Concerti di antonio vivaldi. Concerto "Antonio Vivaldi
introduzione
Capitolo I. Il ruolo di A. Vivaldi nella formazione del concerto per violino nel XVIII secolo
1.1. 1.2.Il contributo creativo di A. Vivaldi allo sviluppo del concerto strumentale Capitolo II. L'eredità creativa di A. Vivaldi. Analisi delle opere più famose del compositore 1 "stagioni" 2 Concerto per violino "A-moll" Conclusione Elenco bibliografico introduzione Antonio Vivaldi è un compositore prolifico, autore di opere strumentali e opere, le cui produzioni ha in gran parte diretto lui stesso, educando cantanti, dirigendo spettacoli, eseguendo anche i doveri di un impresario. La straordinaria ricchezza di questa inquieta esistenza, le forze creative apparentemente inesauribili, la rara versatilità di interessi si coniugavano in Vivaldi con manifestazioni di temperamento luminoso e sfrenato. Questi tratti della personalità si riflettono pienamente nell'arte di Vivaldi, che è ricca di fantasia artistica e di forza di temperamento e non perde vitalità nei secoli. Se alcuni dei suoi contemporanei hanno visto la frivolezza nell'aspetto e nelle azioni di Vivaldi, allora nella sua musica il pensiero creativo è sempre sveglio, la dinamica non si indebolisce, la plasticità del fare forma non è disturbata. L'arte di Vivaldi è soprattutto un'arte generosa che nasce dalla vita stessa, assorbendone i sani succhi. Non c'era niente di inverosimile, lontano dalla realtà, non testato dalla pratica, e non poteva esserlo. Il compositore conosceva perfettamente la natura del suo strumento. Scopo del lavoro del corso: studiare l'interpretazione del genere del concerto strumentale nelle opere di Antonio Vivaldi. Obiettivi del lavoro del corso: .Studiare la letteratura su un determinato argomento; 2.Consideriamo A. Vivaldi come un rappresentante della scuola violinistica italiana; 3.Analizza le opere più famose del compositore. Questo lavoro del corso è rilevante oggi, poiché il lavoro del compositore A. Vivaldi è interessante per i contemporanei, le sue opere sono eseguite nelle sale da concerto di tutto il mondo. Capitolo I. Il ruolo di A. Vivaldi nella formazione del concerto per violino nel XVIII secolo 1.1.La scuola violinistica italiana e lo sviluppo dei generi della musica strumentale e violinistica La prima fioritura dell'arte violinistica italiana aveva le sue ragioni sociali, culturali, radicate nello sviluppo socio-economico del Paese. Per particolari condizioni storiche in Italia, prima che in altri paesi europei, i rapporti feudali furono soppiantati da quelli borghesi, più progressisti in quell'epoca. Nel paese, che F. Engels chiamava "la prima nazione capitalista", le caratteristiche nazionali della cultura e dell'arte cominciarono a prendere forma quanto prima. Il Rinascimento fiorì proprio sul suolo italiano. Ha portato alla nascita di brillanti creazioni di scrittori, artisti, architetti italiani. L'Italia ha anche dato al mondo la prima opera, l'arte del violino sviluppata, l'emergere di nuovi generi musicali progressivi, le eccezionali conquiste dei liutai che hanno creato esempi classici insuperabili di strumenti ad arco (Amati, Stradivari, Guarneri). I fondatori della scuola italiana di liutai furono Andrea Amati e Gasparo da Salo, e i maestri più importanti durante il periodo di massimo splendore della scuola (dalla metà del XVII secolo alla metà del XVIII secolo) furono Niccolò Amati e i suoi due allievi, Antonio Stradivari e Giuseppe Guarneri del Gesù. Si ritiene che Antonio Stradivari sia nato nell'anno 1644, anche se la sua data di nascita esatta non è registrata. È nato in Italia. Si ritiene che dal 1667 al 1679 abbia servito come libero discepolo di Amati, vale a dire. ha fatto il lavoro grossolano. Il giovane migliorò diligentemente il lavoro di Amati, ottenendo la melodia e la flessibilità delle voci dei suoi strumenti, cambiando la loro forma in una più curva e decorando gli strumenti. L'evoluzione di Stradivari mostra la graduale liberazione dall'influenza del maestro e il desiderio di creare un nuovo tipo di violino, caratterizzato da un timbro ricco e da un suono potente. Ma il periodo di ricerche creative, durante il quale Stradivari era alla ricerca di un proprio modello, durò più di 30 anni: i suoi strumenti raggiunsero la perfezione nella forma e nel suono solo nei primi anni del 1700. È generalmente accettato che i suoi strumenti migliori siano stati realizzati dal 1698 al 1725, compreso il superamento in termini di qualità di quelli realizzati successivamente dal 1725 al 1730. Tra i famosi violini Stradivari ci sono Betts, Viotti, Alard e Messiah. ... Oltre ai violini, Stradivari produceva anche chitarre, viole, violoncelli e almeno un'arpa - attualmente si stimano oltre 1.100 strumenti. Il grande maestro morì all'età di 93 anni il 18 dicembre 1837. I suoi strumenti di lavoro, disegni, disegni, modelli, alcuni violini furono inclusi nella collezione del famoso collezionista del XVIII secolo, il conte Cozio di Salabue. Oggi questa collezione è conservata nel Museo Stradivariano di Cremona. Cambiamenti nell'ambiente storico, bisogni sociali e culturali, processi spontanei di sviluppo dell'arte musicale, estetica - tutto ciò ha contribuito a un cambiamento negli stili, nei generi e nelle forme della creatività musicale e delle arti dello spettacolo, portando a volte a un quadro eterogeneo della coesistenza di vari stili nel percorso generale di avanzamento dell'arte dal Rinascimento al Barocco e poi agli stili preclassici e primi classicisti del XVIII secolo. L'arte del violino ha svolto un ruolo significativo nello sviluppo della cultura musicale italiana. Non si può sottovalutare il ruolo di primo piano dei musicisti italiani nel primo periodo di massimo splendore dell'arte violinistica come uno dei principali fenomeni della musica europea. Ciò è dimostrato in modo convincente dai risultati dei violinisti e compositori italiani dei secoli XVII-XVIII, che guidavano la scuola violinistica italiana: Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi e Giuseppe Tartini, il cui lavoro ha mantenuto un grande significato artistico. Arcangelo Corelli nacque il 17 febbraio 1653 a Fusignano, vicino Bologna, da una famiglia intelligente. Il suo talento musicale si manifestò presto, e si sviluppò sotto l'influenza diretta della scuola bolognese: il giovane Corelli imparò a suonare il violino a Bologna sotto la guida di Giovanni Benvenuti. I suoi successi stupirono coloro che lo circondavano e ricevettero un alto riconoscimento da parte degli specialisti: all'età di 17 anni, Corelli fu eletto membro dell'Accademia Filarmonica di Bologna. Tuttavia, non rimase poi a lungo a Bologna, e nei primi anni '70 si trasferì a Roma, dove trascorse poi tutta la sua vita. A Roma, il giovane musicista ha ampliato la sua formazione studiando il contrappunto con l'aiuto dell'esperto organista, cantante e compositore Matteo Simonelli della Cappella Papale. La carriera musicale di Corelli inizia prima in chiesa (violinista nella cappella), poi al teatro dell'opera Capranica (maestro di banda). Qui avanzò non solo come un meraviglioso violinista, ma anche come leader di complessi strumentali. Dal 1681 Corelli iniziò a pubblicare le sue opere: fino al 1694 furono pubblicate quattro raccolte delle sue trisonate, che gli diedero ampia fama. Dal 1687 al 1690 fu capo della cappella del cardinale B. Panfili, poi divenne capo della cappella del cardinale P. Ottoboni e organizzatore di concerti nel suo palazzo. Ciò significa che Corelli comunicava con una vasta cerchia di intenditori d'arte, appassionati d'arte illuminati e musicisti eccezionali del suo tempo. Ricco e brillante filantropo, appassionato d'arte, Ottoboni ospitò l'esecuzione di oratori, concerti “accademia”, frequentati da una grande società. Il giovane Händel, Alessandro Scarlatti e suo figlio Domenico, molti altri musicisti, artisti, poeti e scienziati italiani e stranieri hanno visitato la sua casa. La prima raccolta delle trisonate di Corelli è dedicata a Cristina di Svezia, regina senza trono, vissuta a Roma. Ciò fa pensare che Corelli partecipasse anche alle feste musicali che si tenevano nel palazzo da lei occupato o sotto i suoi auspici. A differenza della maggior parte dei musicisti italiani del suo tempo, Corelli non scrisse opere (sebbene fosse associato al teatro dell'opera) e composizioni vocali per la chiesa. Era completamente immerso come compositore-esecutore solo nella musica strumentale e nei pochi generi associati alla partecipazione principale del violino. Nel 1700 fu pubblicata una raccolta delle sue sonate per violino con accompagnamento. Dal 1710 Corelli smise di esibirsi in concerti, due anni dopo si trasferì da Palazzo Ottoboni nel proprio appartamento. Per molti anni, Corelli ha studiato con gli studenti. Tra i suoi allievi ci sono compositori-interpreti Pietro Locatelli, Francesco Geminiani, JB Somis. Dopo di lui rimase una vasta collezione di dipinti, tra cui dipinti di maestri italiani, paesaggi di Poussin e un dipinto di Bruegel, molto apprezzato dal compositore e citato nel suo testamento. Corelli morì a Roma l'8 gennaio 1713. 12 dei suoi concerti furono pubblicati postumi, nel 1714. Con tutte le sue radici, l'arte di Corelli si rifà alla tradizione del XVII secolo, senza rompere con la polifonia, padroneggiando l'eredità della suite da ballo, sviluppando ulteriormente i mezzi espressivi e, quindi, la tecnica del suo strumento. L'opera dei compositori bolognesi, basata soprattutto sui modelli della trisonata, ha già ricevuto un'influenza significativa non solo in Italia: come sapete, ha conquistato Purcell a suo tempo. Corelli, il fondatore della scuola violinistica romana, si guadagnò una fama davvero mondiale. Nei primi decenni del XVIII secolo, il suo nome incarnava agli occhi dei contemporanei francesi o tedeschi le più alte realizzazioni e la stessa specificità della musica strumentale italiana in generale. L'arte violinistica del XVIII secolo, rappresentata da luminari come Vivaldi e Tartini, e un'intera galassia di altri eccezionali maestri, si è sviluppata da Corelli. Il patrimonio artistico di Corelli in quel momento non è così grande: 48 sonate per trio, 12 sonate per violino con accompagnamento e 12 "grandi concerti". I compositori italiani contemporanei di Corelli, di regola, erano molto più prolifici, creando dozzine di opere, centinaia di cantate, per non parlare di un numero enorme di opere strumentali. A giudicare dalla stessa musica di Corelli, non era difficile per lui lavorare in modo creativo. Apparentemente, essendo profondamente concentrato su di lei, senza disperdersi ai lati, ha pensato attentamente a tutti i suoi piani e non aveva fretta di pubblicare opere già pronte. Non ci sono tracce di evidente immaturità nelle sue prime opere, così come non ci sono segni di stabilizzazione creativa nelle opere successive. È possibile che ciò che è stato pubblicato nel 1681 sia stato creato nel corso di alcuni anni precedenti e che i concerti pubblicati nel 1714 siano iniziati molto prima della morte del compositore. 