 686 000
Posizione: 1.
Il costo medio del lavoro (GBP): 117 429
Numero di re-vendite: 12

2. Eric Bulotov.
Usando le tecniche, che verranno chiamate in seguito all'arte sociale, collegate nella pittura figurativa di lavori con testo. Nei tempi sovietici, un illustratore di successo dei libri per bambini. Dal 1989, vive e lavora a New York, dal 1992 - a Parigi. Il primo artista russo con una mostra personale nel centro di Pompidou. Le opere sono conservate nelle collezioni della Galleria Tretyakov, il Museo russo, il centro di Pompidou, il Museo di Ludwig a Colonia, ecc., Sono incluse nelle collezioni del fondo Dina Vernika, Viktor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Catherine e Vladimir Semenichina, Igor Tsukanova.
Anno di nascita: 1933
Lavoro: "Gloria del CPSU". 1975.
Data di vendita: 28.02.2008
Prezzo (GBP) 1: 1 084 500
Capitalizzazione totale (GBP): 8 802 000
Posizione: 2.
Il costo del lavoro medio (GBP): 163 000
Numero di re-vendite: 11

3. Vitaly Komar e Alexander Melami
I creatori dell'arte sociale - le direzioni erniche in arte non ufficiale, simbolismo della parodimento e ricevimenti del funzionario. Dal 1978 vivono a New York. Fino a quando la metà degli anni 2000 ha funzionato in una coppia. Come progetto d'arte, organizzato "Selling doccia" di artisti famosi attraverso l'asta (anima Andy Warhol Da allora di proprietà dell'artista di Mosca Alena Kricovova.). Le opere sono in riunioni MMA, Museo Guggenheim, Museo Metropolitano, Louvre, in collezioni Shalva Breus, Darya Zhukovae Romano Abramovich. e così via.
Anno di nascita: 1943, 1945
Lavoro: "Meeting Solzhenitsyn e Böllia nel paese di Rostropovich". 1972.
Data di vendita: 23/04/2010
Prezzo (GBP) 1: 657 250
Capitalizzazione generale (GBP): 3 014 000
Posizione: 7.
Il costo medio del lavoro (GBP): 75 350
Numero di ri-vendite: 3

archivio dell'ex Comar & Melamid ArtStudio Archive

4. SEMEN FAIBISOVICH.
Artista-fotorealista, rimanendo un realista appropriato e ora, quando la pittura è affascinante semi di Nathanovich meno giornalismo. Esposto al piccolo georgiano, dove nel 1985 è stato notato dai rivenditori e dai collezionisti di New York. Dal 1987, viene regolarmente esposto negli Stati Uniti e nell'Europa occidentale. Un sostenitore attivo dell'abolizione della legge sulla propaganda dell'omosessualità in Russia. Vive e lavora a Mosca. I lavori sono nelle collezioni della Galleria Tretyakov, delle foto della casa di Mosca, dei musei della Germania, della Polonia, degli Stati Uniti, sono inclusi nella collezione Darya Zhukova.e Roman Abramovich, Igor Markina, Igor
Tsukanova.
Anno di nascita: 1949
Lavoro: "soldati" (dalla serie "stazione"). 1989
Data di vendita: 10/13/2007
Prezzo (GBP) 1: 311 200
Capitalizzazione generale (GBP): 3 093 000
Posizione: 6.
Il costo medio del lavoro (GBP): 106 655
Numero di re-vendite: 7

5. Grigory (Grisha) Bruskin
Il carattere principale della prima e ultima asta sovietica Sotheby's. Nel 1988, dove il suo lavoro era un lessico fondamentale è diventato il lotto principale (£ 220 mila). A invito del governo tedesco, ha creato il trittico monumentale per il Reichstag ricostruito a Berlino. Vincitore del premio Kandinsky nella nomination "Progetto dell'anno" per la mostra Tempo C. Nel museo di arte multimediale. Vive e lavora a New York e Mosca. Le opere sono nelle collezioni della Galleria Tretyakov, il Museo russo, GMI. A. S. Pushkin, Museo di Ludwig a Colonia, Moma, Museo della cultura ebraica (New York), ecc., Sono incluse nella regina della Spagna Sofia, Peter Aven, Shalva Breus, Vladimir e Catherine Semenihina, Milla Forman.
Anno di nascita: 1945
Lavoro: "Logia. Parte 1". 1987.
Data di vendita: 07.11.2000
Prezzo (GBP) 1: 424 000
Capitalizzazione totale (GBP): 720 000
Posizione: 15.
Il costo del lavoro medio (GBP): 24 828
Numero di re-vendite: 5

