Quale arte esprime. Arte - l'espressione dei pensieri più profondi nel modo più semplice

08.03.2020

Cos'è l'arte? Informazione Generale

Il concetto di "arte" è abbastanza sfaccettato. Di solito sotto di esso implica un ramo dell'attività umana che può soddisfare un bisogno spirituale, vale a dire amore per la bellissima. L'arte è una forma speciale di coscienza pubblica. È che è un riflesso artistico della vita umana. Grazie a lui, può essere scoperto come le persone vivevano in un altro intervallo di tempo.

Il primo autore, che ha rivelato il concetto di "arte", era Charles Batu. Ha creato un intero trattato in cui ha classificato questo ramo dell'attività umana. Il suo libro "Belle Arti, Minist in un principio" è stato pubblicato nel 1746. Charles Batya crede che possano essere determinati da diversi criteri. L'autore è sicuro che l'arte porta piacere, e ha anche uno spirituale, non un personaggio fisico.

Il concetto di "arte" include la pittura, la musica, la poesia, l'architettura e molto altro, con il quale siamo confrontati ogni giorno. Qualsiasi tipo di attività artistica si distingue per alcune qualità positive. Ogni settore artistico ha un modo speciale per riprodurre realtà e compiti artistici. Tutti i tipi di attività artistiche sono suddivisi in parto e generi.
Di solito l'arte è divisa in tre gruppi:

tonico (musica e poesia);
sagomato (architettura, pittura e scultura);
misto (coreografia, abilità di recitazione, oratorio e altri).

Ci sono una varietà di arti:

spaziale, in cui, grazie alla costruzione, è rivelata l'immagine visibile (scultura, architettura);
temporaneo, in cui il valore acquisisce una composizione in tempo reale (poesia, musica);
spatio-Temporaneo - Arte spettacolare (prestazioni del circo, cinema, coreografia).

Grafica

L'arte della grafica è una forma che include il disegno e la grafica stampata di immagini (incisione, mineraria e altro). I suoi mezzi espressivi - contorno, codice a barre, sfondo e macchia. È noto che questa è l'aspetto più popolare dell'arte visiva. Secondo il suo contenuto e la forma del grafico, c'è molto in comune con la pittura.

L'incisione è un tipo di grafica in cui l'immagine è una stampa stampata. Applicalo a un incisore speciale. L'incisione può essere raffigurata su metallo, legno e linoleum.

Un'altra forma popolare di grafica è un modo speciale di stampa piatta, in cui la superficie della pietra funge da forma stampata. Questa specie è stata inventata nel 1798. L'immagine sulla pietra viene applicata utilizzando una carcassa o una matita speciale.

L'arte della grafica è la più antica di tutti gli esistenti. Le prime immagini esistono dai tempi del neolitico e dell'età del bronzo. I nostri antenati si grattò il disegno sulle pareti delle grotte e delle rocce. Dopo un po 'di tempo, le immagini sono state applicate a armi e articoli per la casa. Dopo aver scelto la scrittura, il programma è stato utilizzato nella progettazione di lettere, libri e lettere.

I metodi per la copia dei disegni nel corso degli anni sono stati sconosciuti. Ecco perché tutte le immagini sono state create in un'unica istanza. Non è un segreto che oggi tali disegni grafici sono richiesti dai collezionisti.

A metà del 20 ° secolo, gli esperti hanno iniziato a sviluppare la tecnica della grafica in bianco e nero. Sono state create più di 20 fatture grafiche. Sono stati pubblicati benefici educativi. Oggi la grafica occupa un posto importante nell'art.

Bento.

Bento è un'arte insolita per bambini e adulti. Non è un segreto che molti genitori non sanno come insegnare al loro bambino a un'alimentazione sana. Oggi ci sono una vasta selezione di cibo dannoso e persino pericoloso sugli scaffali. Un nuovo tipo di arte può venire in soccorso - Bento. È apparso in Cina. In tal caso, i cinesi chiamano il cibo che stanno girando in scatole speciali e portano con loro per studiare o lavorare. Bento è un'opera d'arte che può essere mangiata. Casalinghe e cuochi di talento creano figure da cibo e piccole immagini. La principale differenza di tale cibo è equilibrata e la presenza di un gran numero di vitamine. I cinesi creano un lavoro commestibile di arte solo da cibo utile.

Bento è un'arte per bambini e adulti, grazie a cui il bambino mangerà volentieri prodotti utili. Non è così popolare con noi, ma ci sono già diversi maestri che hanno padroneggiato questa tecnica.

Effetto dell'arte sulla coscienza e sulla vita del bambino. Come spiegare alle opere moderne del bambino delle attività d'arte?

L'arte gioca un ruolo importante nella vita del bambino e nello sviluppo della sua personalità. Oggi, assolutamente ogni persona deve avere almeno conoscenza di base di questo o quel campo di attività. La società si sta sviluppando rapidamente, e quindi ogni persona deve essere sfaccettata. Molti genitori moderni cercano di fare l'amore per l'arte il prima possibile. Per questo, è stato sviluppato un numero considerevole di tecniche di istruzione che possono essere utilizzate dai primi mesi della vita del bambino.

Il concetto di tipi di arte il bambino diventa anche a scuola. Di solito genitori, insegnanti e caregivers pagano molta attenzione a scrivere, leggere, conto e altri soggetti per i quali l'emisfero sinistro del cervello è responsabile. Per lo sviluppo della destra, dovrai impegnarsi in musica, danza e altre arti. È importante sviluppare sia gli emisferi del cervello per continuare a diventare una personalità completamente formata.

A causa del padroneggio dell'arte in un bambino:

la personalità è formata;
aumenta il livello del potenziale intellettuale;
le linee guida matematiche sono formate;
la capacità del pensiero creativo;
la fiducia in se stessi appare e aumenta l'autostima;
la memoria e l'attenzione si sviluppano;
gli orizzonti si stanno espandendo.

Per introdurre un bambino con l'arte, è principalmente importante organizzare una zona in cui saranno conservati tutti i materiali necessari per l'attività creativa. Avrai bisogno di avere alcuni libri sull'art. Dalla prima infanzia, un bambino ha bisogno di leggerli. È importante discutere tutto imparato. Per conoscere l'arte, avrai bisogno di almeno una volta al mese per visitare musei, gallerie, teatri e mostre con il bambino. In nessun caso non dovrebbe lanciare disegni, appliques e mestieri creati dalle mani dei bambini. Grazie a loro puoi vedere la crescita creativa del bambino. È anche importante scriverlo il prima possibile per il circolo tematico, le classi in cui gli darà l'anima.

Alcune opere di arte contemporanea causano smarrimento da non solo bambini, ma anche adulti. Spesso, uno o un altro bambino non capisce l'architettura progettata dai modernisti. È importante spiegare allo scolaro che qualsiasi opera d'arte è una fase importante nello sviluppo dell'umanità.

Molte domande nei bambini causano dipinti astratti. C'è un numero considerevole di pubblicazioni speciali, grazie ai quali i genitori possono mostrare al bambino quanto è difficile creare un lavoro artistico simile. Uno di questi è "se stesso Kandinsky".

Spesso i bambini sono interessati, è possibile confrontare l'arte moderna e primitiva? Questo e altro puoi scoprire nel nostro articolo.

Arte. Storia del suo sviluppo in Russia

Sono conosciuti un gran numero di tipi di arte diversificati. Ognuno di loro ha le sue caratteristiche e vantaggi. Cos'è l'arte visiva, quasi tutti lo sanno. Ha introdotto i bambini anche in tenera età.

Questo tipo di attività artistica, grazie a cui un maestro può riprodurre il mondo con l'aiuto di mezzi speciali. La sua storia in Russia è divisa in due periodi, il cui confine denota riforme Petrovsky. Era strettamente correlato all'icona. Le icone hanno avuto il loro tipo di stile artistico. Lo scopo di tali opere d'arte è mostrare a preghiera e tranquillità nel comunicare con Dio. Questo è esattamente ciò che la presenza di alcuni fondi artistici nelle icone. Nel corso del tempo, i Maestri impattonò le scuole dell'iconografia. Il lavoro più famoso è considerato il "Trinity" A. Rublev. Le icone del 15-16 ° secolo sono caratterizzate da armonia delle vernici.

Nel 17 ° secolo, le icone delle "lettere di Fryazhsky" erano popolari. Sono caratterizzati da elementi della pittura dell'Europa occidentale, cioè vernici ad olio, come la modellazione in bianco e nero, l'accuratezza delle persone e della natura. L'interesse per l'icona come l'opera d'arte si verifica solo nel 19 ° secolo.

L'antica scultura russa esisteva sotto forma di filo sulla pietra e un albero. Molto spesso, i maestri raffiguravano immagini dei santi. Un'attenzione particolare è stata pagata al viso. Nei 18 °-19 secoli, scultori e pittori di altri paesi erano richiesti. Dopo un po 'di tempo, i maestri domestici sono diventati popolari.

Nel XVIII secolo, diventa il più popolare diventa caratterizzato dalla gravità del modello, dalla convenzione del sapore e dall'uso di grafici dalla Bibbia e dalla mitologia. Quindi, l'arte nazionale è gradualmente emersa.

Nel 1860-1880, le prime gallerie si stanno aprendo, e i maestri domestici diventano famosi in tutto il mondo. Gradualmente sorgono nuove direzioni. Ognuno di loro occupava un posto importante nella formazione del patrimonio culturale. Nei secoli XVIII-19, l'umanità non solo sapeva che tali arti visive, ma anche lo usarono attivamente.