2 Il contributo creativo di A. Vivaldi allo sviluppo del concerto strumentale Eccezionale violinista e compositore Antonio Vivaldi (1678-1741) è uno dei più brillanti rappresentanti dell'arte violinistica italiana del XVIII secolo. Il suo significato, soprattutto nella creazione di un concerto per violino solo, va ben oltre i confini dell'Italia. A. Vivaldi nacque a Venezia, nella famiglia di un ottimo violinista e maestro, membro della cappella della Cattedrale di San Marco, Giovanni Battista Vivaldi. Fin dalla prima infanzia, suo padre gli ha insegnato a suonare il violino, lo ha portato alle prove. Dall'età di 10 anni, il ragazzo iniziò a sostituire suo padre, che lavorava anche in uno dei conservatori della città. Il capo della cappella, G. Lehrenzi, si interessò al giovane violinista e studiò con lui organo e composizione. Vivaldi ha frequentato i concerti in casa di Legrantsi, dove ha ascoltato nuove composizioni dello stesso proprietario, dei suoi studenti - Antonio Lotti, il violoncellista Antonio Caldara, l'organista Carlo Polarolli e altri. Purtroppo nel 1790 Lehrenzi morì e i suoi studi cessarono. A questo punto, Vivaldi aveva già iniziato a comporre musica. La sua prima opera sopravvissuta è un'opera spirituale del 1791. Il padre ritenne opportuno dare al figlio un'educazione spirituale, poiché la dignità e il voto di celibato davano a Vivaldi il diritto di insegnare al conservatorio femminile. Inizia così la formazione spirituale in seminario. Nel 1693 fu ordinato abate. Questo gli fornì l'accesso al più prestigioso conservatorio “Ospedale della Pietà” à ". Tuttavia, il sacerdozio si rivelò un ulteriore ostacolo allo spiegamento dell'enorme talento di Vivaldi. Dopo l'abate, Vivaldi avanzò nei ranghi del clero e infine nel 1703 fu ordinato all'ultimo grado inferiore - un sacerdote, che gli conferì il diritto di svolgere un servizio indipendente - la messa. Il padre preparò completamente Vivaldi per l'insegnamento, facendo lo stesso al Conservatorio dei mendicanti. La musica al conservatorio era la materia principale. Alle ragazze è stato insegnato a cantare, suonare diversi strumenti e dirigere. Il Conservatorio possedeva all'epoca una delle migliori orchestre d'Italia alla quale partecipavano 140 studentesse. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf hanno parlato con entusiasmo di questa orchestra. Insieme a Vivaldi, allievo di Corelli e Lotti, ha insegnato qui Francesco Gasparini, violinista e compositore esperto, le cui opere sono state rappresentate a Venezia. Al Conservatorio, Vivaldi ha insegnato violino e viola inglese. L'Orchestra del Conservatorio divenne per lui una sorta di laboratorio, dove poter realizzare le sue idee. Già nel 1705 fu pubblicata la sua prima opera di trio sonate (da camera), in cui si avverte ancora l'influenza di Corelli. Caratteristicamente, tuttavia, in loro non c'è alcun segno di discepolato. Si tratta di opere di finzione mature, che attraggono con la freschezza e la figuratività della musica. Quasi a sottolineare un omaggio al genio di Corelli, conclude la Sonata n. 12 con le stesse variazioni sul tema di Folia. Già l'anno successivo, la seconda opera, concerti grossi "Harmonious Inspiration", apparve tre anni prima dei concerti di Torelli. È tra questi concerti che si trova il famoso a-moll no. Il servizio al conservatorio ha avuto successo. A Vivaldi viene affidata la direzione dell'orchestra, e poi del coro. Nel 1713, in occasione della partenza di Gasparini, Vivaldi divenne il principale compositore con l'obbligo di comporre due concerti al mese. Ha lavorato al conservatorio quasi fino alla fine della sua vita. Ha portato l'orchestra del conservatorio alla massima perfezione. La fama di Vivaldi, il compositore, si sta rapidamente diffondendo non solo in Italia. Le sue opere sono pubblicate ad Amsterdam. A Venezia conosce Händel, A. Scarlatti, suo figlio Domenico, che studia con Gasparini. Vivaldi guadagna anche fama come violinista virtuoso, per il quale non c'erano difficoltà impossibili. La sua abilità si manifestava in cadenze estemporanee. Uno di questi casi, che era presente alla produzione dell'opera di Vivaldi al Teatro San Angelo, ha ricordato la sua esibizione: “Quasi alla fine, accompagnando splendidamente il cantante, Vivaldi ha finalmente eseguito una fantasia che mi ha davvero spaventato, perché era qualcosa di incredibile, come quella che nessuno suonava e non sa suonare, perché con le dita si arrampicava così in alto che non c'era posto per l'arco, e questo suonava un fugu su tutte e quattro le corde con una velocità incredibile”. Le registrazioni di molte di queste cadenze rimangono nei manoscritti. Vivaldi composto rapidamente. Le sue sonate soliste e i suoi concerti stanno per uscire di stampa. Per il conservatorio, crea il suo primo oratorio "Mosè, Dio del Faraone", prepara la prima opera - "Otto in Villa", che ebbe successo nel 1713 a Vicenza. Nei tre anni successivi creò altre tre opere. Poi c'è una pausa. Vivaldi scriveva così facilmente che a volte lo annotava anche lui stesso, come nel manoscritto dell'opera "Tito Manlio" (1719) - "completato in cinque giorni". Nel 1716, Vivaldi creò uno dei suoi migliori oratori per il conservatorio: "Giuditta trionfante, che vince Oloferne i barbari". La musica attrae con energia e portata e allo stesso tempo con colori sorprendenti, poesia. Nello stesso anno, durante i festeggiamenti musicali in onore dell'arrivo del Duca di Sassonia a Venezia, furono invitati ad esibirsi due giovani violinisti, Giuseppe Tartini e Francesco Veracini. L'incontro con Vivaldi ha avuto un profondo impatto sul loro lavoro, in particolare sui concerti e le sonate di Tartini. Tartini ha detto che Vivaldi è un compositore di concerti, ma pensa che sia un compositore d'opera per vocazione. Tartini aveva ragione. Le opere di Vivaldi sono ormai dimenticate. L'attività pedagogica di Vivaldi al Conservatorio porta progressivamente al successo. Con lui studiarono anche altri violinisti: J. B. Somis, Luigi Madonis e Giovanni Verocai, che prestò servizio a San Pietroburgo, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy - direttore d'orchestra a Praga. Allievo del Conservatorio, Santa Tasca divenne violinista concertista, poi musicista di corte a Vienna; Hiaretta si è esibito anche con il famoso violinista italiano G. Fedeli. Inoltre, Vivaldi si è rivelato un buon insegnante di canto. La sua allieva Faustina Bordoni ricevette il soprannome di "Nuova Sirena" per la bellezza della sua voce (contralto). Lo studente più famoso di Vivaldi fu Johann Georg Pisendel, il primo violino della Cappella di Dresda. Nel 1718 Vivaldi accetta inaspettatamente un invito a lavorare come capo della cappella del Langravio a Mantova. Qui mette in scena le sue opere, crea numerosi concerti per la cappella e dedica una cantata al Conte. A Mantova incontra la sua ex allieva, la cantante Anna Giraud. Si è impegnato a sviluppare le sue capacità vocali, ci è riuscito, ma è stato seriamente portato da lei. Giraud divenne un famoso cantante e cantò in tutte le opere di Vivaldi. Nel 1722 Vivaldi tornò a Venezia. Al conservatorio ora deve comporre due concerti strumentali al mese e condurre 3-4 prove con gli studenti per impararli. In caso di partenza, doveva inviare i concerti tramite corriere. Nello stesso anno crea Dodici Concerti op. 8 - "Esperienza di Armonia e Fantasia", che comprende le famose "Stagioni" e alcuni altri concerti in programma. Fu pubblicato ad Amsterdam nel 1725. I concerti si diffusero rapidamente in tutta Europa e The Four Seasons ottenne un'immensa popolarità. In questi anni l'intensità della creatività di Vivaldi fu eccezionale. Solo per la stagione 1726-27 crea otto nuove opere, decine di concerti, sonate. Dal 1735 Vivaldi ha sviluppato una proficua collaborazione con Carlo Goldoni, sul cui libretto crea le opere "Griselda", "Aristide" e molte altre. Ciò ha influenzato anche la musica del compositore, nella cui opera si manifestano più vividamente le caratteristiche di un'opera-buffa, gli elementi popolari. Poco si sa di Vivaldi, l'esecutore. Si è esibito come violinista molto raramente - solo al Conservatorio, dove a volte ha suonato i suoi concerti, ea volte nell'opera, dove c'erano assoli o cadenze di violino. A giudicare dalle registrazioni superstiti di alcune sue cadenze, delle sue composizioni, nonché dalle testimonianze frammentarie dei suoi contemporanei che ci sono pervenute sul suo modo di suonare, fu un violinista eccezionale che fu un maestro virtuoso del suo strumento. Come compositore, pensava anche come un violinista. Lo stile strumentale traspare anche nella sua creatività operistica, composizioni oratorie. Il fatto che fosse un violinista eccezionale è dimostrato dal fatto che molti violinisti europei si sono sforzati di studiare con lui. Le caratteristiche del suo stile esecutivo si riflettono sicuramente nelle sue composizioni. Il patrimonio creativo di Vivaldi è enorme. Sono già state pubblicate più di 530 sue opere. Ha scritto circa 450 diversi concerti, 80 sonate, circa 100 sinfonie, più di 50 opere, oltre 60 opere sacre. Molti di loro rimangono ancora manoscritti. La Casa Editrice Ricordi ha pubblicato 221 concerti per violino solo, 26 concerti per 2-4 violini, 6 concerti per viola d cupido, 11 concerti per violoncello, 30 sonate per violino, 19 sonate per trio, 9 sonate per violoncello e altre opere, comprese quelle per strumenti a fiato. In ogni genere toccato dal genio di Vivaldi, si aprivano nuove possibilità inesplorate. Questo era già evidente nella sua prima composizione. Le dodici sonate a tre di Vivaldi furono pubblicate per la prima volta come op. 1, a Venezia nel 1705, ma furono composti molto prima; quest'opera probabilmente include opere selezionate di questo genere. Nello stile, sono vicini a Corelli, sebbene mostrino alcuni tratti individuali. È interessante che, proprio come nell'op. 5 Corelli, la raccolta di Vivaldi si conclude con diciannove variazioni sul tema folia spagnolo popolare dell'epoca. Degna di nota è l'ineguale presentazione (melodica e ritmica) del tema di Corelli e Vivaldi (quest'ultimo è più rigoroso). A differenza di Corelli, che di solito distingueva tra stili da camera e da chiesa, Vivaldi già nella prima opera dà esempi del loro intreccio e compenetrazione. In termini di genere, queste sono ancora piuttosto sonate da camera. In ognuno di essi viene evidenziata la parte del primo violino, gli viene dato un carattere virtuosistico, più libero. Le sonate si aprono con lussureggianti preludi di carattere lento e solenne, ad eccezione della Sonata Ten, che inizia con una danza veloce. Il resto delle parti sono quasi tutte di genere. Ci sono otto allemand, cinque giga, sei carillon, che vengono ripensati strumentalmente. La gavotta cerimoniale di corte, ad esempio, viene usata cinque volte come finale veloce al ritmo di Allegro e Presto. La forma delle sonate è abbastanza libera. La prima parte dà un atteggiamento psicologico all'insieme, proprio come fece Corelli. Tuttavia, Vivaldi rifiuta ulteriormente la parte della fuga, la polifonia e l'elaborazione, si sforza di un movimento di danza dinamico. A volte tutte le altre parti vanno quasi allo stesso tempo, violando così il vecchio principio del contrasto di tempo. Già in queste sonate si avverte la ricca fantasia di Vivaldi: nessuna ripetizione di formule tradizionali, melodia inesauribile, ricerca della convessità, intonazioni caratteristiche, che verranno poi sviluppate sia dallo stesso Vivaldi che da altri autori. Quindi, l'inizio della seconda sonata di Grave apparirà in The Seasons. La melodia del preludio dell'undicesima sonata si rifletterà nel tema principale del Concerto per due violini di Bach. Anche ampi movimenti di figurazione, ripetizione di intonazioni, come se fissassero il materiale principale nella mente dell'ascoltatore, e l'attuazione coerente del principio di sviluppo sequenziale diventano anche tratti caratteristici. La forza e l'ingegnosità dello spirito creativo di Vivaldi nel genere concertistico si sono manifestate in modo particolarmente chiaro. È in questo genere che sono scritte la maggior parte delle sue opere. Allo stesso tempo, il patrimonio concertistico del maestro italiano unisce liberamente opere scritte in forma di concerto grosso e in forma di recital. Ma anche in quelli dei suoi concerti che gravitano intorno al genere del concerto grosso, l'individualizzazione delle parti da concerto si avverte nettamente: spesso acquisiscono un carattere concertistico, e quindi non è facile tracciare il confine tra concerto grosso e recital. violino compositore vivaldi Capitolo II. L'eredità creativa di A. Vivaldi. Analisi delle opere più famose del compositore 1 "stagioni" Un ciclo di quattro concerti per violino solo, orchestra d'archi e clavicembalo "Le stagioni" sarebbe stato scritto nel 