Letteratura musicale di paesi stranieri 1 parte. "Letteratura musicale dei paesi stranieri" e

Supportare gli abstract sulla letteratura musicale dei paesi stranieri sono un'aggiunta ai libri di testo esistenti sulla letteratura musicale. I contenuti del manuale di studio corrispondono al programma del soggetto di formazione di Pree. "Letteratura musicale" di ulteriori programmi di educazione generale prefettiva nel campo dell'arte musicale "Piano", "Strumenti di stringa", "Strumenti di String and Shock", "Strumenti di shock", "Strumenti folti", "Choral Singing" raccomandato dal Ministero della Cultura del Russo Federazione.

Gli abstract supportati sulla letteratura musicale sono progettati per sviluppare l'educazione umanitaria e le competenze speciali degli studenti, in particolare: "... Per formare il pensiero musicale, le abilità di percezione e l'analisi delle opere musicali, acquisire conoscenza dei modelli di forma musicale, circa le specifiche del linguaggio musicale, mezzi espressivi di musica" 1 .

Nel manuale di studio, la creatività dei compositori è presentata nel contesto di epoche culturali e storiche, è studiata in stretta connessione con eventi storici e relative arti. Il materiale dell'abstract è il principale abstract della ricerca sulla storia della musica e della letteratura musicale V. N. Bryantantva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillin, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. PROKHOROVA e altri famosi musicisti, materiale di guida generalizzato e compresso sotto forma di Tabelle, schemi e supporti visivi. Supporti visivi (Riproduzioni di immagini di artisti famosi, ritratti di compositori, i loro cari e amici, figure prominenti di cultura e arte, personalità storiche, ecc.) Non solo accompagnano e completano le informazioni verbali, ma sono vettori di informazione sul campo Di Visual Art, direttamente correlata alle epoche e le indicazioni della musica, la creatività dei compositori, riflettere la storia, la cultura e l'arte dei paesi europei.

Il contenuto degli abstract di riferimento è composto da quattro sezioni, che, a loro volta, sono suddivise in argomenti che coprono periodi di sviluppo della musica europea dalla cultura musicale dell'antica Grecia alla creatività dei compositori-romantici del XIX secolo. Quindi la prima sezione considera la cultura musicale dell'antica Grecia, le epoche del Medioevo e del Rinascimento. Nella seconda sezione, l'era barocca è studiata, creatività I. S. Baha e G. F. Handel. La terza sezione è dedicata all'era del classicismo, in cui l'attenzione è fatta al lavoro dei classici viennesi - J. Gaidna, V. A. Mozart e L. Beethoven. Nella quarta sezione, i materiali sull'era del romanticismo, il lavoro di F. Schubert e F. Chopin, una breve panoramica della creatività dei compositori-romantici del XIX secolo F. Mendelssohn, f. foglio, R. Shuman, Berlioz , D. Verdi, R. Wagner, I. Bramsa, J. Bizet.

Il manuale comprende anche dizionari, termini e concetti incontrati nel testo, una breve analisi e esempi musicali di lavori studiati.

Insieme al mangime rigoroso del materiale in tavoli e schemi, l'indennità comprende fatti interessanti dalla vita dei compositori esposti sotto forma di una narrativa e accompagnati da illustrazioni colorate dell'arte, che rinfrescano la percezione e l'attenzione dei bambini.

Supportare gli abstract sulla letteratura musicale dei paesi stranieri sono destinati allo studente, dal secondo DMSH e ai terzi anni di studio (5 e 6 e 6 e 6 e 6 e 6 e 6 ° grado), studiando per ulteriori programmi educativi generali preferenti nel campo dell'arte musicale. Insegnanti di Discipline musicali e teoriche e speciali DMS, DSHI può utilizzare un libro di testo durante lo studio di nuovi materiali, ripetizione e sistematizzazione di quelli addestrati nella certificazione intermedia e finale degli studenti, preparazione per olimpiadi musicali e teoriche, lavori indipendenti di studenti, gruppo e individuo formazione, parzialmente quando si implementa ulteriori programmi di ricchezza generale in aree di arte musicale, nelle attività culturali ed educative.

Una cartella di lavoro è collegata agli abstract di riferimento, progettata per funzionare sulle classi di audit.

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1 programma approssimativo per il soggetto formativo pa. Up.03. Letteratura musicale. - Moscow 2012.

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BryantSeva Johann Sebastian BAH 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classon.ru Josef Gaidn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Freekeart Chopin 1810 - 1949 Istruzione per bambini nell'arte della Russia Informazioni Diventa Sempre più abbondante dal X secolo alla nostra epoca. La bella arte si sviluppa - e gli artisti raffigurano i musicisti che accompagnano il canto e il gioco sugli strumenti Riti religiosi, escursioni militari, caccia, processioni solenni, danza. Tali immagini sono conservate, in particolare, sulle pareti dei templi e trovate durante gli scavi di vasi in ceramica. Viene visualizzata una scrittura - e gli autori dei manoscritti contribuiscono in loro i testi poetici di canzoni e inni, informano le informazioni interessanti sulla vita musicale. Nel corso del tempo, gli scrittori prestano molta attenzione al ragionamento filosofico sulla musica, sul suo pubblico importante, compreso il ruolo educativo, così come lo studio teorico degli elementi della sua lingua. La maggior parte di tutte queste informazioni è stata conservata sulla musica in alcuni paesi del mondo antico, ad esempio, nell'antica Cina, l'antica India, l'antico Egitto, soprattutto nei cosiddetti paesi antichi - antica Grecia e antica Roma, dove le fondamenta di La cultura europea è stata posata. Introduzione Musica dei tempi antichi a I. S. Bach Dear Guys! L'anno scorso hai già avuto lezioni di letteratura musicale. Sono stati discussi sui principali elementi del linguaggio musicale, alcune forme musicali e generi, le capacità espressive e visive della musica, sull'orchestra. Allo stesso tempo, la conversazione era fluente in varie epoche - poi sull'antichità, quindi sulla modernità, quindi tornando a meno o più da noi per secoli. E ora è il momento di conoscere la letteratura musicale in cronologicamente coerente - storico - ordine1. Per la musica in Grecia antica, quali sentieri ci hanno raggiunto sulla musica del mondo antico con prove convincenti del grande ruolo culturale e storico dell'antichità è che nell'antica Grecia nel VIII secolo aC, nasce gli sport pubblici - i giochi olimpici. E i due secoli dopo ci siamo cominciati a svolgere competizioni musicali - giochi Pyhi, che possono essere considerati gli antenati lontani dei concorsi moderni. I giochi di pitiy si sono tenuti al tempio costruito in onore del patrono delle arti, il dio del sole e la luce di Apollo. Secondo i miti, lui, sconfiggendo il mostruoso serpente del Pyfhon, trovò questi giochi stesso. È noto che un giorno un Saccad è stato vinto da Sakkad di Argos, giocando su Avlin, lo strumento in ottone vicino agli Uglos, un software gioca contro Apollo, con un Pyfhon, per la musica greca antica era una caratteristica connessione con poesia, danza, Teatro. Le eroiche poesie epiche "Iliad" e "Odyssey" attribuivano al leggendario poeta di Omero ha colpito l'Haroic. I cantanti erano di solito, come orphea mitologici, autori e testo poetico, e musica e se stessi accompagnati su Lira. Ai festeggiamenti sono stati eseguiti canzoni di danza coral con gesti da pantomime. Nelle antiche tragedie greche e commedie, un grande ruolo apparteneva a Khore: ha commentato l'azione, ha espresso una relazione con lo scavo, gli scienziati -archeologi hanno trovato gli strumenti musicali più semplici sul dispositivo (ad esempio, le ossa di animali con perforato fori) e ha determinato che sono stati fatti circa quarantamila anni fa. Il prossimo, poi c'era arte musicale. Dopo che il fonografo è stato inventato nel 1877 - la prima macchina per la registrazione meccanica e il suono del suono, i ricercatori hanno iniziato a viaggiare verso quegli angoli del globo, dove alcune tribù conservavano ancora uno stile di vita primitivo. Dai rappresentanti di tali tribù con l'aiuto di un fonografo, hanno fatto i record dei campioni di canto e degli strumenti dei maggiorati. Ma tali voci sono dati, ovviamente, solo una presentazione approssimativa di quale musica era in quei tempi immemorali. La parola "cronologia" (significa "la sequenza di eventi storici in tempo") proviene da due parole greche - "Chernos" ("Time") e "Logos" ("insegnamento"). 1 parola latina "Antiguus" significa "antica". Il derivato di esso è la definizione di "antico" si riferisce alla storia e alla cultura dell'antica Grecia e antica Roma. 2 2 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia atti di eroi. Le moderne unità musicali hanno certe informazioni sulla musica nel mondo antico e comunque invidiano gli storici di altre arti. Per un gran numero di eccellenti monumenti dell'architettura antica, l'antica arte visiva, in particolare la scultura, sono state trovate un sacco di manoscritti con i testi delle tragedie e le commedie di grandi drammaturghi antichi. Ma le opere musicali create nelle stesse epoche e anche molto più tardi rimangono per noi, essenzialmente sconosciute. Perché è successo così? Il fatto è che inventare un sistema di punteggio abbastanza accurato e conveniente (notazione), quello che ognuno di voi ha padroneggiato, appena iniziando a imparare la musica, si è rivelato un compito molto difficile. Per decidere, ci sono voluti molti secoli. È vero, gli antichi greci hanno inventato la notazione alfabetica. Hanno indicato le fasi delle irregolarità musicali con certe lettere dell'alfabeto. Ma le icone ritmiche (dalla goccia) non sono sempre state aggiunte. Solo nel mezzo del XIX secolo, i nostri studiosi dell'era hanno risolto infine i segreti di questa notazione. Tuttavia, se il rapporto tra suona in altezza in antichi manoscritti musicali greci, sono stati in grado di decifrare con precisione, quindi il rapporto di durata è solo approssimativamente. Sì, e tali manoscritti hanno trovato un bel po 'e contengono i record di pochi lavori con un lato (ad esempio, inni) e più spesso - i loro passaggi. visibilità sufficiente. Pertanto, i musicisti hanno a lungo utilizzato le icone della punta ausiliaria. Questi distintivi sono stati posizionati sulle parole dei canti e denotavano i suoni individuali oi loro piccoli gruppi. Non hanno indicato il rapporto esatto dei suoni in altezza o durata. Ma secondo il suo sorteggio, assomigliavano alla direzione del movimento della melodia da performer che la conoscevano per il cuore e trasferite da una generazione all'altra. Nei paesi dell'Europa occidentale e centrale, la cui musica continuerà a essere discussa in questo libro di testo, tali icone erano chiamate Nemami. Il NEMA è stato utilizzato durante la registrazione di vecchi canti liturgici cattolici - Gregorian Khorala. Tale nome generale è stato fatto da né Papa Gregory I3. Secondo la leggenda, era alla fine del VI secolo la principale valutazione di questi canti con un lato. Progettato per l'esecuzione durante il servizio della Chiesa solo da uomini e ragazzi - Solo e Chorus all'unisono, sono scritti sui testi di preghiera in latino 4. I record passi in anticipo del corale Grigoriano non possono essere decifrati. Ma nel XII secolo, il monaco italiano Gwidi D "Arøzzzo (" da Arezzo ") ha inventato un nuovo modo di notazione. Ha insegnato nei cantanti dei ragazzi del monastero e voleva renderlo più facile per loro memorizzare i canti spirituali. A quel tempo il non ha mai iniziato a indossare la linea orizzontale, sopra e sotto di esso. Questa linea corrispondeva a un particolare suono e quindi installato un livello esemplare ad alta tensione di registrazione. E GVIDO ha trovato quattro linee parallele ("regole") contemporaneamente posizionare il NEMA su di loro tra loro. Quindi l'ANCE ha originato il lotto di musica moderna - come era, tela rigorosamente disegnata, che ha permesso di indicare accuratamente l'alto rapporto dei suoni lungo i toni e l'mezzo di mezzitoni. E allo stesso tempo il record di nota è diventato Più visivo - come un disegno raffigurante il movimento della melodia, le sue curve. I suoni corrispondenti alle regole, Guido ha lanciato il latino lettere alfabeto. I loro pareggi sono stati successivamente modificati e infine trasformati in segni chiamati chiavi. e il Nema, "Seduto" sulla linea e tra di loro, nel tempo, si è trasformato in note separate, in cui le teste avevano prima la forma dei quadrati. Domande e compiti 1. Quando sono stati fatti gli strumenti musicali più importanti, secondo gli scienziati? Di cosa dice? 2. Che cos'è un fonografo quando è stato inventato e come gli hanno usato i ricercatori? 3. Quali paesi del mondo antico hanno maggiori informazioni sulla musica? Determina la mappa - attorno a ciò che il mare tre paesi erano localizzati. 4. Quando e dove iniziarono le antiche competizioni musicali per essere tenute - Giochi di Pythiy? 5. Quali arti erano strettamente connesse con la musica nell'antica Grecia? 6. Che tipo di notazione ha inventato gli antichi greci? Cosa è imprecisa? Il titolo "Papa" indossa un clero che dirige la Chiesa cattolica come un'organizzazione spirituale internazionale. Il cattolicesimo è uno dei guasti cristiani insieme a ortodossia e protestantesimo. 4 In latino, gli antichi romani parlavano. Dopo la caduta dell'impero romano nel 476, il linguaggio latino ha gradualmente cessato di essere conversazionale. Da lui c'erano le cosiddette lingue romaniche - italiano, francese, spagnolo, portoghese. 3 Come una notazione comoda è stata creata nel Medioevo (l'inizio di questo periodo storico è considerato il VI secolo della nostra epoca) la notazione delle lettere è stata quasi dimenticata. Non ha avuto 3 www.classon.ru education per bambini nel campo dell'arte delle voci della Russia sul nuovo metodo di notazione - proprio come un certo miracolo - ha raggiunto il Papa Giovanni XIX. Ha causato Guido a se stesso e si cantò nel record inventato una melodia sconosciuta. In futuro, il numero di linee parallele è cambiata molte volte, è successo - anche fino a diciotto anni. Solo entro la fine del XVII secolo "ha vinto" l'attuale Bive-Line Noteer. Usato e molte chiavi diverse. Solo nel XIX secolo gli alberi e i bassi più comunemente usati sono diventati il \u200b\u200bpiù comunemente usato. Dopo l'invenzione del Gvido D "Arøzzzo decise per molto tempo un diverso compito difficile - come migliorare la notazione in modo che indisca il rapporto esatto dei suoni non solo in altezza, ma anche di durata. Dopo un po 'di tempo, ci hai pensato L'uso dei distintivi della musica, vari in forma .. Ma a questo è stato aggiunto un sacco di regole condizionali, che hanno reso difficile l'uso in pratica. E per diversi secoli, la notazione più comoda è stata gradualmente sviluppata - è stato quello che noi ora continua a usare. Dopo l'inizio del XVII secolo, è stato migliorato solo in dettaglio. E il suo principio ritmico, che stava cercando così a lungo, sembra essere il più semplice. È sempre che un'intera nota sulla durata sia sempre uguale a due metà - altrimenti, un semestre - due trimestri, un quarto - due ottavi e così via. ADD, che la tariffa dell'orologio cominciò a dividere i tatti nel XVI secolo, e la dimensione all'inizio della nota è annotata - per indicare in obbligatorio E Dal momento che il XVII secolo. Tuttavia, quindi non c'erano più un buon manoscritto, ma anche note stampate. Per la cantazione iniziò subito dopo l'invenzione della tipografia - entro la fine del XV secolo. Nel mondo antico e per molto tempo nel Medioevo, la musica era solitamente dai capelli. C'erano solo eccezioni separate senza complicazioni. Ad esempio, il cantante ha eseguito una canzone e ha duplicato (cioè contemporaneamente riprodotto), giocando su qualche strumento. Allo stesso tempo, la voce e lo strumento potrebbero a volte disperdere un po ', deviare l'uno dall'altro e presto riunirsi di nuovo. Così, in un flusso sonoro dai capelli singoli, le "isole" due chassis occasionalmente sono scomparse. Ma alla svolta del primo e del secondo millennio, la nostra era, un magazzino multi-way ha iniziato a svilupparsi costantemente e in futuro è diventato dominante nell'arte musicale professionale. Questa formazione complessa e lunga si è concentrata principalmente nel campo della musica della Chiesa cattolica. Il caso è iniziato con l'invenzione (da qualcuno sconosciuto) della prossima ricezione. Un cantante (o più cantanti) è stato eseguito dalla voce principale - la melodia lenta liscia del corale Grigoriano. E la seconda voce si muoveva rigorosamente in parallelo - proprio nello stesso ritmo, solo tutto il tempo alla distanza di ottava, o al quarti o quinta. Ora sulla nostra voce sembra molto scarsamente, "vuota". Ma mille anni fa, un tale canto, Gulco ondeggiando sotto gli archi della Chiesa, la cattedrale, lottava e deliziata, ha scoperto nuove opportunità espressive per la musica. Dopo un po 'di tempo, i musicisti della chiesa hanno iniziato a cercare più flessibili e varie tecniche di condurre una seconda voce. E poi hanno iniziato a combinare tre volte più abilmente, quattro voci, in seguito a volte anche più voti. Domande e compiti 1. Cosa era scomodo in pratica la notazione alfabetica? 2. Ciò che è stato suggerito dal medievale peculiare al nema? 3. Cos'è il corale Grigoriano e perché è così chiamato? 4. Spiega l'essenza dell'invenzione del Gwido D "Areno. 5. Che tipo di compito è stato necessario risolvere dopo l'invenzione del Gvido? 6. Dal momento che a che ora ha notato il cambiamento più significativo? I canti genitoriali sono già chiaramente differenti L'uno dall'altro tre e quattro voci creato all'inizio del XIII. Musicista della Chiesa di un secolo Perry. Era un rappresentante eccezionale dell'arte di canto - la "Scuola di Notre Dame" di Parigi "(" Scuole della Madonna "). I canti Perooth sembrava in un meraviglioso edificio di bellezza. Questo è un famoso monumento dell'architettura medievale gotica, descritto dallo scrittore francese del XIX secolo Viktor Hugo nella famosa "Cattedrale della Madonna Parigina". Come nella musica ha cominciato a sviluppare polifonia , la polifonia cominciò a svilupparsi. Tradotto dal linguaggio di auguri, questa parola significa "multi-raggio". Ma la polifonia è chiamata solo un tipo di polifonia, in cui due o più voti uguali sono allo stesso tempo, inoltre, ciascuno di loro ha la sua linea melodica. UE Lee, una voce conduce la melodia principale, e altri sono subordinati a lui (accompagnarlo, accompagnarlo), allora questa è un'omofonia - l'altra grazie al miglioramento della notazione gradualmente, specialmente dal XIII secolo, i manoscritti musicali sono diventati sempre più accurato da decifrare. Ciò ha permesso di conoscere non solo con informazioni sulla cultura musicale, ma anche con la maggior parte della musica delle passate epoche. Il successo della notazione non è accidentalmente coincidendo e con l'inizio dello sviluppo di una polifonia - una fase importante nella storia dell'arte musicale. 4 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia è un importante genere musicale di Mesa. Nella consueta massa 5 include sei canti principali sui testi latini di preghiera. Questo è "Kiriy Eleison" ("Signore, Pomemui"), "Gloria" ("Gloria"), "Credo" ("Veria"), "Sanctus" ("Santo"), "Bennedyktus" ("Benedetto") e "Abnus Dai" ("Agnello di Dio"). Inizialmente, il Khoral gregoriano sembrava solo nei casini. Ma del XV secolo del Mesa trasformato in un ciclo di parti polifoniche complesse 6. Allo stesso tempo, l'imitazione iniziò molto abilmente. Tradotto dal latino "imitatio" significa "imitazione". Nella musica, a volte puoi imitare con i suoni estremidati, ad esempio tensioni, cuculo storto, onde del mare. Quindi si chiama resistenza audio o un'ispezione del suono. E l'imitazione nella musica è una tale tecnica, quando, dopo una melodia, finendo in una sola voce, un'altra voce di sicuro (o non accuratamente accuratamente) lo ripete da un altro suono. Quindi altre voci possono quindi unirsi. In musica homoforming, l'imitazione può apparire per un breve periodo. E nella musica polifonica è una delle principali tecniche di sviluppo. Aiuta a fare un movimento melodico di quasi continuo: pause e cadenzes allo stesso tempo in tutti i vizi si trovano nella musica polifonica solo sotto forma di rare eccezioni7. Combinando l'imitazione con altre tecniche polifoniche, i compositori hanno fatto le loro grazie con grandi opere di corano, in cui quattro o cinque voti sono intrecciati in un complesso tessuto sonoro. In esso, la melodia del corale Grigoriano è già difficile da distinguere ed è anche difficile sentire parole di preghiera. C'erano anche massa, dove sono state utilizzate le principali melodie delle canzoni secolari popolari. Tale disposizione era preoccupata per la più alta autorità spirituale cattolica. Nel mezzo del XVI secolo, fu riunito affatto per proibire il canto multi-voce durante il servizio della Chiesa. Ma un tale divieto non ha avuto luogo grazie al meraviglioso compositore italiano Palesine, che ha trascorso quasi tutta la sua vita a Roma ed era vicino al Dvor Papal (il suo nome completo - Giovanni Pieroluji da Palestrina, cioè "da Palestrina" - A Piccola città vicino a Roma). Palestrina con i suoi casini (e li ha scritti più di cento) gestito il tipo di polifonia. Dal momento che l'accompagnamento ha una base casarmonica, il magazzino omofono dei contorni musicali è anche chiamato omofono-armonico. Domande e compiti 1. A che ora i manoscritti musicali sono diventati più accurati? 2. Con quale importante nuovo stadio della storia dell'arte musicale coincise con il successo della notazione? 3. Quando, in quale musica e sulla base di ciò che i melodie cominciarono a formare costantemente una polifonia? 4. Cos'era un a due raggi paralleli? Diffusione insieme diversi quarti paralleli, quinta e ottava. 5. Qual è la differenza tra polifonia e omofono? Mentre la polifonia ha continuato a svilupparsi mentre in chierce a cantare cominciò a sviluppare una polifonia, in musica laica ha continuato a dominare a senso unico. Decodificato, ad esempio, un sacco di record di canzoni dai capelli singoli, che nei secoli XII-XIV hanno composto e eseguito cantanti medievali di poeti. Nel sud della Francia, in Provenza, furono chiamati Troubadras, nel nord della Francia - Truster, in Germania - Minnesingers. Molti di loro erano famosi cavalieri e la bellezza e le virtù della "bella signora", che si adoravano spesso nelle loro canzoni. Le melodie delle canzoni di questi cantanti poeti erano spesso vicine al peso della gente, compresa la danza e il ritmo era subordinato al ritmo del testo poetico. Più tardi, nei secoli XIV-XVI, si univano nei negozi "cantanti tedeschi del poeta del mezzo degli artigiani, chiamati masonzingers (" maestri-cantanti "). La polifonia della chiesa e una semi-canzone i capelli singoli erano isolati l'uno dall'altro. Quindi, in voci che sono stati aggiunti ai canti spirituali al corale gregoriano, l'influenza delle canzoni secolari era evidente (ad esempio, le canzoni del Trubadurov e delle trombe). Tuttavia, entro la fine del XIII secolo Le opere polifoniche puramente secolari sono apparse in Francia, dove le parti di tutti i voti erano basate su una melodie di canzoni e i testi erano composti. Non in latino, ma in francese. Nel tempo, nella musica della Chiesa cattolica, ci sono ancora masse speciali dedicate ai giorni festivi della Chiesa. Richiama che il ciclo è un prodotto di diverse parti singole (o giochi), combinata con un'idea comune. 7 Cadenza (Cavans) - Fatturato melodico e armonico, finalizzando l'intero lavoro musicale o la sua sezione. 5 6 5 www.classon.ru per bambini Il cablaggio nel campo dell'arte della Russia per dimostrare che gli scritti polifonici, rimanenti molto abili, possono essere i testi trasparenti e liturgici possono essere chiaramente udibili. La musica di Palestrina è una delle cime della vecchia polifonia del coro del cosiddetto stile rigoroso. Ci trasferisce nel mondo della contemplazione sublime illuminata - come se irradia la radiosità fluida e pacificante. Poeti, musicisti, scienziati e amanti delle arti. Erano affascinati dal pensiero di creare una nuova forma di canto assolo espressivo con accompagnamento e combinarlo con un'azione teatrale. Quindi sono nate le prime opere, i quali sono presi da antica mitologia. Il primo - "Daphne", composto dal compositore Yakopo Peri (insieme a Ya. Corea) e il poeta O. Rhinuchchini. È stato eseguito nel 1597 a Firenze (il lavoro in generale non è stato preservato). Nell'antica mitologia greca di Daphne - la figlia della divinità del fiume del palmo e della dea della terra di gay. Salvataggio di un volo dalla persecuzione di Apollo, pregava per aiutare gli dei ed è stato trasformato in un laurel (in greco "daphne" - "lavr") - il sacro albero di Apollo. Dal momento che Apollo è stato considerato da Dio - il patrono delle arti, la corona di Laurel cominciò a incornare i vincitori dei Giochi di Pyhi, il cui fondatore era considerato Apollo. La ghirlanda di alloro e un ramo di alloro separato divennero simboli di vittoria, fama, premi. Altre due opere, composte nel 1600 (uno - ya. Pier, il secondo - J. Kachchini), entrambi sono chiamati "Evridika", perché sia \u200b\u200blo stesso testo poetico basato su un antico mito greco sul leggendario cantante Orfee è stato utilizzato in entrambi . Le prime opere italiane sono state eseguite nei palazzi e nelle case dei volti nobili. L'orchestra consisteva in alcuni strumenti vintage. Li ha guidati un musicista che ha giocato a Chambalo (titolo italiano di clavsity). Le aperture non erano ancora, e l'inizio della performance è stato annunciato da fanfare di tubi. E nelle parti vocali, la recuperazione prevalse, in cui lo sviluppo musicale era subordinato al testo poetico. Presto, tuttavia, la musica ha iniziato ad acquisire in operazioni sempre più indipendenti e importanti. Questo è il merito del primo compositore opera eccezionale - Claudio Monteverdi. La sua prima opera è "Orpheus" - è stata consegnata nel 1607 a Mantova. Il suo eroe - di nuovo lo stesso leggendario cantante che è caduto come la sua arte da Aida, il Dio del regno sotterraneo dei morti, e ha rilasciato Eurydich a terra, la moglie calda di Orpheo. Ma la condizione di AIDA - Prima dell'uscita dal suo regno, non dare uno sguardo a Eurydice - Orpheus rotto e ancora, già per sempre, perse. Questa triste storia di Story Monteverdi ha dato un'espressività lirica e drammatica senza precedenti. Le feste vocali, i cori, gli episodi orchestrali dell'acciaio nella "Orfee" Monteverdi sono significativamente più diversificati in natura. In questo lavoro, ricollegando lo stile anomato cominciò a prendere forma - la più importante qualità distintiva della musica operaica italiana. Nell'esempio di Firenze, l'opera cominciò a comporre ed eseguire non solo a Mantova, ma anche in tali città d'Italia, come Roma, Venezia, Napoli. L'interesse per il nuovo genere ha iniziato a sorgere in altri paesi europei e le loro domande e compiti 1. Chi sono i pipetelici, i tubi, il Minneinger e Masonzinger? 2. C'è una connessione tra l'antica chiesa polifonia e melodie della canzone leggera? 3. Nomina le parti principali della solita massa. 4. Dare esempi di resistenza audio nella musica. 5. Cosa si chiama imitazione nella musica? 6. Cosa sei riuscito a raggiungere nella tua Mesa Palestrina? Nascita dell'opera. Oratoria e Cantata Prima dell'inizio del XVII secolo - il primo secolo di un periodo storico, chiamato nuovo tempo, un evento si è verificato in musicalmente un evento di estrema importanza: l'opera è nata in Italia. Musica da molto tempo suonata in varie esibizioni teatrali. In loro, insieme a numeri strumentali e corali, potrebbe essere eseguita da solo vocale individuale, come le canzoni. E negli attori dell'opera e attrici, cantanti e cantanti sono stati presi. Il loro canto, accompagnato dall'orchestra, in combinazione con l'azione del palcoscenico iniziò a trasmettere il contenuto principale delle prestazioni. È completato da scenari, costumi, spesso danzanti - balletto. Così, in Opera, la musica è stata guidata da una chiusura comunità di diverse arti. Ha aperto nuove grandi opportunità caratteristiche prima di esso. I cantanti dell'opera e i cantanti hanno iniziato a trasmettere esperienze mentali personali con una forza senza precedenti - e gioiosa e dolorosa. In questo caso, i mezzi espressivi più importanti in Opera c'era una combinazione di omofono di una voce di canto che traspirava con orchestra. E se fino a quando il XVII secolo, la musica professionale nell'Europa occidentale si è sviluppata principalmente nella Chiesa, e c'era il genere più grande di Miesis, allora il centro principale era il teatro musicale, e il più grande genere - Opera. Alla fine del XVI secolo nella città italiana di Firenze, un cerchio stava andando a 6 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia, i governanti hanno preso per l'abitudine di invitare a se stessi al servizio del servizio dell'italiano musicisti. Ciò ha contribuito al fatto che la musica italiana per un lungo periodo è diventata la più influente in Europa. In Francia, nel XVII secolo, c'era un'opera nazionale diversa dall'italiano. Il suo fondatore è Jean-Batist l Yul L e - italiano per origine. Tuttavia, sentiva davvero le caratteristiche della cultura francese e ha creato una specie di stile opera francese. Nell'opera regola, c'era un posto fantastico, da un lato, da una parte, parlando e piccole arie di una natura più pulita, e sulle altre danze balletto, solenne marce e cori monumentali. Insieme a grafici mitologici, costumi lussureggianti, l'immagine della magica si chiede con l'aiuto di macchine teatrali, tutto ciò corrispondeva alla brillantezza e alla magnificenza della vita della corte durante il regno del re francese Louis Xiv. Il primo in Germania Opera "Daphne" (1627) è stato creato dal più grande compositore tedesco dell'Epoca di Heinrich Sh Yu T C. Ma la musica non è conservata. E per lo sviluppo del genere opera nel paese, non c'erano condizioni: si sviluppano veramente solo con l'insorgenza del XIX secolo. E nel lavoro di Schutz, il luogo principale è stato scattato da scritti espliciti di viticolture in testi spirituali. Nel 1689, la prima opera inglese "Didona ed Enei" è stata eseguita a Londra, il compositore di meravigliosi talenti - Henry Peressella. La musica di questa opera affascina i testi penetrati, la fiction poetica e le immagini delle famiglie popolari colorate. Tuttavia, dopo la morte di Pörsella per quasi due secoli, non c'erano creatori musicali eccezionali tra i compositori inglesi. Alla fine dei secoli XVI-XVII, simultaneamente con l'Opera e anche in esso e L e R su D e L e il e K a n a t a. Circa N e P Oxo, i solisti, il coro e l'orchestra sono anche coinvolti nella loro performance, e il fatto che suoni anche ARIAs, parlando, ensemble vocali, cori, episodi orchestrali. Ma in Opera, impariamo sullo sviluppo degli eventi (trama) non solo da quali solisti cantano, ma anche da quello che fanno e cosa sta accadendo in generale sul palco. E nell'Oaratorio e nel canterato non c'è azione di stadio. Sono eseguiti nell'atmosfera da concerto, senza costumi e paesaggi. Ma c'è anche la differenza tra il orale e la cantata, anche se non sempre chiari. Di solito l'Oratorio è un'opera di dimensioni maggiori e con una trama religiosa più sviluppata. Spesso ha un carattere epica-drammatico. A questo proposito, una parte spectativa narrativa del cantante-narratore è spesso inclusa nell'osservazione. Un tipo speciale di orali spirituali - "passioni" o "passive" (tradotto dal latino - "sofferenza"). In "passioni" racconta della sofferenza e della morte di Gesù Cristo, crocifisso sulla croce. 7 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia Cantata a seconda del contenuto del testo verbale, diviso in spirituale e laico. Nel XVII secolo e all'inizio del XVIII secolo, molti piccoli cantat da camera apparivano in Italia. Consistevano di alternando due o tre riciclaggio con due-tre arie. In futuro, i cantaills erano prevalenti prevalentemente solennemente. Varie nella costruzione della canta spirituale e delle "passioni" hanno ricevuto il massimo sviluppo in Germania. Aria ed entusiasmante per distribuire un movimento di passaggio virtuoso. Nel patrimonio di Korelli e Vivaldi, un ottimo posto appartiene al genere di trio-sonata. Nella maggior parte dei trio-sonatas, due partiti principali eseguono violini, e la terza parte è un lotto di escort - la clavpsichina o un organo, e la voce dei bassi raddoppia il violoncello o un frocio. Seguendo il trio-sonata, una sonata è apparsa per un violino o un altro strumento accompagnato da cluzey ,. E anche concerto Grosso - un concerto per l'orchestra (prima stringa). Molte opere di questi generi sono caratterizzate dalla forma di antica sonata. Questo di solito è un ciclo di quattro parti con il rapporto del tempo "lento-rapido-slow-rapido". Un po 'più tardi, già nel XVIII secolo, Vivaldi ha iniziato a comporre concerti da solista per violino e alcuni altri strumenti accompagnati da un'orchestra. C'era un ciclo di tre parti: "rapidamente lentamente rapidamente." Domande e compiti 1. Dove e quando è nata l'opera? Spiega come l'opera è diversa dalla presentazione teatrale con la musica. 2. Quale strumento espressivo è la cosa più importante nella musica opera? 3. Qual è il nome del primo Opera Claudio Monteverdi, e quali qualità si manifestano nella sua musica? 4. Parlaci delle peculiarità delle antiche opere francesi. 5. Nomina la prima opera scritta in Germania e la prima opera - in Inghilterra. 6. Qual è la principale differenza tra l'oratore e la cantata dall'opera? 