Medioevo di musica. Introduzione Musicista medievale

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Libri

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Più di 1000 anni hanno sviluppato l'arte musicale del Medioevo. È una fase stressante e controversa dell'evoluzione del pensiero musicale - dal monoment (one-s) alla polifonia più complessa. Molti strumenti musicali europei sono stati migliorati nell'epoca del Medioevo, sono stati formati i generi della Chiesa che della musica secolare, sono state formate, sono state formate le famose scuole di musica d'Europa: Paesi Bassi, francesi, tedeschi, italiani, spagnoli, ecc.

Nel Medioevo c'erano due direzioni principali nello sviluppo della musica: musica spirituale e laico, intrattenimento. Allo stesso tempo, la musica secolare è stata ritenuta alla religione, era considerata la "navatazione diabolica".

La musica era uno degli strumenti della religione, un "subwoiled" significa che serviva gli obiettivi della Chiesa, oltre a una delle scienze esatte. La musica è stata messa con matematica, retorica, logica, geometria, astronomia e grammatica. La chiesa ha sviluppato cantanti e scuole compositori con un focus sull'estetica musicale numerica (per gli scienziati di quell'epoca, la musica era una proiezione del numero sulla materia del suono). Questa era l'influenza del tardo ellenismo, le idee di Pythagora e Platone. Con questo approccio, la musica non aveva un valore indipendente, era l'allegoria della musica più alta e divina.

Quindi, la musica è stata divisa in 3 tipi:

• La musica del mondo è sfera musicale, pianeti. Secondo l'estetica musicale e numerica del Medioevo, ogni pianeta del sistema solare era dotato del suo suono, tono e il movimento dei pianeti ha creato musica celeste. Oltre ai pianeti, le stagioni erano dotate del suo tono.
• Musica umana - Ogni organo, parte del corpo, l'anima di una persona era dotata del loro suono, che erano in consonanza armoniosa.
• Musica strumentale - l'arte di giocare strumenti, musica per busta, tipo inferiore di gerarchia.

La musica spirituale era vocale, corale e laica - vocale strumentale. La musica strumentale era considerata luce, frivola, e, i teorici musicali di quella epoca non lo percepiscono seriamente. Anche se il mestiere a menstre ha richiesto i musicisti di grandi capacità di performance.

Il periodo di transizione dal Medioevo all'era del nuovo tempo in Europa, che è durato quasi due e mezzo secolo. Durante questo periodo, si sono verificati cambiamenti significativi in \u200b\u200bmolte aree della vita; Tempestoso fiorente sopravvissuto scienza e arte. Il periodo di rinascita è diviso in molte parti componenti e fasi di sviluppo. Varie superstizioni sono anche associate ad essa, radicate così fermamente che ancora oggi ci sono notevoli sforzi per confutarli.

• Il primo e, probabilmente, il principale equivoco deve essere considerato (come molti degli ideologi del Rinascimento) la rinascita del risveglio, la risurrezione della cultura e della civiltà, che è arrivata dopo un lungo periodo del "Medioevo" barbaro " , tempo cupo, il periodo di divario nello sviluppo della cultura. Questo pregiudizio si basa sulla piena ignoranza del Medioevo e della stretta connessione tra di esso e Revival; Ad esempio, ci saranno abbastanza due aree completamente diverse - poesia e vita economica. Dante viveva nel XIII secolo, cioè. Nel climax del Medioevo, Petrarka - nel XIV. Per quanto riguarda la vita economica, il suo autentico rinascimento cade anche sul XIII secolo, il tempo del rapido sviluppo del commercio e del settore bancario. Si dice che siamo obbligati a far rivivere gli autori antichi, ma questa è anche la superstizione. È noto che durante questo periodo furono scoperti solo due antichi manoscritti greci, il resto era già in Occidente (principalmente in Francia), perché il ritorno all'antichità associata all'interesse di persona e natura, l'Europa occidentale è sopravvissuta nel XII e XIII secoli.
• La seconda superstizione è associata alla miscelazione di due componenti del rinascita opposto l'uno dell'altro, vale a dire il cosiddetto umanesimo e la nuova scienza naturale. L'umanesimo è ostile a qualsiasi logica, ogni ragione, qualsiasi scienza naturale, che considera il lavoro "meccanico", indegno di una persona culturale, progettata per essere uno scrittore, riser, politico. La figura del Rinascimento, che combina l'Erasma di Rotterdam e Galilea allo stesso tempo, è il mitico, e la fede in un certo inerente all'era della rinascita dell'immagine del mondo - nient'altro che una superstizione.
• Il terzo pregiudizio consiste nel lodare la filosofia dell'età rinascimentale come "grande" rispetto allo scolastico prima di esso.

Infatti, ad eccezione di Nicholas Kuzansky (distante dallo spirito del Rinascimento) e dalla Galilea (che vivevano al Rinascimento, i filosofi del Rinascimento, secondo la fiera della fiera di Kristischer, non erano né buoni, né cattivi, non erano filosofi a tutti. Molti di loro erano eccezionali scrittori, scienziati, intenditori di testi antichi, erano famosi per beffarie e acute intelligence, abilità letterarie. Ma non hanno quasi nessuna relazione con la filosofia. Quindi, si oppongono a loro ai pensatori del Medioevo - Superstizione dell'acqua pulita.

• • Un altro malinteso è considerare il revival di una rivoluzione tempestosa, un gap completo con il passato. Infatti, durante questo periodo ci sono cambiamenti profondi, ma sono tutti organicamente collegati al passato, e in ogni caso, le loro origini possono essere trovate nel Medioevo. Questi cambiamenti hanno in passato così profonde radici che uno dei più grandi professionisti dell'era del Rinascimento, che ha, ha avuto ogni ragione per nominare questa epoca del "Medioevo autunnale".

Infine, la superstizione è l'opinione che le persone che vivevano nell'era del Rinascimento, almeno la maggior parte di loro, nello spirito dei loro protestanti, monondi, atei o razionalisti. Infatti, la stragrande maggioranza dei famosi rappresentanti del Rinascimento, e nel campo della filosofia quasi tutto, da Leonardo e Ficino a Galileo e campennel, erano cattolici, sostenitori della frequenza e defenders34 fede cattolica. Quindi Martyo Ficino al 40 ° anno di vita ha preso la fede cristiana e ha creato una scusata cattolica del nuovo tempo.

Teoria del teorico musicale Medioevo Guido Aretinsky (fine del XV secolo) fornisce la seguente definizione musicale:

"La musica è il movimento dei suoni vocali."

In questa definizione, il teorico musicale medievale ha espresso atteggiamento verso la musica dell'intera cultura musicale europea di quell'era.

Generi musicali della chiesa e della musica secolare.

