Storia ed Estetica Teatro

Teatro europeo del XIX secolo (fino al 1871)

introduzione

L'arte teatrale ha sempre reagito acutamente con lo stato della società - i processi politici e sociali che si verificano in esso. Pertanto, la periodizzazione dello sviluppo del teatro è stata associata a situazioni rivoluzionarie derivanti da alcuni paesi e influenzando lo sviluppo socio-politico globale. Così, frontiera storica Teatro nuovo Il tempo era il grande rivoluzione francese 1789-1793. MA più recente L'epoca nello sviluppo dell'arte teatrale è determinata dalla rivoluzione della Grande ottobre del 1917 in Russia.

Alla fine del XVIII secolo, come sai, all'interno della direzione artistica dominante - classicismo - i nuovi tendenze in stile sono raccolti: sentimentalismo, romanticismo, realismo educativo, rococò . E all'inizio del XIX secolo, il romanticismo risulta essere già formato una direzione artistica che influenza lo sviluppo di tutta l'arte.

Naturalmente, è impossibile considerare lo sviluppo dell'arte teatrale e delle direzioni artistiche nella separazione da eventi socio-politici nella società.

Contraddizioni B. vita sociale Il XIX secolo ha determinato il carattere della cultura teatrale di questo periodo. La dipendenza economica e politica dei padroni di casa del mondo borghese ha creato condizioni sfavorevoli per lo sviluppo del teatro. Ma allo stesso tempo, l'ideologia dei circoli democratici ha fruttuoso influenzato tutte le sfere della vita spirituale della società, incluso il teatro.

Due principali direzioni artistiche nell'arte del XIX secolo. - romanticismo e realismo- erano varie forme di percezione critica del mondo. Lo sviluppo della letteratura e del teatro in questa epoca ha superato due tappe, i confini tra cui il 1848. Alla prima tappa, il romanticismo era dominante; Nei 30-40, è approvato un realismo critico; Dopo il 1848 - 1871. L'intrattenimento predomina, basso nella drammaturgia di atteggiamento ideologico. Secondo teatro metà xix. nel. Ha una crisi.

La direzione romantica della letteratura e in tutti i tipi di arte ha espresso sentimento pubblico nato dai risultati delle rivoluzioni borghesi e dai turni sociali che hanno causato.

La caratteristica principale La visione del mondo dei romantici è stata un'idea della tragica pausa tra l'ideale e vita reale. Da qui la negazione della realtà, il desiderio di allontanarsi dal mondo, la volontà trasformata e la fantasia dell'artista. Le forme di nebbia romantica della vita quotidiana nella creatività erano e cura della storia, e la creazione di immagini di eroi esclusivi, personaggi simbolici e fantastici. Il romanticismo non si è impostato i compiti della conoscenza oggettiva della vita e dei suoi modelli; Sostenevano la completa libertà della creatività dell'artista, creando il loro particolare mondo poetico, non come uno esistente.

Il culto dell'Illuminismo della mente del romanticismo si opponeva l'approvazione delle passioni e dei sentimenti. Hanno chiamato l'abbandono dell'estetica normativa del classicismo, dalle sue regole e canoni.

Nel romanticismo, due tendenze sono state chiaramente dimostrate, identificando due direzioni di flusso romantico - progressista Romanticismo I. conservatore romanticismo.

Progressivo romanticismo Ha espresso l'umore dei settori democratici della società: delusione nei risultati della rivoluzione del 1789 e del rifiuto regime politico Combinato con una protesta contro i vizi sociali del nuovo mondo borghese.

Romanticismo conservatore. espresso umore della nobile aristocrazia che ha sentito il suo condannato storico; Quindi, il desiderio di sfuggire alla realtà come reazione alla rivoluzione e alla manifestazione del rifiuto delle relazioni borghese.

Più significativo e fruttuoso nella vita letteraria e teatrale Europa occidentale La prima metà del XIX secolo. Era progressivo romanticismoassociato a idee rivoluzionarie e sentimenti e movimento di liberazione nazionale. Questo romanticismo è rappresentato dai nomi di Bairon, Shelly e Kina in Inghilterra; Hugo, Boka e Dorval in Francia; Heine, Gutkova, Buchner, Devrite in Germania; Mitskevich e slovacco in Polonia; Scrittori decembrist, giovane Pushkin, Lermontov e Mochal in Russia. Questo romanticismo indossava un personaggio attivo che affronta la vita. Il suo eroe era una ribellione, Avenger, un combattente per la dignità umana, l'osservatore del male sociale.

I tipi di eroi romantici erano diversi. Per loro, non era necessario avere una posizione elevata nella società, non erano la forma di realizzazione del bene. Plebeiani infiammabili, carnedri e jesters, mancati e ladri, erano spesso segnati dal sigillo della cupa delusione, ma ognuno a casa sua portava Bunta.

Le tendenze di Antiburus erano permeate e alcuni lavori romanticismo conservatore. Ad esempio, