Všeobecná charakteristika umenia renesancie. Periodizácia umenia

renesančné umenie

Obdobie renesancie je rozkvetom všetkých umení, vrátane divadla, literatúry a hudby, no nepochybne hlavným z nich, ktorý najplnšie vyjadroval ducha svojej doby, bolo výtvarné umenie.

Nie je náhoda, že existuje teória, že renesancia začala tým, že umelci sa prestali uspokojovať s rámcom dominantného „byzantského“ štýlu a pri hľadaní ukážok pre svoju tvorbu sa ako prví obrátili na antiku. Jeden z prvých, ktorý upustil od „byzantského spôsobu“ a začal vo freskách používať strih postáv Pietra Cavalliniho. Ale obrazy namiesto ikon ako prvý vytvoril najväčší majster protorenesancie Giotto.

Ako prvý sa snažil sprostredkovať kresťanské etické myšlienky prostredníctvom obrazu skutočných ľudských pocitov a skúseností, symboliku nahradil obrazom skutočného priestoru a konkrétnych predmetov. Na slávnych freskách od Giotta v kaplnke Arena v Padove môžete vedľa svätých vidieť celkom nezvyčajné postavy: pastierov alebo priadky. Každý jednotlivý človek v Giotto vyjadruje celkom špecifické skúsenosti, špecifický charakter.

V ére Duchenta (XIII. storočie) v Taliansku namiesto spisovný jazyk Stredovek – latinčina – sa postupne formoval ľudový jazyk- taliansky. K jeho vzniku sa veľkou mierou pričinil najväčší spisovateľ tej doby Dante Alighieri (1256-1321). Vo svojej ranej tvorbe „ Nový život"Napísané v taliansky Dante rozpráva milostný príbeh Beatrice od ich prvého stretnutia, keď boli ešte malé deti, až po smrť svojej milovanej, keď mala 18 rokov.

Obraz jednoduchého mestského obyvateľa, povzneseného láskou básnika, si nesie celý život. A celkom v duchu renesancie scéna z jeho „ Božská komédia“, v ktorej zobrazuje svoju Beatricu sediacu na voze symbolizujúcom Cirkev pri bránach očistca.

V období ranej renesancie v umení dochádza k rozvoju antického umeleckého dedičstva, formujú sa nové etické ideály, umelci sa obracajú k výdobytkom vedy (matematika, geometria, optika, anatómia). Florencia zohráva vedúcu úlohu pri formovaní ideových a štýlových princípov umenia ranej renesancie. V obrazoch vytvorených takými majstrami ako Donatello, Verrocchio ("St. George" a "David" od Donatella a "David" od Verrocchia) dominujú hrdinské a vlastenecké princípy.

Zakladateľom renesančného maliarstva je Masaccio (nástenné maľby kaplnky Brancacci, „Trojica“), Masaccio vedel sprostredkovať hĺbku priestoru, spojil figúru a krajinu s jedinou kompozičnou myšlienkou a dal portrétnu expresivitu jednotlivcom. Ale stávanie a evolúcia obrazový portrét, odrážajúce záujem renesančnej kultúry o človeka, sa spájajú s menami umelcov umbijskej školy: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Dielo umelca Sandra Botticelliho vyniká v ranej renesancii. Obrazy, ktoré vytvoril, sú zduchovnené a poetické. Výskumníci si všímajú abstrakciu a rafinovaný intelektualizmus v umelcových dielach, jeho túžbu vytvárať mytologické kompozície s komplikovaným a zašifrovaným obsahom („Jar“, „Zrodenie Venuše“).

Jeden z Botticelliho životopiscov povedal, že jeho Madony a Venuše vyvolávajú dojem straty, vyvolávajú v nás pocit nezmazateľného smútku... Niektoré z nich stratili oblohu, iné zem.

Vrcholná renesancia sa stala vrcholom rozvoja ideových a umeleckých princípov talianskej renesancie. Za zakladateľa umenia vrcholnej renesancie sa považuje Leonardo da Vinci – veľký umelec a vedec.

Vytvoril množstvo majstrovských diel: "Mona Lisa" ("La Gioconda"), "Benois Madonna" a "Madonna Litta", "Dáma s hranostajom". Leonardo sa vo svojej práci snažil vyjadriť ducha renesančného človeka. Hľadal zdroje dokonalých foriem umenia v prírode, no práve jeho považuje N. Berďajev za zodpovedného za prichádzajúci proces mechanizácie a mechanizácie. ľudský život, ktorý ľudí odtrhol od prírody.

Maľba dosahuje klasickú harmóniu v diele Raphaela. Jeho umenie sa vyvíja od raných, chladne oddelených umbrijských obrazov Madon ("Madonna Conestabil") do sveta "šťastného kresťanstva" florentských a rímskych diel. „Madona so stehlíkom“ a „Madona v kresle“ sú mäkké, ľudské a vo svojej ľudskosti až všedné.

Ale obraz „Sixtínskej Madony“ je majestátny, symbolicky spája nebeský a pozemský svet. Raphael je známy predovšetkým ako tvorca nežných obrazov Madon. Ale v maľbe stelesňoval ideál renesancie univerzálny človek(portrét Castiglione) a dráma historických udalostí.

Michelangelo je majster, ktorý vo svojom umení spojil krásnu telesnosť s hlbokou spiritualitou obrazov zdedených zo stredovekej kresťanskej kultúry. Už v skorá práca Michelangelo ukázal svoj tragický pohľad („Ukrižovanie“), najjemnejší psychologizmus obrazov a technickú virtuozitu („Oplakávanie Krista“ z Katedrály sv. Petra). Michelangelo vytvára aj vlastný koncept ľudských dejín (malebný strop Sixtínskej kaplnky).

Osobitné miesto v ére vrcholnej renesancie zaujíma benátska škola, v ktorej sa snúbil radosť zo života a láska k prírode s humanistickým ideálom (dielo Giorgione, Tizian). Neskoršia renesancia a manierizmus odzrkadľujú krízu renesančných humanistických ideálov.

V tomto období Michelangelova tvorba odráža priťažujúcu tragiku jeho vnímania sveta (obrazy Medicejskej kaplnky, najmä „Noc“, „Posledný súd“ a fresky kaplnky Paolina). Umelci, ktorí pokračujú v tradíciách vrcholnej renesancie, majú čoraz väčšiu túžbu po dekoratívnosti a nádhere (Veronese), rastie subjektivizmus a spiritualizmus.

Pre manieristov je obraz postavený nie na základe štúdia prírody, ako to bolo u renesančných umelcov, ale na ich vnútornom pocite. Manierizmus zložito prepletá mystiku a ideály dvorskej kultúry, je plný alegórií a umeleckej plasticity. V manierizme dochádza k popieraniu renesančnej tradície (Correggio, Amanti atď.).

Súčasne s krízou renesančného umenia v Taliansku prekvitalo v Holandsku a Nemecku.

Jan van Eyck - ústredná postava počiatočného póru Severná renesancia... V jeho tvorbe sa odráža jedna zo základných čŕt tohto umenia: úzka spätosť s umením neskorej gotiky. Gentský oltárny obraz od bratov van Eyckovcov vo svojej figurálnej štruktúre spája prísne náboženské cítenie s radostným a poetickým vnímaním pozemskej krásy, ideálne obrazy s portrétmi skutočných ľudí, komplexná symbolika s jednoduchými ľudskými emóciami. Portréty Jana van Eycka zdôrazňujú duchovné naplnenie a zbožnosť v psychologicky presných a naturalisticky presných obrazoch.

V diele Hieronyma Boscha sa prejavuje zložitá symbolika, fantázia a groteska. Jeho štýl sa zdá na tú dobu taký nezvyčajný, že mnohí kritici moderného umenia považujú Boscha za zvestovateľa surrealizmu.

Rozvoj umenia severnej renesancie je spojený s menom Albrechta Durera, ktorý položil základy svetských žánrov v Nemecku - portrét, krajina, žánre každodenného života. Ďalšia výrazná črta severnej renesancie sa prejavuje v jeho práci: túžba zobraziť človeka ako nedokonalého a ideálneho, ale spoľahlivého.

Keď už hovoríme o umení severnej renesancie, mali by sme samozrejme venovať pozornosť portrétom Holbeina a dielu Bruegela.

Ak to zhrnieme, treba poznamenať, že renesanciu v Taliansku a reformáciu v severnej Európe možno, ako to urobil N. Berďajev, považovať za etapy prechodné obdobie, ktorá znamenala koniec v historickom meradle jedného typu civilizácie (kozmogénna, tradičná) a začiatok novej, technogénnej civilizácie.

Talianska renesancia bola zdrojom severnej renesancie a reformácie. Reformácia svojráznym spôsobom dopĺňala a rozvíjala renesančné myšlienky. Ak bola talianska renesancia začiatkom novej mestskej buržoáznej kultúry, potom reformácia, ktorá vytvorila protestantizmus, zabezpečila dynamický rozvoj kapitalizmu v Európe.

1. Vrcholná renesancia.
2. Diela Leonarda da Vinciho, Tiziana, Raphaela, Michelangela.
3. Severná renesancia: Umenie Holandska a Nemecka.

