Descrizione della rivolta pittorica nel villaggio di ivanova. Ivanov, Sergey Vasilievich (artista)

Cominciamo con le ragioni per trasferirsi in Siberia. La ragione principale del reinsediamento nell'era post-riforma è economica. I contadini credevano che avrebbero vissuto meglio in Siberia che in patria, perché in patria tutta la terra adatta è già stata arata, la popolazione sta crescendo rapidamente (1,7-2% all'anno) e la quantità di terra per persona è in corrispondente diminuzione, in Siberia, l'offerta di terreni idonei alla coltivazione è praticamente infinita. Laddove tra i contadini si diffondevano voci di una vita ricca in Siberia, c'era un desiderio di reinsediamento. I campioni del reinsediamento erano la terra nera, ma le province di Kursk, Voronezh e Tambov densamente popolate e molto povere. È interessante notare che i contadini non chernozem (e soprattutto del nord) erano inclini a trasferirsi in misura molto minore, sebbene fossero privati ​​dei benefici della natura: preferivano sviluppare vari tipi di lavoro extra non agricolo.

Gli sfortunati personaggi della foto hanno viaggiato dalla provincia di Tambov alla Siberia su questo piccolo carro? Ovviamente no. Quel tipo di hardcore finì nel lontano 1850. La ferrovia raggiunse Tyumen nel 1885. Coloro che desideravano trasferirsi in Siberia si recavano alla stazione più vicina al loro luogo di residenza e ordinavano un vagone merci. In una macchina del genere, piccola (6,4x2,7 m) e non isolata, era proprio che - in condizioni terribili e al freddo - una famiglia di contadini con un cavallo, una mucca, una scorta di grano (per il primo anno e la semina) e fu collocato fieno, attrezzi e oggetti per la casa. L'auto si muoveva a una velocità di 150-200 km al giorno, cioè il viaggio da Tambov durava un paio di settimane.

Era necessario arrivare a Tyumen il più presto possibile per l'apertura dell'Irtysh, cioè entro l'inizio di marzo, e attendere la deriva del ghiaccio (che sarebbe potuta accadere immediatamente o in un mese e mezzo) . Le condizioni di vita per i coloni erano spartane - baracche di legno primitive e per i più sfortunati - capanne di paglia sulla riva. Vi ricordiamo che a marzo fa ancora freddo a Tyumen, fino a -10 in media.

Passò un cumulo di ghiaccio, e da Tyumen, giù per l'Irtysh e poi su per l'Ob, partirono pochi e costosi piroscafi (un piroscafo è costoso e difficile da costruire su un fiume che non comunica con il resto del paese né via mare né in treno). C'era una disperata mancanza di spazio sui piroscafi, quindi trascinarono lungo una linea di chiatte prive di ponte. Le chiatte, che non avevano nemmeno un riparo elementare dalla pioggia, erano così piene di gente che non c'era posto dove sdraiarsi. E anche tali chiatte non erano sufficienti per tutti, e per rimanere fino al secondo viaggio a Tyumen - per saltare l'intera estate, in cui era necessario organizzare l'economia. Non sorprende che l'imbarco sui piroscafi, a causa della disorganizzazione e delle passioni ribollenti, assomigli all'evacuazione dell'esercito di Denikin da Novorossijsk. La maggior parte dei coloni (ce n'erano 30-40 mila all'anno), diretti ad Altai, scese dal piroscafo nel Barnaul in rapida crescita, e se l'acqua era alta, anche oltre, a Biysk. Da Tyumen a Tomsk via acqua 2400 km, a Barnaul - più di 3000. Per un vecchio piroscafo, che si trascina a malapena lungo le numerose fessure nella parte superiore del fiume, sono da un mese e mezzo a due mesi.

La parte via terra più breve del viaggio è iniziata a Barnaul (o Biysk). I posti disponibili per l'insediamento erano ai piedi dell'Altai, a 100-200-300 km dal molo. I coloni acquistarono carri realizzati da artigiani locali al molo (e quelli che non portavano con sé un cavallo - e cavalli) e partirono. Naturalmente, l'intero inventario contadino e lo stock di semi non possono stare su un carrello (nel caso ideale, sollevando 700-800 kg), ma il contadino ha bisogno di un solo carrello nella fattoria. Pertanto, coloro che desideravano stabilirsi più vicino al molo diedero la loro proprietà per il deposito e fecero diversi viaggi, e coloro che partirono per un viaggio più lontano noleggiarono almeno un'altra carrozza.

Questa circostanza può spiegare l'assenza nel carro del migrante nell'immagine degli oggetti ingombranti necessari per il contadino: aratri, erpici, grano in sacchi. O questa proprietà è immagazzinata in un capannone di stoccaggio sul molo e sta aspettando un secondo viaggio, o il contadino ha noleggiato un carro e ha mandato con esso suo figlio adolescente e una mucca, e lui stesso, con sua moglie, sua figlia e l'inventario compatto, è andato rapidamente al sito di insediamento proposto per scegliere un sito per se stesso.

Dove esattamente e su quale base legale si sarebbe stabilito il nostro migrante? Le pratiche che esistevano a quel tempo erano diverse. Alcuni seguirono il percorso legale e furono attribuiti alle società rurali esistenti. Mentre le comunità siberiane (che consistevano degli stessi coloni degli anni precedenti) avevano una grande scorta di terra, accettavano di buon grado i nuovi arrivati ​​per niente, poi, dopo aver analizzato le terre migliori, per un biglietto d'ingresso, e poi iniziarono a rifiutare del tutto. In una quantità assolutamente insufficiente, il tesoro ha preparato e segnato le aree di reinsediamento. Ma la maggior parte dei coloni nell'era descritta (1880) erano impegnati nell'auto-sequestro della terra dello stato (ma del tesoro completamente inutile), fondando audacemente fattorie e villaggi illegali. Il tesoro non capiva come documentare la situazione attuale e semplicemente chiudeva gli occhi, non interferendo con i contadini e non cacciandoli dalla terra - fino al 1917, le terre dei coloni non furono mai registrate come proprietà. Tuttavia, ciò non ha impedito all'erario di tassare i contadini illegali su base generale.

Quale destino avrebbe aspettato il migrante se non fosse morto? Nessuno avrebbe potuto prevederlo. Circa un quinto degli immigrati di quell'epoca non riuscì a stabilirsi in Siberia. Non c'erano abbastanza mani, non abbastanza soldi e attrezzature, il primo anno di agricoltura si è rivelato un raccolto sterile, una malattia o la morte di membri della famiglia - tutto ciò ha portato al ritorno in patria. Allo stesso tempo, molto spesso, la casa dei rimpatriati veniva venduta, i soldi venivano spesi, cioè tornavano a stabilirsi con i loro parenti, e questo era il fondo sociale del villaggio. Nota che coloro che hanno scelto la via legale, cioè coloro che hanno lasciato la loro società rurale, si sono trovati nella posizione peggiore: i loro compaesani semplicemente non potevano accettarli di nuovo. I clandestini avevano almeno il diritto di tornare indietro e ottenere la loro assegnazione. Coloro che hanno messo radici in Siberia hanno avuto una serie di successi: la distribuzione alle famiglie ricche, medie e povere non differiva significativamente dal centro della Russia. Senza entrare nei dettagli statistici, possiamo dire che pochi si sono davvero arricchiti (e quelli che stavano bene in patria), mentre gli altri sono andati diversamente, ma comunque meglio della loro vita precedente.

Cosa accadrà ora alla famiglia del defunto? Per cominciare, va notato che la Russia non è il selvaggio West e che il defunto non può essere semplicemente sepolto lungo la strada. In Russia, tutti coloro che vivono al di fuori del luogo di registrazione hanno un passaporto e la moglie ei figli si inseriscono nel passaporto del capofamiglia. Di conseguenza, la vedova ha bisogno di mettersi in qualche modo in contatto con le autorità, seppellire suo marito con un prete, rilasciare un certificato di nascita, ottenere nuovi passaporti per sé e per i suoi figli. Considerando l'incredibile scarsità e lontananza dei funzionari in Siberia e la lentezza delle relazioni postali ufficiali, la risoluzione di questo problema può richiedere a una povera donna almeno sei mesi. Durante questo periodo, tutti i soldi saranno spesi.

Successivamente, la vedova dovrà valutare la situazione. Se è giovane e ha un figlio (o figli adolescenti che sono già entrati in età lavorativa), possiamo consigliarle di risposarsi sul posto (non c'erano sempre abbastanza donne in Siberia) - questa sarà l'opzione più prospera. Se la probabilità del matrimonio è piccola, allora la povera donna dovrà tornare in patria (e senza soldi, questo percorso dovrà essere fatto a piedi, chiedendo l'elemosina lungo la strada) e lì in qualche modo si abituerà ai parenti. Una donna single non ha possibilità di avviare una nuova fattoria indipendente senza un uomo adulto (sia a casa che in Siberia), la vecchia fattoria è stata venduta. Quindi la vedova non piange invano. Non solo suo marito è morto, ma tutti i suoi piani di vita relativi all'ottenimento dell'indipendenza e dell'indipendenza sono stati infranti per sempre.

È interessante notare che l'immagine non rappresenta affatto la fase più difficile del viaggio dell'immigrato. Dopo un viaggio invernale in un vagone merci non riscaldato, la vita in una capanna sulle rive del ghiacciato Irtysh, due mesi sul ponte di una chiatta sovraffollata, un viaggio sul proprio carro attraverso la steppa in fiore era più relax e divertimento per la famiglia . Sfortunatamente, il povero non ha potuto sopportare le precedenti difficoltà ed è morto durante il viaggio, così come circa il 10% dei bambini e il 4% degli adulti di coloro che si erano trasferiti in Siberia in quell'epoca. La sua morte può essere associata a un ambiente di vita difficile, disagio e condizioni antigieniche che hanno accompagnato il reinsediamento. Ma, sebbene questo non sia ovvio a prima vista, l'immagine non indica la povertà: la proprietà del defunto molto probabilmente non è limitata a un piccolo numero di cose nel carrello.

L'appello dell'artista non è stato vano. Dall'apertura della ferrovia siberiana (metà degli anni 1890), le autorità iniziarono gradualmente a prendersi cura dei coloni. Furono costruite le famose auto "Stolypin": vagoni merci isolati con stufa in ferro, pareti divisorie e cuccette. Alle stazioni di raccordo sono comparsi insediamenti con assistenza medica, bagni, lavanderie e alimentazione gratuita dei bambini piccoli. Lo stato iniziò a delimitare nuovi appezzamenti di terreno per gli sfollati, emettere prestiti per la pulizia della casa e concedere agevolazioni fiscali. 15 anni dopo che il dipinto è stato dipinto, scene così terribili sono diminuite notevolmente, anche se, naturalmente, il reinsediamento ha continuato a richiedere un duro lavoro ed è rimasto una seria prova di forza e coraggio umani.

Sulla mappa, puoi tracciare il percorso da Tyumen a Barnaul via acqua. Permettetemi di ricordarvi che nel 1880 la ferrovia terminò a Tyumen.

La giovane generazione degli Itineranti ha dato un grande contributo allo sviluppo dell'arte democratica russa, riflettendo in modi diversi la fase proletaria del movimento di liberazione in Russia. Il contenuto ideologico, i mezzi espressivi dell'arte si sono notevolmente arricchiti, gli individui creativi si sono manifestati in vari modi.

S. A. Korovin(1858-1908). Il tema contadino attraversa tutto il lavoro di Sergei Alekseevich Korovin. La stratificazione della campagna russa, l'emergere di kulaki mangiatori di mondi che opprimevano i contadini senza terra, sono vividamente ed espressivamente rivelate nel suo dipinto "Sul mondo" (1893, ill. 181). Il villaggio è apparso qui completamente nuovo: non c'è un ex patriarcato, è cambiato anche l'aspetto esteriore dei contadini, sono cambiati i rapporti tra loro. Korovin ha lavorato a lungo sulla composizione, ha scritto molti schizzi. L'occhio attento di un artista che conosceva bene la moderna psicologia contadina è visibile in ogni cosa.

La composizione introduce immediatamente lo spettatore nello spazio dell'immagine, rivelando la trama: una discussione tra un povero e un pugno. E la colorazione, sostenuta in una tonalità grigio-ocra, trasmette lo stato di una giornata nuvolosa, accentuando il contenuto drammatico della trama.

Lo stato d'animo generale di coloro che si sono riuniti al raduno è mostrato in modo veritiero e convincente. La maggior parte non è ancora in grado di comprendere l'essenza dei cambiamenti avvenuti insieme all'invasione della vita del villaggio da parte dell'ordine capitalista. La folla di contadini è costretta dal silenzio, su alcuni volti - smarrimento. Dubbio pesante è espresso nel vecchio seduto con le spalle allo spettatore.

Korovin contrappose all'isolamento della folla dei contadini l'aperta manifestazione di sentimenti tra i contendenti stessi. Il volto del povero, distorto dal dolore, il movimento brusco della figura raffigurano l'angoscia mentale di una persona spinta alla disperazione. Sotto forma di pugno: calma, ipocrisia e astuzia.

In modo profondo e accurato, evitando dettagli meschini, ma trasmettendo accuratamente la situazione, Korovin rivela il significato delle contraddizioni sociali nelle campagne, rivelando una distinta posizione civica. Il significato artistico e cognitivo dell'immagine è grande: questo documento dell'epoca rivive nelle immagini.