6. Oleg Kamkov.
Uno dei tixties più famosi, negli anni '60 iniziò e continuando a continuare il ciclo di dipinti, dove grossolano, come se fosse nato da argilla, persone umane (o figure) dipinte con fiori di anilina brillante. Dal 1977 vive a Parigi. I lavori sono nelle collezioni della Galleria Tretyakov, il Museo russo, l'eremo, il Museo dell'Università Tsimmeril Raymber, ecc., Sono incluse nella collezione Mikhail Baryshnikova, Arthur Miller, Igor Tsukanova.I più grandi test di lavoro universitari della Russia appartengono Evgenia Evtushenko..
Anno di nascita: 1934
Lavoro: "Ragazzo con palloncini". 1957.
Data di vendita: 11/26/2008
Prezzo (GBP) 1: 238 406
Capitalizzazione totale (GBP): 4 232 000
Posizione: 5.
Il costo medio del lavoro (GBP): 53 570
Numero di re-vendite: 14

7. Oscar Rabin.
Leader del gruppo Lianozov (Artisti di Mosca-Nonconformista 1950-1960), l'organizzatore dello scandalo Esposizione Bulldozer 1974. Il primo dell'Unione Sovietica ha iniziato a vendere il lavoro in un modo particolare. Nel 1978, la cittadinanza sovietica è stata privata. Vive e lavora a Parigi. Nel 2006, è diventato un laureato del premio innovativo per il suo contributo all'art. Le opere sono nelle collezioni della Galleria Tretyakov, il Museo Russo, il Museo di Moscow of Contemporary Art, il Museo di Tsimmeril of Rayground University, sono inclusi nella collezione di Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Crik, Yveta e Tamaz Manaserov, Evgenia Chutovich , Aslan Chekhoeva.
Anno di nascita: 1928
Lavoro: "City and Moon (socialista
città)". 1959.
Data di vendita: 15/04/2008
Prezzo (GBP) 1: 171 939
Capitalizzazione totale (GBP): 5 397 000
Posizione: 3.
Il costo medio del lavoro (GBP): 27 964
Numero di re-vendite: 45

8. Zurab Tsereteli.
Il più grande rappresentante dell'arte già monumentale. L'autore del monumento a Pietro I a Mosca e a Monumento Buono vince il male. Prima dell'edificio delle Nazioni Unite a New York. Fondatore del Museo Moscow of Contemporary Art, Presidente dell'Accademia delle Arti della Russia, il creatore della Galleria d'arte di Zurab Tserteli, che lavora con la suddetta accademia. Zuraba Zuraba Tsereteli, oltre alla Russia, decorare il Brasile, la Gran Bretagna, la Georgia, la Spagna, la Lituania, gli Stati Uniti, la Francia e il Giappone.
Anno di nascita: 1934
Lavoro: "Son Athon"
Data di vendita: 01.12.2009
Prezzo (GBP) 1: 151 250
Capitalizzazione generale (GBP): 498 000
Ubicazione: 19.
Il costo del lavoro medio (GBP): 27 667
Numero di re-vendite: 4

9. Victor Pivovarov.
Uno dei fondatori del concettualismo di Mosca. Come Kabaki, l'inventore del genere dell'album concettualistico; Come Kabaki, Bulat e Oleg Vasilyev - un illustratore di successo dei libri per bambini, collaborando con Murzilka e Murry Pictures ". Dal 1982 vive e lavora a Praga. Le opere si trovano nelle collezioni della Galleria Tretyakov, il Museo Russian, GMI. A. S. Pushkin, Kolodzei Art Foundation. (USA), nelle collezioni di Vladimir e Catherine Semenichina, Igor Tsukanov.
Anno di nascita: 1937
Lavoro: "Trittico con un serpente". 2000.
Data di vendita: 10/18/2008
Prezzo (GBP) 1: 145 250
Capitalizzazione totale (GBP): 482 000
Posizione: 20.
Il costo medio del lavoro (GBP): 17 852
Numero di re-vendite: 6