Temi divulgati nell'arte

Sorprendentemente, tutti i temi e i problemi che rivelano i maestri nelle loro opere d'arte sono rilevanti nel corso dei secoli. Gli antichi romani sostenevano quell'arte, a differenza della vita umana, per sempre. Non è una coincidenza. Argomenti nell'arte Highlight Problemi pubblici che si trovano spesso oggi. Ecco perché costituiscono un enorme valore per l'umanità. I maestri rivelano spesso nelle sue opere il tema dell'amore, della natura e dell'amicizia.

Nel tempo, le indicazioni nell'arte stanno cambiando e appaiono nuovi maestri, ma i temi e le immagini rimangono invariati. Ecco perché qualsiasi lavoro rimane rilevante nel corso degli anni.

Arte e il suo ruolo

Il ruolo dell'arte nella vita della società è inestimabile. È basato sul riflesso artistico e figurativo della realtà. L'arte forma l'aspetto spirituale delle persone, i loro sentimenti, pensieri e visioni del mondo. La ricreazione figurativa della realtà crea la nostra personalità. L'arte aiuta a svilupparsi e auto-miglioramento. E conosci anche il mondo e te stesso.

L'arte è un patrimonio culturale. Grazie all'opera d'arte, è possibile scoprire come le persone vivevano alla volta o nell'altro. Recentemente, varie tecniche artistiche hanno una particolarità. Grazie all'arte, puoi imparare a controllarti. Creare un oggetto artistico, puoi dimenticare i problemi e sbarazzarti della depressione.

Arte e i suoi compiti

Maxim Gorky riteneva che i compiti dell'arte consistono nella valutazione morale ed estetica di tutti i fenomeni essenziali. Lo scrittore ha detto che a causa di questo puoi imparare a capire te stesso, combattere la volgarità, essere in grado di capire le persone e trovare qualcosa di buono in loro. Oggi ci sono tre funzioni di attività artistiche. I compiti dell'art sono di ricerca, giornalismo e illuminazione. I maestri ritengono che la funzione dell'attività artistica sia portare una bella nelle anime e nei cuori delle persone. Nikolai Vasilyevich Gogol ha sostenuto che il compito dell'arte giace nell'immagine della realtà.

Arte moderna e primitiva

Molti sono interessati, a prima vista, è impossibile. Tuttavia, non lo è. Se percepisci arte come un modo di auto-espressione, allora moderno, e il primitivo è nello stesso piano. Confrontandoli, puoi capire come è cambiata la percezione di una persona.

Il pensiero umano è diventato più astratto. Questo indica lo sviluppo attivo dell'intelligenza. Nel tempo, una persona ha cambiato priorità e oggi percepisce la vita non come antenati primitivi. In precedenza, i maestri erano interessati alla comparsa del soggetto e dalla sua forma, e ora le emozioni sono occupate dal ruolo principale nei lavori. Una tale differenza esiste dalla fine del 19 ° secolo.

Smettiamo

È importante per una tenera età per sviluppare non solo la sinistra, ma anche l'emisfero destro del cervello. Per fare questo, devi fare arte. È particolarmente importante pagare la dovuta attenzione allo sviluppo creativo del bambino. Consigliamo vivamente di farlo dai primi anni della sua vita. Non tutti comprendono il ruolo, i compiti e i tipi di arte. Descritto brevemente le informazioni nel nostro articolo ti consente di ottenere conoscenze di base su varie aree artistiche di attività.

Il concetto di arte

Parola " arte" E in russo, e in molte altre lingue è usato in due sensi:

nel stretto Il senso è la forma specifica dello sviluppo spirituale pratico del mondo;
nel largo - il più alto livello di abilità, abilità, indipendentemente da cui appaiono in (l'arte del cuoco, del medico, del pekary, ecc.).

- Un sottosistema speciale della sfera spirituale della società, che è la riproduzione creativa della realtà nelle immagini artistiche.

Inizialmente, l'arte ha definito un alto grado di abilità in qualsiasi questione. Questo significato della parola è presente nella lingua fino ad ora, quando stiamo parlando dell'arte di un medico o dell'insegnante, sull'arte del combattimento o sull'oratorio. Più tardi, il concetto di "arte" è diventato sempre più usato per descrivere attività speciali volte a riflettere e trasformazione del mondo in conformità con standard estetici. Secondo le leggi della bellissima. Allo stesso tempo, il significato iniziale della Parola è stato preservato, poiché prende la più alta abilità per creare qualcosa di eccellente.

Soggetto Le arti sono la pace e l'uomo nell'aggregato della loro relazione tra loro.

Forma di esistenza L'arte è un lavoro artistico (poema, pittura, gioco, film, ecc.).

L'arte usa anche speciale significa per Realtà reale: per la letteratura, questa parola, per musica - suono, per fine art - colore, per la scultura - volume.

scopo Doppia arti: per il creatore, è un'auto-espressione artistica, per lo spettatore - il piacere della bellezza. In generale, la bellezza è strettamente legata all'arte come verità con la scienza e il bene - con la moralità.

L'arte è una componente importante della cultura spirituale dell'umanità, della forma di conoscenza e della riflessione dell'ambiente della realtà. Secondo il potenziale di riflessione e la trasformazione della realtà, l'arte non è inferiore alla scienza. Tuttavia, i modi di comprendere il mondo per scienza e arte sono diversi: se la scienza usa concetti severi e inequivocabili per questo, allora l'arte.

Arte come indipendente e come ramo della produzione spirituale cresciuta fuori dalla produzione di materiale, è stato originariamente intrecciato in esso come estetico, ma un momento puramente utilitaristico. Per natura, l'artista, e lui ovunque o altro cerca di fare bellezza. L'attività estetica di una persona è costantemente manifestata, la vita quotidiana, la vita sociale e non solo nell'art. Avviene sviluppo estetico del mondo Uomo pubblico.

Funzioni dell'art

L'arte esegue un numero caratteristiche pubbliche.

Funzioni dell'art Puoi evidenziare, riassunto detto:

funzione estetica Consente di riprodurre la validità in base alle leggi della bellezza, costituisce il gusto estetico;
funzione sociale Si manifesta in quell'arte ha un impatto ideologico sulla società, trasformando in tal modo la realtà sociale;
funzione compensativa Ti permette di ripristinare l'equilibrio sincero, risolvere i problemi psicologici, "fuga" per un periodo di vita di ogni giorno grigia, compensare la mancanza di bellezza e armonia nella vita di tutti i giorni;
funzione edonistica riflette la capacità dell'arte di godere di una persona;
funzione cognitiva Ti permette di imparare la realtà e analizzarlo usando immagini artistiche;
funzione prognostica riflette la capacità dell'arte di costruire previsioni e prevedere il futuro;
funzione educativa Si manifesta nella capacità delle opere d'arte di formare la personalità di una persona.

Funzione cognitiva

Prima di tutto cognitivo funzione. Le opere d'arte sono preziose fonti di informazioni sui complessi processi sociali.

Naturalmente, non tutto nel mondo circostante è interessato all'arte, e se sei interessato, poi in diversi gradi, e l'arte si avvicina all'oggetto della sua conoscenza, l'aiuto della sua visione è molto specifico rispetto ad altre forme di coscienza pubblica. L'oggetto principale della conoscenza dell'arte è sempre stato e rimane. Ecco perché l'arte nel suo complesso e, in particolare, la finzione ha fatto riferimento a una persona.

Funzione educativa

Educativo La funzione è la capacità di avere un impatto importante sulla formazione ideologica e morale di una persona, è auto-miglioramento o una caduta.

Tuttavia, le funzioni cognitive ed educative non sono specifiche per l'arte: anche altre forme di coscienza pubblica eseguono anche queste funzioni.

Funzione estetica

La funzione specifica dell'arte che lo rende arte nel vero senso della parola è il suo estetico funzione.

Percepire e comprendere le opere d'arte, non assimileiamo solo i suoi contenuti (come il contenuto della fisica, della biologia, della matematica), ma saltiamo questo contenuto attraverso il cuore, le emozioni, diamo immagini specifiche sensuali create dall'artista, la valutazione estetica come Bello o brutto, elevato o pianura, tragico o comico. Le forme d'arte sono in noi la capacità di fornire stime così estetiche, distinguere con un vero e sublime da ogni sorta di erzatsi.

Funzione edonistica

Cognitivo, educativo ed estetico fuso nell'arte. Grazie al momento estetico, ci godiamo il contenuto del lavoro artistico ed è nel processo di piacere che educiamo e conduciamo. A questo proposito, parla gedonistic. (Tradotto da greco - piacere) funzioni arte.

Molti secoli nella letteratura socio-filosofica e estetica continuano una disputa sul rapporto tra bellissimo arte e realtà. Allo stesso tempo, vengono rilevate due posizioni principali. Secondo uno di loro (in Russia, ero supportato da N. G. Chernyshevsky) La bella nella vita è sempre sempre sempre in tutti gli aspetti sopra la bellissima dell'art. Nel corpo del caso, l'arte appare copia con i personaggi tipici e gli oggetti della realtà stessa e il surrogato della realtà. È preferibile ovviamente un concetto alternativo (G. V. F. Hegel, A. I. Herzen, ecc.): Bellissima nell'arte sopra la bella nella vita, mentre l'artista vede più precisamente e più profondo, si sente sempre più luminoso ed è per questo che può ispirare il suo arte degli altri. Altrimenti (essere surrogato o addirittura duplicato) l'arte non avrebbe bisogno della società.