La fonte della musica spirituale del Medioevo era l'ambiente del monastero. I canti sono stati intrappolati nelle scuole cantanti per l'udito e distribuito in Ambiente della Chiesa. In considerazione dell'aspetto di un grande collettore, la Chiesa cattolica ha deciso di canonizzare e regolare i canti che riflettono l'unità della dottrina cristiana.

Così, apparve il corale, che divenne la personificazione della tradizione musicale della Chiesa. Si basa su altri generi creati specificamente per determinate vacanze, adorazione.

La musica spirituale del Medioevo è rappresentata dai seguenti generi: · CORAL, CORAL GRIGORIA - Cancello religioso con un lato del latino, chiaramente regolato, è stato eseguito da un coro, alcune sezioni - solista

• • • La massa è l'adorazione principale della Chiesa cattolica, composta da 5 parti sostenibili (ordardian) - I. Kyrie Eleison (Signore, Pomemui), II. Gloria (gloria), III. Credo (credi), IV. Sanctus (santo), V. Agnus dei (Agnello di Dio).
    • Liturgia, drammatta liturgica - Adorazione di Pasqua o Natale, dove le coralas gregoriane si alternano con melodie di sentieri non canonizzate, le liturgie sono state eseguite dal coro, il partito dei personaggi (Mary, Evangelist) - solisti, a volte è apparso un tipo di costumi
    • Mistero - un dramma liturgico con un'azione dettagliata della fase, i costumi
    • Rondel (Rondo, RU) è un genere multi-voce di età matura e tardo medioevo, affidata alla melodia dell'autore (a differenza della cellatura canonizzata), che è stata eseguita nel modo improvvisativo da solisti che si uniscono a turni (prima forma Canon)
    • Proprium - parte del genere di massa, variabile a seconda del calendario della chiesa (a differenza della parte costante della massa - Ordario)
    • ANTIFONE - Il genere più antico della musica della chiesa corale, basata sulle parti alternate da due gruppi corali

Campioni di musica della Chiesa:

1) Kyrie Eleyson

2) Vittimae Pashali

La musica secolare del Medioevo era, per lo più musica di musicisti randagi e si è distinta dalla libertà, individualizzata ed emotività. Inoltre, la musica secolare faceva parte della cortesia, la cultura cavalluminosa del feudale. Poiché il codice ha prescritto il cavaliere di squisiti maniere, generosità, generosità, doveri di servire da bella signora, queste parti non potevano trovare la loro riflessione nelle canzoni di Troubadur e Minneseringer.

Eseguirono la musica laica di mimi, giocolieri, tronbreners o tubi, menestrelli (in Francia), Minnesinger, Spielmen (in paesi tedeschi), Chogres (in Spagna), briciole (in Russia). Questi artisti hanno dovuto non solo essere in grado di cantare, giocare e ballare, ma anche essere in grado di mostrare performance del circo, trucchi, scene teatrali e avrebbero dovuto essere in altri modi per intrattenere il pubblico.
A causa del fatto che la musica era una delle scienze e è stata insegnata alle università, le persone feudali e nobili che hanno ricevuto l'istruzione potrebbero applicare la loro conoscenza e arte.
Quindi, la musica si è sviluppata in tribunale. Al contrario dell'ascetismo cristiano, la musica knightly ha sfidato l'amore sensuale e l'ideale di un'eccellente signora. Tra la nobiltà, mentre i musicisti erano conosciuti - Guyom - VII, Conta Poitiers, Duke Aquitania, Jean Briensky - Re di Gerusalemme, Pierre Moklar - Duca di Bretagna, Tibo Champagne - King Navarre.

Caratteristiche principali e caratteristiche del Medioevo:

• • • facili affida al folklore, non viene eseguito in latino, ma nei dialetti della lingua nativa,
    • tra la notazione degli artisti randagi non viene utilizzata, la musica è una tradizione orale (più tardi nell'ambiente della corte, si sta sviluppando una scrittura musicale)
    • l'argomento principale è l'immagine di una persona nell'intero collettore della sua vita terrena, amore sensuale idealizzato
    • un modo - come un modo per esprimere sentimenti individuali in poesie e forma di canzoni
    • esecuzione vocale e strumentale, il ruolo degli strumenti non è molto alto, lo strumentale era principalmente entrata, intermedi e codici
    • la melodia è stata diversificata, ma i ritmici allo stesso tempo - canonizzati ", l'influenza della musica della Chiesa, le varietà del ritmo (modalità ritmica), era solo 6, e ognuna di esse aveva un contenuto rigorosamente sagomato.

Trombe, Trubadre e Minners, giocando a Trumpet Knight Music, ha creato i loro generi originali:

• • • "Weavky" e le canzoni "maggio"
    • Rondo - forma basata sulla ripetizione del rifrenare
    • Ballad - canzone textzy
    • VirlAel - Poesie di Starofronzuz con una stanza a tre colpi (la terza linea è abbreviata), la stessa rima e con il coro
    • ESOICA EPOS ("Canzone di Roland", "Canzone di Nibelunga")
    • Canzoni dei crociati (canzoni della Palestina)
    • Kanzona (a Minnesinger furono chiamati - Alba) - Amore, canzone lirica

Grazie allo sviluppo della cultura urbana negli X - XI secoli. L'arte secolare è diventata più attiva. Guardare i musicisti scelgono sempre più uno stile di sedimentazione, blocchi integrali popolati.

È interessante notare che i musicisti randagi dei secoli XII - XIII. Torna al tema spirituale. La transizione dal latino alle lingue locali e l'enorme popolarità di questi artisti ha permesso loro di prendere parte a idee spirituali nelle cattedrali di Strasburgo, Rouen, Reims. Cambone. Nel corso del tempo, alcuni dei musicisti erranti hanno ricevuto il diritto di organizzare spettacoli nei castelli della nobiltà e nei cortili di Francia, Inghilterra, Sicilia e altri paesi.

Dai secoli XII - XIII, i monaci sfuggiti, le scuole erranti appaiono tra i musicisti randagi e gli strati inferiori del clero - vaganti e Goliada.

I musicisti seculi si formano nelle città medievali intere negozi musicali - "Brotherhood of St. Julien" (Parigi, 1321), "Brotherhood of St. Nicholas" (Vienna, 1288). Gli obiettivi di queste associazioni erano la protezione dei diritti dei musicisti, della conservazione e del trasferimento di tradizioni professionali.

Nei secoli XIII - XVI. Si formano nuovi generi, che si sviluppano ulteriormente già in Ars Nova Epoch:

• • • Motets (da Franz. - "Word") - Un genere multi-voce, distinto per l'infermieristica melodica dei voti che ha intollerato diversi testi contemporaneamente, a volte anche in diverse lingue, potrebbero essere entrambi i contenuti secolari e spirituali
    • Madrigal (da Ital. - "Canzone nella lingua madre", I.e. Italiano) - Lyric, canzoni pastorali,
    • Kachche (da Ital. - "Caccia") - Un gioco vocale sul tema della caccia.

