I nomi dei più famosi artisti francesi del Rinascimento. Figure rinascimentali: elenco e realizzazioni

12.06.2019

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Frammento del dipinto "Cinque Maestri del Rinascimento Fiorentino". L'inizio del XVI secolo. ...

XIV secolo. proto-rinascimentale. Il suo protagonista è Giotto. Questo è un maestro che da solo ha rivoluzionato l'arte. 200 anni prima dell'Alto Rinascimento. Se non fosse stato per lui, l'era di cui l'umanità è così orgogliosa, difficilmente sarebbe arrivata.

Prima di Giotto c'erano icone e affreschi. Sono stati creati secondo i canoni bizantini. Facce invece di facce. Figure piatte. Mancato rispetto delle proporzioni. Invece di un paesaggio - uno sfondo dorato. Come, ad esempio, in questa icona.

Guido da Siena. Adorazione dei Magi. 1275-1280 Altenburg, Museo Lindenau, Germania.

E all'improvviso compaiono gli affreschi di Giotto. Hanno figure tridimensionali. I volti dei nobili. Triste. doloroso. Sorpreso. Vecchio e giovane. Vari.

Affreschi di Giotto nella Chiesa degli Scrovegni a Padova (1302-1305). A sinistra: Compianto su Cristo. Al centro: Bacio di Giuda (particolare). A destra: Annunciazione a Sant'Anna (Madre Maria), particolare.

La principale creazione di Giotto è un ciclo dei suoi affreschi nella Cappella degli Scrovegni a Padova. Quando questa chiesa si aprì ai parrocchiani, vi si riversò una folla di persone. Perché non hanno mai visto niente del genere.

Dopotutto, Giotto ha fatto qualcosa di inaudito. Ha tradotto le storie bibliche in un linguaggio semplice e comprensibile. E sono diventati molto più accessibili alla gente comune.

Giotto. Adorazione dei Magi. 1303-1305 Affresco nella Cappella degli Scrovegni a Padova, Italia.

Questo è ciò che sarà caratteristico di molti maestri del Rinascimento. Immagini laconiche. Emozioni vive dei personaggi. Realismo.

Leggi di più sugli affreschi del maestro nell'articolo.

Giotto era ammirato. Ma le sue innovazioni non furono sviluppate ulteriormente. La moda per il gothic internazionale è arrivata in Italia.

Solo 100 anni dopo apparirà un maestro, degno successore di Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoritratto (frammento dell'affresco "S. Pietro sul pulpito"). 1425-1427 Cappella Brancacci nella chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

L'inizio del XV secolo. Il cosiddetto Primo Rinascimento. Entra in scena un altro innovatore.

Masaccio è stato il primo artista ad utilizzare la prospettiva lineare. Fu progettato dal suo amico, l'architetto Brunelleschi. Ora il mondo rappresentato è diventato simile a quello reale. L'architettura del giocattolo è una cosa del passato.

Masaccio. San Pietro guarisce con la sua ombra. 1425-1427 Cappella Brancacci nella chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Adottò il realismo di Giotto. Tuttavia, a differenza del suo predecessore, conosceva già bene l'anatomia.

Invece dei personaggi bitorzoluti di Giotto, sono persone splendidamente costruite. Proprio come gli antichi greci.

Masaccio. Battesimo dei neofiti. 1426-1427 Cappella Brancacci, Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze, Italia.

Masaccio. Cacciata dal Paradiso. 1426-1427 Affresco nella Cappella Brancacci, Chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Masaccio ha avuto una vita breve. Morì, come suo padre, inaspettatamente. All'età di 27 anni.

Tuttavia, aveva molti seguaci. I maestri delle generazioni successive si recarono alla Cappella Brancacci per imparare dai suoi affreschi.

Così le innovazioni di Masaccio furono riprese da tutti i grandi titani dell'Alto Rinascimento.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo Da Vinci. Auto ritratto. 1512 Biblioteca Reale di Torino, Italia.

Leonardo da Vinci è uno dei titani del Rinascimento. Che ha influenzato in modo colossale lo sviluppo della pittura.

Fu lui stesso a sollevare lo status dell'artista. Grazie a lui, i rappresentanti di questa professione non sono più solo artigiani. Questi sono i creatori e gli aristocratici dello spirito.

Leonardo ha fatto un passo avanti principalmente nella ritrattistica.

Credeva che nulla dovesse distrarre dall'immagine principale. L'occhio non deve vagare da un dettaglio all'altro. Ecco come apparivano i suoi famosi ritratti. Laconico. Armonioso.

Leonardo Da Vinci. Signora con un ermellino. 1489-1490 Museo Chertoryski, Cracovia.

La principale novità di Leonardo è che ha trovato il modo di rendere le immagini... vive.

Davanti a lui, i personaggi dei ritratti sembravano manichini. Le linee erano nitide. Tutti i dettagli sono accuratamente tracciati. Il disegno dipinto non poteva essere vivo in alcun modo.

Ma poi Leonardo inventò il metodo dello sfumato. Ha ombreggiato le linee. Ha reso il passaggio dalla luce all'ombra molto morbido. I suoi personaggi sembrano essere coperti da una foschia appena percettibile. I personaggi hanno preso vita.

... 1503-1519 Louvre, Parigi.

Da allora sfumato entrerà nel vocabolario attivo di tutti i grandi artisti del futuro.

Si crede spesso che Leonardo sia, ovviamente, un genio. Ma non sapeva come finire nulla. E spesso non finiva di dipingere. E molti dei suoi progetti sono rimasti sulla carta (a proposito, in 24 volumi). E in generale, è stato gettato nella medicina, poi nella musica. E anche l'arte di servire un tempo era affezionata.

Tuttavia, pensa a te stesso. 19 dipinti. Ed è il più grande artista di tutti i tempi e di tutti i popoli. E alcuni non sono nemmeno vicini alla grandezza. Allo stesso tempo, ha scritto 6.000 tele nella sua vita. Ovviamente, chi ha una maggiore efficienza.

Leggi il dipinto più famoso del maestro nell'articolo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (particolare). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo si considerava uno scultore. Ma era un maestro versatile. Come gli altri suoi colleghi del Rinascimento. Pertanto, il suo patrimonio pittorico non è meno grandioso.

È riconoscibile principalmente dai suoi personaggi sviluppati fisicamente. Perché ha interpretato una persona perfetta. In cui bellezza fisica significa bellezza spirituale.

Pertanto, tutti i suoi eroi sono così muscolosi e resistenti. Anche donne e anziani.

Michelangelo. Frammenti dell'affresco del Giudizio Universale nella Cappella Sistina, Vaticano.

