Artisti del Rinascimento e della loro lista di dipinti. Grandi artisti del Rinascimento

Sandro Botticelli. (1 marzo 1445 - 17 maggio 1510) - Una persona profondamente religiosa, ha lavorato in tutti i principali templi di Firenze e nella Cappella Sistina del Vaticano, ma nella storia dell'arte, è rimasto principalmente come autore del grande Formato cavetti poetici sulle trame ispirate all'antichità classica, - primavera e nascita di Venere. .

Per molto tempo, Botticelli era nell'ombra dei giganti rinascimentali che lavoravano dopo di lui non erano ancora a metà del XIX secolo, rinunciano a pre-dichiarazioni britanniche, che adoravano la fragile linearità e la freschezza della primavera del suo calderone maturo per il punto più alto dello sviluppo dell'arte mondiale.

Nato nella famiglia di un ricco cittadino di Mariano di Banny Filipei. Ho una buona educazione. Ha studiato la pittura al Monk Filippo Lippi e ha adottato quella passione da lui nell'immagine dei motivi toccanti, che differiscono nei dipinti storici di Lippi. Poi ha lavorato al famoso scultore Verrocko. Nel 1470, organizza il suo workshop.

Prese la sottigliezza e la precisione delle linee del suo secondo fratello, che era un gioielliere. Qualche tempo studiato con Leonardo da Vinci nel laboratorio di Verrico. La caratteristica originale del proprio talento di Botticelli è l'inclinazione a fantastica. Era uno dei primi ad entrare nell'arte del suo tempo un antico mito e allegoria, e con un amore speciale lavorato su terreni mitologici. Soprattutto l'effetto del suo Venere, che fastidire il mare nel lavandino, e gli dei dei venti lo incasinano con la pioggia dalle rose e inseguono il lavandino verso la riva.

La migliore creazione di botticelli, coloro che iniziarono nel 1474 nella cappella sistina del Vaticano iniziarono nel 1474. Completato un sacco di dipinti per gli ordini dei Medici. In particolare, dipinse la bandiera di Juliano Medici, il fratello Lorenzo magnifico. Nel 1470-1480, il ritratto diventa un genere indipendente nel lavoro di Botticelli ("uomo con una medaglia", ok. 1474; "Gioventù", 1480). Botticelli è diventata famosa per il suo sottile gusto estetico e lavori come "Annunciazione" (1489-1490), "abbandonato" (1495--1500), ecc. Negli ultimi anni della sua vita, Botticelli, a quanto pare, pittura a sinistra.

Sandro Botticelli è sepolto nel cognome Tomba nella Chiesa di Ontisanti a Firenze. Secondo il Testamento, è stato sepolto vicino alla tomba di Simonetti Vespucci, ha ispirato le immagini più belle del mago.

Leonardo di Same Piero da Vinci (15 aprile 1452, il villaggio di Ankiano, vicino alla città di Vinci, vicino alla Firenze - 2 maggio 1519, - il grande artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (Anatom, naturalista), inventore, scrittore, uno dei più grandi rappresentanti dell'arte del mondo rinascimentale, un vivido esempio di una "persona universale".

I nostri contemporanei Leonardo sono principalmente noti come artista. Inoltre, è possibile che Da Vinci potesse essere uno scultore: i ricercatori dell'Università di Perugia - Giancarlo Genonnenie e Carlo Sisi - sostengono che la questione della terracotta trovata da loro nel 1990 è l'unica opera scultorea di Leonardo da Vinci. Tuttavia, sì stesso Vinci, in diversi periodi della sua vita, si considerava principalmente un ingegnere o uno scienziato. Ha dato arte pittorica non molto tempo e ha funzionato abbastanza lentamente. Pertanto, il patrimonio artistico di Leonardo non è quantitativamente grande, e un certo numero di sue opere sono persi o danneggiati male. Tuttavia, il suo contributo alla cultura artistica mondiale è estremamente importante anche sullo sfondo della coorte dei geni, che il revival italiano ha dato. Grazie al suo lavoro, l'arte della pittura ha superato una fase qualitativamente nuova del suo sviluppo. I precedenti artisti di Leonardo del Rinascimento hanno fortemente rifiutato molte convenzioni dell'arte medievale. Era il movimento verso il realismo e molto è già stato raggiunto nello studio delle prospettive, anatomia, maggiore libertà in soluzioni composite. Ma in termini di pittura, lavorare con vernice, gli artisti erano ancora abbastanza condizionali e apparenti. La linea nella foto ha chiaramente delineato il soggetto e l'immagine era il tipo di schema dipinto. Il più condizionato era un paesaggio che ha svolto un ruolo minore. .

Leonardo ha realizzato e incorpora una nuova tecnica pittoresca. Ha la linea ha il diritto di sfocare, perché così lo vediamo. Realizzava i fenomeni della dispersione della luce nell'aria e il verificarsi di sphumato - hassle tra lo spettatore e l'oggetto mostrato, che ammorbidisce i contrasti e le linee del colore. Di conseguenza, il realismo nella pittura si è trasferito in una fase qualitativamente nuova. . Picture Revival Botticelli Rinascimento

Rafael Santia. (28 marzo 1483 - 6 aprile 1520) - Grande pittore italiano, programma e architetto, rappresentante della scuola umbarale ..

Il figlio del pittore Giovanni Santi ha superato la ripresa iniziale di Urbino da suo padre Giovanni Santi, ma in giovane età era nel laboratorio di un eccezionale artista Pietro Perugino. È il linguaggio artistico e la formazione di dipinti di Peezhino con la loro gravità a una composizione simmetrica equilibrata, la chiarezza della soluzione spaziale e la morbidezza nella risoluzione del colore del sapore e dell'illuminazione, erano di influenza fondamentale sul maneru dei giovani Rafael.

È necessario specificare che la scrittura creativa di Raffael includesse la sintesi di tecniche e reperti di altri maestri. In primo luogo, Rafael ha fatto affidamento sull'esperienza di Perugino, in seguito alternativa - sui reperti Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

I lavori anticipati ("Madonna concatenati" 1502--1503) sono intrisi di grazia, lirismo morbido. La genesi terrestre di una persona, armonia di forze spirituali e fisiche, glorificata nei dipinti delle sale vaticane (1509--1517), raggiungendo un senso di misura impeccabile, ritmo, proporzioni, sapore fraudolento, unità di figure e maestosi background architettonici ..

A Firenze, nel toccare le creazioni di Michelangelo e Leonardo, Rafael studiò con loro un'immagine anneticamente corretta del corpo umano. In 25 anni, l'artista cade a Roma, e da questo momento inizia il periodo del più alto fiorente del suo lavoro: svolge dipinti monumentali nel Palazzo Vaticano (1509--1511), tra i quali il capolavoro incondizionato del Maestro - il Affresco "Atene School", scrive composizioni dell'altare e dipinti a macchina, caratterizzati dall'armoniosità del piano e delle prestazioni, funziona come architetto (per qualche tempo Raphael porta anche la costruzione della cattedrale di San Pietro). Nella ricerca instancabile per il suo ideale, incorporato per l'artista sotto forma di Madonna, crea la creazione creativa più perfetta - "Sikstinsky Madonna" (1513), un simbolo della maternità e di sé. I dipinti e i dipinti di Rafael furono riconosciuti come contemporanei, e presto Santi divenne la figura centrale della vita decidua di Roma. Molti nobili popoli d'Italia volevano crescere con l'artista, tra cui un amico intimo del cardinale Raphael Bibbien. L'artista è morto all'età di trentasette anni dall'insufficienza cardiaca. Dipinti incompiuti di Varnesina Villa, Logga Vaticane e altri lavori sono stati completati da studenti di Raffaello in conformità con i suoi schizzi e disegni.