10. Alexander Melamim.
Mezzo tandem creativo KOMAR - MELAMIM.spruzzato nel 2003. Insieme con membro principale di Vitali Esposizione Bulldozer (dove sono morti Doppio autoritratto, lavoro fondamentale dell'arte sociale). Dal 1978 vive e lavora a New York. A proposito dei noti incontri sono le opere di Melamide create da lui in modo indipendente, non ci sono informazioni.
Anno di nascita: 1945
Lavoro: "Cardinale Jose Saraila Martinsh". 2007.
Data di vendita: 10/18/2008
Prezzo (GBP) 1: 145 250
Capitalizzazione generale (GBP): 145 000
Posizione: 36.
Il costo medio del lavoro (GBP): 145 000
Numero di ri-vendite: -

11. Francisco Infanta-Aran
Il proprietario è forse il più affettuoso tra gli artisti russi dell'elenco delle mostre. Membro del gruppo di cinetici "Traffico"Negli anni '70, ha trovato la sua versione di fotoperforms, o "artefatto" - forme geometriche integrate nel paesaggio naturale.
Anno di nascita: 1943
Lavoro: "Posa di un segno." 1984.
Data di vendita: 05/31/2006
Prezzo (GBP) 1: 142 400
Capitalizzazione totale (GBP): 572 000
Posizione: 17.
Il costo del lavoro medio (GBP): 22 000
Numero di ri-vendite: -

12. Vladimir Nemhin.
Metafisario. Classico della seconda ondata di avanguardie russe, partecipante al "Gruppo Lianozov", uno dei partecipanti della mostra Bulldozer, il curatore (o iniziatore) di importanti mostre degli anni '80, quando la soviet non ufficiale
L'arte si è appena realizzata.
Anno di nascita: 1925
Lavoro: "Solitario non prezioso". 1966.
Data di vendita: 26/04/2006
Prezzo (GBP) 1: 240 000
Capitalizzazione totale (GBP): 4 338 000
Posizione: 4.
Il costo del lavoro medio (GBP): 36 454
Numero di re-vendite: 26

13. Vladimir Yanklevsky.
Surrealista, uno dei nomi principali dell'arte non ufficiale di Moscow post-war, il creatore di polipsykh filosofici monumentali.
Anno di nascita: 1938
Lavoro: "Trittico n. 10. Anatomia dell'anima. II. " 1970.
Data di vendita: 23/04/2010
Prezzo (GBP) 1: 133 250
Capitalizzazione totale (GBP): 754 000
Posizione: 14.
Il costo medio del lavoro (GBP): 12 780
Numero di re-vendite: 7

14. Alexander Vinogradov e Vladimir Dubosar
Project pittoresco Immagini da ordinareHa iniziato in speranza per la pittura degli anni '90, ricevuta dal merito nei 2000. Il Duet è diventato popolare con i collezionisti, e una foto è caduta nella collezione del Centro Pompidou.
Anno di nascita: 1963, 1964
Lavoro: "Night fitness". 2004.
Data di vendita: 22/06/2007
Prezzo (GBP) 1: 132 000
Capitalizzazione generale (GBP): 1 378 000
Posizione: 11.
Il costo medio del lavoro (GBP): 26.500
Numero di re-vendite: 4

15. Sergey Volkov.
Uno degli eroi dell'arte Perestroka, conosciuta da dipinti espressivi con dichiarazioni profonde. Membro dell'asta sovietica. Sotheby's. Nel 1988.
Anno di nascita: 1956
Lavoro: "Doppia visione.
Trittico"
Data di vendita: 05/31/2007
Prezzo (GBP) 1: 132 000
Capitalizzazione totale (GBP): 777 000
Ubicazione: 12.
Il costo medio del lavoro (GBP): 38 850
Numero di re-vendite: 4