1720-1725. Successivamente, questi concerti sono stati inclusi nell'Opus 8 "The Dispute of Harmony with Invention". Come scrive N. Arnoncourt, il compositore raccolse e pubblicò quelli dei suoi concerti che potevano essere abbinati a un nome così sonoro. Il Concerto di Primavera, come gli altri Concerti delle tre Stagioni, è scritto in una forma tripartita, la cui approvazione nella storia della musica è legata proprio al nome di A. Vivaldi. Le parti estreme sono veloci, scritte in una vecchia forma da concerto. Il secondo movimento è lento, con una melodia melodica, scritta nella vecchia forma in due parti. Per la composizione della prima parte del concerto, l'attività, l'energia del movimento, insita nel tema del titolo, è di fondamentale importanza. Ripetendosi nell'Allegro più di una volta, come se tornasse in un cerchio, sembra stimolare il movimento generale all'interno della forma e allo stesso tempo lo tiene insieme, mantenendo l'impressione principale. All'attività dinamica delle prime parti del ciclo si contrappone la concentrazione delle parti lente con l'intima unità dei loro temi e una maggiore semplicità compositiva. In questo quadro, i numerosi Largo, Adagio e Andante nei concerti di Vivaldi sono tutt'altro che dello stesso tipo. Possono essere pacatamente idilliaci in varie versioni, in particolare pastorale, spiccano per l'ampiezza del lirismo, possono persino trasmettere una tensione vincolata di sentimenti nel genere siciliano o, sotto forma di passacaglia, incarnare l'acutezza del dolore. Il movimento della musica nei centri lirici è più unilaterale (i contrasti interni non sono caratteristici né del tematismo né della struttura nel suo insieme), più calmo, ma è senza dubbio presente qui in Vivaldi - nell'ampio sviluppo del melodismo lirico, nell'espressivo contrappunto delle voci acute, come in un duetto (detto Siciliana), nello sviluppo variazionale della Passacaglia. Il tematismo delle finali, di regola, è più semplice, internamente omogeneo, più vicino alle origini del genere folk rispetto al tematismo dei primi Allegri. Movimento veloce per 3/8 o 2/4, frasi brevi, ritmi taglienti (danza, sincopati), intonazioni incendiarie "di gusto lombardo" - tutto qui è provocatoriamente vitale, a volte divertente, a volte frettoloso, a volte buffone, a volte violento, a volte dinamico . pittorescamente. Tuttavia, non tutte le finali dei concerti di Vivaldi sono dinamiche in questo senso. Finale in concerto grosso op. 3 n. 11, preceduto dalla già citata Siciliana, è permeato d'inquietudine e inconsueto nella sua acutezza. I violini solisti iniziano a condurre un tema inquietante e uniformemente pulsante in una presentazione imitazione, quindi, dalla quarta battuta al basso, una discesa cromatica è segnata nello stesso ritmo pulsante. Ciò conferisce subito un carattere cupo e anche un po' nervoso alla dinamica del finale del concerto. In tutte le parti del ciclo, la musica di Vivaldi si muove in modi diversi, ma il suo movimento avviene naturalmente sia all'interno di ciascuna parte che nel rapporto delle parti. Ciò è dovuto alla natura stessa del tematismo, e all'imminente maturità del pensiero armonico nel nuovo magazzino omofonico, quando la chiarezza delle funzioni modali e la chiarezza della gravitazione attivano lo sviluppo musicale. Ciò è anche del tutto connesso con il senso classico della forma insito nel compositore, il quale, senza evitare nemmeno una netta intrusione di intonazioni di genere folkloristico locale, si sforza sempre di mantenere la massima armonia dell'insieme nell'alternanza di campioni contrastanti, sul scala delle parti del ciclo (senza lunghezze), nella plasticità della loro intonazione, dispiegamento, nella drammaticità generale del ciclo. Per quanto riguarda i sottotitoli del programma, hanno solo delineato la natura dell'immagine o delle immagini, ma non hanno toccato la forma dell'insieme, non hanno predeterminato lo sviluppo entro i suoi limiti. Un programma relativamente dettagliato è fornito con le partiture di quattro concerti della serie "Stagioni": a ciascuno di essi corrisponde un sonetto che rivela il contenuto delle parti del ciclo. È possibile che i sonetti siano stati composti dallo stesso compositore. In ogni caso, il programma in esse dichiarato non richiede affatto un ripensamento della forma del concerto, ma anzi si “piega” in questa forma. L'immaginario della parte lenta e del finale, con le peculiarità della loro struttura e sviluppo, era generalmente più facile da esprimere in versi: bastava nominare le immagini stesse. Ma anche la prima parte del ciclo, il rondò da concerto, ha ricevuto un'interpretazione così programmatica che non gli ha impedito di mantenere la sua forma abituale e di incarnare naturalmente in essa la "trama" prescelta. Questo è successo in ciascuno dei quattro concerti. Nel concerto "Primavera" il programma della prima parte è rivelato nel sonetto in questo modo: "La primavera è venuta, e gli uccelli allegri la salutano con il loro canto, e i ruscelli corrono, mormorando. Il cielo è coperto di nuvole scure, fulmini e tuoni annunciano anche la primavera. E di nuovo gli uccelli tornano ai loro dolci canti. Un tema leggero, forte, di accordi e di danza (tutti) definisce il tono emotivo dell'intero Allegro: “La primavera è arrivata”. I violini da concerto (episodio) imitano il canto degli uccelli. Il "tema della primavera" suona di nuovo. Il nuovo episodio di passaggio è un breve temporale primaverile. E ancora una volta ritorna il tema principale del rondò "La primavera è arrivata". Quindi lei domina sempre nella prima parte del concerto, incarnando la gioiosa sensazione della primavera, e gli episodi pittorici appaiono come una sorta di dettagli del quadro generale del rinnovamento primaverile della natura. Come puoi vedere, la forma del rondò rimane in pieno vigore qui e il programma può essere facilmente "espanso" nelle sue sezioni. Sembra che il sonetto "Primavera" sia stato effettivamente composto da un compositore che previde in anticipo le possibilità strutturali della sua incarnazione musicale. In tutte le seconde parti di The Seasons, c'è un'unità di trama in tutta la parte (sebbene le dimensioni della parte non consentano contrasti speciali). La parte è scritta nella vecchia forma in due parti. In totale, ci sono tre strati nella trama: il superiore - melodico - melodioso, inclinato. Medio - riempimento armonico - "fruscio d'erba e fogliame", molto sommesso, scritto in piccole lunghezze tratteggiate, conducendo echi in terzi paralleli. Il movimento delle voci medie è per lo più a forma di trillo, vorticoso. Inoltre, i primi due battiti di una misura sono movimento statico - un "trillo" di trillo, che, sebbene monotono, ma commovente, grazie a una squisita linea tratteggiata. Sul terzo battito, viene attivato il movimento melodico - quindi prepara, per così dire, l'altezza del suono della battuta successiva, creando un leggero "spostamento" o "oscillazione" della trama. E quello basso - sottolineando la base armonica - è ritmicamente caratteristico, raffigurante il "abbaiare di un cane". È interessante ripercorrere esattamente come Vivaldi pensasse la struttura figurativa delle parti lente nel ciclo concertistico. La musica di Largo (cis-moll) dal concerto "Primavera" corrisponde ai seguenti versi del sonetto: "Su un prato fiorito, sotto il fruscio dei boschi di querce, dorme un pastorello di capra con un cane fedele accanto a lui". Naturalmente, questa è una pastorale in cui si dispiega un'unica immagine idilliaca. I violini d'ottava cantano una melodia pacifica, semplice e sognante su uno sfondo poetico di terze ondeggianti - e tutto questo è innescato dopo l'Allegro maggiore da un lieve parallelo minore, che è naturale per la parte lenta del ciclo. Per il finale, inoltre, il programma non prevede alcuna varietà e non ne dettaglia minimamente il contenuto: "Ninfe ballano al suono della zampogna di un pastore". Movimenti facili, ritmi di danza, stilizzazione di uno strumento popolare: tutto qui potrebbe non dipendere dal programma, poiché di solito è per le finali. In ogni concerto da "Le quattro stagioni" la parte lenta è monotona e risalta con un'immagine calma dopo il dinamico Allegro: un'immagine del languore della natura e di tutti gli esseri viventi nella calura estiva; sonno riposante stabilito dopo la festa del raccolto autunnale; "È bello sedersi accanto al fuoco e ascoltare la pioggia che batte attraverso la finestra dietro il muro" - quando il gelido vento invernale è feroce. Il finale dell'estate è l'immagine della tempesta, il finale dell'autunno è The Hunt. In sostanza, le tre parti del ciclo concertistico programmato rimangono nelle consuete proporzioni per quanto riguarda la loro struttura figurativa, la natura dello sviluppo interno e il confronto contrastante tra Allegro, Largo (Adagio) e il finale. Tuttavia, i programmi poetici rivelati nei quattro sonetti sono interessanti in quanto sembrano confermare con la parola dell'autore le impressioni generali dell'immaginario dell'arte di Vivaldi e la sua possibile espressione nel genere principale del concerto per lui. Naturalmente, il ciclo "Stagioni", dal carattere alquanto idilliaco delle immagini, rivela solo poco nell'opera del compositore. Tuttavia, il suo carattere idilliaco era molto nello spirito dei suoi contemporanei e nel tempo ha causato ripetute imitazioni de Le quattro stagioni, fino a curiosità individuali. Passarono molti anni e Haydn, in una fase diversa dello sviluppo dell'arte musicale, incarnò il tema delle "stagioni" in un monumentale oratorio. Come previsto, il suo concetto si è rivelato più profondo, più serio, più epico di quello di Vivaldi; ha toccato problemi etici in relazione al lavoro e alla vita delle persone comuni vicine alla natura. Tuttavia, i lati poetici e pittorici della trama, che un tempo ispiravano Vivaldi, hanno attirato anche l'attenzione creativa di Haydn: ha anche un'immagine di un temporale e di un temporale in "Summer", "Harvest Festival" e "Hunt" in "Autumn" , contrasti di una difficile strada invernale e un'intimità domestica nell'"Inverno". 2. Concerto di violino "A-moll" Il tema del famoso concerto a-moll (op. 3 n. 6) potrebbe aprire la fuga secondo la prima intonazione, ma il flusso di ulteriori ripetizioni e sequenze gli conferisce dinamica danzante, nonostante il minore e il acutamente ricordato aspetto esteriore. Una tale naturalezza di movimento anche all'interno del primo tema, una tale facilità di combinare diverse origini intonazionali è una proprietà sorprendente di Vivaldi, che non lo lascia su una scala più ampia. Tra i suoi temi "titolo" vi sono, ovviamente, composizioni intonazionali più omogenee. Nel concerto a-moll, l'apertura di tutti è costruita su accese intonazioni di fanfara, ripetizioni di suoni e frasi. Già la formula iniziale, caratterizzata dal "martellamento" di un suono, diventa tipica per il compositore. Prevale il principio: "niente lunghezze". Dinamiche estreme, pressioni volitive aiutano a incarnare un'immagine coraggiosa e ambiziosa. Rafforzando il carattere competitivo, che conferisce particolare brillantezza alla musica dei concerti di Vivaldi, al loro genere e natura programmatica, il contrasto non solo tra le singole parti del ciclo, ma anche all'interno della principale, prima parte di esso (in Vivaldi di solito ci vuole su una forma rotonda) con un'opposizione appuntita di tutti e soli, uso sottile del timbro, mezzi espressivi dinamici e ritmici - tutte queste caratteristiche nella loro combinazione armoniosa hanno contribuito al rafforzamento delle caratteristiche del concerto, all'aumento della forza dell'impatto emotivo su l'ascoltatore. Già i contemporanei sottolineavano nei concerti di Vivaldi la loro particolare espressività, passione, uso diffuso del cosiddetto "stile lombardo". Se nelle sue sonate Vivaldi sposta il baricentro sulle parti centrali, allora nel concerto c'è una chiara tendenza a individuare il