Vrcholná renesancia

Umenie vrcholnej renesancie spadá do konca 15. a prvých troch desaťročí 16. storočia. „Zlatý vek“ talianskeho umenia bol chronologicky veľmi krátky a len v Benátkach trval dlhšie, presne do polovice storočia. Ale práve v tom čase vznikli nádherné výtvory titánov renesancie.

Najvyšší vzostup kultúry nastal v najťažších historické obdobieživot v Taliansku, tvárou v tvár prudkému ekonomickému a politickému oslabeniu talianskych štátov. Turecké výboje na východe, objavenie Ameriky a nová námorná cesta do Indie zbavujú talianske mestá ich najdôležitejších úloh nákupné centrá; nejednota a neustály vzájomný spor z nich robia ľahkú korisť pre rastúce centralizované severozápadné štáty. K šíreniu feudálnej reakcie prispel pohyb kapitálu v rámci krajiny od obchodu a priemyslu k poľnohospodárstvu a postupná premena buržoázie na triedu statkárov. Invázia francúzskych vojsk v roku 1494, ničivé vojny prvých desaťročí 16. storočia, porážka Ríma veľmi oslabila Taliansko. Práve v tomto období, keď nad krajinou visela hrozba jej úplného zotročenia cudzími dobyvateľmi, sa odhalili sily ľudí vstupujúcich do boja za národnú nezávislosť, za republikánsku formu vlády a ich národná identita rástla. Svedčia o tom ľudové hnutia na začiatku 16. storočia v mnohých talianske mestá a najmä vo Florencii, kde bola republikánska vláda nastolená dvakrát: od roku 1494 do roku 1512 a od roku 1527 do roku 1530. Obrovský spoločenský vzostup slúžil ako základ pre rozkvet mocnej vrcholnej renesančnej kultúry. V ťažkých podmienkach prvých desaťročí 16. storočia sa formovali princípy kultúry a umenia nového štýlu.
Charakteristickým znakom vrcholnej renesančnej kultúry bolo mimoriadne rozšírenie verejného obzoru jej tvorcov, rozsah ich predstáv o svete a priestore. Mení sa pohľad na človeka a jeho postoj k svetu. Samotný typ umelca, jeho svetonázor, jeho postavenie v spoločnosti sa rozhodne odlišujú od toho, čo zastávali majstri 15. storočia, ktorí sú stále vo veľkej miere spájaní s triedou remeselníkov. Umelci vrcholnej renesancie nie sú len ľudia veľkej kultúry, ale kreatívni jednotlivci, oslobodení od rámca cechových základov, nútiacich predstaviteľov vládnucich vrstiev počítať s ich návrhmi.
V centre ich umenia, zovšeobecneného umeleckým jazykom, je obraz ideálny úžasný človek dokonalá fyzicky a duchovne, neodvádzaná od reality, ale plná života, vnútorná sila a význam, titánska sila sebapotvrdenia. Najvýznamnejšími centrami nového umenia boli spolu s Florenciou na začiatku 16. storočia pápežský Rím a patricijské Benátky. Od 30. rokov 16. storočia narastá v strednom Taliansku feudálno-katolícka reakcia a spolu s ňou sa šíri aj dekadentný smer v umení, nazývaný manierizmus. A už v druhej polovici 16. storočia sa objavili tendencie antimaneristického umenia.
V tomto neskorom období, keď si svoju úlohu zachovávajú len jednotlivé centrá renesančnej kultúry, sú to práve ony, ktoré tvoria najvýznamnejšie umelecké diela z hľadiska umeleckej hodnoty. Takými sú neskoršie diela Michelangela, Palladia a veľkých Benátčanov.

Dielo Leonarda da Vinciho

Určité trendy v umení vrcholnej renesancie boli predvídateľné v tvorbe vynikajúcich umelcov 15. storočia a prejavovali sa v túžbe po majestátnosti, monumentalizácii a zovšeobecnení obrazu. Avšak skutočným zakladateľom štýlu vrcholnej renesancie bol Leonardo da Vinci, génius, ktorého tvorba znamenala obrovský kvalitatívny posun v umení. Význam jeho všezahŕňajúcej činnosti, vedeckej a umeleckej, sa ukázal až pri skúmaní roztrúsených Leonardových rukopisov. Jeho poznámky a kresby obsahujú skvelé poznatky z rôznych oblastí vedy a techniky. Bol, slovami Engelsa, „nielen skvelý maliar, ale aj skvelý matematik, mechanik a inžinier, ktorému vďačíme dôležité objavy najrozmanitejšie odvetvia fyziky“.

Umenie pre Leonarda bolo prostriedkom na poznanie sveta. Mnohé z jeho náčrtov slúžia na ilustráciu vedecká práca a zároveň sú to diela vysokého umenia. Leonardo stelesnil nový typ umelca – vedca, mysliteľa, ktorý udivuje šírkou názorov a všestrannosťou talentu.
Leonardo sa narodil v dedine Anchiano neďaleko mesta Vinci. Bol nemanželským synom notára a jednoduchej sedliackej ženy. Študoval vo Florencii, v ateliéri sochára a maliara Andrea Verrocchio. Jedno z raných Leonardových diel – postava anjela na Verrocchiovom obraze Krst (Florencia, Uffizi) – vyniká medzi zamrznutými postavami jemnou duchovnosťou a svedčí o vyspelosti svojho tvorcu.
Medzi rané diela Leonarda patrí „Madona s kvetom“ (takzvaná „Benois Madonna“, okolo roku 1478) uchovávaná v Ermitáži, ktorá sa výrazne líši od početných madon z 15. storočia. Leonardo, ktorý odmieta žáner a precízne detaily, ktoré sú vlastné výtvorom majstrov ranej renesancie, prehlbuje charakteristiky, zovšeobecňuje formy. Postavy mladej mamičky a bábätka, decentne modelované bočným svetlom, vypĺňajú takmer celý priestor obrazu. Pohyby postáv, ktoré sú medzi sebou organicky spojené, sú prirodzené a plastické. Jasne vyniknú na tmavom pozadí steny. Jasná modrá obloha, ktorá sa otvára v okne, spája postavy s prírodou, s nesmiernym svetom, v ktorom dominuje človek. Vo vyváženej výstavbe kompozície je cítiť vnútornú pravidelnosť. Ale nevylučuje to teplo, naivný šarm, pozorovaný v živote.
V roku 1480 mal Leonardo už vlastnú dielňu a dostával zákazky. Jeho vášeň pre vedu ho však často odvádzala od štúdia umenia. Veľký oltárny obraz „Klaňanie troch kráľov“ (Florencia, Uffizi) a „Svätý Hieronym“ (Rím, Vatikánska Pinakotéka) zostal nedokončený. V prvom sa umelec snažil premeniť komplexnú monumentálnu kompozíciu oltárneho obrazu na pyramídovú, ľahko viditeľnú skupinu, aby sprostredkoval hĺbku ľudských pocitov. V druhom - k pravdivému zobrazeniu zložitých uhlov Ľudské telo, krajinný priestor.
Leonardo, ktorý nenašiel náležité ocenenie svojho talentu na dvore Lorenza Mediciho ​​s jeho kultom vynikajúcej sofistikovanosti, vstúpil do služieb milánskeho vojvodu Lodovica Mora. Milánske obdobie Leonardovho pôsobenia (1482-1499) sa ukázalo ako najplodnejšie. Tu sa naplno prejavila všestrannosť jeho talentu vedca, vynálezcu a umelca.
Svoju činnosť začal popravou sochárskeho pamätníka – jazdeckej sochy otca vojvodu Lodovica Mora Francesca Sforzu. Veľký model pamätníka, ktorý získal jednomyseľnú chválu súčasníkov, zahynul počas dobytia Milána Francúzmi v roku 1499. Zachovali sa len kresby - náčrty rôznych verzií pamätníka, obrázky buď vzpínajúceho sa koňa plného dynamiky, alebo slávnostne vyčnievajúceho koňa, pripomínajúce kompozičné rozhodnutia Donatella a Verrocchia. Zdá sa, že táto posledná verzia bola premenená na model sochy. Bol oveľa väčší ako pamätníky Gattamelate a Colleoni, čo viedlo k tomu, že súčasníci a samotný Leonardo ho nazývali „veľkým kolosom“. Toto dielo robí z Leonarda jedného z najväčších sochárov tej doby.
Nedostal sa k nám ani jeden dokončený architektonický projekt Leonarda. A predsa jeho kresby a návrhy budov, plány na vytvorenie ideálneho mesta hovoria o jeho dare vynikajúceho architekta.
Milánske obdobie zahŕňa maľby zrelý štýl – „Madonna v jaskyni“ a „Posledná večera“. "Madona v jaskyni" (1483-1494, Paríž, Louvre) - prvý monumentálny oltárny obraz vrcholnej renesancie. Jej postavy Márie, Jána, Krista a anjela nadobudli črty veľkosti, poetickej duchovnosti a plnosti životnej expresivity. V harmonickej pyramídovej skupine, akoby rozdúchanej svetlým oparom šerosvitu, sú postavy evanjeliovej legendy zastúpené ako stelesnenie, spojené náladou premýšľavosti a akcie - Ježiško žehná Jána. ideálne obrázky pokojné šťastie.

Najvýznamnejší z Leonardových monumentálnych malieb, Posledná večera, realizovaný v rokoch 1495-1497 pre kláštor Santa Maria della Grazie v Miláne, prináša do sveta skutočné vášne a dramatické pocity. Odchádzajúc od tradičnej interpretácie epizódy evanjelia, Leonardo ponúka inovatívne riešenie témy, kompozície, hlboko odhaľujúce ľudské pocity a skúsenosti. Minimalizáciou obrysu prostredia jedálne, zámerným zmenšením stola a jeho posunutím do popredia sa zameriava na dramatické vyvrcholenie podujatia, na kontrastné vlastnosti ľudí rôznych temperamentov, prejav komplexného rozsahu pocity, vyjadrené tak mimikou, ako aj gestami, ktorými apoštoli odpovedajú na Kristove slová: "Jeden z vás ma zradí." Rozhodujúci kontrast k apoštolom tvoria obrazy navonok pokojného, ​​no smutne zádumčivého Krista, ktorý je v strede kompozície, a zradcu Judáša, opierajúceho sa o okraj stola, ktorého hrubý dravý profil je ponorený do tieň. Zmätok, zvýraznený gestom ruky kŕčovito zvierajúcej kabelku, a zachmúrený vzhľad ho odlišujú od ostatných apoštolov, na ktorých rozžiarených tvárach možno čítať výraz prekvapenia, súcitu, rozhorčenia. Leonardo neoddeľuje postavu Judáša od ostatných apoštolov, ako to robili majstri ranej renesancie. A predsa odpudzujúci vzhľad Judáša odhaľuje myšlienku zrady ostrejšie a hlbšie. Všetkých dvanásť Kristových učeníkov je rozmiestnených v skupinách po troch po oboch stranách učiteľa. Niektorí z nich od vzrušenia vyskočia zo sedadiel a obrátia sa ku Kristovi. Umelec podrobuje rôzne vnútorné pohyby apoštolov prísnemu poriadku. Kompozícia fresky je nápadná vo svojej jednote, celistvosti, je prísne vyvážená, stavebne sústredená. Monumentalizácia obrazov, mierka maľby prispievajú k dojmu hlbokého významu obrazu, ktorý si podmaňuje celý veľký priestor refektára. Leonardo bravúrne rieši problém syntézy maľby a architektúry. Umiestnením stola rovnobežne so stenou, ktorú zdobí freska, presadzuje jej rovinu. Perspektívna redukcia bočných stien zobrazená na freske takpovediac nadväzuje na skutočný priestor refektára.
Freska je značne poškodená. Leonardove experimenty s použitím nových materiálov neobstáli v skúške času, neskoršie nahrávky a reštaurovania takmer skryli originál, ktorý bol vyčistený až v roku 1954. Ale prežívajúce rytiny a prípravné kresby umožňujú vyplniť všetky detaily kompozície.
Po zajatí Milána francúzskymi jednotkami Leonardo opustil mesto. Začali sa roky putovania. Na príkaz Florentskej republiky vyrobil kartón pre fresku „Bitka o Anghiari“, ktorá mala zdobiť jednu zo stien Radnej sály v Palazzo Vecchio (budova mestskej správy). Pri vytváraní tohto kartónu Leonardo vstúpil do súťaže s mladým Michelangelom, ktorý objednával fresku Battle of Cascina pre ďalšiu stenu tej istej miestnosti. Tieto kartóny, ktoré si získali všeobecné uznanie od súčasníkov, sa však dodnes nezachovali. Iba staré kópie a rytiny nám umožňujú posúdiť inováciu géniov vrcholnej renesancie v oblasti bojového maliarstva.
V plnej dráme a dynamike Leonardovej kompozície, epizóde bitky o zástavu, je daný moment najvyššieho napätia síl bojov, odhaľuje sa krutá pravda vojny. Do tejto doby sa datuje vytvorenie portrétu Mony Lisy (La Gioconda, cca 1504, Paríž, Louvre), jedného z najznámejších diel svetového maliarstva. Mimoriadna je hĺbka a význam vytvoreného obrazu, v ktorom sa snúbia črty jednotlivca s veľkým zovšeobecnením. Leonardova inovácia sa prejavila aj vo vývoji renesančného portrétovania.
Plasticky prepracovaná, do siluety uzavretá majestátna postava mladej ženy dominuje vzdialenej krajine zahalenej do modrastého oparu, medzi ktorými sa vinú skaly a vodné kanály. Komplexná polofantastická krajina jemne ladí s charakterom a inteligenciou subjektu. Zdá sa, že nestálu premenlivosť samotného života cítiť vo výraze jej tváre, oživenej sotva postrehnuteľným úsmevom, v pokojne sebavedomom, prenikavom pohľade. Tvár a uhladené ruky patricijskej ženy sú namaľované s úžasnou starostlivosťou a jemnosťou. Najtenší, akoby sa rozplývajúci opar šerosvitu (tzv. sfumato), zahaľujúci postavu, zjemňuje kontúry a tiene; na obrázku nie je jediný ostrý ťah štetcom ani hranatý obrys.
V posledných rokoch svojho života venoval Leonardo väčšinu svojho času vedeckému výskumu. Zomrel vo Francúzsku, kam sa dostal na pozvanie francúzskeho kráľa Františka I. a kde žil len dva roky.
Jeho umenie, vedecké a teoretický výskum, už jeho osobnosť mala obrovský vplyv na rozvoj svetovej kultúry. Jeho rukopisy obsahujú nespočetné množstvo poznámok a kresieb svedčiacich o všestrannosti Leonardovho génia. Tu sú starostlivo nakreslené kvety a stromy, náčrty neznámych nástrojov, strojov a prístrojov. Spolu s analyticky presnými obrazmi existujú kresby, ktoré sa vyznačujú mimoriadnym rozsahom, epickou alebo jemnou lyrikou. Vášnivý obdivovateľ experimentálnych vedomostí sa Leonardo usiloval o ich kritické chápanie, o hľadanie zovšeobecňujúcich zákonov. „Skúsenosti sú jediným zdrojom vedomostí,“ povedal umelec. „Kniha maľby“ odhaľuje jeho názory ako teoretika realistického umenia, pre ktorého je maľba zároveň „vedou a legitímnou dcérou prírody“. Traktát obsahuje Leonardove výroky o anatómii, perspektíve, hľadá vzory v konštrukcii harmonickej ľudskej postavy, píše o interakcii farieb, o reflexoch. Medzi nasledovníkmi a žiakmi Leonarda sa však nenašiel ani jeden, kto by sa k učiteľovi približoval v sile nadania; zbavený samostatného pohľadu na umenie, len navonok asimilovali jeho umelecký spôsob.

Obrázky a životopis Tiziana Vecellia

Tizian Venuša z Urbinskaja, 1538 Galéria Uffizi, Florencia Venuša a Adonis, 50. roky 16. storočia Gettyho múzeum, Los Angeles.

Svetská láska (Pozemská márnosť) 1515	Mladý muž s roztrhanou rukavicou, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portrét mladej ženy, 1536

Pozemská a nebeská láska, 1515

Portrét Pietra Aretina 1545	Portrét Karola V 1548	Danae 1554	Sizyfos 1549	Venuša so zrkadlom 1555

Nanebovstúpenie Márie, (Assunta), 1518	Tarquinius a Lukrécia 1568-1571	Pozícia v rakve 1524-1526	Svätý Sebastián 1570	Nariekanie za Kristom 1576

Madona z rodu Pesaro, 1519-1526	Bakchus a Ariadna 1522	Úvod do chrámu 1534-1538	, 1546	Alegória času 1565

Tizian (v skutočnosti Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio) (okolo 1488/1490 - 1576), taliansky maliar vrcholnej a neskorej renesancie. Študoval v Benátkach u Giovanniho Belliniho, v dielni ktorého sa zblížil s Giorgionem; pôsobil v Benátkach, ako aj v Padove, Ferrare, Mantove, Urbine, Ríme a Augsburgu. Tizian, ktorý bol úzko spojený s umeleckými kruhmi Benátok (Giorgione, architekt Jacopo Sansovino, spisovateľ Pietro Aretino), vynikajúci majster benátskej maliarskej školy, stelesnil vo svojej tvorbe humanistické ideály renesancie. Jeho život potvrdzujúce umenie sa vyznačuje všestrannosťou, šírkou pokrytia reality a odhalením hlbokých dramatických konfliktov tej doby. Záujem o krajinu, poézia, lyrická kontemplácia, jemná farebnosť súvisia s ranými dielami Tiziana (tzv. „Cigánska Madona“, Umeleckohistorické múzeum, Viedeň; „Kristus a hriešnik“, Galéria umenia, Glasgow) s dielami Giorgioneho; umelec začal rozvíjať samostatný štýl v polovici 1510, po zoznámení sa s dielami Raphaela a Michelangela. Pokojné a radostné obrazy jeho malieb v tomto období sa vyznačujú plnokrvnosťou, jasom citov, vnútorným osvietením, hlavné sfarbenie je postavené na súzvuku hlbokých, čistých farieb („Láska pozemská a nebeská“, okolo 1514-1516, Galéria Borghese, Rím; „Flora“, okolo 1515, Uffizi; „Cézarov denár“, 1518, Obrazáreň, Drážďany). Zároveň Titian namaľoval niekoľko portrétov, prísnych a pokojných v kompozícii a jemne psychologických („Mladý muž s rukavicou“, Louvre, Paríž; „Portrét muža“, Národná galéria, Londýn). Nové obdobie Tizianovej tvorby (koniec 15. rokov - 30. roky 16. storočia) sa spája so spoločenským a kultúrnym vzostupom Benátok, ktoré sa v tomto období stali jednou z hlavných bášt humanizmu a mestskej slobody v Taliansku. V tomto čase Tizian vytvoril monumentálne oltárne obrazy naplnené majestátnym pátosom („Nanebovstúpenie Márie“, okolo 1516-1518, kostol Santa Maria Gloriosa dei Frari, Benátky), ktorých kompozícia je presiaknutá pohybom, maľbami na Evanjelium a Venuša z Urbinskaja, 1538 Galéria Uffizi, Florencia Venuša a Adonis, 50. roky 16. storočia Gettyho múzeum, Los Angeles.