Opere d'arte, Essendo la forma di realizzazione del soggetto del genio umano, diventa il più importante spirituale e valori trasmessi da generazione in generazione, proprietà della società estetica. Padroneggiare la cultura, l'educazione estetica è impossibile senza ammissione all'art. Nelle opere dell'arte dei secoli passati, il mondo spirituale di migliaia di generazioni viene catturato, senza lo sviluppo di cui una persona non può diventare una persona nel vero significato di questa parola. Ogni persona è una specie di ponte tra il passato e il futuro. Deve padroneggiare ciò che gli ha lasciato la generazione passata, comprendendo creativamente la sua esperienza spirituale, capisci i suoi pensieri, sentimenti, gioia e sofferenza, upshots e cade e trasmettono tutto questo ai discendenti. Solo questo è il modo in cui la storia si muove, e in questo movimento appartiene all'arte, esprimendo la complessità e la ricchezza del mondo spirituale dell'uomo.

Tipo di arte

La forma primaria dell'arte era speciale sincretico (abusato) complesso di attività creativa. Per una persona primitiva, non c'era musica separata, o letteratura o teatro. Tutto è stato fuso insieme in un unico atto rituale. Più tardi, i singoli tipi di arte hanno cominciato a distinguersi da questo atto sincretico.

Tipo di arte - Sono le forme storicamente stabilite del riflesso artistico del mondo che usano strumenti speciali per costruire un'immagine - suono, colore, televisione, parola, ecc. In ciascuno dei tipi d'arte ci sono i loro tipi speciali - parto e generi, che insieme forniscono una varietà di atteggiamento artistico alla realtà. Considera brevemente i principali tipi di arte e alcune delle loro varietà.

Letteratura Utilizza utensili verbali e scritti per creare immagini. Ci sono tre tipi fondamentali di letteratura - Drama, Epos e testi e numerosi generi - Tragedia, commedia, romanzo, storia, poesia, elegia, storia, saggio, compagno, ecc.

Musica Usa strumenti audio. La musica è divisa in vocale (destinata a cantare) e strumentale. Generi musicali - Opera, Symphony, Overture, Suite, Romance, Sonata, ecc.

Danza Utilizza i movimenti di plastica per costruire immagini. Allocare rituali, folk, sala da ballo,

danze moderne, balletto. Direzioni e stili di danza - Waltz, Tango, Foxtrot, Samba, Polonaise, ecc.

Pittura Visualizza la realtà sul piano con gli strumenti di colore. Generi di pittura - ritratto, natura morta, paesaggio e domestico, animale (immagine degli animali), generi storici.

Architettura Forma un ambiente spaziale sotto forma di strutture ed edifici per la vita di una persona. È diviso in residenziale, pubblico, giardino e parcheggio, industriale, ecc. Anche gli stili architettonici - Gothic, Barochko, Rococò, Moderno, Classicismo, ecc.

Scultura Crea opere d'arte con un volume e una forma tridimensionale. La scultura è rotonda (busto, statua) e goffrata (immagine convessa). La dimensione è divisa in macchina, decorativa e monumentale.

Arte decorativa e applicata associato a esigenze applicate. Ciò include oggetti d'arte che possono essere utilizzati nella vita di tutti i giorni - piatti, tessuti, strumenti, mobili, mobili, decorazioni, ecc.

Teatro Organizza un'azione speciale da palcoscenico giocando attori. Il teatro può essere drammatico, opera, bambola, ecc.

Il circo Rappresenta spettacolare e intrattenimento con numeri insoliti, rischiosi e divertenti su un'arena speciale. Queste sono acrobazie, equilibri, ginnastica, djigitovka, giocoleria, focalizzate, pantomime, clo nata, formazione animale e così via.

Film È lo sviluppo dell'atto teatrale sulla base dei moderni fondi audiovisivi tecnici. I tipi di cinema includono giocare, cinema documentario, animazione. Secondo Generi, allocano filmComiccio, dramma, melodramas, film d'avventura, rilevanti, thriller, ecc.

La foto Corregge le immagini visive documentarie con mezzi tecnici - ottico e chimico o digitale. I generi della fotografia corrispondono ai generi della pittura.

Palcoscenico Include piccole forme di arte scenica - Diacatura, musica, coreografia, illusioni, numeri di circo, spettacoli originali, ecc.

È possibile aggiungere grafica, la radio conforme ai tipi di arte elencati, ecc.

Al fine di mostrare le caratteristiche generali di diversi tipi di arte e le loro differenze, vengono proposte varie ragioni per la loro classificazione. Quindi, evidenziare le arti:

dal numero di fondi utilizzati - semplice (pittura, scultura, poesia, musica) e complesso, o sintetico (balletto, teatro, cinema);
dal rapporto tra arte e realtà - visivo, raffigurante realtà, copiare CE, (pittura realistica, scultura, fotografia) e espressive, dove fantasia e immaginazione dell'artista stanno creando una nuova realtà (ornamento, musica);
in relazione allo spazio e al tempo - spaziale (arte visiva, scultura, architettura), temporanea (letteratura, musica) e spazio-temporaneo (teatro, film);
al momento dell'emergenza - tradizionale (poesia, danza, musica) e nuovi (fotografia, cinema, televisione, video), di solito usano abbastanza mezzi tecnici complessi per costruire un'immagine;
secondo il grado di applicabilità nella vita quotidiana - applicata (arte decorativa e applicata) ed elegante (musica, danza).

Ogni tipo, genere o genere visualizza un lato speciale o un volto della vita umana, ma raccolti insieme, queste componenti dell'arte danno un'immagine artistica completa del mondo.

La necessità di creatività artistica o godimento dell'opera d'arte aumenta con la crescita del livello culturale umano. L'arte diventa più necessaria, più la persona proviene da uno stato animale.

1. Dinamiche probabili del problema o opportunità.

Tuttavia, non è necessario essere coinvolti in una sola formazione e solo un'unica azione che differisce dal tema dell'arte dal tema della scienza. È necessario ricordare tutto il tempo che nel campo dell'arte abbiamo un caso non solo con l'azione come con la struttura organica del divenire, ma quella stessa, la stessa formazione è nata qui ad Aristotele a causa dell'opposizione al ragionamento categoriale (così come una necessità logica) è esattamente la possibilità problematica. Solo prendendo questa opportunità nella zona di pura menti nell'aspetto di un organico inerente ad esso diventando entrambe le solide possibilità, abbiamo per la prima volta un'immagine più o meno completa del tema dell'art.

Aristotele scrive: "... La sfida del poeta non è parlare di ciò che è successo (TA Genomena), ma su cosa potrebbe accadere, sulla possibilità di probabilità o necessità" (poeta 9, 1451 A 36 - B 1) . Quindi, Aristotele. una volta rotto con il soggetto dell'arte, come con la realtà effettiva. I fatti nudi, presi da soli, non sono interessati al poeta. È interessato al fatto che non è percepito da solo, ma come fonte di altri possibili articoli e rappresentazioni, o, come diremmo, l'immagine dell'arte è sempre simbolico o piuttosto espressamente simbolico Indica sempre qualcos'altro e chiama all'altro.

I pensieri di Aristotele in questo senso sono audio abbastanza categoricamente:

"Lo storico 158 e il poeta differiscono non dal fatto che si parla versi e un'altra prosa. Dopo tutto, le composizioni di Herodota potevano essere spostate in poesie, eppure sarebbe stata la stessa storia di metri, come senza metri. Il La differenza è che si racconta di cosa è successo (TA Genomena), l'altro - su cosa potrebbe accadere "(B 1-6).

2. La natura generalizzata di questa funzione.

Infine, secondo Aristotele, è impossibile che un soggetto artistico abbia dichiarato solo un'opportunità per in qualche modo diminuire - e per quanto riguarda la comunità e in relazione all'immagine persuasiva. Sarebbe possibile pensare che se l'artista fosse prescritto per ritrarre non ciò che è, ma cosa potrebbe essere, l'artista avrebbe scatenato le mani scatenate rispetto all'immagine di qualsiasi cosa. No, questo non può essere in alcun modo, perché non dimenticheremo che l'intera area della possibilità è presa da tutta la stessa mente teorica che funziona sempre solo con categorie condivise.

"La poesia contiene più elemento filosofico e grave della storia: rappresenta più generico E storia - privato. Il generale consiste nell'immagine di ciò che devi parlare o fare con probabilità o per la necessità di una persona che ha quelle o altre qualità. La poesia cerca questo, dando nomi a quelle che agiscono. E Privato, - Ad esempio, cosa ha fatto Alkiviad, o cosa gli è successo a lui "(B 6-12).

3. Arte alla moda.

È importante notare qui che il possibile, su quale arte interpreta è sempre caratterizzata da alcuni nomi. Ora diremmo diversamente. Dopotutto, è stato ancora fondamentalmente affrontato solo una ragione pulita o teorica, che agisce con l'aiuto di categorie generali. Ma dopotutto, l'opera d'arte non è solo un sistema di categorie logiche. È sempre una foto di certo persone con i loro nomi e certo azioni Che con queste persone si verificano. Circa l'azione Aristotele ha già detto, ma non ha ancora detto degli eroi del lavoro artistico. E solo ora dice che l'opera d'arte funziona sempre con quelle o altre. nomi Cioè, con quelli o altri eroi che indossano alcuni nomi. Se la commedia è importante a vantaggio del Fabul stesso, ei nomi possono essere ovunque, e se ci sono nomi nello Yambridge, ma non è raffigurato (B 12-15), è molto diverso sulla tragedia, dove Viene anche dato un certo mito di Phabula, cioè un certo insieme di azioni e danno "nomi", cioè gli eroi che indossano alcuni nomi appartenenti a loro, e poiché la mitologia si riferisce al passato, quindi la domanda del suo reale la realtà non è più sollevata. Una volta qualcosa, significa che potrebbe essere; E quindi la tragedia soddisfa completamente il principio artistico della possibilità, per non parlare del suo persuasivo, derivante da qui, e, di conseguenza, sul suo peculiare realismo, non solo non solo contraddittorio il principio della possibilità, ma è più luminosamente trasportandolo.

