La pedagogia teatrale come mezzo di educazione alla storia e formazione del teatro. La pedagogia teatrale come mezzo universale di educazione della persona Come la pedagogia teatrale è presente nelle scuole

È difficile immaginare un attore che imparerebbe a recitare solo leggendo e ascoltando come lo fanno gli altri. Un attore impara recitando se stesso. Oppure immagina che il regista si sia "dimenticato" del pubblico e non abbia pensato a come catturare la sua attenzione, a come renderlo complice di ciò che sta accadendo - per un povero spettatore, la performance non avrà luogo, anche se si siede pazientemente fuori in sala per due ore.

Questa caratteristica del teatro, di cui tutti gli insegnanti dovrebbero innamorarsi, è l'esigenza della massima inclusione personale di tutti e di tutti nel processo dell'azione teatrale.

Inoltre, i registi hanno notato da tempo che quando gli studenti imparano le basi della recitazione, imparano molte cose utili nella vita ben oltre il palcoscenico. Superano le barriere psicologiche, hanno una maggiore motivazione nella comprensione del mondo, imparano a percepire le immagini artistiche dell'arte e sviluppano capacità comunicative.

Allora perché non utilizzare gli strumenti sviluppati per la formazione degli attori per risolvere complessi problemi pedagogici nella scuola?

Il teatro ha molto da imparare. Le pratiche pedagogiche che trovano nel teatro una fonte di strumenti educativi sono combinate in un sistema speciale: la pedagogia teatrale scolastica. E oggi dà le sue risposte a molte sfide che l'istruzione deve affrontare.

Principi di pedagogia teatrale

Un raro insegnante di letteratura non ha provato a interpretare una favola in base ai ruoli nella lezione, e tutti abbiamo assistito a spettacoli scolastici per varie vacanze, quando i ruoli principali vanno a coloro che possono parlare ad alta voce. Se ciò accade in modo caotico, se l'insegnante non imposta alcun compito diverso da "finire lo spettacolo entro l'8 marzo" o "diversificare le attività degli studenti nella lezione", allora questo è poco vantaggioso.

La pedagogia teatrale non implica l'esecuzione obbligatoria delle scene.

Questa è una visione del processo educativo come un'azione drammatica che affascina i partecipanti a livello emotivo.

La pedagogia teatrale è una direzione pratica della psicologia moderna e della pedagogia dell'arte, che implementa nell'educazione i principi di eventi, vita, azione creativa personale e improvvisazione, collegando la percezione intellettuale, sensuale ed emotiva.

La psicologa Tatiana Klimova, docente senior presso il Dipartimento di studi culturali e educazione estetica dell'istituto di educazione regionale di Mosca (MIOO, che è uno dei pochi istituti in cui varie aree esistenti della pedagogia teatrale sono sistematizzate a livello metodologico), spiega perché le idee tradizionali sull'educazione come trasmissione di conoscenze, abilità e abilità nel mondo moderno non funziona.

Tatiana Klimova

Psicologa, Docente Senior, Dipartimento di Studi Culturali ed Educazione Estetica, MIOO

Oggi, l'insegnante più brillante non può competere con l'ambiente dei media. Le lezioni di Dmitry Bykov sono disponibili su Internet e un raro insegnante di lettere sarà in grado di competere con lui in termini di padronanza del materiale, provocazione, ingegno e paradosso. L'insegnante dovrebbe vincere questa lotta competitiva per il fatto che solo lui può dare - a causa di una diversa qualità della comunicazione. L'insegnante deve diventare l'organizzatore dell'ambiente educativo, il direttore, che organizza il suo spazio di lezione in modo tale che diventi un drammatico campo di interazione.

La pedagogia teatrale (come parte della pedagogia artistica) offre la creazione di un ambiente creativo aperto per la comunicazione dal vivo. Il dialogo in questo ambiente artistico e creativo può riguardare qualsiasi argomento (dalla scienza alla religione), ma il suo obiettivo sarà sempre la formazione di un'immagine olistica del mondo, lo sviluppo simultaneo delle capacità emotive e intellettuali dello studente.

Principio dell'evento significa che durante le lezioni dovrebbe succedere qualcosa che cambia il mondo per i partecipanti all'azione. Prima che accadesse l'evento per te, eri un po' diverso, pensavi in ​​modo un po' diverso, agivi in ​​modo un po' diverso. Attraverso l'esperienza degli eventi, una persona si sviluppa.

Principio di residenza specifica che un evento non può essere il risultato dell'accettazione di condizioni esterne. Può essere solo il risultato di un'esperienza personale, di una scoperta.

L'educazione alla pedagogia teatrale diventa territorio azione creativa personale. Nel processo di apprendimento, la libertà della creatività può essere limitata gradualmente attraverso le circostanze proposte, i problemi e le difficoltà che devono essere superate, ma non attraverso i divieti. Fermo restando questo principio, tutte le competenze diventano il risultato di scoperte personalmente significative e non l'imposizione di dogmi.

E infine principio dell'improvvisazione- un tratto distintivo della pedagogia teatrale. Prima di pensare, un buon attore deve recitare. Spontaneità, spontaneità - qualità che permettono di svelare le potenzialità del bambino, ma che spesso sono "attutite" dal sistema educativo tradizionale. E l'insegnante, che lui stesso non può essere diretto, ha paura di improvvisare, non lo insegnerà a un altro.

Tatiana Klimova

psicologa, esperta di pedagogia teatrale

La pedagogia teatrale riguarda la significatività. Qui, come sul palco, si vede subito il "Credo - non credo" di Stanislavsky. "È falso o esiste davvero?" - un momento molto importante per l'educazione. Un insegnante imita l'apprendimento, non ha questa scoperta personale nella lezione. E l'altro davvero esplora, riflette, dubita, il che significa- insegna, e questa non è una questione di quantità di conoscenza, non di date e nomi memorizzati.

Come la pedagogia teatrale è presente nelle scuole

Strumenti che ogni insegnante può utilizzare nelle proprie lezioni

Come si entra in classe? Pensi che l'appello di una rivista sia il modo migliore per incuriosire gli studenti per i prossimi 35 minuti? Come finisci la lezione? Quello di cui parli è rilevante per gli studenti, riescono a fare una scoperta che sia personalmente significativa per loro durante la lezione?

La pedagogia teatrale introduce in una scuola ordinaria quelle tecniche che vengono praticate nella formazione di recitazione e regia. Ti permettono di attirare l'attenzione, parlare magnificamente, sentire la dinamica di ciò che sta accadendo in classe. Aiutano ad attivare i ragazzi passivi e ad affrontare l'energia eccessiva di quelli troppo attivi. Molto ha a che fare con il tempismo, capire come organizzare i 40 minuti di una lezione per “scaldarsi” gradualmente, superare il climax e dare un senso a quello che è successo. Capire come utilizzare lo spazio in un'aula in diversi modi - disporre i banchi in cerchio o riflettere su una lezione in modo che i bambini si muovano in gruppi da un angolo all'altro - questo è anche legato alla pratica teatrale, in cui c'è il concetto di mise -in scena.

“Inizia con qualsiasi cosa, ma non con una lezione. Devi sorprendere la classe"

A Mosca, intere palestre e licei stanno mostrando interesse per la pedagogia teatrale, i cui direttori capiscono che l'ambiente artistico ha un potente effetto stimolante sui bambini. Tra questi c'è il "Centro di classe" di Sergei Kazarnovsky, una delle prime istituzioni di questo formato, quando il teatro diventa parte integrante della vita scolastica. Nel Moscow Chemical Lyceum, bambini, futuri fisici e chimici, previa ammissione, acconsentono alla partecipazione obbligatoria a circoli teatrali e musicali. Ci sono sette teatri scolastici presso la Lomonosov School di Sokolniki.

Un frammento dell'opera teatrale "Dalla Balda" degli studenti della scuola "Class Center" e analisi del frammento con il direttore della scuola - direttore Sergei Kazarnovsky.

E tale attenzione al teatro non è casuale: ti permette di essere liberato, di creare qualcosa che non lasci gli altri indifferenti. E crea anche uno spazio per la comunicazione informale pieno di significati umani universali: ci sono così pochi spazi per i bambini moderni.

Gite teatrali

Gli insegnanti possono essere "agenti speciali" del teatro tra le giovani generazioni, che insegnano ai bambini a capire l'arte e li portano all'auditorium. Pertanto, un'altra direzione della pedagogia teatrale si sta sviluppando all'intersezione degli interessi della scuola e del teatro professionale.

Ogni teatro ha bisogno di un pubblico, e da un certo momento i teatri hanno capito che il pubblico ha bisogno di essere educato.

Esiste un sistema abbastanza sviluppato per preparare un bambino all'incontro con l'arte, sviluppato da insegnanti di teatro e musei. L'essenza di tale preparazione risiede nella capacità di parlare con il bambino di ciò che vedrà prima di andare a teatro, al museo o in un altro spazio artistico e discutere con lui le sue emozioni ed esperienze dopo.

È necessario sviluppare la capacità di condurre un dialogo sull'arte con un bambino e per questo molti teatri organizzano vari eventi per gli insegnanti delle scuole secondarie. Ad esempio, al Tovstonogov Bolshoi Drama Theatre di San Pietroburgo, ha operato per due anni il Laboratorio pedagogico, un progetto a lungo termine durante il quale gli insegnanti delle scuole di San Pietroburgo hanno familiarizzato con il teatro e gli strumenti della pedagogia teatrale attraverso una serie di corsi di formazione, seminari e progetti creativi. Presso l'A.S. Puskin a Mosca.

Psicologa, responsabile di progetti speciali al Teatro Drammatico di Mosca. COME. Pushkina Olga Shevnina condivide la sua esperienza nel preparare gli scolari (e non solo) alla percezione di uno spettacolo teatrale.

La pedagogia teatrale è diventata un argomento popolare nell'agenda di vari festival teatrali. Se nella tua città si svolge un grande evento teatrale, assicurati di controllare il programma degli eventi, di sicuro ci sono masterclass per insegnanti di insegnanti di teatro. Naturalmente, nessuno padroneggerà l'intero sistema in una master class, ma è del tutto possibile sentire come funzionano determinati approcci. Per un'immersione profonda, sono disponibili corsi di formazione avanzata presso l'Istituto di educazione aperta di Mosca e l'Università pedagogica statale russa. Herzen.

La pedagogia teatrale non è una "bacchetta magica" che risolverà tutti i problemi con un'onda: ho trovato un "punto di sorpresa" nella lezione - e la motivazione è immediatamente aumentata, l'atmosfera emotiva è migliorata ed è apparsa l'iniziativa creativa. I miracoli non accadono. Ma un appello sistematico e significativo alle pratiche teatrali, all'improvvisazione personale, all'immagine artistica può trasformare la routine scolastica in uno spazio di scoperte intellettuali ed emotive.

La natura sintetica dell'arte teatrale è un mezzo efficace e unico di educazione artistica ed estetica degli studenti, grazie al quale il teatro per bambini occupa un posto significativo nel sistema generale di educazione artistica ed estetica dei bambini e dei giovani. La preparazione di produzioni teatrali scolastiche, di regola, diventa un atto di creatività collettiva non solo di giovani attori, ma anche di cantanti, artisti, musicisti, tecnici delle luci, organizzatori e insegnanti.

L'uso dei mezzi dell'arte teatrale nella pratica del lavoro educativo contribuisce all'ampliamento degli orizzonti generali e artistici degli studenti, alla cultura generale e speciale, all'arricchimento dei sentimenti estetici e allo sviluppo del gusto artistico.

I fondatori della pedagogia teatrale in Russia furono figure teatrali di spicco come Shchepkin, Davydov, Varlamov, il regista Lensky. Una fase qualitativamente nuova nella pedagogia teatrale è stata portata dal Moscow Art Theatre e, soprattutto, dai suoi fondatori Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. Molti attori e registi di questo teatro sono diventati importanti insegnanti di teatro. In realtà, con loro inizia la tradizione pedagogica teatrale, che esiste ancora oggi nelle nostre università. Tutti gli insegnanti di teatro conoscono le due raccolte di esercizi più popolari per lavorare con gli studenti delle scuole di recitazione. Questi sono il famoso libro di Sergei Vasilievich Gippius "La ginnastica dei sensi" e il libro di Lidia Pavlovna Novitskaya "Training and Drill". Anche meravigliose opere del principe Sergei Mikhailovich Volkonsky, Mikhail Chekhov, Gorchakov, Demidov, Christie, Toporkov, Wild, Kedrov, Zakhava, Ershov, Knebel e molti altri.

Appurata la crisi della moderna educazione teatrale, la mancanza di nuovi leader pedagogici teatrali e di nuove idee e, di conseguenza, la mancanza di personale docente qualificato negli spettacoli teatrali amatoriali per bambini, vale la pena approfondire il patrimonio che è stato accumulato dalla scuola teatrale russa e, in particolare, dal teatro scolastico. e pedagogia teatrale per bambini.

Le tradizioni del teatro scolastico in Russia furono fondate tra la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo. A metà del 18° secolo, nel corpo della nobiltà terriera di San Pietroburgo, ad esempio, venivano riservate ore speciali per "l'addestramento nelle tragedie". Gli alunni del corpo - futuri ufficiali dell'esercito russo - hanno interpretato opere di autori nazionali e stranieri. Attori e insegnanti di teatro eccezionali del loro tempo come Ivan Dmitrevsky, Alexei Popov, i fratelli Grigory e Fyodor Volkov hanno studiato nel corpo della nobiltà.

Gli spettacoli teatrali erano una parte importante della vita accademica dello Smolny Institute for Noble Maidens. Università di Mosca e Collegio della Nobile Università. Tsarskoye Selo Lyceum e altre istituzioni educative d'élite della Russia.

Nella prima metà dell'Ottocento i gruppi teatrali studenteschi si diffusero nelle palestre, non solo nel capoluogo, ma anche nelle province. Dalla biografia di N.V. Gogol, ad esempio, è noto che mentre studiava al Nizhyn Gymnasium, il futuro scrittore non solo si è esibito con successo sul palcoscenico amatoriale, ma ha anche diretto produzioni teatrali, ha scritto scene per spettacoli.

Nell'ultimo terzo del 18 ° secolo in Russia nacque anche un teatro domestico per bambini, il cui creatore era il famoso educatore russo e insegnante di talento A.T. Bolotov. Ha scritto le prime opere teatrali russe per bambini: Chestokhval, Rewarded Virtue, Unfortunate Orphans.

L'impennata democratica tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60 dell'Ottocento, che diede origine a un movimento sociale e pedagogico per la democratizzazione dell'istruzione nel paese, contribuì a un significativo aumento dell'attenzione pubblica sui problemi dell'istruzione e della formazione, all'istituzione di organizzazioni più esigenti criteri per la natura e il contenuto del lavoro educativo. In queste condizioni, sulla stampa pedagogica si sta svolgendo un'accesa discussione sui pericoli e sui benefici dei teatri studenteschi, iniziata dall'articolo di N.I. Pirogov “Essere e sembrare”. Le esibizioni pubbliche degli studenti del ginnasio vi erano chiamate "una scuola di vanità e finzione". N.I. Pirogov ha posto la domanda agli educatori giovanili: “... La sana pedagogia morale consente ai bambini e ai giovani di essere presentati al pubblico in modo più o meno distorto e, quindi, non nella loro forma attuale? Il fine giustifica i mezzi in questo caso?

L'atteggiamento critico di un autorevole scienziato e insegnante nei confronti delle prestazioni scolastiche ha trovato un certo sostegno nell'ambiente pedagogico, incluso KD Ushinsky. I singoli insegnanti, sulla base delle dichiarazioni di N.I. Pirogov e K.D. Ushinsky, hanno persino cercato di portare qualche "base teorica" ​​sotto il divieto degli studenti di partecipare a produzioni teatrali. È stato affermato che la pronuncia delle parole di altre persone e l'immagine di un'altra persona provocano buffonate e amore per le bugie nel bambino.

L'atteggiamento critico delle figure di spicco della pedagogia russa N.I. Pirogov e K.D. Ushinsky nei confronti della partecipazione degli scolari alle produzioni teatrali era apparentemente dovuto al fatto che nella pratica della vita scolastica c'era un atteggiamento puramente ostentato e formalizzato degli insegnanti nei confronti del teatro scolastico .

Allo stesso tempo, alla fine del XIX e all'inizio del XX secolo, nella pedagogia russa si è stabilito un atteggiamento consapevole nei confronti del teatro come elemento essenziale dell'educazione morale, artistica ed estetica. Ciò è stato in gran parte facilitato dalle opere filosofiche generali dei principali pensatori domestici, che hanno attribuito un'importanza eccezionale ai problemi della formazione di una personalità creativa, allo studio dei fondamenti psicologici della creatività. Fu durante questi anni che la scienza russa (V.M. Solovyov, N.A. Berdyaev e altri) iniziò ad affermare l'idea che la creatività nelle sue varie espressioni costituisce un dovere morale, lo scopo dell'uomo sulla terra, è il suo compito e la sua missione, che è proprio l'atto creativo che strappa una persona dallo stato servile di compulsione nel mondo, la eleva a una nuova comprensione dell'essere.

Di grande importanza per ristabilire la fiducia degli insegnanti e del pubblico nel teatro come mezzo efficace di educazione dei giovani sono stati gli studi di psicologi che hanno dichiarato che i bambini hanno i cosiddetti. "istinto drammatico". “L'istinto drammatico, che, a giudicare da numerosi studi statistici, si trova nello straordinario amore dei bambini per il teatro e il cinema e la loro passione per l'interpretazione indipendente di tutti i ruoli”, scriveva il famoso scienziato americano Stanley Hall, “è per noi gli educatori una scoperta diretta di una nuova forza nella natura umana; il beneficio che ci si può aspettare da questa forza nel lavoro pedagogico, se impariamo a usarla correttamente, può essere paragonato solo a quei benefici che accompagnano la forza della natura appena scoperta nella vita delle persone.

Condividendo questa opinione, N.N. Bachtin ha raccomandato a insegnanti e genitori di sviluppare intenzionalmente "l'istinto drammatico" nei bambini. Credeva che per i bambini in età prescolare cresciuti in famiglia, la forma più adatta di teatro fosse il teatro dei burattini, il teatro comico di Petrushka, il teatro delle ombre, il teatro dei burattini. Sul palco di un tale teatro è possibile mettere in scena vari spettacoli di contenuto favoloso, storico, etnografico e quotidiano. Suonare in un teatro del genere può utilmente riempire il tempo libero di un bambino fino a 12 anni. In questo gioco puoi metterti alla prova come autore della commedia, mettendo in scena le tue fiabe, storie e trame preferite, e come regista e attore, interpretando per tutti i personaggi della tua commedia e come maestro ricamatore.

Dal teatro delle marionette, i bambini possono passare gradualmente al teatro drammatico. Con un'abile guida da parte degli adulti, è possibile utilizzare il loro amore per il gioco drammatico con grande beneficio per lo sviluppo dei bambini.

La conoscenza delle pubblicazioni della stampa pedagogica della fine del XIX - inizio XX secolo, le dichiarazioni di insegnanti e figure del teatro per bambini indicano che l'importanza dell'arte teatrale come mezzo per educare i bambini e i giovani è stata molto apprezzata dalla comunità pedagogica di Paese.

Interessata attenzione al problema del "teatro e dei bambini" fu prestata dal Primo Congresso panrusso sulla pubblica istruzione, svoltosi a San Pietroburgo nell'inverno 1913-1914, durante il quale furono presentati numerosi rapporti su questo tema sentito. La risoluzione del congresso rilevava che "l'influenza educativa del teatro per bambini si sente in piena forza solo con la sua produzione deliberata e opportuna, adattata allo sviluppo dei bambini, alla visione del mondo e alle caratteristiche nazionali di questa regione". “In connessione con l'impatto educativo del teatro per ragazzi”, rileva anche la risoluzione, “c'è anche il suo significato prettamente educativo; la drammatizzazione del materiale didattico è uno dei modi più efficaci per applicare il principio della visibilità.

La questione del teatro per bambini e nelle scuole fu ampiamente discussa anche al Primo Congresso tutto russo del teatro popolare nel 1916. La sezione scuola del congresso ha adottato un'ampia risoluzione che ha toccato i problemi dell'infanzia, del teatro scolastico e del teatro per bambini. In particolare, ha osservato che l'istinto drammatico insito nella natura stessa dei bambini e manifestato fin dalla più tenera età dovrebbe essere utilizzato a fini educativi. La sezione riteneva necessario «che negli asili nido, nelle scuole, negli orfanotrofi, nei locali scolastici dei dipartimenti per l'infanzia delle biblioteche, nelle case popolari, nelle organizzazioni educative e cooperative, ecc., si desse un posto appropriato alle varie forme di manifestazione di questo istinto, in secondo l'età e lo sviluppo dei bambini, e in particolare: la disposizione di giochi di natura drammatica, spettacoli di marionette e ombre, pantomime, nonché balli rotondi e altri movimenti di gruppo di ginnastica ritmica, drammatizzazione di canti, sciarade, proverbi, favole , racconto di fiabe, allestimento di processioni e feste storiche ed etnografiche, messa in scena di opere teatrali e liriche per bambini”. Tenuto conto del serio significato educativo, etico ed estetico del teatro scolastico, il congresso ha raccomandato l'inclusione delle vacanze e degli spettacoli dei bambini nel programma scolastico, l'avvio di petizioni ai dipartimenti competenti per l'assegnazione di fondi speciali per l'organizzazione di spettacoli scolastici e vacanze. Durante la costruzione degli edifici scolastici, è stato osservato nella delibera, è necessario prestare attenzione all'idoneità dei locali per l'organizzazione degli spettacoli. Il congresso ha parlato della necessità di convocare un congresso tutto russo sui problemi del teatro per ragazzi.

I principali insegnanti non solo hanno apprezzato molto le possibilità del teatro come mezzo di educazione visiva e consolidamento delle conoscenze acquisite nelle lezioni scolastiche, ma hanno anche utilizzato attivamente vari mezzi dell'arte teatrale nella pratica quotidiana del lavoro educativo.

Tutti conoscono l'interessante esperienza teatrale e pedagogica del nostro maggiore teorico e praticante della pedagogia A.S. Makarenko, abilmente descritto dall'autore stesso.

Interessante e istruttiva è l'esperienza di educare bambini e adolescenti pedagogicamente trascurati mediante l'arte teatrale, sviluppata dal più grande insegnante domestico S.T. Shatsky. L'insegnante considerava gli spettacoli teatrali per bambini come un mezzo importante per radunare la squadra dei bambini, la rieducazione morale dei "bambini di strada", la loro familiarizzazione con i valori della cultura.

Nel nostro tempo di grandi cambiamenti sociali, il problema della disoccupazione intellettuale e spirituale dei giovani è estremamente acuto. Il vuoto viene riempito da preferenze e inclinazioni antisociali. L'ostacolo principale alla creminalizzazione dell'ambiente giovanile è il lavoro spirituale attivo che soddisfa gli interessi di questa fascia di età. Ed ecco che il teatro scolastico, armato dei metodi della pedagogia teatrale, diventa lo spazio del club dove si sviluppa una situazione educativa unica. Attraverso un potente strumento teatrale - l'empatia, il teatro educativo unisce bambini e adulti a livello di convivenza comune, che diventa un mezzo efficace per influenzare il processo educativo ed educativo. Un tale circolo teatrale educativo ha un'influenza particolarmente importante sui “bambini di strada”, offrendo loro una comunicazione informale, franca e seria su problemi sociali e morali di attualità, creando così un ambiente culturale protettivo e socialmente sano.

Attualmente, l'arte teatrale nel processo educativo è rappresentata dalle seguenti aree:

1. Arte professionale rivolta ai bambini con i suoi valori culturali intrinseci. In questa direzione dell'educazione estetica si risolve il problema della formazione e dello sviluppo della cultura dello spettatore degli scolari.
2. Teatro amatoriale per bambini, esistente all'interno o all'esterno della scuola, che ha fasi peculiari nello sviluppo artistico e pedagogico dei bambini.

Il teatro scolastico amatoriale è una delle forme di istruzione aggiuntiva. I dirigenti dei teatri scolastici creano programmi originali e stabiliscono i compiti di servizio al pubblico giovane. Sia il primo che il secondo rappresentano un problema scientifico e metodologico significativo. A questo proposito, è urgente oggettivare le conoscenze teoriche ed empiriche accumulate sulla pedagogia teatrale per bambini in una disciplina speciale sulla materia "pedagogia teatrale per bambini" e introdurre questa materia nei programmi delle università che formano direttori di teatri amatoriali.

1. Il teatro come soggetto, che consente di implementare le idee del complesso delle arti e applicare la formazione alla recitazione al fine di sviluppare la competenza sociale degli studenti.

La creatività artistica, compresa la recitazione, rivela la natura della personalità del bambino-creatore in modo originale e vivido.

Il problema principale nella moderna educazione teatrale dei bambini risiede nel dosaggio armonioso delle abilità tecniche nel processo educativo e delle prove insieme all'uso della natura di gioco libero della creatività dei bambini.

Già negli anni '70, il laboratorio teatrale dell'Istituto di ricerca per l'educazione artistica ha sviluppato e sostanziato l'idea di accessibilità universale della formazione teatrale primaria, che ha permesso di parlare della materia accademica “lezione di teatro”.

Negli anni successivi furono sviluppati programmi sulla tecnica dell'azione, sul discorso scenico, sul movimento scenico e sulla cultura artistica mondiale. È stata creata una raccolta di attività creative per le classi di teatro per bambini.

1. Pedagogia teatrale, il cui scopo è la formazione di capacità di comportamento espressivo, viene utilizzato nella formazione professionale e nella riqualificazione degli insegnanti. Tale formazione consente di modificare in modo significativo la normale lezione scolastica, trasformarne gli obiettivi didattici e educativi e garantire una posizione cognitiva attiva di ogni studente.

Parlando del sistema di istruzione aggiuntiva, va notato che oltre ad essere scientifico, un principio altrettanto importante della pedagogia è l'abilità artistica del processo educativo. E in questo senso, il teatro scolastico può diventare uno spazio-club unificante per la comunicazione sociale e culturale informale tra bambini e adulti attraverso la percezione di un fenomeno artistico originale.

Vale la pena ricordare che il fiorire della democrazia nell'antica Grecia è in gran parte dovuto al rito della convivenza degli abitanti della città della grande drammaturgia dei loro compagni di tribù durante le rappresentazioni, nella cui preparazione e conduzione era stata quasi tutta la città occupato. Padroneggiare il materiale di apprendimento attraverso la vita crea credenze di conoscenza. L'empatia è lo strumento più importante dell'educazione.

Nell'ambito dell'educazione teatrale dei bambini, il problema del personale è ancora acuto. Le università non formano direttori-insegnanti di educazione teatrale per bambini e teatro amatoriale per bambini. Se i laureati hanno in qualche modo familiarità con le tecniche di messa in scena, allora quasi non hanno familiarità con il processo pedagogico teatrale.

Ciò richiede la creazione di istituzioni educative specializzate secondarie di profilo che formino direttori-insegnanti di teatri per bambini, che dovrebbero conoscere bene le specificità dei metodi di insegnamento della recitazione e delle prove dei bambini.

Recentemente è sorto un grosso problema in relazione alla commercializzazione della creatività dei bambini, compresa la recitazione. Il desiderio del risultato più veloce ha un effetto negativo sul processo pedagogico. Lo sfruttamento di dati esterni, emotività naturale, fascino dell'età distrugge il processo per diventare un futuro artista, porta alla svalutazione dei suoi valori.

Va ricordato che il processo teatrale ed educativo, per la sua peculiare natura sintetica del gioco, è il mezzo più potente di educazione proprio attraverso il vivere i modelli culturali spirituali dell'umanità.

A questo proposito, va notato che negli ultimi anni, grazie all'impegno del personale del laboratorio teatrale dell'Istituto di ricerca per l'educazione artistica, lo stile socio-reciproco si è diffuso nella pedagogia teatrale.

"Stile di gioco sociale in pedagogia ha ricevuto il suo nome nel 1988. È nato all'intersezione delle tendenze umanistiche nella pedagogia teatrale e nella pedagogia della cooperazione, che è radicata nella pedagogia popolare.

L'urgenza di un cambiamento sociale nella società ha spinto molti educatori a ricercare un nuovo livello di democratizzazione e umanizzazione del processo pedagogico. Quindi, grazie agli sforzi del famoso psicologo E. B. Shuleshko, dell'innovativo insegnante L. K. Filyakina e degli insegnanti di teatro A.P. Ershova e V. M. Bukatov, sorse un nuovo o "vecchio ben dimenticato", chiamato "pedagogia del gioco sociale".

Avendo adottato con cura lo spirito della democrazia dalla pedagogia popolare, dalla cooperazione legata all'età, dal sincretismo del processo di apprendimento e, dopo averlo arricchito con una base di esercizi pratici dalla pedagogia teatrale basata sul metodo di K. S. Stanislavsky e la "teoria dell'azione" di P. M. Ershov , lo stile socio-ludico permette di comprendere, in primis, il ruolo dell'insegnante nel processo educativo. Il ruolo guida dell'insegnante è da tempo definito ed entrato in pratica come uno dei principali principi didattici. Ma ogni tempo storico implica il proprio livello di democrazia, il processo di armonia tra le persone e una nuova comprensione del ruolo di un leader e, in particolare, di un insegnante. Ogni persona sovrana, nel tempo necessario alla causa comune, trova responsabilmente e consapevolmente il suo posto nel processo generale del fare - probabilmente in questo modo è possibile definire un nuovo livello di armonia verso cui la pedagogia della cooperazione e, in particolare, , pedagogia teatrale . Ciò non annulla il principio di un altro livello di modalità “fai come me”, ma suggerisce una più ampia portata delle manifestazioni dell'indipendenza dello studente e, soprattutto, del suo diritto all'errore. È importante stabilire l'uguaglianza tra studente e insegnante. Un insegnante che ha o si concede il diritto di sbagliare, rimuove così la paura di un atto autonomo di uno studente che ha paura di sbagliare o di “farsi del male”. Dopotutto, l'insegnante è costantemente tentato di dimostrare la sua abilità, correttezza e infallibilità. In questo senso, si allena di più ad ogni lezione, affinando le sue capacità e dimostrandolo con sempre più "genialità" di fronte a "bambini analfabeti e completamente inetti". Un errore per un tale insegnante equivale alla perdita di autorità. La pedagogia autoritaria e qualsiasi sistema autoritario si basano sull'infallibilità del leader e sulla paura di perderlo.

Per la pedagogia teatrale, prima di tutto, è importante cambiare questa posizione dell'insegnante, ad es. rimuovere da lui e dagli studenti la paura di sbagliare.

La prima fase della padronanza della pedagogia teatrale nella sua dominante persegue proprio questa catena: dare l'opportunità di "essere nei panni" dello studente e vedere dall'interno cosa sta succedendo a coloro a cui insegniamo, guardare noi stessi dall'esterno. È facile ascoltare il compito, lo studente-insegnante è in grado di ascoltare l'insegnante e, soprattutto, i suoi colleghi? Si scopre che la maggior parte degli insegnanti ha queste capacità molto peggio dei "bambini inetti e analfabeti". Il compito degli studenti-insegnanti è lavorare alla pari con i colleghi, e non dimostrare la capacità acquisita di “zittire tutti”, o di tacere in un angolo.

Gli insegnanti spesso non hanno la pazienza di permettere ai bambini di "giocare", "fare qualcosa". Vedendo un “errore”, il maestro si sforza subito di eliminarlo con le sue lunghe e non ancora richieste spiegazioni o con un “brillante” accenno. Quindi la paura di "non importa quello che hanno fatto" colpisce le mani, in conseguenza della quale gli studenti smettono di creare e diventano esecutori di idee e piani di altre persone. Il desiderio pedagogico di "fare del bene più spesso e di più" è spesso solo un desiderio inconscio di dichiarare la propria importanza, mentre i bambini stessi possono capire gli errori che guidano la loro ricerca. Ma l'insegnante vuole dimostrare costantemente la sua importanza, necessità e diritto all'amore e alla riverenza.

La pedagogia teatrale si propone di vedere il significato nell'organizzazione stessa del processo di ricerca, l'organizzazione di una situazione-attività problematica in cui i bambini, comunicando tra loro, scopriranno qualcosa di nuovo attraverso un gioco di compiti, tentativi ed errori. Spesso i bambini stessi non possono organizzare tale attività di ricerca e creatività e sono grati alla persona che ha organizzato per loro la vacanza di ricerca e comunicazione.

Ma la vacanza non avrà luogo se il "padrone di casa" è in cattive condizioni di salute. L'uguaglianza dell'insegnante e dei bambini non è solo nel diritto a commettere un errore, ma anche nell'interesse adeguato. Anche un adulto dovrebbe essere interessato al gioco, è il fan più attivo per il successo del gioco. Ma il suo ruolo è organizzativo, non ha tempo per “flirtare”. L'organizzatore della vacanza è sempre impegnato con i "prodotti", "carburante" per l'interessante attività mentale dei bambini.

L'insegnante, l'organizzatore, l'animatore dell'attività didattica ludica, agisce in questo caso come il direttore della creazione di una situazione di comunicazione amichevole attraverso il controllo del proprio comportamento e di quello degli studenti.

L'insegnante deve padroneggiare perfettamente il materiale contenuto della materia, che gli darà fiducia nel suo comportamento e velocità nella sua trasformazione metodologica del gioco del materiale in una forma di compito di gioco. Ha bisogno di padroneggiare le tecniche di regia e messa in scena pedagogica. Ciò significa essere in grado di tradurre il materiale educativo in attività problematiche di gioco. Distribuire il contenuto della lezione in episodi semantici logicamente interconnessi. Rivela il problema principale del materiale didattico e traducilo in una serie coerente di compiti di gioco. Può essere sia sotto forma di gioco didattico che sotto forma di gioco di ruolo. È necessario disporre di un ampio arsenale di mosse di gioco e accumularle costantemente. Quindi puoi sperare nella possibilità dell'improvvisazione durante la lezione, senza la quale la lezione diventerà stereotipata morta.

È importante sviluppare una gamma di controllo sul tuo comportamento nella comunicazione. Per padroneggiare abilità recitative e pedagogiche, per padroneggiare una varietà di tecniche di influenza. È necessario padroneggiare la tua mobilitazione corporea ed essere un esempio di determinazione aziendale. Trasuda gioioso, nonostante gli errori e i fallimenti, il benessere. Eventuali conflitti di posizione che sorgono nel lavoro educativo, si sforzano di neutralizzare con il loro approccio aziendale, senza entrare in alterchi. Essere in grado di gestire l'iniziativa, regolando la tensione delle forze e la distribuzione delle funzioni lavorative dei partecipanti al processo. Per fare ciò, usa in qualche modo le leve della persistenza per intero: volume della voce diverso (a partire da un sussurro), la sua altezza, diversa velocità di movimento in classe e nel parlare, estensioni ed estensioni, cambio di varie influenze verbali. In ogni caso, cerca di scoprire la cordialità degli interessi degli studenti e dell'insegnante. E non per dichiararlo, ma per trovarlo nella realtà, senza sostituirlo con l'ipocrisia pedagogica sull'amore universale e sulla necessità di acquisire conoscenza. Sforzati sempre di procedere dalle circostanze effettivamente proposte, da come è realmente e non da come dovrebbe essere. Distruggi il bacillo della doppia morale, quando tutti sanno e fanno com'è, ma lo dicono come è consuetudine.

Le seguenti regole di gioco aiutano l'insegnante a sviluppare e rafforzare l'unione di partecipanti uguali nel processo di apprendimento del gioco:

1. 1. Il principio dell'improvvisazione. "Qui, oggi, ora!" Sii pronto per l'improvvisazione nei compiti e nelle condizioni per la sua attuazione. Preparati a errori di calcolo e vittorie sia per i tuoi che per i tuoi studenti. Superare tutti gli ostacoli da incontrare come un'eccellente opportunità per la comunicazione dal vivo dei bambini tra loro. Per vedere l'essenza della loro crescita nei momenti di incomprensione, difficoltà, interrogazione.
2. Non "masticare" ogni compito. Il principio della mancanza di informazione o di reticenza."Non ho capito" nei bambini spesso non è associato al processo di comprensione stesso. Può essere solo una difesa - "Non voglio lavorare, mi prendo tempo", il desiderio di attirare l'attenzione dell'insegnante e l'abitudine scolastica di "scaricare" - l'insegnante è obbligato a "masticare tutto e mettiglielo in bocca”. Qui sono necessari commenti professionali, i più urgenti, che diano l'impostazione iniziale per le attività congiunte e la comunicazione dei bambini tra loro. È necessario dare l'opportunità di chiarire con i coetanei qual è la domanda veramente incomprensibile. Questo non significa cancellare ciò a cui i nostri figli sono abituati da tempo, significa legalizzare l'assistenza reciproca. Tale chiarimento è utile per entrambi più delle molteplici spiegazioni dell'insegnante. I coetanei si capiranno più velocemente. Inoltre, inizieranno a farlo - capiranno!
3. Anche se, secondo te, il compito non è realmente compreso dai bambini, ma stanno facendo qualcosa, non affrettarti a interrompere e spiegare l'opzione "corretta". Spesso l'esecuzione "errata" dell'attività apre nuove possibilità per la sua applicazione, una nuova modifica, di cui non si ha idea. Forse qui l'attività dei bambini è più costosa e non il corretto adempimento delle condizioni del compito. È importante che ci sia sempre la possibilità di formarsi alla ricerca di una soluzione al problema e l'autonomia nel superare gli ostacoli. Questo è il principio di priorità dell'iniziativa studentesca.
4. Spesso l'insegnante prova emozioni negative acute di fronte al rifiuto dei bambini di completare il compito. Ha "soffrito, creato, inventato di notte" e ha portato ai bambini un "regalo", per il quale si aspetta una ricompensa naturale: gioiosa accettazione e incarnazione. Ma a loro non piace e non vogliono la zuppa di pesce di Demyanova. E poi c'è un insulto ai "refusenik" e, alla fine, la conclusione è "sì, non hanno bisogno di niente! ..". Quindi ci sono due campi in guerra di studenti e insegnanti, streibreicher-studenti eccellenti e "difficili". Difficili sono coloro che non possono o non vogliono compiacere l'insegnante. Il principio della priorità degli studenti: "Lo spettatore ha sempre ragione!"

Il consiglio qui è di riallineare la tua posizione generale verso il rifiuto. Se provi a vedere in esso un suggerimento per te stesso, un vero "feedback" che gli insegnanti sognano, questo sarà percepito come un regalo di ritorno da parte del bambino. In primo luogo, ha mostrato la sua indipendenza, l'indipendenza che avresti coltivato in lui. E in secondo luogo, ha attirato la vostra attenzione sulla necessità di una valutazione più approfondita del livello di preparazione e degli interessi degli studenti. Questo ti aiuterà a trovare l'adeguatezza del tuo compito al livello di necessità. È in questo momento che migliori come insegnante, a meno che ovviamente non ne abbia bisogno.

1. Una delle tecniche centrali è lavorare sul compito in piccoli gruppi.. È qui, in una situazione di complementarietà e di continuo cambiamento delle funzioni di ruolo, che tutte le tecniche e le competenze per creare un'atmosfera comune nel lavoro congiunto funzionano efficacemente e vengono costantemente affinate. Si sta sviluppando un cambio di funzioni di ruolo (insegnante-studente, leader-seguace, complementare), poiché la composizione dei gruppi è in continua evoluzione. C'è una necessità oggettiva di includere ogni membro del gruppo nel lavoro, poiché tenere la risposta per il gruppo può ricadere su qualsiasi partecipante a sorte. Questo è principio di business, non ambizione."Oggi giochi ad Amleto e domani sei un extra".
2. 6. Principio “Non giudicare…” Il tatto è praticato nella capacità di "giudicare" il lavoro di un altro gruppo sul caso, e non su simpatie e rivendicazioni personali, che si traducono in insulti e dolore reciproci. Per evitare tali "resa dei conti", l'insegnante deve stabilire criteri specifici di tipo professionale per valutare l'esecuzione dei compiti.

Ad esempio: sei riuscito o meno a rispettare l'orario stabilito? Tutti o non tutti i membri del gruppo sono stati coinvolti nella dimostrazione della risposta? Sei d'accordo o in disaccordo con la risposta? Tali criteri inequivocabili, non correlati alle valutazioni "mi piace - non mi piace, cattivo - buono", in primo luogo controllano, in primo luogo, il quadro organizzativo del compito. In futuro, studiando i criteri di valutazione, gli studenti imparano a tracciare e notare l'obiettivo, e non il lato gustativo del fenomeno. Ciò consente di rimuovere l'acutezza del problema delle ambizioni contrastanti nel lavoro collettivo e di conservare in modo più costruttivo le registrazioni del materiale padroneggiato.

Affidando periodicamente il ruolo di “giudice” agli studenti, l'insegnante amplia l'ambito della loro autonomia e riceve una valutazione obiettiva delle sue attività: ciò che i suoi alunni hanno realmente appreso, e non secondo le sue idee. In questo caso, le frasi "Gliel'ho detto cento volte! .." non salveranno. Prima vediamo i veri frutti delle nostre attività, più tempo e possibilità abbiamo per cambiare qualcos'altro.

1. Principio conformità del contenuto dell'opera con una determinata forma esterna, ad es. messa in scena. Soluzione mis-en-scene del processo educativo. Ciò dovrebbe essere espresso nella libera circolazione di studenti e insegnanti nello spazio della classe, a seconda della necessità del contenuto del lavoro. Questa è l'abitazione dello spazio, per la sua appropriazione e per il suo confortevole benessere in esso. Questa è la ricerca del posto di un insegnante in ogni situazione specifica è diversa. Il lavoro non dovrebbe servire a un ordine esterno, ma l'ordine dovrebbe cambiare a seconda delle esigenze del lavoro.
2. Il principio di problematizzazione.

L'insegnante formula il compito come una sorta di contraddizione, che porta gli studenti a vivere uno stato di impasse intellettuale e li immerge in una situazione problematica.

Una situazione problematica (problema-compito, situazione-posizione) è una contraddizione tra la gamma di circostanze proposte e le esigenze di un individuo o di un gruppo di individui all'interno di questo circolo vizioso.

Pertanto, una situazione problematica è un modello psicologico delle condizioni per generare il pensiero basato sulla dominante situazionale di un bisogno cognitivo.

La situazione problematica caratterizza l'interazione del soggetto con il suo ambiente. Interazione tra personalità e ambiente oggettivo contraddittorio. Ad esempio, l'incapacità di completare un compito teorico o pratico con l'aiuto di conoscenze e abilità precedentemente acquisite. Questo porta alla necessità di armarsi di nuove conoscenze. È necessario trovare qualche incognita che permetta di risolvere la contraddizione che è sorta. L'oggettivazione o oggettivazione di questo sconosciuto assume la forma di una domanda auto-interrogativa. Questo è il collegamento iniziale nell'attività mentale che collega l'oggetto e il soggetto. Nelle attività educative, tale domanda viene spesso posta dall'insegnante e rivolta allo studente. Ma è importante che lo studente stesso acquisisca la capacità di generare tali domande. Alla ricerca di una risposta alla domanda di nuove conoscenze, il soggetto sviluppa o vive il percorso verso la generazione della conoscenza.

In questo senso, la situazione problematica è il concetto primario e centrale della pedagogia teatrale e, in particolare, dello stile di apprendimento socio-ludico.

L'apprendimento basato sui problemi è un modo organizzato dall'insegnante di interazione dello studente con il contenuto rappresentato dal problema della materia di studio. La conoscenza così ottenuta viene vissuta come una scoperta soggettiva, la comprensione come un valore personale. Ciò consente di sviluppare la motivazione cognitiva dello studente, il suo interesse per la materia.

Nella formazione, creando una situazione problematica, si modellano le condizioni per le attività di ricerca e lo sviluppo del pensiero creativo. I mezzi per gestire il processo di pensiero nell'apprendimento basato sui problemi sono domande problematiche che indicano l'essenza del problema educativo e l'area di ricerca di conoscenze sconosciute. L'apprendimento basato sui problemi si realizza sia nel contenuto della materia di studio che nel processo di padronanza. Il contenuto è realizzato attraverso lo sviluppo di un sistema di problemi che riflettono il contenuto principale dell'argomento.

Il processo di apprendimento è organizzato dalla condizione di un dialogo paritario tra l'insegnante e lo studente, e gli studenti tra loro, in cui sono interessati ai reciproci giudizi, poiché tutti sono interessati a risolvere la situazione problematica in cui si trovano tutti. È importante raccogliere tutte le soluzioni ed evidenziare quelle fondamentalmente efficaci. Qui, con l'aiuto di un sistema di problemi educativi causati da situazioni problematiche, vengono modellate l'attività di ricerca tematica e le norme dell'organizzazione sociale della comunicazione dialogica dei partecipanti alla ricerca, che di fatto è alla base della pedagogia teatrale del processo di prova e dell'educazione, che permette di sviluppare le capacità mentali degli studenti e la loro socializzazione.

Il mezzo principale per verificare qualsiasi ipotesi è una verifica sperimentale che confermi l'evidenza dei fatti; nella pedagogia teatrale, può essere una messa in scena o uno schizzo, un esperimento mentale o un'analogia. Poi c'è necessariamente un processo di discussione di prova o giustificazione.

in scena comprende il processo educativo e pedagogico di creazione di un piano per l'esperimento-studio di un attore e la sua attuazione. Ciò significa assemblare la gamma di circostanze proposte della situazione, fissare gli obiettivi e gli obiettivi dei suoi partecipanti e realizzare questi obiettivi nell'interazione scenica, con determinati mezzi a disposizione dei personaggi della storia. A differenza di uno schizzo di recitazione professionale, in una situazione educativa generale, non è l'abilità recitativa in sé che è importante, ma i suoi modi di appropriarsi della situazione. Questo è un processo di immaginazione creativa e giustificazione mentale delle circostanze proposte e un'efficace sperimentazione per verificare l'ipotesi proposta per risolvere il problema. Può anche essere una ricerca di una soluzione attraverso l'improvvisazione nelle circostanze proposte.

Gli studenti, avendo perso lo studio-esperimento, hanno praticamente visitato la situazione studiata e testato i presupposti e le opzioni per il comportamento e la risoluzione del problema in una situazione simile sulla loro esperienza di vita-gioco. Inoltre, gli studi educativi e cognitivi possono essere progettati sia per ricreare completamente la situazione necessaria, sia situazioni simili, simili nell'essenza, ma diverse nella forma, che possono essere più vicine e familiari agli studenti. Il metodo etude, come metodo di studio di una situazione o di un determinato contenuto, prevede la formulazione di un problema e il compito di risolverlo, la creazione di un elenco di regole di comportamento del conflitto di gioco (cosa è possibile e cosa non lo è) che creare una situazione problematica di gioco, uno studio-esperimento e la sua analisi. In questo caso, il passaggio principale è l'analisi. Nell'analisi, la struttura data delle regole del gioco viene confrontata con quelle effettivamente esistite, cioè viene valutata la purezza dell'esperimento. Se si seguono le regole, i risultati ottenuti sono affidabili. Alla discussione sull'analisi del rispetto delle regole partecipano sia gli studenti-interpreti che gli studenti-osservatori, ai quali spetta inizialmente il ruolo di controllori. È questo processo competitivo ternario di interscambio di informazioni vissute nello studio, osservate e controllate che consente agli studenti di entrare in una posizione riflessiva che muove efficacemente il processo di generazione di nuova conoscenza. Non importa affatto come hanno giocato gli studenti-interpreti in termini di tecnica di recitazione della plausibilità (ovviamente descrivono o illustrano tutto), è importante ciò che gli studenti-osservatori hanno visto in questo. E sono in grado di vedere in un semplice studio dei loro compagni molte nuove idee e soluzioni al problema, che gli artisti non sospettano nemmeno o non pianificano. In fondo “è più visibile dall'esterno”, soprattutto quando si hanno le informazioni necessarie!.. Anche prima della percezione del soggetto, siamo pieni di significati a riguardo, perché abbiamo esperienza di vita. Questi “punti di vista da diverse angolazioni”, ricordiamo ancora la nostra parabola preferita sui ciechi e l'elefante, e consentono ai partecipanti a tale lavoro di arricchirsi gli uni dagli altri di nuove parti della verità attraverso le relazioni soggetto-riflessive, lottando per la sua integrità. La riflessione in questo caso è intesa come esposizione reciproca dei soggetti e delle loro attività in almeno sei posizioni:

Le regole del gioco stesse, come sono in questo materiale, sono il controllo;

L'esecutore come si vede e cosa ha fatto;

L'esecutore e ciò che ha fatto, visto dagli osservatori;

E le stesse tre posizioni, ma di un altro argomento.

Quindi c'è un doppio specchio che mostra reciprocamente le attività dell'altro.

Lo stesso si può fare seduti a tavola, senza uscire dal parco giochi. Questo metodo può essere chiamato condizionatamente un esperimento mentale o immaginario, che nella pratica teatrale è chiamato "lavoro a tavola".

Quindi la moderna pedagogia teatrale si avvicina in modo completo alla formazione dell'intero spettro delle capacità sensoriali dei bambini, allo stesso tempo c'è un accumulo di competenze nella creazione di un'armonia di comunicazione interpersonale, la portata dell'attività creativa e mentale indipendente si sta espandendo, il che crea un ambiente confortevole e, soprattutto, le condizioni naturali per il processo di apprendimento e comunicazione. I metodi della pedagogia teatrale risolvono non solo i problemi educativi speciali dell'educazione teatrale, ma consentono anche di applicarli con successo nella risoluzione di problemi educativi generali.