primo movimento come il principale e il più pesante. A questo proposito, il compositore complica alquanto la sua struttura tradizionale: dinamizza successivamente gli episodi dal primo al terzo, aumentando il significato, la scala e il carattere evolutivo e improvvisativo dell'ultimo episodio, che viene interpretato come una ripresa ampliata e dinamizzata; si avvicina a due-dark, che ha un carattere contrastante. Nelle parti centrali, migliora la profondità psicologica della rivelazione del mondo interiore di una persona; introduce elementi lirici nel finale di genere, come se estendesse una singola linea lirica. Tutte queste caratteristiche qui delineate saranno pienamente svelate nei concerti successivi. In totale sono sopravvissuti circa 450 concerti di Vivaldi; circa la metà sono concerti scritti per violino solo e orchestra. I contemporanei di Vivaldi (I. Kvants e altri) non potevano fare a meno di prestare attenzione alle nuove caratteristiche che introdusse nello stile concertistico del XVIII secolo, che attirarono il loro interesse creativo. Basti ricordare che J.S.Bach apprezzò molto la musica di Vivaldi e fece diverse trascrizioni al clavicembalo e all'organo dei suoi concerti. Conclusione Nella loro totalità, i generi strumentali del XVII - inizio XVIII secolo, con i loro vari principi compositivi e metodi speciali di presentazione e sviluppo, incarnavano un'ampia gamma di immagini musicali precedentemente non disponibili per la musica strumentale, e quindi la elevavano al primo livello elevato , al pari di altri generi di origine sintetica. Più importante di tutti, senza dubbio, fu il fatto che le conquiste della musica strumentale all'inizio del XVIII secolo (e in parte nei suoi primi decenni) aprirono grandi prospettive per il suo ulteriore movimento lungo una linea verso la polifonia classica di Bach, lungo l'altro, più esteso, alla sinfonia classica di fine secolo. In generale, sia il contenuto figurativo della musica di Vivaldi che i suoi principali generi, riflettevano senza dubbio con grande pienezza le principali aspirazioni artistiche del loro tempo - e non solo per l'Italia. Diffusi in tutta Europa, i concerti di Vivaldi ebbero un'influenza fruttuosa su molti compositori, fungendo da modelli del genere concertistico in generale per i suoi contemporanei. Al completamento del lavoro del corso, è stato raggiunto l'obiettivo prefissato, ovvero è stata studiata l'interpretazione del genere del concerto strumentale nell'opera di Antonio Vivaldi. Anche i compiti sono stati completati: è stata studiata la letteratura su un determinato argomento, A. Vivaldi è stato considerato un rappresentante della scuola violinistica italiana, sono state analizzate le opere più famose del compositore. Lo stile di Vivaldi è l'uniformità delle intonazioni ripetute di concerto in concerto con qualche modifica, "twist", ma sempre riconoscibile come tipicamente "vivaldiana". La novità nel genere concertistico di Vivaldi fu determinata dall'approfondimento del contenuto musicale, della sua espressività e immaginario, dall'introduzione di elementi programmatici, dall'istituzione, di regola, del ciclo a tre parti (con una sequenza di veloci - lenti - veloce), il rafforzamento del concerto stesso, l'interpretazione concertistica della parte solista, lo sviluppo di un linguaggio melodico, un ampio sviluppo tematico-motivo, arricchimento ritmico e armonico. Tutto questo era permeato e unito dalla fantasia creativa e dall'ingegno di Vivaldi come compositore e interprete. Elenco bibliografico 1.Barbier P. Venice Vivaldi: Music and Holidays of the Epoch San Pietroburgo, 2009.280 p. 2.Bockardi V. Vivaldi. Mosca, 2007.272 p. .Grigoriev V. Storia dell'arte del violino. Mosca, 1991.285 p. 4.Livanova T. Storia della musica dell'Europa occidentale prima del 1789. Volume 1.Mosca, 1983,696 p. .Panfilov A. Vivaldi. Vita e lavoro // Grandi compositori. n. 21. Mosca, 2006.168 p. 6.Panfilov A. Vivaldi. Vita e lavoro // Grandi compositori. No. 4. Mosca, 2006. 32 p. .V.F. Tretyachenko Le "scuole" del violino: la storia della formazione // Musica e tempo. No. 3. Mosca, 2006. 71 p.
Opere dell'eccezionale compositore e violinista italiano A. Corelli ebbe un enorme impatto sulla musica strumentale europea della fine del XVII - prima metà del XVIII secolo, è giustamente considerato il fondatore della scuola violinistica italiana. Molti dei più grandi compositori dell'era successiva, tra cui J.S.Bach e G.F.Handel, opere strumentali di Corelli molto apprezzate. Si è dimostrato non solo un compositore e un meraviglioso violinista-esecutore, ma anche un insegnante (la scuola Corelli ha un'intera galassia di brillanti maestri) e un direttore d'orchestra (è stato il leader di vari ensemble strumentali). Il lavoro di Corelli e le sue diverse attività hanno aperto una nuova pagina nella storia della musica e dei generi musicali.
Poco si sa della prima infanzia di Corelli. Ricevette le sue prime lezioni di musica da un prete. Dopo aver cambiato diversi maestri, Corelli si ritrova finalmente a Bologna. Questa città ha dato i natali a numerosi notevoli compositori italiani e il loro soggiorno avrebbe avuto un'influenza decisiva sul destino futuro del giovane musicista. A Bologna, Corelli studia sotto la guida del celebre maestro G. Benvenuti. Il fatto che anche in gioventù Corelli ottenne un successo eccezionale nel campo del violino è dimostrato dal fatto che nel 1670 all'età di 17 anni fu ammesso alla famosa Accademia di Bologna. Nel 1670. Corelli si trasferisce alla Roma. Qui suona in varie formazioni orchestrali e da camera, dirige alcuni gruppi, diventa direttore di banda della chiesa. Dalle lettere di Corelli si sa che nel 1679 entrò al servizio della regina Cristina di Svezia. Come musicista dell'orchestra, si occupa anche di composizione: compone sonate per la sua patrona. La prima opera di Corelli (12 trio sonate da chiesa) apparve nel 1681. Corelli entrò al servizio del cardinale romano P. Ottoboni, dove rimase fino alla fine della sua vita. Dopo il 1708, si ritirò dal parlare in pubblico e concentrò tutte le sue energie sulla creatività.
Le opere di Corelli sono relativamente poche: nel 1685, dopo la prima opera, le sue trio sonate da camera, op. 2, nel 1689 - 12 trio sonate da chiesa, op. 3, nel 1694 - trio sonate da camera, op. 4, nel 1700 - trio sonate da camera, op. 5, infine, nel 1714, dopo la morte di Corelli, i suoi Concerti grossi op. 6. Queste raccolte, così come diverse singole opere teatrali, costituiscono l'eredità di Corelli. Le sue composizioni sono destinate a strumenti ad arco (violino, viola da gamba) con il clavicembalo o l'organo come strumenti di accompagnamento.
Il lavoro di Corelli comprende 2 generi principali: sonate e concerti. Fu nell'opera di Corelli che il genere della sonata si formò nella forma in cui è caratteristico dell'era preclassica. Le sonate di Corelli sono divise in 2 gruppi: chiesa e camera. Differiscono sia nella composizione esecutiva (nella sonata da chiesa è accompagnata dall'organo, nella sonata da camera - il clavicembalo), sia nel contenuto (quella da chiesa si distingue per il rigore e la profondità del contenuto, quella da camera è vicino alla sala da ballo). La composizione strumentale per la quale sono state composte tali sonate comprendeva 2 voci melodiche (2 violini) e accompagnamento (organo, clavicembalo, viola da gamba). Per questo vengono chiamate trio sonate.
Anche i concerti di Corelli sono diventati un evento eccezionale in questo genere. Il genere del concerto grosso esisteva molto prima di Corelli. Fu uno dei precursori della musica sinfonica. L'idea del genere era una sorta di competizione tra un gruppo di strumenti solisti (nei concerti di Corelli questo ruolo è svolto da 2 violini e un violoncello) con un'orchestra: il concerto, quindi, è stato costruito come un'alternanza di solista e tutti. I 12 concerti di Corelli, scritti negli ultimi anni di vita del compositore, divennero una delle pagine più luminose della musica strumentale del primo Settecento. Oggi sono forse l'opera più apprezzata di Corelli.
Uno dei più grandi rappresentanti dell'era barocca A. Vivaldiè entrato nella storia della cultura musicale come l'ideatore del genere del concerto strumentale, il fondatore della musica a programma orchestrale. L'infanzia di Vivaldi è legata a Venezia, dove suo padre lavorava come violinista nella Cattedrale di San Marco. La famiglia aveva 6 figli, di cui Antonio era il maggiore. Non ci sono quasi dettagli sugli anni dell'infanzia del compositore. Si sa solo che ha studiato violino e clavicembalo. Il 18 settembre 1693 Vivaldi fu tonsurato monaco e il 23 marzo 1703 fu ordinato sacerdote. Allo stesso tempo, il giovane ha continuato a vivere in casa (presumibilmente a causa di una grave malattia), il che gli ha permesso di non lasciare gli studi musicali. Per il colore dei suoi capelli, Vivaldi fu soprannominato "il monaco dai capelli rossi". Si ritiene che già in questi anni non fosse troppo geloso dei suoi doveri di sacerdote. Molte fonti raccontano la storia (forse inattendibile, ma indicativa) di come un giorno durante il servizio il "monaco dai capelli rossi" lasciò frettolosamente l'altare per registrare il tema della fuga, che gli venne improvvisamente in mente. In ogni caso, il rapporto di Vivaldi con gli ambienti clericali continuò a scaldarsi e presto, adducendo la sua cattiva salute, si rifiutò pubblicamente di celebrare la messa.
Nel settembre 1703, Vivaldi iniziò a lavorare come insegnante (maestro di violino) presso il Pio Ospedale delia Pietà, un orfanotrofio di beneficenza veneziano. I suoi compiti includevano l'insegnamento del violino e della viola d'amour, nonché la supervisione della sicurezza degli strumenti a corda e l'acquisto di nuovi violini. I "servizi" in "Pietà" (si possono giustamente chiamare concerti) erano al centro dell'attenzione del pubblico illuminato veneziano. Per motivi economici nel 1709 Vivaldi fu licenziato, ma nel 1711-16. reintegrato nella stessa carica, e dal maggio 1716 era già primo violino dell'orchestra "Pieta". Ancor prima del nuovo incarico, Vivaldi si affermò non solo come insegnante, ma anche come compositore (principalmente autore di musica sacra). Parallelamente al suo lavoro alla Pietà, Vivaldi è alla ricerca di opportunità per pubblicare le sue opere profane. 12 sonate a tre, op. 1 sono stati pubblicati nel 1706; nel 1711 la famosa raccolta di concerti per violino "Ispirazione armonica", op. 3; nel 1714 - un'altra raccolta intitolata "Stravaganza" op. 4. I concerti per violino di Vivaldi divennero presto ampiamente conosciuti nell'Europa occidentale e specialmente in Germania. I. Kvants, I. Mattezon ha mostrato grande interesse per loro, il grande JS Bach "per piacere e istruzione" ha trascritto di sua mano 9 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. In questi anni Vivaldi compose le sue prime opere "Otton" (1713), "Orlando" (1714), "Nero" (1715). Nel 1718-20. vive a Mantova, dove scrive principalmente opere per la stagione del carnevale, oltre a composizioni strumentali per la corte ducale mantovana. Nel 1725 fu pubblicata una delle opere più famose del compositore, con il sottotitolo "L'esperienza dell'armonia e dell'invenzione" (op. 8). Come le precedenti, la raccolta è composta da concerti per violino (qui ce ne sono 12). I primi 4 concerti di quest'opera prendono il nome dal compositore, rispettivamente, "Primavera", "Estate", "Autunno" e "Inverno". Nella pratica esecutiva moderna, sono spesso combinati nel ciclo "Stagioni" (non esiste un titolo del genere nell'originale). Apparentemente, Vivaldi non era soddisfatto delle entrate derivanti dalle pubblicazioni dei suoi concerti e nel 1733 annunciò a un certo viaggiatore inglese E. Holdsworth la sua intenzione di rifiutare ulteriori pubblicazioni, poiché, a differenza delle copie stampate, le copie scritte a mano erano più costose. Da allora, infatti, non sono apparse nuove opere originali di Vivaldi.