A. E. Arkhipov(1862-1930). Tra i più giovani Wanderers, spicca l'artista dal talento distintivo Abram Efimovich Arkhipov. Veniva da contadini e conosceva bene la vita forzata del popolo. La maggior parte delle sue opere, come quelle di S.A. Korovin, sono dedicate al tema contadino. Sono laconici nella composizione e sono sempre pieni di luce, aria, reperti pittoreschi.

In uno dei primi dipinti di Arkhipov, "Una visita agli ammalati" (1885), l'attenzione è rivolta a una rappresentazione attenta e veritiera della vita di una povera famiglia di contadini ea una triste conversazione tra due anziane. Il paesaggio solare nella porta aperta parla di una nuova ricerca coloristica.

Un'opera eccezionale fu il dipinto "Lungo il fiume Oka" (1889, ill. 182), dove Arkhipov raffigurava un gruppo di contadini seduti su una chiatta. Sono così caratteristici, dipinti con tale calore e conoscenza dei personaggi popolari, e il paesaggio estivo è così luminoso e bello che il dipinto è stato accolto dai contemporanei come una rivelazione artistica.

Arkhipov amava la modesta bellezza della natura russa e la catturò poeticamente. Un sentimento profondamente lirico permeava il suo "Reverse" (1896). La composizione è originariamente costruita: la carrozza è tagliata per metà dal bordo inferiore della tela, l'autista si siede con le spalle allo spettatore - sembra che noi stessi stiamo guidando lungo questo ampio campo, la campana suona e un cuore libero la canzone sta diluviando. I toni rosati del cielo che sbiadisce, il colore tenue dell'erba e la strada polverosa trasmettono sottilmente l'atmosfera di un giorno che muore e una tristezza leggera e inesplicabile.

Arkhipov dedica l'immagine di una lavoratrice al dipinto "Lavoratori giornalieri in una fonderia di ferro" (1896); Più chiaramente, la quota senza speranza del lavoratore russo si riflette in una delle migliori opere di Arkhipov, Le lavandaie, conosciuta in due versioni: nella Galleria di Stato Tretyakov e nel Museo di Stato russo (fine degli anni 1890, illustrazione XIII).

L'artista trasporta lo spettatore nel seminterrato buio e soffocante di una squallida lavanderia, dipingendolo in frammenti. La composizione sembra strappata alla vita. Come se per caso lanciassimo un'occhiata in questa stanza e ci fermassimo prima dello spettacolo di apertura. Con rapidi ampi tratti di toni sbiaditi, Arkhipov ha trasmesso le figure delle lavandaie che lavorano, il pavimento bagnato della lavanderia, l'aria satura di umidità, la luce fosca che si riversa dalla finestra. Indimenticabile l'immagine di un'anziana in primo piano, accovacciata per riposare: la schiena piegata stancamente, la testa che le cade sulla mano, una pesante meditazione sul viso. L'artista sembra parlare del destino di tutti i lavoratori.

Riflettendo la vita squallida di un popolo che lavora, Arkhipov non ha mai perso la fiducia nella sua forza inesauribile, speranza per un futuro migliore. Un brillante inizio ottimista ha dominato la maggior parte delle sue opere, che è particolarmente evidente nel 1900, alla vigilia dei grandi eventi rivoluzionari.

Nei paesaggi settentrionali di Arkhipov, ci sono motivi semplici e, a prima vista, insignificanti di natura aspra. Capanne solitarie, il confine del cielo, ora trasparente, ora nuvoloso, la superficie liscia del fiume. Ma che fascino trae l'artista da questi motivi e dalla modesta scala di grigi! I dipinti di Arkhipov sono intrisi di un vigoroso sentimento di affermazione della vita di una semplice persona russa, nata in stretta comunicazione con la sua natura nativa.

Il sole splendente pervade le opere di Arkhipov, dedicate alla vita contadina. Le sue tele colorate esprimono ammirazione per la salute fisica e morale del popolo russo. Non è un caso che la sua tavolozza sia cambiata, diventando più contrastata e generosamente decorativa. Arkhipov continuò questa serie di lavori dopo la Grande Rivoluzione Socialista d'Ottobre.

S. V. Ivanov(1864-1910). Uno dei successori più coerenti delle tradizioni del realismo critico fu Sergei Vasilievich Ivanov. Nelle nuove condizioni storiche, ha potuto vedere le profonde contraddizioni della realtà russa e, con le sue opere, ha risposto a molte domande dolorose.

Ivanov dedicò una vasta serie di opere alla dura sorte dei contadini-migranti, alle loro peregrinazioni forzate in Russia. Il triste destino della famiglia, che ha perso il suo capofamiglia, si riflette nella migliore immagine di questa serie: "On the Road. Death of an Immigrant" (1889, ill. 184).

Con un incorruttibile senso della verità, S. V. Ivanov conduce una storia pittoresca piena di sinceri contenuti. L'intera scena, i dettagli quotidiani accuratamente selezionati sono scritti con una mano attenta e danno alla trama l'autenticità di un evento vivente che si svolge sotto i nostri occhi. La scala delle figure in relazione allo spazio del paesaggio è stata magistralmente ritrovata: andando verso l'orizzonte lontano, ricorda un lungo e faticoso viaggio lungo la terra arida dal caldo. Una persona sola, indifesa, sofferente in mezzo al silenzio della natura è l'essenza dell'intenzione creativa dell'artista.

All'inizio degli anni 1890, Ivanov divenne uno dei primi cronisti della lotta rivoluzionaria in Russia. Nel 1889 dipinse il dipinto "Riot in the Village", che racconta la crescente protesta sociale tra i contadini, e nel 1891 - "Stage". La terribile vista dei prigionieri sdraiati fianco a fianco sul pavimento al punto di transito, a piedi nudi incatenati, ha stupito l'artista. Solo in fondo ti accorgi dello sguardo penetrante di qualche detenuto rivolto a te.

A metà degli anni 1890, Ivanov si rivolge spesso a temi della storia russa dei secoli XVI-XVII. Nei suoi dipinti storici ci sono caratteristiche comuni al lavoro della maggior parte dei pittori contemporanei: l'interpretazione quotidiana dei soggetti e la decoratività del colore. Ma a differenza di molti, Ivanov non ha perso interesse per il lato sociale di ciò che ha ritratto. Tali, ad esempio, sono i dipinti "L'arrivo degli stranieri nella Mosca del XVII secolo" (1901, ill. 185), che trasmettono perfettamente l'aspetto storicamente corretto dell'antica capitale e i caratteri dei suoi abitanti, e "Zar. 16th Century" (1902), che fu percepito dai contemporanei come un'autocrazia dell'immagine satirica.

Gli eventi della rivoluzione del 1905-1907 catturarono Ivanov e provocarono una nuova impennata creativa. Già alla vigilia dedicò il dipinto "Lo sciopero" agli operai in rivolta della fabbrica. Tuttavia, il suo talento si è manifestato nella tela relativamente piccola "Shooting" (1905). È una delle opere più significative che rifletteva il sanguinoso massacro dello zarismo sul popolo. Questa è un'immagine severa e laconica, costruita sul contrasto di chiari piani pittoreschi.

Sulla tela c'è una piazza deserta, bagnata dal sole della sera, racchiusa da una fila di case in ombra, e una sagoma scura e solitaria di un lavoratore assassinato. Da questo grande piano luminoso e dalla figura immobile, l'artista conduce l'occhio dello spettatore nelle profondità. A sinistra, le prime file dei cosacchi sono viste nel fumo di polvere, a destra i manifestanti. Lo stendardo rosso - il punto più luminoso - fa risaltare questa parte della composizione. Si ha l'impressione di un evento vivo, tragico, che si svolge davanti ai nostri occhi.

La pittura di Ivanov è percepita come un simbolo non solo del sanguinoso massacro del popolo insorto, come intendeva l'artista, ma dell'intero destino della prima rivoluzione russa, brutalmente represso dallo zarismo.

N. A. Kasatkin(1859-1930). Uno studente di V.G. Perov, Nikolai Alekseevich Kasatkin, nei suoi primi lavori, si è rivolto a immagini popolari e soggetti drammatici. Presto il tema principale della sua opera fu la vita della classe operaia e la lotta rivoluzionaria del proletariato russo.

Già nel 1892, Kasatkin dipinse il quadro "Hard", raffigurante un triste incontro di un giovane lavoratore ferito con la sua sposa, una povera sarta. L'espressione di tristezza e ansia sul volto della ragazza contrasta con la determinazione e la fiducia del lavoratore. Inizialmente, il dipinto si chiamava "Petrel", ma l'artista fu costretto a cambiare il nome per motivi di censura. Eppure, il contenuto politico della tela ha raggiunto lo spettatore, ricordando gli scioperi costantemente in fiamme.

Nello stesso anno, Kasatkin ha visitato per la prima volta il bacino di Donetsk e da allora per nove anni è stato costantemente tra i minatori, ha studiato la loro vita e il loro lavoro. All'inizio erano diffidenti nei confronti dell'artista, scambiandolo per una spia inviata, ma poi si innamorarono sinceramente. Lo hanno aiutato molto nel lavorare su immagini che l'arte russa non conosceva ancora.

Il primo lavoro di Kasatkin sulla vita dei minatori di Donetsk è stato il dipinto Collecting Coal by the Poor in a Depleted Mine (1894). Immagini vivaci tipiche, disegno preciso e pittura modesta, sostenuta nel tono generale, contraddistinguono questa tela.

Lo stesso Kasatkin scese sottoterra, osservò le incredibili condizioni di vero duro lavoro dei minatori e scrisse con amarezza: "... dove un animale non può lavorare, viene sostituito da un uomo". Questa idea si riflette nel piccolo dipinto "Il minatore-Tyagolyk" (1896). Colore scuro con riflessi rossastri di lampade minerarie; come una bestia da soma, un operaio striscia sotto gli archi a strapiombo della deriva e tira una slitta carica di carbone.

Il risultato del lavoro di Kasatkin sul tema della vita di un minatore e di numerosi schizzi è il dipinto "Miners. Change" (1895, ill. 186). Fu la prima opera della pittura russa a mostrare la crescente solidarietà della classe operaia. Il debole bagliore delle lampade del minatore e il bianco tremolante degli occhi nell'oscurità impenetrabile aggiungono tensione all'immagine. Al centro della composizione c'è un anziano minatore. Con un calcio tra le mani, si dirige direttamente verso lo spettatore come una formidabile forza in arrivo.

In una serie di opere, Kasatkin ha rivelato il mondo spirituale del proletario oppresso in molti modi, con grande sentimento. L'artista ha raggiunto uno speciale potere di penetrazione nell'immagine nella tela "La moglie di un'operaia" (1901), rimossa dalla mostra dalla censura zarista.

Sembra che tutto il triste destino di una giovane, ma tantissima donna sopravvissuta, sia catturato in una figura stancamente cadente, in uno sguardo fisso, in una mano che le è caduta sulle ginocchia. Uno stato d'animo difficile viene trasmesso su un viso stanco. Qui c'è dolore, amarezza e rabbia incipiente - tutto ciò che era naturalmente associato agli eventi politici di quel tempo e faceva riflettere lo spettatore. I colori degli abiti, sobri nel tono, sono immersi in un ambiente grigio-ocra. Il pallore terroso del viso è enfatizzato da un foulard bianco gettato sulle spalle.

Il grande merito di Kasatkin è che ha visto non solo la difficile situazione della classe operaia in Russia, ma è stato in grado di notare e incarnare la sua forza, energia e ottimismo. Dall'immagine del "Minatore" (1894, ill. 187) si respira poesia di vita, giovinezza, salute fisica e mentale. Il caldo colore argento di questa tela è armonioso. Il movimento senza sforzo della figura, dolcemente inscritto nel paesaggio luminoso, è sorprendentemente vero.

Kasatkin, che conosceva bene la vita e l'umore degli operai, simpatizzava profondamente con loro, salutava con entusiasmo la rivoluzione del 1905-1907. Aveva fretta di catturare nuove situazioni e immagini, alla ricerca di nuovi soggetti. Molti schizzi, schizzi e dipinti sono il risultato di un grande lavoro creativo.

Nelle difficili condizioni di un tempo turbolento, non tutto ciò che ha colpito Kasatkin ha potuto trovare una mostra completa e completa, ma ognuno, anche un abbozzo sommario, aveva un importante valore documentario e artistico. I dipinti dell'artista, realizzati in quel periodo, sono significativi nel loro contenuto ideologico e testimoniano la ricerca di una composizione emotivamente intensa. Un esempio è il dipinto "L'ultimo viaggio di una spia" (1905).

Kasatkin ha lavorato con entusiasmo alla composizione a più figure "Attacco della fabbrica da parte delle lavoratrici" (1906), in cui è stata sviluppata una complessa azione drammatica. Il movimento di una folla enorme e ribollente, una varietà di gesti sono qui trasmessi con espressione. Si ricordano alcuni schizzi di questo dipinto, in particolare l'immagine di una donna anziana arrabbiata che invoca una rivolta.

