Rinascimento, o Rinascimento(fr. rinascimento), - una svolta nella storia della cultura dei popoli europei. In Italia le nuove tendenze sono apparse già a cavallo tra il XIII e il XIV secolo, in altri paesi europei - nel XV-XVI secolo. Le figure del Rinascimento riconoscevano nella persona - il suo bene e il diritto al libero sviluppo della personalità - il valore più alto. Questa visione del mondo era chiamata "umanesimo" (dal latino humanus - "umano", "umano"). Gli umanisti cercavano l'ideale di una persona armoniosa nell'antichità e l'arte antica greca e romana serviva da modello per loro. creatività artistica. Il desiderio di "ravvivare" la cultura antica ha dato il nome a un'intera epoca: il Rinascimento, il periodo tra il Medioevo e il New Age (dalla metà del XVII secolo ai giorni nostri).

La visione del mondo del Rinascimento riflette in modo più completo l'arte, inclusa la musica. In questo periodo, oltre che nel medioevo, il posto di primo piano apparteneva alla musica vocale sacra. Lo sviluppo della polifonia ha portato all'emergere della polifonia (dal greco "polis" - "numeroso" e "sottofondo" - "suono", "voce"). Con questo tipo di polifonia, tutte le voci nell'opera sono uguali. La polifonia non solo ha complicato il lavoro, ma ha permesso all'autore di esprimere una comprensione personale del testo, ha dato alla musica una maggiore emotività. Una composizione polifonica è stata creata secondo regole rigide e complesse, che richiedono una profonda conoscenza e abilità virtuosa da parte del compositore. Nell'ambito della polifonia si svilupparono i generi ecclesiastici e secolari.

Scuola polifonica olandese. I Paesi Bassi sono una regione storica dell'Europa nord-occidentale, che comprende i territori dell'attuale Belgio, Olanda, Lussemburgo e Francia nord-orientale. Entro il XV secolo I Paesi Bassi raggiunsero un alto livello economico e culturale e si trasformarono in un prospero paese europeo.

Fu qui che si formò la scuola polifonica olandese, uno dei più grandi fenomeni della musica rinascimentale. Per lo sviluppo dell'arte del XV secolo fu importante la comunicazione di musicisti di diversi paesi, l'influenza reciproca delle scuole creative. La scuola olandese ha assorbito le tradizioni dell'Italia, della Francia, dell'Inghilterra e degli stessi Paesi Bassi.

I suoi rappresentanti di spicco: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (circa 1400 - 27/11/1474, Cambrai), compositore franco-fiammingo, uno dei fondatori della scuola olandese. Le basi della tradizione polifonica nella musica olandese furono poste da Guillaume Dufay (circa 1400 - 1474). Nacque nella città di Cambrai nelle Fiandre (provincia nel sud dei Paesi Bassi) e fin da piccolo cantò nel coro della chiesa. Parallelamente, il futuro musicista ha preso lezioni private di composizione. In gioventù, Dufay andò in Italia, dove scrisse le sue prime composizioni: ballate e mottetti. Nel 1428-1437. prestò servizio come cantore nella cappella papale a Roma; in questi anni viaggiò in Italia e in Francia. Nel 1437 il compositore accettò clero. Alla corte del duca di Savoia (1437-1439), compose musiche per cerimonie solenni e feste. Dufay era molto rispettato dai nobili - tra i suoi ammiratori c'erano, ad esempio, la coppia dei Medici (governanti della città italiana di Firenze). [Lavorò in Italia e Francia. Nel 1428-37 fu cantore di cappelle papali a Roma e in altre città italiane, nel 1437-44 prestò servizio presso il duca di Savoia. Dal 1445 canonico e condottiero attività musicale Cattedrale di Cambrai. Maestro di generi spirituali (messe a 3, 4 voci, mottetti) e secolari (chanson francesi a 3, 4 voci, canzoni italiane, ballate, rondò) associati alla polifonia popolare e alla cultura umanistica del Rinascimento. L'arte di D., che assorbì le conquiste dell'arte musicale europea, ebbe una grande influenza sull'ulteriore sviluppo della musica polifonica europea. Fu anche un riformatore della scrittura musicale (a D. è attribuita l'introduzione di note con teste bianche). collezione completa Le opere di D. furono pubblicate a Roma (6 voll., 1951-66).] Dufay fu il primo tra i compositori a iniziare a comporre la messa come una composizione musicale integrale. Per creare musica sacra è richiesto un talento straordinario: la capacità di esprimere concetti astratti e intangibili con mezzi concreti e materiali. La difficoltà sta nel fatto che una tale composizione, da un lato, non lascia indifferente l'ascoltatore e, dall'altro, non distrae dal culto, aiuta a concentrarsi più profondamente sulla preghiera. Molte delle messe di Dufay sono ispirate, piene di vita interiore; sembrano aiutare a sollevare per un momento il velo della rivelazione divina.

Spesso, durante la creazione di una messa, Dufay prendeva una nota melodia, alla quale aggiungeva la sua. Tali prestiti sono caratteristici del Rinascimento. Si riteneva molto importante che la messa fosse basata su una melodia familiare che i fedeli potessero facilmente riconoscere anche in opera polifonica. Si usava spesso un frammento di canto gregoriano; non erano escluse le opere secolari.

Oltre alla musica sacra, Dufay compose mottetti su testi profani. In essi, ha anche usato una complessa tecnica polifonica.

Josquin Despres (1440-1521). Rappresentante della scuola polifonica olandese della seconda metà del XV secolo. fu Josquin Despres (circa 1440-1521 o 1524), che ebbe una grande influenza sul lavoro dei compositori della generazione successiva. In gioventù ha servito come corista della chiesa a Cambrai; ha preso lezioni di musica a Okegem. All'età di vent'anni, il giovane musicista venne in Italia, cantò a Milano con i duchi degli Sforza (in seguito qui prestò servizio il grande artista italiano Leonardo da Vinci) e nella cappella papale a Roma. In Italia, Despres iniziò probabilmente a comporre musica. Proprio all'inizio del XVI secolo. si è trasferito a Parigi. A quel tempo, Despres era già noto e fu invitato al posto di musicista di corte dal re francese Luigi XII. Dal 1503 Despres si stabilì nuovamente in Italia, nella città di Ferrara, alla corte del Duca d'Este. Despres compose molto, e la sua musica ottenne subito riconoscimenti negli ambienti più ampi: fu amata sia dalla nobiltà che dalla gente comune Il compositore ha creato non solo opere ecclesiastiche, ma anche profane.In particolare, si è rivolto al genere della canzone popolare italiana - frottola (it. frottola, da frotta - "folla"), caratterizzato da un ritmo di danza e ritmo veloce. IN musica da chiesa Despres portava i tratti delle opere profane: un'intonazione fresca e vivace rompeva il rigido distacco ed evocava un sentimento di gioia e pienezza dell'essere. Tuttavia, il senso delle proporzioni non ha mai tradito il compositore. La tecnica polifonica di Despres non si distingue per la raffinatezza. Le sue opere sono elegantemente semplici, ma in esse si sente il potente intelletto dell'autore. Questo è il segreto della popolarità delle sue creazioni.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). I contemporanei più giovani di Guillaume Dufay furono Johannes (Jean) Okeghem (circa 1425-1497) e Jacob Obrecht. Come Dufay, Okegem era delle Fiandre. Per tutta la vita ha lavorato sodo; oltre a comporre musica, fungeva da capo della cappella. Il compositore creò quindici messe, tredici mottetti, più di venti chanson. Le opere di Okegyom sono caratterizzate da rigore, concentrazione e un lungo dispiegarsi di morbide linee melodiche. grande attenzione prestò attenzione alla tecnica polifonica, si sforzò di far percepire tutte le parti della massa come un tutto unico. Lo stile creativo del compositore può essere visto anche nelle sue canzoni: sono quasi prive di leggerezza secolare, il loro carattere ricorda più i mottetti e talvolta frammenti di messe. Johannes Okegem era rispettato sia in patria che all'estero (fu nominato consigliere del re di Francia). Jakob Obrecht era un corista nelle cattedrali di varie città dei Paesi Bassi, guidava le cappelle; per diversi anni prestò servizio presso la corte del duca d'Este a Ferrara (Italia). È autore di venticinque messe, venti mottetti, trenta chanson. Utilizzando le conquiste dei suoi predecessori, Obrecht ha portato molte cose nuove in la tradizione polifonica La sua musica è ricca di contrasti, audace, anche quando il compositore si rivolge ai generi tradizionali della chiesa.

La versatilità e la profondità della creatività Orlando Lasso. La storia della musica rinascimentale olandese è completata dall'opera di Orlando Lasso (vero nome e cognome Roland de Lasso, 1532-1594 circa), chiamato dai suoi contemporanei "l'Orfeo belga" e il "Principe della musica". Lasso è nato a Mons (Fiandre). Fin dall'infanzia, ha cantato nel coro della chiesa, colpendo i parrocchiani con una voce meravigliosa. Gonzaga, duca della città italiana di Mantova, sentito per caso un giovane cantante, lo invitò nella sua stessa cappella. Dopo Mantova, Lasso lavorò per un breve periodo a Napoli, quindi si trasferì a Roma, dove ricevette l'incarico di capo della cappella di una delle cattedrali. All'età di venticinque anni, Lasso era già noto come compositore e le sue composizioni erano richieste dagli editori musicali. Nel 1555 fu pubblicata la prima raccolta di opere, contenente mottetti, madrigali e chanson. Lasso ha studiato tutto il meglio che è stato creato dai suoi predecessori (compositori olandesi, francesi, tedeschi e italiani) e ha utilizzato la loro esperienza nel suo lavoro. Essendo una personalità straordinaria, Lasso ha cercato di superare la natura astratta della musica sacra, per darle individualità. A tal fine, il compositore utilizzava talvolta motivi di genere e quotidiani (temi canzoni folk, danze), unendo così chiesa e tradizioni secolari. Lasso combinava la complessità della tecnica polifonica con una grande emotività. Ebbe particolarmente successo nei madrigali, nei cui testi stato mentale personaggi, come le Lacrime di San Pietro" (1593) ai versi del poeta italiano Luigi Tranzillo. Il compositore scrisse spesso per un largo numero voci (cinque - sette), quindi le sue opere sono difficili da eseguire.

Dal 1556 Orlando Lasso visse a Monaco (Germania), dove dirigeva la cappella. Alla fine della sua vita, la sua autorità nei circoli musicali e artistici era molto alta e la sua fama si diffuse in tutta Europa. La scuola polifonica olandese ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della cultura musicale europea. I principi della polifonia sviluppati dai compositori olandesi sono diventati universali e molti tecniche artistiche utilizzati nelle loro opere dai compositori del 20° secolo.

Francia. Per la Francia i secoli XV-XVI divennero un'epoca di importanti cambiamenti: la Guerra dei Cent'anni (1337-1453) con l'Inghilterra terminò, alla fine del XV secolo. l'unificazione dello stato è stata completata; nel XVI secolo il paese conobbe guerre di religione tra cattolici e protestanti. IN stato forte con la monarchia assoluta aumentò il ruolo delle feste di corte e delle feste popolari. Ciò ha contribuito allo sviluppo dell'arte, in particolare della musica, che ha accompagnato tali azioni. Il numero degli ensemble vocali e strumentali (cappelle e consorti), composto da un numero significativo di interpreti, è aumentato. Durante le campagne militari in Italia, i francesi conobbero le conquiste della cultura italiana. Hanno profondamente sentito e accettato le idee del Rinascimento italiano: l'umanesimo, il desiderio di armonia con il mondo esterno, il godimento della vita.

Se in Italia rinascita musicale era associato principalmente alla messa, quindi i compositori francesi, insieme alla musica da chiesa, prestavano particolare attenzione alla canzone polifonica secolare - chanson. L'interesse per esso in Francia sorse nella prima metà del XVI secolo, quando fu pubblicata una raccolta di opere musicali di Clement Janequin (circa 1485-1558). È questo compositore che è considerato uno dei creatori del genere.

Principali opere in programma corale di Clement Janequin (1475-1560). Da bambino, Janequin ha cantato in un coro della chiesa nella sua città natale di Châtellerault (Francia centrale). In futuro, come suggeriscono gli storici della musica, studiò con il maestro olandese Josquin Despres o con un compositore del suo entourage. Dopo aver ricevuto il sacerdozio, Janequin ha lavorato come reggente (direttore di coro) e organista; poi fu invitato a servire dal duca di Guisa. Nel 1555 il musicista divenne cantore della Cappella Reale e nel 1556-1557. - compositore di corte reale. Clement Janequin creò duecentottanta chanson (pubblicate tra il 1530 e il 1572); ha scritto musica sacra - messe, mottetti, salmi. Le sue canzoni erano spesso di natura pittorica. Davanti alla mente dell'ascoltatore ci sono immagini della battaglia ("Battaglia di Marignano", "Battaglia di Rent", "Battaglia di Metz"), scene di caccia ("Caccia"), immagini della natura ("Canto degli uccelli", "Usignolo ", "Allodola" ), scene di tutti i giorni("Chiacchiere tra donne"). Sorprendentemente brillante, il compositore è riuscito a trasmettere l'atmosfera della vita quotidiana a Parigi nella chanson "Cries of Paris": ha introdotto le esclamazioni dei venditori nel testo ("Latte!" - "Torte!" - "Carciofi!" - " Pesce!" - "Fiammiferi!" - "Colombe!" - "Vecchie scarpe!" - "Vino!"). Janequin quasi non usava temi lunghi e lisci per voci individuali e complessi dispositivi polifonici, preferendo appelli, ripetizioni e onomatopee.

Un'altra direzione della musica francese è associata al movimento paneuropeo della Riforma.

Nelle funzioni religiose, i protestanti francesi (ugonotti) abbandonarono il latino e la polifonia. La musica sacra acquisì un carattere più aperto e democratico. Uno dei più brillanti rappresentanti di questa tradizione musicale fu Claude Goudimel (tra il 1514 e il 1520-1572), autore di salmi basati su testi biblici e canti protestanti.

Chanson. Uno dei principali generi musicali del Rinascimento francese è la chanson (fr. chanson - "canzone"). Le sue origini sono nell'arte popolare (i versi in rima dei racconti epici erano musicati), nell'arte dei trovatori e trovatori medievali. In termini di contenuto e umore, la chanson poteva essere molto varia: c'erano canzoni d'amore, quotidiane, giocose, satiriche, ecc. I compositori prendevano come testi poesie popolari e poesia moderna.

Italia. Con l'inizio del Rinascimento in Italia si diffuse la musica di tutti i giorni suonata su vari strumenti; sorsero circoli di amanti della musica. In campo professionale si formarono due delle scuole più forti: la romana e la veneta.

Madrigale. Durante il Rinascimento il ruolo dei generi profani crebbe. Nel XIV sec. Il madrigale è apparso nella musica italiana (dal tardo latino matricale - "una canzone nella lingua madre"). È stato formato sulla base di canzoni popolari (del pastore). I madrigali erano canzoni a due o tre voci, spesso senza accompagnamento strumentale. Furono scritti sui versi dei poeti italiani moderni, che parlavano dell'amore; c'erano canzoni su argomenti quotidiani e mitologici.

Durante il XV secolo, i compositori quasi non si rivolgevano a questo genere; l'interesse per esso fu ripreso solo nel XVI secolo. Una caratteristica del madrigale del XVI secolo è lo stretto legame tra musica e poesia. La musica ha seguito in modo flessibile il testo, riflettendo gli eventi descritti nella fonte poetica. Nel tempo si svilupparono peculiari simboli melodici, che denotavano teneri sospiri, lacrime, ecc. Nelle opere di alcuni compositori, il simbolismo era filosofico, ad esempio, nel madrigale di Gesualdo di Venosa "Sto morendo, sfortunato" (1611).

Il periodo di massimo splendore del genere cade a cavallo tra i secoli XVI-XVII. A volte, contemporaneamente all'esecuzione della canzone, la trama veniva riprodotta. Il madrigale divenne la base della commedia madrigale (una composizione corale basata sul testo di una commedia), che preparò l'aspetto dell'opera.

Scuola polifonica romana. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Capo della scuola romana fu Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno dei maggiori compositori del Rinascimento. È nato nella città italiana di Palestrina, dopo di che ha ricevuto il suo cognome. Fin dall'infanzia Palestrina ha cantato nel coro della chiesa e, raggiunta l'età adulta, è stato invitato alla carica di capobanda (direttore del coro) nella Basilica di San Pietro a Roma; poi servito in cappella Sistina(cappella di corte del Papa).

Roma, il centro del cattolicesimo, attirò molti importanti musicisti. In tempi diversi qui hanno lavorato i maestri polifonici olandesi Guillaume Dufay e Josquin Despres. La loro tecnica compositiva sviluppata a volte interferiva con la percezione del testo del servizio: si perdeva dietro lo squisito plesso delle voci e le parole, infatti, non erano udibili. Pertanto, le autorità ecclesiastiche erano diffidenti nei confronti di tali opere e sostenevano il ritorno della monofonia basata sui canti gregoriani. La questione dell'ammissibilità della polifonia nella musica sacra fu discussa anche al Concilio di Trento della Chiesa Cattolica (1545-1563). Vicino al Papa, Palestrina convinse i vertici della Chiesa della possibilità di realizzare opere in cui la tecnica del compositore non interferisse con la comprensione del testo. A riprova compose la "Messa di Papa Marcello" (1555), che unisce la complessa polifonia al suono chiaro ed espressivo di ogni parola. Così, il musicista "salvò" la musica polifonica professionale dalla persecuzione delle autorità ecclesiastiche. Nel 1577, il compositore fu invitato a discutere la riforma del graduale, una raccolta di inni sacri della Chiesa cattolica. Negli anni '80. Palestrina prese gli ordini sacri e nel 1584 divenne membro della Società dei Maestri di Musica, associazione di musicisti direttamente subordinata al Papa.

Il lavoro di Palestrina è intriso di una brillante visione del mondo. Le opere da lui realizzate impressionarono i suoi contemporanei con la più alta maestria e quantità (più di cento messe, trecento mottetti, cento madrigali). La complessità della musica non è mai servita da barriera alla sua percezione. Il compositore sapeva come trovare mezzo d'oro tra la raffinatezza delle composizioni e la loro accessibilità all'ascoltatore. Palestrina vedeva il principale compito creativo nello sviluppo di una grande opera integrale. Ogni voce nei suoi canti si sviluppa indipendentemente, ma allo stesso tempo forma un tutt'uno con il resto, e spesso le voci formano combinazioni di accordi che colpiscono per la loro bellezza. Spesso la melodia della voce alta sembra librarsi al di sopra del resto, delineando la "cupola" della polifonia; tutte le voci sono morbide e sviluppate.

L'arte di Giovanni da Palestrina era considerata esemplare e classica dai musicisti della generazione successiva. Molti eccezionali compositori del 18° e 18° secolo studiarono sulle sue composizioni.

Un'altra direzione della musica rinascimentale è legata all'opera di compositori di scuola veneta, il cui fondatore fu Adrian Villaart (1485-1562 circa). Suoi allievi furono l'organista e compositore Andrea Gabrieli (tra il 1500 e il 1520 - dopo il 1586), il compositore Cipriano de Pope (1515 o 1516-1565) e altri musicisti. Se le opere di Palestrina sono caratterizzate da chiarezza e rigoroso ritegno, Willart e i suoi seguaci hanno sviluppato uno stile corale magnifico. Per ottenere il suono surround, il gioco dei timbri, hanno utilizzato diversi cori nelle composizioni, situati in diversi punti del tempio. L'uso degli appelli tra i cori ha permesso di riempire lo spazio della chiesa con effetti senza precedenti. Questo approccio rifletteva gli ideali umanistici dell'epoca nel suo insieme - con la sua allegria, libertà e la stessa tradizione artistica veneziana - con il suo desiderio per tutto ciò che è luminoso e insolito. Nel lavoro dei maestri veneziani divenne più complicato e linguaggio musicale: era pieno di audaci combinazioni di accordi, armonie inaspettate.

Figura notevole del Rinascimento fu Carlo Gesualdo di Venosa (1560-1613 circa), principe della città di Venosa, uno dei più grandi maestri del madrigale secolare. Divenne famoso come filantropo, suonatore di liuto e compositore. Il principe Gesualdo era amico del poeta italiano Torquato Tasso; sono rimaste le lettere più interessanti in cui entrambi gli artisti discutono di questioni di letteratura, musica e belle arti. Gesualdo di Venosa mise in musica molte delle poesie di Tasso: così apparvero alcuni madrigali di grande valore artistico. Come rappresentante del tardo Rinascimento, il compositore si sviluppò nuovo tipo madrigale, dove i sentimenti erano in primo luogo: tempestosi e imprevedibili. Pertanto, le sue opere sono caratterizzate da fluttuazioni di volume, intonazioni simili a sospiri e persino singhiozzi, accordi dal suono acuto e cambiamenti di tempo contrastanti. Queste tecniche diedero alla musica di Gesualdo un carattere espressivo, alquanto bizzarro, colpì e allo stesso tempo attirò i contemporanei. Il patrimonio di Gesualdo di Venosa si compone di sette raccolte di madrigali polifonici; tra le composizioni spirituali - "Inni sacri". Anche oggi la sua musica non lascia indifferente l'ascoltatore.

Sviluppo di generi e forme di musica strumentale. La musica strumentale è anche caratterizzata dall'emergere di nuovi generi, in particolare concerto strumentale. Violino, clavicembalo, organo si trasformano gradualmente in strumenti solisti. La musica scritta per loro ha permesso di mostrare talento non solo per il compositore, ma anche per l'esecutore. Innanzitutto si valorizzava il virtuosismo (capacità di far fronte alle difficoltà tecniche), divenuto via via fine a se stesso per molti musicisti e valore artistico. I compositori del XVII-XVIII secolo di solito non solo componevano musica, ma anche virtuosi suonavano gli strumenti ed erano impegnati in attività pedagogiche. Il benessere dell'artista dipendeva in gran parte dal cliente specifico. Di norma, ogni musicista serio cercava di ottenere un posto alla corte di un monarca o di un ricco aristocratico (molti membri della nobiltà avevano le proprie orchestre o teatri d'opera), o in un tempio. Inoltre, la maggior parte dei compositori combinava facilmente la musica da chiesa con il servizio di un mecenate secolare.

Inghilterra. La vita culturale dell'Inghilterra durante il Rinascimento era strettamente connessa con la Riforma. Nel XVI secolo, il protestantesimo si diffuse in tutto il paese. Chiesa cattolica persa la sua posizione dominante, la Chiesa anglicana divenne lo Stato, che rifiutò di riconoscere alcuni dogmi (disposizioni fondamentali) del cattolicesimo; la maggior parte dei monasteri cessò di esistere. Questi eventi hanno avuto un impatto sulla cultura inglese, inclusa la musica. Furono aperti dipartimenti di musica nelle università di Oxford e Cambridge. Gli strumenti a tastiera suonavano nei salotti della nobiltà: virginale (un tipo di clavicembalo), un organo portatile (piccolo), ecc. brevi saggi progettato per la riproduzione di musica domestica. Il rappresentante più importante della cultura musicale di quel tempo fu William Byrd (1543 o 1544-1623) - editore musicale, organista e compositore. Bird divenne l'antenato del madrigale inglese. Le sue opere si distinguono per la semplicità (evitava complessi dispositivi polifonici), l'originalità della forma che segue il testo e la libertà armonica. Tutti i mezzi musicali sono chiamati ad affermare la bellezza e la gioia della vita, in opposizione al rigore e alla moderazione medievali. Nel genere madrigale, il compositore aveva molti seguaci.

Bird ha anche creato opere spirituali (messe, salmi) e musica strumentale. Nelle composizioni per il virginale, usava i motivi di canti e danze popolari.

Il compositore voleva davvero che la musica che scrisse "portasse felicemente almeno un po' di tenerezza, relax e divertimento", scrisse William Byrd nella prefazione a una delle sue raccolte musicali.

Germania. Il legame della cultura musicale tedesca con il movimento della Riforma. Nel XVI secolo iniziò in Germania la Riforma, che cambiò in modo significativo la vita religiosa e culturale del paese. I riformatori erano convinti della necessità di un cambiamento contenuto musicale servizi divini. Ciò era dovuto a due motivi. Entro la metà del XV secolo. l'abilità polifonica dei compositori che hanno lavorato nei generi della musica sacra ha raggiunto una straordinaria complessità e raffinatezza. A volte venivano create opere che, a causa della ricchezza melodica delle voci e dei lunghi canti, non potevano essere percepite e vissute spiritualmente dalla maggior parte dei parrocchiani. Inoltre il servizio era svolto in latino, comprensibile agli italiani, ma estraneo ai tedeschi.

Il fondatore del movimento della Riforma, Martin Lutero (1483-1546), credeva che fosse necessaria una riforma della musica sacra. La musica, in primo luogo, doveva contribuire a una più attiva partecipazione dei parrocchiani al culto (questo era impossibile quando si eseguivano composizioni polifoniche), e in secondo luogo, a suscitare empatia per gli eventi biblici (che era ostacolata dallo svolgimento del servizio in latino). Pertanto, al canto in chiesa sono stati imposti i seguenti requisiti: semplicità e chiarezza della melodia, ritmo uniforme e una chiara forma di canto. Su questa base sorse un corale protestante, il genere principale della musica sacra. Rinascimento tedesco. Nel 1522 Lutero tradusse il Nuovo Testamento in tedesco: d'ora in poi divenne possibile adorare nella lingua madre.

Lo stesso Lutero, così come il suo amico, il teorico musicale tedesco Johann Walter (1490-1570), parteciparono attivamente alla selezione delle melodie per i corali. Le principali fonti di tali melodie erano le canzoni popolari spirituali e profane, ampiamente conosciute e di facile comprensione. Melodie per alcuni corali composti da Lutero stesso. Uno di essi, "Il Signore è la nostra roccia", divenne un simbolo della Riforma durante le guerre di religione del XVI secolo.

I maestri cantori e la loro arte. Un'altra pagina luminosa della musica tedesca del Rinascimento è associata al lavoro dei Meistersinger (tedesco: Meistersinger - "maestro cantante") - poeti e cantanti dell'ambiente degli artigiani. Non erano musicisti professionisti, ma prima di tutto maestri: armaioli, sarti, vetrai, calzolai, fornai, ecc. L'unione cittadina di tali musicisti includeva rappresentanti di vari mestieri. Nel XVI secolo esistevano associazioni di Meistersinger in molte città tedesche.

I Meistersingers componevano le loro canzoni secondo regole rigide, l'iniziativa creativa era vincolata da molte restrizioni. Un principiante doveva prima padroneggiare queste regole, poi imparare a cantare canzoni, quindi comporre testi per le melodie di altre persone e solo allora poteva creare la propria canzone. Le melodie dei famosi Meistersingers e Minnesingers erano considerate come melodie di esempio.

Un eccezionale maestro cantore del 16° secolo. Hans Sachs (1494-1576) proveniva da una famiglia di sartori, ma se ne andò casa dei genitori e partì per un viaggio in Germania. Durante le sue peregrinazioni, il giovane imparò il mestiere di calzolaio, ma soprattutto conobbe arte popolare. Sachs era ben istruito, conosceva molto bene la letteratura antica e medievale e leggeva la Bibbia in traduzione tedesca. Era profondamente imbevuto delle idee della Riforma, quindi scrisse non solo canti profani, ma anche spirituali (circa seimila canti in totale). Hans Sachs divenne famoso anche come drammaturgo (vedi l'articolo "Arte teatrale del Rinascimento").

Strumenti musicali del Rinascimento. Durante il Rinascimento, la composizione degli strumenti musicali si espanse notevolmente, nuove varietà furono aggiunte agli archi e ai fiati già esistenti. Tra questi, un posto speciale è occupato dalle viole, una famiglia di archi che stupiscono per la bellezza e la nobiltà del suono. Nella forma assomigliano a strumenti della moderna famiglia dei violini (violino, viola, violoncello) e sono addirittura considerati i loro immediati predecessori (coesistevano nella pratica musicale fino a quando metà del diciottesimo secoli). Tuttavia, c'è una differenza, e significativa. Le viole hanno un sistema di corde risonanti; di regola ce ne sono tante quante le principali (da sei a sette). Le vibrazioni delle corde risonanti rendono la viola morbida, vellutata, ma è difficile utilizzare lo strumento in un'orchestra, perché a causa dell'elevato numero di corde si stona rapidamente.

Per molto tempo, il suono della viola è stato considerato un modello di raffinatezza nella musica. Ci sono tre tipi principali nella famiglia delle viole. Viola da gamba - grande strumento, che l'esecutore posizionava verticalmente e strinse ai lati con i piedi (la parola italiana gamba significa "ginocchio"). Altre due varietà - viola da braccio (da it. braccio - "avambraccio") e viol d "amour (fr. viole d" amour - "viola d'amore") erano orientate orizzontalmente e quando suonate venivano premute contro la spalla. La viola da gamba è vicina al violoncello in termini di estensione sonora, la viola da braccio è vicina al violino e la viola d'amore è vicina alla viola.

Tra gli strumenti a pizzico del Rinascimento, il liuto (in polacco lutnia, dall'arabo "alud" - "albero") occupa il posto principale. È arrivato in Europa dal Medio Oriente alla fine del XIV secolo e all'inizio del XVI secolo c'era un vasto repertorio per questo strumento; Prima di tutto, le canzoni venivano cantate con l'accompagnamento del liuto. Il liuto ha un corpo corto; la parte superiore è piatta e la parte inferiore ricorda un emisfero. Un manico è attaccato al manico largo, diviso da tasti, e la testa dello strumento è piegata all'indietro quasi ad angolo retto. Se lo desideri, puoi vedere la somiglianza con una ciotola a forma di liuto. Dodici corde sono raggruppate a coppie e il suono viene estratto sia con le dita che con una piastra speciale: un plettro.

Nel XV e XVI secolo sorsero diversi tipi tastiere. I principali tipi di tali strumenti - clavicembalo, clavicordo, cembalo, virginale - furono utilizzati attivamente nella musica del Rinascimento, ma il loro vero periodo di massimo splendore venne dopo.

Nella cultura musicale del Rinascimento si possono distinguere diversi tratti innovativi distintivi.

In primo luogo, il rapido sviluppo dell'arte secolare, espresso nell'ubiquità di molti generi secolari di canti e balli. Questi sono italianifrottole ("canzoni popolari, da parole frottola - folla), villanelle ("canzoni del villaggio"),cacchia , canzone (letteralmente - canzoni) e madrigali, spagnolovillancico (da villa - villaggio), chanson di canzoni francesi, tedescomentito , Inglese ballate e altri. Tutti questi generi, glorificando la gioia di essere, interessati al mondo interiore di una persona, lottando per la verità della vita, riflettevano direttamente una visione del mondo puramente rinascimentale. Per il loro mezzo di espressione uso tipicamente estensivo di intonazioni e ritmi della musica popolare.

Il culmine della linea secolare nell'arte del Rinascimento -madrigale . Il nome del genere significa "canzone in lingua materna (cioè italiana)". Sottolinea la differenza tra il madrigale e la musica sacra eseguita in latino. Lo sviluppo del genere è passato da un semplice cantico da pastore a una voce a un brano vocale-strumentale a 5-6 voci con un testo lirico raffinato e raffinato. Tra i poeti che si sono rivolti al genere madrigale ci sono Petrarca, Boccaccio, Tasso. I compositori A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi furono notevoli maestri del madrigale. Originario dell'Italia, il madrigale si diffuse rapidamente in altri paesi occidentali. paesi europei.

Si chiama la versione francese della canzone polifonicacanzone . Si distingue dal madrigale per la sua maggiore vicinanza alla vita reale, quotidiana, cioè al genere. Tra i creatori di chanson -Clemente Jeannequin , uno dei più famosi compositori francesi del Rinascimento.

In secondo luogo, la più alta fioritura della polifonia corale, che divenne lo stile musicale principale dell'epoca. Maestoso e armonioso, si sposava perfettamente con la solennità del servizio ecclesiastico. Allo stesso tempo, la polifonia polifonica era la forma espressiva dominante non solo nei generi spirituali, ma anche in quelli secolari.

Lo sviluppo della polifonia corale è stato associato principalmente al lavoro di compositori della scuola olandese (franco-fiamminga): Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lazo (circa 1532-1594) operò in molti paesi europei. Il suo talento, davvero fenomenale, ha conquistato e deliziato tutti. Nella vasta opera di Orlando Lasso, tutti generi musicali Rinascimento (con il predominio della musica profana su quella spirituale). Tra le sue opere più apprezzate c'è "Echo", scritto nel genere delle canzoni domestiche italiane. La composizione è costruita su una colorata giustapposizione di due cori, creando un effetto eco. Il testo appartiene al compositore stesso.

Insieme a Orlando Lasso, il più grande rappresentante Alto Rinascimento c'era un italiano nella musicaPalestrina (nome e cognome Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525-1594 circa). La maggior parte della vita di Palestrina la trascorse a Roma, dove fu costantemente associato al lavoro in chiesa, in particolare dirigeva la cappella della Cattedrale di S. Peter. La parte principale della sua musica sono le opere sacre, in primis messe (ce ne sono più di un centinaio, tra le quali spicca soprattutto la famosa “Messa di Papa Marcello”) e mottetti. Tuttavia, Palestrina compose volentieri anche musica profana: madrigali, canzonette. Composizioni di Palestrina per coro a sarrelladiventare modello classico Polifonia rinascimentale.

Il lavoro dei compositori polifonici ha svolto un ruolo di primo piano nello sviluppo del genere principale della musica rinascimentale -masse . Originario del Medioevo, il genere della Messa inXIV- XVIPer secoli si è trasformata rapidamente, passando da campioni rappresentati da parti separate e disparate a composizioni di forma ciclica armoniosa.

Dipende da calendario della chiesa nella musica della Messa alcune parti sono state omesse e altre parti sono state inserite. Ci sono cinque parti obbligatorie che sono costantemente presenti nel servizio in chiesa. INio e V - « Kyrieeleison» ("Signore, abbi pietà") e« AgnusDei» (« Agnello di Dio") - è stata espressa una preghiera per il perdono e la misericordia. NelII e IV - « Gloria"("Gloria") e " Santo» (« Santo") - lode e gratitudine. Nella parte centrale,Credo» (« credo”), ha esposto i principi fondamentali della fede cristiana.

In terzo luogo, il ruolo crescente della musica strumentale (con una netta predominanza dei generi vocali). Se il Medioevo europeo quasi non conosceva lo strumentalismo professionale, nel Rinascimento furono create molte opere per liuto (lo strumento musicale più comune dell'epoca), organo, viola, vihuela, virginale, flauti longitudinali. Seguono ancora schemi vocali, ma l'interesse per il suono strumentale è già stato determinato.

In quarto luogo, durante il Rinascimento, ci fu una formazione attiva di scuole musicali nazionali (polifonisti olandesi, virginalisti inglesi, vihuelalists spagnoli e altri), il cui lavoro era basato sul folklore del loro paese.

Infine, la teoria della musica ha fatto un passo avanti, proponendo numerosi teorici notevoli. È franceseFilippo de Vitry , autore del trattato Arsnova» (« New Art”, dove viene data la fondatezza teorica del nuovo stile polifonico); italianoGiuseppe Carlino , uno dei creatori della scienza dell'armonia; svizzeroGlareano , il fondatore della dottrina della melodia.

AGENZIA FEDERALE PER L'ISTRUZIONE

GOU VPO "Mariysky Università Statale»

Facoltà scuola elementare

Specialità: 050708

"Pedagogia e metodi di educazione primaria"

Dipartimento: "Pedagogia dell'istruzione primaria"

Test

"Musica del Rinascimento"

Yoshkar-Ola 2010

L'era del Rinascimento (Rinascimento) è il momento del massimo splendore di tutti i tipi di arti e del richiamo delle loro figure alle tradizioni e alle forme antiche.

Il Rinascimento ha confini storici e cronologici irregolari paesi diversi Europa. In Italia inizia nel XIV secolo, nei Paesi Bassi inizia nel XV secolo e in Francia, Germania e Inghilterra i suoi segni si manifestano più chiaramente nel XVI secolo. Allo stesso tempo, lo sviluppo dei legami tra diverse scuole creative, lo scambio di esperienze tra musicisti che si spostavano di paese in paese, che lavoravano in diverse cappelle, sta diventando un segno dei tempi e permette di parlare di tendenze comuni alla intera epoca.

La cultura artistica del Rinascimento è un inizio personale basato sulla scienza. L'abilità insolitamente complessa dei polifonisti dei secoli XV-XVI, la loro tecnica virtuosistica andava d'accordo con arte brillante danze quotidiane, la raffinatezza dei generi profani. Il dramma lirico sta guadagnando sempre più espressione nelle sue opere.

Quindi, come possiamo vedere, il periodo rinascimentale è un periodo difficile nella storia dello sviluppo dell'arte musicale, quindi sembra ragionevole considerarlo più in dettaglio, prestando la dovuta attenzione alle personalità individuali.

La musica è l'unica lingua del mondo, non ha bisogno di essere tradotta, l'anima parla all'anima in essa.

Averbakh Berthold.

La musica rinascimentale, o musica rinascimentale, si riferisce al periodo di sviluppo della musica europea tra il 1400 e il 1600 circa. In Italia, l'inizio di una nuova era per l'arte musicale arrivò nel XIV secolo. La scuola olandese prese forma e raggiunse i suoi primi apici nel XV secolo, dopodiché il suo sviluppo si espanse e l'influenza in un modo o nell'altro catturò i maestri di altri scuole nazionali. I segni del Rinascimento si manifestarono chiaramente in Francia nel XVI secolo, sebbene le sue realizzazioni creative fossero grandi e indiscutibili anche nei secoli precedenti.

Nel XVI secolo, l'ascesa dell'arte in Germania, Inghilterra e alcuni altri paesi rientrava nell'orbita del Rinascimento. Eppure, nel tempo, un nuovo movimento creativo è diventato decisivo Europa occidentale in generale ea suo modo ha risposto nei paesi dell'Est Europa.

La musica del Rinascimento si rivelò completamente estranea ai suoni aspri e aspri. Le leggi dell'armonia costituivano la sua essenza principale.

La posizione di testa era ancora occupata musica spirituale, suonando durante il servizio in chiesa. Durante il Rinascimento, ha mantenuto i temi principali musica medievale: lode al Signore e Creatore del mondo, santità e purezza dei sentimenti religiosi. L'obiettivo principale di tale musica, come ha detto uno dei suoi teorici, è "piacere a Dio".

Messe, mottetti, inni e salmi costituivano la base della cultura musicale.

Messa - brano musicale che è una raccolta di parti della liturgia cattolica di rito latino, i cui testi sono musicati per canto monofonico o polifonico, accompagnato da strumenti musicali o senza, per accompagnamento musicale del culto solenne nella Chiesa cattolica romana e chiese protestanti di alta direzione, ad esempio, nella Chiesa di Svezia.

Messe di valore musicale vengono eseguite anche al di fuori del culto nei concerti; inoltre, molte messe di epoche successive furono composte appositamente sia per l'esecuzione in sala concerti o in occasione di qualsiasi celebrazione.

La messa in chiesa, riprendendo le melodie tradizionali del canto gregoriano, esprimeva nel modo più chiaro l'essenza della cultura musicale. Come nel Medioevo, la massa era composta da cinque parti, ma ora è diventata più maestosa e di grandi dimensioni. Il mondo non sembrava più così piccolo e osservabile all'uomo. Vita solita con le sue gioie terrene ha già cessato di essere considerato peccaminoso.

Mottetto (fr. mottetto da mot- parola) - un'opera polifonica vocale di un magazzino polifonico, uno dei generi centrali nella musica del Medioevo e del Rinascimento dell'Europa occidentale.

Anthem (antico greco ὕμνος) è una canzone solenne che loda e glorifica qualcuno o qualcosa (originariamente una divinità).

Salmo (greco ψαλμός "canto di lode"), r.p. salmo, pl. salmi (greco ψαλμοί) - inni ebraici (ebraico תהילים) e poesia e preghiera religiosa cristiana (da Vecchio Testamento).

Costituiscono il Salterio, il 19° libro dell'Antico Testamento. La paternità dei Salmi è tradizionalmente attribuita al re Davide (1000 aC circa) e a molti altri autori, tra cui Abramo, Mosè e altri. figure leggendarie.

In totale, il Salterio comprende 150 salmi, suddivisi in preghiere, lodi, canti e insegnamenti.

Salmi resi un enorme impatto sul folklore e servito come fonte di molti proverbi. Nel giudaismo, i salmi venivano cantati sotto forma di inni con accompagnamento. Con ogni salmo, di regola, venivano indicati il ​​metodo di esecuzione e il "modello" (chiamato intonazione nel canto gregoriano), cioè la melodia corrispondente. Il Salterio ha preso un posto importante nel cristianesimo. I salmi venivano cantati durante i servizi divini, le preghiere domestiche, prima della battaglia e quando ci si muoveva in formazione. Inizialmente venivano cantate da tutta la comunità della chiesa. I salmi venivano cantati a cappella, solo in casa era consentito l'uso degli strumenti. Il tipo di esecuzione era recitativo-salmodico. Oltre ai salmi interi, venivano usati anche versi individuali e più espressivi da essi. Su questa base sorsero canti indipendenti: antifona, graduale, sentiero e alleluia.

A poco a poco, le tendenze secolari iniziarono a penetrare nelle opere dei compositori di chiese. I temi dei canti popolari che non hanno alcun contenuto religioso sono introdotti audacemente nel tessuto polifonico degli inni ecclesiastici. Ma ora non contraddiceva lo spirito generale e gli umori dell'epoca. Al contrario, nella musica il divino e l'umano erano combinati in modo sorprendente.

La musica sacra raggiunse il suo apice nel XV secolo. In Olanda. Qui la musica era venerata più di altre forme d'arte. I compositori olandesi e fiamminghi hanno aperto la strada alle nuove regole polifonico performance (polifonica) - classica " stile rigoroso". Il più importante tecnica compositiva divennero i maestri olandesi imitazione- ripetizione della stessa melodia a voci diverse. La voce principale era il tenore, a cui era affidata la melodia ripetitiva principale - cantus firmus ("melodia immutabile"). Il basso suonava sotto il tenore e il contralto sopra. La voce più alta, cioè torreggiante su tutti, era chiamata soprano.

Con l'aiuto di calcoli matematici, i compositori olandesi e fiamminghi sono riusciti a calcolare la formula per combinare gli intervalli musicali. obiettivo principale la composizione diventa la creazione di una costruzione sonora snella, simmetrica e grandiosa, internamente completa. Uno dei più brillanti rappresentanti di questa scuola, Johannes Okeghem (c. 1425-1497), sulla base di calcoli matematici, compose un mottetto a 36 voci!

Tutti i generi caratteristici della scuola olandese sono rappresentati nell'opera di Okeghem: messa, mottetto e chanson. Il genere più importante per lui è la messa, ha dimostrato di essere un polifonista eccezionale. La musica di Okeghem è molto dinamica, la linea melodica si muove in un'ampia gamma, ha un'ampia ampiezza. Allo stesso tempo, Okeghem è caratterizzato da un'intonazione morbida, il più puro pensiero modale diatonico e antico. Pertanto, la musica di Okeghem è spesso caratterizzata come "mirata all'infinito", "fluttuante" in un ambiente figurativo alquanto distaccato. È meno legato al testo, ricco di canti, improvvisato, espressivo.

Pochissimi degli scritti di Okeghem sopravvivono:

circa 14 messe (11 completamente):

Requiem Missa pro Defunctis (il primo requiem polifonico della storia del mondo letteratura musicale);

9-13 (secondo varie fonti) mottetti:

oltre 20 canzoni

Molte sono le opere la cui proprietà di Okegem è messa in dubbio, tra queste il famoso mottetto "Deo gratias" a 36 voci. Alcune canzoni anonime sono attribuite a Okegem sulla base della somiglianza nello stile.

Le tredici messe di Okeghem sono conservate in un manoscritto del XV secolo noto come codice Chigi.

Tra le messe predominano le messe in quattro parti, ci sono due messe in cinque parti e una in otto parti. Ockeghem usa melodie popolari ("L'homme armé"), sue ("Ma maistresse") o melodie di altri autori come temi delle messe (ad esempio, Benchois in "De plus en plus"). Ci sono messe senza temi presi in prestito ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Mottetti e chanson

I mottetti e le chanson di Okeghem sono direttamente adiacenti alle sue messe e differiscono da loro principalmente per la loro scala. Tra i mottetti ci sono opere magnifiche e festive, nonché composizioni corali spirituali più rigorose.

Il più famoso è il festoso mottetto di ringraziamento "Deo gratias", scritto per quattro composizioni a nove voci e quindi considerato a 36 voci. Infatti, si compone di quattro canoni di nove parti (quattro argomenti diversi) che si susseguono con lievi sovrapposizioni tra l'inizio del successivo e la conclusione del precedente. Ci sono 18 voci nelle sovraincisioni, non ci sono 36 voci reali nel mottetto.

Non meno interessante è l'opera del compositore olandese Orlando Lasso (c. 1532-1594), che realizzò più di duemila opere di culto e di natura profana.

Lasso è il compositore più prolifico del suo tempo; a causa dell'ingente patrimonio, il significato artistico delle sue opere (molte delle quali commissionate) non è stato ancora pienamente apprezzato.

Ha lavorato esclusivamente in generi vocali, tra cui più di 60 messe, un requiem, 4 cicli di passioni (secondo tutti gli evangelisti), officio settimana Santa(particolarmente significative sono le responsabilità del Giovedì Santo, del Venerdì Santo e del Sabato Santo), più di 100 Magnificat, inni, faubourdon, circa 150 francesi. chanson (la sua chanson "Susanne un jour", parafrasi del racconto biblico su Susanna, fu una delle commedie più popolari del XVI secolo), canzoni italiane (villanelle, moresche, canzoni) e tedesche (più di 140 Lieder), circa 250 madrigali.

Lasso si distingue per lo sviluppo più dettagliato dei testi su lingue differenti come liturgico (compresi i testi Sacra Scrittura) e quelli liberamente composti. La serietà e drammaticità del concetto, volumi estesi contraddistinguono la composizione “Lacrime di San Pietro” (un ciclo di madrigali spirituali a 7 voci su poesie di Luigi Tranzillo, pubblicato nel 1595) e “Salmi penitenziali di David” (manoscritto del 1571 in formato folio decorato con illustrazioni di G. Milich, che forniscono prezioso materiale iconografico sulla vita, incl. intrattenimento musicale, corte bavarese).

Tuttavia, nella musica profana, Lasso non era estraneo all'umorismo. Ad esempio, nella chanson “Il bere in tre si distribuisce nelle feste” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), si racconta un antico aneddoto della vita dei Vagantes; in canzone famosa"Matona mia cara" un soldato tedesco canta una serenata d'amore, storpiando parole italiane; nell'inno "Ut queant laxis" viene imitato lo sfortunato solfeggio. Alcuni brevi brani luminosi di Lasso sono scritti su versi molto frivoli, ad esempio la chanson "Una signora guardò con interesse nel castello / La natura guardò una statua di marmo" (En un chasteau ma dame ...), e alcuni le canzoni (soprattutto i costumi) contengono un vocabolario osceno.

musica profana Viene presentato il Rinascimento vari generi: madrigali, canti, canzoni. La musica, avendo smesso di essere un "servo della chiesa", ora iniziò a suonare non in latino, ma nella lingua madre. Il genere più popolare di musica profana erano i madrigali (Madrigal italiano - una canzone nella lingua madre) - composizioni corali a più voci scritte sul testo di un poema lirico di contenuto d'amore. Molto spesso a questo scopo venivano utilizzate poesie di famosi maestri: Dante, Francesco Petrarca e Torquato Tasso. I madrigali non sono stati eseguiti da cantanti professionisti, ma da un intero ensemble di dilettanti, in cui ogni parte era guidata da un cantante. L'atmosfera principale del madrigale è la tristezza, la malinconia e la malinconia, ma c'erano anche composizioni gioiose e vivaci.

Ricercatore moderno di cultura musicale D.K. Kirnarskaya nota:

“Il madrigale capovolse l'intero sistema musicale del Rinascimento: la morbida e armoniosa plasticità melodica della messa crollò... scomparve anche l'immutabile cantus firmus, fondamento dell'insieme musicale... ha lasciato il posto a contrasti emotivi e melodici di episodi, ognuno dei quali ha cercato di trasmettere l'idea poetica contenuta nel testo nel modo più espressivo possibile. Il Madrigal ha finalmente minato le forze indebolite dello "stile rigoroso".

Non meno popolare genere di musica profana era la canzone accompagnata da strumenti musicali. A differenza della musica suonata in chiesa, le canzoni erano abbastanza semplici da eseguire. Il loro testo in rima era chiaramente diviso in 4-6 strofe. Nelle canzoni, come nei madrigali, il testo acquisiva grande importanza. Quando vengono eseguiti, i versi poetici non dovrebbero essere persi nel canto polifonico. Le canzoni erano famose compositore francese Clemente Janequin (c.1485-1558). Clement Janequin ha scritto circa 250 chanson, per la maggior parte per 4 voci, su poesie di Pierre Ronsard, Clément Marot, M. de Saint-Gele, poeti anonimi. Per quanto riguarda altre 40 chanson, la scienza moderna contesta la paternità di Janequin (che, tuttavia, non riduce la qualità di questa musica contestata stessa). La principale caratteristica distintiva della sua musica polifonica profana è programmatica e pittorica. Davanti alla mente dell'ascoltatore ci sono immagini della battaglia ("Battaglia di Marignano", "Battaglia di Renty", "Battaglia di Metz"), scene di caccia ("Canto degli uccelli", "Canto dell'usignolo", "Lark"), tutti i giorni scene ("Chiacchiere tra donne"). Janequin trasmette vividamente l'atmosfera della vita quotidiana a Parigi nella chanson "Cries of Paris", dove si sentono le grida dei venditori ambulanti ("Latte!" - "Torte!" - "Carciofi!" - "Pesce!" - "Fiammiferi !" - "Colombe!" - "Vecchie scarpe!" - "Vino!"). Con tutta l'ingegnosità nella trama e nel ritmo, la musica di Janequin nel campo dell'armonia e del contrappunto rimane molto tradizionale.

Il Rinascimento segnò l'inizio creatività del compositore professionista. Rappresentante eclatante di questa nuova tendenza è senza dubbio Palestrina (1525-1594). La sua eredità comprende molte opere di musica sacra e profana: 93 messe, 326 inni e mottetti. È autore di due volumi di madrigali profani sulle parole del Petrarca. Per lungo tempo ha lavorato come direttore di coro presso la Basilica di San Pietro a Roma. La musica sacra da lui creata si distingue per purezza e alterità dei sentimenti. La musica profana del compositore è intrisa di straordinaria spiritualità e armonia.

Dobbiamo il Rinascimento alla formazione musica strumentale come specie indipendenti arte. In questo momento c'è una lite brani strumentali, variazioni, preludi, fantasie, rondò, toccata. Tra gli strumenti musicali sono particolarmente apprezzati l'organo, il clavicembalo, la viola, vari tipi di flauti, e alla fine del XVI secolo. - violino.

Il Rinascimento si conclude con l'emergere di nuovi generi musicali: canto solista, oratorio e opera. Se prima il tempio era il centro della cultura musicale, da allora la musica ha suonato Teatro dell'opera. Ed è successo così.

Nella città italiana di Firenze alla fine del XVI secolo. iniziarono a radunarsi talentuosi poeti, attori, scienziati e musicisti. Nessuno di loro ha quindi pensato a una scoperta. Eppure erano loro che erano destinati a fare una vera rivoluzione nel teatro e arte musicale. Riprendere le produzioni di opere drammaturghi greci antichi, cominciarono a comporre la propria musica, corrispondente, secondo loro, alla natura del dramma antico.

Membri macchine fotografiche(come veniva chiamata questa società) attentamente pensata accompagnamento musicale monologhi e dialoghi di personaggi mitologici. Gli attori dovevano interpretare parti parlate recitativo(recitazione, discorso cantilenante). E sebbene la parola continuasse ad avere un ruolo di primo piano in relazione alla musica, il primo passo fu compiuto verso la loro convergenza e fusione armonica. Tale performance ha permesso di trasferire ricchezza in misura maggiore. pace interiore persona, le sue esperienze e sentimenti personali. Sulla base di tali parti vocali sorsero arie- episodi completati in performance musicale anche nell'opera.

Il teatro dell'opera conquistò rapidamente l'amore e divenne popolare non solo in Italia, ma anche in altri paesi europei.

Elenco della letteratura usata

1) dizionario enciclopedico giovane musicista / comp. VV Medushevsky, O.O. Ochakovskaja. - M.: Pedagogia, 1985.

2) Mondo cultura artistica. Dalle origini al XVII secolo: libro di testo. per 10 cellule. educazione generale istituzioni umanitarie / G.I. Danilova. - 2a ed., Stereotipo. – M.: Otarda, 2005.

Il fenomeno più eclatante furono i generi vocali secolari allora diffusi, intrisi dello spirito delle tendenze umanistiche. La professionalizzazione dell'arte musicale ha giocato un ruolo speciale nel loro sviluppo: l'abilità dei musicisti è cresciuta, sono state organizzate scuole di canto, in cui sono stati insegnati canto, suonare l'organo e teoria musicale sin dalla tenera età. Tutto ciò ha portato all'istituzione di una rigorosa polifonia stilistica, che richiedeva alta abilità, padronanza professionale della composizione e delle tecniche esecutive. All'interno di questo stile, ci sono regole piuttosto rigide di conduzione vocale e organizzazione ritmica, pur mantenendo la massima indipendenza delle voci. Sebbene la musica da chiesa occupasse un posto importante nel lavoro di maestri di uno stile rigoroso, insieme a opere su testi spirituali, questi compositori scrissero molte canzoni polifoniche secolari. Di particolare interesse sono le immagini musicali e poetiche dei generi vocali secolari. I testi sono contenuti vivaci e pertinenti. Oltre ai testi d'amore, i testi satirici, frivoli, ditirambici erano estremamente popolari, che erano combinati con magnifici attrezzatura professionale lettera polifonica. Ecco alcuni testi canzone francese, che sono un esempio di testi di tutti i giorni "Alzati, cara Colinetta, è ora di andare a bere; risate e piacere - questo è ciò per cui mi sforzo. Lascia che tutti si arrendano alla gioia. È arrivata la primavera ...", "Possa la ricchezza sia maledetto, mi ha portato via la mia amica: ho preso possesso del suo amore e l'altro - la ricchezza, l'amore sincero nelle relazioni amorose vale poco.

La cultura rinascimentale è apparsa prima in Italia e poi in altri paesi. La storia ha conservato informazioni sui movimenti frequenti musicisti famosi di paese in paese, sul loro lavoro in una o nell'altra cappella, sulla frequente comunicazione tra rappresentanti di diverse nazionalità, ecc. Pertanto, nella musica del periodo rinascimentale, osserviamo una relazione significativa tra opere create da compositori di diverse scuole nazionali.

Il XVI secolo viene spesso definito "l'età della danza". Sotto l'influenza degli ideali umanistici del Rinascimento italiano, la diga dei divieti ecclesiastici fu finalmente infranta e la brama di gioie "mondane" terrene si rivelò come un'esplosione senza precedenti di elementi di danza e canto. Un potente fattore nella divulgazione del canto e della danza nel XVI secolo. l'invenzione dei metodi di stampa della musica suonata: i balli pubblicati in gran numero iniziarono a vagare da un paese all'altro. Ogni nazione ha contribuito alla passione comune, così le danze, staccandosi dalla loro terra natia, hanno viaggiato attraverso il continente, cambiando il loro aspetto, e talvolta anche il loro nome. La moda per loro si diffuse rapidamente e cambiò rapidamente.

Allo stesso tempo, il Rinascimento fu un periodo di ampi movimenti religiosi (l'ussismo nella Repubblica Ceca, il luteranesimo in Germania, il calvinismo in Francia). Tutte queste diverse manifestazioni dei movimenti religiosi di quel tempo possono essere combinate concetto generale Protestantesimo. Ha giocato il protestantesimo in vari movimenti nazionali grande ruolo nello sviluppo e nel rafforzamento della comunanza delle culture musicali dei popoli, inoltre, principalmente nel campo della musica popolare. In contrasto con l'umanesimo, che abbracciava una cerchia di persone relativamente ristretta, il protestantesimo era una tendenza più di massa che si diffondeva tra ampie fasce della popolazione. Uno dei fenomeni più sorprendenti nell'arte musicale del Rinascimento è il corale protestante. Sorto in Germania sotto l'influenza del movimento della Riforma, in contrasto con l'armamentario del culto cattolico, si distingueva per uno speciale contenuto emotivo e semantico. Lutero e altri rappresentanti del protestantesimo attribuivano grande importanza alla musica: "La musica rende le persone gioiose, fa dimenticare la rabbia. Elimina la fiducia in se stessi e altre carenze ... I giovani devono essere costantemente abituati alla musica, perché forgia persone abili e adatte a tutto ." Pertanto, la musica nel movimento della Riforma era considerata non un lusso, ma una sorta di "pane quotidiano" - era chiamata a svolgere un ruolo importante nella promozione del protestantesimo e nella formazione della coscienza spirituale delle grandi masse.

GENERI:

Generi vocali

L'intera epoca nel suo insieme è caratterizzata da una netta predominanza di generi vocali, e in particolare vocali polifonia. Una padronanza insolitamente complessa della polifonia in uno stile rigoroso, una cultura genuina, una tecnica virtuosa coesistevano con un'arte luminosa e fresca di distribuzione quotidiana. La musica strumentale acquisisce una certa indipendenza, ma la sua dipendenza diretta dalle forme vocali e dalle fonti quotidiane (danza, canto) sarà superata solo un po' più tardi. I principali generi musicali rimangono associati al testo verbale. L'essenza dell'umanesimo rinascimentale si rifletteva nella composizione di canti corali nello stile di frottoll e vilanelle.
Generi di danza

Nel Rinascimento, la danza quotidiana diventa di grande importanza. In Italia, Francia, Inghilterra, Spagna, tante novità forme di danza. Diversi strati della società hanno le proprie danze, sviluppano le modalità delle loro esibizioni, le regole di condotta durante i balli, le serate, i festeggiamenti. Le danze rinascimentali sono più complesse delle svasate senza pretese del tardo medioevo. Le danze con una danza rotonda e una composizione di rango lineare vengono sostituite da danze accoppiate (duetto), costruite su movimenti e figure complesse.
Volta - ballo di coppia di origine italiana. Il suo nome deriva dalla parola italiana voltare, che significa "girare". La dimensione è tripla, il ritmo è moderatamente veloce. Lo schema principale della danza è che il gentiluomo gira rapidamente e bruscamente la donna che balla con lui in aria. Questo sollevamento viene solitamente eseguito molto in alto. Richiede grande forza e destrezza da parte del gentiluomo, poiché, nonostante la nitidezza e una certa impetuosità dei movimenti, la salita deve essere eseguita in modo chiaro e bello.
gagliarda - un antico ballo di origine italiana, diffuso in Italia, Inghilterra, Francia, Spagna, Germania. Il passo delle prime galliarde è moderatamente veloce, la taglia è tripla. La galliarda veniva spesso eseguita dopo le pavane, con le quali talvolta era collegata tematicamente. Galliard del XVI secolo sostenuto in una trama melodico-armonica con una melodia nella voce alta. Le melodie di Galliard erano popolari tra il grande pubblico. società francese. Durante l'esecuzione delle serenate, gli studenti di Orleans hanno suonato melodie galliarde su liuti e chitarre. Come i rintocchi, il galliardo aveva il carattere di una specie di dialogo di danza. Il signore si muoveva per il corridoio con la sua signora. Quando l'uomo ha eseguito l'assolo, la signora è rimasta al suo posto. L'assolo maschile consisteva in una varietà di movimenti complessi. Dopodiché, si avvicinò di nuovo alla signora e continuò la danza.
pavana - danza di corte dei secoli XVI-XVII. Il tempo è moderatamente lento, l'indicazione del tempo è 4/4 o 2/4. In diverse fonti non c'è consenso sulla sua origine (Italia, Spagna, Francia). La versione più popolare è danza spagnola imitando i movimenti di un pavone che cammina con una coda ben allargata. Era vicino alla danza del basso. Al suono delle pavanes si svolsero vari cortei cerimoniali: le autorità entrarono in città salutando in chiesa la nobile sposa. In Francia e in Italia, le pavane si affermano come ballo di corte. Il carattere solenne delle pavane consentiva alla società di corte di brillare della grazia e della grazia dei modi e dei movimenti. Il popolo e la borghesia non hanno eseguito questo ballo. Le pavane, come il minuetto, erano eseguite rigorosamente secondo i gradi. Il re e la regina iniziarono la danza, poi il delfino con nobile signora, poi principi, ecc. I cavalieri eseguivano le pavane con la spada e con i mantelli. Le dame indossavano abiti da cerimonia con lunghi strascichi, che dovevano essere abilmente maneggiati durante i movimenti senza sollevarli da terra. Il movimento del tren rendeva le mosse bellissime, conferendo alle pavane sfarzo e solennità. Dietro la regina, delle dame intime portavano un treno. Prima dell'inizio del ballo, avrebbe dovuto fare il giro della sala. Alla fine del ballo, le coppie con inchini e riverenze facevano di nuovo il giro della sala. Ma prima di mettersi un cappello, il signore doveva mettersi mano destra dietro la spalla della signora, la sinistra (tenendo il cappello) - in vita e baciarla sulla guancia. Durante il ballo, gli occhi della dama erano bassi; solo di tanto in tanto guardava il suo ragazzo. La pavane si è conservata più a lungo in Inghilterra, dove era molto popolare.
Allemande - un ballo lento di origine tedesca in 4 tempi. Appartiene alle danze di massa "basse", non saltellanti. Gli artisti sono diventati coppie una dopo l'altra. Il numero delle coppie non era limitato. Il signore teneva la signora per mano. La colonna si è spostata per la sala, e quando è arrivata alla fine, i partecipanti hanno fatto un giro sul posto (senza separare le mani) e hanno continuato il ballo nella direzione opposta.
Courant è un ballo di corte di origine italiana. Il suono era semplice e complesso. Il primo consisteva in passi semplici e scorrevoli, eseguiti prevalentemente in avanti. Il complesso rintocco era di natura pantomimica: tre gentiluomini invitavano tre signore a partecipare al ballo. Le signore furono portate nell'angolo opposto della sala e invitate a ballare. Le signore hanno rifiutato. I signori, ricevuto un rifiuto, se ne andarono, ma poi tornarono di nuovo e si inginocchiano davanti alle dame. Solo dopo la scena della pantomima è iniziata la danza. I carillon di tipo italiano e francese differiscono. The Italian Chimes è una danza vivace in 3/4 o 3/8 con un ritmo semplice in una trama melodico-armonica. Francese - una danza solenne ("danza dei modi"), una processione orgogliosa e regolare. Taglia 3/2, tempo moderato, tessitura polifonica ben sviluppata.
Sarabanda - danza popolare dei secoli XVI - XVII. Derivato dalla danza femminile spagnola con le nacchere. Inizialmente accompagnato dal canto. Il celebre coreografo e maestro Carlo Blasis in una sua opera fa una breve descrizione della sarabanda: "In questo ballo ognuno sceglie una dama a cui non è indifferente. La musica dà un segnale, e due amanti eseguono un ballo, nobile, misurata, tuttavia, l'importanza di questa danza non interferisce minimamente con il piacere, e la modestia gli dà ancor più grazia; gli occhi di tutti seguono con piacere i danzatori che eseguono varie figure, esprimendo col loro movimento tutte le fasi dell'amore. Inizialmente il ritmo delle sarabande era moderatamente veloce, in seguito (dal XVII secolo) apparve una lenta sarabanda francese con uno schema ritmico caratteristico: ...... Nella sua terra natale, la sarabanda rientrava nella categoria delle danze oscene e in 1630. bandito dal Consiglio di Castiglia.
Giga - un ballo di origine inglese, il più veloce, in tre parti, che si trasforma in terzine. Inizialmente la giga era un ballo di coppia, si diffuse tra i marinai come un ballo solista, velocissimo, di carattere comico. Successivamente appare nella musica strumentale come parte finale di una vecchia suite da ballo.

Riassunto: La musica del Rinascimento

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"Pedagogia e metodi di educazione primaria"

Dipartimento: "Pedagogia dell'istruzione primaria"

Test

"Musica del Rinascimento"

Yoshkar-Ola 2010

L'era del Rinascimento (Rinascimento) è il momento del massimo splendore di tutti i tipi di arti e del richiamo delle loro figure alle tradizioni e alle forme antiche.

Il Rinascimento ha confini storici e cronologici irregolari in diversi paesi d'Europa. In Italia inizia nel XIV secolo, nei Paesi Bassi inizia nel XV secolo e in Francia, Germania e Inghilterra i suoi segni si manifestano più chiaramente nel XVI secolo. Allo stesso tempo, lo sviluppo dei legami tra diverse scuole creative, lo scambio di esperienze tra musicisti che si spostavano di paese in paese, che lavoravano in diverse cappelle, sta diventando un segno dei tempi e permette di parlare di tendenze comuni alla intera epoca.

La cultura artistica del Rinascimento è un inizio personale basato sulla scienza. L'abilità insolitamente complessa dei polifonisti dei secoli XV-XVI, la loro tecnica virtuosistica andava d'accordo con l'arte brillante delle danze quotidiane, la raffinatezza dei generi secolari. Il dramma lirico sta guadagnando sempre più espressione nelle sue opere.

Quindi, come possiamo vedere, il periodo rinascimentale è un periodo difficile nella storia dello sviluppo dell'arte musicale, quindi sembra ragionevole considerarlo più in dettaglio, prestando la dovuta attenzione alle personalità individuali.

La musica è l'unica lingua del mondo, non ha bisogno di essere tradotta, l'anima parla all'anima in essa.

Averbakh Berthold.

La musica rinascimentale, o musica rinascimentale, si riferisce al periodo di sviluppo della musica europea tra il 1400 e il 1600 circa. In Italia, l'inizio di una nuova era per l'arte musicale arrivò nel XIV secolo. La scuola olandese prese forma e raggiunse i suoi primi apici nel XV secolo, dopodiché il suo sviluppo si espanse e l'influenza in un modo o nell'altro catturò i maestri di altre scuole nazionali. I segni del Rinascimento si manifestarono chiaramente in Francia nel XVI secolo, sebbene le sue realizzazioni creative fossero grandi e indiscutibili anche nei secoli precedenti.

Nel XVI secolo, l'ascesa dell'arte in Germania, Inghilterra e alcuni altri paesi rientrava nell'orbita del Rinascimento. Eppure, nel tempo, il nuovo movimento creativo è diventato decisivo per l'Europa occidentale nel suo insieme e ha risposto a modo suo nei paesi dell'Europa orientale.

La musica del Rinascimento si rivelò completamente estranea ai suoni aspri e aspri. Le leggi dell'armonia costituivano la sua essenza principale.

La posizione di testa era ancora occupata musica spirituale, suonando durante il servizio in chiesa. Nel Rinascimento conservò i temi principali della musica medievale: lode al Signore e Creatore del mondo, santità e purezza del sentimento religioso. L'obiettivo principale di tale musica, come ha detto uno dei suoi teorici, è "piacere a Dio".

Messe, mottetti, inni e salmi costituivano la base della cultura musicale.

Messa - brano musicale che è una raccolta di parti della liturgia cattolica di rito latino, i cui testi sono musicati per canto monofonico o polifonico, accompagnato da strumenti musicali o senza, per accompagnamento musicale del culto solenne nella Chiesa cattolica romana e chiese protestanti di alta direzione, ad esempio, nella Chiesa di Svezia.

Messe di valore musicale vengono eseguite anche al di fuori del culto durante i concerti; inoltre, molte messe di epoche successive furono composte appositamente o per l'esecuzione in una sala da concerto o in occasione di qualche tipo di celebrazione.

La messa in chiesa, riprendendo le melodie tradizionali del canto gregoriano, esprimeva nel modo più chiaro l'essenza della cultura musicale. Come nel Medioevo, la massa era composta da cinque parti, ma ora è diventata più maestosa e di grandi dimensioni. Il mondo non sembrava più così piccolo e osservabile all'uomo. La vita ordinaria con le sue gioie terrene ha già cessato di essere considerata peccaminosa.

Mottetto (fr. mottetto da mot- parola) - un'opera polifonica vocale di un magazzino polifonico, uno dei generi centrali nella musica del Medioevo e del Rinascimento dell'Europa occidentale.

Anthem (antico greco ὕμνος) è una canzone solenne che loda e glorifica qualcuno o qualcosa (originariamente una divinità).

Salmo (greco ψαλμός "canto di lode"), r.p. salmo, pl. i salmi (greco ψαλμοί) sono inni di poesia e preghiera religiosa ebraica (ebraica תהילים) e cristiana (dall'Antico Testamento).

Costituiscono il Salterio, il 19° libro dell'Antico Testamento. La paternità dei salmi è tradizionalmente attribuita al re Davide (1000 aC circa) e a molti altri autori, tra cui Abramo, Mosè e altre figure leggendarie.

In totale, il Salterio comprende 150 salmi, suddivisi in preghiere, lodi, canti e insegnamenti.

I Salmi hanno avuto un enorme impatto sul folklore e sono stati la fonte di molti proverbi. Nel giudaismo, i salmi venivano cantati sotto forma di inni con accompagnamento. Con ogni salmo, di regola, venivano indicati il ​​metodo di esecuzione e il "modello" (chiamato intonazione nel canto gregoriano), cioè la melodia corrispondente. Il Salterio ha preso un posto importante nel cristianesimo. I salmi venivano cantati durante i servizi divini, le preghiere domestiche, prima della battaglia e quando ci si muoveva in formazione. Inizialmente venivano cantate da tutta la comunità della chiesa. I salmi venivano cantati a cappella, solo in casa era consentito l'uso degli strumenti. Il tipo di esecuzione era recitativo-salmodico. Oltre ai salmi interi, venivano usati anche versi individuali e più espressivi da essi. Su questa base sorsero canti indipendenti: antifona, graduale, sentiero e alleluia.

A poco a poco, le tendenze secolari iniziarono a penetrare nelle opere dei compositori di chiese. I temi dei canti popolari che non hanno alcun contenuto religioso sono introdotti audacemente nel tessuto polifonico degli inni ecclesiastici. Ma ora non contraddiceva lo spirito generale e gli umori dell'epoca. Al contrario, nella musica il divino e l'umano erano combinati in modo sorprendente.

La musica sacra raggiunse il suo apice nel XV secolo. In Olanda. Qui la musica era venerata più di altre forme d'arte. I compositori olandesi e fiamminghi hanno aperto la strada alle nuove regole polifonico performance (polifonica) - classica " stile rigoroso". La tecnica compositiva più importante dei maestri olandesi era imitazione- ripetizione della stessa melodia a voci diverse. La voce principale era il tenore, a cui era affidata la melodia ripetitiva principale - cantus firmus ("melodia immutabile"). Il basso suonava sotto il tenore e il contralto sopra. La voce più alta, cioè torreggiante su tutti, era chiamata soprano.

Con l'aiuto di calcoli matematici, i compositori olandesi e fiamminghi sono riusciti a calcolare la formula per combinare gli intervalli musicali. L'obiettivo principale della scrittura è la creazione di una costruzione sonora armoniosa, simmetrica e grandiosa, internamente completa. Uno dei più brillanti rappresentanti di questa scuola, Johannes Okeghem (c. 1425-1497), sulla base di calcoli matematici, compose un mottetto a 36 voci!