Uno dei maggiori rappresentanti artistici ad alta rivivalizzazione, per i quali dipinti è caratterizzato da un equilibrio sottolineato e armoniosità del tutto, della composizione di equilibrio, della dimensione del ritmo e dell'uso delicato delle caratteristiche del colore. La proprietà impeccabile della linea e la capacità di generalizzare e assegnare la cosa principale, ha reso Rafael uno dei maestri più importanti del disegno di tutti i tempi. L'eredità di Rafael ha funzionato come uno dei pilastri nel processo di diventare accademismo europeo. Adettori del classicismo - fratelli Carramechi, Poussin, Mengs, David, Engr, Bulls e molti altri artisti - si affacciavano sull'eredità di Rafael come il fenomeno più perfetto dell'arte mondiale ..

Tiziano Veerieierio. (1476/1477 o 1480-E - 1576) - Il pittore italiano del Rinascimento. Il nome di Tiziano è in una fila con tali artisti del Rinascimento, come Michelangelo, Leonardo da Vinci e Rafael. Tiziano ha scritto immagini su terreni biblici e mitologici, divenne famoso e come ritrattista. Fu ordinò Kings e papà romano, cardinali, duchi e principi. Tiziano non era trent'anni quando fu riconosciuto come il miglior pittore Venezia ..

Nel luogo di nascita (Piere-di-Cadore nella provincia di Belluno), a volte viene chiamato sì a Kador; Conosciuto anche come Tiziano Divine ..

Titian è nato nella famiglia di Gregorio People, lo stato e leader militare. Nell'età di dieci anni, è stato inviato insieme a suo fratello a Venezia per la formazione al famoso mosaicista Sebastian Dzukkato. Alcuni anni dopo, entrò nello studente nel laboratorio di Giovanni Bellini. Ha studiato con Lorenzo Lotto, George Sì Castelfranco (Georgeon) e un certo numero di altri artisti che in seguito sono diventati famosi.

Nel 1518, Titian scrive il dipinto "Ascensione della Madonna", nel 1515 - Salome con il capo di Giovanni il Battista. Dal 1519 al 1526, dipinge un numero di altari, incluso l'altare della famiglia Pesaro.

Titian ha vissuto una lunga vita. Fino a giorni recenti, non ha smesso di funzionare. La sua ultima immagine, "Christ di Christ", tiziano ha scritto per la sua lapide. L'artista è morto dalla peste a Venezia il 27 agosto 1576, infettata da suo figlio, facendolo ..

L'imperatore Carl V ha chiamato Tiziano a se stesso e circondato da onorevole e rispetto e ha detto più di una volta: "Posso creare un duca, ma dove prenderò il secondo Tiziano". Quando un giorno l'artista ha lasciato cadere un pennello, Karl V lo guardò e disse: "Servire Tiziano è onorato anche l'imperatore". Sia spagnolo, che i re francesi hanno invitato Tiziano a se stessi, accontentati presso la corte, ma l'artista, adempiendo gli ordini, tornò sempre alla sua natia Venezia. Nell'onore del Tiziano chiamato cratere su Mercurio. .

Rinascimento (Rinascimento). Italia. XV-XVI secolo. Il capitalismo precoce. Il paese governa i banchieri ricchi. Sono interessati all'arte e alla scienza.

Ricco e influente si riuniscono intorno a loro talentuosi e saggi. Poeti, filosofi, artisti e scultori conducono conversazioni quotidiane con i loro clienti. Per un attimo sembrava che le persone fossero governate dai saggi, come voleva Platone.

Si ricordarono gli antichi romani e i greci. Che ha anche costruito una società di cittadini gratuiti. Dove il valore principale è una persona (non contando gli schiavi, ovviamente).

La rinascita non sta solo copiando l'arte delle antiche civiltà. Questa miscela. Mitologia e cristianesimo. Natura e mentalità realistica delle immagini. La bellezza della spirituale fisica e di bellezza.

Era solo un flash. Il periodo di alta rinascita ha circa 30 anni! Dai 1490 a 1527. Dall'inizio del fiorente creatività Leonardo. Prima del sacchetto di Roma.

Il miraggio del mondo perfetto è un dymer veloce. L'Italia era troppo fragile. Si è presto ridotta in schiavitù dal prossimo dittatore.

Tuttavia, questi 30 anni hanno identificato le caratteristiche principali della pittura europea di 500 anni in anticipo! Fino a .

Immagine realistica. Antropocentrismo (quando una persona è il personaggio principale e l'eroe). Prospettiva lineare. Dipinti ad olio. Ritratto. Scenario…

Incredibile, ma diversi maestri ingegnosi subito sono venuti in questi 30 anni. Che in altri tempi nasce uno per 1000 anni.

Leonardo, Michelangelo, Rafael e Titan - Titans del Rinascimento. Ma è impossibile non parlare dei due dei loro predecessori. Jotto e Mazacho. Senza il quale non ci sarebbe rinascita.

1. Jotto (1267-1337)

Paolo Stocelo. Jotto Sì Bondony. Frammento del dipinto "Cinque maestri del Rinascimento fiorentino". L'inizio del XVI secolo. .

XIV secolo. Prastoresance. L'eroe principale è Jotto. Questo è un maestro che ha commesso una rivoluzione nell'arte da sola. 200 anni prima dell'alta rinascita. Se non fosse per lui, l'epoca, di quale umanità è così orgogliosa, è improbabile che venga.

Jotto erano icone e affreschi. Sono stati creati dai canoni bizantini. Volti invece di persone. Figure piatte. Non conformità con proporzioni. Invece di un paesaggio - sfondo dorato. Come, ad esempio, su questa icona.

Guido Sì Siena. Adorazione dei Magi. 1275-1280. Altenburg, Museo di Lindenau, Germania.

E improvvisamente appaiono gli affreschi di Jotto. Ci sono figure volumetriche su di loro. Persone di persone nobili. Triste. Doloroso. Sorpreso. Vecchio e giovane. Diverso.

Gli affreschi di Jotto nella Chiesa del Brenor a Padova (1302-1305). A sinistra: lutto di Cristo. Nel mezzo: baciare Giuda (frammento). Giusto: Annunciazione di Sant'Anna (Madre Mary), un frammento.

La creazione principale di Jotto è il ciclo dei suoi affreschi nella Cappella Burgher a Padova. Quando questa chiesa si è aperta per i parrocchiani, le folle di persone si uniscono. Perché non l'hanno mai visto.

Dopotutto, Jotto ha fatto un imprevisto. Lui, come lo era, ha tradotto i terreni biblici su un semplice linguaggio chiaro. E sono diventati molto più convenienti per le persone comuni.

Jotto. Adorazione dei Magi. 1303-1305. Affresco nella cappella di corteccia a Padova, Italia.

È questo che sarà caratteristico di molti maestri del Rinascimento. Immagini laconiche. Emozioni dal vivo dei personaggi. Realistico.

Circa gli affreschi del Maestro leggi di più nell'articolo.

Jotto ammirato. Ma la sua innovazione non è ulteriormente sviluppata. L'Italia è venuta alla moda per Gothic internazionale.

Solo dopo 100 anni il Maestro apparirà degno del successore di Jotto.

2. Mazacco (1401-1428)

Mazacho. Autoritratto (frammento degli affreschi "San Pietro sul Dipartimento"). 1425-1427. Brankachchi Capella nella chiesa di Santa Maria del Carmina, Firenze, Italia.

L'inizio del XV secolo. Il cosiddetto revival precoce. Un altro innovatore viene in scena.

Mazacho è stato il primo artista che ha usato una prospettiva lineare. È stata sviluppata dal suo amico, architetto Bruneland. Ora il mondo è diventato simile a quello reale. Architettura del giocattolo - in passato.

Mazacho. San Pietro guarisce la sua ombra. 1425-1427. Brankachchi Capella nella chiesa di Santa Maria del Carmina, Firenze, Italia.

Ha adottato il realismo di Jotto. Tuttavia, in contrasto con il predecessore, conosceva bene l'anatomia.