Michelangelo dipingeva spesso il personaggio nudo. E poi stavo finendo sopra i vestiti. In modo che il corpo sia il più prominente possibile.

Dipinse lui stesso il soffitto della Cappella Sistina. Anche se queste sono diverse centinaia di cifre! Non ha nemmeno permesso a nessuno di strofinare la vernice. Sì, era un solitario. Possedere un carattere freddo e litigioso. Ma soprattutto era insoddisfatto di... se stesso.

Michelangelo. Frammento dell'affresco "Creazione di Adamo". 1511 Cappella Sistina, Vaticano.

Michelangelo ha vissuto una lunga vita. Sopravvissuto all'estinzione del Rinascimento. Per lui è stata una tragedia personale. Le sue opere successive sono piene di dolore e dolore.

In generale, il percorso creativo di Michelangelo è unico. La sua prima opera è una glorificazione dell'eroe umano. Libero e coraggioso. Nelle migliori tradizioni dell'antica Grecia. Come il suo David.

Negli ultimi anni della sua vita, queste sono immagini tragiche. Una pietra squadrata volutamente grezza. Come se davanti a noi ci fossero monumenti alle vittime del fascismo del XX secolo. Guarda la sua Pietà.

Sculture di Michelangelo all'Accademia di Belle Arti di Firenze. A sinistra: Davide. 1504 A destra: Pietà di Palestrina. 1555 gr.

Com'è possibile? Un artista in una delle sue vite ha attraversato tutte le fasi dell'arte dal Rinascimento al XX secolo. Cosa dovrebbero fare le prossime generazioni? Bene, vai per la tua strada. Rendendosi conto che l'asticella è stata alzata molto in alto.

5. Raffaello (1483-1520)

... 1506 Galleria degli Uffizi, Firenze, Italia.

Raffaello non è mai stato dimenticato. Il suo genio è sempre stato riconosciuto. E durante la vita. E dopo la morte.

I suoi personaggi sono dotati di una bellezza sensuale e lirica. È lui che è giustamente considerato le più belle immagini femminili mai create. La loro bellezza esteriore riflette anche la bellezza spirituale delle eroine. La loro mitezza. Il loro sacrificio.

Raffaello. ... 1513 Galleria dei vecchi maestri, Dresda, Germania.

Fëdor Dostoevskij ha pronunciato le famose parole “La bellezza salverà il mondo” di p. Questo era il suo quadro preferito.

L'immaginario sensuale non è però l'unico punto di forza di Raffaello. Ha pensato molto attentamente alla composizione dei suoi dipinti. Era l'architetto consumato nella pittura. Inoltre, ha sempre trovato la soluzione più semplice e armoniosa nell'organizzazione dello spazio. Sembra che non possa essere diversamente.

Raffaello. Scuola di Atene. 1509-1511 Affresco nelle stanze del Palazzo Apostolico, Vaticano.

Raffaello ha vissuto solo 37 anni. Morì improvvisamente. Dal raffreddore e dall'errore medico. Ma la sua eredità è difficile da sopravvalutare. Molti artisti idolatrarono questo maestro. Moltiplicando le sue immagini sensuali in migliaia di sue tele..

Tiziano era un colorista consumato. Ha anche sperimentato molto con la composizione. In generale, era un innovatore audace e brillante.

Per una tale luminosità di talento, tutti lo amavano. Chiamandolo "Il re dei pittori e il pittore dei re".

A proposito di Tiziano, voglio mettere un punto esclamativo dopo ogni frase. Dopotutto, è stato lui a portare la dinamica nella pittura. Pathos. Entusiasmo. Colorazione brillante. Splendore di colori.

Tiziano. Ascensione di Maria. 1515-1518 Chiesa di Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venezia.

Verso la fine della sua vita, sviluppò una tecnica di scrittura insolita. Colpi veloci e corposi. Ha applicato la vernice con un pennello, poi con le dita. Da questo - le immagini sono ancora più vive, respiranti. E le trame sono ancora più dinamiche e drammatiche.

Tiziano. Tarquinio e Lucrezia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, Inghilterra.

Questo non ti ricorda niente? Ovviamente questa è una tecnica. E la tecnica degli artisti dell'Ottocento: Barbizoniti e. Tiziano, come Michelangelo, attraverserà 500 anni di pittura in una delle sue vite. Ecco perché è un genio.

Leggi il famoso capolavoro del maestro nell'articolo.

Gli artisti del Rinascimento sono artisti di grande conoscenza. Per lasciare una tale eredità, bisognava sapere molto. Nel campo della storia, dell'astrologia, della fisica e così via.

Pertanto, ciascuna delle loro immagini ci fa pensare. Per cosa è raffigurato? Qual è il messaggio crittografato qui?

Pertanto, non si sbagliavano quasi mai. Perché hanno pensato a fondo sul loro lavoro futuro. Usando tutto il bagaglio delle loro conoscenze.

Erano più che artisti. Erano filosofi. Spiegarci il mondo attraverso la pittura.

Ecco perché saremo sempre profondamente interessati a loro.

Il Rinascimento o Rinascimento ci ha regalato molte grandi opere d'arte. Fu un periodo favorevole per lo sviluppo della creatività. I nomi di molti grandi artisti sono associati al Rinascimento. Botticelli, Michelangelo, Raffaello, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tiziano, Correggio sono solo alcuni dei nomi dei creatori di quel tempo.

L'emergere di nuovi stili e pittura è associato a questo periodo. L'approccio alla rappresentazione del corpo umano è diventato quasi scientifico. Gli artisti si sforzano per la realtà - lavorano attraverso ogni dettaglio. Le persone e gli eventi nei dipinti di quel tempo sembrano estremamente realistici.

Gli storici distinguono diversi periodi nello sviluppo della pittura durante il Rinascimento.