7. Cos'è la "passione" ("passivo")? Anche nell'antico Egitto, ha iniziato la sua storia del corpo secolari. Dal XVII secolo, è diventato molto complicato dallo strumento di progettazione con ampie possibilità artistiche. Possibili corpi potrebbero essere incontrati poi anche in case private. Sono stati utilizzati per le sessioni di formazione, sono stati interpretati da variazioni su melodie di canzoni e balli folk. E grandi organi con file frizzanti di tubi, con custodie in legno decorate con intagli, suonati, come ora, in chiese e cattedrali. Al giorno d'oggi, gli organi sono disponibili anche in molte sale da concerto. Negli organi moderni, diverse migliaia di tubi e sette tastiere (manuali), situati uno sopra l'altro - come gradini delle scale. Ci sono così tanti tubi perché sono suddivisi in gruppi - registri. I registri includono e cambiano leve speciali per ottenere un'altra colorazione (timbro) del suono. Gli organi sono inoltre dotati di un pedale. Questa è una tastiera integrale da molte chiavi di grandi dimensioni. Premendoli con i loro piedi, l'organista può estrarre, oltre a resistere ai suoni dei bassi per un lungo periodo (tali suoni costosi sono anche chiamati un pedale o un paragrafo di organi). Secondo la ricchezza del timbro, quando possibile, per confrontare il Pianissimo più leggero con un'autorità di fortissimo simile a Thunder, non ha uguale tra gli strumenti musicali. Nel XVII secolo, l'arte dell'organo ha raggiunto un periodo di massimo splendore particolarmente alto in Germania. Come in altri paesi, gli organisti della Chiesa tedesca erano entrambi compositori e artisti. Non solo accompagnarono i canti spirituali, ma anche soliti siti. Tra questi, c'erano molti virtuosos e improvvisatori di talento che hanno attirato tutta la folla del popolo con il loro gioco. Uno dei più meravigliosi tra loro è Dietrich Buxthehude. Ascolta il suo gioco è arrivato a piedi da un'altra città giovane Johann Sebastian Bach. In una creatività vaga ed estesa, il Brushwood ha presentato i principali tipi di musica d'organo del tempo. Da un lato, è preliminare, fantasia e musica strumentale del XVII secolo, i suoi generi e forme per molto tempo, il gioco degli strumenti più spesso soprannominato il partito dei voti nelle opere vocali o accompagnate a ballare. Sono stati distribuiti anche trasferimenti strumentali di saggi vocali. Uno sviluppo indipendente della musica strumentale si è intensificata solo nel XVII secolo. Allo stesso tempo, le tecniche artificiali che si sono sviluppate nella polifonia vocale hanno continuato a svilupparsi. Erano arricchiti con elementi di un magazzino omofono, basato sulla canzone e la danza. Allo stesso tempo, i risultati espressivi della musica di Opera hanno iniziato a influenzare gli scritti strumentali. Il violino, insieme a brillante virtuoso, forse con una voce molto singole. Ed è in patria dell'opera, in Italia, la musica del violino ha iniziato a svilupparsi appositamente con successo. Alla fine del XVII secolo, Arkandellow Corelli stava fiorendo e inizia l'attività creativa di Antonio Vivaldi. Questi eccezionali compositori italiani hanno creato molte opere strumentali con la partecipazione e il ruolo di primo piano del violino. In loro, il violino può cantare espressivo come una voce umana nell'opera dell'opera 8 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia Toccati. In loro, gli episodi polifonici si alternano liberamente con improvvisational - passaggio e accordi. D'altra parte, questi sono più rigorosamente costruiti suoni, che hanno portato all'emergere di una fuga - la forma più complessa di imitazione polifonia. BUXTEHUDE ha anche fatto un sacco di trattamenti organici per il corale protestante e sotto forma di preludità corali. A differenza del corale gregoriano, questo è il nome comune dei canti spirituali non in latino, ma in tedesco. Sono apparsi nel XVI secolo, quando un nuovo tipo di verbo cristiano era separato dal cattolicesimo - protestantesimo. Le canzoni folk tedesche sono servite come base melodica del corale protestante. Nel XVII secolo, il corale protestante iniziò a soddisfare il coro tutti i parrocchiani con il sostegno del corpo. Per tali trattamenti chorali, un magazzino a quattro vocali con una melodia nella voce superiore è tipica. Successivamente, un tale magazzino ha iniziato a chiamare corale, anche se si verifica nel lavoro strumentale. Gli organist hanno anche giocato su strumenti chiave di stringa e composti per loro. Il nome generale dei lavori per questi strumenti è Key Music8. Le prime informazioni sugli strumenti chiave di stringa appartengono ai secoli XIV-XV. Dal XVII secolo, il più comune di loro divenne clavicemine. Quindi viene chiamato in Francia, in Italia, si chiama Chembolo, in Germania - Kilflugel, in Inghilterra - Harpsyhard. Il nome degli strumenti di dimensioni ridotte in Francia è Epitet, in Italia - gli spinamenti dell'Inghilterra - Vyrizhil. Harpsian è l'antenato del pianoforte, che cominciò ad essere in uso nel mezzo del XVIII secolo. Quando viene premuto sui tasti del cluster, le lingue ausiliarie o in pelle piantate sulle aste, come se le stringhe siano nascoste. Risulta l'ondulazione, squillando e allo stesso tempo alcuni suoni fruscianti. Sulla clavesi dalla forza dello shock sui tasti, il potere del suono non dipende. Pertanto, è impossibile rendere Kressendo e diminuendo - in contrasto con il pianoforte, su cui è possibile a causa di una connessione più flessibile delle chiavi con i martelli che colpiscono stringhe. Clavsin può avere due o tre tastiere e c'è un dispositivo che consente di cambiare il colore del suono. Il suono di un altro piccolo strumento da tastiera - il tasto KeyCorder è più debole del suono della clausità. Ma sul KeyCorder, è possibile un gioco più singole, perché le sue corde non sono protette e le piastre metalliche vengono premute su di loro. Uno dei generi principali della musica clusale antica è suite da diverse parti complete scritte in una tonalità. In ciascuna delle parti, il movimento è solitamente utilizzato da una danza. La base dell'antica suite è di quattro danze di varie, non sempre chiarite in modo accurato origine nazionale. Questo è un Allemanda senza fretta (forse dalla Germania), un quarant più mobile (originario della Francia), una Slow Saranda (originaria della Spagna) e un AGHITORE VELOCE (da Irlanda o Inghilterra). Dalla fine del XVII secolo, seguendo l'esempio di clavesine parigini, i semi iniziarono a completare tali dancini francesi come Menueet, Gavot, Bure, Paspie. Hanno inserito tra le danze principali, formando sezioni intermedie ("Integ" in latino significa "tra"). L'antica musica di classe francese si distingue per grazia, grazia, un'abbondanza di piccoli gioielli melodici, come i mordi e le tripl. Lo stile della clave francese fiorì nel lavoro di Francois Coopen (16 68 - 1733), soprannominato grande. Ha creato circa due e mezzo cento giochi e unito a ventisette abiti. Cominciarono gradualmente a prevalere i giochi con una varietà di nomi software. Molto spesso è come ritratti femminili in miniatura clausing - uno schizzo del suono etichettato di qualche tipo di carattere, aspetto, maniere di comportamento. Tale, ad esempio, il "Duskaya" gioca, "toccando", "Prompt", "sparsi", "najornica". Francois Coopern, tra cui la musica clavica francese, ha mostrato grande interesse per il suo grande contemporaneo Johann Sebastian Bach. Domande e compiti 1. Quando intensificato sviluppo indipendente di generi strumentali? 2. Nomina lo strumento preferito Arkandell Corelli e Antonio Vivaldi. 3. Parlaci del dispositivo. 4. In quale paese, l'arte dell'organo ha raggiunto un periodo di massimo splendore particolarmente alto? Cos'è il corale protestante? 5. Parlaci del dispositivo di clusse. Quali sono i bevitori sono usati nelle parti principali della vecchia suite di confusione? Quindi, la sezione introduttiva del libro di testo introdotto brevemente con alcuni eventi importanti nel mondo della musica fin dall'antichità. È stata una storica "escursione" per aiutare in un'ulteriore familiarità con il patrimonio dei grandi musicisti occidentali europei che stavano creando nei secoli XVIII e XIX. Per qualche tempo, la tastiera chiamata musica per tutti gli utensili da tastiera, incluso uno strumento di tastiera - organo. 8 9 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia Life Path Johann Rod, famiglia, infanzia. Johann Sebastian Bach è nato nel 1685 a Turingia - una delle regioni della Germania centrale, nella piccola città di Eisenach, circondata da foreste. Nella Turingia, le gravi conseguenze della guerra di trentenne (1618-1648) sono state ancora sentite, in cui sono stati incontrati due grandi gruppi di poteri europei. Questa devastante guerra è stata in grado di sopravvivere agli antenati di Johann Sebastian, strettamente collegati con il mestiere tedesco e il supporto contadino. Suo nonno chiamato l'impresa era un ondato, ma amava così tanto la musica che non ha colto con lo Ziter - uno strumento, come il mandolino, anche durante i viaggi al mulino giocato, mentre la farina stava pregando. E tra i suoi discendenti, sistemati attraverso la Turingia e le regioni vicine, c'erano così tanti musicisti che tutti quelli che erano impegnati in questa professione, cominciarono a chiamare "Bach" lì. Erano organisti della chiesa, violinisti, flauti, trombettisti, alcuni hanno mostrato il talento del compositore. Consistevano nel servizio dei comuni della città e dei cantieri dei governanti di piccoli principati e duchi, che erano frammentati dalla Germania. Sebastian Bach 1685-1750 è incredibile il destino della musica di questo grande compositore tedesco, dalla nascita di cui sono passati più di trecento anni. Durante la sua vita, ha ricevuto riconoscimento principalmente come organista e un'esperienza di strumenti musicali, e dopo che la morte è stata quasi dimenticata per diversi decenni. Ma poi gradualmente cominciò a riaprire il suo lavoro e ammirarli come un prezioso tesoro artistico, insuperabile dall'abilità, inesauribile nella profondità e dall'umanità del contenuto. "Non un flusso! "Il mare dovrebbe essere un nome per lui." Così ha detto Babach un altro genio musicale - Beethoven9. Baho è riuscito a pubblicare solo una parte molto piccola delle sue opere. Ora sono pubblicati più di mille (ancora feriti). La prima collezione completa di opere Baha ha iniziato a stampare in Germania cento anni dopo la sua morte, e ci sono voluti quaranta sei volumi volumi. E almeno per contare su quanto è stampato e quanto continua a essere stampato in diversi paesi delle singole edizioni della musica Bakhovskiy, è impossibile. È così grande richiesta incessante per lei. Perché ci vuole un luogo ampio e onorevole non solo nel repertorio del concerto globale, ma anche nello studio. Johann Sebastian Bach continua ad essere un insegnante letteralmente tutti quelli che sono impegnati nella musica. È un insegnante serio e rigoroso, richiede la capacità di concentrarsi per commuovere l'arte dell'esecuzione delle opere polifoniche. Ma colui che non avrà paura delle difficoltà e raggiungerà attentamente le sue esigenze, si sentirà dietro la sua severità di saggio e di calore, che insegna alle sue belle creazioni immortali. Casa a Eisenach, dove I.S. Bach 9 "Bach" è nato in tradotto dal tedesco significa "streaming". 10 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia violinista, musicista urbano e giudiziario a Eisenach era il padre di Johanna Sebastian. Cominciò a insegnare musica suo figlio minore e gli diede a scuola di chiesa. Possesso di una bella voce alta, il ragazzo cantava nella Chiesa della scuola. Quando camminava il decimo anno, i suoi genitori sono morti. Il fratello maggiore, organista della chiesa nella vicina città di Ordruf. Ha identificato il fratello minore per il liceo locale e lui stesso gli diede le lezioni del gioco sull'autorità. In futuro, Johann Sebastian è diventato anche un basamento e un violinista e un altista. E ha incontrato la composizione musicale dall'età ornamentale in modo indipendente, riscrivendo le composizioni di vari autori. Uno, particolarmente interessato al suo taccuino, ha dovuto riscrivere le notti lunare con il segreto del suo fratello maggiore. Ma quando un lungo duro lavoro è stato completato, lo ha scoperto, era arrabbiato a Johanne Sebastian per un'adotta di autodifesa e tirò giù il manoscritto. L'inizio di una vita indipendente. Lüneburg. I quindici anni di Johann Sebastian fecero un passo decisivo - si trasferirono nella lontana città nordlese di Luneburg, dove entrò nella cantante-borsa di studio a scuola presso la chiesa del monastero. Nella Biblioteca scolastica, è stato in grado di conoscere un gran numero di manoscritti delle composizioni dei musicisti tedeschi. A Lüneburg e ad Amburgo, dove camminava da strade di campagna, è stato possibile ascoltare il gioco degli organisti di talento. È possibile che in Ambora Johann Sebastian visitò il Teatro dell'Opera - a quel tempo l'unico in Germania, che ha dato alle esibizioni non in italiano, ma in tedesco. Ha finito con successo la scuola in tre anni e ha iniziato a cercare il suo lavoro più vicino alla sua terra natia. Weimar. Per un breve periodo è stato un violinista e un organista in tre città, Bach nel 1708, essendo già sposato, nove anni si sono stabiliti a Weimara (Turingia). Lì fu al cortile dell'organista del Duca, e poi da Vice-Kapellasister (assistente al capo della cappella - Gruppi di cantanti e strumentisti). Un altro adolescente, in Ordruf, Bach ha iniziato a comporre musica, in particolare per fare la lavorazione del corale protestante per l'organo - il suo amato strumento. E a Weimar c'era un certo numero di meravigliose opere biologiche mature, come Toccata e il Fuga Re minore, Passackling10 a preludi minori e corani. A quel tempo, Bach è diventato un performer e improvvisatore insuperabili sul corpo e sul clavesis. Questo ha confermato in modo convincente il seguente caso. Una volta Bach è andato alla capitale della Sassonia Dresda, dove decisero di organizzare una gara tra lui e Louis da parte di Marshan, un famoso organista e clausola francese. Ma ha sentito predisposto, come il Bach con un incredibile ingeniato creativo, implica in clavesis, si affrettò a venire da Dresda segretamente. La concorrenza non ha avuto luogo. Sotto Weimar Yard ha avuto l'opportunità di conoscere gli scritti dei compositori italiani e francesi. Per i loro risultati, Bach trattati con grande interesse e iniziativa artistica. Ad esempio, ha fatto una serie di liberi travolgenti per clavicembalo e organo dei concerti di violino Antonio Vivaldi. Quindi i primi concerti chiave sono nati nella storia dell'arte musicale. Entro tre anni a Weimar, Bahu era ^, era necessario comporre una nuova canta spirituale a ogni quarta domenica. In totale, sorgono più di trenta opere. Tuttavia, quando il cappellino anziano del Tribunale è morto, i cui doveri hanno effettivamente eseguito Bach, poi la posizione liberata non gli è stata data, ma il figlio uditivo del defunto. Ingirigando tale ingiustizia, Bach ha presentato una dimissione. Per il "requisito irresistibile", è stato sottoposto all'arresto domestico. Ma ha mostrato una persistenza coraggiosa e orgogliosa, insistendo sulla sua. E un mese dopo, il Duke ha dovuto redere il "ordine non conttato" per rilasciare un musicista ricorrente alla volontà. Koten. Alla fine del 1717, Bach con la sua famiglia si trasferì a Kothen. Il Principe di Leopold Anhaltköthensky, il piccolo sovrano dello stato, ha suggerito il luogo della Corte Chapelsusa. Era un buon musicista - cantato, ha giocato su clavesis e Violea da Gamba 11. Il principe ha dato il suo nuovo sostegno del materiale di Dropledreyster e trattarlo con grande riverenza. I doveri di Bach, che lo prese relativamente poche volte, era di guidare la cappella di diciotto canto di cantigalisti e strumentisti, accompagnano il principe e suonare la clavesi. Molti lavori di boach sono sorti a Katen per vari strumenti. La musica della circolazione è molto diversificata. Da un lato, questi sono giochi per principianti - Passacahl - una lenta danza tenera di origine spagnola. Sulla sua base c'erano giochi strumentali sotto forma di varianti con una melodia ripetuta ripetuta nel basso. 10 11 Viola da Gamba è un vecchio strumento, esternamente simile a violoncello. 11 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia Piccole preludi, due occhi e invenzioni a tre vocali. Sono stati scritti da Bach per le lezioni con il figlio maggiore Wilhelm Friedem. D'altra parte, questo è il primo di due volumi del lavoro monumentale - "una chiave temprata", nel suo complesso, che comprende 48 preludi e fuga, e un grande saggio del piano del concerto - "Fantasia cromatica e a FUGUS ". Per il periodo di Kotensky include anche la creazione di due collezioni di campi chiave, noti come "francese" e "inglese". Il principe Leopold ha preso un bach con lui, facendo viaggi negli stati vicini. Quando Johann Sebastian è tornato nel 1720 da un simile viaggio, è stato compreso da Heavy Mountain - la moglie di Maria Barbara è appena morta, lasciando quattro bambini (altri tre). Dopo un anno e mezzo, Bach ha sposato di nuovo. La sua seconda moglie, Anna Maddalena, possedeva una buona voce, era molto musicale. Afferrare con lei, Bach composto dai suoi giochi e in parte dalle commedie degli altri autori due chiave "libri musicali". Anna Magdalena era un buon compagno e premuroso della vita di Johanna Sebastian. Lei gli ha dato tredici bambini, di cui sei persone vissute a un'età matura. Leipzig. Nel 1723, Bach si trasferì a Lipsia - un importante commercio, nonché un centro culturale vicino con la Turingia Sassonia. Con il principe Leopold, ha mantenuto buoni rapporti. Ma a Kothen, le possibilità di attività musicale erano limitate - non c'era un grande organo né il coro. Inoltre, il Bach cresce i figli più anziani, che voleva dare una buona educazione. A Lipsia, Bach ha preso la posizione del cantore - il capo dei ragazzi del coro e degli insegnanti della scuola di canto; Sotto la Chiesa di St. Thomas (Tomascirhe). Doveva prendere un numero di condizioni di shye, ad esempio, "non viaggiare dalla città senza il permesso di Mr. Burgomist". C'erano molti altri doveri sul cantore Baha. Doveva condividere un piccolo coro scolastico e un'orchestra molto piccola (o piuttosto ensemble) in modo che la musica suonasse durante il servizio in due chiese, così come ai matrimoni, al funerale, in vari festeggiamenti. E non tutti i ragazzi che corino hanno avuto buoni dati musicali. La casa scolastica era sporca, lanciata, gli alunni erano mal nuditi e la panca era vestita. Tutto questo Bach, che è stato contemporaneamente considerato dal "Muzicdirector" di Lipsia, ha ripetutamente rivolto l'attenzione delle autorità ecclesiastiche e della gestione urbana (magistrato). Ma in risposta, ha ricevuto poca assistenza materiale, ma molti piccoli pick-up e procedimenti giudiziari. Con i discepoli, era impegnato non solo cantando, ma anche un gioco di strumenti, inoltre, assunto per loro a proprie spese del Maestro Latino. Chiesa e scuola di St. Thomas (a sinistra) a Lipsia. (Con incisione antica). Nonostante le difficili circostanze della vita, Bach è stata impegnata con entusiasmo nella creatività. Nei primi tre anni di servizio, ha scritto quasi ogni settimana e ha imparato un nuovo cantat spirituale con Chorus. Tutte le opere di Bach in questo genere sono state preservate circa duecento. E ci sono ancora alcune dozzine del suo cantat secolare. Erano, di regola, accoglienza e congratulatori rivolti a diverse persone nobili. Ma ci sono tra questi e un'eccezione del genere, come scritto a Lipsia, il comico "Cutata del caffè", simile a una scena dell'opera comica. Dice come il giovane grande Lessheng è appassionato di nuova moda per il caffè. Contrariamente alla volontà e alle avvertenze di suo padre - il vecchio villaggio di Schlander. A Lipsia, Bach ha creato le sue opere vocali monumentali e strumentali più straordinarie - "Passions in John", "Matthew Passion" 12 e vicino a loro nel contenuto di Mass C minore, oltre a un gran numero di vari scritti strumentali, incluso Il secondo volume "una chiave leggera", collezione di John e Matteo (così come Mark e Luka) - seguaci degli insegnamenti di Gesù Cristo, che ha fatto il Vangelo - la narrazione della sua vita terrena, sofferenza ("passioni" ) e la morte. "Vangelo" tradotto dal greco significa "buone notizie". 12 12 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia "Arte di Fugue". Andò a Dresda, Amburgo, Berlino e altre città tedesche, ha svolto l'Autorità, esperti nuovi strumenti. Per più di dieci anni, Bach ha guidato il college di musica a Lipsia - una società detenuta dagli studenti universitari e dagli amanti della musica - strumentisti e cantanti. Sotto il controllo della Baha, hanno dato concerti pubblici dalle opere del carattere laico. Comunicare con i musicisti, era alieno a qualsiasi arroganza e la sua rara artigianato ha detto questo: "Dovevo essere indossato duro, che sarebbe stato anche diluito, raggiunge lo stesso". Molte preoccupazioni, ma molte gioie consegnate a Bahu la sua grande famiglia. Nel suo cerchio, poteva organizzare intere concerti a casa. Quattro dei suoi figli sono diventati famosi compositori. Questo è Wilhelm Friedem e Karl Philipp Emanuel (figli di Maria Barbara), Johann Christoph Frederich e Johann Christian (figli di Anna Maddalen). Nel corso degli anni, la salute di Baha scagliò. Aveva bruscamente peggiorare la vista. All'inizio del 1750, ha sofferto di due operazioni oculari non riuscite, eletto e 28 luglio morto. Johann Sebastian Bach ha vissuto una vita difficile e laboriosa, illuminata da un'ingevole ispirazione creativa. Non ha lasciato uno stato significativo, e Anna Magdalena è morta in dieci anni nella casa della carità per i poveri. E la figlia più giovane di Baha Regina Susanna, che viveva prima del XIX secolo, fu salvata dalla povertà delle donazioni private, in cui Beethoven ha accettato molta partecipazione. La creatività Musica Baha è collegata alla cultura del suo paese natale. Lui no avere l'opportunità di andare oltre i limiti della Germania. Ma studiava con entusiasmo. Lavori e tedesco, e compositori stranieri. Nel suo lavoro, ha riassunto brillantemente e arricchito i risultati dell'arte della musica europea. La maggior parte della cantat, "passione per John", " Matthew Passion ", la massa c minore e molti altri lavori sui testi spirituali sono scritti a Bach non solo secondo il dazio o abitudine abituale del musicista della Chiesa, e i riscaldati con un sincero sentimento religioso. Sono pieni di compassione per le umanità, intriso di comprensione delle gioie umane. Nel tempo, uscissero ben oltre i templi e non cessano di impressionare gli ascoltatori di diverse nazionalità e religioni. Saggi spirituali e secolari del Bach La sua vera umanità è relativa tra loro. Insieme loro Intero mondo delle immagini musicali stanno spingendo. L'abilità polifonica insuperata del bach è arricchita con mezzi armonici di omofono. I suoi argomenti vocali sono organicamente permeati con le tecniche strumentali di sviluppo, e gli argomenti strumentali sono spesso così emotivamente saturi, come se cantino qualcosa di importante e cicatrici senza parole. Toccata e FUGA RE Minore per il terreno organo Questo prodotto, che è molto popolare, inizia la marea ansiosa, ma coraggiosa. È distribuito tre volte, scendendo da un'ottava all'altra e conduce a un rullo di corda di Thunder-Chord nel minuscolo. Quindi all'inizio del Toccati è estremamente ombreggiato, grandioso spazio sonoro. 1 Adagio Domande e compiti 1. Cosa è insolito al destino della musica di Bach? 2. Parlaci della patria di Baha, dei suoi antenati e dei suoi anni dei suoi figli. 3. Quando e dove inizia la vita indipendente di Bach? 4. Come è proseguita e come ha finito l'attività Bach in Weimar? 5. Parlaci della vita di Baha a Kaaten e sulle sue opere di questi anni. 6. Quali strumenti hanno giocato Bach e che tipo di strumento era il suo preferito? 7. Perché Bach ha deciso di trasferirsi a Lipsia, e con quali difficoltà si occupò lì? 8. Parlaci delle attività del compositore BAHA e del Baho-Performer a Lipsia. Nomina i lavori creati da lui. Toccata (sull'italiano "Toccata" - "Touch", "Blow" dal verbo "TOCCARE" "TOUCH", "TOUCH") - A Virtuoso Play per utensili da tastiera. 13 13 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia, potente, potente "turbinio" PASSE Virtuoso e ampie cime degli accordi - "Scoppia". Sono separati più volte mette in pausa e si ferma su accordi tesi. Tale opposizione al rapido e rallentatore ricorda una vaga tregua tra i combattimenti con l'elemento violento. E dopo il gratis, improvvisatamente costruito toccata suona un fugus. Si concentra sullo sviluppo della simulazione di un argomento, in cui l'inizio del volitional sembra frenare le forze naturali: 2 Allegro Moderato si sviluppa ampiamente, il FUGUS si sviluppa nel codice - la sezione finale, finale. Inoltre, l'elemento improvvisativo di Tokcati si sta sviluppando. Ma finalmente è saturo di repliche imperative tese. E gli ultimi tatti di tutte le opere sono percepiti come la dura e più grande vittoria della volontà umana adamata. Un gruppo speciale di opere organiche di Bach è un preludio corale. Tra questi sono profondamente espressivi, si distinguono un certo numero di piastre liriche relativamente piccole. In loro, il suono della melodia corale è arricchita da voci di accompagnamento liberamente sviluppate. Quindi si distingue, ad esempio, uno dei capolavori Baha - il preludio corale del m minore. L'inventario chiave della musica nel Bach è stata diverse collezioni di semplici spettacoli tra coloro che composti, insegnando il loro figlio anziano Wilhelm Friedeman. In una di queste collezioni, ha collocato quindici giochi polifonici a due occhi in quindici tonalità e li chiamavano in invenzioni. Tradotto dalla lingua latina la parola "invenzione" significa "fiction", "invenzione". L'inventario della bici Bahkhovsky, disponibile per l'esecuzione di musicisti dei principianti, sono davvero meravigliosi sull'ingegnosità polifonica e allo stesso tempo in espressività artistica. Quindi, la prima indagine a due vocali a Major nasce da un tema breve, liscio e piacevole di un carattere calmo e ragionevole. Le sue guarnizioni della voce superiore e imitano immediatamente _ ripeti in un'altra ottava - il fondo: 14 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia e sotto i suoni dell'ottava invenzione due occhi oculari, f maggiore può immaginare a Riproduzione allegra e vivace: sembra che] rimbalzando e palle elastiche cattedinate. Durante la ripetizione (imitazione), la parte superiore, la voce continua un movimento melodico. Quindi l'opposizione al tema suonava nel basso è formata. Inoltre, questa è un'opposizione - con lo stesso motivo melodico - a volte sembra che l'argomento appare di nuovo in uno, quindi nell'altra voce (tatti 2-3, 7-8, 8-9). In tali casi, l'Antiposscita è chiamata mantenuta (in contrasto con sfrenata, che ogni volta che l'argomento è presentato al tema). Come in altre opere polifoniche, ci sono sezioni in questa invenzione, dove l'argomento non suona nella sua forma completa, e vengono utilizzate solo le sue curve separate. Tali sezioni sono collocate tra temi e sono chiamate intermedi. L'integrità complessiva dell'invenzione al maggiore dà sviluppo basato su un argomento, che è caratteristico della musica polifonica. Nel mezzo del gioco, una partenza è fatta dalla tonalità principale e dalla fine ritorna. Ascoltando questa invenzione, puoi immaginare che due studenti ripetono diligentemente la lezione, cercando di dirci l'un l'altro prima dell'altro, con una grande espressione. In questo gioco, simile alla sua struttura con inchiesta maggiore, un ruolo importante appartiene a un'ammissione speciale. Seguendo la voce iniziale dell'argomento nella voce superiore, la voce inferiore imita non solo, ma anche la sua continuazione (Antipossi). Quindi per un po 'c'è una banca continua su n e t e c e io e m e t e z e me, e l e k e n su n. Allo stesso tempo, quindici giocati polifonici a tre capelli con le stesse tonalità composte da invenzioni di benedizione Bach. Li chiamò! "Symphony" (tradotto dalla lingua greca - "conversione"). Per i vecchi tempi è stato spesso chiamato lavori strumentali polifonici. Ma in seguito è diventato adottato per riferirsi a questi giochi con invenzioni a tre vocali. Usano tecniche più complesse di sviluppo polifonico. L'esempio più vivido è un'invenzione a tre vocali in f minore (nono). Inizia con i due argomenti di contrasto simultanei. La base di uno di esse, suoni in una voce basso, è una discesa tesa misurata sui mezzitoni cromatici. Mosse simili sono frequenti in arie tragiche dall'opera antica. È come una voce cupa del malvagio rock, destino. Il secondo tema in media, la voce del tutto è permeata dai motivi dolorosi, e il terzo argomento con questi due argomenti, il terzo argomento è strettamente intrecciato con grida ancora più penetranti. Fino alla fine del gioco, la voce della roccia delicale rimane inesorabile. Ma le voci del dolore umano non lo fanno anche tu. Riduperamo lo spruzzo irrequieto della speranza umana. E sembrava flash nell'incidente farmaceutico finale per un momento. La sinfonia della clausola minore di Bach si minore nella casa di Bach a Eisenach 15 www.classon.ru si distingue anche per la penetrazione lirica a Eisenach 15 www.classon.ru. Istruzione per bambini nell'arte della Russia (invenzione a tre voci n. 15 ). Nella prefazione al manoscritto delle loro invenzioni e la "sinfonia" di Bach ha indicato che dovrebbero aiutare a sviluppare un "giocatore di cantante". Sulla clasina è stato difficile da implementare. Pertanto, Bach preferiva a casa, inclusa le classi con gli studenti, per utilizzare un altro strumento chiave a stringhe: un keyCorder. Il suo suono debole è inadatto per le prestazioni del concerto. Ma, come già menzionato, in contrasto con il cluster, le corde del keycorder non sono protette, ma delicatamente serrate con piastre metalliche. Ciò contribuisce alla solidità del suono e ti permette di fare sfumature dinamiche. Così, Bach, così com'era, ha previsto le possibilità del voto singeling e connesso sul pianoforte - strumento, che nel suo tempo era ancora imperfetto nel design. E questo desiderio del grande musicista dovrebbe essere ricordato di tutti i pianisti moderni. Kurata è una danza tre dollari di origine francese. Ma per il clavico francese Quarort, una sofisticazione ritmica, la maniera era tipica. Kurata lo stesso nel baha situ a minore è simile alla varietà italiana di questo genere di danza - più vivace e mobile. Ciò contribuisce a una combinazione flessibile di due voti, che sembrano avvenuti: "Suite francese" a piccole tre collezioni del sito chiave BAHA hanno nomi diversi. Sei abiti inclusi nella terza compilation, lui stesso ha chiamato le "partizioni" (il nome della suite "Passage" si trova non solo da HI14). E altre due collezioni - sei giochi in ciascuna - cominciarono a chiamare "Abiti francesi" e "Abiti inglesi" dopo la morte di Baha esattamente non chiarificata. Nella tonalità a minore, è scritto il secondo del "sito francese". Secondo la tradizione stabilita nell'antica suite, contiene quattro parti principali - Allemanda, Kuranta, Saraband e Lygu, oltre a altre due parti intermedie - Aria e Menuet, inserite tra Sarabanda e Zhiga. Allemanda - Dance, formata nei secoli XVI-XVII in diversi paesi europei - Inghilterra, Paesi Bassi, Germania, Francia e Italia. Quindi, per esempio, l'antico tedesco Allemand era un piccolo gruppo di gruppi pesanti. Ma, entrando nella suite della tastiera, Allemanda per il XVIII secolo quasi ha perso le caratteristiche di danza. Dai suoi "antenati", mantenne solo un flusso di energia piacevole con quattro o due quarti. Alla fine, si è trasformata in un preludio liberamente costruito. Sembra un premuroso preludio lirico e Allemanda dalla BAHA Suite pre-minore. Qui tre voci stanno spesso leader. Ma a volte la quarta voce è collegata a loro. Allo stesso tempo, la voce più melodica è la cima: Sarandand è una danza spagnola a tre tetrali. Una volta che era veloce, temperamentale, e in seguito è diventato una processione a lutto lenta, solenne, spesso chiuda. Sarabanda dalla Bay Suite fin dall'inizio alla fine è resistente in un magazzino a tre classifiche. Il movimento delle voci medio e inferiore è strettamente focalizzato (quarto e ottavo) prevalere. E il movimento della voce superiore è molto più libero e mobile, molto espressivo. È dominato dal sedicesimo, spesso ci sono mosse su vasi intervalli (Quint, Septim). Quindi si formano due strati contrastanti della presentazione musicale, viene creato un suono teso in modo stile 15: "Separato da parte" - si traduce da Italiano la parola "partizione" (dal verbo "Parti" - "Divide"). A Sarande, la voce superiore principale non contrasta così tanto con il resto, quanto è completato da loro. 14 15 16 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia Preludio e FuGue a Minore dal primo volume "Buono clavier temperato" Preludio e Fugue a Major, Preludio e FuGue a Minore, Preludio e FuGue per Diez Major, Preludio e FuGue Pre-Dieze Minor - e così via per tutti gli dodici haltontons, parte dell'ottava. Di conseguenza, ci sono solo un ciclo "preludio e fugas" di 24 ore in tutte le tonalità principali e minori. Quindi entrambi i volumi sono costruiti (nell'importo totale - 48 preludi e fugas) "Key ben temprato" Bach. Questo grande prodotto è riconosciuto come uno dei più grandi dell'arte musicale mondiale. Le preludi e le fuga da questi due volumi sono anche incluse nell'educational, e nel repertorio del concerto di tutti i pianisti professionisti. Nel tempo del Bach, una temperatura uniforme è stata gradualmente completamente installata nell'impostazione degli strumenti della tastiera - il calo di ottave per dodici uguali mezzitoni. In precedenza, il sistema di installazione è stato più complesso. Con esso nelle tonalità con il numero di segni su tre o quattro, alcuni intervalli e accordi sembravano falsi. Pertanto, i compositori tali tonalità sono sfuggiti all'uso. Bach è stato per la prima volta si rivelò brillantemente in una "chiave temprata", che a una temperatura uniforme può essere ugualmente utilizzata per utilizzare tutte le 24 tonalità. Questo ha aperto nuovi orizzonti davanti ai compositori, aumentato, ad esempio, per creare modulazione (transizioni) da una tonalità all'altra. Nella "chiave temprata", Bach ha stabilito il tipo del ciclo in due parti "Preludio e FuGue". Il preludio è costruito liberamente. In esso, un ruolo considerevole può appartenere a un magazzino e all'improvvisazione omofono-armonica. Crea un contrasto con una fuga come un lavoro rigorosamente polifonico. Allo stesso tempo, la parte del ciclo "Preludio e FuGue" è unito non solo dalla tonalità totale. In ogni caso, le connessioni domestiche raffinate appaiono in ogni caso. Queste caratteristiche tipiche comuni possono essere tracciate nei preliminari e una fuga a minore dal primo volume "Key ben temperato". Il preludio è composto da due sezioni principali. Il più eccellente prima completamente riempito con un rapido movimento uniforme del sedicesimo in entrambe le mani. Viene dall'interno è saturo di elementi