16. AES + F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, EvGeny Svyatsky, Vladimir Friedkes)
I progetti AES hanno differiti da un buon feed nelle increspature degli anni '90 e ricordate. Ora fanno grandi affreschi animati trasmessi su dozzine di schermi.
Anno di nascita: 1955, 1958, 1957, 1956
Lavoro: "Warrior No. 4"
Data di vendita: 03/12/2008
Prezzo (GBP) 1: 120 500
Capitalizzazione totale (GBP): 305.000
Posizione: 27.
Il costo del lavoro medio (GBP): 30.500
Numero di ri-vendite: -

17. Lev Tabenkin.
Scultore e pittore con una visione scultorea, come se pulsando i suoi eroi da argilla.
Anno di nascita: 1952
Lavoro: "Jazz Orchestra". 2004.
Data di vendita: 06/30/2008
Prezzo (GBP) 1: 117 650
Capitalizzazione totale (GBP): 263 000
Posizione: 28.
Il costo medio del lavoro (GBP): 26 300
Numero di re-vendite: 7

18. Mikhail (Misha Shavich) Brusilovsky
Sverdlovsky surrealista, autore di una stretta allegoria.
Anno di nascita: 1931
Lavoro: "Football". 1965.
Data di vendita: 28/08/2006
Prezzo (GBP) 1: 108 000
Capitalizzazione totale (GBP): 133 000
Posizione: 38.
Il costo medio del lavoro (GBP): 22 167
Numero di ri-vendite: -

19. Olga Bulgakov.
Una delle figure principali del quadro intellettuale "Carnevale" dell'era Brezhnev. Membro corrispondente
Accademia delle arti russe.
Anno di nascita: 1951
Lavoro: "Dormire del rosso
Uccello. 1988.
Data di vendita: 22/12/2010
Prezzo (GBP) 1: 100 876
Capitalizzazione generale (GBP): 219 000
Ubicazione: 31.
Il costo del lavoro medio (GBP): 36.500
Numero di ri-vendite: -

20. Alexander Ivanov.
Abstracista, che è noto principalmente come uomo d'affari, un collezionista e il creatore del Museo Faberge di Baden-Baden (Germania).
Anno di nascita: 1962
Lavoro: "amore". 1996.
Data di vendita: 06/05/2013
Prezzo (GBP) 1: 97 250
Capitalizzazione totale (GBP): 201.000
Posizione: 33.
Il costo medio del lavoro (GBP): 50 250
Numero di ri-vendite: -

21. Ivan Chuikov.
Ala indipendente del concettualismo pittoresco di Mosca. L'autore di una serie di oggetti immagine della finestra. In qualche modo negli anni '60 ha bruciato tutto il lavoro pittoresco, che ha ancora un dominio dei proprietari della galleria.
Anno di nascita: 1935
Lavoro: "Untitled". 1986.
Data di vendita: 03/12/2008
Prezzo (GBP) 1: 96 500
Capitalizzazione totale (GBP): 1 545 000
Posizione: 10.
Il costo medio del lavoro (GBP): 36 786
Numero di re-vendite: 8

22. Stargas di Konstantin.
Nella sua giovinezza, il partecipante del Gruppo Motherland, che si chiamava "i padri della" nuova ondata "nell'Unione Sovietica" -
con una base completa; Con l'inizio della maturità creativa, il partecipante della Biennale Veneziana e del Kassel
Document. Ricercatore e intenditore visivo nella coltura bassa sovietica.
Anno di nascita: 1958
Lavoro: "Perdo-k-62m"
Data di vendita: 13/06/13/2008
Prezzo (GBP) 1: 92 446
Capitalizzazione totale (GBP): 430 000
Posizione: 22.
Il costo medio del lavoro (GBP): 22 632
Numero di re-vendite: 2

23. Natalia Nesterova.
Una delle principali stelle d'arte della stagnazione Breznevsky. Amore collezionisti per uno stile pittoresco di fabbrica.
Anno di nascita: 1944
Lavoro: "Melnik e il suo
figlio". 1969.
Data di vendita: 15/06/2007
Prezzo (GBP) 1: 92 388
Capitalizzazione totale (GBP): 1 950 000
Posizione: 9.
Il costo medio del lavoro (GBP): 20 526
Numero di re-vendite: 15