Gotico - 1200s... Stile popolare a corte. Si distingueva per sfarzo, pretenziosità, colore eccessivo. Usato come vernici. I dipinti erano di soggetti d'altare. I rappresentanti più famosi di questa tendenza sono gli artisti italiani Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-Rinascimento - 1300s... In questo momento avviene una ristrutturazione dei costumi nella pittura. Gli argomenti religiosi passano in secondo piano e quelli laici stanno guadagnando sempre più popolarità. Il dipinto prende il posto dell'icona. Le persone sono ritratte in modo più realistico, le espressioni facciali e i gesti diventano importanti per gli artisti. Appare un nuovo genere di belle arti -. Rappresentanti di questo tempo sono Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Primo Rinascimento - 1400... La fioritura della pittura non religiosa. Anche i volti sulle icone diventano più vivi: acquisiscono caratteristiche umane. Gli artisti dei periodi precedenti hanno cercato di dipingere paesaggi, ma servivano solo come complemento, sfondo per l'immagine principale. Durante il primo Rinascimento diventa un genere autonomo. Il ritratto continua a svilupparsi. Gli scienziati scoprono la legge della prospettiva lineare e gli artisti costruiscono i loro dipinti su questa base. Lo spazio tridimensionale corretto può essere visto sulle loro tele. I rappresentanti più brillanti di questo periodo sono Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Alto Rinascimento - Età dell'Oro... La prospettiva degli artisti diventa ancora più ampia: i loro interessi si estendono nello spazio del Cosmo, considerano l'uomo come il centro dell'universo.

In questo momento apparvero i "titani" del Rinascimento: Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Tiziano, Raffaello Santi e altri. Queste sono persone i cui interessi non si limitavano alla pittura. La loro conoscenza si estendeva molto oltre. Il rappresentante più importante fu Leonardo Da Vinci, che non fu solo un grande pittore, ma anche uno scienziato, scultore, drammaturgo. Ha creato tecniche fantastiche nella pittura, ad esempio "liscia" - l'illusione della foschia, che è stata utilizzata per creare la famosa "La Gioconda".

Leonardo Da Vinci

Tardo Rinascimento- l'estinzione del Rinascimento (metà 1500 fine 1600). Questa volta è associato a cambiamenti, crisi religiose. La fioritura finisce, le linee sulle tele si fanno più nervose, l'individualismo se ne va. La folla sta diventando sempre più l'immagine dei dipinti. Opere di talento di quel tempo appartengono alla penna di Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

L'Italia ha dato al mondo gli artisti più talentuosi del Rinascimento, sono i più citati nella storia della pittura. Nel frattempo, in altri paesi durante questo periodo, si sviluppò anche la pittura e influenzò lo sviluppo di quest'arte. La pittura di altri paesi durante questo periodo è chiamata Rinascimento settentrionale.

L'era rinascimentale ha causato profondi cambiamenti in tutti i settori della cultura: filosofia, scienza e arte. Uno di essi è. che diventa sempre più indipendente dalla religione, cessa di essere un "servo della teologia", sebbene sia ancora lontano dalla completa indipendenza. Come in altre aree della cultura, gli insegnamenti dei pensatori antichi, in primo luogo Platone e Aristotele, stanno rivivendo in filosofia. Marsilio Ficino fondò a Firenze l'Accademia Platonica, tradusse in latino le opere del grande greco. Le idee di Aristotele tornarono in Europa anche prima, prima del Rinascimento. Durante il Rinascimento, secondo Lutero, fu lui, non Cristo, a "regnare nelle università europee".

Insieme agli antichi insegnamenti, filosofia naturale, o filosofia della natura. È predicato da filosofi come B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Le loro opere sviluppano l'idea che la filosofia dovrebbe studiare non un Dio soprannaturale, ma la natura stessa, che la natura obbedisce alle sue leggi interne, che la base della conoscenza è l'esperienza e l'osservazione, e non la rivelazione divina che l'uomo è una parte della natura.

La diffusione delle concezioni filosofiche naturali è stata facilitata da scientifico scoperte. Il principale era teoria eliocentrica N. Copernico, che fece una vera rivoluzione nell'idea del mondo.

Va notato, tuttavia, che le opinioni scientifiche e filosofiche di quel tempo sono ancora influenzate dalla religione e dalla teologia. Questo tipo di visione spesso prende la forma panteismo, in cui l'esistenza di Dio non è negata, ma si dissolve nella natura, si identifica con essa. A ciò si deve aggiungere anche l'influenza delle cosiddette scienze occulte - astrologia, alchimia, misticismo, magia, ecc. Tutto questo avviene anche con un filosofo come D. Bruno.

I cambiamenti più significativi che il Rinascimento ha apportato in cultura artistica, arte. Fu in quest'area che la rottura con il Medioevo si rivelò la più profonda e radicale.

Nel Medioevo, l'arte era ampiamente applicata alla natura, era intessuta nella vita stessa e doveva decorarla. Nel Rinascimento l'arte acquista per la prima volta un valore intrinseco, diventa un'area di bellezza indipendente. Allo stesso tempo, per la prima volta, nell'osservatore che percepisce si forma un sentimento puramente artistico, estetico, per la prima volta si risveglia un amore per l'arte per se stessa, e non per lo scopo a cui serve.

Mai prima d'ora l'arte ha goduto di tale stima e rispetto. Anche nell'antica Grecia, il lavoro di un artista era notevolmente inferiore a quello di un politico e di un cittadino nel suo significato sociale. Un posto ancora più modesto era occupato dall'artista nell'antica Roma.

Ora luogo e ruolo dell'artista aumentare smisuratamente nella società. Per la prima volta viene visto come un professionista indipendente e rispettato, scienziato e pensatore, una personalità unica. Nel Rinascimento l'arte è percepita come uno dei più potenti mezzi di conoscenza e in questa veste è equiparata alla scienza. Leonardo da Vinci vede la scienza e l'arte come due modi completamente uguali di studiare la natura. Scrive: "La pittura è una scienza e una figlia legittima della natura".

L'arte è ancora più apprezzata come creatività. In termini di capacità creative, l'artista rinascimentale è equiparato a Dio creatore. Quindi, è chiaro perché Raffaello ricevette l'aggiunta di "Divino" al suo nome. Per gli stessi motivi, anche la Commedia di Dante fu chiamata Divina.

Nell'arte stessa stanno avvenendo profondi cambiamenti. Fa una svolta decisiva da simbolo e segno medievali a un'immagine realistica e una rappresentazione affidabile. I mezzi di espressione artistica stanno diventando nuovi. Ora si basano sulla prospettiva lineare e aerea, sulla tridimensionalità del volume e sulla dottrina delle proporzioni. L'arte si sforza in tutto di essere fedele alla realtà, di raggiungere obiettività, affidabilità e vitalità.

Il Rinascimento fu principalmente italiano. Pertanto, non sorprende che sia stato in Italia che l'arte in questo periodo ha raggiunto la sua massima ascesa e fioritura. È qui che ci sono decine di nomi di titani, geni, artisti grandi e semplicemente talentuosi. Anche altri paesi hanno grandi nomi, ma l'Italia è fuori concorrenza.