Il significato esclusivamente ideologico e artistico della piccola tela "Operaio-Combattente" (1905, ill. 188). Kasatkin vide e catturò il tipo caratteristico di un partecipante attivo alla prima rivoluzione russa. Aspetto, postura, andatura, viso severo - tutto parla del mondo spirituale di una persona dei tempi moderni - coraggio e risolutezza, calma e inflessibilità, consapevolezza dell'importanza del proprio obiettivo e nobile modestia. Una persona del genere potrebbe davvero andare a capo dei distaccamenti rivoluzionari militanti. L'immagine riecheggia l'eroe della storia "Madre" di AM Gorky.

L.V. Popov(1873-1914). Lukyan Vasilyevich Popov appartiene anche ai rappresentanti più giovani degli Itineranti. Con particolare sensibilità notò i mutamenti sociali delle campagne, che in quel momento stavano penetrando attivamente nei sentimenti rivoluzionari. I suoi dipinti "Verso il tramonto. Agitatore in campagna" (1906), "In campagna (Alzati, alzati! ..)" (1906-1907, ill. 183), "Socialisti" (1908), intriso di ardore simpatia per gli eroi coraggiosi e coraggiosi - un vero documento della vita contadina alla vigilia e al periodo della rivoluzione del 1905-1907.

La creatività di A.P. Ryabushkin e M.V. Nesterov era anche associata alle tradizioni degli Itineranti. Tuttavia, nelle loro opere, in un modo speciale e prima del tempo, sono apparse nuove ricerche creative, che sono diventate tipiche dell'arte della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.

A.P. Ryabushkin(1861-1904). Andrei Petrovich Ryabushkin può essere definito un artista folk. Tutta la sua vita e il lavoro dopo gli anni da studente trascorsi alla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura, nonché all'Accademia delle Arti, si sono svolte nel villaggio. La sua arte fu una sorta di reazione ai processi storici di capitalizzazione in Russia, quando "le vecchie fondamenta dell'economia e della vita contadine, fondamenta che avevano resistito davvero per secoli, furono demolite con straordinaria velocità". Ryabushkin ha poeticizzato l'antichità cara al suo cuore, il tradizionale modo di vivere quotidiano, le caratteristiche stabili dell'immagine nazionale.

* (Lenin V. I. Lev Tolstoj come specchio della rivoluzione russa. - Pieno. collezione cit., v. 17, p. 210.)

I dipinti di genere di Ryabushkin sono caratterizzati da caratteristiche di calma e silenzio. Raffigurando l'ambientazione patriarcale di un matrimonio di villaggio ("L'attesa degli sposi da una corona nella provincia di Novgorod", 1891), l'artista sottolinea la gravità e la dignità dei contadini seduti.

Nel 1890, Ryabushkin è apparso come il maestro originale della pittura storica e quotidiana russa. Nel lontano passato della Russia, era più attratto dalla vita quotidiana della vecchia Mosca. La rivitalizzazione regna durante il disgelo primaverile nel dipinto "Mosca Street del XVII secolo in vacanza" (1895). Ecco una ragazza in una casa estiva rossa, che trasporta con cura una candela, e ragazzi rustici in lunghe vesti, e un boiardo arrogante che guida lungo una strada sporca, e un mendicante cieco. Abiti colorati decorati con ornamenti russi, riflessi blu del cielo nelle pozzanghere, cupole multicolori delle chiese e generale vivacità di movimento rendono questa immagine festosa.

La brillante personalità di Ryabushkin è stata espressa in modo più completo nei dipinti del 1901 "Stanno andando" (Fig. 189) e "Il treno nuziale a Mosca (XVII secolo)" (Fig. 190). Il primo, caratterizzato da una composizione audace e insolita, raffigura gli abitanti di Mosca in attesa di stranieri. Questo è, per così dire, un frammento strappato all'immagine della vita del popolo russo nel XVII secolo. I loro volti mostravano curiosità, ingenuità e autostima. Grandi macchie di colore di caftani di arcieri gialli, rossi e verdi e abiti colorati di cittadini conferiscono all'immagine un tono importante e un carattere decorativo pronunciato.

Il dipinto "Treno nuziale a Mosca (XVII secolo)" è intriso della poesia dell'antichità russa. Il silenzio di una sera primaverile, nella foschia lilla di cui è immersa Mosca, e la figura solitaria di una triste donna moscovita, sono contrastati da un magnifico treno festivo che passa rapidamente. L'abbozzo del dipinto, in contrasto con il paesaggio più densamente dipinto, l'alleggerito, come un affresco, la colorazione, il ritmo sottilmente trovato nell'intero gruppo centrale - tutto ciò ha permesso a Ryabushkin di trasmettere in modo imparziale l'aspetto quotidiano di una città russa di tempi lontani .

Tea Party (1903) di Ryabushkin, scritto un anno prima della sua morte, è insolitamente espressivo e capiente. Questo è un lavoro di natura socialmente critica. Se prima per i suoi dipinti di genere Ryabushkin selezionava il positivo, il gentile, il bello nella vita contadina, ora raffigurava il mondo del villaggio ricco. C'è qualcosa di filisteo prosperità nell'eleganza e nella fredda formalità del bere il tè; nel grottesco delle immagini, nella rigidità della plastica pittorica insolita per Ryabushkin, che ricorda gli antichi Parsun, si legge il rifiuto dell'artista di questo mondo alieno.

M. V. Nesterov(1862-1942). Periodo di creatività pre-rivoluzionario complesso e contraddittorio Mikhail Vasilyevich Nesterov.

Ha iniziato la sua carriera nell'arte con dipinti di genere simili ai Wanderers, ma alla fine degli anni 1880 si è verificato un brusco cambiamento nel suo lavoro. L'artista entra nel mondo del bello idealmente, cantando la purezza dei sentimenti religiosi, raffigurando gli abitanti di monasteri ed eremi.

Il vecchio eremita Nesterov nel dipinto "L'eremita" (1888-1889), vagando lentamente lungo la riva di un lago liscio come uno specchio, è infinitamente lontano dalle preoccupazioni della vita. La sua immagine è indissolubilmente legata alla bellezza di una natura serena, alla sua serena tranquillità.

Il paesaggio gioca un ruolo enorme nel lavoro di Nesterov. Il poeta della natura russa Nesterov, essendo in grado di penetrare profondamente nel mondo interiore dell'uomo, collega sempre le esperienze dei suoi personaggi con lo stato e la natura del paesaggio.

Nel dipinto "Visione al giovane Bartolomeo" (1889-1890, ill. 191), l'unico personaggio è un giovane pallido con le mani magre serrate convulsamente in estasi di preghiera. Ma il personaggio principale dell'artista è ancora il paesaggio della striscia della Russia centrale, la natura spiritualizzata, dove l'artista dà veramente vita ad ogni filo d'erba, ognuno partecipa alla glorificazione della patria.

Alla fine del 1890 - all'inizio del 1900, l'artista ha creato una serie di dipinti dedicati al tragico destino di una donna russa, sottomessa e sofferente ("Oltre il Volga", "Sulle montagne"). In The Great Vows (1898), mostra la triste processione degli abitanti di un piccolo skit, annidato in una fitta foresta, che scorta una giovane donna, ancora piena di forze, al monastero. Volti addolorati, sagome scure di figure, luci tremanti di enormi candele ... C'è una profonda tristezza, ma accanto ad essa c'è di nuovo il meraviglioso mondo della natura, le foreste vergini e le giovani betulle dal gambo sottile di Nesterov.

All'inizio del 1900, l'abilità di Nesterov come ritrattista prese forma. Qui, il lato realistico del lavoro dell'artista si è manifestato in modo più completo. La maggior parte dei ritratti di questo tempo, Nesterov dipinse sullo sfondo di un paesaggio, così come nei dipinti, affermando l'inestricabile connessione tra uomo e natura. Nel ritratto di O. M. Nesterova (1906, ill. 192), la figura di una ragazza in un'amazzone nera si staglia in una bella silhouette sullo sfondo di un paesaggio serale lirico. Graziosa e aggraziata, con uno sguardo profondo e leggermente sognante, questa ragazza incarna per l'artista l'ideale della giovinezza, la bellezza della vita e l'armonia.

Nel 1880, si formò il lavoro di tre eccezionali artisti russi: K. A. Korovin, M. A. Vrubel e V. A. Serov. Hanno definito in modo più completo le conquiste artistiche dell'epoca, la sua complessità e ricchezza.

V. A. Serov(1865-1911). Il più grande artista tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo fu Valentin Aleksandrovich Serov. Il suo lavoro ha continuato lo sviluppo dell'arte realistica, approfondendo il suo contenuto e ampliando le sue possibilità espressive.

L'arte di Serov è brillante e diversificata. Prima di tutto è un maestro del ritratto psicologico, pittorico e grafico, ma il suo talento si è manifestato anche nel paesaggio, nel genere storico, nell'illustrazione di libri, nell'arte decorativa e monumentale. Fin dall'infanzia, Serov è stato circondato dall'atmosfera dell'arte. Suo padre, A.N.Serov, è un famoso compositore e musicista, sua madre è una pianista di talento. Gli insegnanti di Serov erano I.E. Repin e P.P. Chistyakov all'Accademia delle Arti. Il primo contribuì notevolmente alla formazione dei fondamenti democratici dell'opera di Serov e al risveglio dell'interesse per lo studio curioso della vita; al secondo dovette una profonda comprensione delle leggi professionali della forma.

I primi lavori di Serov - i suoi famosi ritratti "Ragazza con pesche" (1887, ill. X) e "Ragazza illuminata dal sole" (1888) - glorificavano il giovane artista e caratterizzavano pienamente l'arte del primo Serov.

"La ragazza con le pesche" è stata scritta in "Abramtsevo", la tenuta di S. I. Mamontov, con sua figlia Vera. In questo eccellente ritratto, l'immagine creata dall'artista, a causa della completezza vitale del contenuto, supera la struttura del ritratto individuale, incarnando il principio universale. In un'adolescente con un viso serio e uno sguardo severo, nella sua calma sobrietà e spontaneità, l'artista è riuscita a trasmettere l'alta poesia di una giovinezza luminosa e pura.

Questo ritratto è sorprendentemente bello nella sua pittura. È scritto in piena luce, molto leggero e materico allo stesso tempo. I suoi colori trasparenti, insolitamente puliti, pieni di luce e aria, trasmettono vividamente i riflessi dell'illuminazione. La freschezza della colorazione di "Ragazze con pesche", che un tempo così stupiva i contemporanei, così come la naturale semplicità della composizione premurosa, mettevano l'immagine alla pari con le migliori opere della pittura mondiale.

Serov sviluppa lo stesso tema della giovinezza in The Girl in the Sunshine. Il contenuto del ritratto è la stessa gratificante sensazione della bellezza spirituale di una persona e della pienezza del suo essere.

Gli anni 1890: la fase successiva del lavoro di Serov. Durante questi anni, l'artista scrive più spesso persone d'arte, e ora vuole prima di tutto rivelare la loro individualità creativa. Con lo sguardo intento speciale di NS Leskov (1894), trasmette la vigilanza di uno scrittore realista indagatore. La pensosità di II Levitan è affine ai sentimenti poetici dell'artista, la disinvoltura della postura di KA Korovin (1891, ill. 193) è una sorta di espressione della libertà e dell'immediatezza della sua arte.

Nel 1880, oltre ai ritratti, Serov dipinse anche paesaggi. Molto spesso, ha trovato motivi ad Abramtsevo e Domotkanovo, dove si trovava la tenuta dei suoi amici Derviz. Negli anni 1890, l'immagine della semplice natura rurale iniziò a prendere un posto crescente nel lavoro paesaggistico di Serov. Spesso l'artista introduce nei suoi dipinti figure di contadini, come per avvicinare il paesaggio al genere della vita quotidiana ("October. Domotkanovo", 1895, ill. 194, "Donna con cavallo", 1898). IE Grabar chiamava l'artista "Serov contadino" proprio per i suoi paesaggi. In essi si esprimeva con particolare chiarezza la democrazia della sua arte.

Nel 1900, il lavoro di Serov divenne notevolmente più complesso. Il posto principale in esso è ancora occupato dai ritratti. Inoltre, continua a dipingere paesaggi, opere su illustrazioni per le favole di I.A.Krylov, iniziate negli anni '90 dell'Ottocento. La pittura storica e monumentale-decorativa è ormai costantemente inserita nella cerchia dei suoi interessi.

Nel 1900, il lavoro di ritratto di Serov divenne molto più vario. Ai ritratti di persone a lui vicine si aggiungono numerosi ritratti cerimoniali secolari. L'artista rimane ancora incorruttibilmente veritiero nelle sue caratteristiche e inesorabilmente esigente con se stesso, non permettendo la minima disattenzione o umidità nella sua performance. Come prima, la base della sua arte del ritratto rimane la divulgazione psicologica dell'immagine, ma ora Serov sta concentrando la sua attenzione sulle caratteristiche sociali dei modelli. Nei ritratti dei principali rappresentanti dell'intellighenzia russa, lui, con maggiore chiarezza di prima, cerca di catturare ed enfatizzare le loro qualità sociali più tipiche ed eccezionali. Nel ritratto di A. M. Gorky (1905, ill. 195), per la semplicità del suo intero aspetto, per gli abiti di un artigiano, per il gesto di un agitatore, l'artista sottolinea il democratismo dello scrittore proletario. Il ritratto di M. N. Ermolova (1905, ill. 196) è una sorta di maestoso monumento alla famosa attrice tragica. E l'artista subordina tutti i mezzi espressivi all'identificazione di questo pensiero. L'atrio del palazzo di Ermolova, in cui posa per Serov, è percepito come un palcoscenico, e grazie al riflesso nello specchio di un frammento del colonnato, anche come auditorium. La stessa Ermolova, nel suo abito nero austero e solenne, ornato solo da un filo di perle, è maestosa e ispiratrice.

I ritratti di Serov dei suoi nobili clienti sono completamente diversi. I ritratti cerimoniali degli Yusupov, S.M. Botkina, O.K. Orlova (Fig. 197) e molti altri ricordano i ritratti del XVIII - prima metà del XIX secolo, in cui sono dipinti con brillante abilità arredi raffinati ed eleganti abiti da donna. Nel ritrarre le persone stesse, Serov ha sottolineato le loro qualità sociali tipiche che caratterizzano la classe a cui appartenevano. Questi ritratti, come ha detto V. Ya. Bryusov, sono sempre una prova dei contemporanei, tanto più terribile in quanto l'abilità dell'artista rende questa prova perentoria.

Tra questi ritratti di Serov, uno dei primi posti è occupato dal ritratto di M.A.Morozov (1902), raffigurato sullo sfondo del soggiorno della sua villa splendidamente arredata. Quest'uomo è istruito, noto per il suo ampio mecenatismo e la sua comprensione dell'arte, ma la base del commerciante di denaro del tempo di Ostrovsky è ancora viva in lui. Eccolo qui, come un vivente, questo mercante europeizzato della fine del XIX secolo, che riempie il formato stretto della tela con una figura pesante e guarda dritto davanti a sé con uno sguardo penetrante. Il potere di Morozov non è solo una sua proprietà personale, ma tradisce in lui un industriale, proprio come l'arroganza della principessa O.K. Orlova la rende una tipica rappresentante dei circoli aristocratici dell'alta società dell'inizio del XX secolo. Serov ha raggiunto una grande espressività dei ritratti durante questo periodo grazie alla ricchezza dei mezzi pittorici utilizzati, il modo artistico vyryirovanie, a seconda delle caratteristiche dell'opera che si sta creando. Così, nel ritratto del banchiere V.O. Girshman (1911) Serov è laconico in modo simile a un poster, e nel ritratto della principessa Orlova il suo pennello diventa raffinato e freddo.

Come accennato in precedenza, un posto significativo nell'opera di Serov nel 1900 è occupato dal lavoro sulle composizioni storiche. È particolarmente affascinato dallo sviluppo tempestoso e rapido della vita della Russia ai tempi di Pietro. Nel miglior dipinto di questo ciclo, Pietro I (1907, ill. 198), l'artista raffigura Pietro come un potente riformatore dello stato. Non è un caso che sia molto più alto dei satelliti in altezza. Il movimento impetuoso di Peter e dei cortigiani che a malapena gli tengono il passo, il ritmo teso delle linee angolari impetuose che delineano nettamente le sagome, l'agitazione del paesaggio - tutto ciò crea l'atmosfera dell'era tempestosa di Peter.

Affascinato dalla bellezza vivente della Grecia, che Serov visitò nel 1907, lavorò a lungo e con entusiasmo anche su soggetti mitologici (Il rapimento di Europa, Ulisse e Nausicaa). Come sempre, costruisce queste opere sulla base di un lavoro a grandezza naturale, un'attenta osservazione. Ma, risolvendoli nei termini di un monumentale pannello decorativo, l'artista in qualche modo semplifica e primitivizza la forma plastica, pur conservando la vitalità dell'impressione.

Una delle opere significative di Serov della fine degli anni 1890 - inizi del 1900 - una serie di illustrazioni delle favole di I.A.Krylov - è stata oggetto della sua instancabile preoccupazione e attenzione. L'artista ha superato la descrittività che lo ostacolava nei fogli del periodo iniziale di lavoro sulle favole, e ha acquisito una saggia concisione ed espressività di una forma sapientemente trovata. I migliori di questi fogli sono capolavori dell'arte di Serov. Seguendo Krylov, l'artista non ha distrutto l'allegoria delle favole e ha cercato di trasmettere il loro significato morale nei suoi disegni. Nelle immagini degli animali sono state rivelate qualità puramente umane: il leone di Serov è sempre l'incarnazione della forza, dell'intelligenza e della grandezza, l'asino, come previsto, è la personificazione della stupidità, la lepre è un codardo incorreggibile.

I l. 199.V.A. Serov. "Soldati, bambini coraggiosi, dov'è la vostra gloria?" K., tempera. 47,5 X 71,5. 1905. RM

Il lavoro di Serov lo caratterizza come un artista democratico, in prima linea tra le figure progressiste della cultura russa. Serov dimostrò fedeltà ai principi democratici non solo con la sua arte, ma anche con la sua posizione sociale, specialmente durante la rivoluzione del 1905-1907. Come testimone di Bloody Sunday il 9 gennaio, si è dimesso dalla piena appartenenza all'Accademia delle Arti, perché il comandante delle truppe che ha rimproverato il popolo era il presidente dell'Accademia - il granduca Vladimir Alexandrovich. Una forte protesta contro la violenza e la crudeltà dell'autocrazia si sente anche negli audaci disegni incriminanti dell'artista pubblicati su riviste satiriche durante i giorni della rivoluzione ("Soldati, bambini coraggiosi, dov'è la vostra gloria?" (Fig. 199), " Viste della vendemmia", "Accelerazione della manifestazione").

K. A. Korovin(1861-1939). Konstantin Alekseevich Korovin è uno di quei maestri che aprono nuove strade nell'arte e il cui lavoro è una scuola per molti artisti delle generazioni successive.

Korovin è uno studente della Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, il laboratorio di paesaggi di A.K.Savrasov, V.D. Polenov. Il suo lavoro si è formato nella corrente principale della pittura plein air russa del 1880 ("Il ponte", "Idillio settentrionale", "Al balcone. Donne spagnole Leonora e Ampara", ill. XI).

Dal 1890, è giunto il momento della maturità creativa di Korovin. Il suo talento è altrettanto vividamente rivelato sia nella pittura da cavalletto, principalmente nel paesaggio, sia nell'arte teatrale e decorativa.

Il fascino dell'arte di Korovin risiede nel calore, nella luce del sole, nella capacità dell'artista di trasmettere impressioni direttamente e vividamente, nella generosità della sua tavolozza, nella ricchezza coloristica della pittura artistica.

Negli stessi anni 1890, si verificarono cambiamenti significativi nell'opera di Korovin. Cerca di trasmettere il visibile a volte in modo impressionista. L'osservazione a lungo termine della natura lascia il posto alla trasmissione delle sue sensazioni. Anche la struttura pittorica e plastica dell'arte di Korovin sta cambiando. Cresce il ruolo delle forme di studio della pittura, mentre la pittura stessa diventa più impulsiva, pastosa, ampia; il colore acquista una grande sonorità, intensità e ricchezza decorativa ("Inverno", 1894, ill. 200; "Estate", 1895; "Rose e viole", 1912, ill. 201; "Vento", 1916).

La creatività teatrale di Korovin si è formata nell'ambiente delle figure dell'opera privata russa S. I. Mamontov, ma ha raggiunto la massima fama lavorando nei teatri imperiali tra il 1900 e il 1910. Per più di vent'anni, Korovin ha diretto la produzione del Teatro Bolshoi. Partecipò attivamente alla lotta contro il conservatorismo e la routine che regnavano sulla scena di stato, portando in questi teatri un'alta cultura artistica e, insieme ad altri famosi maestri, elevò l'importanza di un artista teatrale al livello di un coautore della commedia. Korovin è un brillante maestro di scenari pittoreschi, efficaci, emotivi, realistici. Le performance che ha ideato sono state davvero una gioia per gli occhi.

Le migliori opere teatrali di Korovin sono solitamente associate a temi nazionali, con la Russia, la sua epica e fiaba, la sua storia e, soprattutto, con la sua natura (opera di N. A. Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, 1909; opera di M. P. Musorgsky Khovanshchina , 1911 ).

M. A. Vrubel(1856-1910). La natura è stata generosa con Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Lo ha dotato di brillanti capacità coloristiche, un raro dono di un monumentalista, ha dipinto magnificamente, il volo della sua immaginazione è davvero sorprendente. Il lavoro di Vrubel è profondamente significativo e complesso. Era sempre preoccupato per gli alti ideali e i grandi sentimenti umani. Sognava di "svegliare l'anima dalle piccole cose della vita quotidiana con immagini maestose". La sua arte, estranea all'indifferenza, è sempre romanticamente eccitata e piena di sentimento.

Ma gli ideali di Vrubel si sono sviluppati nelle dure condizioni della vita circostante. Volendo allontanarsi dalle sue urlanti contraddizioni, l'artista ha cercato di ritirarsi nel mondo delle immagini astratte. Tuttavia, essendo un grande artista, non riusciva ancora ad isolarsi dalla realtà. La sua arte lo riflette, porta le caratteristiche dell'epoca.

Anche nei suoi anni da studente, Vrubel era diverso dai suoi coetanei. Camminò verso la maestria, quasi aggirando la timidezza e la rigidità della scuola. Ciò si manifestò nelle sue composizioni multifigurate su un determinato tema, per lui insolitamente facili ("Il fidanzamento di Maria con Giuseppe"), e nella sua scioltezza nella tecnica dell'acquerello e nella sottile plasticità dei suoi ritratti.

Un ruolo importante nella formazione del lavoro di Vrubel è stato svolto dal suo insegnante P.P. Chistyakov, che ha instillato in lui una comprensione costruttiva della forma nell'arte, così come artisti progressisti, membri del circolo Abramtsevo. Queste connessioni, così come la successiva conoscenza di N. A. Rimsky-Korsakov, Vrubel deve all'aggiunta di fondazioni nazionali nel suo lavoro.

Vrubel ha trascorso quattro anni all'Accademia delle Arti. Nel 1884 partì per Kiev per restaurare e rinnovare i dipinti murali della chiesa di San Cirillo. Già in queste opere e negli schizzi non realizzati per i dipinti della Cattedrale di Vladimir si rivela l'enorme dono dell'artista. Utilizzando le tradizioni della pittura bizantina e dell'antica Russia, l'arte rinascimentale, Vrubel rimane profondamente originale. L'espressione enfatizzata dei sentimenti, il colore intenso, il temperamento della scrittura conferiscono alle sue immagini un dramma speciale.

Nel 1889 Vrubel si trasferì a Mosca. Da quel momento, è giunto il momento del suo periodo di massimo splendore creativo. Parla correntemente molti generi artistici. Questo è un dipinto da cavalletto, un'illustrazione di un libro, un pannello decorativo monumentale e uno scenario teatrale. Vrubel attinge molto dalla natura, è appassionato di maioliche. L'artista migliora instancabilmente le sue capacità, è sicuro che "la tecnica è il linguaggio dell'artista", che senza di essa non sarà in grado di raccontare alla gente i suoi sentimenti, la bellezza che ha visto. L'espressività delle sue opere è ulteriormente esaltata dalla pittura dinamica, scintillante, come un gioiello, dal colore, dal disegno ispirato.

Il tema del Demone, ispirato al poema di M. Yu. Lermontov, diventa uno dei temi centrali nell'opera di Vrubel. Catturato dall'alto romanticismo del poema, lo illustra (Tamara nella tomba, 1890-1891) e crea immagini dei personaggi centrali che sono vicine a Lermontov per spirito, forza espressiva e abilità. Allo stesso tempo, l'artista conferisce loro caratteristiche di maggiore espressività e fragilità, che presto diventeranno il segno del suo tempo. Per più di dieci anni, Vrubel ritorna ancora e ancora all'immagine del Demone. La sua evoluzione è una sorta di tragica confessione di un artista. Immaginò questo spirito malvagio del cielo come bello, orgoglioso, ma infinitamente solo. Dapprima potente, nel fiore degli anni, credendo ancora che avrebbe trovato la felicità sulla terra ("The Demon Sitting", 1890, ill. XIV), il Demone viene poi raffigurato come invitto, ma già spezzato, con il corpo spezzato , disteso tra le fredde montagne di pietra ("Il Demone sconfitto", 1902). Nei suoi occhi ardenti di rabbia e nella bocca ostinatamente serrata, c'è uno spirito ribelle e un tragico destino.

Negli anni 1890, un altro tema, primordialmente russo, il folklore, divenne gradualmente dominante nell'opera di Vrubel. L'artista è ancora attratto da eroi titanici forti, ma ora portano bontà e pace. Nel pannello monumentale e decorativo "Mikula Selyaninovich" (1896) Vrubel ritrasse l'eroe epico come un semplice contadino, vedendo in lui la personificazione del potere della terra russa. Tale è il "Bogatyr" (1898), come se fosse fuso con il suo cavallo, un potente cavaliere - non un guerriero, ma vigilantemente a guardia della pace della sua patria.

Le favolose immagini di Vrubel sono bellissime. Combinano felicemente la verità dell'osservazione, la poesia profonda, il sublime romanticismo e la fantasia trasformatrice di tutto ciò che è ordinario. È indissolubilmente legata alla natura. Infatti, la spiritualizzazione della natura, la sua personificazione poetica è alla base dei racconti di Vrubel. Misteriosamente, il suo "Verso la notte" (1900). In "Pan" (1899, ill. 204), raffigurante il dio delle foreste dai piedi caprini, c'è molta umanità. Nei suoi occhi sbiaditi, già sbiaditi da molto tempo, brillano sia la gentilezza che la saggezza secolare. Allo stesso tempo, è come un tronco di betulla rianimato. I riccioli grigi sono come riccioli di corteccia bianca e le dita sono nodi nodosi. "The Swan Princess" (1900, ill. 203) è sia una ragazza-principessa dagli occhi azzurri con una lunga treccia fino alla vita che un uccello di una bellezza regale con ali di cigno, che nuota nel mare blu.

Grandi pensieri e sentimenti, un'ampia gamma di immaginazione hanno trascinato Vrubel nel mondo dell'arte monumentale ed è diventata una delle direzioni principali del suo lavoro. A partire dagli anni Novanta dell'Ottocento, trovata la forma di pannelli monumentali e decorativi, l'artista li eseguì per ordine di illuminati committenti (tavola "Spagna", ill. 202, "Venezia", ​​serie dedicata al poema di Goethe "Faust"). Nonostante l'integrità monumentale della forma, hanno sempre mantenuto la sottigliezza del design plastico e la profondità psicologica dell'immagine.

I ritratti di Vrubel si distinguono anche per la loro originalità e significato artistico. Sono profondi e molto espressivi; l'artista ha dato a ogni modello una spiritualità speciale, e talvolta anche un dramma. Tali sono i ritratti di S. I. Mamontov (1897), il poeta Valery Bryusov (1906), numerosi autoritratti (ad esempio, 1904, ill. 205) e i ritratti di sua moglie, la famosa cantante N. I. Zabela-Vrubel.

Gli ultimi dieci anni della sua vita furono dolorosi per Vrubel. Il suo meraviglioso dono ha combattuto a lungo con una grave malattia mentale. Non riuscendo più a tenere in mano un pennello, dipinge molto, colpendo l'ambiente circostante con la purezza delle forme strutturali del disegno. La vista svanì gradualmente. Vrubel morì all'apice dei suoi poteri creativi.

V. E. Borisov-Musatov(1870-1905). La tendenza alla poeticizzazione delle immagini, caratteristica dell'arte russa degli anni 1890 - inizio 1900, ha trovato espressione nell'opera di Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Il suo talento lirico iniziò a manifestarsi fin dai primi anni da studente in immagini gentili di natura poetica, ma solo dalla fine degli anni 1890 fu determinato il cerchio dei temi preferiti di Musatov e il sistema figurativo-pittorico della sua arte. Con tutte le sue forze, l'artista si sforza di comprendere l'armonia nel mondo e, non vedendola in giro, cerca di ricrearla nella sua immaginazione.

Le migliori opere di Musatov - "Spring" (1901), "Pond" (1902, ill. 206), "Collana di smeraldi" (1903-1904). L'artista è ancora vicino alla natura, ma sembra reincarnarsi nelle immagini elegiache del suo sogno spirituale, come le immagini del simbolismo letterario, perde la chiarezza dei contorni della vita nella vaghezza dei contorni e nell'instabilità delle macchie di colore. Abita i suoi parchi minacciosi con ragazze lente, come se sognassero, le veste con abiti d'altri tempi, le avvolge intorno a loro e tutto intorno a loro con un velo di leggera tristezza.

"Mondo dell'arte"- un fenomeno significativo nella vita artistica russa alla fine del XIX - inizio del XX secolo, che ha svolto un ruolo importante nello sviluppo non solo delle belle arti in Russia, ma anche del teatro, della musica, dell'architettura e delle arti applicate.

La culla del "Mondo dell'arte" era un circolo dell'intellighenzia di Pietroburgo, sorto negli anni '90 dell'Ottocento. Comprendeva gli artisti A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. Alla fine di questo decennio, il "Mondo dell'Arte" prende forma come associazione ideologica e artistica. Vi ha partecipato V.A. Serov, che lo ha sostenuto con la sua autorità. EE Lansere e MV Dobuzhinsky si sono uniti al nucleo del gruppo giovane. Un grande ruolo organizzativo è stato svolto da S.P.Dyagilev, dedito agli interessi dell'arte. Dal 1899 al 1904 i personaggi del "Mondo dell'Arte" pubblicarono una rivista letteraria e d'arte. Tuttavia, non era uniforme nella sua messa a fuoco. Il suo dipartimento artistico, guidato da eccezionali maestri delle arti visive, differiva nettamente da quello letterario-filosofico, che aveva un carattere simbolista-religioso.

Il mondo degli artisti considerava il loro obiettivo principale il rinnovamento dell'arte russa, il miglioramento della sua cultura artistica, abilità e ampia familiarità con le tradizioni del patrimonio straniero e nazionale. Hanno lavorato molto e fruttuosamente non solo come artisti, ma anche come storici dell'arte, critici, divulgatori dell'arte classica e contemporanea.

Il mondo dell'arte ha svolto un ruolo particolarmente importante nella vita artistica russa nel primo periodo della sua esistenza, che è durata circa dieci anni. Gli artisti Mir hanno organizzato vaste mostre di arte nazionale e straniera, sono stati gli iniziatori di molte iniziative artistiche. Si dichiararono poi oppositori sia dell'accademismo di routine che della vita quotidiana meschina di alcuni successivi Itineranti.

Nella loro pratica creativa, il Mondo degli Artisti procedeva da osservazioni di vita specifiche, raffiguranti la natura e l'uomo contemporanei, e da materiali storici e artistici, facendo riferimento alle loro trame retrospettive preferite, ma allo stesso tempo cercavano di trasmettere il mondo in una forma trasformata , in forme decorative in rilievo e la ricerca dell'arte sintetica del "grande stile" era considerata il compito principale.

Nei primi anni di vita dell'associazione, il Mondo degli Artisti ha reso omaggio all'individualismo che permeava la cultura europea di quegli anni, e alla teoria dell'"arte per l'arte". Successivamente, nel decennio pre-rivoluzionario, hanno ampiamente rivisto le loro posizioni estetiche, riconoscendo l'individualismo come distruttivo per l'arte. Durante questo periodo, il modernismo divenne il loro principale nemico ideologico.

In due tipi di arte, gli artisti del "Mondo dell'Arte" hanno ottenuto successi particolarmente significativi: in quello teatrale e decorativo, che incarnava il loro sogno dell'armonia delle arti, della loro sintesi, e nella grafica.

La grafica attrasse il mondo dell'arte come una delle forme d'arte di massa, rimasero anche colpiti dalle sue forme da camera, diffuse in quegli anni in molti tipi di arte. Inoltre, la grafica richiedeva un'attenzione speciale, poiché era molto meno sviluppata della pittura. Infine, anche i risultati nel settore della stampa nazionale hanno contribuito allo sviluppo della grafica.

I paesaggi della vecchia Pietroburgo e dei suoi sobborghi, la cui bellezza glorificava gli artisti, così come il ritratto, che nella loro opera occupava essenzialmente un posto uguale al pittoresco, diventavano l'originalità della grafica da cavalletto del mondo dell'arte. A.P. Ostroumova-Lebedeva ha dato un grande contributo alla grafica del primo Novecento; nel suo lavoro, l'incisione su legno si afferma come una forma d'arte indipendente. L'opera romantica di V.D. Falileev, che sviluppò l'arte dell'incisione su linoleum, era peculiare.

Il fenomeno più significativo nel campo dell'incisione è stato il lavoro di V. A. Serov. Si distinguevano per la loro semplicità, severità della forma e eccellente abilità nel disegno. Serov ha anche spinto in avanti lo sviluppo della litografia, creando una serie di notevoli ritratti con questa tecnica, caratterizzati dalla loro espressività con una straordinaria economia di mezzi artistici.

I maestri del Mondo dell'Arte hanno ottenuto un grande successo nel campo dell'illustrazione del libro, elevando la cultura artistica del libro ad un alto livello. Particolarmente significativo in questo senso è il ruolo di A. N. Benois, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin e altri hanno lavorato fruttuosamente nella grafica dei libri.

Le migliori realizzazioni dell'arte grafica all'inizio del secolo, e prima di tutto, "Il mondo dell'arte", contenevano le premesse per l'ampio sviluppo della grafica sovietica.

A. N. Benois(1870-1960). Alexander Nikolaevich Benois ha agito come ideologo del "Mondo dell'arte". Intelligenza, ampia educazione, versatilità di profonda conoscenza nel campo dell'arte caratterizzano Benoit. L'attività creativa di Benois è insolitamente versatile. Ha ottenuto molto nella grafica di libri e cavalletti, è stato uno dei principali artisti e personaggi del teatro, critici d'arte e critici d'arte.

Come altri World of Artists, Benoit preferiva temi di epoche passate. Fu un poeta di Versailles (le sue due serie Versailles sono le più note - "The Last Walks of Louis XIV", 1897-1898 e la serie 1905-1906, ill. 208). L'immaginazione creativa dell'artista ha preso fuoco quando ha visitato i palazzi e i parchi dei sobborghi di San Pietroburgo. La storia russa si riflette anche nell'opera di Benoit. Nel 1907-1910, insieme ad altri artisti russi, lavorò con entusiasmo a dipinti su questo argomento per la casa editrice I. Knebel ("Parata sotto Paolo I", 1907; "Uscita dell'imperatrice Caterina II nel palazzo di Tsarskoye Selo", 1909 ).

Benoit abitò le sue dettagliate composizioni storiche, eseguite con grande immaginazione e abilità, con piccole figure di persone e con cura, con amore, riprodusse i monumenti dell'arte e l'aspetto quotidiano dell'epoca.

Benoit ha dato un contributo importante alla grafica del libro. La maggior parte delle opere dell'artista in quest'area sono associate al lavoro di A.S. Pushkin. Nella sua opera migliore - illustrazioni per la poesia "The Bronze Horseman" (1903-1923), Benoit ha scelto la strada di un coautore, caratteristica del "World of Art". Ha seguito il testo riga per riga, anche se a volte ne ha deviato, introducendo le sue trame. Benois ha prestato l'attenzione principale alla bellezza della vecchia Pietroburgo, che è stata riscoperta dal mondo dell'arte, dopo Pushkin, raffigurante la città limpida e tranquilla, o romanticamente confusa nei terribili giorni delle inondazioni.

Anche le illustrazioni di Benois per "La dama di picche" di Pushkin sono state eseguite con grande abilità professionale. Ma si distinguono per un'interpretazione più libera del testo di Pushkin, a volte ignorando lo psicologismo che permea la storia.

Benois è stato impegnato in attività teatrali durante quasi tutta la sua vita creativa. Si è affermato come un eccellente artista teatrale, un sottile critico teatrale. Negli anni '10, al momento del suo apice creativo, Benois ha lavorato al Moscow Art Theatre insieme a K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko, spesso non solo come artista, ma anche come regista, e nei primi anni "Russian Seasons " in Europa ha svolto la direzione artistica in loro. Le sue opere teatrali si caratterizzano anche per l'accuratezza nella ricreazione delle caratteristiche artistiche e quotidiane dell'epoca, il rispetto dell'intento drammatico dell'autore e l'alto gusto artistico. Idea teatrale preferita di Benois - il famoso balletto di IF Stravinsky "Petrushka" (1911). Benoit possedeva non solo il suo design. Fu l'autore del libretto e partecipò attivamente alla sua produzione.

K. A. Somov(1869-1939). Il lavoro di Konstantin Andreevich Somov non è meno caratteristico del "Mondo dell'arte". A differenza di molti dei suoi colleghi nel "Mondo dell'arte", Somov ha ricevuto un'educazione artistica sistematica. Ha studiato all'Accademia delle Arti, dove ha scelto lo studio di I. E. Repin. Le forti capacità professionali che aveva acquisito qui, Somov ha instancabilmente affinato in futuro, e la sua brillante abilità presto divenne ampiamente nota.

Nei primi anni del suo lavoro, Somov seguì tradizioni realistiche (ritratto di suo padre, 1897). Nel dipinto "Lady in a Blue Dress" (ritratto dell'artista Ye. M. Martynova, 1897-1900), c'è anche una penetrazione psicologicamente sottile e profonda nell'immagine che porta il segno del tragico destino del giovane artista. Tuttavia, il desiderio di Somov di associarlo a un lungo passato (Martynova è vestito con un vestito vecchio), la scena che ha introdotto in sottofondo nello spirito del XVIII secolo, una scena di musica distrattamente eseguita da una signora e un gentiluomo, e una pittura che si è fatta più aspra, preannunciano una nuova ricerca per l'artista.

All'inizio del 1900, il lavoro di Somov si è finalmente formato. Come tutti gli artisti del mondo, dipinse volentieri paesaggi. Sempre partendo dalla natura, ha creato la sua immagine della natura, da pesce gatto, romanticamente elevata, con un sottile pizzo di fogliame congelato sugli alberi e un complesso motivo grafico dei loro rami, con una sonorità di colore potenziata. Ma il posto principale nel lavoro dell'artista è stato occupato da composizioni retrospettive. I loro personaggi abituali sono signore educate, simili a bambole con parrucche incipriate e crinoline. Insieme a gentiluomini languidi, sognano, si divertono, flirtano. Somov dipinse questi dipinti chiaramente sotto l'influenza dei vecchi maestri. La sua pittura diventa liscia, come laccata, ma sofisticata in chiave moderna ("Inverno. Pista di pattinaggio", 1915, ill. 210).