Fine anni '20 - '30 spesso chiamati "anni di viaggio" (preferibili a Vienna e Praga). Nell'agosto 1735, Vivaldi tornò al posto di capobanda dell'Orchestra della Pietà, ma il comitato direttivo non gradiva la passione per i viaggi del subordinato e nel 1738 il compositore fu licenziato. Contemporaneamente Vivaldi continuò a lavorare alacremente nel genere dell'opera (uno dei suoi librettisti fu il famoso K. Goldoni), mentre preferiva partecipare personalmente alla produzione. Tuttavia, le rappresentazioni operistiche di Vivaldi non ebbero molto successo, soprattutto dopo che il compositore fu privato dell'opportunità di agire come direttore delle sue opere al teatro di Ferrara a causa del divieto del cardinale di entrare in città (il compositore fu accusato di una storia d'amore con Anna Giraud, sua ex allieva, e il rifiuto del "monaco dai capelli rossi" di celebrare la messa). Di conseguenza, la prima dell'opera a Ferrara fallì.
Nel 1740, poco prima di morire, Vivaldi partì per il suo ultimo viaggio a Vienna. Le ragioni della sua improvvisa partenza non sono chiare. Morì in casa della vedova di un sellaio viennese di nome Waller e fu sepolto mendicante. Poco dopo la sua morte, il nome dell'eccezionale maestro fu dimenticato. Quasi 200 anni dopo, negli anni '20. XX secolo il musicologo italiano A. Gentili scoprì una collezione unica di manoscritti del compositore (300 concerti, 19 opere, composizioni vocali sacre e profane). Da quel momento inizia un vero e proprio risveglio dell'antico splendore di Vivaldi. Nel 1947, la casa editrice musicale Rikordi iniziò a pubblicare la raccolta completa delle opere del compositore e la società Philips recentemente iniziò a implementare un'idea altrettanto ambiziosa: la pubblicazione di "tutto" di Vivaldi nel disco. Nel nostro Paese Vivaldi è uno dei compositori più eseguiti e più amati. L'eredità creativa di Vivaldi è grande. Secondo l'autorevole catalogo tematico-sistematico di Peter Riom (denominazione internazionale - RV), copre più di 700 titoli. Il posto principale nell'opera di Vivaldi era occupato da un concerto strumentale (in totale, circa 500 conservati). Lo strumento preferito del compositore era il violino (circa 230 concerti). Inoltre, ha scritto concerti per due, tre e quattro violini e orchestra e basso continuo, concerti per viola d'amore, violoncello, mandolino, flauti longitudinali e traversi, oboe, fagotto. Continuano più di 60 concerti per orchestra d'archi e basso, sono note sonate per vari strumenti. Di oltre 40 opere (la cui paternità di Vivaldi è stata accuratamente stabilita), solo la metà è sopravvissuta. Meno popolari (ma non meno interessanti) sono le sue numerose composizioni vocali: cantate, oratori, composizioni su testi spirituali (salmi, litanie, "Gloria", ecc.).
Molte delle opere strumentali di Vivaldi hanno sottotitoli programmatici. Alcuni di essi si riferiscono al primo esecutore (Concerto "Carbonelli", RV 366), altri - alla festa durante la quale questa o quell'opera fu eseguita per la prima volta ("Per la festa di San Lorenzo", RV 286). Alcuni sottotitoli indicano qualche dettaglio insolito nella tecnica esecutiva (in un concerto intitolato "L'ottavina", RV 763, tutti i violini solisti devono essere suonati nell'ottava superiore). I titoli più tipici che caratterizzano il mood prevalente sono “Rest”, “Anxiety”, “Suspicion” o “Harmonious Inspiration”, “Citra” (gli ultimi due sono nomi di raccolte di concerti per violino). Allo stesso tempo, anche in quelle opere i cui titoli sembrano indicare momenti pittorici esterni ("Tempesta in mare", "Cardellino", "Caccia", ecc.), la cosa principale per il compositore è sempre la trasmissione della lirica generale umore. La partitura "Le quattro stagioni" è dotata di un programma relativamente dettagliato. Già durante la sua vita, Vivaldi divenne famoso come eccezionale esperto di orchestra, inventore di molti effetti cromatici, fece molto per sviluppare la tecnica di suonare il violino.
Giuseppe Tartini appartiene ai luminari della scuola violinistica italiana del XVIII secolo, la cui arte conserva il suo significato artistico fino ai nostri giorni. D. Oistrakh
L'eccezionale compositore, insegnante, virtuoso del violino e teorico musicale G. Tartini occupò uno dei luoghi più importanti della cultura violinistica italiana nella prima metà del XVIII secolo. Nella sua arte si sono fuse le tradizioni provenienti da A. Corelli, A. Vivaldi, F. Veracini e altri grandi predecessori e contemporanei.
Tartini è nato in una famiglia nobile. I genitori intendevano il loro figlio per la carriera di un sacerdote. Studiò quindi prima alla scuola parrocchiale di Pirano, e poi al Capo d'Istria, dove Tartini iniziò a suonare il violino.
La vita di un musicista è divisa in 2 periodi nettamente opposti. Ventoso, di carattere incontinente, in cerca di pericolo - così è nella sua giovinezza. La caparbietà di Tartini fece abbandonare ai suoi genitori l'idea di mandare il figlio lungo il cammino spirituale. Va a Padova per studiare legge. Ma Tartini preferisce anche loro la scherma, sognando l'attività di schermidore. Parallelamente alla scherma, continua a fare musica in modo sempre più mirato.
Un matrimonio segreto con la sua allieva, nipote di un importante sacerdote, cambiò drasticamente tutti i piani di Tartini. Il matrimonio provocò l'indignazione dei parenti aristocratici della moglie, Tartini fu perseguitato dal cardinale Cornaro e dovette nascondersi. Il suo rifugio era un monastero minorita ad Assisi.
Da questo momento iniziò il secondo periodo della vita di Tartini. Il monastero non solo ospitò il giovane libertino e divenne il suo rifugio durante gli anni dell'esilio. Qui avvenne la trasformazione morale e spirituale di Tartini, e qui iniziò il suo vero sviluppo come compositore. Al monastero studiò teoria musicale e composizione sotto la guida del compositore e teorico ceco B. Chernogorski; studiò il violino da solo, avendo raggiunto un'autentica perfezione nella padronanza dello strumento, che, secondo i suoi contemporanei, superava persino il modo di suonare del famoso Corelli.
Rimase nel monastero di Tartini per 2 anni, poi per altri 2 anni suonò al teatro dell'opera di Ancona. Lì, il musicista ha incontrato Veracini, che ha avuto un'influenza notevole sul suo lavoro.
L'esilio di Tartini terminò nel 1716. Da quel momento fino alla fine della sua vita, salvo brevi soggiorni, visse a Padova, dirigendo l'orchestra della cappella della Basilica di S. Antonio ed esibendosi come violinista solista in varie città in Italia. Nel 1723 Tartini ricevette l'invito a visitare Praga per partecipare alle celebrazioni musicali dell'incoronazione di Carlo VI. Questa visita, tuttavia, durò fino al 1726: Tartini accettò l'offerta di assumere l'incarico di musicista da camera nella cappella praghese del conte F. Kinsky.
Tornato a Padova (1727), il compositore vi organizzò un'accademia di musica, dando molta energia all'insegnamento. I contemporanei lo chiamavano "maestro delle nazioni". Tra gli allievi di Tartini ci sono violinisti di spicco del XVIII secolo come P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausse, F. Rust e altri.
Il musicista ha dato un grande contributo all'ulteriore sviluppo dell'arte di suonare il violino. Ha cambiato il disegno dell'arco, allungandolo. La maestria con l'arco di Tartini, il suo straordinario canto al violino cominciarono ad essere considerati esemplari. Il compositore ha creato un numero enorme di opere. Tra questi ci sono numerose sonate a tre, circa 125 concerti, 175 sonate per violino e cembalo. Fu nell'opera di Tartini che quest'ultimo ricevette un ulteriore sviluppo di genere e stilistico.
L'immaginario vivido del pensiero musicale del compositore si è manifestato nel desiderio di dare sottotitoli programmatici alle sue opere. Le sonate "Abandoned Dido" e "The Devil's Trill" divennero particolarmente famose. Quest'ultimo è stato considerato dall'eminente critico musicale russo V. Odoevsky come l'inizio di una nuova era nell'arte del violino. Insieme a queste opere, di grande importanza è il ciclo monumentale "L'arte dell'arco". Composto da 50 variazioni sul tema della gavotta di Corelli, è una sorta di raccolta di tecniche che ha non solo un valore pedagogico, ma anche un alto valore artistico. Tartini fu uno dei musicisti curiosi e pensatori del XVIII secolo, le sue opinioni teoriche trovarono espressione non solo in vari trattati di musica, ma anche in corrispondenza con i maggiori studiosi musicali dell'epoca, essendo i documenti più preziosi della sua epoca.
20. La convenienza come principio del pensiero musicale nella musica dei secoli 17-18. La struttura della suite classica. (Prendi qualsiasi suite e smontala); (Leggi il lavoro di Yavorsky).
Suite (suite francese, "sequenza"). Il titolo implica una sequenza di brani strumentali (danze stilizzate) o frammenti strumentali di opera, balletto, musica drammatica, ecc.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - uno dei rappresentanti più importanti dell'epoca barocca. Nasce a Venezia, dove studia dapprima con il padre, violinista del St. Marco, poi allenato da Giovanni Legrenzi. Ha tenuto concerti in vari paesi europei, con grande entusiasmo si è impegnato nell'insegnamento e nella messa in scena delle proprie opere. Per molto tempo è stato insegnante di violino in uno degli orfanotrofi veneziani.
Per il colore dei suoi capelli, Vivaldi era soprannominato il "prete rosso" (Prete rosso). Ha infatti unito la professione di musicista ai doveri di sacerdote, ma poi è stato licenziato da lui per comportamento “illecito” durante una funzione religiosa. Il compositore trascorse i suoi ultimi anni a Vienna, dove morì in povertà.
Il patrimonio creativo di Vivaldi comprende più di 700 titoli: 465 concerti strumentali (di cui cinquanta grossi), 76 sonate (incluse trio sonate), circa 40 opere (uno dei suoi librettisti fu il celebre K. Goldoni), composizioni di cantate e oratori, tra cui testi spirituali. Il principale significato storico del suo lavoro risiede nella creazione di un concerto strumentale solista.
Uno degli artisti più sensibili del suo tempo, Vivaldi è stato tra i primi compositori a portare alla ribalta nell'arte l'emotività aperta, la passione (affetto), il sentimento lirico individuale. Sotto la sua indubbia influenza, il concerto grosso, estremamente tipico della musica barocca, passò in secondo piano in epoca classica, lasciando il posto al recital. La sostituzione di un gruppo di solisti con una parte era espressione di tendenze omofoniche.
Fu Vivaldi a sviluppare la struttura ei temi del recital tardo barocco. Influenzato dall'ouverture operistica italiana, stabilisce un ciclo concertistico in tre parti (veloce - lento - veloce) e arrangia la successione di tutti e solo sulla base di una forma concertistica barocca.
La forma concertistica dell'epoca barocca si basava sull'alternanza del rituale (tema principale), più volte ricorrente e trasposto, con episodi basati su nuovi temi melodici, materiale figurativo o lo sviluppo motivazionale del tema principale. Questo principio gli dava una somiglianza con un rondò. La trama è caratterizzata dai contrasti di tutti e solo orchestrali, corrispondenti all'aspetto delle ritornelle e degli episodi.
Le prime parti dei concerti di Vivaldi sono energiche, energiche, varie nella trama e nei contrasti. Le seconde parti portano l'ascoltatore nell'area dei testi. È dominato dalla canzone, dotata di caratteristiche di improvvisazione. La trama è prevalentemente omofonica. Le finali sono brillanti, piene di energia, completano il ciclo con un movimento rapido e vivace.
La dinamica forma ciclica in 3 parti dei concerti di Vivaldi esprimeva gli ideali artistici dell'arte del "contrasto ben organizzato". La logica del loro sviluppo figurativo traccia l'influenza del concetto estetico generale dell'epoca barocca, che divideva il mondo umano, per così dire, in tre ipostasi: Azione - Contemplazione - Gioco.