Musica secolare del Troubadur e Compositori professionistici.

Informazioni aggiuntive:

Nella nostra epoca di informazione, il secolo di alte tecnologie, spesso dimentichiamo i valori spirituali irreversivi. Uno di questi valori è musica classica: il patrimonio spirituale dei nostri antenati. Qual è la musica classica, perché è necessario da una persona moderna? Perché molti credono che questo sia molto noioso? Proviamo a capire queste domande difficili. Puoi ascoltare l'opinione che la musica classica è presumibilmente quella che è stata scritta molto tempo fa. Questo non è il caso, poiché questo concetto implica tutto il meglio che è stato creato nel mondo della musica sin dall'esistenza della civiltà umana. Sonata Beethoven, creata nel XVIII secolo, e romanticismo Sviridova, ha aggiunto 40 anni fa, - tutto questo è un classico! La cosa principale è che questa musica ha superato la prova del tempo. E al momento della Beethoven, e ora si verificano dall'arte che produce un prodotto musicale di base. Questo prodotto è viziato molto rapidamente e l'arte genuina ogni giorno sta diventando più bella e più bella.

L'aspetto delle note

Scrivere, la Grande Invenzione dell'umanità, ha permesso di accumulare e trasmettere pensieri, idee e impressioni alle imminenti generazioni. Un'altra invenzione, non meno grande, il disco musicale, ha permesso di trasferire suoni per discendenti, musica. Alla musica in musica europea, sono stati utilizzati segnali speciali - il NEMA.

L'inventore del Modern Tank Record System è il monaco benedettino di Guido Aretinsky (Guido D'Isset) (990-1050). Arezzo è una piccola città in Toscana, non lontano da Firenze. Nel monastero locale, il fratello Gvido insegnava a cantare l'esecuzione dei canti della chiesa. Non era facile e lungo. Tutte le conoscenze e le competenze sono state trasmesse per via orale in comunicazione diretta. Singeing sotto la guida dell'insegnante e dalla sua voce fu costantemente imparato ogni inno e ogni cantante di massa cattolica. Pertanto, un "corso" completo ha richiesto circa 10 anni.

Guido Arettinsky ha iniziato a contrassegnare i suoni di note (dalla parola latina nota - un segno). Note, quadrati ombreggiati, sono stati posizionati su una latta, composti da quattro linee parallele. Ora queste linee sono cinque e le note sono rappresentate da cerchi, ma il principio introdotto da Guido, è rimasto invariato. Le note più alte sono raffigurate su una linea più alta. Note sette, formano un'ottava.

Ognuna delle sette note dell'ottava Gwido ha dato il nome: UT, RE, MI, Fa, Sol, La, Si. Queste sono le prime sillabe dell'Imn of St. John. Ogni riga di questo inno arriva sul tono sopra il precedente.

Le note della successiva ottava sono chiamate la stessa, ma arrivano in una voce più alta o inferiore. Quando si sposta da un'ottava a un'altra frequenza sonora, che è indicata dalla stessa nota, aumenta o diminuisce due volte. Ad esempio, gli strumenti musicali hanno creato una nota della prima ottava. Questa nota corrisponde alla frequenza di 440 Hz. Il prossimo, secondo, ottava corrisponderà alla frequenza di 880 Hz.

I nomi di tutte le note, eccetto prima, finiscono su un suono vocale, è conveniente cantare. SLOG UT - Chiuso e scomparendo è impossibile. Pertanto, il nome della prima tacca dell'ottava, UT, nel XVI secolo sostituì il DO (molto probabilmente, dalla parola latina dominus - il Signore). L'ultima nota dell'ottava, Si è la riduzione di due parole dell'ultima riga dell'hymn, ha una canzonatura Ioannes. Nei paesi in lingua inglese, il nome "SI" è stato sostituito da "TI" per non essere confuso con la lettera C, utilizzata anche in un record di avviso.

Le note invenus, Guido ha insegnato i cantanti di questo tipo di alfabeto, e anche li ha insegnati a cantare su note. Cioè, il fatto che nelle moderne scuole di musica si chiama Solfeggio. Ora è stato sufficiente scrivere tutte le note di Mesa, e i cantanti potrebbero già affrettare la melodia desiderata. Scomparve la necessità di insegnare personalmente ciascuna canzone. Guido aveva solo per controllare il processo. Tempo di allenamento Pevichi è diminuito cinque volte. Invece di dieci anni - due anni.!

Una placca commemorativa a Arezzo su Ricassolley Street sulla casa in cui è nata Guido. Su di esso raffigurato note quadrate.

Devo dire che il monaco Guido di Arezzo non era il primo a trovare la scrittura di musica con l'aiuto dei segni. Prima di lui, nell'Europa occidentale, c'era già un sistema di non time (dalla parola greca "Pneumo" - respirazione), distintivi apposti sul testo dei Psalms per designare l'aumento o la diminuzione del tono della canzone. In Russia, per lo stesso scopo, hanno usato i propri "ganci" o "banner".

Le note quadrate di Guido Aretinsky, situate sulle quattro linee del MOT, si sono rivelate il sistema di registrazione musicale più semplice e conveniente. Grazie a lei, un tocco di gradi diffusi in tutto il mondo. La musica ha lasciato i confini della Chiesa e lasciati ai palazzi di Vladyk e nobile, e poi nei teatri, nelle sale da concerto e nelle piazze della città, diventando il patrimonio generale.

Cos'è un modo.

Lada è uno dei termini centrali della teoria della musica. Capire come sono costruiti e l'uso abile del loro uso apre opportunità illimitate di fronte a un musicista. E spesso spiega esattamente come viene creata una transizione interessante in una particolare composizione, è impossibile - se una persona non capisce cosa è un modo. Ma c'è un ostacolo: il termine "modo" se stessi i musicisti usano, spesso il significato non lo stesso. Perché? E cosa è così in generale? La confusione si è rivelata a causa di questa parola in diverse epoche è stata investita un significato molto diverso.

Non rendiamo conto di come la nostra percezione è allevata e legata nella musica classica. (Mentre il concetto di "musica moderna" è una partenza dai principi classici). L'era del classicismo è un grande strato storico nella percezione umana del mondo. Dopo il Medioevo, le persone scoprono arte antica e li affascinano. Qualsiasi prodotto del classicismo è costruito su canoni rigorosi, trovando così la leggerità e la logicità dell'universo stesso. Il classicismo ha creato un'ordinatezza strutturale - una chiara gerarchia del più alto e inferiore, principale e secondario, centrale e subordinato. Pertanto, ad esempio, a partire dai classici di Vienna e dalla musica romantica, pensiamo nel sistema - "Major Minor". Cos'è e quanto influisce sulla nostra percezione?