24. Maxim Kantor.
L'espressionista del pittore che agisce nel padiglione russo alla Biennale di Venezia nel 1997 - così come un pubblico e scrittore, autore del romanzo filosofico e satirico Disegno a tutorial Sul mondo dell'arte russa marittima.
Anno di nascita: 1957
Lavoro: "La struttura della democrazia". 2003.
Data di vendita: 10/18/2008
Prezzo (GBP) 1: 87 650
Capitalizzazione totale (GBP): 441 000
Posizione: 21.
Il costo medio del lavoro (GBP): 44 100
Numero di re-vendite: 2

25. Andrei Sidersky.
Crea dipingere nello stile dell'arte PSI inventato. Tradotto in saggi russi Carlos Castaneda e Richard Baha.
Anno di nascita: 1960
Lavoro: "Trittico"
Data di vendita: 04.12.2009
Prezzo (GBP) 1: 90 000
Capitalizzazione generale (GBP): 102 000
Posizione: 42.
Il costo medio del lavoro (GBP): 51 000
Numero di ri-vendite: -

26. VALERY KOSLYAKOV.
Dipinti noti con motivi architettonici. Il più grande rappresentante della "onda russa meridionale". Spesso usa scatole di cartone, pacchetti, nastro adesivo. La prima mostra con la sua partecipazione è stata tenuta nel bagno pubblico a Rostov-on-Don nel 1988.
Anno di nascita: 1962
Lavoro: "Versailles". 1993.
Data di vendita: 03/12/2008
Prezzo (GBP) 1: 72 500
Capitalizzazione totale (GBP): 346 000
Posizione: 26.
Il costo medio del lavoro (GBP): 21 625
Numero di re-vendite: 8

27. Alexey Sundukov.
Laconic, condurre in dipinti a colori sui "piombo volatos" della normale vita russa.
Anno di nascita: 1952
Lavoro: "L'essenza dell'essere". 1988.
Data di vendita: 23/04/2010
Prezzo (GBP) 1: 67 250
Capitalizzazione totale (GBP): 255.000
Posizione: 29.
Il costo del lavoro medio (GBP): 25.500
Numero di re-vendite: 1

28. Igor Novikov.
Appartiene alla generazione di artisti di Mosca-noncentisti della fine degli anni '80.
Anno di nascita: 1961
Lavoro: "Colazione del Cremlino o Mosca in vendita." 2009.
Data di vendita: 03.12.2010
Prezzo (GBP) 1: 62 092
Capitalizzazione totale (GBP): 397 000
Posizione: 24.
Il costo medio del lavoro (GBP): 15 880
Numero di ri-vendite: 3

29. Vadim Zakharov.
L'archivista del concettualismo di Mosca. L'autore di installazioni spettacolari sui temi profondi, rappresentava la Russia in Venezia
Biennale.
Anno di nascita: 1959
Lavoro: "barocco". 1986-1994.
Data di vendita: 10/18/2008
Prezzo (GBP) 1: 61 250
Capitalizzazione totale (GBP): 243 000
Posizione: 30.
Il costo medio del lavoro (GBP): 20 250
Numero di ri-vendite: -

30. Yuriy Red.
Autore di programmi artistici per bambini con bisogni speciali.
Anno di nascita: 1925
Lavoro: "Fumatori"
Data di vendita: 04/04/2008 Prezzo (GBP) 1: 59 055
Capitalizzazione totale (GBP): 89 000
Posizione: 44.
Il costo medio del lavoro (GBP): 11 125
Numero di re-vendite: 8

31. Sergey e Alexey Tkachev
Classici dell'impressionismo Lovyovtsky, studenti di Arkady Plastov, noto per i loro dipinti dalla vita del villaggio russo.
Anno di nascita: 1922, 1925
Lavoro: "nel campo". 1954.
Data di vendita: 01.12.2010
Prezzo (GBP) 1: 58 813
Capitalizzazione totale (GBP): 428 000
Posizione: 23.
Il costo medio del lavoro (GBP): 22 526
Numero di re-vendite: 4