Svetská láska (Pozemská márnosť) 1515	Mladý muž s roztrhanou rukavicou, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portrét mladej ženy, 1536

V neskoršom období svojej tvorby dosiahol Tizian vrcholy tak v maliarskych schopnostiach, ako aj v emocionálnej a psychologickej interpretácii náboženských a mytologických tém. Život potvrdzujúca krása ľudského tela, množstvo okolitého sveta sa stali hlavným motívom umelcových diel s námetmi z antickej mytológie (Danae, okolo 1554, Prado, Madrid a Ermitáž, Petrohrad; Venuša vpredu zrkadla, 50. roky 16. storočia, Národná galéria umenia, Washington; Diana a Actaeon, 1556, a Diana a Callisto, 1556-1559, oba obrazy v Škótskej národnej galérii v Edinburghu).

Pozemská a nebeská láska, 1515

Portrét Pietra Aretina 1545	Portrét Karola V 1548	Danae 1554	Sizyfos 1549	Venuša so zrkadlom 1555

Nanebovstúpenie Márie, (Assunta), 1518	Tarquinius a Lukrécia 1568-1571	Pozícia v rakve 1524-1526	Svätý Sebastián 1570	Nariekanie za Kristom 1576

Madona z rodu Pesaro, 1519-1526	Bakchus a Ariadna 1522	Úvod do chrámu 1534-1538	Pápež Pavol III so svojimi vnúčatami Farnese, 1546	Alegória času 1565

Umenie od Raphaela Santiho

Myšlienku najjasnejších a najvznešenejších ideálov humanizmu renesancie najviac zhmotnil vo svojom diele Raphael Santi (1483-1520). Mladší Leonardov súčasník, ktorý žil krátkym, mimoriadne bohatým životom, Raphael syntetizoval úspechy svojich predchodcov a vytvoril svoj ideál krásneho, harmonicky rozvinutého človeka obklopeného majestátnou architektúrou alebo krajinou. Raphael sa narodil v Urbine ako syn maliara, ktorý bol jeho prvým učiteľom. Neskôr študoval u Timotea della Vitiho a Perugina, pričom dokonale ovládal spôsob druhého menovaného. V Perugino Raphael vnímal onú hladkosť línií, tú slobodu inscenovania postavy v priestore, ktorá sa stala charakteristickou pre jeho zrelé kompozície. Ako sedemnásťročný chlapec odhaľuje skutočnú tvorivú zrelosť a vytvára sériu obrazov plných harmónie a duchovnej čistoty.

Jemná lyrika a jemná spiritualita odlišujú jedno z jeho raných diel – „Madonna Conestabile“ (1502, Petrohrad, Ermitáž), osvietený obraz mladej matky zobrazený na pozadí priehľadnej umbrijskej krajiny. Schopnosť voľne usporiadať postavy v priestore, spájať ich medzi sebou a s prostredím sa prejavuje aj v kompozícii „Zasnúbenie Márie“ (1504, Miláno, Galéria Brera). Priestrannosť v konštrukcii krajiny, harmónia foriem architektúry, vyrovnanosť a celistvosť všetkých častí kompozície svedčia o formovaní Raphaela ako majstra vrcholnej renesancie.
S príchodom do Florencie Raphael ľahko absorbuje najdôležitejšie úspechy umelcov florentskej školy s výrazným plastickým začiatkom a širokým pokrytím reality. Obsahom jeho umenia zostáva ľahká lyrická téma materinská láska, ktorej pripisuje osobitný význam. Zrelejší výraz získava v dielach ako „Madona v zelenom“ (1505, Viedeň, Kunsthistorisches Museum), „Madona so stehlíkom“ (Florencia, Uffizi), „Krásny záhradník“ (1507, Paríž, Louvre). V podstate všetky variujú rovnaký typ kompozície, zloženej z postáv Márie, nemluvňaťa Krista a Krstiteľa, tvoriace pyramídové skupiny na pozadí krásnej vidieckej krajiny v duchu kompozičných techník, ktoré predtým objavil Leonardo. Prirodzenosť pohybov, mäkká plasticita foriem, hladkosť melodických línií, krása ideálneho typu Madony, jasnosť a čistota krajinného pozadia pomáhajú odhaliť vznešenú poéziu figuratívnej štruktúry týchto kompozícií. .
V roku 1508 bol Raphael pozvaný pracovať do Ríma na dvor pápeža Júliusa II., panovačného, ​​ambiciózneho a energického muža, ktorý sa snažil zväčšiť umelecké poklady svojho hlavného mesta a pritiahnuť do svojich služieb najtalentovanejšie kultúrne osobnosti tej doby. Začiatkom 16. storočia vzbudil Rím nádeje na národné zjednotenie krajiny. Ideály národného poriadku vytvorili základ pre tvorivý vzostup, pre stelesnenie vyspelých ašpirácií v umení. Tu, v tesnej blízkosti dedičstva staroveku, Raphaelov talent prekvitá a dozrieva, čím získava nový rozsah a rysy pokojnej vznešenosti.
Rafael dostane zákazku vymaľovať slávnostné miestnosti (tzv. strofy) Vatikánskeho paláca. Táto práca, ktorá trvala s prestávkami v rokoch 1509 až 1517, nominovala Raphaela medzi najväčších majstrov talianskeho monumentálneho umenia, s istotou riešiacu problém syntézy architektúry a maľby renesancie. Dar Raphaela, monumentalistu a dekoratéra, sa v celej svojej brilantnosti prejavil pri maľovaní Station della Senyatura (tlačiareň). Na dlhých stenách tejto miestnosti pokrytých plachtárskymi klenbami sú kompozície „Spor“ a „Aténska škola“, na úzkych stenách – „Parnas“ a „Múdrosť, miernosť a sila“, zosobňujúce štyri oblasti ľudskej duchovnej činnosti. : teológia, filozofia, poézia a jurisprudencia ... Klenbu, členenú na štyri časti, zdobia alegorické postavy, ktoré tvoria jednotný dekoratívny systém s nástennými maľbami. Celý priestor miestnosti tak zaplnila maľba.

Adam a Eva 1510	Škola v Aténach 1509	Triumf Galatey 1511	Spor 1510	Prorok Izaiáš 1512