Il ritratto occupa un posto significativo nell'opera di Somov. La sua galleria di ritratti di rappresentanti dell'intellighenzia artistica è davvero un punto di riferimento del tempo. I migliori sono i ritratti di A. A. Blok (1907, ill. 209), M. A. Kuzmin e S. V. Rachmaninov. Si distinguono per accuratezza, espressività delle caratteristiche e abilità artistica delle prestazioni. L'artista, per così dire, eleva tutti i modelli al di sopra della vita quotidiana, dotandoli delle qualità ideali generali dell'eroe del suo tempo: intelligenza e raffinatezza.

E. E. Lancere(1875-1946). Evgeny Evgenievich Lansere è uno dei maestri poliedrici del mondo dell'arte. Era impegnato in pittura da cavalletto e monumentale, grafica, era un artista teatrale, creava schizzi per opere d'arte applicata. Il suo lavoro è caratteristico del "Mondo dell'arte" e, allo stesso tempo, una brillante originalità distingue Lanceray dal mondo dell'arte. Era anche attratto dal XVIII secolo, amava creare composizioni impressionanti su questo argomento, ma si distinguono per una maggiore varietà di interpretazione del contenuto e il democratismo delle immagini. Pertanto, il dipinto "Le navi dei tempi di Pietro I" (1909, 1911) è immerso nello spirito del romanzo eroico dell'epoca di Pietro il Grande, e la tempera "Imperatrice Elizaveta Petrovna a Tsarskoe Selo" (1905) è caratterizzata da una vita sobria verità di immagini.

Il posto più significativo nel lavoro di Lanceray è occupato dalla grafica: cavalletto, libro e rivista. Le sue opere grafiche sono eleganti, a volte con motivi sofisticati, intrise dello spirito dell'epoca e classicamente chiare. L'opera centrale dell'artista è una grande serie di illustrazioni per la storia di Lev Tolstoj "Hadji Murad". In essi, Lancer è riuscito a ricreare la saggia semplicità tolstoiana con il romanticismo dell'umore generale e i brillanti personaggi espressivi degli eroi. Più tardi, Lanceray ha lavorato molto e fruttuosamente come artista sovietico.

M. V. Dobuzhinsky(1875-1957). Come Lancer, Dobuzhinsky apparteneva alla generazione più giovane di artisti del World of Art. Il suo lavoro, come quello di Lanceray, è tipico di questa associazione e allo stesso tempo profondamente unico. Nell'arte del cavalletto, Dobuzhinsky preferiva il paesaggio urbano. Ma non era solo il suo cantante, ma anche uno psicologo, non solo lodava la sua bellezza, ma ritraeva l'altro lato della moderna città capitalista, fredda e meccanicistica, città del polpo ("Il diavolo", 1906), persone spiritualmente devastanti (" Uomo con gli occhiali" , 1905-1906).

Sia nella grafica del libro che nell'arte teatrale e decorativa, Dobuzhinsky è caratterizzato da un approccio psicologico individuale all'interpretazione dell'opera illustrata. L'artista in stile Andersen è gentile e spiritoso nei graziosi disegni a colori per la fiaba "Il guardiano dei porci", lirico e teneramente sentimentale nelle illustrazioni per "Poor Liza" di NM Karamzin e profondamente drammatico nella famosa serie di illustrazioni per la storia di FM Dostoevskij " Notti bianche" (1922). Le migliori opere teatrali di Dobuzhinsky sono quelle che ha eseguito al Moscow Art Theatre ("A Month in the Country" di I. S. Turgenev, 1909, "Nikolai Stavrogin" di F. M. Dostoevsky, 1913).

Il lavoro di molti maestri dell'inizio del secolo - V. A. Serov, Z. E. Serebryakova, I. Ya. Bilibin, B. M. Kustodiev, I. E. Grabar e altri - è collegato in un modo o nell'altro al "Mondo dell'arte". Nella stessa riga - e Nicholas Roerich(1874-1947) - un artista avanzato, scienziato, personaggio pubblico di spicco. Nell'ambiente artistico di quel tempo, Roerich distinse il suo amore per la storia e l'archeologia dell'antica Russia, per l'arte della Russia antica. Nel suo lavoro, si sforzò di penetrare nelle profondità dei secoli, nel mondo vivo e integrale dei lontani antenati, per collegarlo con il progressivo sviluppo dell'umanità, con gli ideali di umanesimo, eroismo e bellezza ("Ospiti d'oltremare" , 1902, illustrazione 211; "La città si costruisce", 1902).

"Unione degli artisti russi". L'Unione degli artisti russi (1903-1923) ha svolto un ruolo significativo nella vita artistica della Russia all'inizio del secolo. Il suo sfondo furono le "Mostre di 36 artisti", organizzate nel 1901 e nel 1902 a Mosca. L'Unione degli artisti russi è stata fondata su iniziativa dei moscoviti al fine di rafforzare la giovane organizzazione artistica. Molti maestri di spicco di entrambe le capitali divennero suoi membri, ma i pittori di Mosca continuarono a rimanere il nucleo dell'Unione degli artisti russi - K. A. Korovin, A. E. Arkhipov, S. A. Vinogradov, S. Yu. Zhukovsky, L. V. Turzhansky , AM Vasnetsov, SV Malyutin, AS Stepanov. A. Rylov, K. F. Yuon, I. I. Brodsky, F. A. Malyavin erano vicini all'"Unione degli artisti russi" nelle loro posizioni artistiche, partecipanti attivi alle sue mostre. Nel 1910, l'Unione degli artisti russi si sciolse. Dalla sua composizione è partito un gruppo di artisti di San Pietroburgo, che ha ripristinato il suo antico nome "The World of Art", un gruppo che ha cessato di esistere come unione espositiva nel 1903.

Il paesaggio è il genere principale nell'arte della maggior parte dei maestri dell'Unione degli artisti russi. Erano i successori della pittura paesaggistica della seconda metà del XIX secolo, ampliavano la gamma di argomenti: rappresentavano la natura della Russia centrale, il sud soleggiato e il nord aspro e le antiche città russe con i loro meravigliosi monumenti architettonici, e poetiche vecchie proprietà, spesso introdussero elementi del genere nelle loro tele, a volte nature morte. Traevano la gioia della vita dalla natura e amavano dipingere proprio dalla natura con un pennello ampio e capriccioso, succoso, luminoso e colorato, sviluppando e moltiplicando le conquiste del plein air e della pittura impressionista.

Nelle opere dei maestri dell'Unione degli artisti russi, l'individualità creativa di ciascuno era chiaramente espressa, ma avevano anche molte caratteristiche simili: un vivo interesse per una rapida copertura visiva del mondo, un desiderio di una composizione dinamica frammentaria, il offuscamento dei confini netti tra un dipinto compositivo e uno schizzo a grandezza naturale. La loro pittura era caratterizzata dall'integrità del rivestimento plastico-colorato della tela, un'ampia pennellata in rilievo che modellava la forma e la sonorità del colore.

Arte del 1905-1907. Gli eventi della prima rivoluzione russa, che hanno lasciato un'impronta sull'intero ulteriore corso della storia russa e mondiale, sono stati vividamente riflessi nelle arti visive. Mai prima d'ora l'arte russa ha avuto un ruolo così efficace nella vita politica del paese come in questi giorni. "I disegni stessi incitano alla rivolta" - così ha riferito il ministro degli Interni IN Durnovo in un rapporto allo zar.

Con la massima profondità, la rivoluzione del 1905-1907 si rifletteva nella pittura da cavalletto nelle opere di I. E. Repin ("Manifestazione in onore del 17 ottobre 1905"), V. E. Makovsky ("9 gennaio 1905 sull'isola Vasilievsky"), e I. Brodsky ("Il funerale rosso"), VA Serov ("Il funerale di Bauman"), SV Ivanov ("Sparatoria"). È già stato menzionato sopra delle numerose opere sul tema rivoluzionario di N. A. Kasatkin, in particolare su tele come "The Worker-Militant".

Nella rivoluzione del 1905-1907, la grafica satirica, la forma d'arte più mobile e di massa, raggiunse un periodo di massimo splendore senza precedenti. Ci sono 380 titoli noti di riviste satiriche pubblicate nel 1905-1907 per un totale di 40 milioni di copie. Grazie alla sua ampia portata, la rivoluzione ha radunato artisti di varie direzioni in un distaccamento ampio e amichevole. Tra i partecipanti alle riviste satiriche c'erano grandi maestri come V.A.Serov, B.M.Kustodiev, E.E. ...

La maggior parte delle riviste satiriche erano liberali. Il governo zarista, pur avendo emanato un manifesto sulla libertà di stampa, in realtà non consentiva la pubblicazione di giornali satirici e politici del partito bolscevico. L'unica rivista di orientamento bolscevico - "The Sting", a cui ha partecipato A. M. Gorky, è stata bandita dopo la pubblicazione del primo numero e la sua redazione è stata distrutta. Tuttavia, le migliori riviste satiriche del 1905-1907, per il loro contenuto incriminante, l'acutezza del pensiero politico di attualità e la propositività, erano di grande valore educativo.

Molto spesso, la loro satira, sia nel testo che nella parte pittorica, era diretta contro l'autocrazia. L'élite al potere in Russia e lo stesso zar Nicola II furono particolarmente duramente criticati. Diffuso anche il tema della denuncia delle sanguinose repressioni del governo zarista.

Una rivista molto coraggiosa di quegli anni era Machine Gun, che doveva molto all'intraprendenza e all'ingegnosità del suo editore N. G. Shebuev e dell'artista I. M. Grabovsky. Sulle sue pagine sono apparse ripetutamente immagini generalizzate dei partecipanti alla rivoluzione: un lavoratore, un soldato, un marinaio, un contadino. Sulla copertina di uno dei numeri di "Mitragliatrice", sullo sfondo delle ciminiere fumanti delle fabbriche, Grabowski ha collocato l'immagine di un lavoratore e ha scritto un'iscrizione significativa "Sua maestà operaia il proletario di tutta la Russia".

I l. 212. M. V. Dobuzhinsky. Idillio di ottobre. "Bogey", 1905, n° 1

Il tono di combattimento era caratteristico di molte riviste ("Spectator", il più duraturo di loro, "Goblin", "Bogey" e il suo sequel "Hell Post"). Nelle ultime due riviste hanno collaborato V. A. Serov e molte persone del mondo dell'arte. Entrambe queste riviste si distinguevano per l'abilità artistica delle loro illustrazioni. Il primo presentava le famose composizioni di Serov "Soldati, bambini coraggiosi, dov'è la tua gloria?" (Fig. 199), "Idillio di ottobre" di Dobuzhinsky (Fig. 212), Lansere - "Trizna" (Fig. 213); nel secondo - "Olimpo" di Kustodiev - caricature caustiche dei membri del Consiglio di Stato. Spesso i disegni delle riviste satiriche erano nella natura degli schizzi di tutti i giorni: scene sull'argomento del giorno. L'allegoria, che a volte utilizzava opere popolari da cavalletto di artisti russi, a volte immagini folcloristiche, era una forma comune di travestimento satira. L'attività della maggior parte delle riviste satiriche del 1905-1907 è nata dalla rivoluzione e si è congelata insieme al rafforzamento della reazione del governo.

Arte del 1907-1917. Il decennio precedente all'ottobre in Russia dopo la sconfitta della rivoluzione del 1905-1907 fu un periodo di dure prove, una dilagante reazione dei centoneri. Nel 1914 scoppiò la prima guerra mondiale imperialista. In condizioni difficili, il partito bolscevico raccolse le forze per l'offensiva e dal 1910 crebbe un'ondata di una nuova ondata del movimento rivoluzionario, erano in corso i preparativi per il rovesciamento dell'autocrazia. La Russia era alla vigilia dei più grandi eventi storici.

La situazione di tensione nel paese ha ulteriormente complicato la vita artistica russa. Molti artisti erano in preda a confusione, stati d'animo vaghi, impulsi appassionati ma infondati, esperienze soggettive infruttuose e la lotta tra le tendenze artistiche. Diverse teorie idealistiche si sono diffuse, separando l'arte dalla realtà e dalle tradizioni democratiche. Queste teorie furono oggetto di spietate critiche da parte di V.I.Lenin.

Ma anche in una situazione così difficile, lo sviluppo dell'arte realistica russa non si è fermato. Un certo numero di importanti itineranti e membri dell'Unione degli artisti russi hanno continuato a lavorare attivamente. Tra gli artisti delle più grandi associazioni creative vi sono state tendenze al riavvicinamento, punti di contatto in alcune questioni fondamentali. In questi anni il mondo dell'arte ha criticato l'individualismo diffuso, ha auspicato il rafforzamento di una scuola d'arte professionale, la loro ricerca di un'arte di grande stile è diventata ancora più propositiva. NK Roerich ha espresso l'idea che la lotta direzionale non esclude la possibilità di alzare la bandiera del "realismo eroico" corrispondente al tempo.

L'interazione dei singoli generi di pittura si è intensificata, l'eredità domestica e classica è stata ripensata, V.A. Nel decennio pre-rivoluzionario, fu creato solo un piccolo numero di dipinti di grandi dimensioni e significativi nel contenuto, ma non fu un caso che fu allora che apparve lo "Stepan Razin" di VI Surikov, che soddisfa l'alto obiettivo dell'arte nazionale: rispecchiano le grandi idee del nostro tempo. Una prova significativa del progresso dell'arte russa era il desiderio di numerosi pittori - AE Arkhipov, LV Popov, KS Petrov-Vodkin, ZE Serebryakova e altri - di collegare l'immagine della gente con il pensiero della Patria, con la loro nativa terra. ...