Maggiore e minore sono tasti tonali. Tual Lad è un sistema di relazioni specifico tra i toni. Cosa significa? Qual è il tono? Proviamo a capire. Supponi di essere il piano di fronte a te: guarda la tastiera: siamo familiari alle chiavi pre-mi-fa-sol-la-si, 7 bianche e tra loro sono altri 5 neri, solo 12. La distanza tra ciascuno di loro sono mezzitoni. Tra il vicino nero e nero - sempre mezzitoni. Tra il bianco adiacente - il tono (ci sono eccezioni al MI-FA e SI-UP è mezzitoni).

Qualsiasi set di toni e mezzitoni è una fonte. Nell'era del classicismo, cominciò a costruirlo con una stretta subordinazione di tutti i toni del tonico - il tono principale. Tale è un modo importante o minerario. Tutta la musica tono (l'intero classico) si basa sulla relazione tra i consonenti principali e subordinati. Per le voci, distinguiamo intuitivamente il maggiore e minore su come sono dipinti - "gioioso" o "triste". Un modo variabile è quando le caratteristiche principali e minori sono simultaneamente in un unico lavoro. Ma il principio di loro è comune - tonale.

Tuttavia, questo principio non è l'unico possibile. Prima dell'epoca del classicismo, quando tutti furono finalmente ordinati in un sistema snello di tonalità, il pensiero musicale era diverso. Ionio, Dorian, Frigian, Lidy, Mixolidian, Eoli, Lokuri ... Questa è l'ottava Lada dei Greci. E c'erano tavoli della Chiesa di musica Grigoriana. Tutto questo è Modal Lada. Hanno composto musica in antichità, medioevo, tradizione musicale di Modalna orientale (stracci indiani o macms arabi, per esempio). Nella musica d'Europa, l'era revival ha anche prevalso la modalità.

Qual è la principale differenza dal nostro solito look tonale? Nei freaks tonale si distingue in modo rigorosamente le funzioni del principale consonanza e degli accordi, e in musica modale sono molto più sfocati. Per Modal Lada, il suono del suono è importante - sia i significati che le vernici che possono portare in musica. Ecco perché siamo facilmente a Rumor distinguere la musica indiana da chorali medievali - secondo determinati consonanze e colpi musicali.

Nel 20 ° secolo, i compositori sembrano aver provato tutte le opzioni sonore all'interno della musica tonale. "Sono annoiato, il demone!", "Dissero e in cerca di nuovi colori si sono rivolti al fatturato vecchio-modale e muoversi. Quindi c'era una nuova modalità. Nella musica moderna, sono apparsi nuovi tasti - ad esempio, Blues. Inoltre, c'era un genere speciale del genere modal. Miles Davis, ad esempio, chiamata musica modal "deviazione da una normale gamma da sette note, dove ogni nota non è a fuoco." E ha detto che "andare in questa direzione, vai all'infinito". Il giorno dopo il giorno è che i principi tonale e modale non escludono a vicenda. In un gioco, i loro segni possono essere mescolati. La modalità è come un altro strato, che è sovrapposto al solito maggiore / minore. E l'uso di vari registri modali cambia il colore della musica: ad esempio, i turni del lado del frigiano sono grigliati, perché i suoi tappeti sonori costituiscono principalmente gradini ridotti. Conoscendo tali verdure, puoi ottenere un suono interessante se scrivi musica.

Colore, umore, carattere - Questi sono segni di Lada, che ascoltiamo, ma spesso non lo rendiamo conto. Spesso, i turni modali si aggrappano alle canzoni - perché sono insoliti. Rumor, cresciuto sulla musica classica, tira questa partenza dalla vita di tutti i giorni. Tutto questo e molto altro si apre quando capisci il linguaggio della musica.

Musica del Medioevo - il periodo di sviluppo della cultura musicale, che copre un periodo di tempo da circa V al XIV secolo d.C.

Il Medioevo è una grande era della storia umana, il tempo del dominio del sistema feudale.

Periodo di cultura:

Inizio medievale - V - secoli.

Medioevo maturo - XI - XIV secoli.

Nel 395, l'Impero Romano ha rotto due parti: Western e orientale. Nella parte occidentale delle rovine di Roma nei secoli V-IX, c'erano stati barbari: affilatori, modalità, franchi, ecc. Nel IX secolo, tre stati sono stati formati nel decadimento dell'Impero Karl Great qui: Francia, Germania, Italia. Costantinopoli divenne la capitale, fondata dall'imperatore Konstantin sul sito della colonia greca di Byzantium - da qui e il nome dello stato.

Nell'era del Medioevo in Europa c'è una nuova cultura musicale di tipo - un feudale, combinando arte professionale, musica amatoriale e folklore. Dal momento che la Chiesa prevale in tutte le aree della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è le attività dei musicisti nei templi e nei monasteri. L'arte professionale secolare è stata presentata in primo luogo solo cantanti che creano ed eseguono leggende epiche al cortile, nelle case di conoscenza, tra i guerrieri, ecc. (Barcs, scottature, ecc.). Nel tempo, le forme amatoriali e semi-professionali di malitalizzazione della cavalleria si stanno sviluppando: in Francia - l'arte del Trubadurov e dei trover (Adam de la, il XIII secolo), in Germania - Minnesinger (Tungsten von Eschenbach, Walter von der Foelweid, Xi- XIII secolo) e anche artigiani urbani. Nelle serrature feudali e nelle città vengono coltivate ogni sorta di parto, generi e forme di canzoni (epope, "Dawn", Rondo, Le, Velel, ballatori, chancies, terre, ecc.).

Nuovi strumenti musicali sono inclusi nella vita, compresi quelli che provenivano da est (viola, liuto, ecc.), Ensembles (composizioni instabili) sorgono. Folklores fiorisce nel mezzo contadino. "I professionisti delle persone" operano: l'osservanza degli artisti sintetici erranti (juggle, mimi, menestrelli, spipens, briciole). La musica ribadisce principalmente le funzioni applicate e spirituali e pratiche. La creatività si esibisce nell'unità con l'esecuzione (come regola in una sola persona).

A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, i suoi generi, le forme, i mezzi di espressività sono arricchiti. Nell'Europa occidentale dai secoli VI-VII. C'è un sistema rigorosamente regolato di musica chiesa mono-voce (monodica) sulla base di terre diatoniche (canto grorior), che combina la recitazione (salmodia) e cantando (inni). Alla fine del 1 ° e 2 ° millennia sono nati multi-raggi. I nuovi generi vocali (coro) e vocali-strumentali (coro e organo) sono formati: organi, Mott, condotta, poi mesia. In Francia nel XII secolo, la prima scuola compositore (creativa) è formata con la cattedrale della Madre di Dio di Parigi (Leonin, Arati). Alla fine del Rinascimento (stile Ars Nova in Francia e in Italia, il XIV secolo) Nella musica professionale di un multi-viaggio con i capelli con i capelli, la musica inizia a essere liberata dalle funzioni puramente pratiche (manutenzione di riti della Chiesa), aumenta l'importanza di generi secolari, comprese canzoni (Gille de Masha).