Ecco cosa abbiamo letto da Aristotele su questo:

"Nella tragedia aderire ai nomi presi dal passato. La ragione per questo è che è possibile [cioè, in questo caso, l'incidente] causa fiducia nella possibilità di ciò che non è ancora successo, ma non crediamo; ma Quello che è accaduto è ovviamente forse dal momento che non sarebbe successo se non fosse possibile. Tuttavia, in alcune tragedie, si trova solo uno o due noto nome, mentre altri sono immaginari come, ad esempio, nel "fiore" di Agafon. Nel Questo funziona gli stessi fittili ed eventi e nomi, ma comunque dà piacere "(B 15-23).

È importante qui non solo la latitudine dell'orizzonte artistico di Aristotele, ma è importante qui e il fatto che tra questi argomenti riguardo all'integrità, generalità, realismo peculiare dell'immagine mitologica, non dimentica di dire anche relativamente al La tragedia del piacere (Eyphraiifiein o, o meglio, sarebbe stata tradotta, "gioia").

In conclusione, Aristotele enfatizza di nuovo nonfacticità Lavoro artistico, cioè la sua realizzazione, fabbricazione, descrittivo creativo, la sua immagine virtuoso, che, secondo Aristotele, viene sempre effettuata dalla sua creazione efficace:

"Non dovresti necessariamente mettere il tuo compito ad aderire ai miti preservati dalla leggenda, nell'area di cui la tragedia ruota. Sì, ed è divertente ottenerlo, poiché anche il famoso noto è un po ', e Nel frattempo dà piacere a tutti. Di questo è chiaro che il poeta deve essere più creatore Fabul, dai metri, poiché è il Creatore è ispirato perché riproduce, e riproduce le azioni. Anche se deve rappresentare eventi reali, è Ancora un creatore, poiché nulla impedisce ad alcuni eventi validi di avere probabilità e opportunità. Ecco perché è il loro creatore "(B 23-33).

4. Espressione come eleganza estetica dell'oggetto Art.

Ora, infine, ci siamo avvicinati alla comprensione aristotelica dell'arte come una sfera di espressione. Dopotutto, è fatto qui che è chiaro che questo tipo di teoria del soggetto artistico, progettato non solo per il contenuto, ma sul design virtuoso di qualsiasi contenuto che oltre al piacere specifico è solo estetico espressioni Quando non è importante che esiste oggettivamente, e non ciò che è fittizio nell'ordine dell'arbitrarietà soggettiva, ma il virtuosismo dell'espressione stesso e il piacere specifico associato ad esso.

ma) Nell'ultima delle citazioni precedenti, eravamo convinti che Aristotele, anche se molto amato dalle famose trame mitologiche, tuttavia credeva che l'opera d'arte non dipendasse da queste ben note e comprensibili. Le storie possono essere completamente sconosciute al pubblico e completamente incomprensibile nella loro novità, e tuttavia, il pubblico può ricevere piacere estetico da queste trame. E perché? Perché per Aristotele nel lavoro artistico, non è importante non "che", ma "come", o meglio, la piena fusione sia in un espressivo che in tal modo convincente immaginazione formale-strutturale. Di seguito vedremo come Aristotele e l'origine dell'arte determinano la naturale tendenza di una persona a "imitazione", cioè alla riconciliazione creativa di tutto ciò che lo circonda e di ottenere piacere da tale imitazione.

b) Ora daremo un ragionamento molto interessante di Aristotele in "Politica":

"I bambini dovrebbero essere addestrati da soggetti generalizzati non solo nell'interesse del beneficio ricevuto da questo, tale, ad esempio, l'apprendimento, ma anche perché, grazie a questa formazione, è possibile informarli una serie di altre informazioni. Questo è Il caso con il disegno: Stiamo studiando non per non cadere in un errore nelle tue azioni o non sottoporsi a un inganno con un acquisto o vendita di utensili fatti in casa, ma il disegno sta studiando perché sviluppa gli occhi quando si sviluppa la bellezza fisica. In generale , è solo meno prima di cercare solo un vantaggio di persone di elevate qualità mentali e omaggi "(VIII 3, 1388 A 37 - 1388 B 4).

In altre parole, un soggetto artistico, secondo Aristotele, allo stesso modo ed è vitale e vitale. L'arte è un'area completamente specifica in cui né "sì" dice, né "no", e tuttavia è sempre la sfera di possibili dichiarazioni e rifiuti. Questa è la sfera delle azioni espressive di formazione. Questa è particolarmente diversa musica (Polit. VIII 4-5), poiché ci assicureremo di questo sotto quando si considera la creatura della musica e dell'educazione musicale.

nel) Che il bello in generale sopra è semplicemente fisico, può essere visto dal ragionamento di Aristotele (Etica NIC. III 12) che per un soldato pugno sono lieto di avere una ghirlanda e onore, ma fa male ai colpi durante la lotta, e Gli atti coraggiosi sono impegnati per motivi di eccellente scopo e per evitare la vergogna, anche se le ferite e la morte non rappresentano affatto qualcosa di bello o piacevole. Aristotele vuole dire qui che bello efficacemente, ma non nel senso di puramente fisico.

"Nelle opere d'arte, la perfezione (ay) si trova con se stessi, ed è sufficiente che queste opere appaiano in base alle regole che giacciono nell'arte" (II 3, 1105 A 27-28).

"Pertanto, l'arte non può essere criticata perché raffigura gli oggetti sbagliati, impossibili o incredibili. Ovviamente, sarebbe meglio se tutte le arti raffigurate nell'arte sarebbero obiettivamente corrette, e obiettivamente possibili e obiettivamente probabili, ma se, per ESEMPIO, raffigurato un cavallo con due gambe giuste avanzate, il pittore critico per esso critica non l'arte della pittura del tutto, ma solo l'inconvenzione della sua realtà. L'immagine d'arte potrebbe anche essere oggettivamente impossibile. Tuttavia, è preferibile al Poesia, ma probabile, che è possibile, ma incredibile "(poeta, 25, 1460 B 6 - 1461 A 9; 11-12).

La struttura strutturale Virtuoso dell'opera d'arte Aristotele assume e poi quando è stata apprezzata nella tragedia la maggior parte dei collegamenti tra eventi, cioè ciò che chiama il "mito", e non il maggior numero di eventi. Ad esempio, tragedia, secondo Aristotele, è possibile anche senza un'immagine di caratteri, ma non è possibile senza eventi decompressi e chiaramente pronunciati. Questo vale anche per tutte le altre arti.

"Senza l'azione della tragedia, è impossibile e senza carattere possibile" (6, 1450 A 24-25). "Lo stesso è notato tra gli artisti, ad esempio, se si confronta Zevxid con un polignot: un buon pittore caratteristico e la lettera di Zevxid non ha nulla di caratteristica" (e 27-29). "Se qualcuno sta collegando leggermente i detti caratteristici e le belle parole e i pensieri, non soddisferà i compiti della tragedia, e molto altro raggiungerà la sua tragedia, anche se era abituata a una distensione minore, ma con una composizione fabul e corretta di eventi "(A 29-33).

Di conseguenza, il significato artistico della tragedia è solo come parte dell'incidente, cioè nella sua stessa struttura, e non negli incidenti come tali. Questo succede nella pittura.

"Se qualcuno ha diffuso le migliori vernici in disordine, non può nemmeno consegnare un tale piacere come il disegno con il gesso" (e 33-36).

5. Sostituzione filosofica dell'auto-conformità strutturale dell'art.

Sfortunatamente, al momento non possiamo per avere una mancanza di luogo per portare completamente la ravenzione filosofica della natura strutturale dell'articolo, che è in realtà ad Aristotele. Il primo trattato, che segue nell'organizzazione "Organon" per "categorie", è chiamato "sull'interpretazione". Il fatto è che oltre ad essere preso in sé, c'è sempre una o un'altra interpretazione per una persona, una particolare interpretazione della sua interpretazione. Questa interpretazione è, ovviamente, e in relazione a tutto lo spazio, preso nel suo complesso. Ma una tale interpretazione del cosmo, come sappiamo bene, è una mente cosmica per Aristotele. Nel mistito del trattato Aristotele protegge i diritti dell'interpretazione umana di essere di fronte all'essere. L'interpretazione ha una natura specifica: non tutto ciò che veramente è molto, è vero e nel pensare; E la più contraddizione che Aristotele vieta di essere, abbastanza possibile nel pensare. Quindi, "essere" e "non essere" è una contraddizione inaccettabile. Tuttavia, nel pensare, oltre a modalità reali e categoriali, ci sono anche altre modalità per il quale non ha senso parlare di verità o bugie. Tale è l'intera sfera del possibile essere. Non si può dire su di lui che è vero, poiché non è ancora, né il fatto che sia falso, poiché non è ancora presumibilmente approvato. E soprattutto sorprendente è in questo trattato che Aristotele ci manda precisamente alla poetica e alla retorica a considerare questo tipo di essere per il quale nulla è approvato e non è negoziato.

Aristotele scrive:

"Nessuna domanda conclude [giudizio], ma solo quello in cui la verità o la falsità di qualsiasi cosa, ad esempio," Wish "(Eyche) è un discorso, ma non vero o falso. Il resto del discorso è stato rilasciato qui , Per lo studio di loro più illumina la retorica o la poetica; solo il giudizio (logos apophanticos) si riferisce alla presente considerazione "(DE interpret. 4, 17 a 2-7).