32. Svetlana Kopysteanskaya.
Conosciuto da installazioni realizzate in tele pittoresche. Dopo l'asta di Mosca Sotheby's. Nel 1988 lavora all'estero.
Anno di nascita: 1950
Lavoro: "Seascape"
Data di vendita: 10/13/2007
Prezzo (GBP) 1: 57 600
Capitalizzazione totale (GBP): 202 000
Posizione: 32.
Il costo medio del lavoro (GBP): 22 444
Numero di re-vendite: 2

33. Boris Orlov.
Scultore, vicino all'arte sociale. È famoso per i suoi lavori nello stile ironico "imperiale" e il laboratorio del clou di Bronze Busts e Bouquets.
Anno di nascita: 1941
Lavoro: "marinaio". 1976.
Data di vendita: 17/17/2013
Prezzo (GBP) 1: 55 085
Capitalizzazione totale (GBP): 174 000
Posizione: 34.
Il costo del lavoro medio (GBP): 17 400
Numero di re-vendite: 1

34. Vyacheslav Kalinin.
L'autore di dipinti espressivi dalla vita delle basi urbane e dal bere bohémiens.
Anno di nascita: 1939
Lavoro: "Autoritratto con Deltaplane"
Data di vendita: 30/05/2012
Prezzo (GBP) 1: 54 500
Capitalizzazione totale (GBP): 766 000
Posizione: 13.
Il costo medio del lavoro (GBP): 12 767
Numero di re-vendite: 24

35. Evgeny Semenov.
Archivio conosciuto con malattia dauna, eseguendo i ruoli dei personaggi del Vangelo.
Anno di nascita: 1960
Lavoro: "cuore". 2009.
Data di vendita: 29/06/2009
Prezzo (GBP) 1: 49 250
Capitalizzazione totale (GBP): 49 000
Posizione: 48.
Il costo medio del lavoro (GBP): 49 000
Numero di ri-vendite: -

36. Yuri Cooper.
È diventato famoso per le tele nosalgiche con oggetti di vecchia vita. Autore del pezzo Dodici dipinti dell'artistamettili in mht loro. A. P. Chekhov.
Anno di nascita: 1940
Lavoro: "Finestra. Dassa Street, 56. 1978.
Data di vendita: 06/09/2010
Prezzo (GBP) 1: 49 250
Capitalizzazione totale (GBP): 157 000
Posizione: 35.
Il costo medio del lavoro (GBP): 2 754
Numero di re-vendite: 14

37. Alexander Kosolapov.
Artista sociale Le cui opere divennero il bersaglio per tutti i tipi di attacchi. Durante la fiera "Art Moscow - 2005", una delle sue opere è stata distrutta da un fanatico religioso con un martello.
Anno di nascita: 1943
Lavoro: "Malboro Malevich". 1987.
Data di vendita: 03/12/2008
Prezzo (GBP) 1: 48 500
Capitalizzazione totale (GBP): 510 000
Posizione: 18.
Il costo medio del lavoro (GBP): 15 938
Numero di re-vendite: 1

38. Leonid Sokov.
Il principale scultore dell'arte sociale che collegava il folclore con la politica. Tra i lavori famosi Dispositivo per determinare il naso nazionale.
Anno di nascita: 1941
Lavoro: "Orso colpire un martello nel falco". 1996.
Data di vendita: 03/12/2008
Prezzo (GBP) 1: 48 500
Capitalizzazione totale (GBP): 352 000
Posizione: 25.
Il costo medio del lavoro (GBP): 13 538
Numero di re-vendite: 7

39. Vladimir Ovchinnikov.
Uno dei patriarchi dell'arte non ufficiale di Leningrado. Versione ortodossa Fernando Botero.
Anno di nascita: 1941
Lavoro: "Angeli e ferrovie". 1977.
Data di vendita: 17/04/2007
Prezzo (GBP) 1: 47 846
Capitalizzazione totale (GBP): 675 000
Posizione: 16.
Il costo medio del lavoro (GBP): 15 341
Numero di ri-vendite: -