Invece di personaggi a forma di toro, i Jotto sono persone splendidamente piegate. Proprio come gli antichi greci.

Mazacho. Battesimo dei neofiti. 1426-1427. Capella Brankachchi, Chiesa di Santa Maria del Carmina a Firenze, Italia.
Mazacho. Esilio dal paradiso. 1426-1427. Affresco nella cappella di Brankachchi, chiesa di Santa Maria del Carmina, Firenze, Italia.

Mazacho viveva una breve vita. Morì, come suo padre, inaspettatamente. A 27 anni.

Tuttavia, aveva molti seguaci. Le seguenti generazioni guidate sono andate alla cappella Brankachchi per imparare dai suoi affreschi.

Quindi l'innovazione del Mazacho è stata prelevata da tutti i grandi titani dell'alta rinascita.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo Da Vinci. Auto ritratto. 1512 Biblioteca Royal a Torino, Italia.

Leonardo da Vinci è uno dei titani del Rinascimento. Che enormalmente ha influenzato lo sviluppo della pittura.

Era colui che ha sollevato lo status dell'artista stesso. Grazie a lui, rappresentanti di questa professione da ora in poi non solo artigiani. Questi sono creatori e aristocratici dello Spirito.

Leonardo ha fatto una svolta principalmente nella pittura ritratto.

Credeva che nulla dovrebbe distrarre dall'immagine principale. L'aspetto non dovrebbe vagare da un dettaglio all'altro. Così apparvero i famosi ritratti. Laconico. Armonioso.

Leonardo Da Vinci. Signora con Ermine. 1489-1490. Museo nero, Cracovia.

La principale innovazione di Leonardo è che ha trovato un modo per rendere le immagini ... vive.

Prima di lui, i personaggi sui ritratti erano come i manichini. Le linee erano chiare. Tutti gli articoli sono accuratamente disegnati. Il disegno dipinto non potrebbe essere vivo.

Ma qui Leonardo ha inventato il metodo Sphumato. Durò la linea. Ha fatto una transizione dalla luce all'ombra molto morbida. I suoi eroi sono coperti da una foschia appena accattivante. I personaggi sono venuti alla vita.

. 1503-1519. Louvre, Parigi.

Da allora, Sphumato entrerà nel dizionario attivo di tutti i grandi artisti del futuro.

Si trova spesso che Leonardo, ovviamente, genio. Ma non potevo portare nulla fino alla fine. E i dipinti spesso non hanno finito. E molti dei suoi progetti sono rimasti su carta (a proposito, in 24 volumi). E in generale, lo gettò in medicina, poi alla musica. E anche l'arte di servire in una volta era appassionato di.

Tuttavia, pensa a te stesso. 19 dipinti. Ed è il più grande artista di tutti i tempi e popoli. E qualcuno non si chiude nemmeno nella grandezza. Allo stesso tempo, scrivendo 6.000 cauldoni per la vita. Ovviamente, chi ha il CPD più alto.

Sulla foto più famosa del maestro lettura nell'articolo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (frammento). 1544 Museo Metropolitan, New York.

Michelangelo si considerava uno scultore. Ma era un maestro universale. Come i suoi colleghi della rinascita. Pertanto, il suo patrimonio pittoresco non è meno ambizioso.

Riconosce principalmente su personaggi sviluppati fisicamente. Perché ha ritratto una persona perfetta. In cui la bellezza fisica significa bellezza spirituale.

Pertanto, tutti i suoi eroi sono tali muscolosi, hardy. Persino donne e vecchi.

Michelangelo. Frammenti della "Corte spaventosa" affresco nella Cappella Sistina, Vaticano.

Spesso Michelangelo ha scritto il personaggio nudo. E poi affrontato i vestiti dall'alto. In modo che il corpo sia il più possibile il rilievo il più possibile.

Il soffitto della cappella sicastina si dipingeva. Anche se questa è poche centinaia di figure! Non ha nemmeno portato vernici per strofinare nessuno. Sì, era solitario. Possedere un carattere ripido e non consultivo. Ma soprattutto era insoddisfatto di se stesso.

Michelangelo. Frammento dell'affresco "Creazione di Adamo". 1511 Cappella di Sycstine, Vaticano.

Michelangelo ha vissuto una lunga vita. Avendo sopravvissuto alla Buon Rinascimento. Per lui è stata una tragedia personale. Le sue opere in ritardo sono piene di tristezza e dolore.

In generale, il percorso creativo di Michelangelo è unico. Il primo lavoro è la lode di un eroe. Gratuito e coraggioso. Nelle migliori tradizioni dell'antica Grecia. Come il suo Davide.

Negli ultimi anni di vita, queste sono immagini tragiche. Intenzionalmente la pietra a sinistra. Come se i monumenti delle vittime del fascismo del XX secolo. Guarda la sua "Pietà".

Sculture Michelangelo all'Accademia di Belle Arti a Firenze. A sinistra: David. 1504 a destra: Piest Palestrina. 1555.

Com'è possibile? Un artista per una delle sue vittime era tutte le fasi dell'arte del Rinascimento fino al 20 ° secolo. Cosa fare generazioni successive? Bene, vai a modo tuo. Rendendosi conto che la tavola viene aumentata molto alta.

5. Rafael (1483-1520)

. 1506 Galleria degli Uffizi, Firenze, Italia.

Rafael non è mai stato all'oblio. Il suo genio è sempre stato riconosciuto. E durante la vita. E dopo la morte.

I suoi eroi sono dotati di bellezza sensuale e lirica. È il suo diritto di essere considerato le immagini femminili più belle mai create. La loro bellezza esterna riflette la bellezza spirituale dell'eroina. La loro mitezza. Il loro sacrificio.

Raffaello. . 1513 Galleria di Vecchi Maestri, Dresda, Germania.

Le famose parole "La bellezza salverà il mondo" ha detto esattamente Fedor Dostoevsky. Era la sua foto preferita.

Tuttavia, le immagini sensuali non sono l'unico lato forte di Raffaello. Pensò molto attentamente le composizioni dei suoi dipinti. Era un architetto insuperabile nella pittura. Inoltre, ha sempre trovato la soluzione più semplice e armoniosa nell'organizzazione dello spazio. Sembra che altrimenti non possa essere.

Raffaello. Scuola ateniese. 1509-1511. Affresco negli Stans del Palazzo Apostolico, Vaticano.

Rafael ha vissuto solo 37 anni. Morì improvvisamente. Dall'errore raffreddore e medico raccolto. Ma la sua eredità è difficile da sovrastimare. Molti artisti sono custoditi da questo maestro. Multiplo delle sue immagini sensuali in migliaia di panni ..

Tiziano era un colorante insuperabile. Ha anche sperimentato molto con la composizione. In generale, era un innovatore audace e luminoso.

Per tale luminosità del talento, tutti lo hanno amato. Chiamando il "re dei pittori e dei re del pittore".

A proposito di Tiziano, voglio mettere un punto esclamativo dopo ogni frase. Dopotutto, è stato colui che porterà a dipingere le dinamiche. Pathos. Entusiasmo. Sapore luminoso Lucentezza delle vernici.

Tiziano. Ascensione di Maria. 1515-1518. Chiesa di Santa Maria Glorosii dei Frari, Venezia.

Alla fine della sua vita, ha sviluppato una lettera insolita della lettera. Smalti di turbinio, spesso. Vernice causata da un pennello, poi con le mie dita. Da questa - le immagini sono ancora più vive, traspiranti. E le trame sono ancora più dinamiche e drammatiche.

Tiziano. Tarquinio e Lucretia. 1571 Museo di Fitsuillama, Cambridge, Inghilterra.

Non ti ricordi qualcosa? Certo, questa è una tecnica. E artisti del tecnico del XIX secolo: Barbizontev e. Tiziano, come Michelangelo, sarà 500 anni di pittura per una delle sue vita. Questo è lui e genio.