melodici e armonici espressivi. Sembra che le rive siano imbarazzate dalle rive, il flusso irrequieto: un flap è una rapida danza del ponte che conduce la sua origine dall'Irlanda e dall'Inghilterra16. I marinai inglesi amavano ballare a Starina. In semi, i lampi sono di solito la parte finale, finale. Nella sua ziga pre-minore, Bach usa spesso la ricezione dell'imitazione canonica tra i due voti (come nell'invenzione del F-Major). La presentazione di questa commedia è trafitta dal ritmo punteggiato "rimbalzante": rispetto al contrasto tra l'Allemand e il contrasto di quaera tra la sarandia e la maschera è più acuta. Ma è ammorbidito da due parti aggiuntive inserite tra di loro. Una parte denominata "Aria" è piuttosto simile a un numero vocale solista nell'opera, ma in una song più semplice calma. Il seguente menu è la danza francese che collega la mobilità con la volontaria. Quindi in questa suite, con una singola tonalità totale, tutte le parti sono in modo diverso rispetto a una relazione figurativa. Le dimensioni dello straniero sono principalmente tremendose. Nel XVIII secolo, questo è principalmente 3/8, 6/8 del 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della voce media della Russia, limpida, sollievo, argomento memorabile con ritmo di danza elastica: 11 moderato perseveranza energetica è combinata nel soggetto con graziosità, attraverso il college di volontà. con malvagio polveroso. Ciò include la possibilità di ulteriore sviluppo diverso e dinamico. All'inizio dello sviluppo, l'argomento suona la luce - l'unica volta che viene effettuata in una tonalità importante (MI-BF maggiore). Nella ripresa dei tre argomenti principali nella tonalità principale (a minore), il secondo, nel basso, acquisisce un ambito così potente, il che ti fa ricordare la boccola delle forze naturali in preludio. E uno in più, gli argomenti finali della FuGue terminano con l'accordi illuminati a domicilio. In tale somiglianza tra i terminazioni del preludio e della fuga, si trova la relazione emotiva interna delle parti contrastanti del ciclo. Dopo aver accumulato energia potente, questo flusso alla fine della prima sezione sembra essere sopraffatto attraverso il bordo e all'inizio della prossima sezione diventa ancora più rapido, minaccioso tutto nel suo percorso. Questo climax del preludio è stato segnato cambiando il ritmo sul più veloce (Resto) e l'uso della ricezione polifonica - un canone a due occhi. Ma l'elemento gonfiore improvvisamente fermano i colpi imperativi di accordi e frasi significative del cartellino. Qui c'è un secondo cambio del ritmo - sul più lento (Adagio). E dopo il terzo turno del ritmo su un A11GGo moderatamente veloce nelle sfumature finali dei preliminari, l'organo tonico nel basso rallenta gradualmente il movimento del sedicesimo nella mano destra. Diventa in legno tenero e si blocca su un accordo di-maggiore. Avviene lenitivo, pace. Dopo un completamento così libero, improvvisativo dei preliminari, l'attenzione passa a un altro, piano contrastante. Inizia una fuga a tre vocali. Questa parola in latino e italiano significa "corsa", "fuga", "flusso rapido". Nella musica della fuga - un complesso lavoro polifonico, dove le voci stanno riecheggiando, recuperando l'un l'altro. La maggior parte delle fugas si basa su un argomento. Meno spesso incontrano due, anche meno spesso con tre e quattro argomenti. E dal numero di voti, le Fugas sono due, tre, quattro e a cinque vie. I fuga di un giorno iniziano con la presentazione dell'argomento nella tonalità principale da qualsiasi voce. Il tema viene quindi imitato alternativamente da altre voci. Quindi la prima sezione della fuga è formata - esposizione. Nella seconda sezione - sviluppo - l'argomento appare solo in altre tonalità. E nel terzo, l'ultima sezione - Ripristina9 - viene nuovamente eseguita nella tonalità principale, ma non è più delineata. L'esposizione qui non è sicuramente ripetuta. I febbori sono ampiamente utilizzati con anticoni e intermedi trattenuti. Un Fugu Baha pre-minore, che viene speso, inizia, che appare in una fuga - la più alta forma di musica polifonica - raggiunta nel lavoro del bach pieno di maturità e il più luminoso di massimo splendore. Conoscere il collettore compositore russo e il pianista XIX secolo Anton Grigorievich Rubinstein nel suo libro "La musica e i suoi rappresentanti" hanno scritto, ammirando la "chiave ben tempestata", che si può trovare "fugge di religiosi, eroiche, malinconicamente, maestose, fusione, umoristiche , carattere pastorale, drammatico; In uno, sono tutti simili - nella bellezza ... "Il peer di Johanna Sebastian Baha è stato il grande compositore tedesco Georg Friedrich Gendel (1685-1759) - un meraviglioso maestro di polifonia, un organista virtuoso. Il destino aveva un altro destino. Ha trascorso la maggior parte della sua vita fuori dalla Germania, passando da un paese all'altro (vissuto in Inghilterra per diversi decenni). 18 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia Handel è l'autore di molte opere, oralmente, una varietà di opere strumentali. A proposito di F e M IL OVA N AI Stile classico nelle domande musicali e nelle missioni 1. Cosa tratta le opere spirituali e secolari del Bach relativo l'un l'altro? 2. Parlaci della natura figurativa del toccati e della fuga del re minorenne per l'organo. 3. Invia gli argomenti delle invenzioni di Bach che conosci. Qual è un'opposizione quando si chiama trattenuta? 4. Che cos'è Intermedia in lavori polifonici? Quale imitazione è chiamata canonica o canon? 5. Chiamare e caratterizzare le parti principali della "Suite francese" a Minore. 6. Come è la "buona chiave temprata" del Bach costruito? 7. Qual è la principale differenza tra le preludi dalla fuga? Mostra questo sull'esempio di preludi e fugas a minore dalla "chiave ben temperata" del primo volume. Ci sono somiglianze tra loro? Teatro musicale del XVIII secolo, in particolare il suo mezzo e la seconda metà, è il momento dei grandi cambiamenti in tutte le aree dell'arte musicale europea. Con l'inizio di questo secolo, due generi - serie opera (gravi) e il buff opera (comico) sono stati gradualmente presunti nell'opera italiana. Nelle operazioni, la serie ha continuato a storie mitologiche e storiche prevalenti, in cui apparvero i cosiddetti eroi "alti" - Divinità mitologiche, re di stati antichi, leggendario comandante. E nell'opera Buff, le trame sono diventate principalmente domestiche moderne. Eroi qui erano persone normali che agiscono energicamente e vitale. Il primo campione luminoso dell'Opera di Buffian era la "padrona della cameriera" GIOVANNI GATTISTI PERGOLEZI, che apparve davanti al pubblico nel 1733 a Napoli. Eroina - Un servo intraprendente di Serpin - spostosamente sposa il suo proprietario di macinazione da rimuovere e diventare la signora .. Come molte le prime operazioni italiane di Buffa, la "Maid-Mistress" è stata originariamente eseguita come intermedia a palcoscenico in Interni intermedi tra le azioni della serie di operiere "fiero prigioniero" Pergolesi (ricordiamo che il latino nell'origine della parola "Intermedia "E significa" internazionale "). Presto la "Maid-Mistress" ha acquisito una maggiore fama in molti paesi come un lavoro indipendente. In Francia, l'opera comica è nata nella seconda metà del XVIII secolo. Ha avuto origine sulla base di idee di commedia allegra e spiritosa con la musica che ha dato ai teatri alle fiere di Parigi. E per trasformarsi in un'opera comica, dove le principali caratteristiche delle persone di recitazione erano numeri vocali, i comici della fiera francese hanno aiutato un esempio dell'opera di Buffa italiana. L'importanza essenziale era essenziale per questa performance a Parigi la troupe dell'Opera degli "buffs" italiani, quando la capitale della Francia ha letteralmente affascinato la "Maid-Mistress" Pergolesi. A differenza del buff operatore italiano in operazioni fumetiche francesi, i numeri eccitati si alternano non con destinatari, ma con dialoghi conversazionali. Zing-Star è anche costruita - la varietà tedesca e austriaca dell'opera comica, che è apparsa nelle seconde opere principali delle opere strumentali vocali di "Passione su John", "Passione per Matteo" Messa SI Minore i Bandiosi Spirituali (circa 200) e Cantata secolare (conservata oltre 20) Opere orchestrali 4 Suits ("Overtures") 6 Concerti "Concerti di Brandeburgo" per SOLLING Strumenti con un'orchestra da camera di 7 concerti per il concerto di clavicember 3 per due, 2 - per tre clavesins 2 concerti per il concerto di violino Per due violini per strumenti in calcestruzzo 3 Sonatas e 3 Guardando per violino Solo 6 Sonatas per violino e clavicembalo 6 suono (sonatato) per violoncello ORGANI ORGANI ANRUMENTO 70 PRELIDE CHORALI E FUGUES TOCCATA E FUGUUE RE PASSACLAUS PASSACLAUS ATTIVA ALLA PASSAGGIO DI LAVORO CIRCUITO "PICCOLI PRIMUDE e fugas "15 invenzioni a due vocali e 15 invenzioni a tre vocali (" Symphony ") 48 PRELIDI E FUGUES" BUON CASA TEMPERATA "6" francese KIH "e 6" Inglese "Syute 6 Suite (pupit)" Concerto italiano "per clavsile Solo" Fantasy cromatica e fuga "" Art Fugue "19 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia mezzo XVIII secolo17. Per il linguaggio musicale di tutte le varietà di opera comica, stretta relazione con le canzoni domestiche della gente e le melodie di danza della gente è caratteristica. Nella seconda metà del XVIII secolo, i gravi generi dell'opera sono stati fondamentalmente riformati dal grande compositore tedesco Christoph Willibald Itch (1714-1787). La sua prima opera di riforma "Orpheus e Euridic" (1762) (1762), scrisse alla trama del leggendario antico cantante greco, che è stato ripetutamente usato nelle operazioni fin dal primo (questo è stato dichiarato nell'introduzione). Alla sua riforma in Opera Itch non era un modo semplice. Ha avuto la possibilità di visitare molti paesi europei - Germania, Austria, Danimarca, nonché nella popolazione degli slavi dello slavo, insieme all'Italia - in Inghilterra. Prima saldamente saldato a Vienna, il glitch ha messo 17 della sua serie di opera su scene dei teatri di Milano, Venezia, Napoli, Londra, Copenaghen, Praga e altre città. L'opera di questo genere è stata eseguita nei teatri della corte di molti stati europei. L'eccezione era la Francia. Lì nel mezzo del XVIII secolo continuò a comporre e mettere seri opere solo in stile tradizionale francese. Ma il glitch ha studiato attentamente i punteggi operativi dei famosi compositori francesi di Jean-Batista Lully e Zhanafilippa Ramo. Inoltre, il glitch ha scritto e mette con successo otto opere a Vienna nel nuovo genere dell'Opera comica francese. Lui, indubbiamente, conosceva bene gli operatori di bufastia italiana, con Singchpiles tedeschi e austriaci. Tutte queste conoscenze hanno dato la possibilità di un problema tecnico di aggiornare decisamente i principi già obsoleti della composizione delle opere gravi. Nei suoi operatori di riforma, prima a Vienna, e poi a Parigi, l'itch ha iniziato a trasmettere le esperienze spirituali di eroi con veridicità significativamente maggiore e tensioni drammatiche, efficacia. Ha rifiutato il mucchio dei passaggi virtuoso nell'aria, ha rafforzato l'espressività dei recitativi. Le sue opere sono diventate più seguite da MU17 drogheria e sviluppo del palcoscenico, più snella lungo la composizione. Così nella lingua musicale e nella costruzione di nuove opere gravi fumetti e riformate, importanti caratteristiche distintive del nuovo stile classico - l'efficacia attiva dello sviluppo, della semplicità e della chiarezza dei mezzi espressivi, del cablaggio compositivo, della natura nobile e elevata complessiva del musica. Questo stile si sviluppa gradualmente in musica europea per tutto il XVIII secolo, maturato al 1770-1780 e dominato fino alla metà del secondo decennio del XIX secolo. È necessario tenere conto del fatto che la definizione "classica" può essere più di più, più più ampia. "Classical" (o "classico") chiamano anche musicali e altre opere d'arte, che hanno ricevuto riconoscimento come esemplare, perfetto, insuperabile - indipendentemente dalla loro creazione. In tale senso di classico, o classico, possiamo dire, dire, e la massa del compositore italiano del XVI secolo Palestrina, e l'Opera Prokofiev, e la sinfonia di Shostakovich - compositori russi del 20 ° secolo. La musica strumentale a una base internazionale altrettanto ampia, così come la riforma dell'opera del glitch, nel XVIII secolo c'era un intenso sviluppo della musica strumentale. È stato effettuato dai compositori di molti paesi europei da parte degli sforzi amichevoli. Sulla base della canzone e della danza, producendo la classica chiarezza e dinamica del linguaggio musicale, formando gradualmente nuovi generi di lavori strumentali ciclici, come Classic Symphony, classica Sonata, quartetto classico delle corde. Hanno acquisito un significato molto significato di un singolo valore. Pertanto, i cicli strumentali sono chiamati Sempre o Sonate-Symphonic. Forma sonatale. Sai già che la più alta forma di musica polifonica è una fuga. E la forma di divano è la forma più alta di musica marmonica homofong, dove possono essere utilizzate le tecniche polifoniche. Nella sua costruzione, queste due forme sono simili l'una all'altra. Come in una fuga, in una forma sonatica ci sono tre sezioni principali: è esposizione, sviluppo e ripresa. Ma ci sono differenze significative tra loro. La principale differenza della forma di Sonata dalla FuGue si esibisce immediatamente nell'esposizione 18. La stragrande maggioranza dei fugas è interamente costruita su un argomento, che nell'esposizione viene effettuata alternativamente in ciascuna di questa parola tedesca proviene da "singen" (" Cantare ") e" spiel "(" gioco "). 18 La parola origine latina significa "presentazione", "mostra". 20 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte del voto della Russia. E nell'esposizione del modulo di campionamento appaiono, di regola, due argomenti principali, più o meno naturali in natura. Innanzitutto, l'argomento della parte principale, il tema del lato della parte laterale appare in seguito. Solo in nessun caso non dovrebbe capire la definizione di "lato" come "secondario". Per, infatti, il tema delle parti laterali appartiene a una forma vista di un ruolo altrettanto importante rispetto all'argomento della parte principale. La parola "lato" è usata qui perché, in contrasto con il primo, nella mostra, non sembra necessariamente nella tonalità principale, ma nell'altro, cioè, come era, nel lato. Nella musica di uno stile classico Se la parte principale nell'esposizione è un maggiore, allora la parte parziale è esposta nella tonalità dominante (ad esempio, se la chiave della parte principale è importante, la tonalità della partizione laterale è un sale principale). Se la parte principale nell'esposizione del minore, la parte laterale è riportata in parallelo maggiore (ad esempio, se la tonalità della parte principale a minore, la tonalità delle parti laterali - MI-BF maggiore). Tra le parti principali e le fianchette è posizionata un piccolo gruppo o una festa di Binder. Qui possono apparire un argomento indipendente e melodicamente in rilievo melodicamente, ma le intonazioni degli argomenti della parte principale sono utilizzate più spesso. La parte dei raccoglitori esegue il ruolo della transizione verso una parte laterale, richiede la modulazione nel tono della parte laterale. Quindi, la stabilità tonale è rotta. La voce inizia ad aspettarsi l'insorgenza di un nuovo "evento musicale". Si rivelano apparire l'argomento della parte laterale. A volte l'esposizione può precedere l'ingresso. E dopo la parte laterale, un piccolo suono di conclusione, o l'intera parte finale è spesso con un argomento indipendente. Quindi l'esposizione è completata, fissando la tonalità della parte laterale. Incrociando il compositore, l'intera esposizione può essere ripetuta. Sviluppo: la seconda sezione del modulo Sempre. In esso, gli argomenti che hanno familiarità sull'esposizione si esibiscono in nuove versioni, alternativamente alternati, vengono confrontati. In tale interazione, non tutti gli argomenti sono coinvolti in tale interazione, ma i motivi, le frasi sono state ascoltate da loro. Cioè, gli argomenti nello sviluppo sembrano essere schiacciati in elementi separati trovando l'energia imprigionata in loro. In questo caso, si verifica un frequente cambio di tonalità (la tonalità principale viene raramente toccata qui e per un po '). Apparendo in varie tonalità, temi e loro elementi, come lo erano, sono illuminati in un modo nuovo, sono mostrati da nuovi punti di vista. Dopo lo sviluppo dello sviluppo raggiunge una tensione considerevole in climax, la sua mossa cambia la direzione. Alla fine di questa sezione, viene preparato un ritorno alla tonalità principale, si svolge un turno da riprendere. Ripristina - la terza sezione del modulo Sempre. Inizia con il ritorno della parte principale nella tonalità principale. La parte dei raccoglitori non porterà a una nuova tonalità. Esso, al contrario, fissa la tonalità principale, in cui il lato e le parti finali sono ora ripetute. Quindi la ripresa con la sua stabilità tonale bilancia la natura instabile dello sviluppo e dà un'intera imbragatura classica. La ripresa può a volte completare la costruzione finale del codice (derivata dalla parola latina, che significa "coda"). Quindi, quando un suono fuga, la nostra attenzione si concentra sull'ascolto, pensa e applicare in un unico pensiero musicale, incarnato da un argomento. Quando il prodotto suona in una forma sonatica, la nostra udienza viene monitorata confrontando e interagendo due principali (e complementari) quelli come se lo sviluppo di vari eventi musicali, azione musicale. Tale è la principale differenza tra le possibilità artistiche di queste due forme musicali. Ciclo classico Sonataya (Sonate Symphony). Intorno all'ultimo terzo del XVIII secolo, un classico ciclo visto è finalmente sviluppato nella musica. Prima nelle opere strumentali, la forma della suite era dominata, dove alternano parti lente e veloci e la sua forma di antiche sonate. Ora, nel ciclo di campionamento classico, il numero di parti (di solito tre o quattro) è stato definibile, ma più difficile essere il loro contenuto. La prima parte è solitamente scritta in una forma sosatica, che è stata discussa nel paragrafo precedente. Va in un ritmo veloce o moderatamente veloce. Molto spesso è A11e§. Pertanto, questa parte è chiamata Sonataya Allegro. La musica in esso ha spesso una natura energica, efficace, spesso tesa, drammatica. La seconda parte contrasta sempre il primo nel tempo e la natura generale. Spesso è lento, il più lirico e il canto. Ma può essere un altro, ad esempio, simile a una piacevole narrazione o una danza aggraziata in un ciclo a tre parti, l'ultimo, la finale, la finale è veloce, di solito più rapida, ma meno sviluppo internamente più rapido, ma a confronto con il primo . Le finali dei cicli classici sonatal (specialmente la sinfonia) spesso disegnano immagini di un divertimento festivo affollato, e i loro temi sono vicini alle canzoni e alle danze popolari. Allo stesso tempo, la forma di Rondo è spesso usata (dal RONDE francese - "cerchio"). Come sapete, la prima sezione qui (ritornando) viene ripetuta più volte, alternando nuove sezioni (episodi). 21 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia la sua prima opera? 3. A che ora corrispondeva e quanto tempo ha dominato lo stile classico nella musica? Spiega la differenza tra i due valori di definizione del "classico". 4. Qual è la somiglianza nella costruzione generale tra la Fuga e la forma sosatale? E qual è la principale differenza tra loro? 5. Nomina le sezioni principali e aggiuntive del modulo Sonata. Disegna uno schema. 6. In che modo la parte principale e laterale della forma Sonata si riferisce l'una con l'altro nella sua esposizione e nella sua ripresa? 7. Cos'è la caratteristica dello sviluppo in una forma sonatica? 8. Descrivi parti del classico ciclo visto. 9. Nome dei tipi principali dei cicli classici di seduta a seconda della composizione degli artisti. Tutto ciò distingue molte finali di cicli a quattro parti. Ma in loro tra le parti estreme (prima e quarta) ci sono due metà. Uno - lento - in sinfonie di solito il secondo, e nel quartetto - il terzo. La terza parte della classica sinfonia del XVIII secolo è Minuet, che nel quartetto range secondo. Quindi, abbiamo menzionato le parole "Sonata", "Quartetto", "Symphony". La differenza in questi cicli dipende dalla composizione degli artisti. Un posto speciale è di proprietà di Symphony - un prodotto per un'orchestra destinata al suono in una grande stanza di fronte a numerosi ascoltatori. In questo senso, la sinfonia è vicina al concerto - una scrittura in tre parti per uno strumento di risanamento con la costa escursione. I cicli dello strumento della camera più comune - Sonata (per uno o due strumenti), Trio (per tre strumenti), Quartet (per quattro strumenti), Quintet (per cinque strumenti) 19. La forma Sonataya e un ciclo sinfonico, come l'intero stile classico nella musica, sono stati formati nel XVIII secolo, che è chiamato "l'età dell'illuminazione" (o "epoca dell'illuminazione"), così come la "mezzogiorno della mente". " In questo secolo, specialmente nella sua seconda metà, in molti paesi europei, i rappresentanti della cosiddetta "terza classe" sono stati avanzati. Che c'erano persone che non avevano titoli nobili né titoli spirituali. Con il suo successo, sono stati obbligati il \u200b\u200bproprio lavoro, l'attività iniziativa. Hanno proclamato l'ideale di una "persona fisica", che la natura dei paesaggi è stata posata in una leggera ragione e dei sentimenti profondi. Questo ideale democratico ottimistico a modo suo rifletteva anche la musica e altre arti e lettere. Quindi, ad esempio, la vittoria della mente umana e le mani instancabili all'inizio dell'epoca dell'illuminazione glorificata pubblicata nel 1719 il famoso romano della scrittrice inglese Daniel Defo "vita e avventure incredibili di Robinson Cruzo". Y A proposito di Z E F Gayde 1732-1809 Stile classico nella musica ha raggiunto la sua maturità e l'alto periodo di massimo splendore nel lavoro di Josef Haidna, Wolfgang Amadeu Mozart e Ludwig van Beethoven. La vita e le attività di ciascuno di loro hanno rotto nella capitale dell'Austria Vienna. Pertanto, Gaidna, Mozart e Beethoven sono chiamati classici viennesi. L'Austria era un impero multinazionale. In esso, insieme agli austriaci, che hanno una lingua madre - tedesco, affamato vissuto e vari popoli slavi, tra cui cechi, serbi, croati. Le loro canzoni e domande e compiti 1. Nomina le specie nazionali delle opere comiche del XVIII secolo. Qual è la differenza tra la costruzione del buff dell'opera italiana dalla costruzione di un'opera comica francese? 2. Quali paesi e città sono le attività del Great Opera Reformer Christopher Willibald Glitka, le attività del Great Opera Reformer? A quale trama, ha scritto il nome di altri cicli strumentali di Ensemble da camera - Sestet (6), Septo (7), Ottetto (8), Notoni (9), Dezimet (10). La definizione di "musica da camera" viene dalla parola italiana "fotocamera" - "stanza". Per il XIX secolo, gli scritti per diversi strumenti sono stati spesso eseguiti a casa, cioè, erano intesi come "musica della stanza". 19 22 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della danza della Russia Melodies potrebbe essere ascoltata nei villaggi e nelle città. A Vienna, la musica familiare popolare suonava ovunque - nel centro e alla periferia, nelle intersezioni delle strade, nei giardini pubblici e nei parchi, nei ristoranti e nelle zucchine, nelle ricche e povere case private. Vienna era un importante centro di cultura musicale professionale, concentrata attorno al cortile imperiale, Kapel Knight 1 e saloni aristocratici, cattedrali e chiese. Nella capitale austriaca, la serie dell'opera italiana è stata coltivata, qui, come già accennato, ha iniziato il suo problema di riforma dell'opera. La musica ha accompagnato abbondantemente le festività del Tribunale. Ma le VINCI hanno assistito volentieri e divertenti idee preparate con la musica da cui Singspili nacque e amava ballare. Dei tre grandi classici di musica viennese Gaidn - il più antico. Aveva 24 anni quando è nato Mozart, e 38 anni quando è nato Beethoven. Gaidn ha vissuto una lunga vita. Sopravvissuto al primo Mozart per quasi due decenni ed era ancora vivo quando Beethoven aveva già creato la maggior parte delle sue opere mature. Per il principesco privato, ha scritto più di due dozzine di opere nei generi di Seria, Buffa, oltre a poche opere "burattino" per spettacoli che giocano a pupazzi. Ma l'area dei suoi principali interessi creativi e risultati è la musica strumentale sinfonica e Chamber2. Tutto questo è più di 800 scritti3. Tra questi sono particolarmente significative più di 100 sinfonie, più di 80 quartetti di corde e più di 60 sonata chiave. Nei loro campioni maturi con la massima completezza, luminosità e originalità, è stata rivelata la globlibilità ottimistica del grande compositore austriaco. Solo a volte è una globlibilità brillante con un umore d'occhio. Sono sempre sopraffatti dall'esauribile valetrico Gaidnovsky, osservazione acuta, umorismo allegro, semplice, sano e allo stesso tempo poetico percezione della realtà circostante. Percorso di vita Prima infanzia. Rorau e Heinburg. Franz Josef Haydn è nato nel 1732 nel villaggio di Rorau, situato nell'est dell'Austria, vicino al confine ungherese e vicino a Vienna. Il padre di Haidna era un'azienda abile carrozzante, la madre è stata una cucina nella tenuta del conte, il proprietario di Roru. Il suo figlio maggiore Josef, che fu colpito da Zepperle in famiglia, i genitori iniziarono presto a insegnare la laboriosa, la precisione, la pulizia. Il padre di Haidna non conosceva affatto le note, ma amava cantare, accompagnando se stesso sull'arpa, soprattutto quando nei suoi. La piccola casa ha raccolto gli ospiti. Zepperl ha cantato una voce in argento pulita, trovando una meravigliosa udienza musicale. E quando il ragazzo aveva solo cinque anni, fu mandato alla vicina città di Heinburg in un parente lontano, che ha guidato la scuola della Chiesa e il Chorus. A Heinburg Zepperl ha imparato a leggere, scrivere, contare, cantare nel coro, e ha anche iniziato a padroneggiare le capacità di giocare sul keycorder e sul violino. Ma ha vissuto nella famiglia di qualcun altro non è facile. Per molti anni dopo, ha ricordato che ha ricevuto "più battitore del cibo". Untime Zepperl è arrivato a Heinburg, come è stato ordinato di imparare come battere il Litivra per partecipare alla stessa processione della Chiesa con la musica. Il ragazzo prese un setaccio, tirò un pezzo di materia su di lui e cominciò a esercitare forte. Ha affrontato con successo il suo compito. Solo durante l'organizzazione della processione ha dovuto appendere uno strumento sul retro di un uomo di crescita molto basso. Ed era un gobbo, che ha causato risate dal pubblico. Nella Cappella della Cattedrale di Vienna di Santo Stefano. Visitando Heinburg, la Cattedrale di Vienna Cappella Makester e la Corte Compositore Georg Roiter ha richiamato l'attenzione sulle eccezionali capacità musicali di Haydn era sinceramente un credente. È autore di una serie di massa e altre opere strumentali vocali sui testi spirituali. 23 www.classon.ru educazione dei bambini nell'arte della Russia Zepperl. Così nel 1740, un haydn di otto anni si è ritrovato nella capitale dell'Austria, dove è stato accettato da cantanti nella Cattedrale della Cattedrale della Cattedrale (principale) Cattedrale di Santo Stefano. facendo se stesso. Duro inizio della vita indipendente. Quando, di diciotto anni, i giovani cominciarono a rompere la voce - sono diventati temporaneamente rauchi e perse la flessibilità, era rumorosamente e spietatamente gettato fuori dalla cappella. Una volta senza un letto e fondi, poteva perire da fame e freddi, se non avesse riparato il suo cantante familiare per qualche tempo, che viveva con sua moglie e figlio in una piccola stanza sotto il tetto. Haydn ha cominciato ad assumere qualsiasi lavoro musicale: le note riscritte, diede un centesimo di canto, giocando a chiave, ha partecipato come violinista in street ensemble strumentali che eseguiva Serenada di notte in onore di uno qualsiasi dei cittadini. Alla fine, è stato in grado di rimuovere la piccola stanza al sesto, il villaggio vicino al piano della casa nel centro di Vienna. La stanza permise il vento, non c'era una stufa in esso, l'acqua spesso frittata in inverno. In una posizione così distinta, Gaidn ha vissuto dieci anni. Ma non ha perso e deliziato dalla sua arte amata. "Quando ero seduto al mio vecchio, sequestrato con i vermi, ricordai nella vecchiaia, non ho invidi la felicità di ogni re". Per superare la difficoltà quotidiana che Hydna lo ha aiutato un personaggio vivo, allegro. Un giorno, per esempio, ha pubblicato i suoi amici-musicisti di notte in angoli appartati su una delle strade di Vienna, e sul suo segnale, tutti hanno cominciato a suonare che lo ha fatto. Risultò un "concerto di gatto", che fece un colpo agli abitanti circostanti. Due dei musicisti caddero nella polizia, ma l'istigatore della "serenata" scandalosa non ha lasciato. Avendo famoso con un popolare attore comico, Gaidn composto nel Commonwealth con lui Singspil "Chrome Dev" e ha conseguito una piccola somma di denaro 20. E per sfruttare le istruzioni professionali del famoso compositore italiano e del Teacheno Vocal Nicola Antonio Porpora, Haydn accompagnato i suoi studenti nelle lezioni di canto e, inoltre, lo ha servito come un lago. Gradualmente, Haydn ha iniziato ad acquisire fama a Vienna e come insegnante, e come compositore. Si è incontrato famoso; Musicisti e amanti della musica. Nella casa di un riposante prominente, ha iniziato a partecipare alla performance dei gruppi da camera e per i concerti nella sua tenuta di campagna ha creato i suoi primi quartetti di corde. E la prima sinfonia di Gaidn ha scritto nel 1759, quando ha ricevuto a sua disposizione una piccola orchestra, avendo fatto la testa di Capella Count Morzin. Contare mantenuto solo musicisti inattivi. Haydn, sposato con la figlia del parrucchiere viennese, è stato costretto a tenerlo segreto. Ma ha continuato fino al 1760, quando a Vienna, una grande città bellissima con magnifici edifici e ensembles architettonici, un'ondata di nuove impressioni luminose allagata il ragazzo. La popolazione di persone multietniche suonava. Nella cattedrale e nel cortile imperiale, dove si sono esibiti anche la cappella, sono stati eseguiti i solenni ricavi vocali. Ma le condizioni dell'esistenza si sono nuovamente risultate difficili. In classe, prove e discorsi, i ragazzi Chorian erano stanchi. Li hanno nutriti spaventosi, erano costantemente mezza morire di fame. Per scherzi, sono rigorosamente puniti. Piccolo Haydn ha continuato a imparare diligentemente l'arte del canto, suonare una chiave e un violino, e voleva davvero comporre musica. Tuttavia, Royer non ha prestato attenzione ad esso. Per troppo occupato con le sue azioni, lui per tutti e nove anni di rimanere Haydna in cappella gli ha dato solo due lezioni sulla composizione. Ma Josef ha cercato ostinatamente il suo obiettivo, in pochi anni dopo alcuni anni ha scritto un altro Singchpil chiamato "New Chrome Dev". 