Proprietà generali della narrativa

La narrativa ha una serie di caratteristiche che la distinguono da tutte le altre forme d'arte e attività creativa.

Prima di tutto, è l'uso del linguaggio, o dei mezzi linguistici verbali. Nessun'altra arte al mondo si basa interamente sul linguaggio, non viene creata usando solo i suoi mezzi espressivi.

La seconda caratteristica della narrativa è che il soggetto principale della sua rappresentazione è sempre stata e rimane una persona, la sua personalità in tutte le sue manifestazioni.

La terza caratteristica della finzione è da riconoscere è che è costruita interamente sulla forma figurativa della realtà riflessa, cioè cerca di trasmettere i modelli generali tipici dello sviluppo della società con l'aiuto di forme viventi, concrete, individuali e uniche .

Pezzo d'arte come una

Un'opera d'arte letteraria nel suo insieme riproduce un'immagine olistica della vita o un'immagine olistica delle esperienze, ma allo stesso tempo è un'opera finita separata. Il carattere olistico dell'opera è dato dall'unità del problema in essa posto, dall'unità del problema in essa rivelato. idee. Principale l'idea di un'opera o il suo significato ideologico- questa è l'idea che l'autore vuole trasmettere al lettore, quella per la quale l'intera opera è stata creata. Allo stesso tempo, nella storia della letteratura ci sono stati casi in cui l'intenzione dell'autore non coincideva con l'idea finale dell'opera (N.V. Gogol " Anime morte"), o creato l'intero gruppo opere unite da un'idea comune (IS Turgenev "Fathers and Sons", N.G. Chernyshevsky "Cosa fare").

L'idea principale dell'opera è indissolubilmente legata alla sua tema, cioè il materiale vitale che l'autore ha preso per l'immagine in questo lavoro. La comprensione dell'argomento può essere raggiunta solo attraverso un'analisi attenta opera letteraria nel complesso.

Argomento, idea sono classificati contenuto lavori. Categoria le forme le opere includono elementi come la composizione, costituita da un sistema di immagini e trama, genere, stile e linguaggio dell'opera. Entrambe queste categorie sono strettamente correlate, il che ha permesso al famoso ricercatore letterario G.N. Pospelov per presentare la tesi sulla forma sostanziale e il contenuto formale di un'opera d'arte letteraria.

Tutti gli elementi del modulo di lavoro sono associati alla definizione conflitto, cioè la principale contraddizione che è rappresentata nell'opera. Allo stesso tempo, questo può essere un conflitto chiaramente espresso tra gli eroi di un'opera d'arte o tra un singolo eroe e un intero gruppo sociale, tra due gruppi sociali (AS Griboyedov "Woe from Wit"). Oppure può darsi che non sia possibile trovare un conflitto realmente espresso in un'opera d'arte, perché esiste tra i fatti della realtà rappresentati dall'autore dell'opera e le sue idee su come dovrebbero svilupparsi gli eventi (NV Gogol "The Ispettore Generale") . Questo è anche connesso con un problema così particolare come la presenza o l'assenza di un carattere positivo nell'opera. letteratura straniera sintassi della prosodia

Il conflitto diventa la base della costruzione della trama nell'opera, perché attraverso complotto, cioè si manifesta il sistema di eventi nell'opera, l'atteggiamento dell'autore nei confronti del conflitto rappresentato. Di norma, le trame delle opere hanno un profondo significato storico-sociale, rivelano le cause, la natura e lo sviluppo del conflitto rappresentato.

Composizione di un'opera d'arte è la trama e il sistema di immagini dell'opera. È durante lo sviluppo della trama che i personaggi e le circostanze appaiono in fase di sviluppo e il sistema di immagini viene rivelato nel movimento della trama.

Sistema di immagini nell'opera comprende tutto attori, che può essere suddiviso in:

• - principale e secondario (Onegin - madre di Tatyana Larina),
• - positivo e negativo (Chatsky - Molchalin),
• - tipico (ovvero, il loro comportamento e le loro azioni riflettono le tendenze sociali moderne - Pechorin).

Originalità nazionale delle trame e teoria delle trame "erranti". Ci sono i cosiddetti storie "vaganti", cioè, trame i cui conflitti si ripetono paesi diversi e dentro epoche diverse(la storia di Cenerentola, la storia dell'avaro banco dei pegni). Allo stesso tempo, le trame ripetitive assumono il colore del paese in cui si stanno attualmente incarnando in connessione con le peculiarità sviluppo nazionale("The Misanthrope" di Molière e "Woe from Wit" di AS Griboyedov).

Elementi della trama: prologo, esposizione, trama, sviluppo dell'azione, culmine, epilogo, epilogo. Non tutti devono essere presenti in un'opera d'arte. La trama è impossibile solo senza la trama, lo sviluppo dell'azione, il climax. Tutti gli altri elementi della trama e il loro aspetto in un'opera d'arte dipendono dall'intenzione dell'autore e dalle specifiche dell'oggetto raffigurato.

Di norma, non hanno una trama, cioè un sistema di eventi, un paesaggio opere liriche. A volte i ricercatori parlano della presenza in loro di una trama interna, del mondo interiore del movimento di pensieri e sentimenti.

Prologo- un'introduzione alla trama principale dell'opera.

esposizione- l'immagine delle condizioni per la formazione degli attori prima del conflitto e dei tratti caratteriali che si sono sviluppati in queste condizioni. Lo scopo dell'esposizione è motivare il successivo comportamento dei personaggi. L'esposizione non è sempre collocata all'inizio del lavoro, può essere del tutto assente, può trovarsi in luoghi differenti lavoro o anche alla sua fine, ma svolge sempre lo stesso ruolo: conoscere l'ambiente in cui si svolgerà l'azione.

cravatta- l'immagine delle contraddizioni emergenti, la definizione del conflitto di personaggi o il problema posto dall'autore. Senza questo elemento non può esistere un'opera d'arte.

Sviluppo dell'azione- rilevamento e riproduzione di connessioni e contraddizioni tra le persone con mezzi artistici, gli eventi che si verificano durante lo sviluppo dell'azione rivelano i caratteri dei personaggi e danno un'idea di modi possibili risoluzione del conflitto. A volte lo sviluppo di un'azione coinvolge interi percorsi ricerca della vita, personaggi nel loro sviluppo. È inoltre un elemento obbligatorio per qualsiasi opera d'arte.

climax rappresenta il momento di massima tensione nello sviluppo dell'azione. È un elemento indispensabile della trama e di solito comporta un epilogo immediato.

epilogo risolve il conflitto rappresentato o porta a comprendere le possibilità della sua soluzione, se l'autore non ha ancora questa soluzione. Abbastanza spesso in letteratura ci sono opere con un finale "aperto", cioè senza epilogo. Ciò è particolarmente comune quando l'autore vuole che il lettore pensi al conflitto rappresentato e provi a immaginare cosa accadrà nel finale.

Epilogo - queste sono solitamente le informazioni sui personaggi e sul loro destino che l'autore vuole dire al lettore dopo l'epilogo. È anche un elemento facoltativo di un'opera di finzione, che l'autore utilizza quando ritiene che l'epilogo non chiarisca a sufficienza la rappresentazione delle conseguenze finali.

Oltre agli elementi di cui sopra della trama, ci sono una serie di elementi aggiuntivi speciali della composizione che possono essere utilizzati dall'autore per trasmettere i suoi pensieri ai lettori.

Gli elementi speciali della composizione sono digressioni liriche. Si trovano solo in opere epiche e rappresentano divagazioni, cioè un'immagine di sentimenti, pensieri, esperienze, riflessioni, fatti biografici dell'autore o dei suoi personaggi, non direttamente correlati a trama lavori.

Gli elementi aggiuntivi sono episodi introduttivi, Narrazioni non direttamente legate alla trama, ma utilizzate per ampliare e approfondire il contenuto dell'opera.

Inquadratura artistica e anticipazione artistica sono anche considerati elementi aggiuntivi composizioni utilizzate per esaltare l'impatto, chiarire il senso dell'opera, anticiparlo con episodi ravvicinati di eventi futuri.

Abbastanza significativo ruolo compositivo può giocare in un'opera d'arte scenario. In una serie di opere, non solo svolge il ruolo di uno sfondo diretto su cui si svolge l'azione, ma crea anche una certa atmosfera psicologica, serve a rivelare internamente la natura del personaggio o il concetto ideologico dell'opera.

ruolo significativo in costruzione compositiva funziona gioca e interno(cioè una descrizione dell'ambiente in cui si svolge l'azione), poiché a volte è la chiave per comprendere e rivelare i personaggi dei personaggi.