A proposito dei famosi maestri del capolavoro lettura nell'articolo.

Gli artisti del Rinascimento sono artisti di grande conoscenza. Per lasciare un'eredità del genere, era necessario sapere molto. Nel campo della storia, l'astrologia, la fisica e così via.

Pertanto, ognuna delle loro immagine ci fa pensare. Per cosa è stato raffigurato? Qual è il messaggio crittografato qui?

Pertanto, non hanno quasi mai sbagliato. Perché ha dimostrato accuratamente il loro lavoro futuro. Usando l'intero bagaglio della loro conoscenza.

Erano più degli artisti. Erano filosofi. Il mondo ci spiega con la pittura.

Ecco perché saranno sempre profondamente interessanti per noi.

Rinascimento è il momento del periodo di massimo splendore intellettuale in Italia, che ha influenzato lo sviluppo dell'umanità. Questo meraviglioso tempo ha dato il suo inizio nel XIV secolo e cominciò a strappare al tramonto nel XVI secolo. È impossibile trovare qualsiasi campo di attività umana che il Rinascimento avrebbe influenzato. Il fiorente della cultura umana, della creatività, dell'arte, delle scienze. Politica, filosofia, letteratura, architettura, pittura - Tutto ciò ha acquisito una nuova respirazione e ha iniziato a sviluppare un ritmo insolitamente rapido. La maggior parte dei più grandi artisti che hanno lasciato il ricordo eterno su se stessi nelle opere e ha sviluppato la maggior parte dei principi e delle leggi della pittura, vissuta e lavorato in questo momento. Il Rinascimento è diventato un sorso di aria fresca e l'inizio di una nuova vita, una vera rivoluzione culturale per le persone. I principi della vita del Medioevo sono crollati e l'uomo cominciò a cercare in alto, come se si realizzasse il suo vero scopo sulla Terra - creare e svilupparsi.

Revival significa nient'altro che un ritorno ai valori del passato. I valori del passato, incluso come la fede e il sincero amore per l'arte, creare, creazione, sono stati ripensati. Consapevolezza di una persona nell'universo: un uomo come una corona della natura, la corona della creazione divina, che è il creatore stesso.

Gli artisti rinascimentali più famosi sono, Alberti, Michelangelo, Rafael, Albrecht Duer e molti altri. Con il loro lavoro, hanno espresso il concetto complessivo dell'universo, il concetto dell'origine di una persona che la religione e i miti. Si può dire che è stato allora che il desiderio degli artisti sembrava imparare come creare un'immagine realistica di una persona, natura, cose, oltre a fenomeni immateriali - sentimenti, emozioni, umore, ecc. Inizialmente, Firenze era considerata il centro del Rinascimento, ma dal 16 ° secolo catturò Venezia. Era a Venezia che i benefattori più importanti o i riassunti, come Medii, papà romano e altri.

L'indubbio è il fatto che l'era del Rinascimento ha influenzato lo sviluppo di tutta l'umanità in tutti i sensi di questa parola. Le opere d'arte di quel tempo sono ancora una delle più costose, e i loro autori hanno lasciato i loro nomi nella storia per sempre. Le immagini e la scultura del Rinascimento sono considerate capolavori inestimabili e sono ancora un vantaggio e un esempio per qualsiasi artista. L'arte unica stupisce con la sua bellezza e profondità di design. Ogni persona è obbligata a conoscere questo straordinario tempo, che era nella storia del nostro passato, senza un patrimonio di cui è assolutamente impossibile presentare il nostro presente e futuro.

Leonardo da Vinci - Mona Lisa (Jocona)

Rafael Santi - Madonna

I primi iscritti dell'arte del revival sono apparsi in Italia nel XIV secolo. Artisti di questa volta, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) e (prima) Jotto. (1267-1337) Durante la creazione di argomenti religiosi tradizionali, le nuove tecniche artistiche hanno iniziato a usare: costruire una composizione alla rinfusa, utilizzando un paesaggio sullo sfondo, che ha permesso loro di rendere le immagini più realistiche, vivace. Questo ha notevolmente distinto la loro creatività dalla precedente tradizione iconografica, abbondanti convenzioni nell'immagine.
Per fare riferimento alla loro creatività, il termine usi Pratinessance (1300s - "Alpiito") .

Jotto di Bondone. (OK. 1267-1337) - Artista italiano e architetto dell'era del Pratinessan. Una delle figure chiave nella storia dell'arte occidentale. Superare la tradizione iconografica bizantina, è diventata il vero fondatore della Scuola di Pittura italiana, ha sviluppato un approccio assolutamente nuovo all'immagine dello spazio. Le opere di Jotto sono state ispirate a Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo.


Revival precoce (1400S - "Quattrici").

All'inizio del XV secolo Filippo Bruneland. (1377-1446), scienziato e architetto fiorentino.
Brunelands desiderava fare la percezione del termine e dei teatri ricostruiti da loro e dei teatri e cercò di creare dipinti geometricamente promettenti dai loro piani per un certo punto di vista. In queste ricerche era aperto prospettiva diretta.

Ciò ha permesso agli artisti di ricevere immagini perfette dello spazio tridimensionale su un modello piatto di dipinti.

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Un altro passo importante verso la rinascita era l'emergere di arte non religiosa, laica. Il ritratto e il paesaggio sono stati stabiliti come generi indipendenti. Persino i grafici religiosi hanno acquisito un'interpretazione diversa - gli artisti del revival hanno iniziato a considerare i loro personaggi come eroi con caratteristiche individuali pronunciate e motivazione umana delle azioni.

Gli artisti più famosi di questo periodo - Mazacho. (1401-1428), Mazolino. (1383-1440), Benozzo Gozzoli. (1420-1497), Piero della Francesco. (1420-1492), Andrea Mantenya. (1431-1506), Giovanni Bellini. (1430-1516), Antonello da Messina. (1430-1479), Domenico Girlandiao. (1449-1494), Sandro Botticelli. (1447-1515).

Mazacho. (1401-1428) - Il famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, il riformatore del dipinto dell'epoca di Quattrici.

Affrescare. Miracolo con mescolare.

Immagine. Crocifissione

Piero della Francesco. (1420-1492). Le opere del Maestro si distinguono per maestose solennità, nobiltà e armonia di immagini, generalizzazione di forme, equilibrio compositivo, proporzionalità, accuratezza delle costruzioni promettenti, piene di gamma morbida leggera.

Affrescare. La storia della regina Sava. Chiesa di San Francesco ad Arezzo

Sandro Botticelli.(1445-1510) - Grande pittore italiano, rappresentante della scuola fiorentina della pittura.

Primavera.

Nascita di Venere.

High Revival ("Cinkvice").
La più alta fioritura dell'arte del rinascita è arrivata il primo trimestre del XVI secolo.
Lavoro Sansovino. (1486-1570), Leonardo Da Vinci (1452-1519), Rafael Santia. (1483-1520), Michelangelo Buonotti. (1475-1564), Georgeon. (1476-1510), Tiziano (1477-1576), Antonio Corredjo. (1489-1534) costituiscono un fondo d'oro dell'arte europea.

Leonardo di Same Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (Anatom, naturalista), inventore, scrittore.

Auto ritratto

Signora con Ermine. 1490. Museo delle carte, Cracovia

MONA LISA (1503-1505 / 1506)

Leonardo da Vinci ha raggiunto un'elevata padronanza nel trasferimento del corpo facciale e umano, modi per trasferire spazio, costruendo la composizione. Allo stesso tempo, il suo lavoro crea un'immagine armoniosa di una persona che incontra ideali umanistici.

Madonna Litta. 1490-1491. Eremo.

Madonna Benua (Madonna con fiore). 1478-1480.

Madonna con il garofano. 1478.