Nel Rinascimento italiano, di solito si distinguono diverse fasi:

Proto-Rinascimento: seconda metà del XIII secolo - XIV secolo.
Primo Rinascimento: quasi tutto il XV secolo.
Alto Rinascimento: fine del XV secolo - il primo terzo del XVI secolo.
Tardo Rinascimento: ultimi due terzi del XVI secolo.

Le principali figure del Proto-Rinascimento sono il poeta Dante Alighieri (1265-1321) e il pittore Giotto (1266/67-1337).

Il destino ha presentato Dante con molte prove. Per la sua partecipazione alla lotta politica, fu perseguitato, errava, morì in terra straniera, a Ravenna. Il suo contributo alla cultura va oltre la poesia. Ha scritto non solo testi d'amore, ma anche trattati filosofici e politici. Dante è il creatore della lingua letteraria italiana. A volte è chiamato l'ultimo poeta del Medioevo e il primo poeta dei tempi moderni. Questi due principi - vecchio e nuovo - sono strettamente intrecciati nel suo lavoro.

Le prime opere di Dante - "Vita nuova" e "Festa" - sono poesie liriche di contenuto amoroso, dedicate alla sua amata Beatrice, che incontrò una volta a Firenze e che morì sette anni dopo il loro incontro. Il poeta mantenne il suo amore per il resto della sua vita. Nel suo genere, i testi di Dante sono nella corrente principale della poesia cortese medievale, dove l'immagine della "Bella Signora" è oggetto di lode. Tuttavia, i sentimenti espressi dal poeta appartengono già al Rinascimento. Sono causati da incontri ed eventi reali, pieni di sincero calore, contrassegnati da una personalità unica.

L'apice della creatività di Dante fu "La Divina Commedia", Che ha avuto un posto speciale nella storia della cultura mondiale. Con la sua costruzione, questa poesia è anche nella corrente principale delle tradizioni medievali. Racconta le avventure di un uomo caduto nell'aldilà. Il poema ha tre parti: Inferno, Purgatorio e Paradiso, ognuna delle quali ha 33 canzoni, scritte in strofe di tre versi.

Il numero ripetuto "tre" riecheggia direttamente la dottrina cristiana della Trinità. Nel corso della storia, Dante segue rigorosamente molte delle esigenze del cristianesimo. In particolare, non ammette il suo compagno attraverso i nove cerchi dell'inferno e del purgatorio - il poeta romano Virgilio - in paradiso, poiché un pagano è privato di tale diritto. Qui il poeta è accompagnato dalla defunta amata Beatrice.

Tuttavia, nei suoi pensieri e giudizi, nel suo atteggiamento nei confronti dei personaggi raffigurati e dei loro peccati. Dante si discosta spesso e in modo molto significativo dall'insegnamento cristiano. Così. invece della censura cristiana dell'amore sensuale come peccato, parla della “legge dell'amore”, secondo la quale l'amore sensuale è incluso nella natura della vita stessa. Dante è solidale con l'amore di Francesca e Paolo. sebbene il loro amore sia associato al tradimento di Francesca nei confronti del marito. Lo spirito del Rinascimento vince contro Dante anche in altri casi.

Tra i poeti italiani di spicco ci sono anche Francesco Petrarca. Nella cultura mondiale, è conosciuto principalmente per il suo sonetti. Allo stesso tempo, era un pensatore, filosofo e storico su larga scala. È giustamente considerato il fondatore di tutta la cultura rinascimentale.

L'opera di Petrarca è anche in parte all'interno del quadro dei testi cortigiani medievali. Come Dante, aveva una fidanzata di nome Laura, alla quale dedicò il suo "Libro dei Cantici". Allo stesso tempo, Petrarca rompe più decisamente i legami con la cultura medievale. Nelle sue opere, i sentimenti espressi - amore, dolore, disperazione, desiderio - appaiono molto più acuti e nudi. Il principio della personalità suona più forte in loro.

Un altro eminente rappresentante della letteratura è stato Giovanni Boccaccio(1313-1375). autore del famoso " Decamerone”. Il principio di costruire la sua raccolta di racconti e la trama di Boccaccio prende in prestito dal Medioevo. Tutto il resto è intriso dello spirito del Rinascimento.

I personaggi principali dei racconti sono persone comuni e comuni. Sono scritti in un linguaggio sorprendentemente brillante, vivace e colloquiale. Non ci sono lezioni noiose, al contrario, molti racconti brillano letteralmente di amore per la vita e il divertimento. Le trame di alcuni di loro sono di natura amorosa ed erotica. Oltre al Decameron, Boccaccio scrisse anche la novella Fiametta, considerata il primo romanzo psicologico della letteratura occidentale.

Giotto di Bondoneè il più importante rappresentante del Proto-Rinascimento italiano nelle arti visive. Il suo genere principale era la pittura ad affresco. Tutti sono scritti su soggetti biblici e mitologici, raffigurano scene della vita della Sacra Famiglia, evangelisti, santi. Tuttavia, nell'interpretazione di questi soggetti, prevale nettamente il principio rinascimentale. Nella sua opera, Giotto abbandona le convenzioni medievali e si rivolge al realismo e alla credibilità. A lui viene riconosciuto il merito del rilancio della pittura come valore artistico in sé.

Nelle sue opere, il paesaggio naturale è raffigurato in modo abbastanza realistico, su cui sono chiaramente visibili alberi, rocce, templi. Tutti i personaggi coinvolti, compresi gli stessi santi, appaiono come persone viventi dotate di carne fisica, sentimenti e passioni umane. I loro vestiti delineano le forme naturali dei loro corpi. Le opere di Giotto sono caratterizzate da colori brillanti e pittoreschi, sottile plasticità.

La principale creazione di Giotto è il dipinto della Cappella dell'Arena a Padova, che racconta le vicende della vita della Sacra Famiglia. L'impressione più forte è data dal ciclo murale, che comprende le scene "Fuga in Egitto", "Bacio di Giuda", "Lamentazione di Cristo".

Tutti i personaggi raffigurati nei dipinti sembrano naturali e autentici. La posizione dei loro corpi, gesti, stato emotivo, sguardi, volti - tutto questo è mostrato con rara convinzione psicologica. Allo stesso tempo, il comportamento di ciascuno corrisponde strettamente al ruolo assegnatogli. Ogni scena ha un'atmosfera unica.

Così, nella scena "Flight to Egypt", prevale un tono emotivo sobrio e generalmente calmo. "Kiss of Judas" è pieno di dinamismo tempestoso, azioni taglienti e decise dei personaggi che si sono letteralmente alle prese l'uno con l'altro. E solo due partecipanti principali - Giuda e Cristo - si bloccarono immobili e condussero il duello con i loro occhi.