20 24 www.classon.ru Istruzione per bambini Nel campo dell'arte dei casi materiali della Russia del conte scosso e ha respinto la sua cappella. Il matrimonio di Gaidna si è rivelato infruttuoso. Le sue elezioni non differiscono in un carattere pesante e scontroso. Non era affatto interessata al business compositore di suo marito - fino al fatto che il papillare e il rivestimento per Passtea dei manoscritti dei suoi scritti siano stati fatti. Alcuni anni dopo, Haydn cominciò a vivere separatamente da sua moglie. Non avevano figli. Nella Cappella dei Principi di Esterhazi. Nel 1761, ricco ungherese; Il principe è caduto Antal Esterhazi ha invitato Gaidna a Eisen Stadt come Vice-Dropmeister. Da questo punto in poi, il servizio di Gaidna iniziò alla famiglia Esterhazi, che ha continuato a tanti decenni. Cinque anni dopo, divenne un grigotto - dopo il musicista anziano che occupava questa posizione. Un impegno per l'intrattenimento di lusso e costoso si distingueva per l'erede a Pala Antala, che morì nel 1762, - suo fratello Myklosh 1, soprannominato magnifico. Alcuni anni dopo, ha sofferto la sua residenza da Eisenstadt a un nuovo palazzo di campagna di 126 camere, circondato dal suo enorme parco ,. L'Opera House è stata costruita su 400 posti e il teatro dei burattini, aumentò significativamente il numero di musicisti nella cappella . Il lavoro in esso ha dato a Gaidna buon supporto materiale, e inoltre, l'opportunità di comporre molto e immediatamente in pratica per controllarci, portando alla performance orchestrale delle loro nuove opere. A Esterhaze (fu chiamato il nuovo principesco residenza), i trucchi affollati furono spesso disposti, spesso con la partecipazione di ospiti stranieri di alto rango. Grazie a questo, la creatività di Gaidna gradualmente divenne famosa fuori dall'Austria. Ma ho avuto in tutto questo, come si dice, e l'altro lato della medaglia. Quando si entra nel servizio, Haydn ha firmato un contratto per il quale è diventato una specie di servo musicale. Avrebbe avrebbe dovuto essere quotidianamente, prima e dopo pranzo, apparendo nel palazzo anteriore in una parrucca spaventata e calze bianche per ascoltare l'ordine del principe. Il contratto ha obbligato Gaidna a scrivere urgentemente "qualsiasi musica che desideri la sua signoria, nessuno per mostrare nuove composizioni a chiunque, e anche di più non permettere loro di scriverli, ma per tenerli unici per la sua leggerezza e senza la sua conoscenza e Grazioso permesso di non comporre qualsiasi cosa ". Inoltre, Eyedna è stato richiesto di osservare l'ordine nella cappella e il comportamento dei musicisti, dare le lezioni ai cantanti, per rispondere alla sicurezza degli strumenti e delle note. Non viveva nel palazzo, ma nel prossimo villaggio, in una piccola casa. Da Eisenstadt prima del cortile principesco in inverno si trasferì a Vienna. E da Esterhaza, Haydn poteva venire solo nella capitale di occasionalmente insieme al principe o per una risoluzione speciale. Per molti anni trascorsi a Eisenstadt ed Esterhaze, Haydn passò la strada da un musicista dei principianti al grande compositore, il cui lavoro ha raggiunto la perfezione artistica elevata e ha ricevuto il riconoscimento non solo in Austria, ma ben oltre. Quindi, sei "Paris Symphony" (n. 82-87) sono state scritte da loro per ordine dalla capitale della Francia, dove suonavano con successo nel 1786. Dalle 1780, incontri Gaidna con Wolfgang Amadeu Mozart a Vienna. Il riavvicinamento amichevole era benefico per il lavoro di entrambi i grandi musicisti. Nel corso del tempo, Haydn è diventato più acuto per percepire la sua posizione dipendente. Nelle sue lettere per gli amici di Esterhase a Vienna, scritti nella prima metà del 1790, ci sono tali frasi: "Ora - mi siedo nel mio deserto - abbandonato - come il povero orfano - quasi senza società di persone - triste ... ultimi principi Di Esterhazi possedeva ampiamente le proprietà, avevano molti servi e guidato nei loro palazzi una vita come Royal. Speciale 25 www.classon.ru Education per bambini Nel campo dell'arte della Russia Giorni non lo sapevo, Kappelmeyster sono un tappatore ... purtroppo essere uno schiavo ... "Nuovo turno nel destino. Viaggi in Inghilterra. Nell'autunno del 1790, Miklos Esterhazi è morto. Era un amante della musica illuminato, ha giocato strumenti di corda e non poteva apprezzare un "servo musicale" come Haidn. Il principe gli ha tenuto una grande pensione per tutta la vita. Erede a Miklos Antal, indifferente alla musica, dissolveva una cappella. Ma volendo che il famoso compositore continui a essere elencato dal suo tribunale della Corte, ha persino aumentato i pagamenti in contanti di Haydna, che divennero così liberi da doveri ufficiali e potrebbero essere pienamente sorti. Haidn si è trasferito a Vienna, intendendo impegnarsi nella musica e per primo rifiutò di visitare altri paesi. Ma poi ha accettato di offrire un lungo viaggio in Inghilterra e all'inizio del 1791 arrivato a Londra. Quindi, avvicinando già al sessantesimo anniversario, Gaidn ha visto per la prima volta il mare con i suoi occhi e si ritrovò per la prima volta in un altro stato. A differenza dell'Austria, un altro aristocratico feudale nei propri ordini, l'Inghilterra è stata a lungo un paese borghese, e pubblico, compresa la vita musicale, la vita di Londra era molto diversa da Vienna. A Londra, una città enorme con molte imprese industriali e commerciali, i concerti sono stati prevalsiti non per le persone selezionate invitate a palazzi e saloni per la nobiltà, ma organizzati nelle sale pubbliche, dove tutti sarebbero venuti a pagamento. Il nome di Haydna in Inghilterra ha già circondato l'alone della gloria in anticipo. E i famosi musicisti e le persone di alto rango lo trattavano non solo uguale a, ma anche con una riverenza speciale. Le sue nuove opere, nell'esecuzione di cui ha eseguito come conduttore, incontrato entusiasmo e generosamente pagato. Haydn ha condotto una grande orchestra in 40-50 persone, cioè la superhazia dimezzata in numeri. L'Università di Oxford gli ha assegnato il grado onorario di medico della musica. Haydn tornò a Vienna in un anno e mezzo. Sulla strada, ha visitato la città tedesca di Bonn. Lì ha incontrato per la prima volta con il giovane Ludwig van Beethoven, e presto si trasferì a Vienna con l'intenzione di imparare da Haidna. Ma le sue lezioni da lui Beethoven ci sono volute poco tempo. Due genio musicale, troppo diverso in età e temperamento, non ha trovato questa comprensione reciproca. Tuttavia, il suo tre pianoforte sonata (n. 1-3) Beethoven dedicato a Haidnu. Il secondo viaggio di Hayde in Inghilterra iniziò nel 1794 e ha continuato anche a pochi più di un anno e mezzo. Il successo è stato di nuovo trionfale. Da una varietà di lavori creati; Durante questi viaggi, e in connessione con loro, dodici cosiddette "London Symphony" sono state particolarmente significative. Anni recenti di vita e creatività. Il prossimo principe di Esterhazi, Miklash II, era più interessato alla musica del suo predecessore. Pertanto, Haydn a volte cominciò a guidare da Vienna a Eisenstadt e ha scritto diverse mesa al principe. Le opere principali del compositore degli ultimi anni sono la due monumentale oratologia "Creazione del mondo" e "Seasons" - sono state giustiziate a Vienna con un grande successo (uno nel 1799, l'altro nel 1801st). La progettazione del caos antico, da cui appare il mondo, la creazione della terra, la nascita della vita sulla terra e la creazione di una persona è un tale contenuto del primo di questi orali. Quattro parti del secondo Oratorio ("primavera", "estate", "autunno", "inverno") sono costituite dagli schizzi musicali dell'etichetta della natura rurale e della vita contadina. 26 www.classon.ru educazione dei bambini nell'arte della Russia dopo il 1803, Haydn non ha più composto nient'altro. Viveva tranquillamente la sua vita, circondata da gloria e onore. Gaidn è morto nella primavera del 1809, all'altezza delle guerre napoleoniche, quando i francesi sono entrati in Vienna. Violoncello e doppio basso. Un gruppo di strumenti a fiato di legno consiste in flauti, bretelle, clarinetti e scene 21. Il gruppo di strumenti in ottone di rame a Haidna formano corno e tubi, e dalla batteria ha usato solo il Litivra e solo nell'ultimo, dodicesimo "Londra Symphony" Aggiunto un triangolo, piatti e tamburo. Domande e compiti 1. Quali sono i tre grandi compositori chiamati classici musicali viennesi? Cosa spiega questa definizione? 2. Parlaci della vita musicale di Vienna nel XVIII secolo. 3. Nomina i principali generi musicali nel lavoro di Haidna. 4. Dove e come è stata l'infanzia e la gioventù di Haidna? 5. In che modo Haidn ha iniziato a modo suo? 6 .. Come è andata la vita e l'attività di Haidna durante il servizio in Kinselle Esterhazi? 7. Parlati dei viaggi di Hyden in Inghilterra e dei suoi ultimi anni. Creatività sinfonica Quando nel 1759, Haydn ha scritto la sua prima sinfonia, ci fu già esistito e continuò a creare molte opere in questo genere. Sono sorti in Italia, Germania, Austria e altri paesi europei. Nel mezzo del XVIII secolo, la fama universale acquisita, ad esempio, i sinfoni composti e sono stati eseguiti nella città tedesca di Mannheim, che aveva la migliore orchestra per quel tempo. Tra i compositori della cosiddetta "scuola di Mannheim" c'erano alcuni chekhov. Uno degli antenati della Symphony è una superpotenza di opera italiana in tre parti (con il rapporto tra parti di Tempo: "rapido cambiamento-rapido."). All'inizio ("preclassica" sinfonica sinfonica, il percorso verso la futura sinfonia classica è stato posato, le cui caratteristiche distintive erano il significato del contenuto figurativo e la perfezione della forma. Guardando questo sentiero, Haydn è venuto a creare la sua sinfonia matura nel 1780. E allo stesso tempo, le sinfonie mature apparsi ancora molto giovani Mozart, si sono rapidamente trasferite in modo sorprendentemente nei cimiti delle abilità artistiche. Le Sinfonie di Londra, che hanno incoronato i suoi risultati in questo genere, Haydn già creato dopo la morte prematura di Mozart, lo scosse profondamente. Nelle sinfonie mature di Haidna, è stata stabilita la seguente composizione tipica del ciclo in quattro parti: Sonataya Allegro, parte lenta, menu e finale (di solito sotto forma di Rondo o Sonata Allegro). Allo stesso tempo, la composizione classica dell'orchestra di quattro gruppi di strumenti è stata determinata nelle sue caratteristiche principali. Gruppo leader - stringa. Comprende violini, Alta, Haydn Clarinetti usati non sempre. Anche nei suoi "Londra Symphones" suonano solo in cinque (da dodici). 21 www.classon.ru Istruzione per bambini Nel campo dell'arte della Russia Questa sinfonia è conosciuta come il "militare". I nomi sono anche disponibili in alcuni altri Symphone di Hayde. Nella maggior parte dei casi, non vengono forniti dal compositore se stesso e segnano solo una cosa un po 'di dettaglio, spesso bene, come l'imitazione di Kudah nella parte lenta del "pollo" della sinfonia o della "tikanu" - nella parte lenta dell'orologio di Sfony. Una storia speciale è associata alla sinfonia di FA-Diez Minor, dietro il quale è stato risolto il nome "addio". Ha una quinta parte aggiuntiva (più precisamente, i codici di tipo Adagio). Durante la sua esecuzione, gli orchestri uno per uno estinguere le candele nei loro telecomandi, prendono i loro strumenti e vanno. Ci sono solo due violinisti che sono tranquilli e tristi per ottenere gli ultimi tatti e sono anche cancellati. Questo esiste la seguente spiegazione. Come se una volta in estate, Prince Miklosh, più a lungo del solito detenuto i musicisti della sua cappella ad Esterhaze. E volevano presto prendere in vacanza a vedere con le loro famiglie che vivevano a Eisenstadt. E la seconda finale insolita della "sinfonia di addio" è servita come un suggerimento di queste circostanze. Oltre alla sinfonia, Haidna ha un sacco di altri saggi per l'orchestra, inclusa più di cento menù separati. E improvvisamente tutto è felicemente trasformato: inizia la fiera di Sonata Allegro. Invece di un ritmo lento - veloce (Allegro con Spirito - "rapidamente, con ispirazione"), invece di sindacati dei bassi pesanti - dagli stessi suoni di sale e la-boom in un registro alto, il primo motivo del cellulare, infettivo, Argomenti di danza della parte principale nasce. Tutti i motivi di questo argomento delineati nella tonalità principale iniziano con la ripetizione del primo suono - come se dalla perturbazione vivace: la sinfonia del MI-BF maggiore è l'undicesima delle dodici "London Symphony" Haydna. La sua tonalità principale è il Maggiore piatto MI-B. È noto come "Symphony con Tremolo Litavr" 22. La sinfonia è composta da quattro parti. La prima parte inizia con lenta adesione. Tremolo suona in silenzio ("frazione") Litivra configurata in tonico. È come un grasso a rulli lontani. Allora "ledges" gradamente ampie, l'argomento della voce è schierato. Innanzitutto, si gioca in un violoncello di Unison ottava, doppio basso e bassotes. Sembra come se si salparò silenziosamente, a volte sospendere alcune ombre misteriose. Qui ignorano e congelano: nelle ultime tazze di ingresso diverse volte da sole solo sui suoni vicini di sale e la-boom, costringendo le voci a aspettarsi - cosa succederà dopo? Temi due volte degli strumenti di corda per pianoforte sono completati da un rack di divertimento da ballo, suonando forte in tutta Orchestra. Questo rasquat sta rapidamente affrettando, e la tinta del mistero appare nella parte vincolante. La stabilità tonale è rotta. C'è una modulazione nel maggiore Siberian (Dominant MI-BF Major) - la tonalità della parte laterale. Non c'è un nuovo argomento nella festa del Binder, ma si sente il motivo originale del tema del LITAVRA - l'emisfero con la pelle si estendeva su di loro, secondo quali due bacchette. Ogni emisfero può rendere il suono di un'unica altezza. In sinfoni classici, due emisferi, configurati su tonico e dominante di solito uso. 22 28 www.classon.ru Istruzione per bambini nell'arte della Russia della parte principale e il promemoria remoto del tema dell'ingresso: l'esposizione è termina con l'approvazione del tono della partizione laterale (Si-BF Major). L'esposizione è ripetuta, e quindi è necessario svilupparsi. È saturo di imitazione polifonica e sviluppo armonico tonale dei motivi riscattati dagli argomenti della parte principale. Il tema delle parti laterali appare alla fine dello sviluppo. È completamente svolto nella tonalità del re-bf maggiore, lontano dal principale, cioè, appare in un'illuminazione nuova e insolita. E una volta (dopo una pausa comune con un fermatoma) nel basso sorgere e intoniazione dei misteriosi quelli che ci uniamo. Sviluppo suoni prevalentemente Pianoforte e Pianissimo e solo a volte - Forte e Fortissimo con accenti separati Sforzando. Migliora l'impressione del mistero. I motivi degli argomenti della parte principale del loro sviluppo saranno a volte sulla danza fantastica. Puoi immaginare che sia una danza di alcune luci misteriose, a volte brillanti flash. Nella ripresa nella tonalità, il MI-BF maggiore è ripetuto non solo il principale, ma anche dal lato della festa, e il legante viene saltato. Alcune misteriosità appare nel codice. Inizia, oltre a unire, con il ritmo di Adagio, tranquillo Tremolo Litivra e lenti mosse dell'unisono. Ma presto, alla fine della prima parte, viene restituito un rapido ritmo, un incarcamento e un allegro danza ". La seconda parte della Symphony - Andante - è le variazioni di due argomenti - la canzone in minore e il minorennario nel maggiore. Costruire queste, le cosiddette variazioni doppie. Questo è: il primo e il secondo tema sono presentati, quindi segui: la prima variazione del primo tema, la prima variazione del secondo tema, la seconda variazione del primo tema, la seconda variazione del secondo tema e codice in base al materiale del secondo tema. A questo giorno, i ricercatori sostengono sull'affiliazione nazionale del primo argomento. I musicisti croati credono che nelle loro peculiarità è una canzone folk croata, e l'ungherese è la canzone ungherese. Trovano anche le loro caratteristiche nazionali di serbi, bulgari, polacchi. La disputa è impossibile risolvere questo con fiducia perché i record di un tale argomento della partizione laterali - di nuovo allegra danza. Ma rispetto alla parte principale, non è così energica, ma più aggraziata, femminile. La melodia suona dai violini con il GOBB. Un tipico accompagnamento di Waltovoy riunisce questo argomento con Dance Sander - Austriaco e South Deck, uno degli antenati di Waltz: 29 www.classon.ru educazione per bambini nell'arte dell'arte della Russia dell'antica melodia antica e delle sue parole. Apparentemente, è stato fuso insieme le caratteristiche di diverse giacche slave e ungheresi; Tale, in particolare, una mossa peculiare su un secondo aumento del secondo (mi-belelool - fadise): le variazioni del secondo tema riprendono l'itinerario eroico, incastonato ai passaggi virtuosi - Flauti di Firisti. E in un grande codice ci sono turni inaspettati nello sviluppo di "eventi musicali". Innanzitutto, il tema della marcia si trasforma in un dolce delicato e trasparente. Quindi il motivo con ritmo punteggiato è in modo intensamente in via di sviluppo. Ciò porta ad un'aspetto improvviso della tonalità del MI-B Flat Major, dopo di che suona vivamente e solennemente nel maggiore che il tema marcia. La terza parte delle sinfonie - MENEET - originariamente combina il flusso del genoma di una danza vivente con vani salti e sincopi capricciosi nella melodia: cantare e il secondo, un importante tema importante. Contrappare il primo, a, allo stesso tempo, ha un po 'di parentela con esso - un litro di coact, ascendente e quindi in direzione verso il basso della melodia e una maggiore fase IV (fadise): questa capricciosa deve con un movimento morbido e calmo nel movimento Trio - Sezione centrale del menu, situata tra la prima partizione e la sua accurata ripetizione23: la presentazione del primo argomento di strumenti di stringa Pianoforte e Pianissimo è come una piacevole storia, all'inizio di una storia su alcuni eventi insoliti. Il primo di questi può essere presentato alla dichiarazione improvvisa del secondo, il percorso, in cui gli strumenti del vento vengono aggiunti al gruppo di stringa. Il tono narrativo viene conservato nella prima variazione del primo tema. Ma i reclami e i pioli wopsy si uniscono al suo suono. Nella prima variazione del secondo tema, il violino di suolo pulisce la melodia dei passaggi modellati capricciosi. Nella seconda variazione del primo argomento, la narrazione acquisisce improvvisamente un carattere rapido e agitato (tutti gli strumenti sono utilizzati, compresi Litales). Nella seconda menù (o meglio, le sue diverse partizioni sofisticate in 1 carattere) contrasta la famiglia della gente nello spirito, da un lato, la prima e la seconda parte della sinfonia, e dall'altra - la sua ultima, la quarta parte - il quarto finale. Qui, come dovrebbe essere nel classico Sonataya Allegro, nell'esposizione, la parte principale è rivolta nella tonalità principale del Maggiore Mi-Barol, la parte laterale - nella tonalità dominante del Maggiore SI-Flat, e in RECRISA SONO SULL'INDANO NEL MI-BAR. Tuttavia, sul lato del partito, la sezione media delle opere orchestrali di solito ha eseguito tre strumenti. Quindi, il nome "Trio" si è verificato. 23 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia appare un argomento completamente nuovo. È costruito sul materiale degli argomenti della parte principale. Prodotto dalla parola francese "RONDE", che significa "cerchio" o "danza". Domande e compiti 1. Quando Hayde e Mozart sono arrivati \u200b\u200ba creare la loro sinfonia matura? 2. Da quali parti è di solito la sinfonia di Haidna? Assegna un nome ai gruppi di utensili nell'orchestra di Hayde. 3. Cosa stai conoscendo i nomi della sinfonia di Hydena? 4. Perché la sinfonia di Haidna Mi-Barol Major ha chiamato "con Tremolo Lee Tavr"? Quale sezione inizia? 5. Descrivi i temi principali del modulo di campionamento nella prima parte di questa sinfonia. 6. In quale forma e su quali argomenti è la seconda parte della sinfonia scritta? 7. Descrivi gli argomenti e le sezioni principali della terza parte. 8. Qual è la peculiarità del rapporto tra le parti principali e laterali in finale? Qual è la connessione tra il carattere della musica nella prima parte della sinfonia e nella sua finale? Pertanto, si scopre che l'intera finale è basata su un argomento. Compositore - Come se in un gioco intricato, riprende completamente l'argomento, combina abilmente le sue opzioni e le sue singoli elementi. E lei solo è intricata. Dopotutto, appare per la prima volta una base armonica - la cosiddetta "mossa d'oro" di due corni - un tipico segnale di corna da caccia. E solo allora una melodia da ballo è sovrapposta su questa base, vicino alle canzoni folk croate. Inizia con "poding" su un suono, e in futuro questo motivo viene ripetuto molte volte, imitando muovendosi da una voce all'altra. Assomiglia al motivo iniziale del tema principale della prima parte e come viene sviluppato lì. Inoltre, il compositore ha sottolineato lo stesso ritmo nel finale - Allegro con Spirito. Quindi nella finale finalmente concorda l'elemento della divertente danza popolare. Ma qui ha un personaggio speciale - sembra una danza intricata, una danza del gruppo, in cui la danza è combinata con la canzone e con un'azione di gioco. Ciò è confermato dal fatto che nell'esposizione, la parte principale viene ripetuta nella tonalità principale due volte aggiuntivi - dopo un piccolo episodio di transizione e dopo la parte laterale. Cioè, sarà rinnovato, facendo una mossa in un cerchio. E questo porta la linea della forma Rondo. La parola "Rondo" stessa, come già menzionata, la creatività della tastiera quando Haydn ha creato le sue tastiere, il pianoforte ha gradualmente sfollato la pratica musicale della clapestrice e del keycorder. Hyden ha scritto i suoi primi scritti per questi vecchi utensili da tastiera, e sulle pubblicazioni degli anni successivi iniziò a indicare "per classicità o pianoforte" e, infine, a volte solo "per pianoforte". Tra le sue opere chiave, il posto più significativo appartiene a Solo Sonatam. In precedenza credeva che Haidna sia solo 52. Ma poi, grazie alla ricerca di ricercatori, questo numero è aumentato a 62. I più famosi di loro includono Sonatas Re Major e MI Minor24. Sonata ri Maggiore Tema del Partito principale, che inizia la prima parte di questa Sonata, è uno spruzzo e una allegria di una danza con una fanciullezza di salti di ottava maliziosi, endlag, mordeti e ripetizioni dei suoni. Tale musica può anche essere immaginata con un suono nell'opere: nelle precedenti edizioni, questi sonatas sono stampati come "№37" e "No. 34", e in seguito, come "No. 50" e "No. 53". 24 31 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia, ma nello sviluppo del tema delle parti laterali penetrano a salti maliziosi dalla festa principale, e poi un movimento di passaggio pignolo dalla festa del Binder. Diventa più intenso, inghiottito e improvvisamente rapidamente calmo - come se fosse una decisione istantanea. Successivamente, l'esposizione completa il lotto finale di Dancy Dancing. Sviluppo di nuovo un sacco di vivace trambusto. Qui, Octave gare dai temi della parte principale, spostandosi nella mano sinistra, sono ancora maliziosi, e il movimento del passaggio raggiunge le tensioni ancora maggiori e l'ampia spazzata che nello sviluppo del tema della parte laterale nell'esposizione. Ripristina, il suono del lato e dei partiti finali nella tonalità principale (re maggiore) sancisce saldamente il dominio dell'umore gioioso. Il contrasto più forte contribuisce una breve seconda parte, rallentata e discreta in natura. È scritto nel tono diagnostico del re minore. Nella musica sentito un grave flusso di Sarabanda - una vecchia danza, ha spesso acquisito il carattere di una processione di lutto. E in espressive melody esclamazioni con triolis e figure ritmiche tratteggiate, ci sono somiglianze con maniglie di smistamento della gitana ungherese: divertente, i passeggeri pignoli del sedicesimo riempiono la parte vincolante. E il tema della partizione laterale (nella tonalità del maggiore) è anche una danza, solo più sobri, elegante: 32 www.classon.ru educazione per bambini nel campo dell'arte della Russia Sonata Minore nei primi anni del 1780 di Haydn ha ricevuto un invito Per fare un viaggio per un concerto a Londra. Ha diligentemente preparato per lei, ma non poteva quindi adempiere a causa dei suoi dazi ufficiali nella cappella Esterhazi. È possibile che i sogni riguardanti il \u200b\u200blontano viaggio "oltreoceano" e le relative esperienze correlate si riflesse nel minore sonatico in quel momento. Questo è l'unico dei pochi minore Sonatata Haidna, dove nella prima parte di un personaggio lirico pronunciato combinato con un ritmo molto rapido. L'argomento della parte principale della parte principale di questa parte, da cui inizia la Sonata è originaria: ma nell'arte ottimistica di Haydn, l'immagine oscura della morte è sempre sconfitta da uno stile di vita leggero. E il re minatore seconda parte di questa sonata, terminando non sul tonico, e sull'accordo dominante, le rapide finali ri-importanti 25. La finale è costruita sotto forma di Rondo, dove il tema principale è il ritornello (nel principale Tonalità di Re Maggiore) - ripetuto tre volte, e ci sono sezioni cambianti tra le sue reverseages: gli episodi: il primo episodio nel Re Minoa, e il secondo di sale. Qui, solo nel primo episodio re-minore, i ricordi dolorosi sono scivolati - il contrario della parte centrale. Il secondo, l'episodio di sale-major è già incurante allegro e conduce a un comico "roll ring" destro e lasciato le mani su una nota. E il tema principale della danza del volo della finale (RAFRENA RONDO) è uno dei più allegro Haidna: le frasi iniziali dei temi sono qui da una combinazione di due elementi. Nel basso, nella mano sinistra, il pianoforte suona nei ricoggi del tonico minore, come appelli a piedi da qualche parte in lontananza. E immediatamente nella mano destra, ci sono trepidati, come se dubitando, motivi oscillanti-risposte. Il movimento generale dell'argomento è morbido, simile a un'onda, ondeggiante. Inoltre, la dimensione della prima parte è 6/8 - tipica per il genere del barcarolo - "canzoni sull'acqua" 26. Nella festa del Binder, c'è una modulazione in parallelo minore una maggioranza maggiore - la tonalità del lato e dei partiti finali. Le parti leganti e finali piene di passaggi mobili del sedicesimo sono incorniciati dal partito laterale - una luce, sognante, le parole italiane "Attacca Subito Il Finale" indicano, che significa "avviare immediatamente la finale". Inizialmente, Barcarolov ha chiamato le canzoni dei gondolori veneziani. Il nome stesso del genere proviene dalla parola italiana "Barca" - "barca". 25 26 33 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia come se fossero versanti gonfiarsi: la natura, quando i segnali stanno suonando, come se fosse invitato nel modo opposto, il cuore sembrava essere attaccato in allarme gioioso! E poi dopo la transizione degli accordi, si verifica l'argomento principale della terza parte (finale). Questa è una forma di ritornello di Rondo, in cui è scritta la finale. Sembra una canzone di passaggio ispirata che aiuta a correre "su tutte le vele" nei bordi nativi: quindi, lo schema della forma Rondo, nella finale: ritornello (minore), il primo episodio (MI Major), Aggiorna (Minore ), il secondo episodio (MI Major), Defreigh (Minore). Entrambi gli episodi associano la parentela melodica con il ritornello e l'un l'altro. Con il suono delle feste vincolanti, laterali e finali, l'immaginazione disegna immagini allettanti - come allevia liberamente il vento in scarsa, quanto affatto felicemente affascina un movimento rapido. Inoltre, nello sviluppo delle parti principali, vincolanti e finali in base al materiale, prevalgono le deviazioni della tonalità minori. Nel principale, cioè, non una tonalità maggiore e minore, suono per ripresentare il lato ed è diventata una festa finale di fuoriuscita. Ciononostante, la tristezza e i dubbi mentali sono sconfitti dall'aspirazione in una distanza sconosciuta. Questo è il significato degli ultimi orologi della prima parte, in cui la questione della parte principale della parte principale viene ripetuta notevolmente ripetuta. La seconda parte della Sonata, lenta, in un sale importante, è una specie di Aria strumentale, intrisa di un umore contemplativo brillante. Le sue colturature leggere sono saturate con elaborati di cinguettili uccelli, il mormorio delle briciole: domande e compiti 1. Nome del genere principale della guida della tastiera. Quante sono conosciute i suoi sonata? 2. Descrivi le sezioni principali della prima parte dei sonatas del D principale. C'è una connessione in questa parte tra le parti principali e laterali? 3. Che contrasto lo rende una seconda parte alla musica dei Sonatas? Qual è il suo rapporto con la finale? 4. Raccontaci le caratteristiche della struttura e della natura degli argomenti della parte principale della prima parte delle sonate di minore. Weraldine e caratterizza i restanti temi e sezioni di questa parte. 5. Qual è il carattere della seconda parte dei sonatas in minore? 