Certo, in un breve articolo è impossibile riflettere oggi tutte le nuove tendenze e idee della pedagogia teatrale. Per me era importante prestare attenzione alle tendenze moderne più efficaci, secondo me, che attualizzano il problema della conservazione delle tradizioni della scuola teatrale russa e della creatività teatrale dei bambini.

Danilov SS Saggi sulla storia del teatro drammatico russo. - M.-L, 1948. S.278.

Tebiev BK e altri Teatro di Tula. Saggio di storia e storia dell'arte. - Tula, 1977. S.16-17.

Pirogov NI Pedagogico selezionato opere - M., 1953. S. 96-103

cit. secondo il libro Aiutare famiglie e scuole. Accademia Pedagogica in saggi e monografie. - M., 1911 C 185.

Risoluzioni del 1 ° Congresso panrusso sulla pubblica istruzione (sulle sezioni e sulle commissioni) // Bollettino dell'istruzione 1914 n. 5 Appendice C 12.

Congresso tutto russo del teatro popolare a Mosca. Deliberazioni della sezione scuola del congresso. // Scuola e vita. 1916. No. 2. Stb. 59.

Là. S. 60.

Vedi: Shatsky ST Vita allegra. // Pedagogico. saggi. In 4 voll, T. 1 - M, 1962. C 386-390.

1 Naturalmente, questo è inaccettabile nell'educazione teatrale, dove, in primo luogo, è importante il processo organico di vivere una situazione condizionale.

Il programma educativo aggiuntivo è progettato per bambini di età compresa tra 8 e 14 anni e comprende le seguenti sezioni: "Tecnica del linguaggio", "Espressività del linguaggio", "Cultura della comunicazione", "Creatività letteraria", "Fondamenti di scenotecnica", "Formazione psicofisica ". La maggior parte delle ore di insegnamento ricade su sezioni come "Creatività letteraria" e "Fondamenti delle arti dello spettacolo".

Il progetto che voglio presentare alla vostra attenzione si chiama così:

Perché ho affrontato questo problema?

Gli studenti più giovani hanno bisogno delle capacità di comunicazione reciproca, delle capacità di lavoro di squadra, quando tutti dipendono da tutti e tutto dipende da tutti? I bambini hanno bisogno di coraggio creativo, di fiducia nelle proprie forze?

Tutti questi problemi sono risolvibili e possono essere implementati attraverso i metodi della pedagogia teatrale, che hanno dimostrato la loro fattibilità come mezzo per ottenere i risultati desiderati.

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Anteprima:

La creatività teatrale come mezzo di socializzazione della personalità del bambino

Io, Kareva Irina Valentinovna, insegnante di istruzione aggiuntiva, sono a capo dell'associazione "Lira".Il programma educativo aggiuntivo, sulla base del quale costruisco le mie attività, è pensato per i bambini di età compresa tra 8 e 14 anni e comprende le seguenti sezioni: "Tecnica del discorso", "Espressività del discorso", "Cultura della comunicazione", "Creatività letteraria" , "Fondamenti di spettacolo teatrale", "Formazione psicofisica". La maggior parte delle ore di insegnamento ricade su sezioni come "Creatività letteraria" e "Fondamenti delle arti dello spettacolo".

Il progetto che voglio presentare alla vostra attenzione si chiama così:

La creatività teatrale come mezzo di socializzazione della personalità del bambino.

Perché ho affrontato questo problema?

Il bambino ha 7 anni, va a scuola. È all'inizio che il bambino deve imparare le modalità di comunicazione di base, non avere paura delle situazioni problematiche, acquisire esperienza nel risolverle, sviluppare curiosità, bisogno di conoscenza.

Gli studenti più giovani hanno bisogno delle capacità di comunicazione reciproca, delle capacità di lavoro di squadra, quando tutti dipendono da tutti e tutto dipende da tutti? I bambini hanno bisogno di coraggio creativo, di fiducia nelle proprie forze? Hai bisogno di esercizi che allenino la memoria, l'immaginazione, la chiarezza del discorso, il controllo vocale? Tutti questi problemi sono risolvibili e possono essere implementati attraverso i metodi della pedagogia teatrale, che hanno dimostrato la loro fattibilità come mezzo per ottenere i risultati desiderati. Sono applicabili nelle condizioni di qualsiasi classe, scuola, squadra di bambini. Mettere in scena, immaginare qualcuno, leggere poesia e prosa artisticamente, condurre lezioni fuori dagli schemi con narrativa, attività extracurriculari, vacanze - in tutto questo d azioni, ci sono caratteristiche del linguaggio teatrale.

I giochi teatrali sono la tecnologia pedagogica più efficace per lo sviluppo della personalità creativa dei bambini in età di scuola primaria e secondaria

Il compito di sviluppare una personalità creativa nel processo di istruzione e formazione, stabilito dalla leggeFederazione Russa "Sull'istruzione",è uno dei socialmente significativi nella società moderna. I compiti pratici dell'istruzione complementare per i bambini sono definiti come segue: “fornire le condizioni necessarie per lo sviluppo personale, la promozione della salute, l'autodeterminazione professionale e il lavoro creativo dei bambini, il loro adattamento alla vita nella società; la formazione di una cultura comune; organizzazione di un tempo libero significativo”.

Lo spazio educativo degli istituti di istruzione complementare per i bambini crea le condizioni più favorevoli per la loro attuazione.

Rilevanza del problemaa causa dei cambiamenti qualitativi nell'ordine sociale della società, la necessità di persone che pensano in modo creativo.

Il teatro per bambini è un tentativo di far provare ai bambini la gioia della creatività. Allo stesso tempo, la struttura stessa del teatro, che sintetizza diverse arti, permette ai bambini di scoprire in se stessi capacità creative molto diverse. Possono essere artisti, pittori, scultori, musicisti, ballerini. Pertanto, queste attività sono molto utili per i bambini e divertenti per gli adulti.

Le lezioni in associazione teatrale aiutano il bambino a imparare a valutare adeguatamente se stesso e le proprie capacità, a integrarsi nella squadra, a determinare il luogo, il ruolo che gli è unico.

Nella società russa moderna, il problema della perdita della cultura spirituale e morale da parte delle giovani generazioni è acuto. Pertanto, nel processo di attività educativa, ci troviamo di fronte alle seguenti contraddizioni:

Questo progetto mira a trovare modi per risolvere i seguenti problemi:

perdita della cultura spirituale e morale da parte delle giovani generazioni;

mancanza di un sistema coerente e propositivo per la formazione dei valori culturali tra gli studenti;

il problema dello sviluppo delle capacità comunicative nei bambini in varie situazioni di vita con coetanei, insegnanti, genitori e altre persone che li circondano; sviluppo di adeguate attività di valutazione volte ad analizzare i propri comportamenti e le proprie azioni.

L'argomento dello studio èCreatività teatralecome il tipo più naturale e organico di attività per bambini, che consente di espandere le possibilità creative del bambino e aiuta l'adattamento psicologico nella squadra.

Attraverso il gioco delle pantomime, l'inclusione graduale di affermazioni spontanee, gli studenti arrivano alla consapevolezza della comunicazione orale, imparano a controllare la propria voce, i gesti, le espressioni facciali. La partecipazione ad attività teatrali regala un'esperienza sociale molto importante di comunicazione con amici e sconosciuti, con amici, con anziani e disabili, l'esperienza di una corretta conversazione telefonica, e di comportamento nei luoghi pubblici. Il teatro permette a qualcuno di ricordare, ea qualcuno di imparare le fiabe più comuni, le loro trame, di svelare attraverso la messa in scena i tratti dei personaggi, i loro personaggi. "Repertorio" si espande secondo necessità.

Obiettivo del progetto

creazione di condizioni per la divulgazione dell'individualità creativa del bambino attraverso la sua inclusione nelle attività teatrali

I compiti più importanti del progetto di ricerca sono

1) formazione:

• la formazione di conoscenze e abilità speciali relative alle attività teatrali;
• formazione di competenze culturali performative;
• imparare a lavorare in autonomia su se stessi e sul ruolo.

2) sviluppando:

• realizzazione delle capacità creative del bambino attraverso l'arte del teatro di figura e dell'attività teatrale in genere basata sullo sviluppo delle qualità personali;
• sviluppo delle capacità comunicative, organizzative;
• promuovere lo sviluppo della cultura personale individuale.

3) educativo:

• favorire il senso di responsabilità verso se stessi come parte di un'unica squadra;
• educazione delle psicotecniche interne dell'attore;
• educazione alla necessità di un lavoro costante sulla propria personalità, sull'immagine.
• formazione di una cultura della dignità tra gli studenti; autoespressione dell'individuo.

L'attuazione di questo progetto di ricerca presuppone che Se il bambino è impegnato in un'associazione teatrale, poi ha l'opportunità di mostrare le sue capacità versatili, creando le proprie opere nel processo di attività artistica e creativa pedagogicamente organizzata.

La fase 1 del progetto è propedeutica.

• Selezione della letteratura sul problema della ricerca
• Selezione di esercizi didattici per lo sviluppo delle capacità comunicative.
• Compilazione e selezione di metodi diagnostici sull'argomento per monitorare lo sviluppo delle capacità creative dei bambini nelle attività teatrali e di gioco.

In questa fase, i bambini imparano le basi della cultura dello spettatore, l'arte del teatro delle marionette. Durante questo periodo:

• preparazione dell'apparato psicofisico e creativo (recitazione) del bambino;
• padronanza teorica di concetti e terminologia, abilità sceniche elementari.

La fase 2 è quella principale.

L'attività è finalizzata all'ulteriore sviluppo delle competenze acquisite, al miglioramento delle capacità performative, all'attuazione di iniziative creative:

• sviluppo di capacità e abilità nelle attività organizzative;
• stabilire relazioni strette tra bambini e genitori attraverso il tempo libero comune;
• realizzazione delle capacità dei bambini attraverso attività educative in vari tipi di creatività;
• analisi, taglio diagnostico, studio della personalità dell'allievo

• Correzione di metodi e tecniche del contenuto del lavoro con bambini e genitori sul problema dell'attuazione di un progetto pedagogico.
• Elaborazione di percorsi individuali per lo sviluppo creativo e la crescita dei figli degli alunni dello studio teatrale.