La narrativa è uno dei tipi di arte, insieme alla musica, alla pittura, alla scultura, ecc. La narrativa è un prodotto dell'attività creativa di uno scrittore o poeta e, come ogni arte, ha carattere estetico, cognitivo e contemplativo del mondo (associato con la soggettività dell'autore). Questo unisce la letteratura con altre forme d'arte. Una caratteristica distintiva è che il vettore materiale dell'immaginario delle opere letterarie è la parola nella sua incarnazione scritta. Allo stesso tempo, la parola ha sempre un carattere pittorico, forma una certa immagine, che, secondo V.B. Khalizeva, fare riferimento alla letteratura vedute pittoriche arte.

Le immagini formate dalle opere letterarie sono incarnate nei testi. Un testo, soprattutto letterario, è un fenomeno complesso caratterizzato da una varietà di proprietà. Il testo letterario è il più complesso di tutti i tipi di testo, infatti lo è completamente tipo speciale testo. Il testo di un'opera d'arte non è lo stesso messaggio di un testo documentario, ad esempio, poiché non descrive fatti concreti reali, sebbene denomini fenomeni e oggetti utilizzando gli stessi mezzi linguistici. Secondo Z.Ya. Turaeva, lo è il linguaggio naturale materiale da costruzione per il testo artistico. In generale, la definizione di testo letterario differisce dalla definizione di testo in generale per indicarne gli aspetti estetici e figurativo-espressivi.

Per definizione I.Ya. Chernuchina, testo artistico rappresenta "... un mezzo estetico di comunicazione mediata, il cui scopo è una divulgazione figurativa ed espressiva dell'argomento, presentato nell'unità di forma e contenuto e costituito da unità vocali che svolgono funzione comunicativa". Secondo il ricercatore, i testi letterari sono caratterizzati da un antropocentrismo assoluto, i testi letterari sono antropocentrici non solo nella forma espressiva, come tutti i testi, ma anche nel contenuto, incentrato sulla rivelazione dell'immagine di una persona.

IV. Arnold osserva che "un testo letterario e artistico è un insieme completo e connesso internamente, che ha un'unità ideologica e artistica". La principale specificità di un testo letterario, che lo distingue dagli altri testi, è il compimento di una funzione estetica. Allo stesso tempo, il centro organizzativo del testo letterario, come L.G. Babenko e Yu.V. Kazarino, è la sua dominante emotiva e semantica, che organizza la semantica, la morfologia, la sintassi e lo stile di un testo letterario.

La funzione principale della narrativa è quella di contribuire alla divulgazione dell'intenzione dell'autore attraverso l'uso di mezzi linguistici e stilistici specifici.

Una delle caratteristiche più sorprendenti della narrativa è l'immaginario. L'immagine, creata con vari mezzi linguistici, evoca nel lettore una percezione sensoriale della realtà e, quindi, contribuisce alla creazione dell'effetto e della reazione desiderati a ciò che è scritto. Un testo letterario è caratterizzato da una varietà di forme e immagini. La creazione di immagini generalizzate nelle opere d'arte consente ai loro autori non solo di determinare lo stato, le azioni, le qualità di un particolare personaggio confrontandolo con un simbolo artistico, ma consente anche di caratterizzare l'eroe, determinare l'atteggiamento nei suoi confronti non direttamente, ma indirettamente, ad esempio, attraverso il confronto artistico.

La caratteristica principale più comune dello stile discorso artistico, strettamente correlato e interdipendente con le immagini, è la colorazione emotiva delle affermazioni. La proprietà di questo stile è la selezione di sinonimi ai fini dell'impatto emotivo sul lettore, la varietà e l'abbondanza di epiteti, varie forme di sintassi emotiva. Nella finzione, questi mezzi ricevono la loro espressione più completa e motivata.

La categoria principale nello studio linguistico della narrativa, compresa la prosa, è il concetto stile individuale scrittore. Accademico V.V. Vinogradov formula il concetto di stile individuale dello scrittore come segue: "un sistema di uso estetico individuale dei mezzi di espressione artistica e verbale caratteristici di un determinato periodo nello sviluppo della narrativa, nonché un sistema di selezione estetica e creativa, comprensione e disposizione dei vari elementi del discorso."

Il testo artistico letterario, come ogni altra opera d'arte, è finalizzato principalmente alla percezione. Senza fornire al lettore informazioni letterali, un testo letterario evoca un complesso insieme di esperienze in una persona, e quindi soddisfa un certo bisogno interiore del lettore. Un testo specifico corrisponde a una specifica reazione psicologica e l'ordine di lettura corrisponde a una specifica dinamica di cambiamento e interazione delle esperienze. In un testo artistico, dietro le immagini raffigurate di vita reale o immaginaria, c'è sempre un piano funzionale, interpretativo, sottotestuale, una realtà secondaria.

Il testo letterario si basa sull'uso delle qualità figurative e associative del discorso. L'immagine in esso contenuta è l'obiettivo finale della creatività, in contrasto con un testo di saggistica, dove l'immaginario verbale non è fondamentalmente necessario e, se disponibile, diventa solo un mezzo per trasmettere informazioni. In un testo letterario, i mezzi della figuratività sono subordinati all'ideale estetico dello scrittore, poiché la narrativa è una specie di arte.

Un'opera d'arte incarna il modo di percepire il mondo dell'autore. Le idee dell'autore sul mondo, espresse in forma letteraria e artistica, diventano un sistema di idee dirette al lettore. In questo sistema complesso, insieme alla conoscenza umana universale, ci sono anche idee uniche, originali, persino paradossali dell'autore. L'autore trasmette al lettore l'idea del suo lavoro esprimendo il suo atteggiamento verso determinati fenomeni del mondo, esprimendo la sua valutazione, creando un sistema di immagini artistiche.

L'immaginario e l'emotività sono le caratteristiche principali che distinguono un testo letterario da uno di saggistica. Un altro caratteristica il testo letterario è una personificazione. Nei personaggi delle opere d'arte, tutto è compresso in un'immagine, in un tipo, anche se può essere mostrato in modo abbastanza concreto e individuale. Molti eroi-personaggi della narrativa sono percepiti come determinati simboli (Amleto, Macbeth, Don Chisciotte, Don Juan, Faust, D "Artagnan, ecc.), Dietro i loro nomi ci sono alcuni tratti del carattere, del comportamento, dell'atteggiamento nei confronti della vita.

Nei testi di narrativa, una descrizione di una persona può essere data sia in un registro pittorico e descrittivo, sia in uno informativo e descrittivo. L'autore ha piena libertà di scegliere e utilizzare vari dispositivi stilistici e mezzi che consentono di creare una rappresentazione visivo-figurativa di una persona ed esprimere la sua valutazione delle sue qualità esterne e interne.

Nel descrivere e caratterizzare i caratteri di un'opera d'arte, gli autori utilizzano vari mezzi di valutazione emotiva sia dal punto di vista dell'autore che dal punto di vista di altri personaggi. La valutazione dell'autore sugli eroi delle sue opere può essere espressa sia in modo esplicito che implicito, è solitamente veicolata attraverso l'uso di un complesso di mezzi linguistici e stilistici: unità lessicali con semantica valutativa, epiteti, nominazioni metaforiche.

I mezzi stilistici per esprimere l'espressività dell'emotività, la valutazione dell'autore e la creazione di immagini sono vari dispositivi stilistici, compresi i sentieri, nonché una varietà di dettagli artistici usato nei testi di prosa artistica.

Quindi, secondo i risultati dello studio fonti letterarie possiamo concludere che la narrativa è un tipo speciale di arte e il testo letterario è uno dei più tipi complessi testo in termini di struttura e stile.

L'integrità di un'opera letteraria come sistema ideologico e artistico. La sua concettualità e specifica completezza artistica.

Unità organica di forma figurativa e contenuto emotivamente generalizzante. Il problema della loro distinzione analitica che si poneva nell'estetica europea della fine del XVIII - inizio XIX secolo (F. Schiller, Hegel, Goethe). Il significato scientifico di tale distinzione e la sua discutibilità nella critica letteraria moderna (sostituendo concetti tradizionali con "significato", "semantica artistica", "contenuto letterale", "testo", "discorso", ecc.). I concetti di "idea estetica" (I. Kant), "idea poetica" (F. Schiller), "idea di bellezza" (Hegel): le sfumature semantiche di questi termini, che rivelano il modo di esistere e il potenziale formativo di pensiero artistico (concetto creativo). "Concretezza" come proprietà generale dell'idea e dell'immagine, contenuto e forma in un'opera letteraria. La natura creativa del contenuto artistico e della forma, la formazione della loro unità nel processo di creazione di un'opera, la "transizione" del contenuto nella forma e della forma nel contenuto.

La relativa indipendenza della forma figurativa, che unisce l'opportunità estetica con "apparente casualità". Forma artistica come incarnazione e dispiegamento del contenuto, suo significato "simbolico" ("metaforico") e ruolo ordinatore. La completezza della forma e la sua "intensità emotivo-volitiva" (M. Bachtin).

Composizione di una forma d'arte come problema scientifico; forma "interna" ed "esterna" (A. Potebnya). Organizzazione estetica (composizione) del "mondo artistico" (realtà immaginaria rappresentata) e testo verbale. Il principio della considerazione funzionale degli elementi della forma nel loro ruolo significativo e costruttivo. concetto tecnica artistica e le sue funzioni. Interpretazione formalistica di questo concetto, isolando la forma artistica dal contenuto. Subordinazione degli elementi formali del concetto creativo dell'autore. Il concetto di struttura come correlazione degli elementi del tutto. Il significato dei termini "informazione", "testo", "contesto" nell'interpretazione semiotica della finzione.

2. Contenuto di un'opera d'arte

Idea poetica (generalizzazione del pensiero emotivo-figurativo) come base del contenuto artistico. La differenza tra un'idea poetica e un giudizio analitico; unità organica degli aspetti oggettivo (soggetto-tematico) e soggettivo (ideologico-emotivo); la condizionalità di tale distinzione all'interno dell'insieme artistico. La specificità del pensiero poetico, il superamento dell'unilateralità del pensiero astratto, la sua ambiguità figurativa, "apertura".

La categoria di un tema artistico, che permette di correlare un'idea poetica con il suo soggetto, con la realtà non artistica. L'attività dell'autore nella scelta di un argomento. Il rapporto tra soggetto dell'immagine e soggetto della conoscenza; differenze tra loro. Coniugazione di specifici temi storici e tradizionali, "eterni" in letteratura. L'interpretazione dell'autore del tema: l'identificazione e la comprensione delle contraddizioni della vita sotto certo angolo visione. Continuità dei problemi in letteratura, loro originalità artistica. L'aspetto valoriale e l'orientamento emotivo dell'idea poetica, dovuto all'atteggiamento ideologico e morale dell'autore nei confronti delle contraddizioni rappresentate della vita umana, del "giudizio" e della "frase" dell'artista. Diverso grado di espressività della valutazione emotiva nell'integrità di un'opera d'arte (a seconda dell'atteggiamento programmatico e creativo dell'autore, del genere e della tradizione stilistica). Tendenza e tendenziosità artistica.

Categoria di pathos. L'uso ambiguo del termine "pathos" nella scienza dello scrittore: 1) "l'amore del poeta per l'idea" (V. Belinsky), che ispira la sua idea creativa; 2) l'appassionata aspirazione del personaggio a un obiettivo significativo, che lo spinge ad agire; 3) il sublime orientamento emotivo dell'idea poetica dell'opera, dovuto all'atteggiamento appassionato e "serio" (Hegel) del poeta nei confronti del tema della creatività. La connessione del pathos con la categoria del sublime. Vero e falso pathos. " Pathos” e “umore” sono varietà di idee poetiche.

Tipologia delle idee poetiche come problema letterario-teorico: principio tematico(idee sociali, politiche, religiose, ecc.) e principio estetico(incarnava figurativamente "un sistema di sentimenti", secondo F. Schiller, per il rapporto tra l'ideale dell'artista e la realtà che raffigura).

Eroico in letteratura: l'immagine e l'ammirazione per l'impresa di un individuo o di una squadra nella loro lotta con gli elementi della natura, con un nemico esterno o interno. Lo sviluppo dell'eroismo artistico dal canto normativo dell'eroe alla sua concretizzazione storica. La combinazione di eroismo con dramma e tragedia.

Tragico in Letteratura. Il significato dei miti antichi e delle leggende cristiane per comprendere l'essenza dei conflitti tragici (esterni e interni) e ricrearli nella letteratura. Il significato morale di un personaggio tragico e il suo pathos, che incita all'azione. Una varietà di situazioni che riflettono le tragiche collisioni della vita. Umore tragico.

Idilliaco - idealizzazione artistica del "naturale", vicino alla natura, stile di vita dell'"umanità innocente e felice" (F. Schiller), non influenzata dalla civiltà.

Interesse sentimentale e romantico per il mondo interiore dell'individuo nella letteratura dei tempi moderni. V. Belinsky sul significato della sensibilità sentimentale e della ricerca romantica per l'ideale in letteratura. La differenza tra i concetti tipologici di "sentimentalismo" e "romanticismo" dai concetti storici specifici di "sentimentalismo" e "romanticismo". Sentimentalità e romanticismo nel realismo. Il loro legame con l'umorismo, l'ironia, la satira.

Orientamento critico della letteratura. Le contraddizioni comiche sono alla base dell'umorismo e della satira, che determinano il predominio del principio comico in esse. N. Gogol sul significato cognitivo della risata. Umorismo - "risate attraverso le lacrime" in connessione con la comprensione morale e filosofica del comportamento comico delle persone. Uso del termine "umorismo" nel senso di risate leggere e divertenti. Orientamento civico del pathos satirico come denuncia rabbiosa con una risata. Il legame tra satira e tragedia. Ironia e sarcasmo. Tradizioni della risata di carnevale in letteratura. Tragicomico.

Compatibilità e transizioni reciproche di tipi di idee poetiche e stati d'animo. Unità di affermazione e negazione. L'unicità dell'idea di un'opera separata e l'ampiezza del suo contenuto artistico.

Epicità, lirismo, dramma sono proprietà tipologiche del contenuto artistico. Lirismo come un alto stato d'animo emotivo, affermando il valore del mondo interiore dell'individuo. dramma (dramma)) come uno stato d'animo che trasmette un'esperienza tesa di forti contraddizioni nelle relazioni sociali, morali e quotidiane tra le persone.

epico come visione elevata e contemplativa del mondo, accettazione del mondo nella sua ampiezza, complessità e integrità.

Interpretazione il contenuto di un'opera d'arte (creativa, critica, letteraria, lettrice) e il problema del confine tra la sua interpretazione giustificata e quella arbitraria. Il contesto dell'opera dello scrittore, l'idea e la storia creativa dell'opera come linee guida interpretative.

Cos'è un'opera d'arte

Prima di procedere alla pratica vera e propria dell'analisi, è necessario comprendere alcuni punti teorici.

Primo. Da un lato, qualsiasi opera d'arte è un'affermazione strutturata in modo complesso, espressa materialmente (fissata) in un determinato testo. Questa affermazione è diretta dall'autore al lettore; di conseguenza, ha due facce: la parte dell'autore e la parte del lettore. Usiamo il termine "lettore" nel molto senso ampio parole, cioè, qui lo spettatore in teatro o via esibizione artistica, e l'ascoltatore di un'opera musicale, e il lettore effettivo di un testo letterario.

D'altra parte, qualsiasi opera d'arte è un testo che è costruito in un certo sistema di segni, che è più convenientemente chiamato "linguaggio dell'arte".

Il linguaggio dell'art

C'è una sottigliezza da capire qui. Si percepisce facilmente il significato figurativo, metaforico delle espressioni “linguaggio della musica” o “linguaggio della pittura”, ma quando si parla di “linguaggio della letteratura” cadiamo spesso in confusione lessicale, perché la letteratura nasce, a quanto pare, in linguaggio umano ordinario, “colloquiale”. Infatti qui è necessario differenziare rigorosamente i valori. Il linguaggio umano ordinario è solo uno dei tanti elementi del "linguaggio della letteratura" come sistema di segni, inoltre è anche un elemento trasformato, "ricreato" dagli sforzi creativi di uno scrittore o di un poeta.

Anche al "piano più basso" di un'opera letteraria, cioè nel discorso degli eroi, i personaggi spesso parlano in un modo che le persone reali non parlano mai. La lingua sembra essere la stessa, ma in realtà è diversa. Nell'analizzare, non dobbiamo dimenticare per un minuto che le parole degli eroi di un'opera d'arte sono solo un riflesso "speculare" dei discorsi reali di alcune persone reali, relativamente parlando, prototipi.

La regola generale è questa: qualsiasi parola in un'opera d'arte è solo “simile” alla stessa parola nel linguaggio umano (non artistico). È una parola "trasformata", nella misura in cui è entrata nel tessuto di un'opera d'arte.

Che cosa voglio dire con un'enfasi così insistente su questo pensiero? Voglio attirare l'attenzione sul fatto che il sistema segnico di un'opera verbale (cioè letteraria) non si limita solo alla sua lingua. La lingua, infatti, è solo uno degli elementi di un tale sistema. Inoltre, l'elemento è completamente "artificiale", perché è "fatto" dall'autore (artista) e non è sorto da solo.

Nell'arte tutto è artificiale, perché è fatto, ecco perché è arte.

A proposito di segni

Che cos'è un segno? Un segno è una manifestazione esterna (visibile, percepita sensualmente) di una qualche essenza, che preferisco chiamare senso.

In senso figurato, il segno stesso è morto se non è connesso al significato.

Come esempio. Prendi un libro in una lingua che non conosci. Può essere talentuosa o mediocre: non sarai in grado di apprezzarla, perché non è disponibile per te. Non come un corpo materiale, ma come un testo, cioè un'opera creata in un certo sistema di segni.

Espandendo l'analogia, arriveremo alla conclusione che molti testi rimangono inaccessibili in un modo o nell'altro, poiché questo sistema di segni non è affatto familiare al lettore o non è completamente padroneggiato da lui.

Quando parliamo ulteriormente, diciamo, di poesia, comprensibile un'ampia gamma lettori (poesia pubblica o "popolare"), quindi da un punto di vista teorico, questo significa solo che i dati testi poetici creato in sistemi di segni che, per qualsiasi motivo, sono a disposizione della maggior parte o di un numero enorme di lettori di poesia. Innanzitutto, ovviamente, grazie all'istruzione scolastica.

A proposito, l'accessibilità del testo non ne caratterizza in alcun modo il pregio artistico. Cioè, il grado di accessibilità non ci dice nulla sul grado di talento o mancanza di talento del suo autore.

Pertanto, come risultato intermedio, l'educazione letteraria a scuola o al di fuori di essa implica familiarizzare i potenziali lettori con i sistemi di segni già esistenti, nonché con quei sistemi che sono in fase di emergenza e formazione e, su questa base, sviluppare la capacità di percepire intuitivamente i sistemi di segni futuro, che questo momento non esiste ancora (o è in via di formazione).

L'educazione letteraria e artistica, parlando convenzionalmente (ma in modo abbastanza preciso), è la massima espansione degli orizzonti artistici dei futuri lettori. È chiaro che tale espansione può avvenire non solo nell'ambito di un'istituzione educativa, ma anche - ancor più spesso - in altri modi e mezzi, anche attraverso l'autoeducazione.

Di passaggio, noto che questo approccio consente di decidere in modo abbastanza rigoroso la questione dell'inclusione o della non inclusione di un particolare scrittore in curriculum scolastico sulla letteratura. Includere nel programma, quindi, in primis, ovviamente, quegli scrittori e poeti che ampliano i nostri orizzonti nel campo dei sistemi segnici letterari e artistici.

Perché il concetto di testo è importante?

Quindi, qualsiasi opera d'arte è un testo creato in un determinato sistema di segni. In quanto tale, può essere separato dall'autore e "appropriato" dal lettore.

Qui, forse, è appropriata l'analogia con il sacramento della nascita. Hai dato alla luce un bambino, cioè lo hai "separato" da te stesso. È tuo figlio, il tuo frutto, ma allo stesso tempo è un'entità separata da te e i tuoi diritti su di lui sono limitati da una serie di regole e regolamenti.

È lo stesso con un'opera: separandola da se stessa (nella forma di un atto di pubblicazione, di promulgazione), l'autore perde alcuni diritti su di essa, ovvero: il diritto di spiegarla. Da questo momento in poi, l'opera rientra nell'ambito dei diritti del lettore, il principale dei quali è il diritto di comprendere, di interpretare quest'opera. Nessuno può privare il lettore di questo diritto all'interpretazione finché esiste l'arte, cioè creatività per il pubblico, creatività rivolta all'"altro" e non a se stessi.

Voglio qui chiarire che l'autore, ovviamente, ha anche il diritto di interpretare la sua opera, ma non come autore, ma come lettore ordinario (sebbene qualificato). In rari casi l'autore può anche agire come critico delle sue opere, ma, in primo luogo, in questo caso, non ha prerogative particolari nei confronti degli altri lettori, e in secondo luogo, tali casi sono piuttosto rari, se non eccezionali. .

Di conseguenza, le affermazioni dell'autore come "infatti, volevo dire questo e così", ovviamente, non dovrebbero essere ignorate, ma non dovrebbero nemmeno essere attribuite un'importanza eccessiva. Dopotutto, il lettore non si è iscritto per comprendere a fondo l'autore. Se il testo, e con esso l'autore, sono rimasti incomprensibili, allora anche questo è un caso speciale che dovrebbe essere trattato in modo specifico.

Dirò brevemente che il testo potrebbe non essere compreso per i seguenti motivi: 1) la novità del sistema segnico dell'autore; 2) qualificazione insufficiente del lettore; 3) talento insufficiente dell'autore.

Elementi di testo

Poiché il testo è un'affermazione strutturata in modo complesso, in esso sono necessariamente presenti i seguenti elementi: tema, idea, forma.

Il tema è ciò di cui parla la storia.
Un'idea è ciò che l'autore comunica al lettore.
La forma è il modo in cui viene costruita la dichiarazione data.

Il tema e l'idea sono generalmente indicati come il lato contenuto del lavoro. Ho intenzione di parlare della dialettica tra forma e contenuto in un'opera d'arte in un altro articolo. Qui sarà sufficiente notare quanto segue. Siamo abituati al postulato che la forma sia significativa e il contenuto sia formalizzato, ma raramente prendiamo questa affermazione abbastanza seriamente. Intanto bisogna sempre ricordare che in un'opera non esiste contenuto separato dalla forma, e l'analisi di un'opera è essenzialmente un'analisi della sua forma.

Un'altra fondamentale osservazione riguardante il contenuto e la forma del testo. È chiaro che un'opera d'arte è creata per il bene della sua idea, poiché il testo è una dichiarazione. È importante che l'autore dica qualcosa, comunichi con il suo lavoro e per il lettore è importante "leggere" qualcosa, cioè percepire. Meno spesso - per motivi di forma. Questo è quando la forma stessa diventa il contenuto. Probabilmente, tali casi sono più comuni nell'arte sperimentale, così come nel folklore per bambini e adulti o nella sua imitazione. E, probabilmente, estremamente raramente - per il bene dell'argomento. Ritengo che tali casi, pur essendo legati a fenomeni culturali (ad esempio, quando un tabù pubblico deve essere rimosso da un determinato argomento), difficilmente possono essere giustamente attribuiti all'arte vera e propria.

Messaggio o dichiarazione?

In inglese, l'idea di un'opera è solitamente chiamata il termine "messaggio": un messaggio, un messaggio. Quindi, dicono: "Qual è il messaggio della storia?" Ovvero: qual è l'idea della storia? Mi sembra che il termine inglese sia più accurato. Ecco perché a volte nelle mie analisi chiamo messaggio un testo letterario. È importante notare questo punto qui. Contrasto la comunicazione con la comunicazione. Perché la comunicazione è un processo a doppio senso: me lo hanno detto - ho risposto; Ho detto - mi hanno risposto. A differenza della comunicazione, la comunicazione è un processo a senso unico: diceva lo scrittore, leggono i lettori. Uno scambio di opinioni è certamente lecito, ma è FUORI dal vero atto creativo artistico.

Alla luce di quanto sopra, possiamo formulare la questione in questo modo: un testo letterario è un'affermazione strutturata in modo complesso che porta un messaggio ben definito. Il compito di analisi, quindi, è la lettura (percezione) più adeguata di un dato messaggio (o idea testuale). L'analisi viene eseguita come un'analisi della forma, o sistema di segni, che l'autore ha adottato per una data opera.

Principi e metodi di analisi di un'opera letteraria Esin Andrey Borisovich

1 Opera e sue proprietà

Opera d'arte e sue proprietà

Un'opera d'arte è l'oggetto principale dello studio letterario, una sorta di più piccola "unità" della letteratura. Formazioni più ampie nel processo letterario: direzioni, correnti, sistemi artistici- sono costruiti da opere separate, rappresentano una combinazione di parti. Un'opera letteraria, invece, ha integrità e completezza interna, è un'unità autosufficiente. sviluppo letterario capace di una vita indipendente. Un'opera letteraria nel suo insieme ha un significato ideologico ed estetico completo, in contrasto con le sue componenti - temi, idee, trama, discorso, ecc., Che ricevono significato e in generale possono esistere solo nel sistema del tutto.

L'opera letteraria come fenomeno dell'arte

Un'opera letteraria e artistica è un'opera d'arte nel senso stretto della parola, cioè una delle forme della coscienza sociale. Come tutta l'arte in generale, un'opera d'arte è espressione di un certo contenuto emotivo e mentale, un complesso ideologico ed emotivo in una forma figurativa, esteticamente significativa. Utilizzando la terminologia di M.M. Bachtin, possiamo dire che un'opera d'arte è una “parola sul mondo” pronunciata da uno scrittore, un poeta, un atto di reazione di una persona artisticamente dotata alla realtà circostante.

Secondo la teoria della riflessione, il pensiero umano è un riflesso della realtà, del mondo oggettivo. Questo, ovviamente, vale anche per pensiero artistico. Un'opera letteraria, come tutta l'arte, è un caso speciale di riflessione soggettiva della realtà oggettiva. Tuttavia, la riflessione, soprattutto nella fase più alta del suo sviluppo, che è il pensiero umano, non va in alcun modo intesa come una riflessione meccanica, speculare, come una copia biunivoca della realtà. La natura complessa e indiretta della riflessione, forse nella massima misura, si riflette nel pensiero artistico, dove il momento soggettivo, la personalità unica del creatore, la sua visione originale del mondo e il modo di pensarlo sono così importanti. Un'opera d'arte, quindi, è una riflessione attiva, personale; quella in cui avviene non solo la riproduzione della realtà della vita, ma anche la sua trasformazione creativa. Inoltre, lo scrittore non riproduce mai la realtà per il bene della riproduzione stessa: la scelta stessa del soggetto di riflessione, lo stesso impulso alla riproduzione creativa della realtà nasce dalla visione personale, parziale, indifferente dello scrittore sul mondo.

Così, un'opera d'arte è un'unità indissolubile dell'oggettivo e del soggettivo, la riproduzione della realtà e la comprensione di essa da parte dell'autore, la vita in quanto tale, che è inclusa nell'opera d'arte e in essa è conosciuta, e diritto d'autore alla vita. Questi due aspetti dell'arte sono stati evidenziati da N.G. Chernyshevsky. Nel suo trattato “I rapporti estetici dell'arte con la realtà”, scriveva: “Il significato essenziale dell'arte è la riproduzione di tutto ciò che è interessante per una persona nella vita; molto spesso, soprattutto nelle opere di poesia, viene in primo piano anche la spiegazione della vita, il giudizio sui suoi fenomeni. È vero, Chernyshevsky, acuendo polemicamente la tesi sul primato della vita sull'arte nella lotta contro l'estetica idealistica, considerava erroneamente il principale e obbligatorio solo il primo compito - "riproduzione della realtà" e gli altri due - secondari e opzionali. È più corretto, ovviamente, parlare non della gerarchia di questi compiti, ma della loro uguaglianza, o meglio, della connessione indissolubile tra l'oggettivo e il soggettivo in un'opera: in fondo, un vero artista semplicemente non può rappresentare la realtà senza comprenderlo e valutarlo in alcun modo. Tuttavia, va sottolineato che la presenza stessa di un momento soggettivo in un'opera d'arte è stata chiaramente riconosciuta da Chernyshevsky, e questo è stato un passo avanti rispetto, diciamo, all'estetica di Hegel, che era molto propenso ad avvicinarsi a un'opera dell'arte in modo puramente oggettivista, sminuendo o ignorando completamente l'attività del creatore.

Per realizzare l'unità dell'immagine oggettiva e dell'espressione soggettiva in un'opera d'arte è necessario anche in piano metodologico, per problemi pratici di lavoro analitico con il prodotto. Tradizionalmente, nel nostro studio e soprattutto nell'insegnamento della letteratura, si presta maggiore attenzione al lato oggettivo, che indubbiamente impoverisce l'idea di opera d'arte. Inoltre, qui può verificarsi una sorta di sostituzione dell'oggetto di ricerca: invece di studiare un'opera d'arte con le sue leggi estetiche intrinseche, iniziamo a studiare la realtà riflessa nell'opera, che, ovviamente, è anche interessante e importante , ma non ha alcun collegamento diretto con lo studio della letteratura come forma d'arte. L'approccio metodologico, volto a studiare il lato principalmente oggettivo di un'opera d'arte, riduce consapevolmente o meno l'importanza dell'arte come forma indipendente dell'attività spirituale delle persone e, infine, porta a idee sulla natura illustrativa dell'arte e della letteratura. Allo stesso tempo, un'opera d'arte è in gran parte privata del suo vivo contenuto emotivo, passione, pathos, che, ovviamente, sono principalmente associati alla soggettività dell'autore.

Nella storia della critica letteraria, questa tendenza metodologica ha trovato la sua incarnazione più evidente nella teoria e nella pratica della cosiddetta scuola storico-culturale, soprattutto nella critica letteraria europea. I suoi rappresentanti hanno cercato nelle opere letterarie, in primo luogo, i segni e le caratteristiche della realtà riflessa; “abbiamo visto monumenti storici e culturali nelle opere letterarie”, ma “ specificità artistica, l'intera complessità dei capolavori letterari non ha occupato i ricercatori. I singoli rappresentanti della scuola storico-culturale russa hanno visto il pericolo di un simile approccio alla letteratura. Quindi, V. Sipovsky ha scritto direttamente: "Non puoi guardare alla letteratura solo come un riflesso della realtà".

Naturalmente, una conversazione sulla letteratura può benissimo trasformarsi in una conversazione sulla vita stessa: non c'è nulla di innaturale o fondamentalmente insostenibile in questo, perché la letteratura e la vita non sono separate da un muro. Tuttavia, allo stesso tempo, è importante l'impostazione metodologica, che non consente di dimenticare la specificità estetica della letteratura, di ridurre la letteratura e il suo significato al significato di illustrazione.

Se il contenuto di un'opera d'arte è un'unità della vita riflessa e dell'atteggiamento dell'autore nei suoi confronti, cioè esprime una certa "parola sul mondo", allora la forma dell'opera è figurativa, estetica. A differenza di altri tipi di coscienza sociale, l'arte e la letteratura, come sapete, riflettono la vita sotto forma di immagini, cioè utilizzano oggetti, fenomeni, eventi così specifici e singoli che, nella loro singolarità specifica, portano una generalizzazione. In contrasto con il concetto, l'immagine ha una maggiore “visibilità”, è caratterizzata non da una persuasività logica, ma da concreto-sensuale ed emotiva. L'immaginario è la base dell'arte, sia nel senso di appartenenza all'arte che nel senso di alta abilità: per la loro natura figurativa, le opere d'arte hanno pregio estetico, valore estetico.

Possiamo quindi dare una definizione così operativa di opera d'arte: è un certo contenuto emotivo e mentale, una “parola sul mondo”, espressa in forma estetica, figurativa; un'opera d'arte ha integrità, completezza e indipendenza.

Funzioni di un'opera d'arte

L'opera d'arte creata dall'autore viene successivamente percepita dai lettori, cioè inizia a viverla relativamente vita indipendente durante l'esecuzione di determinate funzioni. Consideriamo il più importante di loro.

Servendo, nelle parole di Chernyshevsky, come un "libro di testo", spiegando la vita in un modo o nell'altro, un'opera letteraria svolge una funzione cognitiva o epistemologica. Potrebbe sorgere la domanda: perché questa funzione è necessaria alla letteratura, all'arte, se c'è la scienza, il cui compito diretto è quello di conoscere la realtà circostante? Ma il fatto è che l'arte conosce la vita in una prospettiva speciale, accessibile solo a lui solo e quindi insostituibile da qualsiasi altra cognizione. Se le scienze smembrano il mondo, ne astraggono gli aspetti individuali e ciascuna studia la propria materia, rispettivamente, allora l'arte e la letteratura conoscono il mondo nella sua integrità, indivisibilità e sincretismo. Pertanto, l'oggetto della conoscenza in letteratura può in parte coincidere con l'oggetto di alcune scienze, in particolare degli "studi umani": storia, filosofia, psicologia, ecc., ma non si fonde mai con esso. La considerazione di tutti gli aspetti della vita umana in un'unità indivisa, l'"accoppiamento" (L.N. Tolstoj) dei più diversi fenomeni della vita in un unico quadro olistico del mondo rimane specifico per l'arte e la letteratura. La vita si apre alla letteratura nel suo corso naturale; allo stesso tempo, la letteratura è molto interessata a quella particolare quotidianità esistenza umana, che mescola grandi e piccoli, naturali e casuali, esperienze psicologiche e... un bottone che si è staccato. La scienza, naturalmente, non può porsi l'obiettivo di comprendere questo essere concreto della vita in tutta la sua variegatura; deve astrarre dai dettagli e dalle "sciocchezze" individualmente casuali per vedere il generale. Ma nell'aspetto del sincretismo, dell'integrità, della concretezza, anche la vita ha bisogno di essere compresa, e sono l'arte e la letteratura ad assumersi questo compito.

Una specifica prospettiva di cognizione della realtà determina anche una specifica modalità di cognizione: a differenza della scienza, arte e letteratura conoscono la vita, di regola, non parlandone, ma riproducendola - altrimenti è impossibile comprendere la realtà nel suo sincretismo e concretezza.

Notiamo, tra l'altro, che a una persona “ordinaria”, a una coscienza ordinaria (non filosofica e non scientifica), la vita appare esattamente come è riprodotta nell'arte - nella sua indivisibilità, individualità, diversità naturale. Di conseguenza, la coscienza ordinaria ha bisogno soprattutto di una tale interpretazione della vita, che è offerta dall'arte e dalla letteratura. Chernyshevsky ha astutamente osservato che “il contenuto dell'arte è tutto ciò vita reale interessa una persona (non come scienziato, ma semplicemente come persona).

La seconda funzione più importante di un'opera d'arte è valutativa o assiologica. Consiste principalmente nel fatto che, nelle parole di Chernyshevsky, le opere d'arte "possono avere il significato di una sentenza ai fenomeni della vita". Raffigurando alcuni fenomeni della vita, l'autore, ovviamente, li valuta in un certo modo. L'intera opera risulta essere intrisa del sentimento interessato e parziale dell'autore, nell'opera si forma un intero sistema di affermazioni e smentite artistiche, valutazioni. Ma il punto non è solo in una "frase" diretta all'uno o all'altro fenomeni specifici della vita riflessi nell'opera. Il fatto è che ogni opera porta e cerca di stabilire nella mente di chi la percepisce un certo sistema di valori, un certo tipo di orientamento emotivo e valoriale. In questo senso, tali opere hanno anche una funzione valutativa, in cui non c'è “condanna” per specifici fenomeni della vita. Tali, ad esempio, sono molte opere liriche.

Sulla base delle funzioni cognitive e valutative, il lavoro risulta essere in grado di svolgere la terza funzione più importante: quella educativa. Il valore educativo delle opere d'arte e della letteratura era riconosciuto nell'antichità, ed è davvero molto grande. È solo importante non restringere questo significato, non comprenderlo in modo semplificato, come compimento di uno specifico compito didattico. Molto spesso, nella funzione educativa dell'arte, l'accento è posto sul fatto che insegna a imitare chicche o induce una persona all'una o all'altra azione specifica. Tutto questo è vero, ma il significato educativo della letteratura non si riduce affatto a questo. La letteratura e l'arte svolgono questa funzione principalmente plasmando la personalità di una persona, influenzando il suo sistema di valori, insegnandole gradualmente a pensare e sentire. La comunicazione con un'opera d'arte in questo senso è molto simile alla comunicazione con una persona brava e intelligente: sembra che non ti abbia insegnato nulla di specifico, nessun consiglio o regole di vita non ha insegnato, ma ti senti comunque più gentile, più intelligente, spiritualmente più ricco.

Un posto speciale nel sistema delle funzioni di un'opera appartiene alla funzione estetica, che consiste nel fatto che l'opera ha un potente impatto emotivo sul lettore, gli dà piacere intellettuale e talvolta sensuale, in una parola, viene percepita personalmente. Ruolo specialeÈ proprio questa funzione che è determinata dal fatto che senza di essa è impossibile svolgere tutte le altre funzioni: cognitive, valutative, educative. In effetti, se il lavoro non ha toccato l'anima di una persona, semplicemente parlando, non gli è piaciuto, non ha causato una reazione emotiva e personale interessata, non ha portato piacere, tutto il lavoro è stato sprecato. Se è ancora possibile percepire freddamente e indifferentemente il contenuto della verità scientifica o anche della dottrina morale, allora il contenuto di un'opera d'arte deve essere sperimentato per essere compreso. E questo diventa possibile soprattutto per l'impatto estetico sul lettore, spettatore, ascoltatore.

Un errore metodologico incondizionato, particolarmente pericoloso nell'insegnamento scolastico, è quindi l'opinione diffusa, e talvolta anche la convinzione inconscia che la funzione estetica delle opere letterarie non sia importante come tutte le altre. Da quanto è stato detto, è chiaro che la situazione è esattamente l'opposto: la funzione estetica dell'opera è quasi la più importante, semmai si può parlare dell'importanza comparativa di tutti i compiti della letteratura che esistono realmente in un unità indissolubile. Pertanto, è certamente opportuno, prima di iniziare a smontare l'opera “secondo immagini” o interpretarne il significato, dare allo studente un modo o nell'altro (a volte basta buona lettura) per sentire la bellezza di questo lavoro, per aiutarlo a provare piacere, emozione positiva da esso. E quell'aiuto è solitamente necessario qui, anche quella percezione estetica deve essere insegnata - non ci possono essere dubbi su questo.

Il significato metodologico di quanto detto consiste, anzitutto, nel fatto che non si dovrebbe fine lo studio di un'opera dal suo aspetto estetico, come avviene nella stragrande maggioranza dei casi (se non del tutto prima analisi estetica le mani raggiungono), e iniziare da lui. Dopotutto, c'è un vero pericolo che senza questo e verità artistica opere, e la sua lezioni morali, e il sistema di valori in esso contenuto sarà percepito solo formalmente.

Infine, va detto di un'altra funzione di un'opera letteraria: la funzione dell'autoespressione. Questa funzione non è solitamente indicata come la più importante, poiché si presume che esista solo per una persona: l'autore stesso. Ma in realtà non è così, e la funzione dell'autoespressione risulta essere molto più ampia, mentre il suo significato è molto più essenziale per la cultura di quanto sembri a prima vista. Il fatto è che non solo la personalità dell'autore, ma anche la personalità del lettore può essere espressa nell'opera. Percependo un'opera che ci è particolarmente piaciuta, particolarmente consona al nostro mondo interiore, ci identifichiamo in parte con l'autore e, citando (in tutto o in parte, ad alta voce oa noi stessi), parliamo già “per conto nostro”. Un fenomeno noto quando una persona esprime il suo condizione psicologica o posizione di vita battute preferite, illustra chiaramente quanto detto. Ciascuna di esperienza personaleÈ noto che lo scrittore, in una parola o nell'altra, o nell'opera nel suo insieme, ha espresso i nostri pensieri e sentimenti più intimi, che noi stessi non siamo stati in grado di esprimere così perfettamente. L'espressione di sé attraverso un'opera d'arte spetta, quindi, non a pochi - autori, ma a milioni - lettori.

Ma il significato della funzione dell'auto-espressione diventa ancora più importante se lo ricordiamo in singole opere può essere incarnato non solo mondo interiore individualità, ma anche l'anima delle persone, la psicologia gruppi sociali ecc. Nell'"Internazionale" il proletariato di tutto il mondo ha trovato l'autoespressione artistica; nei primi giorni di guerra, la canzone "Alzati, paese enorme ..." si è espressa a tutta la nostra gente.

La funzione dell'auto-espressione, quindi, va indubbiamente annoverata tra le funzioni più importanti di un'opera d'arte. Senza di essa, è difficile, e talvolta impossibile, da capire vita reale lavora nella mente e nell'anima dei lettori, per apprezzare l'importanza e l'indispensabilità della letteratura e dell'arte nel sistema culturale.

Realtà artistica. Convegno artistico

La specificità della riflessione e della rappresentazione nell'arte e soprattutto nella letteratura è tale che in un'opera d'arte vediamo, per così dire, la vita stessa, il mondo, una sorta di realtà. Non è un caso che uno degli scrittori russi abbia definito un'opera letteraria "un universo ridotto". Di tale tipo illusione della realtà una proprietà unica delle opere d'arte che non è inerente a nessun'altra forma di coscienza sociale. Per designare questa proprietà nella scienza, vengono utilizzati i termini "mondo artistico", "realtà artistica". Sembra di fondamentale importanza scoprire in quali proporzioni sono la realtà vitale (primaria) e la realtà artistica (secondaria).

Notiamo anzitutto che, rispetto alla realtà primaria, la realtà artistica è un certo tipo di convenzione. Lei creato(in contrasto con la realtà della vita miracolosa), e creato per qualche cosa per qualche scopo specifico, come è chiaramente indicato dall'esistenza delle funzioni dell'opera d'arte sopra discusse. Questa è anche la differenza dalla realtà della vita, che non ha scopo fuori di sé, la cui esistenza è assoluta, incondizionata, e non ha bisogno di giustificazione o giustificazione.

Rispetto alla vita in quanto tale, un'opera d'arte sembra essere una convenzione, e perché il suo mondo è il mondo immaginario. Anche con il più rigoroso affidamento materiale fattuale l'enorme ruolo creativo della finzione, che ne è una caratteristica essenziale creatività artistica. Anche se si immagina uno scenario quasi impossibile, quando si costruisce un'opera d'arte esclusivamente sulla descrizione di un evento attendibile e reale, allora qui la finzione, intesa in senso lato come elaborazione creativa della realtà, non perderà il suo ruolo. Influirà e si manifesterà nel vero selezione i fenomeni rappresentati nell'opera, nello stabilire regolari collegamenti tra loro, nel dare opportunità artistica alla materia della vita.

La realtà della vita è data direttamente a ciascuno e non richiede condizioni particolari per la sua percezione. La realtà artistica è percepita attraverso il prisma dell'esperienza spirituale di una persona e si basa su una certa convenzionalità. Fin dall'infanzia, impariamo in modo impercettibile e graduale a riconoscere la differenza tra letteratura e vita, ad accettare le "regole del gioco" che esistono nella letteratura e padroneggiamo il sistema di convenzioni ad essa inerente. Questo può essere illustrato da un esempio molto semplice: ascoltando le fiabe, il bambino accetta molto rapidamente che animali e persino oggetti inanimati parlano in esse, anche se in realtà non osserva nulla del genere. Ancora di più sistema complesso le convenzioni devono essere accettate per la percezione della "grande" letteratura. Tutto ciò distingue fondamentalmente la realtà artistica dalla vita; in termini generali, la differenza si riduce al fatto che la realtà primaria è il regno della natura e quella secondaria è il regno della cultura.

Perché è necessario soffermarsi così in dettaglio sulle convenzioni? realtà artistica e non identità della sua realtà di vita? Il fatto è che, come già accennato, questa non identità non impedisce la creazione di un'illusione di realtà nell'opera, che porta a uno degli errori più comuni nel lavoro analitico: la cosiddetta "lettura ingenuo-realistica" . Questo errore consiste nell'identificazione della vita e della realtà artistica. La sua manifestazione più comune è la percezione dell'epica e opere drammatiche, un eroe lirico nei testi come personalità della vita reale - con tutte le conseguenze che ne conseguono. I personaggi sono dotati di un'esistenza indipendente, devono essere personalmente responsabili delle loro azioni, si ipotizzano le circostanze della loro vita, ecc. C'era una volta, in diverse scuole di Mosca, un saggio sull'argomento "Ti sbagli, Sofia!" basato sulla commedia di Griboyedov "Woe from Wit". Un tale appello "a voi" agli eroi delle opere letterarie non tiene conto del punto più essenziale e fondamentale: e cioè, che questa stessa Sophia non è mai esistita davvero, che il suo intero personaggio dall'inizio alla fine è stato inventato da Griboedov e l'intero sistema delle sue azioni (di cui può essere responsabile nei confronti di Chatsky come della stessa persona immaginaria, cioè all'interno del mondo artistico della commedia, ma non per noi, persone reali) è anche inventato dall'autore con un obiettivo specifico, al fine di per ottenere un certo effetto artistico.

Tuttavia, il suddetto tema del saggio non è ancora l'esempio più curioso di un approccio ingenuo-realistico alla letteratura. I costi di questa metodologia includono anche le "prove" estremamente popolari di personaggi letterari negli anni '20 - Don Chisciotte fu processato per aver combattuto contro i mulini a vento e non per gli oppressori del popolo, Amleto fu processato per passività e mancanza di volontà ... I partecipanti in tali "corti" ora ricordali con un sorriso.

Notiamo subito le conseguenze negative dell'approccio ingenuo-realistico per valutarne l'innocuità. In primo luogo, porta alla perdita della specificità estetica: non è più possibile studiare un'opera come propria artistica, cioè, alla fine, estrarne specifiche informazioni artistiche e riceverne un peculiare, insostituibile piacere estetico . In secondo luogo, come è facile capire, un simile approccio distrugge l'integrità di un'opera d'arte e, strappandone i singoli dettagli, la impoverisce notevolmente. Se L.N. Tolstoj disse che "ogni pensiero, espresso a parole soprattutto, perde di significato, diminuisce terribilmente quando viene presa una delle pochette in cui si trova, quanto si “abbassa” il valore di un singolo personaggio strappato dalla “frizione”! Inoltre, concentrandosi sui personaggi, cioè sul soggetto oggettivo dell'immagine, l'approccio ingenuo-realistico dimentica l'autore, il suo sistema di valutazioni e relazioni, la sua posizione, cioè ignora il lato soggettivo dell'opera dell'arte. I pericoli di un tale atteggiamento metodologico sono stati discussi sopra.

E infine l'ultimo, e forse il più importante, perché è direttamente connesso all'aspetto morale dello studio e dell'insegnamento della letteratura. Avvicinarsi all'eroe come persona reale, come vicino o conoscente, inevitabilmente semplifica e impoverisce carattere artistico. Le persone, evidenziate e realizzate dall'autore nell'opera, sono sempre necessariamente più significative delle persone reali, poiché incarnano il tipico, rappresentano una qualche generalizzazione, a volte di scala grandiosa. Aggiungendo a questi creazioni artistiche la scala della nostra vita quotidiana, a giudicare dagli standard odierni, non solo violiamo il principio dello storicismo, ma perdiamo anche ogni opportunità Cresci al livello dell'eroe, poiché eseguiamo l'operazione esattamente opposta: lo riduciamo al nostro livello. È facile confutare logicamente la teoria di Raskolnikov, è ancora più facile stigmatizzare Pechorin come un egoista, anche se "sofferente" - è molto più difficile coltivare in se stessi una disponibilità per una ricerca morale e filosofica di tale tensione che è caratteristica di questi eroi. Facilità di trattamento personaggi letterari, che a volte si trasforma in familiarità, non è assolutamente l'atteggiamento che permette di dominare tutta la profondità di un'opera d'arte, di trarne tutto ciò che può dare. E questo per non parlare del fatto che la stessa possibilità di giudicare una persona senza voce e incapace di obiettare non ha il miglior effetto sulla formazione delle qualità morali.

Considera un altro difetto nell'approccio ingenuo-realistico a un'opera letteraria. Un tempo, nell'insegnamento scolastico era molto popolare tenere discussioni sull'argomento: "Onegin andrebbe con i Decabristi in Piazza del Senato?" In questo hanno visto quasi l'attuazione del principio dell'apprendimento problematico, perdendo completamente di vista il fatto che in questo modo viene completamente ignorato un principio più importante: il principio del carattere scientifico. È possibile giudicare future possibili azioni in relazione solo a persona reale, le leggi del mondo artistico rendono assurda e priva di senso la stessa formulazione di una simile domanda. Impossibile fare una domanda su Piazza del Senato, se nella realtà artistica di "Eugene Onegin" non c'è Piazza del Senato stessa, se tempo artistico in questa realtà si fermò, prima di giungere al dicembre 1825, e anche al destino stesso di Onegin già non c'è continuazione, nemmeno ipotetica, come il destino di Lensky. Puskin interruppe azione, lasciando Onegin "in un minuto, male per lui", ma così finito, ha completato il romanzo come una realtà artistica, eliminando completamente la possibilità di qualsiasi congettura su " destino futuro" eroe. Chiedere "cosa accadrebbe dopo?" in questa situazione è insignificante come chiedere cosa c'è oltre il confine del mondo.