La base materiale del Medioevo è stata una relazione feudale. La cultura medievale è formata nelle condizioni di una tenuta rurale. In futuro, la base sociale della cultura diventa l'ambiente urbano - Burgemi. Con la formazione degli stati, la domanda principale è formata: clero, nobiltà, persone.

L'arte del Medioevo è strettamente connessa con la Chiesa. Christian Creed è la base della filosofia, dell'etica, dell'estetica, dell'intera vita spirituale di questo periodo. Pieno di simboli religiosi, l'arte è diretta da terreni, transitori a spirituali, eterni.

Insieme alla cultura ufficiale della Chiesa (alta), c'era una cultura laica (inferiore) - folk (strati pubblici inferiori) e knightly (Courti).

I fuochi principali della musica professionale del primo medioevo - cattedrali, cantando scuole in loro, i monasteri sono gli unici centri per la formazione di quel tempo. Hanno studiato greco e latino, aritmetico e musica.

Il centro principale della musica della Chiesa nell'Europa occidentale nell'epoca del Medioevo era Roma. Alla fine del VI - primo secolo VII. La principale varietà della musica occidentale della Chiesa europea è formata - corale gregoriana, chiamato così chiamato Papa Gregory I, che ha effettuato la riforma della chiesa che canta, raccogliendo insieme e snellando vari canti della chiesa. Grigorian Choral è un canto cattolico dai capelli singoli, che ha fuso le tradizioni di canto secolari di vari popoli mediorientali ed europei (siriani, ebrei, greci, romani, ecc.). Era il liscio implementazione dai capelli singoli di una singola melodia che era destinata a personificare la volontà unita, al focus dell'attenzione dei parrocchiani in conformità con i dogmi del cattolicesimo. Il carattere della musica è severo, straordinario. È stato eseguito da coro coro (da qui il nome), alcune sezioni - solista. Prevale ad adulto sulla base di tasti diatonici. Il canto gregoriano ha permesso a molte gradazioni, che vanno dalla dura-slow slow Psalmody e finendo con gli anniversari (sillaba della sillaba di fusione) che richiedono abilità vocali virtuose per le sue prestazioni.

Il canto Grigoriano dà un ascoltatore dalla realtà, causa l'umiltà, conduce alla contemplazione, all'estensione mistica. Tale impatto contribuisce al testo in massa latina, incomprensibile dei parrocchiani. Il ritmo del canto è stato determinato dal testo. È vago, indefinito, a causa del carattere degli accenti di registrazione del testo.

I diversi tipi di canto gregoriano sono stati riassunti nel culto principale della Chiesa cattolica - Messe, in cui sono state stabilite cinque parti stabili:

Kyrie Eleison (Signore, Pomelia)

Gloria (gloria)

Credo (credi)

Sanctus (santo)

Agnus dei (Agnello di Dio).

Nel corso del tempo, gli elementi della musica folk attraverso gli inthems, le sequenze e i sentieri iniziano a perdite nel corale gregoriano. Se la Psalmodia è stata eseguita da un coro professionale di cantanti e clero, allora gli inni all'inizio sono parrocchiani. Erano inserimenti in culto ufficiale (erano inerenti alle caratteristiche della musica folk). Ma presto i grammi della massa cominciarono a spingere il salmodico, che ha portato all'aspetto della massa polifonica.

Le prime sequenze erano a valle sotto la melodia dell'anniversario in modo che un suono della melodia avrebbe una sillaba separata. La sequenza diventa un genere comune (il più popolare "Veni, Santa Spiritus", "Dies Irae", "Stabat Mater"). "Dies Irae" usato Berlioz, foglia, Tchaikovsky, Rachmaninov (molto spesso come simbolo della morte).

I primi campioni di polifonia si sono verificati dai monasteri - organi (movimento di quinta o quarti paralleli), Gimel, Fogrammasdon (parallelo sestaccord), condotta. Compositori: Leonin e Arabhs (12-13 secoli - Cattedrale della madre parigina di Dio).

I portatori della musica folk secolare nel Medioevo erano mimi, juggle, menstrelli in Francia, guglie - nei paesi della cultura tedesca e Chogres - in Spagna, Scomerculos - in Russia. Questi artisti erranti erano master universali: hanno combinato canto, danza, gioco su vari strumenti con focus, arte del circo, teatro dei burattini.

L'altro lato della cultura laica era una cultura knightly (corteriosa) (cultura del feudale secolare). I cavalieri erano quasi tutte le persone nobili - dai poveri guerrieri ai re. Un codice speciale del cavaliere è formato, secondo il quale il cavaliere, insieme al coraggio e al valoro, avrebbe dovuto possedere maniere squisite, per essere educati, generosi, generosi, per servire come una signora eccellente. Tutti i lati della vita cavalziosa si riflettono nell'arte musicale e poetica del Trubadov (Provenza - Southern France), conducenti (Francia del Nord), Minners (Germania). L'arte di Trubadurov è principalmente connessa con i testi di amore. I testi del genoma of love più popolari è stato Chancend (a Minnesinger - "Morning Songs" - Alba).

Trombe, ampiamente utilizzando la ricerca di Troubadur, ha creato i loro generi originali: "Songs tessive", "May Songs". L'area importante dei generi musicali di Troubadurov, drovers e Minneseringer era il canto e i generi di danza: Rondo, Ballad, VISELLE (forme riunioni), così come Eroic EPos (Francese Epos "Song di Roland", Tedesco - "Canzone di Nibelunga "). I Minnesiani avevano le canzoni dei crociati.

Caratteristiche caratteristiche dell'arte del Troubadurov, Drovers e Minnezinger:

Unidirezionale - è una conseguenza della comunicazione inseparabile della voce con il testo poetico, che segue la stessa essenza dell'arte poetica della musica. Una singola banda corrispondeva all'installazione su un'espressione individualizzata delle proprie esperienze, alla valutazione personale del contenuto della dichiarazione (spesso l'espressione delle esperienze personali è stata incorniciata dallo delineando i dipinti naturali).

Per lo più esecuzione vocale. Il ruolo degli strumenti non è stato significativo: è stato ridotto all'adempimento dell'entrata, dell'intermedia e dell'intermedia e degli inganni vocali incorniciati.

Informazioni sull'arte del cavaliere non può essere speso sia per il professionista, ma per la prima volta nel contesto della musiization secolare, una potente direzione musicale e poetica è stata creata con un complesso sviluppato di mezzi espressivi e una scrittura musicale relativamente eseguita.

Uno degli importanti risultati del Medioevo Maturo, a partire dai secoli X-XI, lo sviluppo delle città (Cultura Burgher) era lo sviluppo delle città. Le caratteristiche principali della cultura urbana erano anti-carcal, liberazione di orientamento, connessione con folclore, le sue risate e carattere di carnevale. Sviluppa stile architettonico gotico. Nuova forma di generi di polifonia: da 13-14 a 16 secoli. - Motet (da Franz. - "Word". Per il Mott. Tipicamente vivaio melodico dei voti che ha intonificato diversi testi - spesso anche in lingue diverse), Madrigal (da Ital. - "Canzone nella lingua madre", I.e. Italiano. Italiano. Italiano Lyubovoy-lirical, pastorale), Kachche (da Ital. - "Caccia" è un gioco vocale sul testo, la caccia alla pittura).

I musicisti vagabondiolosi folk si stanno muovendo da uno stile di vita nomade per un sistema sistemato, popolando interi blocchi di città e aggiungere i peculiari "negozi musicisti". A partire dal XII secolo, i Vagatants e Goliada sono stati uniti ai musicisti popolari - dichiarati immigrati da diverse classi (Scholas-studenti, runchays, clerici erranti). A differenza delle juggle analfabete - i rappresentanti tipici dell'arte della tradizione orale - vaganti e Goliada erano competenti: possedevano il linguaggio latino e le regole delle poesie classiche, la musica composta - canzoni (il cerchio delle immagini è associato alla scienza scolastica e alla vita studentesca) e persino Composizioni complesse di tipo di condotti e moti.

Le università sono diventate un significativo focus della cultura musicale. Musica, più precisamente - acustica musicale - insieme ad astronomia, matematica, fisico è entrato nel quadio, cioè. Il ciclo di quattro discipline ha studiato presso le università.

Così, nella città medievale c'erano vari fuochi di cultura musicale nella natura e nell'orientamento sociale: associazione di musicisti popolari, musica da giudiziaria, musica di monasteri e cattedrali, pratica musicale universitaria.

La teoria della musica del Medioevo era strettamente collegata alla teologia. In pochi trattati musicali e teorici, la musica era considerata come un "servo della Chiesa". Tra i trattati prominenti del primo medioevo, 6 libri "sulla musica" Augustine, 5 libri "sugli insediamenti musicali" e altri sono stati evidenziati. Un posto grande in questi trattati è stato pagato alle questioni scolastiche astratte, agli insegnamenti sul ruolo spaziale di musica, ecc.

Il sistema medievale del piede è stato sviluppato da rappresentanti dell'arte musicale professionale della Chiesa - quindi, il nome "Church Staks" era radicato per tasti medievali. Ionian ed Eolic ed Eolista sono stabiliti come i tasti principali.

La teoria della musica del Medioevo ha proposto la dottrina di Hexahorda. In ogni Lada, sono stati utilizzati 6 passi in pratica (ad esempio: A, RE, MI, FA, Sale, LA). Xi poi evitato, perché Cibo insieme con la mossa della FA sull'aumento del litro, che era considerato molto intatto e figurativamente chiamato il "diavolo nella musica".

La registrazione incorporabile è stata ampiamente utilizzata. Guido Aretinsky ha migliorato un sistema di registrazione del serbatoio. L'essenza della sua riforma era la seguente: la presenza di quattro linee, la relazione territrice tra le singole linee, il segno chiave (inizialmente alfabeto) o la colorazione delle linee. Ha anche introdotto la notazione dei fanghi per i primi sei livelli di Lada: UT, RE, MI, Fa, Sale, La.

La notazione menzular è stata introdotta, dove una determinata misura ritmica è stata fissata per ogni notevole (lat. Mensura - misura, misurazione). Nome delle Durazioni: Maxim, Long, Brevis, ecc.

Il XIV secolo è il periodo di transizione tra il medievale e l'era della rinascita. L'arte della Francia e dell'Italia del XIV secolo ricevette il nome "Ars Nova" (dal Lat. - Nuova arte), e in Italia, ha tutte le proprietà del revival precoce. Caratteristiche di base: rifiuto di utilizzare esclusivamente generi di musica della Chiesa e appello ai generi da camera strumentale da vocali secolari (Ballad, Kachche, Madrigal), riavvicinamento con suole domestiche, l'uso di vari strumenti musicali. Ars Nova è opposto al cosiddetto. Ars Antikva (Lat. Ars Antiqua è la vecchia arte), implicando l'arte musicale prima dell'inizio del XIV secolo. I maggiori rappresentanti dell'Ars Nova erano Guillaume de Masho (14 ° secolo, Francia) e Francesco Landino (XIV secolo, Italia).

Così, la cultura musicale del Medioevo, nonostante la relativa limitazione dei fondi, è un livello più alto rispetto alla musica del mondo antico e contiene i prerequisiti per la magnifica fiorente dell'arte musicale nell'era rinascimentale.

museo musicale Grigorian Troubadur

Medioevo di musica

La cultura musicale del Medioevo - un fenomeno storico estremamente volumetrico e versatile, situato cronologicamente tra l'era dell'antichità e rinascita. È difficile immaginare come un singolo periodo, poiché in diversi paesi, lo sviluppo dell'arte ha approvato i suoi modi speciali.

Una caratteristica specifica del Medioevo del Medioevo che aveva caduto un'impronta su tutte le sfere della vita umana in quel momento, è stata la guida della Chiesa in politica, etica, arte, ecc. Anche la musica non ha evitato un tale destino: Non era ancora separata dalla religione e aveva una funzione principalmente spirituale. Il suo contenuto, le immagini, la sua intera essenza estetica ha incarnato la negazione dei valori della vita terrena per il bene della ricompensa dopo la morte, la predicazione dell'ascetismo, l'abbondanza di beni esterni. L'arte popolare che ha continuato a portare l'impronta delle credenze pagane è stata spesso attaccata dall'arte "ufficiale" della Chiesa cattolica.

Il primo periodo è il primo medioevo - è consuetudine calcolare dall'era subito dopo la caduta dell'impero romano, cioè, dal VI secolo n. e. In questo momento, c'erano molte tribù e popoli in diverse fasi dello sviluppo storico. Tuttavia, i monumenti preservati dell'arte musicale di questo periodo sono solo la musica della Chiesa cristiana (principalmente in una notazione successiva), ereditato, da un lato, la cultura dell'impero romano, dall'altro - la musica dell'est (Giudea, Siria, Armenia, Egitto). Si presume che le tradizioni svolgenti del canto cristiano - un Antipied (opposizione di due gruppi corali) e intervistati (alternanza di canto solista e "risposte" del coro) - sviluppato sulla base di campioni orientali.