La fase finale

implica l'applicazione delle conoscenze acquisite e l'implementazione delle capacità creative in attività trasformative:

• partecipazione degli alunni alla realizzazione della performance, lavoro individuale sul ruolo;
• fornire un'opportunità per ogni bambino all'autodeterminazione attraverso la partecipazione ad attività teatrali e ricreative-creative;
• organizzazione delle attività progettuali, creazione di sceneggiature d'autore, proiezioni e proiezioni;
• organizzazione di classi in gruppi creativi di diverse età, in cui gli alunni più grandi svolgono la funzione di istruttori.

Nelle lezioni di teatro è importante, prima di tutto, formare nei bambini la capacità di lavorare in piccoli gruppi, di dare le basi della recitazione, di insegnare loro a mantenere la mobilitazione, ad avere un'attenzione volontaria, a lavorare in gruppo. Questa è la prima fase dell'apprendimento della recitazione. C'è una padronanza della legge del lavoro collettivo: "Essere al momento giusto per la causa comune nel posto giusto". Poi tutto si risolverà. Cioè, è in corso l'organizzazione del lavoro del team e si stanno sviluppando le capacità di comunicazione. Questo può essere trasferito con successo ad altre lezioni, dove gli studenti sono altrettanto pronti a comunicare, lavorare in piccoli gruppi, spostarsi facilmente da un gruppo all'altro, cambiare facilmente i ruoli di "leader - follower", "studente - insegnante".

Risultati attesi del progetto:

• Padronanza teorica di concetti e terminologia, abilità di fase elementare, applicazione pratica di conoscenze e abilità.
• Padroneggiare qualità professionalmente significative: percezione emotiva del linguaggio, pensiero figurativo, immaginazione, coordinazione motoria, capacità di improvvisare.
• Realizzazione delle abilità dei bambini attraverso attività educative in vari tipi di creatività.
• Insegnare agli alunni la capacità di compiere scelte autonome, la formazione delle capacità comunicative.
• Volontà e capacità di essere creativi non solo nell'arte, ma anche nella scienza e in altri ambiti della vita e dell'attività.

Parlando di educazione sociale di un bambino, significano prima di tutto la formazione di una personalità matura e socialmente attiva. I parametri per determinare l'attività creativa e le capacità comunicative dei bambini sono i seguenti:

discorso attivo, socievolezza, desiderio di partecipare a giochi teatrali, reattività emotiva, capacità di trasmettere emozioni di base attraverso espressioni facciali e gesti, capacità di condurre un dialogo, capacità di ascoltare e ascoltare un partner, integrarsi in una squadra

Conclusione

Il significato pratico di questo progetto per altri insegnanti.

L'attività innovativa sull'uso delle tecnologie artistico-pedagogiche ne ha confermato la produttività. Nel processo di elaborazione del progetto, ho potuto fare in modo che l'arte come strumento didattico, integrando nelle varie materie scolastiche, le attività educative, crei le condizioni più favorevoli per la formazione di un'immunità estetica ed etica come indicatore dell'energia spirituale e la cultura morale dell'individuo. Questo progetto è considerato nel contesto della tecnologia educativa "Teatro Pedagogico", che può essere richiesto da insegnanti di materie, psicologi scolastici, organizzatori di insegnanti, insegnanti di istruzione complementare;

• l'uso delle tecniche di pedagogia teatrale si inserisce con successo nel sistema educativo e educativo degli scolari più piccoli, contribuendo allo sviluppo e alla formazione della loro personalità;
• la partecipazione al teatro fornisce un'esperienza sociale di comunicazione molto importante;
• nel gioco il bambino entra attivamente in contatto con i fenomeni della realtà, li vive, e questo riempie la sua vita di ricchi contenuti e lascia una traccia nella sua memoria a lungo;
• la pedagogia teatrale consente lo sviluppo dell'immaginazione, della memoria, ti insegna a esprimere liberamente i tuoi pensieri e sentimenti attraverso la parola, il gesto, l'intonazione, le espressioni facciali;
• la partecipazione dei bambini alle rappresentazioni dà loro gioia e soddisfazione.

Istituto di educazione aperta di Mosca

Dipartimento di Educazione Estetica e Studi Culturali

Laboratorio di Progetti Teatrali Interattivi

lo stato che chiamerò stato scolastico dell'anima, che purtroppo tutti conosciamo così bene, consiste nel fatto che tutte le capacità superiori - immaginazione, creatività, ragione - lasciano il posto ad altre capacità semi-animali - di pronunciare i suoni, indipendentemente dall'immaginazione, contano i numeri di seguito: 1,2,3,4,5, percepiscono le parole, non permettendo all'immaginazione di sostituirle con immagini; in una parola, la capacità di sopprimere tutto in se stessi

le più alte capacità per lo sviluppo solo di quelle che coincidono con lo stato scolastico: paura, tensione della memoria e attenzione. LN Tolstoj

Il posto della pedagogia teatrale nella struttura dei moderni approcci pedagogici

Sistema-attività un approccio:

L'assimilazione del contenuto dell'educazione e lo sviluppo dello studente nel proprio processo Pedagogia dell'Arte: attività vigorosa. Assimilazione del contenuto dell'educazione e sviluppo dello studente nel processoolistico-figurativo conoscenza del mondo e artistico e creativo Attività teatrali di pedagogia: .

La particolarità del metodo cognitivo nella pedagogia teatrale

Definizione di pedagogia artistica

Il concetto di "pedagogia dell'arte"è attivamente utilizzato nella comunità pedagogica, ma non ha ancora definizioni chiare.

Ci sono due tendenze principali nella comprensione di questo fenomeno: la pedagogia, che viene implementata nelle lezioni d'arte (arte, musica, MHK, teatro, ecc.) e la pedagogia, che si basa su pensiero olistico-figurativo e pratiche di vivere il contenuto dell'educazione in qualsiasi area disciplinare.

Parleremo della pedagogia dell'arte in entrambi i suoi significati. Perché quelle pratiche che considereremo si sono formate principalmente nelle lezioni d'arte e solo allora potrebbero diventare rilevanti per qualsiasi contenuto educativo.

Il significato e il posto della pedagogia dell'arte nell'educazione

“L'immagine funge da fattore formativo nell'arte e nella scienza, nell'invenzione.

L'immaginazione è il vettore del futuro, la base della creatività - "immaginazione applicata", che offre una forma per la realizzazione dei sogni e delle aspirazioni di una persona.

È necessario parlare di un approccio culturologico all'insegnamento dell'arte in generale e della cultura come base non solo per le materie del ciclo artistico, ma, soprattutto, per tutte le altre materie accademiche, comprese quelle naturali e matematiche.

“Il rapporto dei fattori culturali nella formazione del pensiero artistico moderno di un insegnante nel campo educativo “Arte”.

“Uno studente moderno perde molto nel suo sviluppo personale a causa dell'acuto mancanza di creatività, che per natura è necessaria per una persona. La prima pratica artistica offre la migliore opportunità per acquisire esperienza creativa, e non solo un'esperienza artistica specifica, ma l'esperienza creativa in quanto tale, cioè l'esperienza generazione e realizzazione delle proprie idee.

La prima cosa che caratterizza sempre

atteggiamento estetico, - un'esperienza diretta da parte di una persona di unità con la realtà circostante : il mondo esterno non gli si oppone... ma si apre come un mondo dell'uomo, a lui connesso e comprensibile. Questo atteggiamento è disinteressato, esclude la visione della natura del consumatore quando una persona cerca il beneficio solo per se stessa, e si basa sulla comunicazione con la natura, procedendo da "interessi reciproci", e talvolta esclusivamente dal valore intrinseco del suo essere. Anche l'atteggiamento estetico di una persona verso una persona è disinteressato - come verso "un altro "io", quando una persona può mettersi al posto di un altro, intrisa dei suoi sentimenti ed esperienze, percepire il dolore di qualcun altro come proprio".

AA Melik-Pashaev "Il talento artistico e il suo sviluppo negli anni scolastici", M.2010

“In una scuola generale, l'arte come abilità dovrebbe diventare un mezzo umanizzazione dell'uomo.

Se siamo d'accordo

l'alloggio è la principale forma di trasferimento di esperienza , sentimenti, cioè trasmettere l'essenza di qualsiasi opera d'arte, quindi

è necessario riconoscere l'assimilazione come principale forse l'unico vero strada non capisco, cioè contenuto dal vivo"

BM Nemensky "Pedagogia dell'arte"

“Una componente importante è lo sviluppo delle emozioni del bambino.

Importante nello sviluppo delle capacità umane è la sfera sensoriale.

Secondo Daniel Golman (USA), sono le emozioni a essere responsabili delle decisioni, poiché una persona spesso ascolta di più ed è guidata nelle azioni dalle emozioni piuttosto che dall'intelletto. Considera le emozioni "come la capacità di ascoltare i propri sentimenti, controllare le esplosioni di emozioni, come la capacità di prendere la decisione giusta e rimanere calmi e ottimisti sulla situazione attuale".

LG Savenkova

"Problemi della didattica del campo educativo "Arte"

Principi di base della pedagogia dell'arte

Affidarsi al metodo creativo

Integrità del processo educativo

poliartistico

formazione scolastica

Polimodalità della creatività

L'intonazione come base della comprensione

Arte teatrale in una scuola secondaria

Istituzione Educativa Generale Autonoma Comunale

scuola secondaria n. 172

insegnante di istruzione aggiuntiva Matveeva E.A.

Il sistema educativo è progettato per trasferire le conoscenze delle generazioni precedenti a una persona, formando un alto livello di moralità, educando i giovani a comprendere ciò che è pericoloso per la loro vita spirituale e morale e ciò che è utile.