La scena "Compianto di Cristo" è caratterizzata da un dramma speciale. È pieno di tragica disperazione, dolore e sofferenza insopportabili, dolore e tristezza inconsolabili.

Il primo Rinascimento finalmente approvato nuovi principi estetici e artistici dell'arte. Allo stesso tempo, le storie bibliche sono ancora molto popolari. Tuttavia, la loro interpretazione diventa completamente diversa, c'è già poco del Medioevo in essa.

Patria Primo Rinascimento divenne Firenze, e i "padri del Rinascimento" sono l'architetto Philippe Brunelleschi(1377-1446), scultore Donatello(1386-1466). pittore Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi diede un enorme contributo allo sviluppo dell'architettura. Gettò le basi dell'architettura rinascimentale, scoprì nuove forme che durarono nei secoli. Ha fatto molto per sviluppare le leggi della prospettiva.

L'opera più significativa del Brunelleschi fu l'erezione di una cupola sulla struttura finita della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze. Ha affrontato un compito estremamente difficile, poiché la cupola richiesta doveva essere enorme - circa 50 m di diametro. Con l'aiuto di un design originale, esce brillantemente da una situazione difficile. Grazie alla soluzione trovata, non solo la cupola stessa si rivelò sorprendentemente leggera e, per così dire, svettante sulla città, ma l'intero edificio della cattedrale acquisì armonia e maestosità.

Non meno mirabile opera del Brunelleschi fu la celebre Cappella dei Pazzi, eretta nel cortile della Chiesa di Santa Croce a Firenze. È un piccolo edificio rettangolare coperto al centro da una cupola. All'interno è rivestito di marmo bianco. Come altri edifici del Brunelleschi, la cappella si distingue per semplicità e chiarezza, grazia e grazia.

L'opera di Brunelleschi è notevole in quanto trascende gli edifici religiosi e crea magnifiche strutture di architettura secolare. Un eccellente esempio di tale architettura è l'orfanotrofio, costruito a forma di lettera "P", con una galleria-loggia coperta.

Lo scultore fiorentino Donatello è uno dei più importanti creatori del primo Rinascimento. Ha lavorato in un'ampia varietà di generi, mostrando genuina innovazione ovunque. Nel suo lavoro, Donatello utilizza l'eredità antica, basandosi su un profondo studio della natura, aggiornando audacemente i mezzi di espressione artistica.

Partecipa allo sviluppo della teoria della prospettiva lineare, fa rivivere un ritratto scultoreo e una raffigurazione di un corpo nudo, fonde il primo monumento in bronzo. Le immagini che ha creato sono l'incarnazione dell'ideale umanistico di una personalità armoniosamente sviluppata. Con il suo lavoro, Donatello ha avuto una grande influenza sul successivo sviluppo della scultura europea.

Il desiderio di Donatello di idealizzare la persona ritratta si manifestava chiaramente in statua del giovane David. In questo lavoro, David appare come un giovane, bello, pieno di forza mentale e fisica dei giovani. La bellezza del suo corpo nudo è accentuata da un torso graziosamente curvo. Un volto giovane esprime premura e tristezza. Questa statua è stata seguita da una serie di figure nude nella scultura rinascimentale.

L'inizio eroico è forte e chiaro in statua di S. Giorgio, che divenne una delle vette della creatività di Donatello. Qui è riuscito a incarnare pienamente l'idea di una forte personalità. Davanti a noi c'è un guerriero alto, snello, coraggioso, calmo e sicuro di sé. In questo lavoro il maestro sviluppa creativamente le migliori tradizioni della scultura antica.

L'opera classica di Donatello è la statua in bronzo del comandante Gattamelatta - il primo monumento equestre nell'arte del Rinascimento. Qui il grande scultore raggiunge l'ultimo livello di generalizzazione artistica e filosofica, che avvicina quest'opera all'antichità.

Allo stesso tempo, Donatello ha creato un ritratto di una personalità specifica e unica. Il comandante appare come un vero eroe rinascimentale, una persona coraggiosa, calma e sicura di sé. La statua si distingue per forme laconiche, plastica chiara e precisa, posa naturale del cavaliere e del cavallo. Grazie a ciò, il monumento è diventato un vero capolavoro di scultura monumentale.

Nell'ultimo periodo della creatività Donatello crea un gruppo in bronzo "Giuditta e Oloferne". Quest'opera è piena di dinamica e dramma: Giuditta è raffigurata nel momento in cui alza la spada su Oloferne già ferito. per finirlo.

Masaccioè considerata una delle figure principali del primo Rinascimento. Continua e sviluppa le tendenze di Giotto. Masaccio ha vissuto solo 27 anni ed è riuscito a fare poco. Tuttavia, gli affreschi da lui creati divennero una vera e propria scuola di pittura per i successivi artisti italiani. Secondo Vasari, contemporaneo dell'Alto Rinascimento e critico autorevole, "nessun maestro si è avvicinato tanto ai maestri moderni quanto Masaccio".

La principale creazione di Masaccio sono gli affreschi nella Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze, che raccontano episodi delle leggende di San Pietro, oltre a raffigurare due storie bibliche - "La Caduta" e "Cacciata da Paradiso".

Sebbene gli affreschi raccontino dei miracoli compiuti da S. Peter, non c'è niente di soprannaturale e di mistico in loro. Il Cristo raffigurato, Pietro, gli apostoli e altri partecipanti agli eventi appaiono come persone completamente terrene. Sono dotati di tratti individuali e si comportano in modo del tutto naturale e umano. In particolare, nella scena del Battesimo, viene mostrato in modo sorprendentemente affidabile un giovane nudo che trema per il freddo. Masaccio costruisce la sua composizione utilizzando i mezzi della prospettiva non solo lineare, ma anche aerea.

Da tutto il ciclo, merita un'attenzione speciale affresco "Cacciata dal Paradiso". Lei è un vero capolavoro della pittura. L'affresco è estremamente laconico, non vi è nulla di superfluo. Sullo sfondo di un vago paesaggio sono ben visibili le figure di Adamo ed Eva, usciti dalle porte del Paradiso, sopra le quali si libra un angelo con una spada. Tutta l'attenzione è concentrata su mamma ed Eva.

Masaccio è stato il primo nella storia della pittura a poter scrivere un corpo nudo in modo così convincente e affidabile, da trasmettere le sue proporzioni naturali, dargli stabilità e movimento. Lo stato interiore degli eroi è altrettanto convincente e vividamente espresso. Camminando largo, Adam chinò la testa per la vergogna e si coprì il viso con le mani. Singhiozzando, Eve gettò indietro la testa disperata con la bocca aperta. Questo affresco apre una nuova era nell'arte.