Dal VIII secolo, la tradizione del canto liturgico è gradualmente formata nei paesi europei, la base di cui il corale Grigoriano diventa gli architetti di un canto corale dai capelli singoli, sistematizzato dal Papa Gregory. Qui è necessario soffermarsi sulla personalità del Grigory stesso, premiato, grazie al significato della sua figura nella storia, il titolo è fantastico.

È nato a Roma nel 540 nella famiglia di origine nobile, non sperimentando denaro. Dopo la morte dei genitori, Gregory ha ricevuto una ricca eredità ed è stato in grado di stabilire diversi monasteri in Sicilia e uno a Roma, sulla Telly Hill, nel suo genere. L'ultima dimora, chiamata il monastero del Santo Apostolo di Andrei, ha scelto un posto dove stare.

Nel 577, Gregory è stato dedicato a San Diakon, nel 585 - eletto l'abate del monastero fondato da lui, nel 590 fu eletto alla decisione unanime del senato romano, limpido e il popolo al boschetto papale, che ha sollevato alla sua morte che seguiva nel 604.

In tutta la vita di Gregory ha usato un tremendo rispetto in Occidente, non lo ha dimenticato dopo la morte. Ci sono molte storie sulle meraviglie commesse da lui. È diventato anche famoso come scrittore: i biografi lo equivalgono a questo rispetto ai grandi filosofi e al saggi. Inoltre, Grigory Grande è una delle figure principali nello sviluppo della musica della Chiesa. Possiede il merito nell'espansione del sistema Amv Rosian Lady e nella creazione di una scuola speciale di canto, chiamata cantus Gregorianus.

Grigory per molti anni ha raccolto cantando di varie chiese cristiane, facendolo successivamente una collezione chiamata "Antifonory", che ha incatenato all'altare della chiesa di San Pietro a Roma come un campione di canto cristiano.

Papà ha introdotto un sistema di ottava invece del sistema greco di tetrachidges, e i nomi dei toni che in precedenza erano precedentemente progettati lettere latine greche A, B, S, ecc., E l'ottavo tono ha ricevuto il nome del primo. L'intero suono della Grande Grigoria consisteva in 14 toni: A, B, C, D, E, F, G, A, B, C 1, D 1, E 1, F 1, G 1. La lettera in (B) aveva un doppio valore: in un round (nel roundum) e in un quadrato (in quadratum), cioè il Si-Bembol e SI-Bachar, a seconda della necessità.

Ma torniamo a Papa Gregory, chi, chi altro, divenne il fondatore della Scuola di canto a Roma, fu seguita gelosamente la formazione e persino insegnata, punendo rigorosamente gli studenti per negligenza e nastro.

Va notato che gradualmente il corale Grigoriano, costituito da due tipi di canti - Psalmodius (misurando il linguaggio del testo delle Sacre Scritture, principalmente su un'altezza del suono, in cui una nota del testo rappresenta una nota) e inno di Hymn-Jubi -Lialias (sillas gratuiti di sillabe di parole "Hallelujah"), distesa amvrosiana che canta dalla Chiesa. Da quest'ultimo, si è distinto dal fatto che era anche, indipendente dal testo. Questo a sua volta ha dato la possibilità di melodia a versare naturalmente e senza intoppi, e il ritmo musicale stava diventando indipendente, il che era un evento essenziale nella storia della musica.

Gli effetti del canto corale sui parrocchiani si sono intensificati dalle capacità acustiche delle chiese con le loro elevate volte che riflettono il suono e creando l'effetto della presenza divina.

Nel prossimo secolo, con la diffusione dell'influenza della Chiesa romana, è stato introdotto il Khoral Grigoriano (a volte applicato) nei servizi di culto di quasi tutti i paesi europei. Di conseguenza, entro la fine del XII secolo, l'intera Chiesa cattolica era unita da forme di culto comuni.

La scienza musicale in questo momento sviluppata in stretta connessione con la cultura del monastero. Nei secoli VIII - IX sulla base della corala gregoriana, si sta sviluppando il sistema delle terre della Chiesa del Medioevo. Questo sistema è associato a un magazzino musicale dai capelli singoli, con una monody, ed è otto altoparlanti diatonici (Dorian, idrodorico, frigiano, hipofrigiano, lidia, ipolitina, mixolidiano, ymixicolidico), ognuno dei quali è stato percepito da teorici e praticanti medievali come Una combinazione di alcune opportunità espressive (primo ragazzo - "Dexterous", il secondo è "serio", il terzo è "rapido", ecc.).

Nello stesso periodo, la notazione inizia a formarsi, all'inizio, il cosiddetto nemami è le icone, mostrando visivamente il movimento della melodia su o giù. Dal Neva in seguito ha sviluppato segni di musica. La riforma di una lettera musicale è stata effettuata nel secondo trimestre del musicista italiano del XI secolo Guido D'Israzzo, nato nel 990. Un po 'conosciuto per gli anni dei suoi figli. Avendo raggiunto un'età matura, Guido divenne il monaco del monastero benedettino Pompozy vicino a Ravenna.

Guido d'Asezzo.

La natura ha generosamente dato vari talenti, che gli diede l'opportunità di superare facilmente i suoi compagni nell'insegnamento. Questi ultimi invidiavano i suoi successi e come Guido si è mostrato come insegnante di cantare. Tutto ciò ha comportato un atteggiamento nettamente negativo, e parzialmente anche ostile di quelli intorno a Gvido, e alla fine fu costretto ad andare in un altro monastero - ad Arezzo, dal quale e ha ricevuto il suo soprannome Aretinsky.

Quindi, Gwido era uno dei musicisti eccezionali del suo tempo, e le sue innovazioni nel campo dell'insegnamento del canto spirituale ha dato risultati brillanti. Ha attirato l'attenzione sulla notazione e ha inventato il sistema a quattro linee, che ha determinato accuratamente la posizione del mezzitoni (da loro, che è venuta tra i gradini dei ladini Gregory, dipendeva dalle caratteristiche caratteristiche di uno o di un altro Lada, così come la melodia basata su questo).

Nel tentativo di registrare una melodia il più presto possibile, Gvido ha trovato varie regole decorate in un sistema complesso e confuso con nuovi nomi dei toni dei toni: UT, RE, MI, Fa, Sol, La. Nonostante le varie difficoltà causate dall'uso di un tale sistema, è durata abbastanza a lungo, e le sue tracce si trovano nei teorici del XVIII secolo.

È interessante notare che il primo Guido d'Areszo per le sue innovazioni è stato perseguitato. Ma poiché il sistema di un musicista di talento ha facilitato in gran parte l'ingresso e la lettura delle melodie, papà con gli onori lo restituì al monastero di Pomposa, dove Guido d'Israzzo e vissuto a morte, cioè fino al 1050.