Durante la sua vita, Leonardo da Vinci ha fatto migliaia di note e disegni dedicati all'anatomia, ma non pubblicarono il suo lavoro. Fare un'autopsia di persone e animali, ha sicuramente superato la struttura dello scheletro e degli organi interni, inclusi piccoli dettagli. Secondo il professore dell'anatomia clinica di Peter Abrams, il lavoro scientifico di Da Vinci ha superato il suo tempo per 300 anni e superata in gran parte la famosa "Grey Anatomy".

Elenco delle invenzioni, sia reali che attribuite a lui:

Paracadute, K.castello di Olesz, inelettrico, T.ank, L.bridge portatili Eugene per l'esercito, nhornger, K.ataZet, R.obet, D.telescopio a fionda.

In futuro, queste innovazioni sono state sviluppate Rafael Santi. (1483-1520) - Grande pittura, programma e architetto, rappresentante della scuola umbra.

Auto ritratto. 1483g.

Michelangelo di Lodoviko di Leonardo di Buonarot Simoni (1475-1564) - Scultore italiano, artista, architetto, poeta, pensatore.

I dipinti e le sculture di Michelangelo Bumonotti sono pieni di eroici pathos e, allo stesso tempo, la tragica sensazione della crisi dell'umanismo. I suoi dipinti glorificano il potere e il potere di una persona, la bellezza del suo corpo, allo stesso tempo enfatizzando la sua solitudine nel mondo.

Genius Michelangelo ha conferito un'impronta non solo sull'arte del revival, ma anche per l'intera ulteriore cultura mondiale. La sua attività è principalmente connessa con due città italiane - Firenze e Roma.

Tuttavia, le più grandi idee che l'artista è stata in grado di realizzare nella pittura, dove ha parlato con un genuino innovatore di colori e forme.
Per ordine di Papa Julia II, ha eseguito il dipinto del soffitto della Sicastina Capella (1508-1512), che rappresenta la storia biblica dalla creazione del mondo all'inondazione e comprende più di 300 figure. Nel 1534-1541, nella stessa cappella sicstiniana per Papa Paolo III, ha eseguito una grandiosa, piena di fresco del dramma "Corte spaventoso".
Cappella 3D Sicstinskaya.

La creatività Georgeon e Tiziano si distinguono per l'interesse per il paesaggio, Plot Poets. Entrambi gli artisti hanno raggiunto una grande maestria nell'arte del ritratto, con l'aiuto di cui sono stati trasmessi il carattere e il ricco mondo interiore dei loro personaggi.

Georgho Barbarelli Sì Castel Franco ( Georgeon) (1476/147-1510) - Artista italiano, rappresentante della Scuola di pittura di Venezia.

Sleeping Venere. 1510.

Judith. 1504.

Tiziano Veerieierio. (1488/1490-1576) - Pittore italiano, il più grande rappresentante della Scuola di Venezia dell'Epoca dell'alto e tardo revival.

Tiziano ha scritto immagini su terreni biblici e mitologici, divenne famoso e come ritrattista. Fu ordinò Kings e papà romano, cardinali, duchi e principi. Tiziano non era e trent'anni quando è stato riconosciuto come il miglior pittore Venezia.

Auto ritratto. 1567.

Venere Urbinskaya. 1538.

Ritratto del ponte di Tommaso. 1520g.

Successivo rinascita.
Dopo il saccheggio di Roma da parte delle truppe imperiali nel 1527, la rinascita italiana entra nella crisi. Già nel lavoro del ritardo di Raffaello, viene nominata una nuova linea d'arte, chiamata virile.
Per questa epoca, infiammatoria di linee, allungamento o persino figure di deformazione, spesso nudo, tensione e innaturalità delle pose, effetti insoliti o bizzarri associati a dimensioni, illuminazione o prospettiva, uso di cronometro cromatico ebbit, il sovraccarico della composizione, ecc. Il primo maschio maschio Parmjanino. , Pontatorico , Bronzino.- Abbiamo vissuto e lavorato al cortile dei Duchi della Casa dei Medici a Firenze. Più tardi, la moda non nostre si diffuse in tutta Italia e oltre.

Dzhirolamo Francesco Maria Mazzola (Parmjanino. - "Un residente di Parma") (1503-1540,) artista italiano e incisore, rappresentante del manierismo.

Auto ritratto. 1540.

Ritratto di una donna. 1530.

Pontatorico (1494-1557) - Pittore italiano, rappresentante della scuola fiorentina, uno dei fondatori del manierismo.


Nel 1590, l'arte arriva a cambiare barocco (Figure di transizione - Tintoretto. e El Greco. ).

Jacopo Robusti, meglio conosciuto come Tintoretto. (1518 o 1519-1594) - Pittore della Scuola di Venezia del tardo Rinascimento.

L'altra sera. 1592-1594. Chiesa di San Giorgio Maggiore, Venezia.

El Greco. ("Greco" Domenicos Teotokopoulos. ) (1541-1614) - Artista spagnolo. Per origine - Greco, un nativo dell'isola di Creta.
El Greco non aveva seguaci contemporanei, e il suo genio fu riaperto quasi 300 anni dopo la sua morte.
El Greco ha studiato in un laboratorio di Tiziano, ma, tuttavia, la sua tecnica di pittura differisce significativamente dalla tecnica del suo insegnante. Per i lavori, El Greco è caratterizzato dalla velocità ed espressività dell'esecuzione, che portali a pittura moderna.

Cristo sulla croce. OK. 1577. Assemblea privata.

Trinità. 1579 Prado.

Difficile per l'Italia, l'infelice "età dell'oro" del revival italiano arriva - il cosiddetto alto rinascimento, il punto più alto del periodo di massimo splendore dell'arte italiana. L'alto rinascimento coinciso, quindi, con un periodo di feroce lotta delle città italiane per l'indipendenza. L'arte di questo periodo è stata permeata dall'umanesimo, la fede nelle forze creative di una persona, nelle possibilità illimitate delle sue possibilità, in un ragionevole dispositivo del mondo, nella valutazione dei progressi. Nell'arte, i problemi del debito civile, le alte qualità morali, l'impresa, l'immagine del corpo bellissimo e armoniosamente sviluppato, forte spirito e del corpo dell'eroe umano, che riuscì a salire sopra il livello della vita quotidiana, sono stati spinti. Cercare un tale ideale e led art da sintesi, generalizzazione, alla divulgazione di modelli generali di fenomeni, per identificare la loro interconnessione logica. L'arte dell'alta rinascita è il pieno da particolari, dettagli minori nel nome di un'immagine generalizzata, nel nome del desiderio della sintesi armoniosa delle bellissime parti della vita. Questa è una delle principali differenze in alta rinascita dai primi.

Leonardo da Vinci (1452-1519) è stato il primo artista, chiaramente incarnando questa differenza. Il primo insegnante Leonardo era Andrea Vokkio. La figura dell'Angelo nel dipinto dell'insegnante "Battesimo" ha già dimostrato chiaramente la differenza nella percezione del mondo dall'artista dell'era passata e del nuovo poro: nessuna piattezza frontale di Verokkio, la migliore modellazione nera e insolita del Immagine. . Al momento della partenza dal laboratorio di Vokkio, i ricercatori includono Madonna con un fiore ("Madonna Benouua", come è stato chiamato prima, con il nome dei proprietari). Durante questo periodo, Leonardo, indubbiamente, è stato influenzato da Botticelli per qualche tempo. Dagli anni '80 del XV secolo. Due composizioni Leonardo incompiute sono state preservate: "Adorazione dei Magi" e "St. Jerome. " Probabilmente, a metà degli anni '80, la Tempera e Madonna Litt Tecnica è stata creata nell'arte, in cui è stato trovato il tipo di bellezza delle donne di Leonard: palpebre semi-con gli occhi pesanti e un sorriso a malapena catturato dà il volto della spiritualità speciale della Madonna.