Realizzato da Masaccio è stato continuato da artisti come Andrea Mantegna(1431 -1506) e Sandro Botticelli(1455-1510). Il primo divenne famoso soprattutto per i suoi dipinti, tra i quali un posto speciale è occupato dagli affreschi che raccontano gli ultimi episodi della vita di S. Jacob - la processione per l'esecuzione e l'esecuzione stessa. Botticelli preferiva la pittura da cavalletto. I suoi dipinti più famosi sono La primavera e La nascita di Venere.

Dalla fine del XV secolo, quando l'arte italiana raggiunge la sua massima ascesa, inizia Alto Rinascimento. Per l'Italia questo periodo è stato estremamente difficile. Frammentato e quindi indifeso, fu letteralmente devastato, saccheggiato e insanguinato dalle invasioni di Francia, Spagna, Germania e Turchia. Tuttavia, l'arte in questo periodo, stranamente, sta vivendo una fioritura senza precedenti. Fu in questo momento che stanno facendo titani come Leonardo da Vinci. Raffaello. Michelangelo, Tiziano.

In architettura, l'inizio dell'Alto Rinascimento è associato alla creatività Donato Bramante(1444-1514). Fu lui a creare lo stile che determinò lo sviluppo dell'architettura di questo periodo.

Una delle sue prime opere fu la chiesa del monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano, nel cui refettorio Leonardo da Vinci dipingerà il suo famoso affresco "L'ultima cena". La sua gloria inizia con una piccola cappella chiamata Tempetto(1502), costruito a Roma e divenuto una sorta di "manifesto" dell'Alto Rinascimento. La cappella ha la forma di una rotonda, si distingue per semplicità dei mezzi architettonici, armonia delle parti e rara espressività. Questo è un vero piccolo capolavoro.

L'apice della creatività bramantesca è la ricostruzione del Vaticano e la trasformazione dei suoi edifici in un unico insieme. È inoltre titolare dello sviluppo del progetto per la Cattedrale di S. Peter, in cui Michelangelo apporterà modifiche e inizierà a implementare.

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Nell'arte del Rinascimento italiano un posto speciale è occupato da Venezia. La scuola che si sviluppò qui era significativamente diversa dalle scuole di Firenze, Roma, Milano o Bologna. Questi ultimi gravitavano su tradizioni stabili e continuità, non erano inclini a un rinnovamento radicale. Fu su queste scuole che si basava il classicismo del XVII secolo. e neoclassicismo dei secoli successivi.

La scuola veneziana fungeva da loro sorta di contrappeso e di antipodi. Qui regnava lo spirito di innovazione e di rinnovamento radicale e rivoluzionario. Dei rappresentanti di altre scuole italiane, Leonardo era il più vicino a Venezia. Forse è qui che la sua passione per la ricerca e la sperimentazione potrebbe trovare giusta comprensione e riconoscimento. Nella famosa disputa tra artisti "vecchi e nuovi", questi ultimi si sono affidati all'esempio di Venezia. Da qui iniziarono le tendenze che portarono al Barocco e al Romanticismo. E sebbene i romantici onorassero Raffaello, Tiziano e Veronese erano i loro veri dei. A Venezia, El Greco ha ricevuto la sua carica creativa, che gli ha permesso di scuotere la pittura spagnola. Velasques passò per Venezia. Lo stesso si può dire per i pittori fiamminghi Rubens e Van Dyck.

Come città portuale, Venezia si trovava al crocevia di rotte economiche e commerciali. Fu influenzata dalla Germania settentrionale, da Bisanzio e dall'Oriente. Venezia è diventata un luogo di pellegrinaggio per molti artisti. A. Durer è stato qui due volte - alla fine del XV secolo. e l'inizio del XVI secolo. Fu visitato da Goethe (1790). Qui Wagner ascoltò il canto dei gondolieri (1857), sotto la cui ispirazione scrisse il secondo atto di Tristano e Isotta. Nietzsche ascoltava anche il canto dei gondolieri, definendolo il canto dell'anima.

La vicinanza del mare evoca forme fluide e mobili, piuttosto che chiare strutture geometriche. Venezia gravitava non tanto per ragionare con le sue rigide regole, quanto per sentimenti, da cui è nata la sorprendente poesia dell'arte veneziana. Il fulcro di questa poesia era la natura - la sua materialità visibile e sentita, la donna - l'emozionante bellezza della sua carne, la musica - nata dal gioco dei colori e della luce e dai suoni incantati di una natura spiritualizzata.

Gli artisti della scuola veneziana non davano la preferenza alla forma e al disegno, ma al colore, al gioco di luci e ombre. Raffigurando la natura, hanno cercato di trasmetterne gli impulsi e il movimento, la variabilità e la fluidità. Vedevano la bellezza del corpo femminile non tanto nell'armonia delle forme e delle proporzioni quanto nella carne più viva e sensibile.

La plausibilità e l'affidabilità realistiche non erano sufficienti per loro. Si sforzavano di rivelare le ricchezze inerenti alla pittura stessa. È a Venezia che va il merito della scoperta di un puro inizio pittorico, o del pittoresco nella sua forma più pura. Gli artisti veneziani furono i primi a mostrare la possibilità di separare il pittoresco dagli oggetti e dalle forme, la possibilità di risolvere i problemi della pittura con l'aiuto di un colore, mezzi puramente pittorici, la possibilità di considerare il pittoresco fine a se stesso. Tutta la pittura successiva, basata sull'espressione e sull'espressività, seguirà questo percorso. Secondo alcuni esperti si può andare da Tiziano a Rubens e Rembrandt, poi a Delacroix, e da lui a Gauguin, Van Gogh, Cézanne, ecc.

Il fondatore della scuola veneziana è Giorgione(1476-1510). Nel suo lavoro, ha agito come un vero innovatore. Il principio laico alla fine vince con lui, e invece di soggetti biblici, preferisce scrivere su temi mitologici e letterari. Nella sua opera si afferma la pittura da cavalletto, che non assomiglia più a un'icona oa un'immagine d'altare.

Giorgione apre una nuova era nella pittura, la prima ad iniziare a dipingere dalla natura. Raffigurando la natura, sposta per la prima volta l'accento sulla mobilità, la variabilità e la fluidità. Un eccellente esempio di ciò è il suo dipinto "The Thunderstorm". Fu Giorgione che iniziò a cercare il segreto della pittura nella luce e nelle sue transizioni, nel gioco di luci e ombre, fungendo da predecessore di Caravaggio e del caravaggismo.