Cosa dice questo esempio? Innanzitutto sul fatto che un approccio ingenuo-realistico all'opera porta naturalmente a ignorare la volontà dell'autore, all'arbitrarietà e al soggettivismo nell'interpretazione di un'opera. Quanto sia indesiderabile un tale effetto per la critica letteraria scientifica, è appena necessario spiegarlo.

I costi e i pericoli della metodologia ingenuo-realistica nell'analisi di un'opera d'arte sono stati analizzati in dettaglio da G.A. Gukovsky nel suo libro "Lo studio di un'opera letteraria a scuola". Parlando per l'incondizionato bisogno di conoscenza in un'opera d'arte, non solo l'oggetto, ma anche la sua immagine, non solo il personaggio, ma anche l'atteggiamento dell'autore nei suoi confronti, saturo senso ideologico, G.A. Giustamente Gukovsky conclude: “In un'opera d'arte, l'“oggetto” dell'immagine non esiste al di fuori dell'immagine stessa, e senza un'interpretazione ideologica non esiste affatto. Ciò significa che "studiando" l'oggetto in sé, non solo restringiamo l'opera, non solo la rendiamo priva di significato, ma, in sostanza, la distruggiamo, in quanto dato lavoro. Distrarre un oggetto dalla sua illuminazione, da significato questa illuminazione, la distorciamo”.

Lottando contro la trasformazione della lettura ingenuo-realistica in una metodologia di analisi e di insegnamento, G.A. Gukovsky allo stesso tempo ha visto l'altro lato della questione. La percezione ingenuo-realistica del mondo dell'arte, nelle sue parole, è "legittima, ma non sufficiente". G.A. Gukovsky ha il compito di "insegnare agli studenti a pensare e parlare di lei (l'eroina del romanzo. - A.E.) non solo che ne dici di una persona e che ne dici Immagine". Qual è la "legittimità" dell'approccio ingenuo-realista alla letteratura?

Il fatto è che, a causa delle specificità di un'opera letteraria come opera d'arte, noi, per la natura stessa della sua percezione, non possiamo sottrarci a un atteggiamento ingenuo-realistico nei confronti delle persone e degli eventi in essa rappresentati. Finché il critico letterario percepisce l'opera come un lettore (e, come è facile intuire, qualsiasi lavoro analitico inizia con questo), non può non percepire i personaggi del libro come persone viventi (con tutte le conseguenze che ne conseguono - piacciono e non piacciono i personaggi, suscitano compassione, rabbia, amore, ecc.) e gli eventi che accadono loro - come è realmente accaduto. Senza questo, semplicemente non capiremo nulla nel contenuto dell'opera, per non parlare del fatto che atteggiamento personale per le persone raffigurate dall'autore, c'è la base sia della contagiosità emotiva dell'opera sia della sua esperienza viva nella mente del lettore. Senza un elemento di "realismo ingenuo" nella lettura di un'opera, la percepiamo in modo secco, freddo, il che significa che o l'opera è cattiva, o noi stessi come lettori siamo cattivi. Se l'approccio ingenuo-realistico, elevato all'assoluto, secondo G.A. Gukovsky, distrugge l'opera come opera d'arte, quindi la sua completa assenza semplicemente non gli consente di svolgersi come opera d'arte.

La dualità della percezione della realtà artistica, la dialettica della necessità e insieme l'insufficienza della lettura ingenuo-realistica è stata rilevata anche da V.F. Asmus: “La prima condizione necessaria affinché la lettura proceda come lettura di un'opera d'arte è un atteggiamento speciale della mente del lettore che opera durante tutta la lettura. In virtù di questo atteggiamento, il lettore si rapporta a ciò che si legge o al “visibile” attraverso la lettura non come una continua finzione o favola, ma come una sorta di realtà. La seconda condizione per leggere una cosa come cosa artistica può sembrare l'opposto della prima. Per leggere un'opera come un'opera d'arte, il lettore deve essere consapevole durante la lettura che il pezzo di vita mostrato dall'autore attraverso l'arte non è, dopo tutto, la vita immediata, ma solo la sua immagine.

Si svela così una sottigliezza teorica: il riflesso della realtà primaria in un'opera letteraria non è identico alla realtà stessa, è condizionale, non assoluto, ma una delle condizioni è proprio che la vita rappresentata nell'opera sia percepita dal lettore come “reale”, genuino, cioè identico alla realtà primaria. Questa è la base dell'effetto emotivo ed estetico prodotto su di noi dall'opera, e questa circostanza deve essere presa in considerazione.

La percezione ingenuo-realistica è legittima e necessaria perché noi stiamo parlando sul processo della percezione primaria, del lettore, ma non dovrebbe diventare la base metodologica dell'analisi scientifica. Allo stesso tempo, il fatto stesso dell'inevitabilità di un approccio ingenuo-realistico alla letteratura lascia una certa impronta sulla metodologia della critica letteraria scientifica.

Come già accennato, l'opera è creata. Il creatore di un'opera letteraria è il suo autore. Nella critica letteraria, questa parola è usata in diversi significati correlati, ma allo stesso tempo relativamente indipendenti. In primo luogo, è necessario tracciare un confine tra l'autore biografico reale e l'autore come categoria di analisi letteraria. Nel secondo senso, si intende per autore il portatore del concetto ideologico di opera d'arte. È associato al vero autore, ma non è identico a lui, poiché l'opera d'arte non incarna la totalità della personalità dell'autore, ma solo alcune delle sue sfaccettature (anche se spesso le più importanti). Inoltre, l'autore di un'opera d'arte, in termini di impressione fatta sul lettore, può essere sorprendentemente diverso dall'autore di un'opera reale. Così, luminosità, festa e un romantico impulso verso l'ideale caratterizzano l'autore nelle opere di A. Green, mentre A.S. Grinevsky era, secondo i contemporanei, una persona completamente diversa, piuttosto cupa e cupa. È noto che non tutti gli scrittori umoristici sono persone allegre nella vita. La critica a vita di Cechov ha definito il "cantante del crepuscolo", "pessimista", " sangue freddo”, che non corrispondeva affatto al carattere dello scrittore, ecc. Quando si considera la categoria dell'autore in analisi letteraria astraiamo dalla biografia dell'autore reale, dalle sue dichiarazioni giornalistiche e altre dichiarazioni di saggistica, ecc. e consideriamo la personalità dell'autore solo nella misura in cui si è manifestata in questo particolare lavoro, analizziamo il suo concetto del mondo, visione del mondo. Va anche avvertito che l'autore non deve essere confuso con il narratore. opera epica e eroe lirico nei testi.

L'autore come vero personaggio biografico e l'autore come portatore del concetto dell'opera non vanno confusi immagine dell'autore, che si crea in alcune opere d'arte verbale. L'immagine dell'autore è speciale categoria estetica, che si verifica quando all'interno dell'opera viene creata un'immagine del creatore di quest'opera. Questa potrebbe essere l'immagine di "se stesso" ("Eugene Onegin" di Pushkin, "Cosa si deve fare?" Chernyshevsky), o l'immagine di un autore fittizio e fittizio (Kozma Prutkov, Ivan Petrovich Belkin di Pushkin). Nell'immagine dell'autore, la convenzione artistica, la non identità della letteratura e della vita si manifesta con grande chiarezza - ad esempio, in "Eugene Onegin" l'autore può parlare con l'eroe che ha creato - una situazione impossibile nella realtà . L'immagine dell'autore appare di rado in letteratura, è specifica tecnica artistica, e richiede quindi un'analisi indispensabile, in quanto rivela l'originalità artistica di quest'opera.

? DOMANDE DI PROVA:

1. Perché un'opera d'arte è la più piccola "unità" della letteratura e il principale oggetto di studio scientifico?

2. Cosa sono caratteristiche distintive opera letteraria come opera d'arte?

3. Cosa significa l'unità di oggettivo e soggettivo in relazione a un'opera letteraria?

4. Quali sono le caratteristiche principali dell'immagine letteraria e artistica?

5. Quali funzioni svolge un'opera d'arte? Quali sono queste funzioni?

6. Qual è l'"illusione della realtà"?

7. Come si relazionano la realtà primaria e la realtà artistica?

8. Qual è l'essenza della convenzione artistica?

9. Che cos'è una percezione "ingenuo-realistica" della letteratura? Quali sono i suoi punti di forza e lati deboli?