Kombinovanie obrázkov v maľbe kresťanské náboženstvo a pohanská mytológia svedčili o rozšírení myšlienok o zmierení kresťanského náboženstva s antickou kultúrou a o bezpodmienečnom víťazstve svetského princípu nad cirkvou medzi vtedajšími humanistami. Aj v „Spore“ (spore cirkevných otcov o sviatosti), venovanom vyobrazeniu cirkevných predstaviteľov, možno medzi účastníkmi sporu rozpoznať talianskych básnikov a umelcov – Danteho, Fra Beata Angelica a i. maliarov a spisovateľov. O oslave humanistické myšlienky v renesančnom umení skladba „Aténska škola“, ktorá oslavuje myseľ krásneho a silného muža, antickej vedy a filozofie, hovorí o jej spojení s antikou. Obraz je vnímaný ako stelesnenie sna o svetlej budúcnosti. Z hlbín suity grandióznych oblúkových rozpätí sa vynára skupina antických mysliteľov, v strede ktorej je vznešený sivobradý Platón a sebavedomý, inšpirovaný Aristoteles, gestom ruky smerujúcej k zemi, zakladatelia idealistickej a materialistickej filozofie. Poniže, naľavo od schodiska, sa nad knihou zohol Pytagoras, obklopený svojimi študentmi, napravo – Euklides a tu, na samom okraji, sa Rafael zobrazil vedľa maliara Sodomy. Ide o mladého muža s nežnou, príťažlivou tvárou. Všetky postavy na freske spája nálada vysokého duchovného povznesenia, hlboká myšlienka... Tvoria skupiny, nerozlučné vo svojej celistvosti a harmónii, kde každá postava presne zaujíma svoje miesto a kde samotná architektúra vo svojej prísnej pravidelnosti a majestátnosti prispieva k oživeniu atmosféry vysokého vzostupu tvorivého myslenia.
Freska „Vyhnanie Eliodora“ v Stanza d'Eliodoro vyniká intenzívnou dramatickosťou. Náhlosť odohrávajúceho sa zázraku – vyhnanie vykrádača chrámu nebeským jazdcom – je sprostredkovaná rýchlou diagonálou hlavného pohybu pomocou svetelného efektu. Pápež Július II. je zobrazený medzi divákmi, ktorí hľadia na vyhostenie Eliodora. Toto je narážka na súčasné udalosti Raphaela - vyhnanie francúzskych jednotiek z pápežských štátov.
Rímske obdobie Rafaelovej tvorby bolo poznačené vysokými úspechmi v oblasti portrétovania. Postavy Mass in Bolsen (fresky v Stanza d'Eliodoro) nadobúdajú ostro vyzerajúce portrétne črty. TO portrétny žáner Raphael sa tiež obrátil k maľbe na stojane a ukázal tu svoju originalitu, odhaľujúcu to najcharakteristickejšie a najvýznamnejšie v modeli. Maľoval portréty pápeža Júliusa II. (1511, Florencia, Uffizi), pápeža Leva X. s kardinálom Ludovico dei Rossi a Giulio dei Medici (okolo 1518, tamtiež) a iné portrétne obrazy. Významné miesto v jeho umení naďalej zaujíma obraz Madony, ktorý nadobúda črty veľkej vznešenosti, monumentality, sebavedomia a sily. Taká je Madonna della Cedia (Madona v kresle, 1516, Florencia, Pitti Gallery) so svojou harmonickou, uzavretou kompozíciou.
V tom istom čase Raphael vytvoril svoj najväčší výtvor „Sixtínska Madona“ (1515-1519, Drážďany, Obrazáreň), určený pre kostol sv. Sixtus v Piacenze. Na rozdiel od skorších lyrických Madon s ľahšou náladou je to vznešený obraz plný hlbokého významu. Závesy rozprestreté zhora po stranách odhaľujú Mary, ako ľahko kráča po oblakoch s dieťaťom v náručí. Jej pohľad umožňuje nahliadnuť do sveta jej zážitkov. Vážne a smutne hľadí kamsi do diaľky, akoby tušila tragický osud syna. Naľavo od Madony je pápež Sixtus nadšene rozjímajúci o zázraku, napravo svätá Barbora, ktorá sa s úctou díva dole. Dole sú dvaja anjeli, ktorí vzhliadajú a akoby nás vracajú k hlavnému obrazu - Madonne a jej detinsky zamyslenému bábätku. Dokonalá harmónia a dynamická vyváženosť kompozície, jemný rytmus hladkých lineárnych obrysov, prirodzenosť a voľnosť pohybu tvoria neodolateľnú silu tohto celku, krásny obraz. Životná pravda a rysy ideálu sa spájajú s duchovnou čistotou komplexu tragickej povahy Sixtínska Madonna. Niektorí bádatelia našli jeho prototyp v črtách „Dám v závoji“ (asi 1513, Florencia, Pitti Gallery), ale sám Raphael napísal v liste svojmu priateľovi Castiglione, že jeho tvorivá metóda je založená na princípe selekcie a zovšeobecnenia tzv. životné postrehy: aby som namaľoval krásku, potrebujem vidieť veľa krás, ale kvôli nedostatku ... krásnych žien používam nápad, ktorý mi napadne." Umelec tak v skutočnosti nachádza črty zodpovedajúce jeho ideálu, ktorý sa vyvyšuje nad náhodnosť a pominuteľnosť.
Raphael zomrel vo veku 37 rokov a zanechal po sebe nedokončené nástenné maľby vily Farnezina, vatikánskych lodžií a množstvo ďalších diel, ktoré na kartóne a kresbách dokončili jeho študenti. Voľné, elegantné, ležérne kresby od Raphaela zaradili ich tvorcu do radov najväčších kresličov na svete. Jeho práca v architektúre a úžitkového umenia svedčia o ňom ako o všestranne talentovanej osobnosti vrcholnej renesancie, ktorá si medzi súčasníkmi získala veľkú slávu. Samotné meno Raphael sa neskôr stalo bežným menom ideálneho umelca.
Mnoho talianskych študentov a Raphaelových nasledovníkov premenilo tvorivú metódu učiteľa na nespochybniteľnú dogmu, ktorá prispela k rozšíreniu napodobňovania v talianskom umení a predznamenala hroziacu krízu humanizmu.

Dielo Michelangela Buonarrotiho

Vrcholom vrcholnej renesancie a zároveň odrazom hlbokých rozporov kultúry tej doby bolo dielo tretieho z titánov talianskeho umenia - Michelangela Buonarrotiho (1475-1564). Dokonca aj v porovnaní s Leonardom a Raphaelom, pozoruhodným svojim všestranným talentom, sa Michelangelo líši v tom, že v každej z oblastí umeleckej tvorby zanechal diela veľkého rozsahu a sily, stelesňujúce najprogresívnejšie myšlienky tej doby. Michelangelo bol geniálny sochár, maliar, architekt, kresliar, vojenský inžinier, básnik a zároveň bojovník za vysoké humanistické ideály, občan so zbraňou v ruke obhajoval slobodu a nezávislosť svojej vlasti.
Veľký umelec a zápasník sú neoddeliteľnou súčasťou myšlienky Michelangela. Celý jeho život je neutíchajúcim hrdinským zápasom o presadenie ľudského práva na slobodu, na tvorivosť. Počas celej doby kreatívna cesta v centre umelcovej pozornosti bol človek efektívny, aktívny, pripravený na výkon, zachvátený veľkou vášňou. V jeho dielach neskorého obdobia sa odráža tragický kolaps renesančných ideálov.
Michelangelo sa narodil v Caprese (v blízkosti Florencie), v rodine starostu. Ako trinásťročný chlapec vstúpil do dielne Ghirlandaio a o rok neskôr - v r. umelecká škola na dvore Lorenza Mediciho ​​Veľkolepého. Tu, v takzvaných Medicejských záhradách v kláštore San Marco, pokračoval v štúdiách pod vedením Bertolda di Giovanniho, oddaného obdivovateľa staroveku. Michelangelo, ktorý sa zoznámil s bohatou a vycibrenou kultúrou medicejského dvora, s nádhernými dielami antického i moderného umenia, s renomovanými básnikmi a humanistami, sa nestiahol do kultivovaného dvorského prostredia. Už jeho rané nezávislé diela potvrdzujú jeho náklonnosť k veľkým monumentálnym obrazom, plným hrdinstva a sily. Reliéf „Bitka kentaurov“ (začiatok 90. ​​rokov 14. storočia, Florencia, Casa Buonarroti) odhaľuje drámu a búrlivú dynamiku bitky, nebojácnosť a energiu bojovníkov, mohutnú plasticitu vzájomne prepojených silných postáv, preniknutých jediným rýchlym rytmom.
Finálna formácia verejné svedomie Michelangelo spadá do doby vyhnania Mediciovcov z Florencie a nastolenia tamojšieho republikánskeho systému. Cesty do Bologne a Ríma prispievajú k dokončeniu umelecké vzdelanie... Antika pred ním otvára obrovské možnosti ukryté v sochárstve. V Ríme vznikla mramorová skupina "Pieta" (1498-1501, Rím, Bazilika sv. Petra) - prvé veľké originálne dielo majstra, presiaknuté vierou v triumf humanistických ideálov renesancie. Dramatická téma Sochár rozhoduje o Kristovom smútku u Matky Božej v hlbokom psychologickom zmysle, nesmierny smútok vyjadruje naklonením hlavy, akoby ho našiel gestom ľavej ruky Madony. Morálna čistota obrazy Márie, vznešená zdržanlivosť jej citov odhaľujú silu charakteru a sú podané v klasicky jasných formách s úžasnou dokonalosťou. Obidve figúry sú usporiadané do nerozlučnej skupiny, v ktorej ani jeden detail nenarúša uzavretú siluetu, jej plastickú výraznosť.

David	Pieta	Madonna a dieťa	Mojžiš

Hlboké presvedčenie, vzrušenie človeka usilujúceho o výkon je zachytené v soche Dávida (Florencia, Akadémia výtvarných umení), popravenej v rokoch 1501-1504 po návrate sochára do Florencie. V obraze legendárneho hrdinu bola stelesnená myšlienka občianskeho činu, odvážnej odvahy a neústupčivosti. Michelangelo opustil rozprávanie svojich predchodcov. Na rozdiel od Donatella a Verrocchia, ktorí stvárnili Dávida po porážke nepriateľa, Michelangelo ho predstavil ešte pred bitkou. Zameral sa na ráznu vyrovnanosť a napätie všetkých hrdinových síl, prenášaných plastickými prostriedkami. V tejto kolosálnej soche je zreteľne vyjadrená zvláštnosť Michelangelovho plastického jazyka: s navonok pokojnou pózou hrdinu, celou jeho postavou s mohutným trupom a skvelo modelovanými rukami a nohami, jeho krásna inšpirovaná tvár vyjadruje maximálnu koncentráciu fyzického a duchovného sily. Všetky svaly sa zdajú byť plné pohybu. Michelangelovo umenie vrátilo nahote etický význam, ktorý mala v starovekom výtvarnom umení. Obraz Dávida nadobúda aj širší význam ako vyjadrenie tvorivých síl slobodného človeka. Už vtedy Florenťania pochopili občiansky pátos sochy a jej význam, keď ju nainštalovali v centre mesta pred budovu Palazzo Vecchio ako výzvu k ochrane vlasti a k ​​spravodlivej vláde.
Keď Michelangelo našiel presvedčivú formu riešenia sochy (podľa jednej nohy), majstrovsky ju vymodeloval, dal zabudnúť na ťažkosti, ktoré musel prekonávať pri práci s materiálom. Socha bola vytesaná z bloku mramoru, o ktorom si každý myslel, že ho pokazil nešťastný sochár. Michelangelovi sa podarilo osadiť postavu do hotového bloku mramoru tak, že doň zapadá mimoriadne kompaktne.
Súčasne so sochou Dávida bol vyrobený kartón na obraz Radnej sály Palazzo Vecchio „Bitka pri Cachin“ (známy rytinami a obrazovou kópiou). Keď sa mladý Michelangelo dostal do konkurencie s Leonardom, získal za svoju prácu vyššie verejné hodnotenie; téme odhaľovania vojny a jej zverstiev sa postavil proti glorifikácii vznešené pocity odvaha a vlastenectvo vojakov z Florencie, ktorí sa rútili na bojisko na volanie trúbky, pripravení na výkon.
Po prijatí objednávky od pápeža Júliusa II. na stavbu svojho náhrobného kameňa sa Michelangelo bez dokončenia „bitky pri Cachin“ presťahoval v roku 1505 do Ríma. Navrhuje majestátne mauzóleum zdobené mnohými sochami a reliéfmi. Na prípravu materiálu - mramorových blokov - odišiel sochár do Carrary. Počas svojej neprítomnosti pápež stratil záujem o myšlienku výstavby hrobky. Urazený Michelangelom opustil Rím a až po pápežových vytrvalých výzvach sa vrátil. Tentoraz dostal novú grandióznu zákazku - maľbu stropu Sixtínskej kaplnky, ktorú prijal s veľkou nevôľou, keďže sa považoval predovšetkým za sochára, nie za maliara. Tento obraz sa stal jedným z najväčších výtvorov talianskeho umenia.