Pertanto, l'impossibilità di utilizzare giudizi positivi o negativi all'arte è dimostrata da Aristotele in uno dei trattati più importanti della sua filosofia teorica. Essere artistico e non c'è. È solo un'opportunità, solo problemabilità, solo acquarità e carica, ma non un sistema di giudizio sull'essere, positivo o negativo. Ha solo espressività stesso e nient'altro.

Tutti i giudizi di cui sopra di Aristotele e Aristotele possono agli occhi degli altri per ridurre tutti gli insegnamenti di Aristotele sull'arte al formalismo vuoto e non ritardato. Questo non comprerebbe affatto l'estetica di Aristotele. Il fatto è che tutta questa "opportunità" artistica, "neutralità" e una modalità generalmente specifica rappresentate (e ne abbiamo parlato molte volte) non una forma, a differenza del contenuto, come, tuttavia, non è il contenuto senza un modulo, ma È che la forma e il contenuto sono identificati, in cui non differiscono tra loro e ciò che il loro essere e la loro non esistenza si fondono fino alla completa indistinguibilità. Come puoi quindi dire che Aristotele è interessato all'arte solo con le sue forme e solo tra le sue strutture?

L'intero 17 ° capitolo "Poetica" è dedicato alla progettazione specifica dell'art.

"Tragedia", dice Aristotele, "Dovrebbe essere scritto in modo che sia più chiaro tutto, più convincente e che i componenti delle sue scene erano più chiari. L'affascinante di tutti quei poeti che stanno vivendo sentimenti dello stesso personaggio. Preoccupato colui che si preoccupa e fa sì che la rabbia sia quella che è davvero arrabbiata. Di conseguenza, la poesia è un sacco di piedi o riccamente dotato dalla natura, o incline allo svenimento dell'uomo. Il primo è in grado di reincarnare, il secondo è quello di venire all'estasi "(17, 1455 A 30-34).

Dov'è il formalismo Aristotele quando è l'essenza stessa del lavoro artistico?

Sopra si basa su tali categorie "formali" di estetica aristotelica, come "inizio", "metà" e "fine". Abbiamo già provato a dimostrare che qui l'Aristotele non si formalisca, ma solo la plastica, il modo scultoreo della visione del mondo. Ora vediamo che Aristotele parla del concetto del periodo e del piacere estetico che è ottenuto da noi a causa della sua accordatura strutturale:

"Io chiamo un periodo della frase che di per sé ha l'inizio, il centro e la fine e la dimensione del quale è facile da morire. Tale stile è piacevole e comprensibile; è piacevole, perché è il contrario del discorso incompiuto , e l'ascoltatore sembra sempre che abbia qualcosa e che qualcosa è stato finito per lui; e niente da predicare e non venire a nulla - è sgradevole. È chiaro che questo è ciò che è facilmente ricordato, e questo deriva da Il fatto che il discorso periodico abbia un numero, il numero è più facile essere più facile. Ecco perché tutti ricordano le poesie meglio della prosa, dal momento che le poesie hanno il numero che vengono misurate "(RACE. III 9, 1409 A 35 - 1409 B 8).

Chiederò qui, dov'è il formalismo estetico Aristotele quando valuterà le opere d'arte?

Aristotele come moralista si leva in piedi contro tutti gli estremi e ovunque predica il mezzo, moderazione. Ma in relazione agli oggetti dell'arte, non conosce nessuna moderazione e nessuna moderazione.

"La moderazione deve essere osservata nei piaceri più bassi e corporei, ma non nei piaceri del colore dei dipinti, dall'udienza delle opere musicali e da sottili odori eleganti". "Non chiamiamo né moderati né impotenti a coloro che godono della visione, per esempio, fiori o forme o forme, o dipinti, anche se, forse ci sono piaceri normali per tali persone, ed eccessivo e insufficiente. Lo stesso vale per il godere dell'udito: Nessuno chiamerà le persone impressionanti che sono troppo godono di melodie e idee teatrali e non chiamano moderate coloro che lo adorano con moderazione. Non chiamano come fan di odori che godono della fragranza di frutta, rose o erbe fumando (etica. III 13, 1118 A 1-9).

È impossibile chiamare un atteggiamento formalistico simile all'arte quando la possibilità di "E che non conosce dimensioni nei colori e forme, nella pittura, alla musica e ad addirittura incenso, la stessa infinito di divertimento estetico, troviamo anche lo stesso in un altro trattato , e inoltre, anche in ancora più dettagliata (etica EUD. III 2, 1230 B 31).

7. Pericolo di modernizzazione degli insegnamenti di Aristotele sull'art.

Affacciato su tutte le arti precedenti di Aristotele e cercando di analizzarle dal punto di vista della specificità dell'art, incontriamo davvero un numero di sorprese che di solito sono assenti nella presentazione dell'estetica di Aristotele. La maggior parte della differenza tra l'essere dinamico di puro essere, molti possono causare smarrimento. Dopotutto, si scopre di più e non meno come il fatto che l'Essere artistico non sia positivo, né negativamente, che non dice "sì", né "no" che è esistente neutrale e che alla fine ha le sue radici nelle aree soggettive di un artista creativo. È molto facile allo stesso tempo essere confuso e mettere l'estetica di Aristotele su un aereo con le moderne forme di pensiero idealistiche nichilistiche, che hanno trovato un'espressione vivida per se stessi nella gnoseologia di Mach e Avenarius. Apparentemente, l'autore che ha fatto così tanto ha fatto per illuminare l'estetica aristotelica e considerarlo nel piano delle moderne teorie europee e americane a considerarlo nel piano delle moderne teorie europee e americane, - Tatarkevich 159. Ha spazzato molto da Aristotele questo, che va oltre i limiti della comprensione e della presentazione tradizionale di Aristotele; Cita un sacco di questi testi di Aristotele, che giocano anche lontano dall'ultimo ruolo (ma solo abbiamo questi testi molte volte di più). La tesi principale V. Tatarkevich è ridotta al fatto che Aristotele presumibilmente ha insegnato la sfera dell'arte del neutro-utensile rispetto a lui, secondo questo autore, e differisce bruscamente da tutta la filosofia antica (escluso Cicerone) e ciò che è certamente vicino a il nostro giorno moderno. Abbiamo anche dato l'insegnamento sopra sviluppato sulla natura dinamicamente energetica della mente nella filosofia di Aristotele e ha anche condotti testi sul primato della soggettività sull'obiettivo nella teoria dell'arte di Aristotele. Tuttavia, tutto il lato dell'estetica di Aristotele non dovrebbe appoggiarsi da noi e tutto il resto che lo troviamo in esso.

Se Aristotele ha davvero predicato questo tipo di teoria, allora V. Tatarkevich sarebbe assolutamente giusto che Aristotele non sia affatto antico, ma il moderno teorico d'arte. Ma lo studio più stretto di Aristotele indica che questo elemento "Mahist" dovrebbe essere in grado di unire accuratamente e incondizionatamente con l'ontologismose di Aristotele, e la sua specificità del lavoro artistico da unire con gli insegnamenti eccessivi sull'arte, della natura e dell'essere. La mente, su cui insegna Aristotele, non solo non contraddizza questo concetto di energia dinamicamente, ma mentre provessimo molte volte, qui Aristotele aveva un'unità incondizionata e nessun'unità di ontologism di questo non ha sofferto di questo. Per le caratteristiche effettive del caso del caso, ora entreremo nel ragionamento teorico, che abbiamo già ritirato molte pagine, e toccheremo solo due domande più ristrette, dove è più probabile che osservare la tendenza generale di Aristotele ad una comprensione passiva dell'entità umana, nonostante il fatto che, secondo Aristotele, è nel soggetto umano che qualcosa deve essere chiamato Art è radicato.

ma) Se ci siamo chiesti come un simile filosofo di antichità di prima classe, e con più che un enciclopedista eccezionale, sente l'intero elemento interno dell'arte, saremmo stupiti dalla letargia e dalla passività delle rispettive installazioni. Anche qui Aristotele, come altrove nell'antichità, il termine entysosmos, "entusiasmo", che, tuttavia, non è entusiasmo nel nostro senso, ma piuttosto un po ' eccitazione appassionata, ispirazione affettiva. Aristotele e determina: "L'entusiasmo è un effetto di un ordine etico nella nostra psiche" (polit. VIII 5, 1340 A 11-12), ed Ethos, "Etos" qui dovrebbero essere intesa non nel senso dell'etica, ma come il Il francese e gli inglesi nel nuovo e l'ultima volta comprendono il termine "morale", cioè in un ampio senso psicologico. Questo entusiasmo, su cui il filosofo interpreta molta musica in relazione alla musica, è in realtà considerata da loro molto moderatamente e sobriamente. L'entusiasmo, l'estasi, ovviamente, è utile. Circa un poeta insignificante, Marack Siracusa, Aristotele dice (probl. Xxx 1, 954 A 38-39), che sarebbe il miglior poeta se fosse in estasi. " Ma Aristotele respinge tutte le forme estreme di entusiasmo, considerando questa malattia. Tali estasies, come Ercole, che hanno interrotto i loro figli, o Ajax, che hanno ucciso pecore invece di atride, possiedono per Aristotel da tutti i segni della malattia. Nello stesso trattato (e 36-38) è dato puramente fisiologico Spiegazione degli stati estatici. Ad esempio, fieli e bakidi operano sulla base di predisposizioni dolorose dalla natura. Bile nera, nutrizione impropria e altra essenza di questo "entusiasmo". A tali "malinconici", Aristotele si riferisce anche a molti filosofi, tra cui Empedocla, Socrates e Platone (953 A 27-32). Invece di questi stati innaturali, Aristotele dà consigli molto solidi agli scrittori, come quello che troviamo, ad esempio nel 17 ° capitolo di "Poetics":

"Quando si disegna i miti e l'elaborazione del loro linguaggio, è necessario rappresentare gli eventi il \u200b\u200bpiù vicino possibile di fronte ai propri occhi. Allo stesso tempo, la condizione del poeta, vedendole perfettamente e, come lo erano, frequentandoli, può trovare un avviso adeguato e migliore delle contraddizioni "(1455 A 22-26).