Collegamento dei principi scientifici e creativi, che possiedono sia il pensiero logico che artistico, Leonardo è stato impegnato negli scienziati con le arti visive a pari con l'arte visiva; Bere, sembrava lento e lasciato dietro alcune opere d'arte. Nella corte di Milano, Leonardo ha lavorato come artista, tecnico scienziato, inventore, come matematico e un anatom. Il primo grande lavoro che ha eseguito a Milano era "Madonna nelle rocce" (o "Madonna in Grote"). Questa è la prima composizione monumentale dell'altare dell'alto Rinascimento, interessante anche per intero, le caratteristiche della lettera Leonardia della Lettera erano pienamente espresse.

La più grande opera di Leonardo a Milano, il più alto risultato della sua arte è stata la parete di pittura del monastero del distributore Santa Maria della Grazia alla trama di "Ultima Cena" (1495-1498). Cristo è trovato per cena con i suoi discepoli per dichiararli sul tradimento di uno di loro. Per Leonardo, l'arte e la scienza esistevano inseparabili. Fare arte, ha fatto ricerche scientifiche, esperimenti, osservazioni, uscì attraverso il futuro alla regione dell'ottica e della fisica, attraverso i problemi delle proporzioni - in anatomia e matematica, ecc. "L'ultima cena" completa l'intero stadio nel Ricerca scientifica dell'artista. È anche un nuovo palcoscenico dell'art.

Dall'occhiello di anatomia, geometria, fortificazione, miglioramento, linguistica, poesie, musica, Leonardo, fu rotto per lavorare sul "cavallo"-Monumentoconconconico di Francesco Sforgetz, per il quale prima e venne a Milano e che all'inizio degli anni '90 soddisfatto a piena dimensione in argilla. Il monumento non era destinato a essere incarnato in bronzo: nel 1499, il francese invasero Milano e le barre trasversali di gasconiana hanno sparato un monumento equestre. Dal 1499, gli anni di Leonardo errante iniziano: Mantova, Venezia e, infine, la città natale dell'artista - Firenze, dove scrive il cartone "St. Anna con Maria in ginocchio ", secondo cui crea una foto di olio a Milano (dove è tornato nel 1506)

A Firenze, Leonardo iniziò un altro lavoro pittoresco: un ritratto di una mernata moglie del Dzhokondo Mona Lisa, che divenne uno dei dipinti più famosi del mondo.

Ritratto di Mona Lisa Jokonda è un passo decisivo verso lo sviluppo dell'arte rinascimentale

Per la prima volta, il genere del ritratto è diventato un unico livello con composizioni sui temi religiosi e mitologici. Con tutta la somiglianza fisiognomica indiscutibile, i ritratti di QuatroCherto si sono distinti se non esterni, quindi rigidità interna. La lente di ingrandimento di Monet Lisa è già riportata da un confronto di esso fortemente nominato al bordo della tela ha sottolineato la figura alla rinfusa con visibile come da lontano del paesaggio con rocce e flussi, montati, avendo problemi, e quindi, con tutta la realtà , il motivo è fantastico.

Leonardo nel 1515 al suggerimento del re francese Franciska I Foglie per sempre per la Francia.

Leonardo è stato il più grande artista del suo tempo, un genio che ha aperto nuovi orizzonti d'arte. Ha lasciato alcuni lavori, ma ognuno di loro è stato messo in scena nella storia della cultura. Leonardo è anche conosciuto come uno scienziato versatile. Le sue scoperte scientifiche, per esempio, le sue indagini nel campo degli aeromobili sono di interesse nel nostro secolo di astronautica. Migliaia di pagine manoscritte Leonardo, coprendo letteralmente tutte le aree di conoscenza, testimoniano l'universalità del suo genio.

Le idee dell'arte monumentale del Rinascimento, in cui le tradizioni dell'antichità e dello spirito del cristianesimo fusevano, hanno trovato l'espressione più vivida nelle opere di Rafael (1483-1520). Nella sua arte, una soluzione matura è stata trovata a due compiti principali: la perfezione plastica del corpo umano, esprimendo l'armonia interna di una personalità sviluppata in modo completo, in cui Rafael ha seguito l'antichità, e una complessa composizione multifigure, trasmettendo tutta la diversità del mondo. Raphael ha arricchito queste opportunità, avendo raggiunto una sorpresa libertà nell'immagine dello spazio e del movimento in esso di una figura umana, armonia impeccabile tra l'ambiente e l'uomo.

Nessuno dei maestri del Rinascimento non percepisce così profondamente e naturalmente l'essenza pagana dell'antichità come Rafael; Non c'è da stupirsi che sia considerato un artista che è più pienamente legato antiche tradizioni con l'arte dell'Europa occidentale del nuovo Pore.

Rafael Santi è nato nel 1483 nella città di Urbino, uno dei centri della cultura artistica dell'Italia, nel cortile del Duca di Urbinsky, nella famiglia del pittore della corte e del poeta, che era il primo insegnante del Maestro futuro

Il primo periodo della creatività di Rafael caratterizza perfettamente una piccola immagine sotto forma di una "concitabilità della Madonna" di mentalità sottile, con la sua semplicità e laconicità dei dettagli rigorosamente selezionati (con tutta la composizione robusta) e una speciale, inerente al lavoro di Rafael, Lyristico sottile e un senso di pace. Nel 1500, Rafael ha lasciato Urbino a Perugia per studiare nel laboratorio del famoso artista Umbry Perugino, sotto l'influenza di cui "Maria Engagement" (1504) è scritto. La sensazione di ritmo, la proporzionalità delle masse di plastica, intervalli spaziali, il rapporto tra forme e lo sfondo, il coordinamento dei toni principali (nel "cerchio" è dorato, rosso e verde in combinazione con uno sfondo del cielo dolce-blu) E creare quell'armonia, che è già manifestata nelle prime opere di Rafael e lo distingue dagli artisti del Pore precedente.

Durante tutta la vita di Rafael è alla ricerca di questa immagine in Madonna, le sue numerose opere, l'impressionante immagine della Madonna, lo scoraggiava gloria in tutto il mondo. Il merito dell'artista è principalmente che riuscì a realizzare tutte le sfumature più sottili dei sentimenti nell'idea della maternità, combinare la lirico e la profonda emotività con grandezza monumentale. Si può vedere in tutto il suo Madonnakh, a partire dalla giovinezza di una timida "Madonna concreta": in Madonna in verde, "Madonna con una scarpa", "Madonna in una sedia" e soprattutto in cima allo spirito Rafaelievsky e Abilità nella Madonna Sistinica.

"Sicstinskaya Madonna" è una delle opere più avanzate di Raffaello e nella lingua: la figura di Maria con un bambino, estinguendo rigorosamente sullo sfondo del cielo, è unito dal ritmo generale del movimento con le figure di Santa Re Barbari e Papa Syksta II, i cui gesti sono rivolti a Madonne, come le viste di due angeli (più simili a Putti, tipici per il revival) - in fondo alla composizione. Le figure sono combinate e un sapore dorato comune, come se personifichi la luminosità divina. Ma la cosa principale è il tipo di faccia di Madonna, in cui la sintesi dell'antico ideale di bellezza con la spiritualità dell'ideale cristiano è incorporato, che è così caratteristico della visione del mondo di alta rivivalizzazione.

"Sikstinskaya Madonna" - dopo il lavoro di Raffaello.

All'inizio del XVI secolo. Roma diventa il principale centro culturale dell'Italia. L'arte dell'alta Rebirth raggiunge il suo più alto fiorente in questa città, dove gli artisti, come Bramte, Michelangelo e Rafael, lavorano allo stesso tempo, sono allo stesso tempo la volontà di Macuenate Pads.