Il concerto strumentale solista di Vivaldi è incentrato su una piccola composizione di strumenti ad arco guidata da un solista. Questo può essere un violoncello, una viola damour, un flauto longitudinale o traverso, un oboe, un fagotto, una tromba e persino un mandolino o uno shalme. Tuttavia, il violino è più spesso il solista (circa 230 concerti). La tecnica violinistica dei concerti di Vivaldi è varia: passaggi impetuosi, arpeggi, tremolo, pizzicato, doppie note (fino ai decimali di allungamento più difficili), scordatura, uso del registro più acuto (fino alla dodicesima posizione).
Vivaldi divenne famoso come eccezionale conoscitore dell'orchestra, inventore di molti effetti cromatici. Con un acuto senso del sapore sonoro, si è rivolto liberamente a molti strumenti e alle loro combinazioni. Ha usato oboi, corni francesi, fagotti, trombe, il corno inglese non come voci duplicate, ma come strumenti melodici indipendenti.
La musica di Vivaldi ha assorbito gli elementi del colorato folklore musicale veneziano, ricco di canzoni melodiose, barcarole, ritmi di danza incendiari. Il compositore si è affidato particolarmente volentieri al siciliano, facendo largo uso della misura 6/8 tipica delle danze popolari italiane. Applicando spesso il magazzino armonico degli accordi, ha abilmente usato metodi di sviluppo polifonici.
Pubblicando i suoi concerti in serie di 12 o 6 pezzi, Vivaldi ha anche dato indicazioni generali per ciascuna delle serie: "Harmonious Inspiration" (op. 3), "Extravagance" (op. 4), "Citra" (op. 9).
Vivaldi può essere definito il fondatore della musica orchestrale programmata. La maggior parte dei suoi concerti ha un programma specifico. Ad esempio: "Caccia", "Tempesta in mare", "Pastore", "Riposo", "Notte", "Preferito", "Cardellino".
I concerti per violino di Vivaldi divennero presto ampiamente conosciuti nell'Europa occidentale e specialmente in Germania. Il grande JS Bach “per piacere e istruzione” ha trascritto di suo pugno nove concerti per violino per clavicembalo e organo di Vivaldi. Grazie a questi musicisti, Vivaldi, che non era mai stato nelle terre della Germania settentrionale, si rivelò essere nel pieno senso della parola il "padre" dello strumentalismo tedesco del Settecento. Diffusi in tutta Europa, i concerti di Vivaldi sono serviti come esempi del genere concertistico per i contemporanei. Così, il concerto per clavicembalo prese forma sotto l'indubbia influenza artistica del concerto per violino (un esempio convincente).
Uno dei più grandi rappresentanti dell'era barocca, A. Vivaldi, è passato alla storia della cultura musicale come l'ideatore del genere concertistico strumentale, il fondatore della musica da programma orchestrale. L'infanzia di Vivaldi è legata a Venezia, dove suo padre lavorava come violinista nella Cattedrale di San Marco. La famiglia aveva 6 figli, di cui Antonio era il maggiore. Non ci sono quasi dettagli sugli anni dell'infanzia del compositore. Si sa solo che ha studiato violino e clavicembalo.
Il 18 settembre 1693 Vivaldi fu tonsurato monaco e il 23 marzo 1703 fu ordinato sacerdote. Allo stesso tempo, il giovane ha continuato a vivere in casa (presumibilmente a causa di una grave malattia), il che gli ha permesso di non lasciare gli studi musicali. Per il colore dei suoi capelli, Vivaldi fu soprannominato "il monaco dai capelli rossi". Si ritiene che già in questi anni non fosse troppo geloso dei suoi doveri di sacerdote. Molte fonti raccontano la storia (forse inattendibile, ma indicativa) di come un giorno durante il servizio il "monaco dai capelli rossi" lasciò frettolosamente l'altare per registrare il tema della fuga, che gli venne improvvisamente in mente. In ogni caso, il rapporto di Vivaldi con gli ambienti clericali continuò a scaldarsi e presto, adducendo la sua cattiva salute, si rifiutò pubblicamente di celebrare la messa.
Nel settembre 1703, Vivaldi iniziò a lavorare come insegnante (maestro di violino) presso il Pio Ospedale delia Pietà, un orfanotrofio di beneficenza veneziano. I suoi compiti includevano l'insegnamento del violino e della viola d'amour, nonché la supervisione della sicurezza degli strumenti a corda e l'acquisto di nuovi violini. I "servizi" in "Pietà" (si possono giustamente chiamare concerti) erano al centro dell'attenzione del pubblico illuminato veneziano. Per motivi economici nel 1709 Vivaldi fu licenziato, ma nel 1711-16. reintegrato nella stessa carica, e dal maggio 1716 era già primo violino dell'orchestra "Pieta".
Ancor prima del nuovo incarico, Vivaldi si affermò non solo come insegnante, ma anche come compositore (principalmente autore di musica sacra). Parallelamente al suo lavoro alla Pietà, Vivaldi è alla ricerca di opportunità per pubblicare le sue opere profane. 12 sonate a tre, op. 1 sono stati pubblicati nel 1706; nel 1711 la famosa raccolta di concerti per violino "Ispirazione armonica", op. 3; nel 1714 - un'altra raccolta intitolata "Stravaganza" op. 4. I concerti per violino di Vivaldi divennero presto ampiamente conosciuti nell'Europa occidentale e specialmente in Germania. I. Kvants, I. Mattezon ha mostrato grande interesse per loro, il grande JS Bach "per piacere e istruzione" ha trascritto di sua mano 9 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. In questi anni Vivaldi compose le sue prime opere "Otton" (1713), "Orlando" (1714), "Nero" (1715). Nel 1718-20. vive a Mantova, dove scrive principalmente opere per la stagione del carnevale, oltre a composizioni strumentali per la corte ducale mantovana.
Nel 1725 fu pubblicata una delle opere più famose del compositore, con il sottotitolo "L'esperienza dell'armonia e dell'invenzione" (op. 8). Come le precedenti, la raccolta è composta da concerti per violino (qui ce ne sono 12). I primi 4 concerti di quest'opera prendono il nome dal compositore, rispettivamente, "Primavera", "Estate", "Autunno" e "Inverno". Nella pratica esecutiva moderna, sono spesso combinati nel ciclo "Stagioni" (non esiste un titolo del genere nell'originale). Apparentemente, Vivaldi non era soddisfatto delle entrate derivanti dalle pubblicazioni dei suoi concerti e nel 1733 annunciò a un certo viaggiatore inglese E. Holdsworth la sua intenzione di rifiutare ulteriori pubblicazioni, poiché, a differenza delle copie stampate, le copie scritte a mano erano più costose. Da allora, infatti, non sono apparse nuove opere originali di Vivaldi.
Fine anni '20 - '30 spesso chiamati "anni di viaggio" (preferibili a Vienna e Praga). Nell'agosto 1735, Vivaldi tornò al posto di capobanda dell'Orchestra della Pietà, ma il comitato direttivo non gradiva la passione per i viaggi del subordinato e nel 1738 il compositore fu licenziato. Contemporaneamente Vivaldi continuò a lavorare alacremente nel genere dell'opera (uno dei suoi librettisti fu il famoso K. Goldoni), mentre preferiva partecipare personalmente alla produzione. Tuttavia, le rappresentazioni operistiche di Vivaldi non ebbero molto successo, soprattutto dopo che il compositore fu privato dell'opportunità di agire come direttore delle sue opere al teatro di Ferrara a causa del divieto del cardinale di entrare in città (il compositore fu accusato di una storia d'amore con Anna Giraud, sua ex allieva, e il rifiuto del "monaco dai capelli rossi" di celebrare la messa). Di conseguenza, la prima dell'opera a Ferrara fallì.
Nel 1740, poco prima di morire, Vivaldi partì per il suo ultimo viaggio a Vienna. Le ragioni della sua improvvisa partenza non sono chiare. Morì in casa della vedova di un sellaio viennese di nome Waller e fu sepolto mendicante. Poco dopo la sua morte, il nome dell'eccezionale maestro fu dimenticato. Quasi 200 anni dopo, negli anni '20. XX secolo il musicologo italiano A. Gentili scoprì una collezione unica di manoscritti del compositore (300 concerti, 19 opere, composizioni vocali sacre e profane). Da quel momento inizia un vero e proprio risveglio dell'antico splendore di Vivaldi. Nel 1947, la casa editrice musicale Rikordi iniziò a pubblicare la raccolta completa delle opere del compositore e la società Philips recentemente iniziò a implementare un'idea altrettanto ambiziosa: la pubblicazione di "tutto" di Vivaldi nel disco. Nel nostro Paese Vivaldi è uno dei compositori più eseguiti e più amati. L'eredità creativa di Vivaldi è grande. Secondo l'autorevole catalogo tematico-sistematico di Peter Riom (denominazione internazionale - RV), copre più di 700 titoli. Il posto principale nell'opera di Vivaldi era occupato da un concerto strumentale (in totale, circa 500 conservati). Lo strumento preferito del compositore era il violino (circa 230 concerti). Inoltre, ha scritto concerti per due, tre e quattro violini e orchestra e basso continuo, concerti per viola d'amore, violoncello, mandolino, flauti longitudinali e traversi, oboe, fagotto. Continuano più di 60 concerti per orchestra d'archi e basso, sono note sonate per vari strumenti. Di oltre 40 opere (la cui paternità di Vivaldi è stata accuratamente stabilita), solo la metà è sopravvissuta. Meno popolari (ma non meno interessanti) sono le sue numerose composizioni vocali: cantate, oratori, composizioni su testi spirituali (salmi, litanie, "Gloria", ecc.).
Molte delle opere strumentali di Vivaldi hanno sottotitoli programmatici. Alcuni di essi si riferiscono al primo esecutore (Concerto "Carbonelli", RV 366), altri - alla festa durante la quale questa o quell'opera fu eseguita per la prima volta ("Per la festa di San Lorenzo", RV 286). Alcuni sottotitoli indicano qualche dettaglio insolito nella tecnica esecutiva (in un concerto intitolato "L'ottavina", RV 763, tutti i violini solisti devono essere suonati nell'ottava superiore). I titoli più tipici che caratterizzano il mood prevalente sono “Rest”, “Anxiety”, “Suspicion” o “Harmonious Inspiration”, “Citra” (gli ultimi due sono nomi di raccolte di concerti per violino). Allo stesso tempo, anche in quelle opere i cui titoli sembrano indicare momenti pittorici esterni ("Tempesta in mare", "Cardellino", "Caccia", ecc.), la cosa principale per il compositore è sempre la trasmissione della lirica generale umore. La partitura "Le quattro stagioni" è dotata di un programma relativamente dettagliato. Già durante la sua vita, Vivaldi divenne famoso come eccezionale esperto di orchestra, inventore di molti effetti cromatici, fece molto per sviluppare la tecnica di suonare il violino.
S. Lebedev
Le notevoli opere di A. Vivaldi sono di immensa fama mondiale. Famosi ensemble moderni (l'Orchestra da camera di Mosca sotto la direzione di R. Barshai, "Roman Virtuosos", ecc.) dedicano serate alla sua opera e, forse, dopo Bach e Händel, Vivaldi è il più popolare tra i compositori dell'epoca barocca musicale . Al giorno d'oggi, sembra che abbia avuto una seconda vita.
Era ampiamente conosciuto durante la sua vita, era il creatore di un concerto strumentale solista. Lo sviluppo di questo genere in tutti i paesi durante l'intero periodo preclassico è associato all'opera di Vivaldi. I concerti di Vivaldi servirono da modello per Bach, Locatelli, Tartini, Leclair, Benda e altri.Bach trascrisse 6 concerti per violino per clavicembalo di Vivaldi, eseguì concerti per organo di 2 e rielaborato uno per 4 clavicembali.
“All'epoca in cui Bach era a Weimar, tutto il mondo musicale ammirava l'originalità dei concerti di quest'ultimo (cioè Vivaldi - L.R.). Bach ha riarrangiato i concerti di Vivaldi non per renderli accessibili ad ampi circoli, e non per imparare da essi, ma solo perché gli dava piacere. Indubbiamente ha beneficiato di Vivaldi. Ha imparato da lui la chiarezza e l'armonia della costruzione. perfetta tecnica del violino basata sulla melodia..."