6. Parlaci della forma delle finali dei sonatas minore e del carattere del suo argomento principale. Funziona di base oltre 100 Symphony (104) Un certo numero di concerti per vari strumenti con un'orchestra oltre 80 quartetti (per due violini, viola e violoncello) (83) 62 Circolazione Sonatas Osontia "Creazione del mondo" e "Seasons" 24 Elaborazione dell'opera Canzoni scozzesi e irlandesi Tuttavia, come una vacanza dolcemente tranquilla da qualche parte lontano, su Lona 34 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia scritta in molti generi - le sue sinfonie, i concerti strumentali, una varietà di ensemble da camera, pianoforte Sonati, Requiem per coro, solisti e orchestra. Estremamente precocemente si manifestava e il fenomenale rapidamente sviluppato rinuncia a Mozart creato attorno al suo nome; Un alone del leggendario "Miracolo musicale". Caratteristica brillante; Il suo artista ispirato ha dato A. S. Pushkin nel gioco ("Little Tragedia") "Mozart e Salieri". È scritto su di esso. Opera N. A. Rimskogookorsakova 27. Mozart era il compositore preferito P. I. TCHAKOVSKY 28. WOLFGANG AMADEUS MOZART 1756-1791 Famiglia percorsa della vita. Prima infanzia. La patria del Wolfgang Amadeus Mozart, che è apparsa nel gennaio 1756, - \u200b\u200bla città austriaca di Salisburgo. Pittoresamente si diffuse sulle banche collinare del fiume veloce delle Olesas, che durò il suo letto nelle colline orientali delle Alpi. Salisburgo era la capitale di un piccolo principato, il cui governante aveva un arcivescovo san spirituale. Nella sua cappella, è stato servito il padre di Wolfgang Amadeu - Leopoldo Mozart. Era un musicista serio e altamente istruito - un compositore prolifico, un violinista, un insegnante organista. La "Scuola di gioco agricola" pubblicata è stata distribuita in diversi paesi, compresa la Russia. Dai sette figli di Leopoldo e sua moglie Anna Mary sopravvissero solo due - il figlio più giovane Wolfgang Amadeus e la figlia di Maria Anna (Nannerl), che era più grande! Fratello per quattro anni e mezzo. Quando il Padre ha iniziato a insegnare a una partita sul Nannerl, che aveva delle abilità eccellenti, ha iniziato presto a impegnarsi nel wolfgang di tre anni, notandolo la migliore voce e un incredibile ricordo musicale, quattro anni, il ragazzo aveva già provato Componi la musica e il suo primo allead del disordine conservato sono stati registrati dal Padre quando l'autore aveva solo cinque anni. Conosciuta una storia su come il wolfgang di quattro anni ha cercato di comporre un concerto della tastiera. Insieme a una piuma, macina le dita alle dita e mettevano le macchie sulla carta da serbatoio. Non quando il Padre ha notato questo ragazzi, poi attraverso le macchie scoperte in esso una certa significato musicale. Uno dei più grandi geni musicali, compositore austriaco Wolfgang Amadeus Mozart ha vissuto solo 35 anni. Di questi, ha scritto musica per trent'anni e, lasciando più di 600 opere nella sua eredità, ha dato un contributo inestimabile al fondo Golden of World Art. Il più fedele, la massima valutazione del dono creativo di Mozart, nella sua vita, ha dato il suo senior contemporaneo Josef Haydn. "... tuo figlio," disse una volta padre di Wolfgang Amadey, - il più grande compositore che conosco personalmente e per nome; Ha il gusto e oltre la massima conoscenza della composizione. " La musica di Haidna e Mozart, chiamata classici viennesi, riguardano la percezione ottimistica attivamente efficace del mondo, una combinazione di semplicità e naturalezza nell'espressione dei sentimenti con la loro elevazione e profondità poetiche. Allo stesso tempo, c'è una differenza significativa tra i loro interessi artistici. Haydna è più vicina immagini nazionali e nazionali e lyriopic, e Mozart è in realtà prodotti lirica e lirica. L'arte di Mozart è particolarmente affascinante dalla sensibilità delle esperienze mentali umane, nonché l'accuratezza e la vivacità nella forma di realizzazione di vari personaggi umani. Questo ha reso un meraviglioso compositore d'opera. Le sue opere, e soprattutto, il "matrimonio figaro", "Don-Zhuan" e "flauto magico", sono già i secoli i secoli hanno goduto di un successo continuo, essendo fissato sulle quinte di tutti i teatri musicali. Uno dei luoghi più onorevoli del World Concert repertorio occupano le opere di Mozart, la versione che Salieri dall'invidia avvelenata Mozart è solo una leggenda. Tchaikovsky Orchestrated Four Piano Plays of Mozart e Made Suite "Mozartiana" da loro. 27 28 35 35 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia eseguirà un concerto su un violino ... Gioca sulla tastiera chiusa e se fosse stata di fronte ai suoi occhi, poi dalla distanza chiamerà Tutti i suoni che uno o gli accordi verranno presi sulla chiave o qualsiasi altro strumento o pubblicato dagli oggetti - la campana, il vetro, l'orologio. Alla fine, improvvisare non solo sulla clasina, ma anche sul corpo per così tanto tempo, poiché gli ascoltatori vogliono, e in alcuna, anche i toni più difficili che saranno chiamati ... »i primi viaggi da concerto. Leopold Mozart ha deciso di iniziare a svolgere gite concert in grandi centri musicali con i suoi bambini dotati. Il primo viaggio - alla città tedesca di Monaco di Baviera - si è svolta all'inizio del 1762, quando Wolfgangu è a malapena di sei anni. Sei mesi dopo, la famiglia Mozart è andata a Vienna. Lì, Wolfgang e Nannerl si sono esibiti sotto il cortile imperiale, aveva un successo rumoroso, furono scavati con doni. Nell'estate del 1763, Mozart ha fatto un ottimo viaggio a Parigi e a Londra. Ma all'inizio hanno visitato un numero di città tedesche e sulla via del ritorno - di nuovo a Parigi, così come ad Amsterdam, Aia, Ginevra e diverse altre città. Le esibizioni di piccoli Mozart, in particolare Wolfgang, erano sorprendenti e ammirari ovunque, anche con i più magnifici cortili reali. Secondo la dogana di quei tempi, Wolfgang è apparso davanti al pubblico proprietario in costume da discesa e una parrucca spaventata, ma si è comportato con immediatezza puramente per bambini, poteva, ad esempio, infastidire le ginocchia all'imperatrice. I concerti, che sono durati 4-5 ore di fila erano molto noiosi per i piccoli musicisti, e per il pubblico trasformato in una specie di intrattenimento. Questo è ciò che è stato detto in uno degli annunci: "... la ragazza del dodicesimo anno e il ragazzo del settimo anno giocherà un concerto sulla clavesis. .. Inoltre, un ragazzo 36 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte del tour del concerto della Russia è proseguita per più di tre anni e ha portato molte varie impressioni a Wolfgangu. Sentì un gran numero di opere strumentali e vocali, ha incontrato alcuni musicisti eccezionali (a Londra - con il figlio minore di Johann Sebastian Baha, Johann Christian). Nelle interruzioni tra le esibizioni, Wolfgang è stata impegnata con entusiasmo nella composizione. A Parigi, quattro dei suoi sonati per violino e clussi vengono rilasciati a Parigi, indicando che questi sono gli scritti di un ragazzo di sette anni. A Londra, ha scritto le sue prime sinfonie. Torna a Salisburgo e soggiorna a Vienna. La prima opera. Alla fine del 1766, tutta la famiglia tornò a Salisburgo. Wolfgang ha iniziato a lavorare sistematicamente sotto la guida del padre da parte dell'attrezzatura compositrice. Tutto il 1768 Mozart ha trascorso a Vienna. Sotto il contratto con il teatro, il dodicenne Wolfgang ha scritto per tre mesi, seguendo campioni italiani, Opera-Buff "Monsuping Cook". Le prove sono iniziate, ma l'esecuzione cominciò a posticipare e quindi completamente cancellata (probabilmente a causa dell'intrasità invidiosa). È stato posto solo il prossimo anno a Salisburgo. A Vienna, Wolfgang ha composto molta musica, tra cui cinque sinfonia, è stata incoraggiata con successo dalla sua solenne Mesca mentre consacrata dalla nuova chiesa. Viaggi in Italia. Dalla fine del 1769 all'inizio del 1773, Wolfgang Amadi ha fatto tre viaggi di lunga durata in Italia con suo padre. In questo "paese musicale", il giovane Mozart con grande successo è stato eseguito in più di dozzine città, tra cui Roma, Napoli, Milano, Firenze. Ha condotto la sua sinfonia, ha giocato la clasina, il violino e l'organo, improvvisati la sonata e i fugas sui temi dati, Arias sui testi specificati, ha giocato perfettamente opere difficili dal foglio e li ripetero in altre tonalità. Ha visitato Bologna due volte, dove ha preso lezioni dal famoso insegnante - teorico e compositore Padre Martini. Ha brillantemente con un test difficile (scrivendo un saggio multi-voce con l'uso di complessi ricevimenti polifonici), il quattordicenne Mozart è stato sotto forma di un'esclusione speciale eletti un membro dell'Accademia Philharmonica di Bologna. E solo i musicisti hanno raggiunto vent'anni e il soggiorno preliminare in questa autorevole istituzione è stato permesso alla Carta. A Roma, visitando la cappella sistina in Vaticano (residenza papale) 29, Mozart ha sentito una volta un grande saggio spirituale multi-voce per due cori del compositore italiano del XVII secolo Gregorio Allegri. Questo lavoro è stato considerato la proprietà di Papa Roman, e non è stato permesso di riscrivere e distribuire. Ma il Mozart ha registrato tutto il complesso Choral Walker sulla memoria e il corista papale ha confermato la precisione del record. L'Italia è un grande paese non solo musica, ma anche arte visiva e architettura - ha dato Mozart un'abbondanza di impressioni artistiche. Soprattutto è stato affascinato visitando i teatri dell'opera. Il giovane era così imparato da uno stile opera italiano che tre opere scrisse in breve tempo, che sono state poi messe a Milano con grande successo. Queste sono due serie di opere - "Mitridate, King Pontic" e "Lucius Sulla" - e l'opera pastorale sulla trama mitologica "Askanio ad Albe" 30. Viaggi a Vienna, Monaco di Baviera, Mannheim, Parigi. Nonostante i brillanti successi creativi e concerti, Wolfgangugue Amadei non poteva ricevere il servizio presso la Corte di nessuno dei governanti degli stati italiani. Ho dovuto tornare a Salisburgo. Qui, invece del defunto arcivescovo, un nuovo righello più dispotico e grossolano regnava. Nel suo servizio, suo padre e suo figlio Mozarta sono diventati più difficili da ricevere un congedo per nuovi viaggi. E il teatro dell'opera, per comporre per il quale il Mozart ha forato, non era disponibile a Salisburgo, e altre possibilità di attività musicale erano limitate. Un viaggio a Vienna di due musicisti è stato in grado di svolgersi solo perché l'arcivescovo di Salisburgo desiderava visitare la capitale dell'Austria. Ha dato a malincuore la risoluzione di Mozart in entrata; Monaco di Baviera, dove ha avuto luogo il nuovo Opera Bufa del giovane compositore. E per il prossimo viaggio, è stato possibile ottenere il permesso solo a Wolfganguing Amade. Suo padre fu costretto a stare a Salisburgo, e una madre andò a suo figlio. La prima lunga sosta si è verificata nella città tedesca di Mannheim. Qui, Wolfgang Amadei e Anna Maria hanno accettato il benvenuto a casa sua, uno dei leader del famoso in quel momento della Symphony Orchestra, un rappresentante della preclusiva scuola di compositore Mannheim. A Mannheim, Mozart ha composto artisti italiani, tra cui Michelangelo. 30 Pontic Kingdom è uno stato antico in Mar Nero, principalmente dall'attuale costa turca ("Pont Evksinsky", cioè il "mare ospitale", il nome greco antico del Mar Nero). Lucius Sulla è un antico militare greco e politico. Pastorale (dalla parola italiana "Pastore" - "Shepherd") - Un lavoro con una trama idealizzando la vita sul grembo della natura. SICASTINSKAYA Capella - La Chiesa della casa dei padri romani in Vaticano; È costruito nel XV secolo sotto Papa Sicsta IV. Le pareti e il soffitto di Capella sono dipinti dal grande 29 37 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia un certo numero di opere, la maturità marcata più strumentale dello stile musicale. Ma il servizio di servizio permanente per Wolfgang Amadei non è stato trovato qui. Nella primavera del 1778, Mozart e madre sono venuti a Parigi. Tuttavia, la speranza di ottenere questo riconoscimento e prendere una posizione di rilievo non si è avverazione. Nella capitale della Francia su un bambino miracoloso, questo vorrebbe un giocattolo vivente, e si è già dimenticato, e la datazione fiorita di un giovane musicista non è riuscito a riconoscere. Mozart non è fortunato con un dispositivo di concerti, né al ricevimento di un ordine sull'opera. Viveva nei guadagni miserabili dalle lezioni, perché il teatro è stato in grado di scrivere solo musica per le piccole "Bagattelle" di Balletto. Da sotto la sua piuma, sono uscite nuove meravigliose opere, ma non hanno attirato serra attenzione a se stessi. E nell'estate del Wolfgang Amadeja, la montagna pesante è stata compresa: sua madre ha sofferto e morì. All'inizio del prossimo anno, Mozart tornò a Salisburgo. Opera "idomomia". Gap con arcivescovo e trasferirsi a Vienna. Gli eventi più importanti dei prossimi anni sono venuti a Mozart, la creazione e il contesto di Monaco Opera "Idomena, King Crytsky", il suo grande successo. Qui, le migliori qualità delle opere italiane si sono unite con i principi della riforma dell'opera degli impianti. Questo ha preparato l'aspetto dei brillanti capolavori dell'opera originale di Mozart. ... ha camminato 1781 anni. Mozart ha compiuto 25 anni. È già l'autore di tre e mezzo cento opere, piena di nuove idee creative. E per l'arcivescovo di Salisburgo, è solo un servo musicale, che il proprietario arrogante e despotico si opprime sempre più gli umiliati, fa sedersi al tavolo nell'umano "sopra i cuochi, ma sotto i lacci", non consente alcuna autorizzazione di lasciare da qualche parte o agire da qualche parte. Tutto ciò è diventato insopportabile per Mozart, e ha presentato una dimissioni. L'arcivescovo lo ha negato due volte con maledizioni e insulti, e la sua rude approssimativa, rosa spinse il musicista alla porta. Ma lui, essendo sopravvissuto allo shock mentale, è rimasto solido nella sua decisione. Mozart divenne il primo grande compositore, orgogliosamente rotto con il materialmente protetto, ma la posizione dipendente del musicista della corte. Vienna: ultimo decennio. Mozart si è stabilito a Vienna. Solo a volte ha lasciato brevemente il capitale austriaco, ad esempio, in connessione con la prima fase della sua opera "Don-Zhuan" a Praga o durante due viaggi da concerto in Germania. Nel 1782, sposò Konstanz Weber, distinto da un temperamento allegro e una musicalità. I bambini sono nati uno dopo l'altro (ma quattro dei sei bambini sono morti con bambini). I guadagni di Mozart dai discorsi di concerti come performer della loro musica chiave, dalla pubblicazione di scritti e opere opere erano irregolari. Inoltre, Mozart, essendo una persona gentile, credulona e impraticabile, non sapeva come calcolare i soldi. Non si risparmò da esigenze di spessore frequentemente in denaro e l'appuntamento alla fine del 1787 alla posizione scarsamente pagata del musicista della Camera da campo, che è stato incaricato di comporre solo la musica da ballo. Con tutto ciò per dieci anni viennesi, Mozart ha creato più di due e mezzo cento nuove opere. Tra questi sono stati spezzati dai suoi brillanti risultati artistici in molti generi. L'anno del matrimonio di Mozart a Vienna, la sua "abduzione di Seryra" di Zingchpil, frizzante, è stata fornita con grande successo; humor31. E opera-buff "wedding fifaro", software originale; Il genere "Genere" Don Juan "e la chirurgia" Magic Flouto ", che è nata negli ultimi anni viennesi appartiene alle altezze più alte realizzate dal Teatro Musicale per il tutto! La sua storia. Tre i loro migliori sinfoni, che erano gli ultimi, tra loro, sol-minore (n. 40), Mozart ha scritto nell'estate del 1788. Nello stesso decennio, apparvero molte altre composizioni strumentali del compositore - la "Serenade notturna orchestrale di quattro partite", un certo numero di concerti di pianoforte, sonatas, una varietà di ensemble da camera. I sei dei loro quartetti di corde di Mozart dedicato Haidna, con il quale ha avuto una calda relazione amichevole. Con grande interesse, Mozart ha studiato in questi anni gli scritti di Baha e Handel. L'ultimo saggio di Mozart - Requiem, una massa di clock per coro, solisti e orchestra32. Nel luglio del 1791, gli ordinò un compositore che non voleva chiamare il suo nome. Sembrava misterioso, potrebbe generare premonizioni cupa. Solo in pochi anni si è scoperto che l'ordine proveniva da un conteggio di Vienna, che voleva comprare il saggio di qualcun altro e darlo da solo. Molto male, Mozart non poteva completare completamente il requiem. La sua rifinita sulle bozze degli studi del compositore. C'è una storia che il giorno prima della morte di un grande musicista che ha seguito la notte del 5 dicembre 1791, gli amici hanno cantato con lui parti di un altro lavoro incompiuto. In conformità con l'intento lugubre a Requiem, l'espressività lirica e drammatica ispiratrice della musica di Mozarttt ha acquisito un'elevazione speciale e una serietà. A causa della mancanza di mezzi di Mozart sepolti nella tomba generale per 31 32 Serala - metà della femmina nelle case dei ricchi nobili orientali. La parola latina "Requiem" significa "pace". 38 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia è scadente, e il luogo esatto della sua sepoltura rimane sconosciuto. Per Suzanne camuffato nella sua contessa del vestito. Vergogni di sua moglie, Almaviva è costretta a non interferire più con Figaro e Suzanne per giocare il matrimonio, il che si è divertente e finisce felicemente il "giorno folto", pieno di tutti gli eventi inaspettati. L'Opera inizia un'overture, che ha ottenuto una grande popolarità ed è spesso eseguita in Concerti sinfoniche 34. A differenza di molte altre aperture, gli argomenti suonati nell'opera stessa non vengono utilizzati in questa overture. Qui, l'umore complessivo della successiva azione è pronunciato, la sua affascinante rapidazza e allegria del kipore. Overture è scritta in una forma sosate, ma senza sviluppare, il posto di cui occupa un breve fascio tra l'esposizione e la ripresa. Allo stesso tempo, distinguersi distintamente, sostituirsi rapidamente a vicenda, cinque argomenti. Il primo e il secondo di loro costituiscono la parte principale, la terza e la quarta partita, il lotto quinto-finale. Tutti loro sono energici, ma allo stesso tempo hanno il loro carattere speciale. Il primo tema della parte principale, eseguita da strumenti di stringa e gadget all'unisono, si muove rapidamente, con maliziosa: domande e compiti 1. Cosa fa la musica di Mozart con la musica di Gaidna? E qual è la differenza tra gli interessi artistici di questi due classici di Vienna? 2. Parlaci della famiglia e della prima infanzia di Wolfgang Amadeus Mozart. 3. In quali paesi e città hanno giocato il ragazzino di Mozart? Come sono state queste esibizioni? 4. A che età Mozart ha scritto il suo primo buff dell'opera? Cosa ha chiamato e dov'era impostato? 5. Parlaci del viaggio di John Mozart in Italia. 6. In cui le città hanno visitato Mozart in futuro? Il suo viaggio a Parigi ha avuto successo? 7. Parliamo della rottura di Mozart con l'arcivescovo di Salisburgo. 8. Descrivi l'ultimo decennio della vita e della creatività di Mozart. Dai un nome ai lavori principali creati da lui durante questo periodo. Opera "Wedding Figaro" Premiere dell'opera Mozart "Wedding Figaro" ha avuto luogo a Vienna nel 1786. Le prime due esibizioni sono state condotte dal compositore stesso. Il successo era enorme, molti ma la misura è stata ripetuta sulla BRI. Libretto (testo verbale) di questa opera in quattro Atti ha scritto in italiano Lorenzo da Ponte dalla commedia della commedia francese Boualersch "pazza giorno o il matrimonio di Figaro". Nel 1875, P. I. Tchaikovsky ha tradotto questo libretto in russo, e l'operazione è stata eseguita nel nostro paese. Mozart ha definito il "Figaro Wedding" Opera Bufa. Ma non rappresenta solo una commedia divertente con situazioni divertenti. I principali attori sono discussi dal Muzka come una varietà di personaggi umani viventi. E l'idea principale dei giochi di Boualers era vicina a Mozart. Poiché è che il servo del grafico Almaviva Figaro e la sua sposa, il servo di Susanne, sono più intelligenti e decenti al loro sigillo intitolato le cui capre rivelano intelligentemente. Lo stesso County ha apprezzato la Susanna stesso, e cerca di posticipare il suo matrimonio. Ma Figaro e Suzanna sono interessati a superare tutti gli ostacoli emergenti, attirando la moglie di Kerubino al suo fianco del grafico e del giovane club 33. Alla fine, organizzano una questione in modo che la sera in giardino, il grafico prende il secondo, Fanfarm Nel giardino: dopo la pagina - il ragazzo o il giovane di origine nobile, consistenti nella persona di servizio. Il raccoglitore L'argomento della parte principale, il partito pieno è per lo più distinto, ricordiamo che la parola "Overture" è prodotta dal verbo francese "Ouvrir", che significa "aperto", "Inizio". 33 34 39 www.classon.ru educazione dei bambini in grassetto Nel campo dell'arte della Russia con passaggi a forma di gammo, il primo tema delle parti laterali appare, la cui melodia viene eseguita dai violini. L'argomento ha un carattere ritmicamente capriccioso, un po 'capriccioso, ma persistente: lino, ma misura. T AK, la penna di Figaro (è stata ordinata da Bariton) - una piccola Aria (Cavatina) - sembra immediata dopo che Susanna ha informato il suo sposo che il conte ha cominciato a perseguire il suo corteggiamento. A questo proposito, Figaro uccide in modo beffardo una melodia in movimento del menu - GALTANTE - GALTANTE GRANDE DANZA DI SORVEGLIAZIONE (Le sezioni estreme della forma reprepica a tre lati di Cavatina): il secondo argomento del lato della parte laterale assomiglia ad esclamazioni decisive: e l'argomento della festa finale è il più equilibrato, come se tutto sia coerente: in ripresa, lato e finale le parti si ripetono già nel caso della manutenzione di Rea Ma Zhor. A loro, i sacerdoti del codice del codice, enfatizzano ancora di più il carattere allegro e vivace del terrore. In questa opera Mozart, ensemble vocali, principalmente duetti (per due personaggi) e terzini (per tre personaggi) occupano un ottimo posto. Sono divisi dai damatativi, che sono accompagnati da cluster. E il secondo, il terzo e il piede del quarto, il quarto, gli ACTS terminano negli ultimi grandi gruppi che coinvolgono sei a undici caratteri. In modi diversi sono inclusi nello sviluppo dinamico dell'azione e nella sezione centrale di Cavatina, un movimento limitato è sostituito da una rapida ed elegante melodia a tre dollari - Due dollari assertivi. Qui Figaro sta già esprimendo in modo decisivo l'intenzione di qualsiasi cosa per prevenire i piani astuti "i piani del suo master: 40 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia il numero più famoso nel partito di Figaro è la sua Aria" il ragazzo è friscante, riccio, innamorato. " Affronta una parte giovane di Kerubino. Sentiva accidentalmente il conte tentato di spiegare nell'amore di Susanne, e un testimone così indesiderato è stato ordinato di andare al servizio militare. Nella sua Aria, Figaro divertente e convincente deridere sulla situazione che è stata creata, disegnando un giovane uomo, una vita all'avanguardia, dipinti per grave vita militare. Nella musica, questo si riflette in una combinazione abile di ballo vivace con tratti di fanfare "militante". Questo è tre volte il suono di astenersi sotto forma di Rondo: un altro - una piccola Aria di un personaggio dei brani "il cuore è preoccupato per il sangue caldo". Questo è il riconoscimento più trattenuto in sentimenti delicati, indirizzati timidamente al decantatore: Suzanne (Soprano) è caratterizzato da molti ensemble come energici, deft e risorse, non inferiori in questo Figaro. Allo stesso tempo, la sua immagine è finemente innamorata in Bright Dreamy Aria dalla quarta azione. In esso, Susanna disegnato mentalmente con una tenera chiamata a Figaro: come per il più cerubino (la sua festa viene eseguita da una bassa voce femminile - Mezzo-Soprano), quindi è delineato in due arie come un giovane di tortura, ancora in grado di Capire i suoi sentimenti, pronti ad innamorarsi di ogni passo. Uno di loro - e gioioso, e il ceppo Aria "Dicci, non posso spiegare". Le opportunità sono collegate in ritmo con il ritmo, come se si pulsando a intermittenza dall'eccitazione: 41 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia Domande e compiti 1. Quando e dove era la premiere dell'opera Mozart "Wedding Figaro"? 2. Quale commedia è scritta dal suo libretto? 3. Qual è l'idea principale di questo lavoro? 4. Come costruire un'overture per l'opera? 5. Parlaci delle caratteristiche di due camere da solista nella festa di Figaro. 6. Quale voto è affidata dalla festa del Kerubino? Invia la melodia della sua Aria. 7. Come è caratterizzato Suzanne in ensemble e come - in Aria dalla quarta azione? La quarta variazione (con l'eliminazione della mano sinistra attraverso la destra), al contrario, inghiottita più audacemente. La quinta variazione, dove il ritmo iniziale senza fretta di Andante Grazioso è sostituito da molto lento - Adagio, è uno strumento di strumenti di cantanti, spruzzato da colorauturas. E poi il cambiamento del ritmo sul digiuno (Allegro) corrisponde alla divertente natura della danza dell'ultima, sesta variazione. La seconda parte di Sonata - MENEET. Come al solito, è costruito in una forma di repubblica a tre parti con una ripetizione accurata nella ripresa della musica della prima parte. Tra loro è la parte centrale (Trio) 35. In tutte le parti del menu, le intonazioni decisive maschili e prepotenti sono confrontate con intonazioni di donne delicate e liscia, simili alle esclamazioni liricine espressive. Sonata La Maggiore per una chiave di una sonata ampiamente conosciuta di Mozart in un maggiore maggiore, che si chiama "Sonata con palude turca", è un ciclo insolitamente costruito. La prima parte qui non è un singolo Allegro, ma sei varianti su un tema luminoso e calmo e semplice-grazioso. Sembra una canzone che potesse ronzare in umore buono e pacifico nella casa musicale di Vienna. Nel suo ritmo morbidamente ondeggiante c'è una somiglianza con il movimento di Sicilyan - una vecchia canzone danza o danza italiana: la terza parte della Sonata (finale) il compositore chiamato "A11A Turca" - "in turco". Più tardi, il nome "Turco marzo" era trincerato più tardi. Con insolito per l'udito europeo, l'intonazione edificio della musica turca e professionale non c'è nulla in comune qui. Ma nel fermo secolo nella musica europea, principalmente teatrale sorse una moda per le Marche, ha convenzionalmente chiamato "turco". Usano il colore del timbrow della "Yanycharsky" Orchestra, in cui prevalgono gli strumenti di ottone e percussione - tamburi grandi e piccoli, piatti, triangolo. Yanychars chiamò i soldati delle parti di fanteria delle truppe turche. La musica delle loro marcia è stata percepita dagli europei come selvaggio, rumoroso, "barbarico". Non ci sono contrasti taglienti tra le varianti, ma tutti hanno un carattere diverso. Nella prima variazione, prevale un elegante movimento melodico melodico, nella seconda ragazza graziosa combinata con un'ombra umoristica (notevoli "previste" maliziose "notevoli nella parte della mano sinistra). La terza variazione è l'unica, scritta in un maggiore maggiore, e in La in minore, è pieno di figure di canto tristi che si muovono in modo uniforme, come con dolce timidezza: alla fine del trio c'è il "Minuetto da Capo" designazione. Italiano - "dalla testa", "fin dall'inizio". 35 "DA Capo" tradotto dal 42 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia La finale è scritta in una forma insolita. Può essere definito come un tre parti con il coro (in un Mattone). Rimanendo il freddo dà la struttura delle finali di Rondo36. La prima parte - con motivi facilmente "circolanti" (La minore) - e la parte centrale - con un movimento di passaggio di ingresso (FA-Diez Minor) - anche combinare la danza elegante con una marcia chiara: per molto tempo, lo credeva Sonatu Wa Major Mozart composto nell'estate di 1778 anni a Parigi. Ma poi ho trovato informazioni che ciò accadeva in diversi anni dopo, a Vienna. Tali informazioni sono più probabili che si sono svolte il 1782, la premiere di Zingspil Mozart "Abduction of Seraral". In esso, l'azione si svolge in Turchia e nella musica di un'overture, e in due cori simili a marzo per imitare la musica "Yanycharskaya". Inoltre, rumoroso se Il codice "Yanycharian" in La Major Mozart ha aggiunto il Senato alla finale solo nel 1784 quando pubblica un lavoro. È interessante notare che nel Sonate, come nella "abduzione di Seralya", un ruolo importante appartiene ai generi delle canzoni e marzo. In tutto ciò si è manifestato da una caratteristica di Mozart, il collegamento della musica strumentale con teatrale. Domande e compiti 1. Qual è il ciclo insolito nella Sonata di Mozart in La Major? Parlaci del carattere del tema e delle sei varianti su di esso nella prima parte di questo lavoro. 2. Quale genere di danza è usato nella seconda parte della Sonata? 3. Spiega perché le Sonate finali del Maggiore si chiamano "Marzo turco". Qual è la caratteristica della sua costruzione? Invia i suoi argomenti principali. 4. Quale lavoro musicale-teatrale di Mozart gira intorno alla musica della sua "marcia turca"? Symphony Sol Minore scritto a Vienna nel 1788, Symphony Sol Minor! (No. 40) è una delle opere più ispirate del grande compositore. La prima parte della sinfonia è un singolo Allegro in un ritmo molto veloce. Inizia il tema del Partito principale, che immediatamente affascina come riconoscimento lirico fidato e sincero. Si sta cantando il violino sotto un accompagnamento delicatamente sapiente di altri strumenti di stringa. Nella sua melodia, lo stesso ritmo eccitato è appreso come all'inizio del primo Aria Kerubino dall'opera "Wedding Figaro" (vedi esempio 37). Ma ora è più "adulto", testi seri e coraggiosi: Chorus (nel maggiore maggiore) suona tre volte, è come una specie di "Yanacharian Noise Chorus", nel partito della mano sinistra ascolta l'imitazione del tamburo Fraraty: In connessione con questo "marzo turco" a volte chiamano "Rondo in stile turco" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classon.ru Istruzione per bambini nel campo dell'arte della Russia è un piccolo sviluppo). Ma non ci sono contrasti, tutti obbediscono all'umore generale generale, che fin dall'inizio è determinato nella parte principale, suonando in strumenti di corda: la mascolinità della natura è arricchita nella festa del Binder, che sviluppa la parte principale. C'è una modulazione in un sale parallelo di minore siberia maggiore - il tono della parte laterale. Il tema del suo più luminoso, più aggraziato e femminile rispetto al tema principale. È pulito da intonazioni cromatiche, così come l'alternanza dei timbri di stringhe e strumenti a fiato di legno: nel settimo tatto qui c'è una figura "flutter" di due trenta note. In futuro, penetra nelle linee melodiche di tutti quelle, quindi come se li coltivasse, derivando in diversi registri da diversi strumenti. Ecco come voti Otzokuki di natura pacifica. Solo a volte un po 'preoccupato, lo sentono vicino, poi in lontananza. Secondo la tradizione attuale, la terza parte della sinfonia è il menu. Ma è chiaramente tradizionale solo la parte centrale è il trio. Con il suo movimento fluido, il titolo di voti e una tonalità di sale, il trit maggiore dolorante con il sale minore maggiore, le sezioni estreme di questo menu, in generale, inusuale su tensioni teatrali di lirica. Sembra che dopo una tranquilla contemplazione della natura, incarnata ad Andante, era ora necessario tornare al mondo degli allarmi spirituali e dei disordini, che prevalgono nella prima parte della sinfonia. Ciò corrisponde al ritorno della tonalità di base della sinfonia - il sale del minore: una nuova marea di energia si verifica nella parte finale. Qui, il ruolo di primo piano appartiene al multiplo e all'infusione dello sviluppo del primo-trentune-motive, gli argomenti della parte principale. Con l'inizio del lino sullo strano sviluppo, le nuvole sono disturbate. Da una luce Si-Farol Major fa un giro forte alla cupa tonalità distante di FA -DES Minore. Lo sviluppo sviluppa drasticamente il tema delle principali paia di TII. Passa attraverso un numero di tonalità, schiacciate in frasi e motivi separati, e sono spesso imitati in diverse voci dell'orchestra. Molto notesamente pulsa il primo motivo di questo argomento. Ma alla fine, la sua pulsazione si sta indebolendo, limita la sua riproduzione e la ripresa arriva. Tuttavia, anche l'effetto di un elevato calore drammatico raggiunto nello sviluppo è interessato anche in questa sezione della prima parte. Aumenta significativamente la lunghezza delle coppie dei leganti, conduce alla presentazione del lato e dei partiti finali non più importanti, ma nella tonalità principale di G minore, il che rende il loro suono più drammatico. La seconda parte della sinfonia è Andante MI-B Flat Flat. Contrasta la prima parte lirica-drammatica con la sua pace morbida e tenera. La forma Andante è anche vista (con un minor sale è la tonalità principale e la quarta parte della sinfonia - la finale che va in un ritmo molto veloce. La finale è scritta in una sonata. Il tema della parte principale è il vantaggio in questo Parte della sinfonia. Insieme al tema della parte principale della prima parte, si riferisce agli argomenti più luminosi dello strumento Mozartt. Ma se l'argomento della prima parte suona gentile e tremendo riconoscimento lirico, allora il tema della finale è un appassionato fascino diamicistico lirico, pieno di coraggio e risolvere 44 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia 2. Parlaci dei principali argomenti della prima parte della sinfonia e del loro sviluppo. 3. Che personaggio è la musica nel secondo e nelle terze parti della sinfonia? 4. Quale argomento è la principale sinfonia in finale? In che modo il suo personaggio differisce dalla natura degli argomenti della parte principale della prima parte? 5. Come è stato il tema del Partito principale del Final Build? Qual è lo sviluppo dello sviluppo nello sviluppo? Le opere principali di questa chiamata di fiamma sono create dalle riprese rapide della melodia sui suoni degli accordi, sul suo impulso, come se avessero risposto attorno a un suono, figure melodiche energetiche. Come nella prima parte della sinfonia, il tema grazioso del partito laterale dei suoni finali nella mostra particolarmente leggeri quando si tiene nel c-bar maggiore: 19 OPERO Requiem circa 50 concerti sinfonici 27 per una chiave con un'orchestra 5 concerti per violino con i concerti di orchestra accompagnati da orchestra per flauti, clarinetto, frocio, corno, flute con quartetti di corda arpa (più di 20) e quintes di sezioni chiave, per violino e variazione chiave, fantasia, rondo, tasto per una chiave per La base del lotto finale è il secondo elemento del tema della parte principale. Lo sviluppo della finale è particolarmente in modo intensamente in modo intensamente il primo, invitante elemento degli argomenti della parte principale. L'elevata tensione drammatica è raggiunta dalla concentrazione di tecniche di sviluppo armonico e polifonico - effettuando su molte tonsalie e rotoli di simulazione. In ripresa, la condotta di una parte laterale nella tonalità principale del minore sale è leggermente ombreggiata dalla tristezza. E il secondo elemento degli argomenti della parte principale (figure affermative, energetiche), come nell'esposizione, suona alla base del lotto finale nella reprise. Di conseguenza, la finale in questa brillante creazione di Matsarthovsky costituisce un vertice lirico brillante-drammatico dell'intero ciclo sonnosimfonico, senza precedenti attraverso la propriacità dello sviluppo end-to-end. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Grande compositore tedesco Ludwig Baths Beethoven è il più giovane di tre musicisti ingegnosi, che sono chiamati classici viennesi. Beethoven ha avuto la possibilità di vivere e creare già a turno dei secoli XVII e XIX, nell'era dei grandi cambiamenti pubblici e degli shock. La sua giovinezza ha coinciso con il tempo, le domande e i compiti 1. Quando e dove ha fatto la Sinfonia Mozart del minor sale numero 40? 45 www.classon.ru educazione dei bambini nel campo dell'arte della Russia