Questo è un consiglio molto calmo e solido, che rende domande sull'ispirazione sul suolo molto realistico e psicologico.

b) Anche la domanda è realistica fantasia. Troviamo i tratti della passività in questo senso e da Platone. Soprattutto questo è caratteristico di Aristotele, che sta cercando di dare un'analisi psicologica sobria qui. Sotto l'influenza dell'ecstasy, le persone spesso accettano immagini delle proprie idee per la realtà: "Dicono che le immagini di vista (fantasmata) erano davvero e che li richiamano" (demor. 1, 450 B 10-11). In generale, la fantasia è molto più debole dei veri sentimenti sensoriali. In rhet. I 11, 1370 A 28-29 Aristotele approva direttamente: "Presentazione (Phantasia) C'è una specie di sensazione debole". Tuttavia, questa passività non dovrebbe biasimarci un altro, un lato molto importante.

nel) Il fatto è che Aristotele, obiezione di Platone sulla questione delle idee, come già sappiamo bene, in realtà non nega l'esistenza di idee, ma solo mette le loro cose immanenti, realtà. Questo immanentismo non può, d'altra parte, per capire brudamente. Questo porta solo al fatto che l'idea presa insieme alla cosa diventa di più sofisticato modello semantico, diventa forma espressiva Senza cessare di essere un significato pulito. Ecco la raidness della "ALITÀ" Aristotelica, o "Forme", "Eidosa". Osserviamo lo stesso simbolismo di Aristotele e nella sua psicologia. La sua anima pensa come una forma pulita del corpo, ma esiste "Non senza corpo" (De A. II 2, 414 A 5-22), essendo, di conseguenza, l'espressività semantica del corpo (415 B 7-27). La percezione sensuale ha pulito Eidosa, ma non senza importanza (417 B 28 - 418 A 6). Lo stesso insegnamento, infine, e relativamente relativamente pensiero. Secondo Aristotele, il pensiero è alle stesse condizioni della percezione sensuale, cioè, è una condizione persistente sotto l'influenza del pensiero (III 4, 429 A 13-15). Ma il molto pensato esattamente questo è che non causa affetto, e quindi la mente stessa è, infatti, dimora al di fuori della sofferenza. Contiene Eidosa, e c'è una potenza di tutti gli immaginabili. Come un pensiero tutto, non contiene alcuna impurità. È solo la potenza del pensiero completato. E non è completamente coinvolto nel corpo, dal momento che altrimenti sarebbe caldo o freddo e avrebbe alcun organo. - posiziona Eidos, Ed inoltre potenziale. Il pensiero sviluppato crea già pensieri entelech; Qui - enteldy. Eidosa (429 A 15 - B 10). Ma la mente non è solo pulita e attori. Sta anche soffrendo, perché non è sempre pensato. Dal momento che la mente è di per sé, pensa, essendo indipendente da qualsiasi cosa sensuale, - è un pensiero di pensiero, e quindi il suo espressione Trovare B. autocoscienza (In questo caso, pensare e pensiero è identico, 430 A 3-5). Perché pensa che altro, come se fosse aficato da questo altro, trova la sua espressione in figuratamente o meglio in intuitivamente implementato attraverso uno speciale rappresentante di pensiero mentale.

Si ripete da Aristotele la stessa antinomia involontaria, che possiamo affermare in altri problemi: l'anima non è un corpo, ma non senza un corpo; La sensazione non è una mossa, ma non senza movimento. In relazione alla mente, Aristotele dice direttamente: "Non pensa mai senza un'immagine" (Aney Phantasmatos) (III 7, 431 A 16-17), e immagini contribuiscono al "cambiamento" o, nella nostra interpretazione " "Ciò che l'ambiente della luce corrispondente fa il colore in generale.

"Il pensiero inizia a pensare a Eidosa in immagini" (413 B 2).

"Poiché, secondo il riconoscimento generale, non c'è una sola cosa che esisterebbe separatamente dai (suoi) valori percepiti sensualmente, allora il pensiero è dato in feltro eidos, con entrambi i cosiddetti oggetti astratti e quelli associati agli stati e agli affetti di oggetti feltri. Da qui - nulla percepiva sensualmente non può riconoscere nulla o capire nulla, e quando contempla mentalmente, è necessario contemplarlo allo stesso tempo e una certa immagine dell'immaginazione (Phantasma), poiché l'immagine di questo esiste come le immagini percezione con l'eccezione [inerenti in questa ultima] questione. Poiché l'immaginazione differisce dall'approvazione e dalla negazione, quindi la verità o una bugia è una o un'altra combinazione di pensieri. Ma cosa differisce dalle immagini sensuali dei pensieri primari? Corso, non sono l'essenza [semplicemente] altre immagini, ma sono - non senza immagini "(III 8, 432 A 3-14).

La mente è "pulita" (III 5, 430 A 18, ecc.), "Eidos Eidosov" (III 8, 432 A 1), non c'è qualcosa di guida (III 9, 432 B 26-27) e anche Nessuna doccia a tutti (II 2, 414 A 4-14), e d'altra parte, energico è impossibile senza sensualità. Qui, una ripetizione completa dei problemi che dichiariamo in forma generale in "metafisica": Eidosa non sono fatti, ma hanno solo un vero significato nelle cose in cui ricevono la loro espressione finale. Ed entrambi l 'energia è somministrata simbolicamente nelle cose che l'espressività significativa, e qui il pensiero è somministrato simbolicamente in immagini sensuali, tutta la stessa espressività del senso.

d) È facile vedere che tipo di stampa sottile passività Si trova in tutta questa simbolica estetica descrittiva di Aristotele. La fantasia per questo è una connessione calmata molto equilibrata del pensiero puro e dell'immagine sensuale, che il pensiero chiaro si trasforma in un'opera d'arte e espressività, e l'immagine sensuale dei ciechi e del sordo rende in modo trasparente simbolico e artistico. Questa relazione, naturalmente, elementare: la sua postula ogni estetica nella prima pagina della prima pagina del suo studio della psicologia dell'arte. Socrate richiedeva lo stesso del fatto che conosciamo, dagli artisti; Platone ha deliberatamente usato la "sensualità" quando si costruisce il suo "probabile mito" in "Timea"; Ploin sarà anche in movimento corporeo per ricordare la sua mente pura, ecc. eccetera. Ma tutta l'antica estetica comprende questa connessione fondamentale. internamente passivo contemplativo, "classicamente"; Aristotele, in contrasto con le strutture dialettiche del platonismo nel campo dell'autocoscienza (forma matura - nella trama. V 3) e, a differenza del naturalismo di roico-epicoreo ("scadenza", "Atomi dell'anima", ecc.), Dà espressivo semantico Descrizione della fantasia, dà la fenomenologia espressiva di questa coscienza passata-plastica-plastica eccessiva dell'artista.

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ARTE

I. Nel senso ampio della Parola, denotando un alto livello di abilità in qualsiasi campo di attività, non morte e artistico, cioè L'esecuzione perfetta di questo lavoro, diventa anche direttamente estetica. senso, t. Attività abile, ovunque, come può essere manifestata, diventa bella, esteticamente significativa. Questo vale anche per l'attività dell'artista-poeta, pittore, musicista le cui creazioni sono belle nella misura in cui l'alta padronanza del loro creatore viene catturata e l'estetica è causata. Ammirazione. ma gLU La creatività artistica distintiva consiste nella creazione di bellezza per il bene di eccitazione del piacere estetico, ma nello sviluppo figurativo della realtà, cioè nello sviluppo di specifici contenuti spirituali e nelle specifiche. Funzionamento sociale.

Nel tentativo di determinare il significato dell'esistenza I. come una sfera speciale di attività, fondamentalmente diversa da I. Nel senso medio della Parola, teorici in tutta la storia dell'estetica. I pensieri sono andati con due modi: alcuni erano convinti che "Mystery" I. consiste in una delle sue capacità, una chiamata e una nomina - o nella conoscenza del mondo reale, o nella creazione del mondo di fittizia, ideale o in espressione interno il mondo dell'artista, o nell'organizzazione della comunicazione popolare, o in attività autoporta, puramente di gioco; dr. Scienziati, scoprono che ognuna delle definizioni simili si assolutamente è inerente a I. Qualità, ma ignora gli altri, è stata la multidimensionalità, la versatilità di I. e ha cercato di descriverlo come una serie di varie qualità e funzioni. Ma allo stesso tempo è stato inevitabilmente perso, e sono apparso sotto forma della somma di proprietà e funzioni eterogenee, il metodo di unire in, una qualitativamente peculiare è rimasta poco chiara.

L'estetica marxista-leninista considerà I. Come una delle terre. Forme di sviluppo spirituale della realtà. Fare affidamento di sapere. Abilità delle società. L'uomo, I. si erge di fila con tali forme di società. Coscienza come scienza, sebbene varia con sé nel suo argomento, sotto forma di riflessione e sviluppo spirituale della realtà, nella sua funzione sociale. Comune e scientifico, e nell'art. Coscienza - la capacità di riflettere oggettivamente il mondo, per imparare la realtà nella sua essenza. In questo, I. Quelli delle religioni (anche se sono a fasi identificate di storico. Lo sviluppo è stato strettamente connesso), dal religioso. La coscienza riflette la realtà da girare e incapace di penetrare nell'essenza oggettiva delle cose.