Nei secoli XI-XII, il Medioevo nello sviluppo della cultura artistica del Medioevo, c'era una frattura a causa di nuovi processi socio-storici (la crescita delle città, delle crociate, della nomination dei nuovi strati sociali, compresa la cavalleria , piegare i primi centri di cultura laica, ecc.). I nuovi fenomeni culturali si applicano in tutta Europa. C'è una piegatura e una distribuzione del romanzo medievale, stile gotico in architettura, nella musica c'è una lettera multi-vocale, la formazione di un testo musicalico e poetico laico.

La caratteristica principale dello sviluppo dell'arte musicale durante questo periodo è la dichiarazione e lo sviluppo della polifonia, che era basata sul corale Grigoriano: i cantanti si sono uniti alla principale melodia della Chiesa. Nei primi esempi di rilegatura, registrati nei campioni di musica dei secoli IX - XI, le voci si muovono in parallelo in un singolo ritmo (in quarti, quinta o ottave). Più tardi, appaiono campioni di movimento non parallelo dei voti ("Un cantante conduce la melodia principale, l'altro è abilmente vaga su altri suoni", scrive il teorico di Gvido d'Oreszo). Questo tipo di due e multi-raggi con il nome della voce di accreditamento è indicato come un organo. Più tardi, la voce unita cominciò a decorare con Melmami, cominciò a muoversi liberamente in atteggiamento ritmico.

Lo sviluppo di nuove forme di polifonia è stato particolarmente attivamente tenuto a Parigi e Limoges nei secoli XII - XIII. Nella storia della cultura musicale, questo periodo è entrato come "Era di Notre-Lady" (con il nome del famoso monumento di fama mondiale, dove lavorava la cappella del Singel). Tra gli autori i cui nomi hanno mantenuto la storia - Leonin e Arabhs, organochinkers e altri lavori multi-voce. Leonin ha creato un "Big Book of Orgens", calcolato sulla cerchia annuale della Chiesa cantando. La transizione a tre e quattro vocali, ulteriore arricchimento di una lettera melodica è associata al nome del Peroth. Va notato che l'importanza della scuola Notre-Ladies è significativamente non solo per la Francia, ma anche per l'intera arte europea del tempo.

La formazione di generi secolari durante questo periodo è stata preparata dal lavoro dei musicisti popolari randagi - giocolieri, minatori e spie. Rifiutato e persino perseguitato dalla Chiesa ufficiale, i musicisti randagi erano i primi portatori di testi secolari, oltre a una tradizione puramente strumentale (usava vari vari strumenti in ottone e arco, arpa, ecc.).

A quel tempo, gli artisti erano attori, circo, cantanti e strumentisti in una sola persona. Viaggiavano dalla città in città, eseguiti alle celebrazioni dei cortili, nei castelli, sulla fiera, ecc. Alle manifestazioni, le guglie, le guglie e i menestrelli sono stati uniti anche da Vagatants e Goliada - studenti sfortunati e monaci scopati, grazie a quale nell'ambiente "artistico" ha diffuso l'alfabetizzazione. A poco a poco, la specializzazione è emersa in questi circoli, gli artisti randagi hanno cominciato a formare obiettivi, stabilirsi nelle città.

Nello stesso periodo, un peculiare strato "intelligente" è nominato - cavalleria, nel cui ambiente (durante i periodi di tregua) si affascina anche l'interesse per l'arte. Nel XII secolo, l'arte del Trubadov, che divenne la base di uno speciale movimento creativo in Provenza. Trubadras per la maggior parte erano fuori dalla nobiltà più alta, di proprietà dell'alfabetizzazione musicale. Hanno creato complesso sotto forma di opere musicali e poetiche, in cui la gioia della terra, eroica delle crociate, ecc.

Il Trubadour era principalmente un poema, la melodia fu spesso presa in prestito da loro dal Guida di tutti i giorni e in modo creativo retribuito. A volte i Troubadours hanno assunto i menestrelli per il sostegno strumentale del loro canto, attirato giocolieri all'esecuzione e alla scrittura di musica. Tra i Troubadur, i cui nomi ci sono venuti da noi attraverso il velo dei secoli, - Juafre Ryudel, Bernart de Veentorne, Bertrand de Born, Rambaut de Vakers, ecc.

La poesia di Trubadurov ha avuto un impatto diretto sulla formazione del lavoro dei tubi, che era più democratica, perché la maggior parte dei tubi provengono dai cittadini. Alcune trombe hanno creato opere da ordinare. Il più famoso di loro era Adam de la Al, il nativo Arras, il poeta francese, il compositore, il drammaturgo della seconda metà del XIII secolo.

L'arte del Troubadurov e dei Tubi si sono diffusi in tutta Europa. Sotto il suo impatto in Germania, il secolo dopo (XIII) c'erano tradizioni della Minnesinger School, i cui rappresentanti, musicisti e compositori dotati sono stati serviti principalmente nei cortili.

Una transizione particolare all'era rinascimentale può essere considerata il XIV secolo. Questo periodo in relazione alla musica francese è consuetudine da denunciare "Ars Nova" ("Nuova Art") il nome del lavoro scientifico, creato circa 1320 dal teorico di Parigi e il compositore Philippe de Vitrate.

Va notato che nel momento specificato nell'arte, fondamentalmente i nuovi elementi appaiono davvero: ad esempio, approvazione (incluso il livello teorico) di nuovi principi di divisione ritmica e votazione, nuovo La o alterazioni (in particolare, modifiche e gravità tonale - IE "Diezov" e "Bemoley"), nuovi generi, accesso a un nuovo livello di abilità professionali.

Nel numero dei più grandi musicisti del XIV secolo, oltre al Philip Dave, che creò motket sui propri testi, è necessario mettere Gioma de Masho, nato nella città di Masha, in Champagne, circa il 1300.

Guillaume de Masho Un tempo consisteva nel cortile di John Navarre, la moglie di Philip è bella, in seguito divenne il segretario personale del re della Boemia John Luxembourg, e alla fine della sua vita era nel cortile di Karl V Francese. I contemporanei adoravano il suo straordinario talento musicale, grazie a cui non era solo un brillante performer, ma anche un eccellente compositore che ha lasciato un enorme numero di opere: è stato raggiunto dai suoi motos, ballatori, rondgo, canoni e altre canzoni (canzoni ) forme.

La musica di Guillaume de Masho si distingue per sofisticata espressività, grazia e, secondo i ricercatori, è lo spirito dell'epoca dell'Ars Nova. Il merito principale del compositore è che ha scritto il primo della storia dalla massa dell'autore in occasione di unirsi al trono di Charles V.