V najťažších podmienkach pracoval Michelangelo štyri roky (1508-1512), pričom celý obraz obrovského plafondu (600 m2) dokončil vlastnou rukou. V súlade s architektonikou kaplnky rozčlenil klenbu prekrývajúcu ju do série polí, pričom do širokého centrálneho poľa umiestnil deväť kompozícií na parcelách z Biblie o stvorení sveta a živote prvých ľudí na zemi: „Oddelenie svetla od tmy“, „Stvorenie Adama“, „Pád“, „Opitosť Noeho“ a ďalšie. Po oboch stranách na svahoch klenby sú postavy prorokov a sibýl (veštcov). vyobrazení, v rohoch polí - sediaci nahí mladíci; v plachtách klenby, odizolovaní a lunetách nad oknami - epizódy z Biblie a takzvaní Kristovi predkovia. Grandiózny súbor s viac ako tristo figúrkami pôsobí ako inšpiratívny hymnus na krásu, silu, ľudský rozum, oslavu jeho tvorivého génia a hrdinské činy. Dokonca aj na obraz Boha - majestátneho mocného starca je zdôraznený predovšetkým tvorivý impulz, vyjadrený pohybmi jeho rúk, akoby boli skutočne schopné vytvárať svety a dať človeku život. Titanická sila, intelekt, bystrá múdrosť a vznešená krása charakterizujú obrazy prorokov: hlboko zamyslený smutný Jeremiáš, poeticky inšpirovaný Izaiáš, mocná Sibyla z Kumy, krásna mladá Delfská Sibyla... Postavy, ktoré vytvoril Michelangelo, majú obrovskú silu zovšeobecňovania; pre každú postavu si nájde špeciálnu pózu, obrat, pohyb, gesto.
Ak v jednotlivých obrazoch prorokov boli stelesnené tragické myšlienky, potom v obrazoch nahých - mladých mužov, takzvaných otrokov, sa prenáša pocit radosti z bytia, nepotlačiteľnej sily a energie. Ich postavy, prezentované v zložitých prevedeniach, v pohyboch, dostávajú najbohatší plastický vývoj. Všetky bez toho, aby zničili roviny oblúkov, ich obohacujú, odhaľujú tektoniku a zlepšujú všeobecný dojem harmónia. Kombinácia grandióznej mierky, drsnej sily akcie, krásy a koncentrácie farieb dáva vznik pocitu slobody a dôvery v triumf človeka.

Severná renesancia

Renesancia bola medzinárodným fenoménom, ktorý zachvátil okrem Talianska, kde sa prejavil s najväčšou silou, aj Holandsko, Nemecko, Francúzsko, Španielsko. Dnes sa objavilo osobitný termín„severná renesancia“, ktorá popisuje črty renesancie v iných európskych krajinách. Znamená to „nielen čisto geografickú charakteristiku, ale aj niektoré črty renesancie v Anglicku, Nemecku, Španielsku, Holandsku, Švajčiarsku a Francúzsku. Veľmi dôležitá vlastnosť Severná renesancia spočívala v tom, že sa odohrala počas reformácie, ako aj v tom, že v kultúre národov týchto krajín nebolo z historických dôvodov také množstvo antických pamiatok ako v Taliansku.

reformácia(z lat. reformatio - transformácia) predstavovalo to isté silné náboženské hnutie, ktorým je dnes napríklad fundamentalizmus v islamských krajinách. Obaja presadzovali návrat k pôvodným hodnotám viery (k jej základom) a žiadali vážne zmeny (reformáciu) doterajšej náboženskej praxe.

Začiatok reformácie bol poznačený prejavom Martina Luthera (1483-1546) v Nemecku v roku 1517, ktorý predložil 95 téz odmietajúcich základné dogmy katolicizmu. Ideológovia reformácie popierali potrebu katolíckej cirkvi s jej hierarchiou a duchovenstva vôbec, právo cirkvi na pozemkové bohatstvo, odmietajúc katolícku posvätnú tradíciu ako celok. Roľnícke vojny v rokoch 1524-1526 prebiehali pod ideologickou zástavou reformácie. v Nemecku, Holandsku a anglickej revolúcii. Reformácia položila základ protestantizmu (v užšom zmysle je reformácia uskutočňovaním náboženských premien v jej duchu).

Nemecká renesancia bol koniec duchovnej (luteránska reforma) a sociálnej (vznik roľníctva) krízy, ktorá trvala pol storočia a veľmi zmenila stredoveké Nemecko. Dielo troch umelcov – Grunewalda (v rokoch 1470 – 1475 – 1528), Dürera (1471 – 1528) a Holbeina mladšieho (1497 alebo 1498 – 1543) – sa spája so „zlatým vekom“ nemeckého maliarstva. Nemecká renesancia sa bez celistvosti talianskej renesancie vyvíjala v chronologicky krátkom období a nemala svoje logické pokračovanie.

Vynikajúci predstaviteľ renesancie v Nemecku, ktorého tvorba na dlhý čas definovala nemecké umenie, bol maliar a majster rytiny Dürer. Verí sa, že Dürer bol rovnako nadaný ako maliar, grafik a kresliar; kresba a rytina mu zaberajú veľké, niekedy až vedúce miesto. Pozostalosť kresliara Dürera, ktorá má viac ako 900 listov, sa svojou rozsiahlosťou a rozmanitosťou dá porovnávať len s dedičstvom Leonarda da Vinciho. Bravúrne vlastnil všetko, čo bolo vtedy známe grafických technikov- od strieborného špendlíka a trstinového pera po taliansku ceruzku, uhľ, akvarely Pre talianskych majstrov sa kresba stala pre neho najdôležitejšou etapou práce na kompozícii, vrátane náčrtov, štúdií hláv, rúk, nôh, závesov . Je to učebná pomôcka charakteristické typy- vidiečania, bystrí páni, norimberské módne ženy. Dürer mal obrovský vplyv na vývoj nemeckého umenia ako prvý polovice XVI storočí. Najväčší majster rytiny v Európe Dürer sa preslávil cyklom prác na tému „Apokalypsa“ (1498).

Jeho všestranné aktivity sa stali jednou z inkarnácií „titánstva“ renesancie. Je jediným majstrom severskej renesancie, ktorý sa v smerovaní a všestrannosti svojich záujmov, túžbe osvojiť si zákonitosti umenia, rozvoj dokonalých proporcií ľudskej postavy a pravidlá perspektívnej konštrukcie, môže porovnávať s najväčší majstri talianska renesancia. Rozkvet umenia nemeckej renesancie sa často nazýva „éra Dürera“.

Dürerovými súčasníkmi boli veľkí majstri maľby Hans Holbein mladší, Grunewald a Lucas Cranach starší (1472-1553).

Presné, jasné portréty (maľba a kresba) Holbeina mladšieho, jeho maľby na náboženské témy, rytiny sa vyznačujú realizmom, jasnosťou a vznešenosťou renesančného umenia a monumentálnosťou kompozície (Mŕtvy Kristus, 1521). Grunewald, ktorého život je stále málo prebádaný, predstavuje ďalší smer nemeckej renesancie: u neho dominujú city nad rozumom a subjektivita nad objektívnou analýzou. Umelcov génius bol stelesnený v hlavnom diele - „Isenheimský oltár“ (1512-1515), kde mystické obrazy koexistovať s humanistickými, osvietenými. Jeho tvorba, spojená s ideológiou nižších vrstiev a herézami, je plná dramatickej sily, napätia, dynamiky.

Medzi talentovanými tvorcami nemeckej renesancie zastáva čestné miesto portrétista Lucas Cranach starší, dvorný maliar Fridricha Múdreho a priateľ M. Luthera, vďaka ktorého tvorbe sa krajina mimoriadne rozvinula. Položil základ krajinskej škole, známej ako Dunajská škola.