40. Konstantin Khudyakov.
Modello su grafici religiosi. Ora funziona nel tecnico dell'arte digitale.
Anno di nascita: 1945
Lavoro: "L'ultima cena". 2007.
Data di vendita: 18/02/2011
Prezzo (GBP) 1: 46 850
Capitalizzazione totale (GBP): 97 000
Posizione: 43.
Il costo del lavoro medio (GBP): 32 333
Numero di ri-vendite: -

41. Ernst Unknown.
Icona del nonconformismo sovietico - Dal momento che la Secureku Nikita Khrushchev ha aperto il supercisso della leggendaria mostra al 30 ° anniversario dell'Unione di Artisti di Mosca. Dopodiché, un monumento è stato fatto sulla tomba di Khrushchev e dal monumento prima della costruzione della sede europea delle Nazioni Unite.
Anno di nascita: 1925
Lavoro: "Untitled"
Data di vendita: 08.06.2010
Prezzo (GBP) 1: 46 850
Capitalizzazione totale (GBP): 2 931 000
Posizione: 8.
Il costo del lavoro medio (GBP): 24 839
Numero di re-vendite: 13

42. Anatoly Osmolovsky.
Uno dei principali leader della sistemazione di Mosca degli anni '90, teorica dell'arte, del curatore, dell'editore e del capo del programma di ricerca e del programma educativo "Istituto base", vincitore del primo premio Kandinsky.
Anno di nascita: 1969
Lavoro: "Pane" (dalla serie "Gentili"). 2009.
Data di vendita: 23/04/2010
Prezzo (GBP) 1: 46 850
Capitalizzazione totale (GBP): 83 000
Posizione: 46.
Il costo medio del lavoro (GBP): 11 857
Numero di ri-vendite: -

43. Dmitry Vrubel.
Il pittore-fotorealista, noto principalmente a causa dell'immagine con l'immagine di Kissing Brezhnev e Honneker (o meglio, grazie alla riproduzione dell'autore sul muro di Berlino).
Anno di nascita: 1960
Lavoro: "Bacio fraternale (trittico)". 1990.
Data di vendita: 25 novembre 2013
Prezzo (GBP) 1: 45 000

Posizione: 40.
Il costo del lavoro medio (GBP): 16 429
Numero di re-vendite: 2

44. Leonid Lamm.
Autore di impianti collegati ai motivi dell'Avanguardia russa e della scena della vita della prigione sovietica. Vive in America. Negli anni '70, ha trascorso tre anni in prigioni e campi.
Anno di nascita: 1928
Lavoro: "Apple II" (dalla serie "Settimo Sky"). 1974-1986.
Data di vendita: 16/16/2009
Prezzo (GBP) 1: 43 910
Capitalizzazione totale (GBP): 115 000
Posizione: 41.
Il costo medio del lavoro (GBP): 14 375
Numero di ri-vendite: -

Le pittoresche rate di Irina Nakhova 1980 nel suo appartamento possono qualificarsi per la paternità nel genere "totalmente.

45. Irina Nahova.
Musa del concettualismo di Mosca. Laureate del premio Kandinsky 2013 per il "Progetto dell'anno". Nel 2015, alla 56a Biennale veneziana
rappresenterà la Russia.
Anno di nascita: 1955
Lavoro: "Trittych". 1983.
Data di vendita: 03/12/2008
Prezzo (GBP) 1: 38 900
Capitalizzazione totale (GBP): 85 000
Posizione: 45.
Il costo medio del lavoro (GBP): 17.000
Numero di re-vendite: 1

46. \u200b\u200bKatya Filippova.
Il designer all'avanguardia dei vestiti, che è diventato famoso nella ristrutturazione. Showcases decorate dei grandi magazzini di Parigi Galeries Lafayette, erano amici con Pierre Cardin.
Anno di nascita: 1958
"Lavoro: Marina Ladynina" (dalla serie di Hollywood russo)
Data di vendita: 03/12/2008
Prezzo (GBP) 1: 38 900
Capitalizzazione generale (GBP): 39 000
Ubicazione: 49.
Il costo medio del lavoro (GBP): 39 000
Numero di ri-vendite: -