Z. E. Serebryakova(1884-1967). Zinaida Evgenievna Serebryakova ha cantato nelle sue opere migliori la vita contadina di un popolo lavoratore. L'eredità di A.G. Venetsianov e dei grandi maestri del Rinascimento ha svolto un ruolo importante nella formazione della sua arte. La severità delle immagini monumentali, l'armonia e l'equilibrio della composizione, i colori solidi e densi contraddistinguono i suoi migliori dipinti. Spiccano la "Vendemmia" (1915) e "Lo sbiancamento della tela" (1917, ill. XII), in cui le figure mostrate dal basso sono così grandi e il ritmo dei movimenti è maestoso. La tela è percepita come un monumento al lavoro contadino.

K.S. Petrov-Vodkin(1878-1939). Nel primo periodo del suo lavoro Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin ha reso omaggio alle tendenze simboliste astratte. Uno studio approfondito delle migliori tradizioni del Rinascimento europeo e, soprattutto, della linea dell'arte russa che può essere tracciata nelle opere dei pittori dell'antica Russia ha aiutato l'artista a mostrare una visione democratica del mondo. Nelle tele "Madre" (1913 e 1915, ill. 214) e "Mattina" (1917), le immagini delle contadine riflettono l'elevata purezza morale del mondo spirituale del popolo russo. Il dipinto "Bathing the Red Horse" (1912) è intriso di una premonizione di imminenti cambiamenti sociali. La composizione laconica, la dinamica dello spazio, la severità classica del disegno e l'armonia del colore, costruite sui colori principali dello spettro, corrispondono al sublime contenuto ideologico.

P.V. Kuznetsov(1878-1968). All'inizio della sua carriera, anche Pavel Varfolomeevich Kuznetsov ha sperimentato l'influenza del simbolismo. La suite kirghisa delle sue tele (Mirage in the Steppe, 1912, ill. 215; Sheep Shearing, 1912) riflette l'interpretazione poetica dell'immagine di una persona che lavora nel mondo che lo circonda. Storie di vita semplici, gesti senza fretta e volti calmi di persone impegnate nel consueto lavoro nella loro terra natale, la struttura musicale del colore, la solennità del paesaggio: tutto ricrea un'immagine olistica e armoniosa.

I l. 215. P.V. Kuznetsov. Miraggio nella steppa. X., tempera. 95 X 103.1912. Galleria Tretyakov

M. S. Saryan(1880-1972). In una serie di dipinti basati sulle impressioni dei viaggi nei paesi dell'Est, Martiros Sergeevich Saryan poeticizza anche la vita popolare che ha raffigurato ("Via. Mezzogiorno. Costantinopoli", 1910; "Palma da datteri. Egitto", 1911, ecc. ). Le sue opere laconiche sono costruite su sagome luminose e a tinta unita, contrasti di ritmo, luce e ombra. Le vernici sono decisamente decorative, i piani spaziali sono chiaramente disegnati. La poesia delle immagini dell'arte di Saryan è determinata dalla sua capacità di preservare un vivido senso della vita con l'intensa sonorità e la bellezza della tavolozza pittoresca.

Le migliori opere degli artisti sopra menzionati, che in seguito diedero un contributo inestimabile all'arte sovietica, aprirono la prospettiva per l'ulteriore sviluppo dell'arte monumentale realistica, la cui creazione apparteneva già a una nuova era storica.

Ritratti nel decennio pre-rivoluzionario, le immagini con una psicologia approfondita non hanno ricevuto uno sviluppo così ampio come nel periodo precedente, ma numerosi esempi mostrano il loro arricchimento nel lavoro di maestri eccezionali. Basti ricordare gli autoritratti di V.I.Surikov e M.V. Nesterov, dove il complesso mondo spirituale di un uomo d'arte con le sue ansie, la meditazione sulla vita, o le acute caratteristiche del ritratto di V.A.

La continuazione di questa linea di ritrattistica può essere vista nelle opere di S. V. Malyutin (ad esempio, ritratti di V. N. Baksheev, 1914, ill. 216, K. F. Yuon, 1916). Posa, postura, gesto ed espressioni facciali trasmettono carattere, testimoniano la straordinaria personalità dei rappresentanti dell'arte russa. Il ritratto di A.M. Gorky (1910) I.I.Brodsky dipinto nello stesso piano.

Il dipinto "La monaca" (1908, ill. 218) di BM Kustodiev è significativo nella sua interpretazione psicologica dell'immagine. Sebbene l'autore non si sia prefissato il compito di creare un'opera accusatoria, il potere di penetrazione realistica nel mondo spirituale della persona ritratta ha conferito a questa immagine un certo significato simbolico. Davanti a noi c'è il custode delle fondamenta della chiesa: sia gentile che astuto, e benevolo, e prepotente, spietato. Tuttavia, l'arte di Kustodiev, piena di ottimismo, è principalmente diretta alle tradizioni dell'antichità russa, ai costumi e alle feste popolari. Nelle sue tele combina una vivida osservazione della natura, immagini e vividi decorativi ("La moglie del mercante", 1915, ill. 219; "Maslenitsa", 1916).

Gli anni '10 sono associati a grandi successi nel campo di un nuovo genere - il ritratto teatrale, in cui l'artista ha un difficile compito creativo - per mostrare l'ispirazione dell'attore, la sua trasformazione in un'immagine teatrale. Il campionato qui appartiene ad A. Ya. Golovin. Conoscendo perfettamente le caratteristiche della scena e del dramma, ha creato un'immagine maestosa e tragica nel ritratto di F. I. Shalyapin nel ruolo di Boris Godunov (1912, ill. 220).

Il paesaggio in un modo o nell'altro attraeva tutti gli artisti: erano uniti in questo genere da ricerche pittoriche e coloristiche. Tuttavia, per molti, l'immagine della natura si è trasformata in una soluzione a uno schizzo, e non in un problema di immagine, come nel XIX secolo. Nel periodo pre-rivoluzionario, solo pochi grandi maestri riuscirono, raffigurando la natura, a trasmettere il sentimento epico della patria: prevalevano i motivi lirici. AA Rylov si rivolse alle tradizioni della pittura di paesaggio (Green Noise, 1904, ill. 217). Il suo dipinto romantico Swans over the Kama (1912) prefigurava il dipinto Nello spazio blu, creato dopo la Grande Rivoluzione Socialista d'Ottobre. Il crescente interesse per il patrimonio nazionale ha causato la comparsa di una serie di pittoresche suite dedicate alle antiche città russe. Includendo scene quotidiane nella composizione, gli artisti hanno mostrato la natura e l'uomo che agiscono ugualmente in un dipinto di paesaggio ("Nel Sergiev Posad" di K. F. Yuon e altri).

I pittori paesaggisti, per lo più rappresentanti dell'"Unione degli artisti russi", hanno notevolmente arricchito le loro capacità pittoriche. Fu qui che prevalsero gli schizzi, un'interpretazione lirica di motivi, spesso motivi di villaggio, che risalgono a A.K.Savrasov, V.D. Polenov e I.I. Levitan, che testimoniavano la conservazione delle tradizioni democratiche. La pittura plein air è stata riempita con un colore così integrale e paesaggi poetici come "Kem" (1917) di K. A. Korovin, "Verso sera" di N. P. Krymov, le migliori opere di S. A. Vinogradov ("Giardino fiorito", "Primavera", 1911, ill. 221) e S. Yu. Zhukovsky ("Plotina", 1909, ill. 222; "Gioioso maggio", 1912).

Lo sviluppo intensivo è ricevuto e natura morta... Ora questo genere è rappresentato dalle opere di numerosi artisti di varie associazioni creative, è diverso per motivi, contenuti e compiti. Nelle sue numerose nature morte, K.A.Korovin attribuiva grande importanza alla decoratività, alla bellezza del colore. Lo stesso inizio è tipico delle opere di S. Yu. Sudeikin e N. N. Sapunov. Le conquiste dell'impressionismo arricchirono la pittura I. E. Grabar ("Tavola non ripulita", 1907, ill. 223, ecc.).

Nel campo della natura morta, oltre che del paesaggio e del ritratto, gli artisti dell'associazione "Jack of Diamonds", nata nel 1910, hanno lavorato attivamente: P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin e altri. Alla ricerca dell'originalità nazionale dell'arte, hanno utilizzato le tradizioni del primitivo nazionale (stampa popolare, segni, pittura su vassoio, ecc.), ma hanno anche scoperto connessioni con l'arte francese contemporanea, principalmente con Cézanne e i suoi seguaci. Le migliori opere dei maestri di questo gruppo, scritte in maniera materialmente pesante, con uno scopo decorativo, esprimevano il loro amore per la vita e una grande cultura pittorica. Tali sono, ad esempio, il grottesco "Ritratto di GB Yakulov" (1910, ill. 224) e la natura morta "Agave" (1916) di PP Konchalovsky, "Pumpkin" (1914, ill. 225) e "Natura morta con broccato " (1917) I. I. Mashkov.

Arte teatrale e decorativa conobbe un brillante periodo di massimo splendore: molti importanti pittori lavorarono per il teatro. Basti citare i nomi di V. A. Simov, V. A. Serov, A. Ya. Golovin, A. N. Benois, K. A. Korovin, L. S. Bakst, N. K. Roerich, I. Ya. Bilibin , BM Kustodiev e una serie di spettacoli da loro progettati ("Petrushka " di IF Stravinsky - AN Benois; "Prince Igor" di AN Borodin - NK Roerich; "Masquerade" di M. Yu . Lermontov - A. Ya. Golovin e altri). Le "Stagioni russe" a Parigi e in altre città dell'Europa occidentale, organizzate da S. P. Diaghilev, nella progettazione delle esibizioni a cui hanno partecipato molti dei maestri nominati, hanno glorificato l'arte russa sull'arena internazionale. L'alto livello artistico delle scene e dei costumi, l'intero aspetto dell'azione scenica ha stupito gli stranieri con la sintesi delle arti, uno spettacolo di straordinaria bellezza e originalità nazionale.

Come accennato in precedenza, lo sviluppo del realismo nel 1907-1917 fu complicato dalla crisi della cultura borghese. La parte meno stabile dell'intellighenzia artistica, sebbene fosse catturata dallo spirito generale di protesta contro la realtà borghese, soccombeva a stati d'animo depressivi, si allontanava dalla modernità e dalla vita sociale, rifiutava le tradizioni democratiche nell'arte, ma questa stessa protesta aveva solitamente il carattere di una rivolta anarchica. Prima di tutto, questi fenomeni negativi si sono riflessi nelle opere esposte alla mostra "Blue Rose", organizzata nel 1907 e che ha riunito gli artisti di orientamento simbolista. I membri di questo gruppo di breve durata affermarono il dominio dell'intuizionismo nella creazione artistica, entrarono nel mondo delle fantasie mistiche spettrali. Ma i più dotati e determinati (P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan e alcuni altri) già nel decennio precedente a ottobre hanno seguito il percorso democratico dello sviluppo nel loro lavoro.

Un certo numero di artisti, soprattutto giovani, sono stati attratti dalla corrente principale delle tendenze moderniste negli anni '10. Alcuni di loro - i sostenitori del cubismo, del futurismo - rivendicavano la conformità della loro creazione di forma all'età dell'ingegneria e della tecnologia, altri - i primitivisti - al contrario, cercavano di tornare all'immediatezza della percezione del mondo da parte di un incivile persona. Tutte queste tendenze erano intrecciate in modo intricato nell'arte del decennio pre-ottobre. Hanno toccato il dipinto di "Jack of Diamonds", mentre le tendenze stilistico-primitiviste erano particolarmente evidenti tra i rappresentanti del gruppo con il nome audacemente scioccante "Donkey's Tail". Alla fine, tutte le varietà di formalismo che si sono poi diffuse nell'arte russa hanno portato a una distorsione della realtà, alla distruzione del mondo oggettivo o, infine, al vicolo cieco dell'astrattismo (rayonismo, suprematismo) - un'espressione estrema del modernismo.

Le contraddizioni nella vita artistica russa nel 1907-1917 non hanno fermato il progressivo sviluppo dell'arte realistica in questo momento difficile. I maestri progressisti russi hanno sentito l'approccio dei cambiamenti sociali, hanno sentito consapevolmente o intuitivamente il bisogno di allineare il loro lavoro con la scala degli eventi di un'era storica turbolenta. Dopo la Grande Rivoluzione d'Ottobre, artisti di tutte le generazioni, alcuni prima, altri dopo, si sono uniti nella costruzione di una nuova cultura socialista, mettendo la loro arte al servizio del popolo rivoluzionario; sotto l'influenza della realtà sovietica, c'è stata una ristrutturazione di coloro che in precedenza rifiutavano il realismo come metodo.

4 giugno 1864 , la città di Ruza, provincia di Mosca. - 3 agosto 1910 , der. Fischietto della provincia di Mosca.

Pittore, grafico. Illustratore. Pittore di genere, ritrattista, pittore storico.