Renesancia v ANGLICKU... ANGLICKÁ renesancia sa nepreslávila ani tak maľbou a architektúrou, ako skôr divadlom. Jeho rozkvet nastal koncom 16. - začiatkom 17. storočia, pričom vrchol dosiahol v diele Williama Shakespeara (1564-1616). Koniec 16. storočia bol v Anglicku obdobím nebývalého oživenia divadelného života, obdobím ekonomického rastu a premeny krajiny na svetovú veľmoc. Hovorí sa jej aj „alžbetínska éra“. Prestíž divadla vzrástla; herci, predtým opovrhovaní potulnými komediantmi, boli obklopení všeobecnou pozornosťou, tešili sa priazni patrónov veľmožov. V roku 1576 bolo v Londýne otvorené prvé verejné divadlo, v polovici 80. rokov 20. storočia už existovalo niekoľko takýchto divadiel. Shakespearova družina, ktorá získala kráľovský štatút v roku 1589, vystriedala nejednu scénu, až napokon v rokoch 1598-1599. nebola pre ňu postavená stála budova s ​​názvom Divadlo Globe. Dramatik Shakespeare sa stal spolumajiteľom divadla. Shakespearove hry (je ich 37) odrážali politický a duchovný život Anglicka tej doby.

Prvé Shakespearove komédie, najmä Veľa kriku pre nič (1598), boli naplnené optimizmom. Avšak na prelome 16. a 17. stor. jeho svetonázor sa zmenil. Posledné roky Alžbetina vláda bola poznačená ľudovými nepokojmi a ekonomickým úpadkom. Autorita štátu a cirkvi upadala. Tragédie Rómeo a Júlia (1595), Hamlet (1601), Othello (1604), Kráľ Lear (1605) ukazujú krízu univerzálnych ľudských hodnôt a morálky. Shakespearove postavy sú mysliace, cítiace a trpiace osobnosti, ktoré prežívajú stratu životných orientácií, a svet nedokážu im pomôcť nájsť samých seba.

1. ÚVOD

„Renesancia“ (Renesancia) je termín, ktorý vytvoril architekt, maliar a historik Giorgio Vasari, aby definoval éru, v ktorej bolo kultúrne hnutie povolané oživiť antiku a otvoriť vyhliadky na rozvoj západnej kultúry. Obdobie stredoveku bolo vnímané ako zlom vo vývoji kultúr, bolo to obdobie barbarstva a ignorancie. Oživenie vzniklo v Taliansku a bolo spojené predovšetkým so vznikom buržoáznych vzťahov vo feudálnej spoločnosti a v dôsledku toho so vznikom nového svetonázoru. Začal sa návrat k zabudnutým výdobytkom antickej kultúry. Všetky zmeny sa v najväčšej miere prejavili v tvorbe ľudí umenia.

Rast miest a rozvoj remesiel, vzostup svetového obchodu, veľké geografické objavy konca 15. a začiatku 16. storočia zmenili život stredovekej Európy. Mestská kultúra vytvorila nových ľudí a formovala nový postoj k životu. Objavila sa tlač, ktorá otvorila možnosti šírenia literárnych a vedeckých diel.

V tomto čase sa talianska spoločnosť začína aktívne zaujímať o kultúru. Staroveké Grécko a Rím, hľadajú sa rukopisy antických spisovateľov. Rôzne sféry spoločenského života – umenie, filozofia, literatúra, školstvo, veda – sa stávajú čoraz nezávislejšie a nezávislejšie od cirkvi. Stredobodom pozornosti v renesancii bol človek, preto svetonázor nositeľov tejto kultúry označujeme pojmom „humanistický“ (z lat. Humanitas – ľudskosť). Pre talianskych humanistov bolo hlavné zameranie človeka na seba. Jeho osud je z veľkej časti v ňom vlastných rúk, je od Boha obdarený slobodnou vôľou.

Humanisti renesancie verili, že v človeku nie je jeho pôvod resp sociálny status, a osobné kvality... ako " ideálna osoba„Uznaná bola silná, talentovaná a všestranne rozvinutá osobnosť. Hlavná dôstojnosť jednotlivca sa začala považovať za občianske cnosti. „Človek treba posudzovať podľa jeho vlastností, a nie podľa oblečenia,“ ako vtipne hovorí jeden staroveký autor, „vieš, prečo sa ti zdá taký vysoký? Výška jeho opätkov vás klame: sokel ešte nie je socha. Zmerajte osobu bez chodúľ. Nechajte ho odložiť svoje bohatstvo a hodnosť a predstúpi pred vás v jednej košeli."

Humanisti sa inšpirovali antikou, ktorá im slúžila ako zdroj poznania a vzor umeleckej tvorivosti. Umenie renesancie položilo základy modernej európskej kultúry. Všetky hlavné formy umenia – maľba, grafika, sochárstvo, architektúra – sa veľmi zmenili.

V ére talianska renesancia je zvykom rozlišovať niekoľko období: protorenesancia (druhá polovica XIII.-XIV. storočia), ranná renesancia (XV. storočie), vrcholná renesancia (koniec XV - prvé desaťročia XVI. storočia), neskoršia renesancia (posledné dve tretiny r. XVI. storočie).

2. CENNÉ ZÁKLADY UMENIA RENESANCIE

Renesanciu charakterizoval kult krásy, predovšetkým krásy človeka. Talianska maľba zobrazuje úžasných, dokonalých ľudí.

Umelci a sochári sa vo svojej tvorbe snažili o prirodzenosť, o realistickú rekreáciu sveta a človeka. Prestal sa používať rovinný obraz, maľba sa obohatila o lineárnu a vzdušnú perspektívu, riešila sa znalosť anatómie a proporcií ľudského tela, problémy presnej kresby, prirodzeného pohybu.

Ľudské telo, moderné a náboženské predmety sa stali umeleckými predmetmi. Pozornosť a záujem umelcov sa čoraz viac sústreďoval na človeka a na všetko, čo ho obklopuje. Avšak, umenie Raná renesancia bol zložitý, protirečivý a tento rozpor ho viedol vpred. V umení ranej renesancie sa spolu s jemnými detailmi črtá vedomie zovšeobecneného, ​​monumentálneho a hrdinského obrazu dokonalého človeka.

V renesancii sa človek opäť stáva hlavnou témou umenia a ľudské telo je považované za najdokonalejšiu formu v prírode. Humanistická kultúra renesancie je presiaknutá snom o novom človeku a jeho novom duchovný rozvoj... Hlavná dôstojnosť jednotlivca sa začala považovať za občianske cnosti. Teocentrické vedomie začalo byť vytláčané antropocentrickým. Myšlienky humanizmu boli najživšie a najúplnejšie stelesnené v umení, ktorého hlavnou témou bola krásna, harmonicky rozvinutá osoba, vlastniaca neobmedzené duchovné a kreatívne príležitosti... Umenie renesancie je preniknuté humanizmom, vierou v tvorivé sily človeka, v neobmedzenosť jeho možností, v triumf pokroku. Postavy v maľbe nadobúdajú objem a výraznú túžbu, pravda, sprostredkovať anatómiu ľudského tela.

Znaky buržoáznej kultúry a vznik nového svetonázoru sa zvlášť zreteľne prejavili v 15. storočí. Ale práve preto, že formácia nová kultúra, a nový svetonázor nebol dokončený, 15. storočie je plné tvorivej slobody, smelej odvahy, obdivu k ľudskému jedincovi. Toto je vek humanizmu, viery v bezhraničnú silu rozumu, éra intelektualizmu. Vnímanie reality je skúšané skúsenosťou, ovládanou mysľou. Preto je duch poriadku taký charakteristický pre umenie renesancie. Anatómia, učenie o proporciách ľudského tela majú pre umelcov veľký význam.

Antika nadobúda hodnotu nezávislej hodnoty a hrá veľkú rolu pri formovaní sekulárnej kultúry. Pre umenie sa v architektúre stávajú charakteristické črty starodávnej jednoduchosti a harmónie. Knižnice obsahujú bohatú zbierku starožitných rukopisov. Sú tu múzeá plné sôch a fragmentov starovekej architektúry. Starožitný Rím sa obnovuje. Ale vplyv antiky je navrstvený na tradície stredoveku a kresťanského umenia, čo dáva kultúre obrodenia komplexný charakter.

V umení problémy občianskej povinnosti, vysokých morálnych kvalít, výkonu, obrazu harmonicky rozvinutého, silný v duchu a telo ľudského hrdinu, ktorý sa dokázal povzniesť nad úroveň každodenného života. Umenie vrcholnej renesancie opúšťa bezvýznamné detaily v mene všeobecný obraz, snaha o harmóniu krásnych stránok života. Portrétna maľba sa rozvinula a stala sa jedným z dôležitých výdobytkov renesancie. Najprestížnejšou umeleckou formou bolo sochárstvo, ktoré prekvitalo s nástupom baroka. V neskorej renesancii bolo v chápaní reality menej ilúzií a viac realizmu. Ideály krásy a harmónie boli komplexne pochopené a dokonca sa stali normou, ktorá ovplyvnila rôzne druhy tvorivej činnosti.