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Titolo: letteratura musicale dei paesi stranieri

A proposito del libro "La letteratura musicale dei paesi stranieri" I. A. Prokhorov

Il libro di testo chiamato "La letteratura musicale dei paesi stranieri", che è I. Prokhorov, è destinato allo studio indipendente. Questo spiega la laconicità e la disponibilità della presentazione del materiale.

Il libro "La letteratura musicale dei paesi stranieri" introdurrà studenti con brevi biografie e le migliori creazioni dei famosi compositori. I bambini saranno in grado di conoscere la vita e il lavoro di tali geni come I.S. Bach, J. Gaidn, v.a. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert e F. Chopin. I. Prokhorov non è diventato troppo dettagliato per descrivere le storie dei compositori di talento, nel libro di testo troverete le principali date della vita, l'origine, i titoli e titoli, l'area di attività, le condizioni che hanno influenzato la scelta della professione . Il libro parlerà delle principali fasi della vita e delle attività dei musicisti, della loro vista socio-politica.

La pubblicazione della "letteratura musicale dei paesi stranieri" è destinata agli studenti delle scuole musicali, tuttavia, tutti quelli che non sono indifferenti alle opere classiche troveranno qualcosa di interessante per se stessi in questo libro. Testo I. Prokhorov arricchisce le spiegazioni di alcuni concetti musicali ed estremissivi, il che rende meno accademico. Una parte che descrive la vita dei musicisti è depositata nel contesto della vita storica e culturale dei paesi europei di quel periodo. Ciò offre agli studenti l'opportunità di una comprensione più profonda e su larga scala delle condizioni in cui hanno vissuto e creato compositori leggendari.