Tuttavia, essendo piuttosto popolare durante la prima metà del XVIII secolo, Vivaldi fu in seguito quasi dimenticato. “Mentre dopo la morte di Corelli, - scrive Penscherl, - il ricordo di lui si è rafforzato e abbellito negli anni, Vivaldi, quasi meno famoso in vita, è letteralmente scomparso dopo pochi cinque anni, sia materialmente che spiritualmente. Le sue creazioni lasciano i programmi, anche i tratti del suo aspetto vengono cancellati dalla memoria. C'erano solo supposizioni sul luogo e la data della sua morte. Da tempo i dizionari ripetono su di lui solo scarse informazioni, piene di luoghi comuni e abbondano di errori…”.
Fino a poco tempo, Vivaldi era interessato solo agli storici. Nelle scuole di musica, nelle fasi iniziali della formazione, hanno studiato 1-2 dei suoi concerti. A metà del XX secolo, l'attenzione per il suo lavoro aumentò rapidamente e aumentò l'interesse per i fatti della sua biografia. Eppure sappiamo ancora poco di lui.
Le idee sulla sua eredità, di cui la maggior parte rimase nell'oscurità, erano completamente sbagliate. Solo nel 1927-1930 il compositore ed esploratore torinese Alberto Gentili riuscì a trovare circa 300 (!) autografi di Vivaldi, di proprietà della famiglia Durazzo e custoditi nella loro villa genovese. Questi manoscritti comprendono 19 opere, un oratorio e diversi volumi di composizioni strumentali e ecclesiastiche di Vivaldi. Questa raccolta fu fondata dal principe Giacomo Durazzo, filantropo, fin dal 1764 dall'inviato austriaco a Venezia, dove, oltre all'attività politica, era impegnato nella raccolta di campioni d'arte.
Secondo il testamento di Vivaldi, non furono oggetto di pubblicazione, ma Gentile ottenne il loro trasferimento alla Biblioteca Nazionale e così resi pubblici. Lo scienziato austriaco Walter Collender iniziò a studiarli, affermando che Vivaldi era in anticipo sullo sviluppo della musica europea di diversi decenni nell'uso della dinamica e delle tecniche puramente tecniche del violino.
Secondo gli ultimi dati, si sa che Vivaldi scrisse 39 opere, 23 cantate, 23 sinfonie, molte composizioni sacre, 43 arie, 73 sonate (trio e assolo), 40 concerti grossi; 447 recital per vari strumenti: 221 per violino, 20 per violoncello, 6 per viola damour, 16 per flauto, 11 per oboe, 38 per fagotto, concerti per mandolino, corno, tromba e per composizioni miste: legno con violino, per 2 -x violini e liuti, 2 flauti, oboe, corno inglese, 2 trombe, violino, 2 viole, quartetto d'archi, 2 viole, ecc.
Il compleanno esatto di Vivaldi è sconosciuto. Penscherl fornisce solo una data approssimativa, un po' prima del 1678. Suo padre, Giovanni Battista Vivaldi, era violinista nella cappella ducale di S. Mark a Venezia, e un interprete di prim'ordine. Con ogni probabilità il figlio ricevette un'educazione violinistica dal padre, mentre studiava composizione con Giovanni Lehrenzi, che fu a capo della scuola violinistica veneziana nella seconda metà del XVII secolo, fu un compositore eccezionale, soprattutto nel campo della musica orchestrale. Ovviamente da lui Vivaldi ha ereditato la passione per la sperimentazione con le composizioni strumentali.
In giovane età, Vivaldi entrò nella stessa cappella dove suo padre lavorava come capo, e in seguito lo sostituì in questa posizione.
Tuttavia, una carriera musicale professionale fu presto integrata da una spirituale: Vivaldi divenne sacerdote. Questo accadde il 18 settembre 1693. Fino al 1696 fu un giovane ecclesiastico e ricevette i pieni diritti sacerdotali il 23 marzo 1703. "Pop dai capelli rossi" - chiamato beffardamente Vivaldi a Venezia, e questo soprannome è rimasto con lui per tutta la vita.
Ricevuta l'ordinazione sacerdotale, Vivaldi non interruppe i suoi studi musicali. In generale, non ha prestato servizio in chiesa a lungo - solo un anno, dopo di che gli è stato vietato di servire la messa. I biografi danno una divertente spiegazione di questo fatto: “Una volta Vivaldi stava celebrando la messa, e improvvisamente gli venne in mente il tema di una fuga; uscendo dall'altare, va in sagrestia per scrivere questo tema, e poi torna all'altare. Seguì una denuncia, ma l'Inquisizione, ritenendolo un musicista, cioè come un pazzo, si limitò solo a vietargli di continuare a servire la messa».
Vivaldi ha negato tali casi e ha spiegato il divieto dei servizi religiosi con la sua dolorosa condizione. Nel 1737, quando doveva arrivare a Ferrara per mettere in scena una delle sue opere, il nunzio pontificio Ruffo gli proibiva di entrare in città, affermando, tra l'altro, che non serviva la messa. Poi Vivaldi scrisse una lettera (16 novembre 1737) al suo protettore, il marchese Guido Bentivoglio: “Da 25 anni non servo la messa e non la servirò mai in futuro, ma non per divieto, come potrebbe essere stato riferito a vostra grazia, ma di conseguenza una mia decisione, causata da una malattia che mi ha oppresso dal giorno in cui sono nato. Quando sono stato ordinato sacerdote, ho servito un anno o un anno con una piccola messa, poi ho smesso di farlo, sono stato costretto a lasciare l'altare tre volte senza finirlo per malattia. Di conseguenza, vivo quasi sempre in casa e viaggio solo in carrozza o in gondola, perché non posso camminare a causa di una malattia al torace, o meglio di oppressione toracica. Non un solo nobile mi chiama in casa sua, nemmeno il nostro principe, poiché tutti conoscono la mia malattia. Dopo un pasto, di solito posso fare una passeggiata, ma mai a piedi. Questo è il motivo per cui non invio messa". La lettera è curiosa in quanto contiene alcuni dettagli quotidiani della vita di Vivaldi, che apparentemente scorre chiusa entro i confini della propria casa.
Costretto ad abbandonare la carriera ecclesiastica, nel settembre 1703, Vivaldi entrò in uno dei conservatori veneziani, che portava il nome di Seminario Musicale dell'Ospizio della Pietà, per l'incarico di “maestro del violino”, con uno stipendio di 60 ducati all'anno. A quei tempi gli orfanotrofi (ospedali) nelle chiese erano chiamati conservatori. A Venezia erano quattro per le ragazze, a Napoli quattro per i ragazzi.
Il famoso viaggiatore francese de Brosse ha lasciato la seguente descrizione dei conservatori veneziani: “La musica degli ospedali è eccellente qui. Sono quattro, e sono pieni di ragazze illegittime, così come di orfane o di coloro che non possono essere cresciuti dai genitori. Sono cresciuti con fondi statali e insegnano principalmente musica. Cantano come angeli, suonano il violino, il flauto, l'organo, l'oboe, il violoncello, il fagotto, in una parola, non esiste uno strumento così ingombrante che li intimorisca. Ad ogni concerto partecipano 40 ragazze. Te lo giuro, non c'è niente di più attraente che vedere una suora giovane e bella, in abiti bianchi, con mazzi di fiori di melograno sulle orecchie, battere il tempo con tutta grazia e precisione ".
Ha scritto con entusiasmo sulla musica dei conservatori (soprattutto sotto i Mendicanti - la Chiesa dei Mendicanti) J.-J. Rousseau: “La domenica nelle chiese di ognuna di queste quattro Scuole durante i Vespri, il coro e l'orchestra al completo eseguono, sotto la loro direzione personale, mottetti composti dai più grandi compositori d'Italia, eseguiti esclusivamente da ragazze, la più anziana delle quali non ha nemmeno venti anni. Sono in tribuna dietro le sbarre. Né Carrio né io ci siamo mai persi queste serate ai Mendicanti. Ma fui portato alla disperazione da queste maledette inferriate, che lasciavano passare solo i suoni e nascondevano i volti degli angeli di bellezza degni di questi suoni. Ne ho appena parlato. Una volta ho detto la stessa cosa al signor de Blona».
De Blon, che apparteneva all'amministrazione del conservatorio, presentò Rousseau ai cantanti. "Dai, Sophia", era terribile. "Dai, Cattina", aveva un occhio storto. "Vieni, Bettina," - il suo viso era sfigurato dal vaiolo. " Tuttavia, "la bruttezza non esclude il fascino, e loro ce l'avevano", aggiunge Rousseau.
Entrato nel Conservatorio di Pietà, Vivaldi ebbe l'opportunità di lavorare con l'intera orchestra (con ottoni e organo), considerata la migliore di Venezia.
Venezia, la sua vita musicale e teatrale ei conservatori possono essere giudicati dai seguenti versi accorati di Romain Rolland: “Venezia era a quel tempo la capitale musicale d'Italia. Lì, durante il carnevale, ogni sera si tenevano spettacoli in sette teatri d'opera. Ogni sera si incontrava l'Accademia di musica, cioè c'era un incontro musicale, a volte c'erano due o tre di questi incontri la sera. Nelle chiese si svolgevano ogni giorno celebrazioni musicali, concerti della durata di diverse ore con la partecipazione di diverse orchestre, diversi organi e diversi cori echeggianti. Il sabato e la domenica, negli ospedali, questi conservatori femminili, si tenevano i famosi Vespri, dove si insegnava musica alle orfane, alle trovatrici o semplicemente alle ragazze dalla bella voce; diedero concerti orchestrali e vocali, per i quali tutta Venezia impazziva..”.
Alla fine del primo anno di servizio, Vivaldi ricevette il titolo di "maestro del coro", non si conosce la sua ulteriore promozione, non c'è dubbio che prestò servizio come insegnante di violino e canto, nonché, a intermittenza, come direttore d'orchestra e compositore.
Nel 1713 ricevette un permesso e, secondo alcuni biografi, si recò a Darmstadt, dove lavorò per tre anni nella cappella del duca di Darmstadt. Tuttavia, Penscherl afferma che Vivaldi non si recò in Germania, ma lavorò a Mantova, nella cappella del duca, e non nel 1713, ma dal 1720 al 1723. Penscherl lo dimostra riferendosi ad una lettera di Vivaldi, che scriveva: "A Mantova ero al servizio del pio principe di Darmstadt", e il tempo che vi trascorse è determinato dal fatto che compare il titolo di maestro di cappella del duca sui frontespizi delle opere a stampa di Vivaldi solo dopo il 1720 dell'anno.
Dal 1713 al 1718 Vivaldi visse a Venezia quasi ininterrottamente. A quel tempo, le sue opere venivano rappresentate quasi ogni anno, con la prima nel 1713.
Nel 1717, la fama di Vivaldi era cresciuta enormemente. Il famoso violinista tedesco Johann Georg Piesendel viene a studiare con lui. In generale, Vivaldi ha insegnato principalmente esecutori per l'orchestra del conservatorio, e non solo strumentisti, ma anche cantanti.
Basti dire che fu il tutore di importanti cantanti d'opera come Anna Giraud e Faustina Bodoni. "Preparò una cantante di nome Faustina, alla quale fece imitare con la sua voce tutto ciò che si poteva eseguire a suo tempo al violino, al flauto, all'oboe".
Vivaldi divenne molto amico di Pisendel. Penscherl cita il seguente racconto di I. Hiller. Una volta, Pisendel stava passeggiando per St. Marchio con "pop dai capelli rossi". All'improvviso interruppe la conversazione e ordinò a bassa voce di tornare subito a casa. Una volta a casa, spiegò il motivo dell'improvviso ritorno: per lungo tempo quattro collezionisti lo seguirono e osservarono il giovane Pisendel. Vivaldi ha chiesto se il suo studente avesse pronunciato qualche parola riprovevole da qualche parte, e ha chiesto che non uscisse di casa finché non avesse chiarito lui stesso la questione. Vivaldi vide l'inquisitore e seppe che Pisendel era stato scambiato per una persona sospetta con la quale aveva una somiglianza.