Tutti i generi caratteristici della scuola olandese sono rappresentati nell'opera di Okeghem: messa, mottetto e chanson. Il genere più importante per lui è la messa, ha dimostrato di essere un polifonista eccezionale. La musica di Okeghem è molto dinamica, la linea melodica si muove in un'ampia gamma, ha un'ampia ampiezza. Allo stesso tempo, Okeghem è caratterizzato da un'intonazione morbida, il più puro pensiero modale diatonico e antico. Pertanto, la musica di Okeghem è spesso caratterizzata come "mirata all'infinito", "fluttuante" in un ambiente figurativo alquanto distaccato. È meno legato al testo, ricco di canti, improvvisato, espressivo.

Pochissimi degli scritti di Okeghem sopravvivono:

circa 14 messe (11 completamente):

· Requiem Missa pro Defunctis (il primo requiem polifonico nella storia della letteratura musicale mondiale);

9-13 (secondo varie fonti) mottetti:

oltre 20 canzoni

Molte sono le opere la cui proprietà di Okegem è messa in dubbio, tra queste il famoso mottetto "Deo gratias" a 36 voci. Alcune canzoni anonime sono attribuite a Okegem sulla base della somiglianza nello stile.

Le tredici messe di Okeghem sono conservate in un manoscritto del XV secolo noto come codice Chigi.

Tra le messe predominano le messe in quattro parti, ci sono due messe in cinque parti e una in otto parti. Ockeghem usa melodie popolari ("L'homme armé"), sue ("Ma maistresse") o melodie di altri autori come temi delle messe (ad esempio, Benchois in "De plus en plus"). Ci sono messe senza temi presi in prestito ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Mottetti e chanson

I mottetti e le chanson di Okeghem sono direttamente adiacenti alle sue messe e differiscono da loro principalmente per la loro scala. Tra i mottetti ci sono opere magnifiche e festive, nonché composizioni corali spirituali più rigorose.

Il più famoso è il festoso mottetto di ringraziamento "Deo gratias", scritto per quattro composizioni a nove voci e quindi considerato a 36 voci. Si compone infatti di quattro canoni di nove parti (su quattro temi diversi), che si susseguono con lievi sovrapposizioni dell'inizio del successivo sulla conclusione del precedente. Ci sono 18 voci nelle sovraincisioni, non ci sono 36 voci reali nel mottetto.

Non meno interessante è l'opera del compositore olandese Orlando Lasso (c. 1532-1594), che realizzò più di duemila opere di culto e di natura profana.

Lasso è il compositore più prolifico del suo tempo; a causa dell'ingente patrimonio, il significato artistico delle sue opere (molte delle quali commissionate) non è stato ancora pienamente apprezzato.

Ha lavorato esclusivamente nei generi vocali, tra cui più di 60 messe, un requiem, 4 cicli di passioni (secondo tutti gli evangelisti), officios della Settimana Santa (particolarmente significative sono le sponsorizzazioni del Giovedì Santo, del Venerdì Santo e del Sabato Santo), più di 100 ingrandimenti , inni, fobourdon , circa 150 francesi. chanson (la sua chanson "Susanne un jour", parafrasi del racconto biblico su Susanna, fu una delle commedie più popolari del XVI secolo), canzoni italiane (villanelle, moresche, canzoni) e tedesche (più di 140 Lieder), circa 250 madrigali.

Lasso si distingue per lo sviluppo più dettagliato di testi in diverse lingue, sia liturgiche (compresi i testi della Sacra Scrittura) che liberamente composte. La serietà e drammaticità del concetto, volumi estesi contraddistinguono l'opera “Lacrime di San Pietro” (un ciclo di madrigali spirituali a 7 voci su poesie di Luigi Tranzillo, pubblicato nel 1595) e “Salmi penitenziali di David” (manoscritto del 1571 in formato folio decorato con illustrazioni di G. Milich, che forniscono prezioso materiale iconografico sulla vita, compreso l'intrattenimento musicale, della corte bavarese).

Tuttavia, nella musica profana, Lasso non era estraneo all'umorismo. Ad esempio, nella chanson “Il bere in tre si distribuisce nelle feste” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), si racconta un antico aneddoto della vita dei Vagantes; nella famosa canzone "Matona mia cara" un soldato tedesco canta una serenata d'amore, storpiando parole italiane; nell'inno "Ut queant laxis" viene imitato lo sfortunato solfeggio. Alcuni brevi brani luminosi di Lasso sono scritti su versi molto frivoli, ad esempio la chanson "Una signora guardò con interesse nel castello / La natura guardò una statua di marmo" (En un chasteau ma dame ...), e alcuni le canzoni (soprattutto i costumi) contengono un vocabolario osceno.

musica profana Il Rinascimento era rappresentato da vari generi: madrigali, canti, canzoni. La musica, avendo smesso di essere un "servo della chiesa", ora iniziò a suonare non in latino, ma nella lingua madre. Il genere più popolare di musica profana erano i madrigali (Madrigal italiano - una canzone nella lingua madre) - composizioni corali a più voci scritte sul testo di un poema lirico di contenuto d'amore. Molto spesso a questo scopo venivano utilizzate poesie di famosi maestri: Dante, Francesco Petrarca e Torquato Tasso. I madrigali non sono stati eseguiti da cantanti professionisti, ma da un intero ensemble di dilettanti, in cui ogni parte era guidata da un cantante. L'atmosfera principale del madrigale è la tristezza, la malinconia e la malinconia, ma c'erano anche composizioni gioiose e vivaci.

Ricercatore moderno di cultura musicale D.K. Kirnarskaya nota:

“Il madrigale capovolse l'intero sistema musicale del Rinascimento: la morbida e armoniosa plasticità melodica della messa crollò... scomparve anche l'immutabile cantus firmus, fondamento dell'insieme musicale... ha lasciato il posto a contrasti emotivi e melodici di episodi, ognuno dei quali ha cercato di trasmettere l'idea poetica contenuta nel testo nel modo più espressivo possibile. Il Madrigal ha finalmente minato le forze indebolite dello "stile rigoroso".

Non meno popolare genere di musica profana era la canzone accompagnata da strumenti musicali. A differenza della musica suonata in chiesa, le canzoni erano abbastanza semplici da eseguire. Il loro testo in rima era chiaramente diviso in 4-6 strofe. Nelle canzoni, come nei madrigali, il testo acquisiva grande importanza. Quando vengono eseguiti, i versi poetici non dovrebbero essere persi nel canto polifonico. Particolarmente famose furono le canzoni del compositore francese Clement Janequin (c.1485-1558). Clement Janequin ha scritto circa 250 chanson, per lo più a 4 voci, su poesie di Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, poeti anonimi. Per quanto riguarda altre 40 chanson, la scienza moderna contesta la paternità di Janequin (che, tuttavia, non riduce la qualità di questa musica contestata stessa). La principale caratteristica distintiva della sua musica polifonica profana è programmatica e pittorica. Davanti alla mente dell'ascoltatore ci sono immagini della battaglia ("Battaglia di Marignano", "Battaglia di Renty", "Battaglia di Metz"), scene di caccia ("Canto degli uccelli", "Canto dell'usignolo", "Lark"), tutti i giorni scene ("Chiacchiere tra donne"). Janequin trasmette vividamente l'atmosfera della vita quotidiana a Parigi nella chanson "Cries of Paris", dove si sentono le grida dei venditori ambulanti ("Latte!" - "Torte!" - "Carciofi!" - "Pesce!" - "Fiammiferi !" - "Colombe!" - "Vecchie scarpe!" - "Vino!"). Con tutta l'ingegnosità nella trama e nel ritmo, la musica di Janequin nel campo dell'armonia e del contrappunto rimane molto tradizionale.

Il Rinascimento segnò l'inizio creatività del compositore professionista. Rappresentante eclatante di questa nuova tendenza è senza dubbio Palestrina (1525-1594). La sua eredità comprende molte opere di musica sacra e profana: 93 messe, 326 inni e mottetti. È autore di due volumi di madrigali profani sulle parole del Petrarca. Per lungo tempo ha lavorato come direttore di coro presso la Basilica di San Pietro a Roma. La musica sacra da lui creata si distingue per purezza e alterità dei sentimenti. La musica profana del compositore è intrisa di straordinaria spiritualità e armonia.

Dobbiamo il Rinascimento alla formazione musica strumentale come forma d'arte indipendente. In questo momento compaiono una serie di brani strumentali, variazioni, preludi, fantasie, rondò, toccata. Tra gli strumenti musicali sono particolarmente apprezzati l'organo, il clavicembalo, la viola, vari tipi di flauti, e alla fine del XVI secolo. - violino.

Il Rinascimento si conclude con l'emergere di nuovi generi musicali: canto solista, oratorio e opera. Se prima il tempio era il centro della cultura musicale, da allora la musica ha suonato nel teatro dell'opera. Ed è successo così.

Nella città italiana di Firenze alla fine del XVI secolo. iniziarono a radunarsi talentuosi poeti, attori, scienziati e musicisti. Nessuno di loro ha quindi pensato a una scoperta. Eppure proprio loro erano destinati a fare una vera rivoluzione nell'arte teatrale e musicale. Riprendendo le produzioni delle opere degli antichi drammaturghi greci, iniziarono a comporre la propria musica, corrispondente, a loro avviso, alla natura del dramma antico.

Membri macchine fotografiche(come veniva chiamata questa società) ha pensato attentamente all'accompagnamento musicale di monologhi e dialoghi di personaggi mitologici. Gli attori dovevano interpretare parti parlate recitativo(recitazione, discorso cantilenante). E sebbene la parola continuasse ad avere un ruolo di primo piano in relazione alla musica, il primo passo fu compiuto verso la loro convergenza e fusione armonica. Tale performance ha permesso di trasmettere in misura maggiore la ricchezza del mondo interiore di una persona, le sue esperienze e sentimenti personali. Sulla base di tali parti vocali sorsero arie- episodi completati in una performance musicale, inclusa un'opera.

Il teatro dell'opera conquistò rapidamente l'amore e divenne popolare non solo in Italia, ma anche in altri paesi europei.

Elenco della letteratura usata

1) Dizionario Enciclopedico di un giovane musicista / Comp. VV Medushevsky, O.O. Ochakovskaja. - M.: Pedagogia, 1985.

2) Cultura artistica mondiale. Dalle origini al XVII secolo: libro di testo. per 10 cellule. educazione generale istituzioni umanitarie / G.I. Danilova. - 2a ed., Stereotipo. – M.: Otarda, 2005.

3) Materiali dall'archivio della musica rinascimentale: http://manfredina.ru/