A differenza della scienza, teoricamente padroneggiando il mondo, I. Maestri realtà esteticamente, coprendo il mondo olistico, in tutte le ricchezze di manifestazioni viventi dell'essenza, in tutti i sensi. Luminosità di un singolo, unico. Ma, allo stesso tempo, è nelle migliori opere, la divulgazione della verità, profonda penetrazione nell'essenza delle società. Vita. Estetico. La relazione di una persona al mondo si manifesta nella società in una varietà di forme e, in particolare, in qualsiasi attività di soggetto, la creatura è più o meno libera. Descrizione del lavoro. Questo, in particolare, spiega la disponibilità dell'art. Elemento in alcuni prodotti del materiale del prodotto. Tuttavia, I. è storicamente formato come speciale, specifico. La regione della produzione spirituale, progettata per esplorare la realtà esteticamente: è generalizzata in essa, l'estetica viene rilevata e sviluppata. Relazione della società nel mondo reale.

Arte. La coscienza non è destinata a dare conoscenza speciale, lo sa. Non correlato a nessun settore privato. o società. Pratiche e non è destinato a assegnare una catena speciale di schemi in fenomeni, per esempio. Tecnologia fisica. O, con gli altri. Parti, specialmente economia., Psicologico. eccetera. Il soggetto I. è "tutto ciò che è interessante per una persona nella vita" (Chernyshevsky N. G., pieno. Contro. Op., Vol. 2, 1949, pag. 91), Maestri il mondo in tutta la ricchezza delle sue manifestazioni, da allora Si rivelano essere oggetto di interesse praticamente concreto. Da qui - la natura olistica e completa dell'arte. Coscienza che contribuiscono all'individuo nella consapevolezza della sua "essenza generica" \u200b\u200b(Marx), nello sviluppo della sua autocoscienza sociale come membro della società, determinata. Classe. I. È progettato per espandere e arricchire l'esperienza spirituale pratica di una persona, diffonde i confini della "esperienza diretta" degli individui, essendo un potente strumento che forma un umano. Personalità. Specifica. La funzione sociale I. È che, essendo una forma di consapevolezza della realtà, condensare l'infinita diversità dell'esperienza spirituale accumulata dall'umanità, presa nei suoi risultati universali e finali, ma nel processo di vita reciprocamente. Uomo con la pace. Non solo il risultato della conoscenza, ma anche il suo percorso, un processo complesso e flessibile di comprensione ed estetico, è emesso nel lavoro di I .. elaborazione del mondo oggettivo. Questa è la distaccatura più importante. La caratteristica del "Sviluppo artistico ... del mondo" (vedi K. Marx, nel libro: Marx K. ed Engels F., op., 2 ed., Vol. 12, p. 728) . Dal momento che in I. Il mondo appare padroneggiato, significativo, esteticamente elaborato, l'immagine della realtà in un grande, veramente classico. Il lavoro di I. ha una logica ordinata, sottile, bellezza, anche se si tratta di riprodurre fenomeni di vita bassa o brutta della vita. Questo non è stipulato nel mondo soggetto dall'arbitrarietà del soggetto, ma è rivelato dall'artista nel processo di sviluppo spirituale della realtà (l'uomo crea "secondo le leggi della bellezza" - vedi K. Marx, dalla prima produzione , 1956, p. 566). Percepire il lavoro di I., una persona sembra ri-fare una creatura. Lo sviluppo del soggetto è costituito dai relativi fissi in I. Esperienza praticamente spirituale, che provoca uno speciale senso di gioia del possesso spirituale del mondo, estetico. , senza raggiungibili, né la creazione né la percezione dell'arte. Lavori.

Una lunga storia ha consapevolezza delle società. I ruoli di I. Comprensione I. Come il mezzo di istruzione sociale è già programmato nell'antichità (Platone, Aristotele) e in classico. Estetica dell'est (ad esempio, in Cina - Confucio). Secondo i pensatori antichità, I. ha la possibilità di configurare la definizione. La psiche di una persona, per renderlo un membro a pieno titolo della società civile, un utile servo dello stato. Cf.-secolo. La filosofia ha interpretato questo ruolo nel rapporto teologico. senso; Rinascimento si oppose a un'idea del significato di I. nello sviluppo gratuito e completo della personalità (Campanella). L'estetica azionaria ha chiaramente rivelato il significato dell'art. Coscienza in pratica. La lotta sociale, sottolineando la funzione morale-educativa (scuola) e la mobilitazione socio-mobilitatrice I. (didro). Il ruolo più importante per capire I. come società attive. Le forze nella lotta per la liberazione di una persona ha giocato rappresentanti di esso. Classico. Estetica (Goethe, Schiller, Hegel), che capì I. come "libertà". Tuttavia, questo problema è stato messo in modo idealistico, il che ha portato all'opposizione di una "Life Life" una dichiarazione gratuita (KANT). Per contraddizioni. L'idealismo ha indicato Rus. rivoluzione. Democratici, visto in I. "Textbook di vita" e vedendo la sua funzione nel "verdetto" dei suoi fenomeni (Chernyshevsky).

Il marxismo-leninismo ha messo l'educazione. Ruoli I. su storico. Suolo. Essendo uno strumento di consapevolezza della realtà, I. è una forza attiva delle società. Auto-coscienza, classe della classe - classe. La conoscenza del mondo in I. è inestricabilmente collegata con la sua estetica. Valutazione, Kraya, essendo in natura sociale, è necessario includere l'intero sistema di società di emissione. uomo; Arte. Il lavoro può esprimere organicamente nella sua estetica. Contenuto di Philos. morale., Società. e politica. Idee. I. vantaggio, rispondendo. Lo sviluppo dell'umanità svolge un ruolo progressivo nello sviluppo spirituale delle persone, nella loro completa ideologica ed emozione. Crescita. Misura della libertà nell'attuazione di questo, lo farà. I ruoli sono determinati da condizioni sociali specifiche. Lo sfruttamento dell'uomo da parte di una persona conduce inevitabilmente ad unilaterale, e talvolta una brutta manifestazione di educazione ideologica. Funzioni I. solo socialista. Fornisce I. Capacità di formare liberamente ciascun membro della società in tutta la ricchezza delle sue relazioni di vita e delle abilità soggettive.

La natura sincretica e prevalentemente rituale-magica delle "opere dell'arte primitiva della tarda età paleolitica (30-20 mila anni prima della NE), nonostante la necromaticismo degli atti di estetica iniziò, tuttavia permette loro di attribuirli ai fatti di arte. Antiche sculture, figure di animali e persone, disegni su argilla, "affreschi" rocciosi si distinguono per la vivacità, l'immediatezza e la precisione dell'immagine, indicano conoscenze e possesso della lingua e dei mezzi di riflessione condizionale sull'aereo, l'abilità lavorare con volumi. La definizione dell'arte primitiva come "realistica", "naturalistica" o "impressionista" in sostanza fissa la relazione "studio del sangue" tra le lontane fasi iniziali e successive dello sviluppo dell'arte, delle sue forme moderne e delle caratteristiche tipologiche.

Una varietà di interpretazioni del concetto d'arte riflettono vari aspetti della sua natura sociale e specifiche delle specie. Quindi, l'antica estetica ha fatto attenzione al momento mimetico, "imitativo", sottolineando l'importanza cognitiva e il valore morale dell'arte. Nel Medioevo, l'arte è considerata come un metodo e mezzo di ammirazione per l'inizio "infinito", "divino": vedono il corriere, anche se imperfettamente, l'immagine della bellezza spirituale "disincarnata". I ritorni del Rinascimento restituiscono e sviluppa arte antica come "specchio", "imitando la natura bella", unendo Aristotele piuttosto che a Platon. L'estetica classica tedesca (Kant, Schiller, Hegel, ecc.) Considera l'arte come "Attività appropriata senza un obiettivo", "il regno di visibilità", "il gioco delle forze creative", la manifestazione e l'espressione dello "spirito assoluto", introduce adeguamenti sostanziali per comprendere la relazione dell'arte con realtà empirica, scienza, moralità e religione. L'estetica russa del realismo insiste sull'idea della comunicazione organica dell'arte con la realtà, considerandolo il soggetto principale "tutto ciò che è interessante per una persona nella vita" (Chernyshevsky NG Mr. Coll. Op., Vol. 2. M. , 1947, con. 91). "Estetica postmoderna", interrogativa e negazione della tradizione e del valore della "vecchia", la cultura umanistica, sta provando nello spirito di "New Mimesi" (J. Derrida) per superare la relazione tra opere d'arte con ciò che si trova I bordi del "testo" ed è classificato come "realtà".

L'identificazione del rapporto di arte e realtà non esaurisce il problema di determinare la sua essenza. La natura specificabile dell'arte è coperta e rivelata da un certo numero di approcci che coinvolgono e complemendosi l'un l'altro; Tra questi, è consuetudine distinguere il teorico e cognitivo (epistemologico), valore (assiologico), estetico-sociologico (funzionale). Considerando l'arte nel piano epistemologico, che ha fatto Platone, o nel quadro delle funzioni svolte da lui, da cui ha iniziato la sua analisi della tragedia greca Aristotele, teorica, in un modo o nell'altro, determina il valore e il valore della conoscenza artistica e attività. A sua volta, l'approccio del valore non può trascurare la caratteristica sociologica dell'essenza e della funzione dell'art. Per comprendere la specificità dell'arte, gli aspetti teorici e informativi e di valore sono di particolare importanza, e il luogo e il ruolo dell'arte nella vita pubblica sono adeguatamente sequestrabili e rilevati attraverso un'analisi estetica-sociologica. Kant, analizzando il "giudizio del gusto", ha mostrato in modo convincente l'indipendenza (sebbene relativo) aspetto epistemologico. La questione dell'essenza sociale dell'arte deriva solo come parte della discussione delle sue opportunità e funzioni comunicative. Dopotutto, l'arte nel suo senso della parola stessa forma il pubblico, comprendendolo e capace di godersi la bellezza.