Rafael dipinge i primi due stans. Della Senyanya (Signature Room), ha scritto quattro fresco-allegoria delle principali sfere delle attività spirituali umane: filosofia, poesia, teologia e giurisprudenza. ("Atene scuola", "Parnas", "disputa", "misura, saggezza e forza "Nella seconda stanza, chiamato" modello Elidor ", Rafael ha scritto affreschi su scene storiche e leggendarie, glorificando papà romano:" Exile Eliodor "

Per l'arte del Medioevo e il primo Rinascimento, era tipico della scienza e dell'arte nell'immagine delle singole figure allegoriche. Rafael decise questi argomenti sotto forma di composizioni multifigure che a volte rappresentano ritratti reali del gruppo, interessanti come la loro individualizzazione e tipica

I discepoli hanno aiutato Raphael e nel dipinto dei papà della Loggia del Vaticano, dipinti sui suoi schizzi e sotto la sua osservazione dei motivi degli antichi ornamenti, speravano principalmente dalle nuove grotte antiche aperte (da qui il nome "Grotteski").

Rafael ha eseguito il lavoro di vari generi. Il suo dono del decoratore, così come il regista, il narratore si è completamente manifestato nella serie di otto cardoni al traliccio per le cappelle sistine sulle trame della vita degli apostoli Pietro e Paolo ("meraviglioso pesci", per esempio). Queste immagini sui secoli XVI-XVIII. servito per classicisti di un tipo di standard.

Rafael è stato il più grande ritratto della sua era. ("Papa Julius II", "Leo X", un amico dello scrittore dell'artista Castiglione, bella "Donna Velat", ecc.). E nelle sue immagini ritratto, di regola, l'equilibrio interno e l'armonia domina.

Alla fine della vita di Rafael è stato proibitivo proibitivo con una varietà di lavori e ordini. È anche difficile immaginare che tutto ciò potesse soddisfare una persona. Era una figura centrale della fiction di Roma, dopo la morte di Bramte (1514) divenne il capo architetto della Cattedrale di San Peter, condotto scavi archeologici a Roma e dintorni e protezione dei monumenti antichi.

Rafael è morto nel 1520; La sua morte prematura era inaspettata per i contemporanei. La sua polvere è sepolta nel Pantheon.

Il terzo più grande maestro di alta rinascita è Michelangelo - molto esperto Leonardo e Raffaello. La prima metà del suo percorso creativo cade nel periodo di massimo splendore dell'arte dell'Alto Rinascimento, e il secondo è per il tempo della contro-elaborazione e l'inizio della formazione dell'arte barocca. Delle brillanti Pleiades degli artisti dell'alto Rinascimento, Michelangelo ha superato tutta la saturazione delle immagini, dei pazienti civili, della sensibilità al cambiamento dell'umore pubblico. Da qui la forma di realizzazione creativa dell'incidente delle idee rinascimentali.

Michelangelo BUONAROTI (1475-1564) nel 1488 a Firenze ha iniziato a studiare attentamente la plastica antica. Il suo sollievo "Battle of Centaurs" sull'armonia interiore è già un'opera di alta rinascita. Nel 1496, un giovane artista parte a Roma, dove le opere delle opere del suo primo, "Vakh" e "Pieta" creano il suo primo. Letteralmente catturato da immagini antichità. "Pieta" - Apre una serie di opere del Maestro su questa trama e mette inoltre tra i primi scultori d'Italia.

Tornando nel 1501 a Firenze, Michelangelo sulle istruzioni della Signoria ha portato via la figura di David dallo scultore scortese del masso di marmo a lui. Nel 1504, Michelangelo ha concluso la famosa statua, chiamata il "gigante" fiorentino e hanno messo davanti al Palazzo Vecchika, una città della città. L'apertura del monumento si è trasformata in una celebrazione popolare. L'immagine di David ha ispirato molti artisti QuatroCheto. Ma non un ragazzo, come Donatello e Verokkio, raffigura il suo Michelangelo e i giovani in piena fioritura, e non dopo la battaglia, con una testa gigante ai piedi, e prima della battaglia, al momento della massima tensione delle forze . Nella bellissima immagine di David, nella sua dura faccia, lo scultore ha consegnato il potere titanico della passione, un volontà illimitata, il coraggio civile, il potere illimitato di un uomo libero.

Nel 1504, Michelangelo (come già menzionato in connessione con Leonardo) inizia a lavorare sulla pittura "Hall of FiveCento" a Palazzo Signoria

Nel 1505, Papa Giulio II ha invitato Michelangelo a Roma per le strutture delle Tombe, ma poi rifiutò di ordinare e ordinarono una pittura meno importante del soffitto della Cappella Sistina presso il Palazzo Vaticano.

Sul dipinto del plafon della cappella sistina, Michelangelo ha lavorato da solo, dal 1508 al 1512, mentre suonava un'area di circa 600 metri quadrati. M (48x13 m) ad un'altezza di 18 m.

La parte centrale del soffitto Michelangelo dedicato scene di storia sacra, che vanno dalla creazione del mondo. Queste composizioni sono incorniciate dalla scritta, ma creando un'illusione di architettura, cornicita e separata, anche pittoresca, trazione. I rettangoli pittoreschi sono enfatizzati e arricchire la vera architettura del soffitto. Sotto la pittoresca grondaia di Michelangelo, i profeti e Siville scrisse (ogni figura circa tre metri), in Luins (archi sopra le finestre) raffigurati episodi della Bibbia e gli antenati di Cristo come persone ordinarie impegnate in affari quotidiani.

Nelle nove composizioni centrali, gli eventi dei primi giorni di creazione, la storia di Adamo ed Eva, l'alluvione mondiale e tutte queste scene sono essenzialmente un inno che si posava. Poco dopo la fine del lavoro a Sicstin, Julius II è morto e i suoi eredi sono tornati ai pensieri della lapide. Nel 1513-1516. Michelangelo esegue la figura di Mosè e schiavi (prigionieri) per questa lapide. L'immagine di Mosè è una delle più forti nel lavoro di un mago maturo. Ha investito in lui il sogno del leader di Mugnomo, una valle, forze titaniche piene, espressione, qualities, così necessarie quindi per unire la sua patria. Le figure degli slave non sono entrate nella versione finale della tomba.

Dal 1520 al 1534, Michelangelo lavora su una delle opere scultorei più significative e tragiche - oltre il patrimonio di Medici (Chiesa fiorentina di San Lorenzo), che esprimono tutte le esperienze che sono cadute nella quota del Maestro e della sua città durante questo periodo e tutti i paesi in generale. Dalla fine degli anni '20, l'Italia è stata letteralmente inghiottita da entrambi i nemici esterni che interni. Nel 1527, i soldati assunti hanno sconfitto Roma, i protestanti saccheggiarono i santuari cattolici della città eterna. La borghesia fiorentina rovesciò i medici, le regole di nuovo da 1510 g

Allo stato di umore del pessimismo più difficile, in uno stato di aumento della religiosità profonda e il Michelangelo lavora sul patrimonio dei Medici. Lui stesso costruisce un'estensione della Chiesa fiorentina di San Lorenzo -nomboy, ma una stanza molto alta, sovrapposta a una cupola e costituisce due pareti della sacretica (la sua stanza interna) lapidi scultorea. Un muro decora la figura di Lorenzo, il contrario - Giuliano, e in fondo ai loro piedi ci sono sarcofagi, decorati con immagini scultoree allegoriche di una flotta di un tempo di fastidio: "mattina" e "sera", in lapide Di Lorenzo, "Notte e" Giorno "- nella Tombsanti di Juliano.

Entrambe le immagini - Lorenzo e Giuliano - non hanno somiglianza ritratta che differiscono dalle decisioni tradizionali del XV secolo.

Pavel III subito dopo che la sua elezione ha iniziato a chiedere persistentemente dal compimento di Michelangelo di questa idea, e nel 1534, interrompendo il lavoro sulla tomba, che ha completato solo nel 1545, Michelangelo foglie per Roma, dove inizia a lavorare nella Cappella Sistina - Alla pittura "Scary Court" (1535-1541) creazione -Grandiosi, ha espresso la tragedia della razza umana. Le caratteristiche del nuovo sistema d'arte si sono manifestate in questo lavoro Michelangelo è ancora più luminoso. Il Tribunale creativo, punire Cristo, è posto nel centro della composizione, e intorno a lui nel movimento circolare rotazionale raffigurato i peccatori, ascesi dal paradiso, in piedi fuori dalle tombe di Dio i morti. Tutto è pieno di orrore, disperazione, rabbia, confusione.