Studiò alla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura di Mosca (1878-1882, 1884-1885) con I.M. Pryanishnikova, E.S. Sorokin, all'Accademia delle Arti (1882-1884). Alle mostre dal 1881 (Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, Associazione delle mostre d'arte itineranti - espositore dal 1887, dal 1899 - suo membro). Dal 1903 - membro e uno degli organizzatori dell'Unione degli artisti russi. Dal 1905 - Accademico. Il lavoro di I. è dedicato alla vita e alla lotta dei contadini e dei lavoratori (una serie di dipinti e disegni Migranti, tra cui Morte di un migrante, 1889, Galleria statale Tretyakov; Rivolta nel villaggio, 1889, Fucilazione, 1905 , entrambi nel Museo Centrale Statale di Storia Contemporanea della Russia). I suoi dipinti sui temi della storia russa sono caratterizzati da realismo e nazionalità ("La marcia dei moscoviti. XVI secolo", 1902, Galleria statale Tretyakov). Nuovi schemi compositivi e cromatici dei suoi dipinti hanno arricchito le possibilità della pittura storica. Dipinse ritratti, lavorò fruttuosamente come disegnatore e litografo. Le sue opere sono anche nel Museo di Stato russo, nel Museo d'arte russa di Kiev, nei musei di Astrakhan, Ivanov, Kirov, Kostroma, Kursk, Lipetsk, Perm, Petrozavodsk, Ryazan, Saratov, Sebastopoli, Smolensk, Syktyvkar, Tula, Ufa, Minsk e altri.

La vita del villaggio russo post-riforma era dura. La sempre crescente mancanza di terra dei contadini, i frequenti fallimenti dei raccolti e l'inesorabile mano della fame costrinsero gli abitanti di molte province della Russia a lasciare la loro misera ma familiare casa. "Come un drago favoloso, il bisogno dei suoi artigli tratteneva le masse della gente, le guidava, le ondeggiava, le rovesciava e le strangolava", ha osservato lo scrittore del villaggio N. Teleshov, uno scrittore della vita quotidiana. Perseguitati dal bisogno, dall'impotenza e dall'arbitrio, i contadini si recarono in città per lavorare. Molti si precipitarono in nuove terre, il più delle volte in Siberia, per trovare salvezza dalla fame e dal bisogno nelle sue vaste distese. I coloni, gravati da miseri averi, si alzarono dalle loro fattorie, dove vivevano i loro padri, nonni e bisnonni, in interi villaggi e in lunghe file si estendevano lungo le polverose strade della Russia dalle province di Kursk, Tambov, Penza, Yaroslavl, Chernigov . Pochi hanno resistito alla prova della strada difficile. Malattia, fame e freddo, tirannia dei funzionari zaristi, completa indifesa: questo è ciò che ora è diventato il loro destino. La morte ha falciato senza pietà i ranghi degli immigrati che si andavano rapidamente assottigliando. Spesso, dopo aver speso tutto il denaro per la strada, tornavano indietro, e coloro che raggiungevano il luogo erano attesi dalla stessa povertà e dagli stessi ordini e funzionari della loro patria.

La cosiddetta questione del reinsediamento preoccupava in quegli anni molti rappresentanti della cultura e dell'arte russa avanzata. Anche V.G. Perov, il fondatore del realismo critico, non ha ignorato questo argomento. Noto, ad esempio, è il suo disegno "La morte di un immigrato".
I coloni fecero una dolorosa impressione su A.P. Cechov, che nel 1890 viaggiò sulla strada per Sakhalin attraverso l'intera Siberia. Sotto l'influenza delle conversazioni con Cechov, viaggiò lungo il Volga e Kama, negli Urali e da lì in Siberia e N. Teleshov. "Oltre gli Urali, ho visto la vita estenuante dei nostri coloni", ha ricordato, "difficoltà e difficoltà quasi favolose della vita muzhik della gente". Una serie di storie di Teleshov, che descrivono il destino di queste persone, è l'analogia più vicina al dipinto di Sergei Vasilyevich Ivanov "On the Road. Morte di un immigrato".

Ivanov trascorse buona metà della sua vita viaggiando per la Russia, con attenzione, con vivo interesse, conoscendo la vita dei lavoratori multiformi. In queste incessanti peregrinazioni conobbe anche la vita degli immigrati. "Molte decine di miglia ha camminato con loro nella polvere delle strade, sotto la pioggia, il maltempo e il sole cocente nelle steppe", raccontano gli amici di Ivanov, "ha trascorso molte notti con loro, riempiendo i suoi album di disegni e note , molte scene tragiche passarono davanti ai suoi occhi." Incapace di aiutare queste persone, l'artista pensò dolorosamente all'incommensurabile tragedia della loro posizione e all'inganno dei loro sogni di "felicità", che non erano destinati a trovare nelle condizioni della Russia zarista.

Alla fine del 1880, Ivanov concepì una vasta serie di dipinti, che raccontavano coerentemente la vita dei coloni. Nella prima immagine - "Russia is Coming" - l'artista ha voluto mostrare l'inizio del loro viaggio, quando le persone sono ancora vigorose, sane e piene di brillanti speranze. Nei film successivi, avrebbe dovuto far conoscere allo spettatore le difficoltà della strada e le prime difficoltà. La serie doveva concludersi con scene drammatiche di sofferenza e tragica morte di immigrati. Tuttavia, solo alcuni collegamenti di questo ciclo sono stati portati a termine dall'artista. Ivanov ha incarnato in immagini artistiche solo le più caratteristiche e più integrate nella sua coscienza delle impressioni della vita.

Una delle immagini finali del ciclo - “On the road. Death of an Immigrant” è l'opera più potente della serie concepita. Altre opere su questo argomento, realizzate prima e più tardi da numerosi scrittori e artisti, non hanno rivelato così profondamente e allo stesso tempo così semplicemente la tragedia degli immigrati in tutta la sua terribile verità.

La steppa riscaldata dal caldo. Una leggera foschia spegne la linea dell'orizzonte. Questa terra deserta, bruciata dal sole, sembra sconfinata. Ecco una famiglia sfollata solitaria. Apparentemente, l'ultimo estremo l'ha fatta fermare in questo luogo spoglio, non protetto da nulla dai raggi del sole cocente. Morto il capofamiglia, il capofamiglia. Ciò che attende la sfortunata madre e figlia in futuro - tutti si pongono involontariamente una domanda del genere quando guardano un'immagine. E la risposta è chiara. Si legge nella figura della madre, distesa sulla nuda terra. La donna addolorata non ha parole né lacrime. In silenziosa disperazione, graffia la terra arida con le dita storte. La stessa risposta si legge nel volto confuso, annerito, come un carbone spento, della ragazza, nei suoi occhi gelati dall'orrore, in tutta la sua figura intorpidita e emaciata. Non c'è speranza per alcun aiuto!

Ma abbastanza di recente, la vita luccicava in una piccola casa trasportabile. Il fuoco scoppiettava, si stava preparando una magra cena, la padrona di casa era impegnata accanto al fuoco. Tutta la famiglia sognava che da qualche parte lontano, in una terra sconosciuta e benedetta, sarebbe presto iniziata per lei una nuova vita felice.

Adesso tutto si stava sgretolando. L'impiegato principale è morto, a quanto pare, anche il cavallo emaciato è caduto. La pinza e l'arco non servono più: vengono lanciati con noncuranza vicino al carrello. Il fuoco nel focolare si è spento. Un mestolo rovesciato, i bastoni nudi di un vuoto treppiede, tesi come braccia, aste vuote in un'angoscia silenziosa: quanto è irrimediabilmente triste e tragico tutto questo!
Ivanov ha cercato deliberatamente proprio una tale impressione. Come Perov in "The Dead Man's Ways", ha chiuso il dolore con una ristretta cerchia familiare, abbandonando le figure di donne simpatiche che erano nel bozzetto preliminare del quadro. Volendo enfatizzare ulteriormente il destino dei coloni, l'artista ha deciso di non includere il cavallo, che era anche nello schizzo, nella foto.

Il potere della pittura di Ivanov non si limita alla trasmissione veritiera di un momento specifico. Quest'opera è un'immagine tipica della vita contadina nella Russia post-riforma. Per questo fu accolta con maliziosa bestemmia da parte della critica reazionaria, la quale asseriva che la morte degli immigrati per strada fosse un fenomeno accidentale e per nulla tipico, e che il contenuto del quadro fosse inventato dall'artista tra le mura della sua officina. Ivanov non fu fermato dagli aspri attacchi dei nemici dell'arte avanzata e vitale. Il suo lavoro è stato solo uno dei primi risultati del profondo studio dell'artista sulla verità sociale della vita russa contemporanea. Fu seguito da molte altre opere significative, in cui si esprimeva non solo la sofferenza del popolo, ma anche una protesta rabbiosa contro l'oppressione degli sfruttatori, che si stava preparando tra le masse.

Negli ultimi corsi della Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, Sergei Ivanov si occupa di acuti problemi sociali. In particolare, la sua attenzione fu attratta da un fenomeno caratteristico delle campagne russe nell'ultimo quarto del XIX secolo: nella seconda metà degli anni '80 dell'Ottocento iniziò il reinsediamento in Siberia.

Nell'immagine: “Migranti. Camminatori”. 1886.

Dopo la riforma del 1861, sorse la necessità di risolvere la questione fondiaria. Il governo ha visto una via d'uscita nel reinsediamento dei contadini senza terra in questa vasta regione scarsamente popolata. Solo negli ultimi decenni del XIX secolo, diversi milioni di contadini lasciarono i loro orti insignificanti, povere capanne e andarono alla ricerca di "terre fertili".

Nella foto: "Sfollato in carrozza", 1886.

Da soli, con le mogli e i figli, in piccole feste, portando con sé le loro fragili cose, a piedi e con i carri, e se erano fortunati, anche in treno, si precipitavano, ispirati dai sogni utopici di "Belovodye" o "White Arapia". ", verso prove difficili e il più delle volte gravi delusioni. La tragedia dei contadini senza terra che hanno lasciato i loro luoghi ancestrali, dalle province centrali alla periferia del paese - in Siberia, e perirono a centinaia lungo la strada - questa è l'idea principale del ciclo di dipinti di Ivanov. Ha catturato le scene della vita contadina in dipinti a colori volutamente noiosi, "luttuosi" sui coloni.

Nella foto: “Sulla strada. Morte di un immigrato". 1889.

Dalla metà degli anni 1890, iniziò un nuovo periodo nel lavoro dell'artista, associato alla creazione di opere storiche. Nella pittura storica di Ivanov ci sono caratteristiche che lo rendono simile all'arte di Surikov e Ryabushkin. Il pittore comprende lo stato delle masse agitate nei momenti drammatici acuti ("Troubles", 1897, II Museo-Appartamento Brodsky); "Per il verdetto della veche", 1896, collezione privata), è attratto dalla forza dei personaggi popolari russi e, come Ryabushkin, trova la bellezza nei fenomeni della vita popolare, conferma la comprensione di questa bellezza da parte del popolo russo . Ivanov cattura acutamente la pittoresca ricerca del tempo; i suoi lavori di questi anni acquistano una sonorità coloristica particolare.

Nell'immagine: "Time of Troubles" (campo di Tushino)

Ivanov è stato un innovatore del genere storico, componendo episodi del Medioevo russo - nello spirito dello stile Art Nouveau - quasi come fotogrammi di film, catturando lo spettatore con il loro ritmo dinamico, "l'effetto della presenza" (Arrivo di stranieri a Mosca nel XVII secolo, 1901); "Zar. XVI secolo" (1902), Escursione dei moscoviti. XVI secolo, 1903). In essi, l'artista ha dato uno sguardo nuovo al passato storico della sua terra natale, raffigurando non momenti eroici di eventi, ma scene di vita quotidiana dell'antica vita russa. Alcune delle immagini sono scritte con un tocco di ironia e grottesco. Nel 1908-13 ha completato 18 opere per il progetto "Pictures on Russian History".

Nell'immagine: "Giorno di San Giorgio". 1908

Nell'immagine: "Campagna delle truppe della Rus moscovita", XVI secolo, dipinto del 1903.

Nell'immagine: "Ispezione delle persone di servizio", entro il 1907

Le caratteristiche peculiari del "proto-espressionismo" nervoso si manifestarono con particolare forza nelle immagini della prima rivoluzione russa, incluso nel famoso dipinto "Shooting" (1905, Museo storico e rivoluzionario "Krasnaya Presnya", filiale del Museo centrale statale di Arte Contemporanea), che colpì i suoi contemporanei con un suono di protesta penetrante e disperato.

Durante la rivolta armata del 1905 a Mosca, fu testimone e partecipante: aiutò gli studenti feriti nelle battaglie di strada proprio nell'edificio dell'Università di Mosca in via Mokhovaya. Sono sopravvissuti i suoi disegni di gendarmi e cosacchi, che durante la rivolta alloggiarono nel Manezh, vicino al Cremlino.

Successivamente, l'artista ha lavorato al dipinto "Stanno arrivando! Squadra punitiva "(1905-1909, Galleria Tretyakov).

Nella foto: Stanno arrivando! Distacco punitivo.

Nella foto: Famiglia, 1907

Nella foto: L'arrivo del governatore

Nella foto: tedesco, 1910

Nella foto: Rivolta nel villaggio, 1889

Nella foto: Al carcere. 1884 anno

Nell'immagine: Arrivo di stranieri. XVII secolo. 1901 anno

Nell'immagine: servi della gleba boiardo. 1909 anno