Giorgione ha creato opere di diversi generi e temi - "Concerto rurale" e "Giuditta". La sua opera più famosa è stata Venere dormiente". Questa foto è priva di qualsiasi trama. Elogia la bellezza e il fascino del corpo femminile nudo, che rappresenta "la nudità per amore della nudità".

Il capo della scuola veneziana è Tiziano(c. 1489-1576). La sua opera - insieme a quella di Leonardo, Raffaello e Michelangelo - è l'apice dell'arte rinascimentale. Gran parte della sua lunga vita è stata nel tardo Rinascimento.

Nell'opera di Tiziano, l'arte del Rinascimento raggiunge la sua massima ascesa e fioritura. Le sue opere uniscono la ricerca creativa e l'innovazione di Leonardo, la bellezza e la perfezione di Raffaello, la profondità spirituale, il dramma e la tragedia di Michelangelo. Hanno una sensualità straordinaria, grazie alla quale hanno un forte impatto sullo spettatore. Le opere di Tiziano sono sorprendentemente musicali e melodiche.

Come osserva Rubens, insieme a Tiziano, la pittura ha acquisito il suo sapore e, secondo Delacroix e Van Gogh, la musica. Le sue tele sono dipinte con un tratto aperto, leggero, libero e trasparente allo stesso tempo. È nelle sue opere che il colore, per così dire, dissolve e assorbe la forma, e il principio pittorico per la prima volta acquista autonomia, appare nella sua forma pura. Il realismo nelle sue creazioni si trasforma in lirismo incantevole e sottile.

Nelle opere del primo periodo, Tiziano glorifica la gioia incurante della vita, il godimento dei beni terreni. Glorifica il principio sensuale, la carne umana piena di salute, l'eterna bellezza del corpo, la perfezione fisica dell'uomo. A questo sono dedicate le sue tele come "L'amore terrestre e celeste", "La festa di Venere", "Bacco e Arianna", "Dane", "Venere e Adone".

L'inizio sensuale prevale nella foto. "Maddalena penitente”, Anche se è dedicato a una situazione drammatica. Ma anche qui il peccatore penitente ha una carne sensuale, un corpo accattivante che irradia luce, labbra carnose e sensuali, guance rubiconde e capelli dorati. Il dipinto "Ragazzo con cani" è pieno di lirismo soul.

Nelle opere del secondo periodo, il principio sensoriale è preservato, ma è integrato da un crescente psicologismo e dramma. In generale, Tiziano fa una transizione graduale dal fisico e sensuale allo spirituale e drammatico. I cambiamenti in atto nell'opera di Tiziano sono chiaramente visibili nell'incarnazione di temi e trame a cui il grande artista si è rivolto due volte. Un tipico esempio in questo senso è il dipinto "San Sebastiano". Nella prima versione, il destino di un malato solitario e abbandonato non sembra troppo triste. Al contrario, il santo raffigurato è dotato di vitalità e bellezza fisica. In una versione successiva del dipinto, che si trova all'Ermitage, la stessa immagine assume tratti tragici.

Un esempio ancora più eclatante è la versione del dipinto "L'incoronazione di spine", dedicato a un episodio della vita di Cristo. Nel primo di essi, conservato al Louvre. Cristo appare come un atleta fisicamente bello e forte, capace di respingere i suoi stupratori. Nella versione monacense, realizzata vent'anni dopo, lo stesso episodio è reso molto più profondo, più complesso e più significativo. Cristo è raffigurato in un mantello bianco, i suoi occhi sono chiusi, sopporta con calma botte e umiliazioni. Ora la cosa principale non è incoronare e battere, non un fenomeno fisico, ma psicologico e spirituale. L'immagine è piena di profonda tragedia, esprime il trionfo dello spirito, la nobiltà spirituale sulla forza fisica.

Nelle ultime opere di Tiziano, il suono tragico è sempre più intensificato. Ciò è dimostrato dal dipinto "Compianto di Cristo".

Il Rinascimento si realizza con pienezza classica in Italia, nella cui cultura rinascimentale si distinguono periodi: protorinascimentale o tempi di fenomeni prerinascimentali, ("l'era di Dante e Giotto", 1260-1320 circa), parzialmente coincidente con il periodo di Duchento (XIII secolo), così come Trecento (XIV secolo), Quattrocento (XV secolo) e Cinquecento (XVI secolo). Periodi più generali sono il Primo Rinascimento (14-15 secoli), quando le nuove tendenze interagiscono attivamente con il gotico, superandolo e trasformandolo creativamente.

E anche l'Alto e Tardo Rinascimento, di cui una fase particolare fu il Manierismo. Nel Quattrocento la scuola fiorentina, gli architetti (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino e altri), gli scultori (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio) e i pittori, Filippo Lippi, Andrea del Castagno , Paolo Uccello, Beato Angelico, Sandro Botticelli) che crearono un concetto plasticamente integrale del mondo con unità interiore, che si diffuse gradualmente in tutta Italia (l'opera di Piero della Francesca a Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa a Ferrara, Mantegna a Mantova, Antonello da Messina e i fratelli Gentile e Giovanni Bellini a Venezia).

È naturale che il tempo, che attribuiva un'importanza centrale alla creatività umana "uguale a Dio", proponesse nell'arte individui che - con tutta l'abbondanza dei talenti di allora - divennero la personificazione di intere epoche della cultura nazionale (personalità "titaniche", come furono chiamati romanticamente in seguito). Giotto divenne la personificazione del Proto-Rinascimento, gli aspetti opposti del Quattrocento - rigore costruttivo e lirismo profondo - furono espressi rispettivamente da Masaccio e Angelico e Botticelli. I "Titani" del Medio (o "Alto") Rinascimento Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo sono artisti - simboli della grande frontiera della Nuova Era in quanto tale. Le fasi più importanti dell'architettura rinascimentale italiana - primo, medio e tardo - sono monumentalmente incarnate nelle opere di F. Brunelleschi, D. Bramante e A. Palladio.