Pittore, scultore, poeta, Michelangelo era anche un brillante architetto. Erano soddisfatti la scala della Biblioteca fiorentina di Laurenyan, il Capitol Square a Roma è stato decorato, il Porta Pio (Porta Pia) è stato eretto, dal 1546 lavora sulla cattedrale di Santa Re Peter ha iniziato ancora a Bramte. Michelangelo appartiene al disegno e al disegno della cupola, che è stato adempiuto dopo la morte del Maestro ed è ancora uno dei principali dominanti nel panorama della città.

Michelangelo è morto a Roma all'età di 89 anni. Il suo corpo è stato esportato di notte a Firenze e sepolto nella più antica chiesa della città natale di Santa Croce. L'importanza storica dell'arte di Michelangelo, il suo impatto sui contemporanei e per le successive epoche è difficile da sovrastare. Alcuni ricercatori stranieri lo interpretano come il primo artista e l'architetto barocco. Ma soprattutto è interessante come un corriere delle grandi tradizioni realistiche del Rinascimento.

George Barbarelli Sì Castelfranco, sul soprannome Georgeon (1477-1510), - seguace diretto del suo insegnante e un tipico pittore ad alto revival. Si rivolse agli argomenti della letteratura, alle trame del mitologico sul terreno veneziano. Paesaggio, natura e bel corpo umano nudo sono diventati oggetto dell'arte e oggetto di culto.

Già nella prima famosa opera di "Madonna Castelfranko" (circa 1505), Georgeon sembra essere stabilito dall'artista; L'immagine della Madonna è piena di poesia, sognante premurosa, è permeato dall'umore della tristezza, che è caratteristico di tutte le immagini femminili di Georgeon. Negli ultimi cinque anni della sua vita, l'artista ha creato i suoi migliori lavori eseguiti nella tecnologia petrolifera, il principale nella scuola veneziana in quel momento. . Nel dipinto del 1506, Gorzone raffigura una persona come parte della natura. Allattazione della bambina, un giovane con uno staff (che può essere preso per un guerriero con Alabard) non sono combinati da alcuna azione, ma sono collegati in questo maestoso paesaggio con umore comune, una condizione mentale comune. I pesi massimi e la poesia sono permeati dall'immagine di "Venere addormentato" (circa 1508-1510). Il suo corpo è scritto facilmente, liberamente, elegante, non c'è da stupirsi che i ricercatori parlino della "musicalità" delle rime Georgeon; Non è privato del fascino sensuale. "Concerto rurale" (1508-1510)

Tiziano Veerieierio (1477? -1576) - Treast Artist del Rinascimento Veneziano. Ha creato opere e i terreni mitologici, e i grafici cristiani, lavoravano nel genere del ritratto, il suo talento colorato esclusivamente, l'ingenuità composito è inesauribile, e la sua felice longevità gli ha permesso di lasciare dietro il più ricco patrimonio creativo, che aveva un'enorme influenza sui discendenti .

Già nel 1516, diventa il primo pittore della Repubblica, dagli anni '20 - l'artista più famoso Venezia

Intorno al 1520, il Duca di Ferrarsky gli ordina un ciclo di dipinti in cui Tiziano appare al cantante dell'antichità, che riuscì a sentire, la cosa principale, per incarnare lo spirito del paganesimo ("Vakhanalia", "Vacanza Venere", "Vakh e Ariadna ").

La ricca patricia veneziana ordinava immagini di altare Tiziano, e crea enormi icone: "Ascensione di Maria", "Madonna Pesaro"

"Introduzione di Maria nel tempio" (circa 1538), "Venere" (circa 1538)

(Ritratto di gruppo di Papa Paolo III con Napes Ottavio e Alexander Farnese, 1545-1546)

Scrive ancora molto sulle antiche storie ("Venere e Adonis", "Shepherd e Nymph", "Diana e Akteon", "Giove e Akteon"), ma si rivolge sempre più ai temi del cristiano, alle quinte del martirio, In quale allegria pagana, l'armonia antica dell'armonia è sostituita da una tragica maidosmosi ("laurea di Cristo", "strisciando Maria Maddalena", "St. Sebastian", "lutto"),

Ma alla fine del secolo, le caratteristiche dell'imminente nuova era nell'arte, una nuova direzione artistica è già ovvia. Questo è visto dall'esempio della creatività dei due artisti più grandi della seconda metà di questo secolo - Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, soprannominato Veronese (viene da Verona, 1528-1588), era destinato a diventare l'ultimo cantante della festiva, sfortunata Venezia del XVI secolo.

: "Pier nella casa di Levi" "Matrimonio a Cana Galilea" per il monastero forestale di San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusto, noto nell'arte come Tintoretto (1518-1594) ("Tintoretto" -Crashlar: il padre dell'artista era un dente di seta). "Miracolo del Santo Marco" (1548)

("Salvare Arsinoe", 1555), "Introduzione al tempio" (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro a Pyombino, Villa Rotonda a Vicenza, completata dopo la sua morte da parte degli studenti sul suo progetto, molti edifici di Vicenza). Il risultato del suo studio dell'antichità è stato i libri di "antichità romane" (1554), "quattro libri sull'architettura" (1570-1581), ma l'antichità era "organismo vivente" per lui, secondo l'equa osservazione del ricercatore .

La rinascita dei Paesi Bassi nella pittura inizia con i fratelli "Gent altare" fratelli Gubert (morti nel 1426) e Yana (circa 1390-1441) Wang Eyki, rifinito da Jan Eyk nel 1432. Wang Eyki Equipaggiamento di petrolio migliorato: l'olio ha permesso di trasmettere di più Glitter, profondità, ricchezza del mondo oggettivo, attirando l'attenzione degli artisti olandesi, la sua colorata siero.

Dal numeroso Madonn Yana Wang Eyka è il più famoso "Madonna Rollen Chancellor" (circa 1435)

("Uomo con un garofano"; "uomo in turbante", 1433; ritratto della moglie dell'artista Margarita van Eyk, 1439

Molto per risolvere tali problemi, l'arte olandese è obbligata da Rogir van Der Wayden (1400? -1464) "rimozione dalla croce" - un tipico lavoro di Vaiden.

Sulla seconda metà del XV secolo. Rappresenta il lavoro del Master of Exclusive Diving Gogo van der Gus (circa 1435-1482) "Morte di Maria").

Jerome Bosch (1450-1516), il creatore di cupo visioni mistiche in cui si rivolge al allegorismo medievale, "Giardino del piacere"

La cima del Paesi Bassi il Rinascimento è stata indubbiamente la creatività di Peter Bruegel senior, soprannominata Menitsky (1525 / 30-1569) ("cucina magra", "grasso della cucina"), fama speciale dai discendenti "Paesaggio invernale" meritato dal "Seascape dell 'anno "ciclo (altro il nome è" cacciatori di neve ", 1565)," Battaglia di Carnevale e Post "(1559).

Albrecht Dürera (1471-1528).

"Collezione vacanze" (altro nome - "Madonna con Rosario", 1506), "Rider, Death and Devil", 1513; "St. Jerome "e" malinconia ",

Hans Golbien Jr. (1497-1543), "Triumph of Death" ("Dance of Death") Ritratto di Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Gru rinascimentali Lucas (1472-1553),

Jean Fuku (circa 1420-1481), ritratto di Charles VII

Jean Clue (circa 1485 / 88-1541), figlio Francois Clue (circa 1516-1572)-Ampio artista della Francia XVI secolo. Ritratto di Elizabeth austriaco, circa 1571, (ritratto di Heinrich II, Mary Stewart, ecc.)