Storicamente, l'arte si verifica quando una persona va oltre la soddisfazione dei suoi immediati bisogni fisici, interessi e obiettivi praticamente utilitari e ottiene l'opportunità di fare universalmente, liberamente, producendo cose e oggetti che gli offrono il godimento del processo di attività stesso. L'emergere e l'arte sono associati alla soddisfazione della necessità, del primo monitorato, e quindi consapevole, nella produzione e nella riproduzione della natura umana effettiva dei suoi mezzi di sostentamento, e per se stesso come esseri di universale e universale. L'arte rivela, espone e rappresenta l'illusoria, in "visibilità" ciò che è segreto - come, lo scopo e l'immagine dell'azione si concludono nell'argomento e nel contenuto sociale dell'attività umana, che è una fonte oggettiva dell'attività individuale. Allo stesso tempo, la potenziale possibilità di sviluppo universale di un individuo pubblico, l'arte approva un ordine secondario - come una possibilità reale e forza pertinente, non messenger dalla vista, è attuata sotto le condizioni del "regno di necessità".

Arte, per sua stessa natura, davanti alle norme e alla presentazione del loro tempo, in un certo senso, può impostare l'obiettivo. Nel mondo dell'immaginazione artistica, una persona prosegue nel necessario, senza mettere nel quadro del rispetto obbligatorio con "essenzialmente". In questo senso, l'arte crea un "possibile" Essere Dynamic "Essere" (Aristotele), il mondo "La convenienza è al di là del goal" (KANT). Le circostanze esterne non hanno l'autorità assoluta sulle norme interne dell'atteggiamento umano verso la realtà, quale arte produce "idealmente". Pertanto, l'opera d'arte è una proiezione di aspirazione spirituale, trovare sentimenti, desideri fantasy, per una persona nasce dalla necessità di una persona di convertire il suo atteggiamento sensuale verso la realtà che fornisce questa necessità di tutto il materiale necessario. L'arte non risulta disgustata dalla completezza delle manifestazioni della vita (e in questo senso non c'è nulla di "proibito"), ma allo stesso tempo non richiede, come ha notato L. Feyerbach, riconoscendo le sue opere per la realtà. La forza dell'arte si manifesta nella sua famosa libertà dal lato fattuale della vita. È stata questa caratteristica particolare che Hegel significava, che rappresentava la storia dell'arte come incorporata nelle immagini della "fiducia in se stessi" dell'ideale estetico, e Belinsky, che vide la forma illusoria dell'espressione dei bisogni urgenti di una persona pubblica Chi era caratteristico dell'ideale per l'ideale. Ideale come una realtà corretta e possibile entra nell'arte la sua forma di realizzazione e giustificazione soggetta. Riflettendo ed esprimere la validità dal punto di vista dei massimi bisogni di una persona in via di sviluppo, l'arte mostra come il presente è incluso nel futuro, che è appartenente al futuro

In linea di principio, l'arte è creata da una persona e appello alla persona. Nessuna area di attività creativa umana può competere con lui nella completezza del riflesso dell'intera collezione di sensazioni umane. Questo vale anche per l'artista, l'autore del lavoro in cui "sta esprimendo", spesso trasformando il lettore, lo spettatore i segreti più intimi del suo cuore, della mente, dell'anima (cfr. Parole di Flaubert sull'eroina del suo romanzo : "Emma è io"). Capacità artistiche senza precedenti nella divulgazione dei motivi del comportamento umano, un atto, esperienze. Rimozione già conosciuta, valori fissi di fatti, fenomeni, eventi, l'artista espone e riproduce il loro significato interiore in un aspetto e forma individualmente unici, l'ambiente diverso e lo scienziato teorico (per i dettagli, vedere: Leontyev. N. Problemi di Lo sviluppo della psiche. m., 1965, p. 286-290). Come atto di creativo e prevalente, l'arte conta su una risposta adeguata. Nel processo di percezione, l'opera d'arte, di regola, l'atto di profondamente individuale, personale unico, manifesta la completezza della natura universale, universale del lettore, del pubblico, dell'ascoltatore. Tutti i tipi di deviazioni causati dalla differenza nel livello di sviluppo del gusto, dell'immaginazione, della cultura generale ed emotiva dei destinatari, non cancellare questa norma di percezione veramente artistica.

"Essere immaginario", la "realtà possibile" dell'arte non è inferiore (spesso più) valida che serviva come punto iniziale della contemplazione e la presentazione oggettivamente esistente mondo; E nella forma - questa è un'immagine di un tutto nella "Guida" della rappresentazione artistica, in cui la generalizzazione si basa sulla transizione da una specie all'altra, e così che l'imaging con necessità funga da sensazione (vedere l'immagine di artistico. Tipico). Quindi, per mezzo dell'arte - un tipo speciale di sviluppo spirituale e pratico della realtà - la formazione e lo sviluppo della capacità di una persona pubblica creativamente a percepire e trasformare il mondo e se stesso secondo le leggi della bellezza. A differenza di altre sfere e forme di coscienza e attività pubbliche (scienza, moralità, religione, politica), l'arte soddisfa il più importante bisogno umano - percezione, la conoscenza della realtà reale nelle forme sviluppate di sensualità umana, cioè con l'aiuto di a Specifica abilità umana di sensuale ("estetica", chiaramente espressiva) percezione dei fenomeni, oggetti ed eventi del mondo oggettivo come "vivente specifico intero", incarnato in opere d'arte attraverso creativi, "produttivi", immaginazione. Come l'arte include, come lo era, nella forma rimossa, tutte le forme di attività sociale, il suo impatto sulla vita e la persona è veramente illimitata. Questo, da un lato, priva il senso della rivendicazione dell'arte su un'esclusività, ad eccezione di quella che è dettata dalla sua essenza della sua specie. D'altra parte, - fornire un impatto di conversione su molte aree pubbliche e istituzioni, l'arte mantiene le sue caratteristiche intrinseche e l'indipendenza relativa. Storicamente, l'arte si sviluppa come un certo sistema di specie specifiche. Si tratta di letteratura, musica, architettura, pittura, scultura, arte decorativa e applicata, ecc. La loro diversità e differenze sono registrate e classificate secondo i criteri sviluppati dalla teoria estetica e dalla artificialità: secondo il metodo di riflessione della realtà (criterio epistemologico) - Visual, espressivo; Secondo il metodo di essere un'immagine artistica (criterio ontologico) - spaziale, temporaneo, spaziale-temporaneo; Secondo il metodo di percezione (criterio psicologico) - udienza uditiva, visiva e visiva. Tuttavia, questo è relativo. Il lavoro a vantaggio di "bene" è sia "espressivo" (ad esempio, un pittoresco ritratto o paesaggio, arte di recitazione, ecc. d.), e "espressive" include sia l'elemento "pittorico" (come, ad esempio, "immagini della mostra" M. M. M. M. M. M. M. M. MUSGSORGSKY, Danza o immagine architettonica). La classificazione del principio della caratteristica dominante non tiene conto del fatto che ogni tipo di arte usa e rappresenta (in proporzioni diverse) tutte le forme e mezzi della "lingua" artistica - immagine, espressività, simbolizzazione, caratteristiche temporanee e spaziali. Un posto speciale in questo sistema di specie artistiche è la letteratura, come la forma più "sintetica" di immagini artistiche. Tipi di arte - Il sistema è in uno sviluppo dinamico: in una o in un'altra era di qualche tipo di specie prevale, diventa dominante (Epos e tragedia - nell'antica Grecia, architettura e iconografia - nel Medioevo, cinema e televisione - a 20 secoli) . Con lo sviluppo della scienza e della tecnologia, il miglioramento dei fondi di comunicazione sorge nuovi tipi di arte; Quindi, all'inizio. 20 V. Viene visualizzato un cinema, e alla fine è una fotografia d'arte che utilizza il principio di "collage" (tecniche sviluppate da un altro matrimonio e Picasso) e richiedendo lo stato della nuova arte visiva.

La domanda è "Cos'è l'arte?" Acquisisce la pertinenza e la nitidezza con l'Avvento del postmodernismo, che mette per molte idee "vecchie", classiche, anche sull'estetica, circa l'arte, e divenne circa l'arte. Per i postmodernisti, mantengono il loro significato solo come "valori transculturali e trasversari". Le idee antiche sul realismo sono soggette a revisioni. L'idea della priorità del T. n è difesa. Le strutture tangibili, non illusioniste, che rappresentano il mezzo originale di interazione tra espressione artistica ed esperienza della vita quotidiana. Questo principio della pratica artistica "postmodernista" è considerata (più precisamente - problema) per un passo nuovo e imprevedibile nella convergenza dell'arte e della vita, presumibilmente fusione in una "esperienza forfettaria". Questo approccio all'arte è abbastanza consonante e adeguato per l'abbandono modernista dell'immagine olistica del mondo, in realtà discreta e incompiuta. Tuttavia, un divario così decisivo con il passato, è improbabile che il patrimonio classico sia la più potenza della forza spirituale e pratica dell'arte stessa, che continua a sforzarsi e dare piacere a tutte le nuove generazioni di persone.