E se il compito principale delle scuole è quello di fornire a ciascuno studente una conoscenza fondamentale in tutte le materie delle scienze umane e naturali, allora l'istruzione aggiuntiva è un mezzo per identificare, sostenere e sviluppare il potenziale creativo degli studenti, contribuisce anche alla spiritualità e alla morale educazione dell'individuo.L'introduzione dell'insegnamento delle arti teatrali in una scuola secondaria può influenzare efficacemente il processo educativo.E qui il tandem della scuola educativa e dell'istruzione complementare è molto importante. Nella nostra scuola esiste un tale tandem.

Teatro scolastico. Per alcuni suona troppo rumoroso e snob, per altri non è serio, per altri è semplicemente ridicolo. Per me, questo è un tentativo di realizzare il mio potenziale creativo interiore, e forse anche il lavoro di una vita. Nella vita, a ciascuno di noi viene data l'opportunità di credere in un miracolo, anche se c'è ancora un detto: "I miracoli accadono solo durante l'infanzia". Mi permetta di non essere d'accordo con questo. Ma la vita non è un miracolo? I nostri bambini non sono fantastici? E le loro esibizioni teatrali (anche se poco professionali) non è un miracolo? E il fatto che in ogni ruolo interpretato da un bambino in scena sia esposta una particella della sua anima, non è forse un miracolo? Sì, è così, questo è il miracolo più grande!

Come sai, il modo migliore per crescere dei bambini buoni è aiutarli a diventare felici. Solo a questi bambini può essere affidata la creazione di una nuova società più umana in futuro. Il bambino arriva al teatro della scuola con un senso di festa: vuole così unirsi allo spettacolo teatrale emozionante, leggermente misterioso e magico.

Il Teatro Scuola è un'attività divertente, prima di tutto, perché è qui che c'è un luogo per la sperimentazione, lo “skit”, la creatività amatoriale, nel senso migliore di questa espressione. Nell'atmosfera del Teatro Scuola nascono i propri poeti, drammaturghi e artisti.

Infatti, quando abbiamo lavorato al design delle performance: “The Magic Garden”, “The Birthday of the Cat Leopold”, “Geese-Swans”, avevamo i nostri grafici. In preparazione per l'esibizione delle squadre di propaganda, apparvero i loro drammaturghi e poeti. Perché la caratteristica principale di questo tipo di arte è la libera creatività per volere dell'anima.

Una menzione speciale va ricordata per il fatto che il metodo di insegnamento prevede la creazione di un clima morale speciale nei gruppi. Non ci sono studenti eccellenti né ritardatari in loro. Una caratteristica distintiva del metodo è che i bambini stessi analizzano il proprio lavoro e il lavoro dei loro compagni. Non valutano, analizzano. In tale atmosfera, germogliano più facilmente i germogli del collettivismo, della tolleranza reciproca e del rispetto. Lo sviluppo del pensiero logico va di pari passo con la formazione di abilità oratorie e di linguaggio scenico.

La performance gioca un ruolo importante nel curriculum. La presenza di più gruppi (per età) consente di avvicinarsi alla sua creazione lentamente, dopo aver completato tutte le lezioni necessarie, preparandosi internamente e in modo graduale. Il punto è che le classi più giovani e medie non dovrebbero mirare a un rapido risultato teatrale sotto forma di spettacolo. Per l'anziano diventa anche non fine a se stesso, ma il risultato del processo pedagogico, o meglio una parte di esso. Dal momento della prima, il lavoro all'interno dello spettacolo non si ferma, è inserito nel repertorio del Teatro Scuola, attraverso il quale devono passare tutti gli studenti. I più piccoli non dovrebbero solo guardare queste esibizioni, ma possono anche partecipare a piccoli episodi o scene di massa. Pertanto, lo spettacolo diventa non solo il lavoro della classe superiore, ma il frutto comune di tutti i partecipanti al Teatro scolastico.

Il numero ottimale di studenti in ogni gruppo è di 12-15 bambini. Questo permette di formare una “mini-troupe” con due squadre in caso di assenze e malattie, da un lato, e di prestare la massima attenzione a ciascuno studente, dall'altro. E se tre anni fa avevamo solo 3 gruppi teatrali, oggi sono già 12! Ciò indica un maggiore interesse per la nostra causa comune.

La cosa principale per il Teatro Scuola è la presenza di un palcoscenico permanente con un proprio repertorio. Sottolineiamo che i bambini che hanno terminato gli studi non si “buttano” per strada, ma continuano la loro vita teatrale su questo sito, partecipando al repertorio attuale e creando nuove performance. È lecito e altamente auspicabile coinvolgere gli adolescenti che non hanno precedentemente studiato presso il Teatro Scuola per partecipare a questo lavoro. Cadono sotto la forte influenza di artisti “esperti”, in un'atmosfera di lavoro spirituale. E non importa se c'è una "fluidità" di tali "quadri".

Gli aspiranti attori diventano veri eroi della vita scolastica. L'atmosfera di gioia e l'elemento del gioco uniscono i bambini. E ora, un sincero desiderio di stabilire un contatto con ogni bambino, nonostante il tipo di “tracciato” che ha, ha trovato una risposta viva nel cuore dei bambini! Molti ragazzi si sono interessati al teatro e abbiamo iniziato la nostra ascesa alle vette dell'olimpo teatrale, gli hobby, le prime esperienze teatrali, i primi applausi.

Dopo il monitoraggio dopo il primo anno di studio, abbiamo notato:

Durante l'anno scolastico, gli alunni hanno notevolmente migliorato le relazioni interpersonali e intergruppo. Si formò un team di persone che la pensavano allo stesso modo e si sviluppò un costante interesse per le attività teatrali. I bambini hanno cominciato a pensare in modo più creativo, a fantasticare.

Vorrei sottolineare che con l'avvento del teatro, quasi tutti gli eventi della scuola si svolgono con la partecipazione degli studenti dello studio. Che si tratti del concorso distrettuale "Semaforo", "Brigata Agitazione", concorsi dei lettori o Festa degli insegnanti. Partecipiamo a concorsi e festival teatrali distrettuali, cittadini, regionali.

2° posto al concorso regionale "Il mio amore è il teatro!" nel 2012

Premiato con un diploma al festival teatrale cittadino V 11 "Chance" 2011

Diploma del Ministero dell'Istruzione della regione di Nizhny Novgorod per la partecipazione alla finale del 4° concorso regionale di gruppi teatrali per bambini e giovani "Teatro - il paese del presente"

Premio per il miglior ruolo femminile nella commedia "Cat's House" al festival regionale "My Love Theatre" nel 2014.

Ma la cosa principale non sono i diplomi e i certificati, ma il lavoro su una performance, in cui la performance stessa non è fine a se stessa, ma una ragione per svilupparsi. E, naturalmente, cos'è un teatro senza pubblico!

Una volta, dopo aver mostrato un'opera teatrale a scuola, non muore. Siamo attivamente in tournée negli asili nido. Ci sono già 6 spettacoli in repertorio. Siamo già conosciuti da molti nelle fabbriche per bambini più vicine.

Per me stesso, ho determinato quanto segue: in un team così creativo si coltiva la cultura, si crea il giusto atteggiamento nei confronti del patrimonio storico, del mondo, delle persone, si crea un certo stile di vita in generale e allo stesso tempo si verifica l'autoaffermazione , poiché ogni bambino ha l'opportunità di mostrare la propria individualità. Nell'ambiente scolastico, attraverso l'arte del teatro, è possibile affermare gli ideali di gentilezza, amore, fedeltà, giustizia, rispetto delle tradizioni e, soprattutto, gioia di conoscere la vita. I ragazzi non solo partecipano al lavoro sulla performance, ma ci riflettono anche, come se comprendessero qualcosa di sacro. Con il potere del loro talento, i bambini ricreano il mondo magico del gioco in cui amano e soffrono, compiono azioni nobili e gentili, aprendo le porte a un miracolo, l'eroe eternamente diverso, ma mai dimenticato, cammina attraverso percorsi segreti.

Il nostro studio teatrale per bambini "Horizont" è una metropoli in miniatura. Questa è l'unità di personalità dissimili, speciali, per certi versi persino uniche.

Questa è una comunità internazionale. Uno speciale spazio multiculturale viene “costruito” sul suo territorio, aprendo un ampio spazio per crescere un bambino sulla base di valori umani universali. Portando avanti il ​​suo movimento sulla via della comprensione dell'arte del palcoscenico, il teatro scolastico si batte per la Pace, la Bontà, l'Amore! Con gioia genuina e timore reverenziale quasi sacro, il bambino entra nel palcoscenico del teatro scolastico. E anche se è vestito con un caftano fatto in casa o un cappello buffo e non ha costumi professionali, l'importante è che sia sincero e sincero!

Qualsiasi psicologo confermerà che la teatralizzazione e la messa in scena sono utilizzate come tecniche di arteterapia. E poiché l'arte è utile per lo sviluppo della comunicazione, il ripristino e la conservazione della salute mentale dei bambini, significa che contribuisce alla formazione della salute spirituale della nazione.

L'arte teatrale si propone di educare, di utilizzare l'esempio degli eroi degli spettacoli per guidare il giovane spettatore a fare la propria autovalutazione: vivo e agisco bene.

In conclusione, vorrei dire quanto segue. Una volta ho letto una relazione al NIRO per insegnanti di scuola elementare sul tema "Il ruolo delle attività teatrali nella scuola elementare". E lì, raccontando agli insegnanti di come stiamo andando in tournée negli asili, mi è stata posta la seguente domanda: "Fai spettacoli gratuitamente?" "Sì," risposi, intravedendo il sorriso sul volto dell'insegnante. Probabilmente è comprensibile che nel nostro tempo persone che non sono di questo mondo siano impegnate nel volontariato. Ma, miei cari, avreste dovuto vedere i volti riconoscenti dei nostri spettatori, i volti entusiasti dei nostri attori! I bambini si sentivano necessari e importanti. Costa un sacco.

Passeranno anni, molti anni. Una piccola persona diventerà un adulto, imparerà molto sulla vita. E tra i ricordi d'infanzia più preziosi ci saranno momenti pieni del fascino irresistibile della prima recita scolastica e del ruolo che ha avuto modo di interpretare in questa commedia.