Nel Rinascimento, l'anonimato medievale fu sostituito dalla creatività individuale dell'autore. La teoria della prospettiva lineare e aerea, delle proporzioni, dei problemi di anatomia e della modellazione del cut-off è di grande importanza pratica. Il centro delle innovazioni rinascimentali, uno "specchio dell'epoca" artistico era una pittura pittorica illusoria-naturalistica, nell'arte religiosa sposta l'icona e nell'arte profana dà origine a generi indipendenti di paesaggio, pittura quotidiana, ritratto ( quest'ultimo ha svolto un ruolo primario nella conferma visiva degli ideali di virtù umanistica). L'arte della xilografia a stampa e dell'incisione su metallo, divenuta veramente diffusa durante la Riforma, ottiene il suo valore intrinseco finale. Disegnare da uno schizzo di lavoro si trasforma in un tipo separato di creatività; lo stile individuale del tratto, del tratto, così come la trama e l'effetto di incompletezza (non-finito) stanno cominciando ad essere apprezzati come effetti artistici indipendenti. Anche la pittura monumentale sta diventando pittoresca, illusoria-tridimensionale, guadagnando sempre più indipendenza visiva dalla massa del muro. Tutti i tipi di arti visive ora, in un modo o nell'altro, violano la sintesi medievale monolitica (dove prevaleva l'architettura), guadagnando una relativa indipendenza. Si formano tipi di statue assolutamente rotonde, un monumento equestre, un busto ritratto (che per molti aspetti fanno rivivere l'antica tradizione) e si sta formando un tipo completamente nuovo di solenne lapide scultorea e architettonica.

Durante l'Alto Rinascimento, quando la lotta per gli ideali umanistici rinascimentali assunse un carattere teso ed eroico, l'architettura e le arti visive furono contrassegnate dall'ampiezza della risonanza pubblica, dalla generalizzazione sintetica e dal potere delle immagini piene di attività spirituale e fisica. Negli edifici di Donato Bramante, Raffaello, Antonio da Sangallo, perfetta armonia, monumentalità e proporzioni nette raggiunsero il loro apogeo; pienezza umanistica, un audace volo dell'immaginazione artistica, l'ampiezza della realtà sono caratteristiche del lavoro dei più grandi maestri delle arti visive di quest'epoca: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione, Tiziano. A partire dal secondo quarto del Cinquecento, quando l'Italia entrò in un momento di crisi politica e di delusione per le idee dell'umanesimo, l'opera di molti maestri acquisì un carattere complesso e drammatico. Nell'architettura del tardo rinascimento (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi), cresceva l'interesse per lo sviluppo spaziale della composizione, la subordinazione dell'edificio ad una concezione urbanistica ampia; nel ricco e complesso sviluppo di edifici pubblici, templi, ville, palazzo la tettonica chiara del primo Rinascimento fu sostituita da un intenso conflitto di forze tettoniche (edifici di Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). La pittura e la scultura del Tardo Rinascimento si arricchirono della comprensione della natura contraddittoria del mondo, dell'interesse per la rappresentazione dell'azione drammatica di massa, delle dinamiche spaziali (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); le caratteristiche psicologiche delle immagini nelle opere successive di Michelangelo e Tiziano hanno raggiunto una profondità, una complessità, una tragedia interiore senza precedenti.

scuola veneziana

La Scuola Veneta, una delle principali scuole di pittura in Italia con sede nella città di Venezia (in parte anche nei piccoli centri di Terraferma - zone della terraferma limitrofe a Venezia). La scuola veneziana è caratterizzata dalla predominanza dell'inizio pittorico, dall'attenzione speciale ai problemi del colore, dal desiderio di incarnare la completezza sensuale e la brillantezza dell'essere. Strettamente connessa con i paesi dell'Europa occidentale e dell'Oriente, Venezia trasse dalla cultura straniera tutto ciò che poteva fungere da decorazione: l'eleganza e lo splendore dorato dei mosaici bizantini, l'ambiente in pietra delle strutture moresche, la natura fantastica dei templi gotici. Allo stesso tempo, qui si sviluppò il suo stile originale nell'arte, gravitando verso lo splendore cerimoniale. La scuola veneziana è caratterizzata da un principio secolare, affermativo della vita, percezione poetica del mondo, dell'uomo e della natura, del sottile colorismo.

La scuola veneziana raggiunse la sua massima fioritura nell'epoca del primo e alto rinascimento, nell'opera di Antonello da Messina, che aprì le possibilità espressive della pittura ad olio per i suoi contemporanei, artefici di immagini idealmente armoniche di Giovanni Bellini e Giorgione, il il più grande colorista Tiziano, che incarnava nelle sue tele l'allegria colorata insita nella pittura e nella pletora veneziana. Nelle opere dei maestri della scuola veneziana della seconda metà del Cinquecento, virtuosismo nel trasmettere il multicolor del mondo, amore per gli spettacoli festosi e una folla poliedrica, convivono con dramma esplicito e nascosto, senso allarmante della dinamica e l'infinito dell'universo (dipinti di Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto). Nel XVII secolo, l'interesse tradizionale della scuola veneziana per i problemi del colore nelle opere di Domenico Fetti, Bernardo Strozzi e altri artisti coesisteva con le tecniche della pittura barocca, nonché tendenze realistiche nello spirito del caravaggismo. La pittura veneziana del Settecento è caratterizzata dal fiorire della pittura monumentale e decorativa (Giovanni Battista Tiepolo), del genere (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), del documentario accurato del paesaggio architettonico - piombo (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) e del quotidiano vita del paesaggio urbano di Venezia (Francesco Guardi).

scuola fiorentina

School of Florence, una delle principali scuole d'arte italiane del Rinascimento, con sede nella città di Firenze. La formazione della scuola fiorentina, che prese finalmente forma nel XV secolo, fu facilitata dal fiorire del pensiero umanistico (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola, ecc.), che si rivolse al patrimonio dell'antichità. Il capostipite della scuola fiorentina in epoca protorinascimentale fu Giotto, che conferì alle sue composizioni persuasività plastica e autenticità di vita.
Nel XV secolo i fondatori dell'arte rinascimentale a Firenze furono l'architetto Filippo Brunelleschi, lo scultore Donatello, il pittore Masaccio, seguiti dall'architetto Leon Battista Alberti, gli scultori Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano e altri maestri. Nell'architettura della scuola fiorentina nel XV secolo, fu creato un nuovo tipo di palazzo rinascimentale, iniziò la ricerca di un tipo ideale di edificio del tempio che incontrasse gli ideali umanistici dell'epoca.

Le belle arti della scuola fiorentina del Quattrocento sono caratterizzate dalla fascinazione per i problemi della prospettiva, dal desiderio di una costruzione plasticamente chiara della figura umana (opere di Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), e per molti dei suoi maestri - una spiritualità speciale e un'intima contemplazione lirica (dipinti di Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Beato Angelico, Filippo Lippi,). Nel XVII secolo la scuola fiorentina cadde in decadenza.

I dati di riferimento e biografici della "Small Bay Planet Painting Gallery" sono stati preparati sulla base dei materiali di "History of Foreign Art" (a cura di MT Kuzmina, NL Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great Russian Enciclopedia".