47. Boris Zaborov.
Artista del teatro, illustratore di libro. Nel 1980, sono emigrato a Parigi, ha lavorato su costumi per "Comidi Frances".
Anno di nascita: 1935
Lavoro: "Party" .1981
Data di vendita: 10/30/2006
Prezzo (GBP) 1: 36 356
Capitalizzazione totale (GBP): 67 000
Ubicazione: 47.
Il costo medio del lavoro (GBP): 13 400
Numero di re-vendite: 2

48. Rostislav Lebedev.
Artista sociale classica, Associate (e un vicino di officina) Boris Orlova e Dmitry Prigova. Agitazione visiva creativamente convertita dei tempi sovietici.
Anno di nascita: 1946
Lavoro: "Fiaba russa" .1949
Data di vendita: 03.06.2008
Prezzo (GBP) 1: 34.000
Capitalizzazione totale (GBP): 122 000
Posizione: 39.
Il costo del lavoro medio (GBP): 24 400
Numero di re-vendite: 2

49. Andrei Filippov.
Appartiene alla scuola concettuale di Mosca. L'autore di dipinti e impianti, uniti dall'argomento "Mosca - Terza Roma". Dal 2009, in congiunzione con Yuri Albert e Viktor Skeservis entra nel gruppo Cupido.
Anno di nascita: 1959
Lavoro: "Sette piedi sotto la chiglia". 1988.
Data di vendita: 05/31/2006
Prezzo (GBP) 1: 33 600
Capitalizzazione totale (GBP): 137 000
Posizione: 37.
Il costo medio del lavoro (GBP): 12 455
Numero di ri-vendite: 3

50. Vladimir Shinkarev.
Il fondatore e l'ideologo del Gruppo Art Leningrado "Mitki", nel cui Mitkee romano, per la prima volta e suonava questo termine. Roman ha scritto dalla noia, lavorando nella stanza della caldaia.
Anno di nascita: 1954
Lavoro: "Lenin Square I". 1999.
Data di vendita: 06/30/2008
Prezzo (GBP) 1: 32 450
Capitalizzazione generale (GBP): 33 000
Posizione: 50.
Il costo medio del lavoro (GBP): 16.500
Numero di ri-vendite: -

Vendite vs Exhibitions.

Il riconoscimento del mercato e del riconoscimento della comunità professionale a molti sembra essere cose diverse, ma dividendo gli artisti "commerciali" e "non commerciali" sono molto condizionali. Quindi, dagli artisti russi che hanno esposto negli ultimi dieci anni nella Biennale veneziana dell'arte contemporanea (e questo è il cima di una carriera professionale), sette unità (se si considera il personale, allora 11 persone) sono cadute nella nostra valutazione. E i primi 10 artisti del rating o esposti alla Biennale a Venezia in precedenza, o avevano mostre personali in grandi musei. Per quanto riguarda quei meravigliosi maestri, che non sono caduti nel rating, la loro assenza o meno le vendite eccezionali sono spiegate semplicemente e trite. I collezionisti sono conservativi e anche nei creatori più avanguardi preferiscono comprare dipinti (dipinti, simili alle immagini di oggetti o fotografie) o scultura (o oggetti simili alla scultura). Nella nostra classifica non ci sono prestazioni record o installazioni giganti (le installazioni solitamente acquistano musei, ma anche il prezzo c'è un museo, con uno sconto). Ecco perché queste stelle non cadono nel rating come Andrei Monastic, Oleg Kulik, Pavel Peprestein(fino a poco tempo è principalmente programmato, e la grafica di A priori è più economica della pittura) o, ad esempio, Nikolai Polissky.A cui grandi costruzioni non hanno trovato finora la comprensione dei collezionisti.

Inoltre, il mercato è conservatore anche perché il riconoscimento viene lentamente - nota che nella Top-10, tutti gli artisti non sono più giovani che nati nel 1950. Cioè, i potenziali partecipanti alla Biennale sono ancora in vantaggio.