Dal 1718 al 1722 Vivaldi non compare nei documenti del Conservatorio di Pietà, il che conferma la possibilità della sua partenza per Mantova. Allo stesso tempo, è apparso periodicamente nella sua città natale, dove hanno continuato a mettere in scena le sue opere. Tornò al conservatorio nel 1723, ma già come famoso compositore. Con le nuove condizioni, era obbligato a scrivere 2 concerti al mese, con un compenso per concerto ea dirigere 3-4 prove per loro. Nello svolgere questi compiti, Vivaldi li accompagnò a viaggi lunghi e lontani. “Da 14 anni”, scriveva Vivaldi nel 1737, “ho viaggiato con Anna Giraud in numerose città d'Europa. Ho trascorso tre stagioni di carnevale a Roma a causa dell'opera. Sono stato invitato a Vienna". A Roma è il compositore più popolare, tutti imitano il suo stile operistico. A Venezia nel 1726 si esibì come direttore d'orchestra al Teatro di S. Angelo, pare nel 1728, si reca a Vienna. Seguono tre anni privi di dati. E ancora, alcune introduzioni sulla messa in scena delle sue opere a Venezia, Firenze, Verona, Ancona gettano scarsa luce sulle circostanze della sua vita. Parallelamente, dal 1735 al 1740, continuò il suo servizio al Conservatorio di Pietà.
La data esatta della morte di Vivaldi è sconosciuta. La maggior parte delle fonti indica il 1743.
Sono sopravvissuti cinque ritratti del grande compositore. La prima e più attendibile, pare, appartenga a P. Ghezzi e risalga al 1723. Il "pop dai capelli rossi" è raffigurato di profilo fino al petto. La fronte è leggermente inclinata, i capelli lunghi sono arricciati, il mento è appuntito, lo sguardo vivace è pieno di volontà e curiosità.
Vivaldi era molto malaticcio. In una lettera al marchese Guido Bentivoglio (16 novembre 1737), scrive che è costretto a fare i suoi viaggi accompagnato da 4-5 persone - e tutto a causa di una condizione dolorosa. Tuttavia, la malattia non gli ha impedito di essere estremamente attivo. Viaggia incessantemente, dirige egli stesso produzioni operistiche, discute i ruoli con i cantanti, combatte contro i loro capricci, mantiene un'ampia corrispondenza, dirige orchestre e riesce a scrivere un numero incredibile di opere. È molto pratico e sa come organizzare i suoi affari. De Bross ironizza: "Vivaldi è diventato un mio caro amico per vendermi i suoi concerti a un prezzo più alto". Si inchina ai potenti di questo mondo, scegliendo con prudenza patroni, devotamente religioso, sebbene non sia affatto incline a privarsi dei piaceri mondani. Come prete cattolico, e secondo le leggi di questa religione, privato dell'opportunità di sposarsi, è stato per molti anni innamorato della sua allieva, la cantante Anna Giraud. La loro vicinanza causò molti guai a Vivaldi. Così, il legato pontificio a Ferrara nel 1737 rifiutò a Vivaldi l'ingresso in città, non solo perché gli era proibito svolgere le funzioni religiose, ma soprattutto a causa di questa riprovevole vicinanza. Il famoso drammaturgo italiano Carlo Goldoni scrisse che Giraud era brutto, ma attraente: aveva una vita sottile, begli occhi e capelli, una bocca affascinante, aveva una voce debole e un indubbio talento teatrale.
La migliore descrizione della personalità di Vivaldi si trova nelle Memorie di Goldoni.
Goldoni suggerì una volta di apportare alcune modifiche al libretto dell'opera Griselda con musiche di Vivaldi, che andava in scena a Venezia. A tal fine si recò nell'appartamento di Vivaldi. Il compositore lo ricevette con un libro di preghiere tra le mani, in una stanza cosparsa di appunti. Era molto sorpreso che al posto del vecchio librettista Lally, Goldoni avrebbe dovuto apportare le modifiche.
“- So bene, mio caro signore, che avete un talento poetico; Ho visto il tuo "Belisarius", che mi è piaciuto molto, ma qui è completamente diverso: puoi creare una tragedia, un poema epico, se vuoi, e ancora non riesci a sopportare una quartina da trasporre in musica.
“Dammi il piacere di leggere la tua commedia.
- Per favore, per favore, divertiti. Dove ho messo la Griselda? Lei era qui. Deus, in adjutorium meum intende, Domine, Domine, Domine. (Dio, scendi a me! Signore, Signore, Signore). Era solo a portata di mano. Domine adjuvandum (Signore aiuto). Ah, ecco, guarda, signore, questa scena tra Gualtier e Griselda, è una scena molto accattivante, commovente. L'autore ha concluso con un'aria patetica, ma alla signorina Giraud non piacciono le canzoni noiose, vorrebbe qualcosa di espressivo, emozionante, un'aria che esprima passione in modi diversi, ad esempio parole interrotte da sospiri, con azione, movimento. non so se mi capisci?
- Sì, signore, ho già capito, inoltre, ho già avuto l'onore di sentire la signorina Giraud, e so che la sua voce non è forte.
- Come, signore, insulti il mio studente? Tutto è a sua disposizione, canta tutto.
- Sì, signore, ha ragione; dammi il libro e lascia che mi metta al lavoro.
- No, signore, non posso, ho bisogno di lei, sono molto preoccupato.
- Bene, se, signore, è così occupato, allora me lo dia per un minuto e ti soddisferò immediatamente.
- Subito?
- Sì, signore, subito.
L'abate, ridacchiando, mi porge un dramma, carta e calamaio, riprende il suo libro di preghiere e, camminando, legge i suoi salmi e gli inni. Ho letto una scena a me già nota, ho ricordato i desideri del musicista e meno di un quarto d'ora dopo ho abbozzato su carta un'aria di 8 versi, divisa in due parti. Chiamo la mia persona spirituale e mostro il lavoro. Vivaldi legge, si liscia la fronte, rilegge, pubblica esclamazioni gioiose, getta per terra il suo messale e chiama la signorina Giraud. Lei appare; bene, dice, ecco una persona rara, ecco un poeta eccellente: leggi quest'aria; il signor lo fece senza alzarsi in un quarto d'ora; poi rivolgendosi a me: ah, signore, mi scusi. "E mi abbraccia, giurando che d'ora in poi sarò il suo unico poeta."
Penscherl conclude l'opera dedicata a Vivaldi con le seguenti parole: “Così ci viene raffigurato Vivaldi quando mettiamo insieme tutte le informazioni individuali su di lui: fatto di contrasti, debole, malato, e tuttavia vivo come polvere da sparo, pronto a irritarsi e calmati immediatamente, passa dal clamore mondano alla pietà superstiziosa, testardo e allo stesso tempo accomodante quando necessario, un mistico, ma pronto a scendere con i piedi per terra quando si tratta dei suoi interessi, e per niente sciocco quando organizza i suoi affari . "
E come tutto si inserisce nella sua musica! In esso, il sublime pathos dello stile ecclesiastico si unisce a un irrefrenabile zelo per la vita, l'alto si mescola al quotidiano, l'astratto al concreto. Nei suoi concerti, risuonano fughe dure, maestosi adagios lugubri e insieme a loro - canzoni di gente comune, testi che provengono dal cuore, danza allegra. Scrive opere programmatiche - il famoso ciclo "Le stagioni" e fornisce a ogni concerto strofe bucoliche che sono frivole per l'abate:
La primavera è arrivata, annuncia solennemente.
La sua allegra danza rotonda, e la canzone risuona nelle montagne.
E il ruscello mormora di benvenuto verso di lei.
Zephyr accarezza tutta la natura.
Ma si fece buio all'improvviso, il fulmine brillò,
Messaggero di primavera - il tuono ha travolto le montagne
E presto tacque; e l'allodola del canto,
Gettandosi nel blu, si precipitano lungo le valli.
Dove il tappeto di fiori copre la valle,
Dove un albero e una foglia tremano nella brezza,
Con il cane ai suoi piedi, il pastorello sogna.
E ancora Pan può ascoltare il flauto magico
Le ninfe danzano di nuovo al suo suono,
Accogliendo la Sorceress Spring.
Nel Lete, Vivaldi fa il corvo del cuculo, la tortora, il cinguettio di un cardellino; in "Autunno" il concerto inizia con i canti dei paesani di ritorno dai campi. Crea anche immagini poetiche della natura in altri concerti in programma, come "Tempesta in mare", "Notte", "Pastorale". Ha anche concerti che descrivono lo stato d'animo: "Suspicion", "Rest", "Anxiety". I suoi due concerti sul tema "Notte" possono essere considerati i primi notturni sinfonici della world music.
Le sue opere colpiscono per la ricchezza della fantasia. Con un'orchestra a disposizione, Vivaldi sperimenta costantemente. Gli strumenti solisti nelle sue composizioni sono a volte severamente ascetici, a volte frivoli e virtuosi. Il motore in alcuni concerti lascia il posto al canto generoso, melodico - in altri. Gli effetti colorati, l'esecuzione dei timbri, come nella sezione centrale del Concerto per tre violini con un affascinante suono pizzicato, sono quasi "impressionisti".
Vivaldi ha lavorato con una velocità fenomenale: "È pronto a scommettere che sarà in grado di comporre un concerto con tutte le sue parti più velocemente di quanto uno scriba possa riscriverlo", ha scritto de Brosse. Forse è da qui che nasce la spontaneità e la freschezza della musica di Vivaldi, che da più di due secoli delizia gli ascoltatori.
L. Raaben, 1967
Antonio Vivaldi è un virtuoso violinista, direttore d'orchestra e insegnante, uno dei più grandi compositori del XVII - XVIII secolo. Ha vissuto e lavorato nell'era barocca ed è stato il creatore del genere: il concerto strumentale. Un concerto strumentale è un concerto per soli strumenti musicali, senza canto.
Si conoscono circa 450 concerti di Vivaldi. Il dramma in musica, il contrasto tra il coro e il solista, voci e strumenti hanno stupito il pubblico: la saturazione ha lasciato il posto alla calma, la tenerezza alla potenza, l'assolo è stato interrotto dall'orchestra. Nelle composizioni dei concerti di Vivaldi si alternano parti solistiche e parti orchestrali.
"Le quattro stagioni" L'apice della creatività di Vivaldi. Questo ciclo ha riunito quattro concerti per violino solo e orchestra d'archi. In essi, lo sviluppo dell'immagine musicale si basa sul confronto del suono di * violino - solo * orchestra - tutti (tradotto dall'italiano significa tutto)
Il tema delle stagioni è sempre stato popolare nell'arte. Ciò è spiegato da diversi fattori. in primo luogo, ha permesso con i mezzi di questa particolare arte di catturare gli eventi e le gesta che più sono caratteristici di una determinata stagione dell'anno. in secondo luogo, era sempre dotato di un certo significato filosofico: il cambiamento delle stagioni era considerato nell'aspetto del cambiamento dei periodi della vita umana * primavera, cioè il risveglio delle forze naturali, personificava l'inizio e simboleggiava la giovinezza * inverno - la fine del percorso - la vecchiaia.
Il ciclo di concerti "Le stagioni" è una composizione del programma basata su sonetti poetici, con l'aiuto del quale il compositore rivela il contenuto di ciascuno dei concerti del ciclo: "Primavera" "Estate" "Autunno" "Inverno" È presumeva che i sonetti fossero stati scritti dal compositore stesso
La primavera sta arrivando! E la natura è piena di canzoni gioiose. Il sole e il calore, mormorano i ruscelli. E Zephyr porta le notizie delle vacanze, come per magia. All'improvviso le nuvole di velluto si precipitano dentro, mentre il tuono celeste suona come il vangelo. Ma il potente turbine si prosciuga presto, E il cinguettio torna a galleggiare nello spazio azzurro. Il respiro dei fiori, il fruscio delle erbe, la natura dei sogni è piena. Il pastore dorme, stanco della giornata, e il cane abbaia appena in modo udibile. Il suono delle cornamuse del pastore Droni sui prati, E le ninfe che ballano il cerchio magico della primavera è colorato con raggi meravigliosi. marzo aprile maggio
Ascolta il concerto di primavera. Quali sentimenti esprime questa musica? Come suona la melodia principale della prima parte del concerto? Come puoi chiamarlo? Cosa ha rappresentato il compositore negli episodi? Con quale musica trasmetteva il canto degli uccelli, il mormorio dei ruscelli, i lampi? In che forma è scritta la parte 1 (rondò, variazioni)?
Elenco delle fonti utilizzate: 1. Sergeeva G.P., Kritskaya E.D. Libro di testo "Musica" grado 6 (pagina). Mosca, "Istruzione", Sergeeva G.P., Kritskaya E.D. Raccomandazioni metodiche per il libro di testo "Musica" Grado 6. Mosca, "Prsveshenie", na.shtml http://na.shtml