Dal momento che il libro "La letteratura musicale dei paesi stranieri" è destinata alla lettura della casa, tutte le opere sinfoniche presenti in esso sono offerte in una disposizione di quattro frame. Vale la pena notare che la storia del lavoro della BAHA, che, secondo il programma, è studiata alla fine dell'anno, collocata all'inizio. A tal passo, l'autore è andato a rispettare la cronologia della presentazione.

Il compilatore di questo libro è sicuro che l'uso regolare del libro di testo sveglierà il gusto di una conoscenza indipendente con la letteratura musicale popolare e scientifica. Inoltre, i bambini saranno in grado di sviluppare e rafforzare le capacità di leggere le opere musicali dal foglio, e sarà anche abituato all'esecuzione in quattro mani.
Un apprendimento indipendente delle opere famose consentirà loro di eseguirli durante le lezioni, in presenza di altri bambini, che renderà le classi collettive più attive e migliorano significativamente la percezione della musica classica.

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Dai compilatori
Questo libro è un manuale didattico sulla letteratura musicale di quel periodo storico, che inizia con gli ultimi decenni del XIX secolo. Tale manuale di allenamento appare per la prima volta: il quinto problema è completato, come è noto, la creatività di K-Debussy e M. Ravel.
Il libro include le caratteristiche di varie scuole di musica nazionale, che ha determinato la sua struttura nel suo complesso. La prima sezione dà la caratteristica dei processi comuni che hanno attuato a modo loro nell'arte musicale dei vari paesi e nel lavoro dei compositori di individui diversi. Ogni sezione successiva è composta da una revisione della cultura musicale di questo paese, nonché una sezione monografica dedicata al lavoro dei compositori più significativi di questa scuola. Solo una sezione dedicata alla creatività di I. Stravinsky differisce nella sua struttura: non c'è una revisione introduttiva in esso. E questo è comprensibile: dopotutto, in virtù di circostanze speciali, la maggior parte della sua vita oltre la Russia, Stravinsky rimase un maestro russo e non apparteneva a nessuna delle scuole straniere. L'impatto decisivo dei suoi principi creativi è quasi tutti i musicisti principali del nostro secolo, non permette di rimuovere Stravinsky dall'immagine globale dello sviluppo dell'arte musicale del XX secolo. L'inclusione di questo capitolo monografico nel manuale di studio per la letteratura musicale straniera è dovuta alle caratteristiche dei curricula nella scuola: al momento dello studio della musica straniera del XX secolo, gli studenti non hanno familiarità con nessuna personalità, né con la musica I . Stravinsky. A questa pagina dell'arte musicale, saranno insegnate solo alla fine del corso IV, dove è considerato solo il primo, il periodo russo di creare un compositore.

L'attenzione dei compilatori e degli autori della Guida allo studio è focalizzata sulla mostra dei processi musicali e storici comuni del periodo in esame, e sull'analisi dei lavori più importanti che sono diventati i classici del nostro secolo. A causa dell'eccezionale complessità degli eventi dell'arte musicale del XX secolo, della loro dissomiglianza, degli interconnettori, dei loro rapidi cambiamenti, revisionare i capitoli hanno preso un posto molto più grande in questo libro rispetto ai precedenti problemi. Tuttavia, in conformità con i principi metodologici dell'argomento, i compilatori hanno cercato di mantenere l'attenzione dell'analisi delle opere musicali, che in questo caso sono progettate per rivelare la diversità dei metodi creativi, dei modi di pensare, delle diverse soluzioni stilistiche e della pluralità del tecnico del compositore dei maestri del nostro secolo.

A causa del fatto che il libro dà un ampio panorama dell'arte musicale, l'analisi è anche molto complessa in molti casi (che è in gran parte predeterminata dal materiale stesso), i compilatori sono considerati possibili per affrontare questa guida allo studio agli studenti non Solo eseguendo, ma anche dipartimenti teorici delle scuole musicali. Il contenuto del libro ammette l'approccio elettorale ad esso nel processo educativo; L'approfondimento e i dettagli dello studio dei capitoli sono determinati dagli stessi insegnanti, a seconda del livello della preparazione degli studenti, dell'apparecchiatura materiale delle note di processo educativo e dei registri musicali e assegnati dal curriculum per questa parte del corso del numero di ore.
Una grande squadra di autori lavorava su questo libro. Da qui - l'inevitabilità di diversi modi per fornire materiale; Allo stesso tempo, nell'approccio stesso, i compilatori hanno cercato di preservare principi metodici uniformi.

SODDISFARE
Dai compilatori
Modi per lo sviluppo dell'arte musicale straniera del XX secolo.
Cultura musicale dell'Austria
Gustav Maleter.
Creatività vocale. "Canzoni dell'apprendista indossando"
Creatività sinfonica. Prima sinfonia
Arnold Shenberg.
Vita e modo creativo
"Sopravvissuto da Varsavia"
Alban Berg.
Vita e modo creativo
Drammatico musicale "Mascotk"
Concerto per violino con orchestra
Anton Webern.
Vita e modo creativo
Cultura della musica Germania.
Richard Strauss.
Vita e modo creativo
Creatività sinfonica. Poesie sinfoniche "DON-ZHUAN" e "TIL Ulenshpigel"
Paul Hindempt.
Vita e modo creativo
Creatività sinfonica. Symphony "Artist Mathis".
Karl orf.
Vita e modo creativo
I principali generi della creatività di Karl Orfa e delle loro caratteristiche.
Opera "Umnitsa"
"Carmina Buran"
Igor Stravinsky.
Vita e modo creativo
"Symphony of Psalms"
Opera "King Edip"
Cultura musicale della Francia.
Arthur ontaning.
Vita e modo creativo
Creatività teatrale e oratorica. Oratorio "Jeanne D" Ark al fuoco "
Creatività sinfonica. Terza sinfonia ("Liturgica")
Darius Miyo.
Vita e modo creativo
Strumento vocale, creatività. "Castello del fuoco"
Francis Polenk.
Vita e modo creativo
Opera "voce umana"
Cultura musicale Spagna
Manuel de Olla.
Vita e modo creativo
Balletto "Love-Magician"
Opera "Short Life"