3. TALIANSKÁ RENESANCIA

V 15. storočí Taliansko prekonalo všetky ostatné európske krajiny, pokiaľ ide o množstvo talentovaných remeselníkov a rozsah umeleckej tvorivosti. Zmeny v umení sa prejavili predovšetkým v sochárstve. V dielach majstra Niccola Pisana možno vysledovať jasný vplyv staroveku. No začiatok novej éry sa spája s menom maliara Giotta di Bondone (1266? -1337). Z jeho diel sú najlepšie zachované fresky Capella del Arena v Padove o evanjeliových príbehoch, kde už existuje túžba správne sprostredkovať anatómiu ľudského tela. „Giottov muž odoláva úderom osudu. Je pripravený znášať nepriazeň osudu, nestrácať odvahu, nezatvrdzovať sa voči ľuďom. Toto chápanie neodporovalo stredovekej cirkevnej morálke, ale človeka pozdvihlo, presadilo sa, dodalo mu elán.“

Vo výtvarnom umení sa sformovalo niekoľko škôl s vlastnými jedinečnými štýlovými črtami.

3.1. FLORENTÍNSKA ŠKOLA Xv storočí

Až v 15. storočí sa v architektúre Talianska začali objavovať znaky nového štýlu. Filippo Brunelleschi (1377-1446) dokončil Florentskú katedrálu v roku 1434 s obrovskou kupolou, gotickou budovou založenou v roku 1295. Svetskú architektúru paláca charakterizuje kombinácia neprístupnosti vonkajšej pevnosti s vnútornou atmosférou pohodlia.

V cirkevnej architektúre sa objavuje obklad fasád kostolov rôznofarebným mramorom, vďaka čomu je fasáda „pruhovaná“ – charakteristický znak talianskej renesancie.

Nová socha sa zrodila v roku 1401, keď bola usporiadaná súťaž na zdobenie dverí krstnej komory florentskej katedrály. Sochárom, ktorý musel riešiť problémy európskej plastiky - okrúhla plastika, pomník - bol Donato di Niccolo di Betto Bardi (1386? -1466). Gotické reminiscencie sú pozorované aj v jeho umení. Donatello rieši problém inscenovania ľudskej postavy v raste podľa zákonov plasticity, vyvinutých v staroveku, ale zabudnutých v stredoveku. Socha svätého Juraja, ktorú vykonal Donatello, stelesňuje ideál ranej renesancie: pocit sebauvedomenia a sebadôvery v tento obraz je zdôraznený voľným, pokojným držaním postavy pripomínajúcej stĺp. Toto nie je „poľudštený boh staroveku, ale zbožštený človek novej doby“ (N. Punin).

Donatello má tiež tú česť vytvoriť prvú jazdeckú pamiatku počas renesancie. Toto je jazdecká socha Condottiere Erasmo di Narni v Padove.

Donatello, ktorý využil najlepšie tradície stredovekého umenia, študoval starožitný plast, prišiel k svojmu vlastné rozhodnutia, k obrazom hlbokej ľudskosti a skutočného realizmu, čo vysvetľuje jeho obrovský vplyv na celé nasledujúce európske sochárstvo.

Vedúca úloha v maľbe florentskej ranej renesancie pripadla Tommasovi di Giovanni di Simone Cassan Guidi, známy ako Masaccio (1401-1428). Vyriešil problémy výtvarného umenia, ktoré predtým položil Giotto. Masaccio sa prejavil ako umelec, pre ktorého bolo jasné, ako umiestniť postavy do priestoru, ako ich spájať medzi sebou a s krajinou, aké sú zákony anatómie ľudského tela. Riešil hlavné problémy renesancie – lineárnu a vzdušnú perspektívu.

Renesancia alebo renesancia nám dala veľa veľkých umeleckých diel. Bolo to priaznivé obdobie pre rozvoj tvorivosti. Mená mnohých veľkých umelcov sa spájajú s renesanciou. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio sú len niektoré z mien vtedajších tvorcov.

S týmto obdobím sa spája vznik nových štýlov a maliarstva. Prístup k zobrazovaniu ľudského tela sa stal takmer vedeckým. Umelci sa snažia o realitu – prepracúvajú každý detail. Ľudia a udalosti na obrazoch tej doby vyzerajú mimoriadne realisticky.

Historici rozlišujú niekoľko období vo vývoji maliarstva v období renesancie.

Gotika - 1200-te roky... Populárny štýl na súde. Vyznačovalo sa pompéznosťou, domýšľavosťou, nadmernou farebnosťou. Používa sa ako farby. Obrazy boli oltárne námety. Najznámejšími predstaviteľmi tohto trendu sú talianski umelci Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Protorenesancia – 13. storočia... V tomto čase prebieha reštrukturalizácia mravov v maľbe. Náboženské témy ustupujú do úzadia a čoraz väčšiu obľubu si získavajú tie svetské. Maľba preberá miesto ikony. Ľudia sú vykreslení realistickejšie, pre umelcov sa stáva dôležitá mimika a gestá. Objavuje sa nový žáner výtvarného umenia -. Predstaviteľmi tejto doby sú Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Raná renesancia – 15. storočia... Rozkvet nenáboženskej maľby. Dokonca aj tváre na ikonách sa stávajú živšími - získavajú ľudské vlastnosti tváre. Umelci predchádzajúcich období sa pokúšali maľovať krajiny, ale slúžili len ako pozadie hlavného obrazu. V období ranej renesancie sa stáva samostatným žánrom. Portrét sa ďalej rozvíja. Vedci objavujú zákon lineárnej perspektívy a umelci na tomto základe stavajú svoje obrazy. Na ich plátnach môžete vidieť správny trojrozmerný priestor. Vynikajúci predstavitelia tohto obdobia sú Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Vrcholná renesancia – zlatý vek... Rozhľad umelcov sa ešte viac rozširuje - ich záujmy siahajú do priestoru Kozmu, človeka považujú za stred vesmíru.

V tejto dobe sa objavili "titáni" renesancie - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi a ďalší. Sú to ľudia, ktorých záujmy sa neobmedzovali len na maľovanie. Ich vedomosti sa rozšírili oveľa ďalej. Najvýraznejším predstaviteľom bol Leonardo Da Vinci, ktorý bol nielen skvelým maliarom, ale aj vedcom, sochárom, dramatikom. V maľbe vytvoril fantastické techniky, napríklad „hladký“ – ilúziu oparu, z ktorej vznikla slávna „La Gioconda“.

Leonardo Da Vinci

Neskorá renesancia- zánik renesancie (polovica 16. storočia, koniec 17. storočia). Tento čas je spojený so zmenami, náboženskou krízou. Kvitnutie končí, čiary na plátnach sú nervóznejšie, individualizmus odchádza. Dav sa čoraz viac stáva obrazom obrazov. Talentované diela tej doby patria peru Paola Veroneseho, Jacopa Tinoretta.

Paolo Veronese

Taliansko dalo svetu najviac talentovaných umelcov renesancie, najviac sa spomínajú v dejinách maliarstva. Medzitým sa v tomto období v iných krajinách rozvíjala aj maľba, ktorá ovplyvnila vývoj tohto umenia. Maľba iných krajín v tomto období sa nazýva severná renesancia.

Obroda alebo renesancia (tal. Rinascimento, francúzska renesancia) - reštaurovanie, antická výchova, obroda klasickej literatúry, umenie, filozofia, ideály starovekého sveta skreslené alebo zabudnuté na „temné“ a „zaostalé“ pre západná Európa obdobie stredoveku. Bola to podoba, ktorú nadobudlo od polovice 14. do začiatku 16. storočia kultúrne hnutie známe ako humanizmus (pozri skratku a články o ňom). Od renesancie je potrebné odlišovať humanizmus, čo je len charakteristický znak humanizmu, ktorý pre svoj svetový rozhľad hľadal oporu v klasickej antike. Rodiskom renesancie je Taliansko, kde starobylá klasická (grécko-rímska) tradícia, ktorá mala pre Talianov národný charakter, nikdy nevybledla. V Taliansku nebol útlak stredoveku nikdy zvlášť výrazne pociťovaný. Taliani sa nazývali „Latincami“ a považovali sa za potomkov starých Rimanov. Napriek tomu, že prvotný impulz k renesancii pochádzal čiastočne z Byzancie, účasť byzantských Grékov na nej bola mizivá.

renesancie. Video

Vo Francúzsku a Nemecku sa antický štýl miešal s národnými prvkami, ktoré v prvom období renesancie, ranej renesancii, pôsobili ostrejšie ako v nasledujúcich obdobiach. Neskorá renesancia rozvinula antické vzorky do luxusnejších a mohutnejších foriem, z ktorých sa postupne vyvinulo baroko. Kým v Taliansku prenikol duch renesancie takmer rovnomerne do všetkých umení, v iných krajinách boli antické vzorky ovplyvnené iba architektúrou a sochárstvom. Renesancia prešla národným spracovaním aj v Holandsku, Anglicku a Španielsku. Potom, čo sa renesancia zvrhla do rokoko, prišla reakcia, vyjadrená v najprísnejšom dodržiavaní starožitné umenie, grécke a rímske príklady v celej ich primitívnej čistote. Ale táto imitácia (najmä v Nemecku) nakoniec viedla k nadmernej suchosti, ktorá na začiatku 60. rokov XIX. pokúsil prekonať návratom do renesancie. Táto nová vláda renesancie v architektúre a umení však trvala len do roku 1880. Odvtedy popri nej začalo prekvitať baroko a rokoko.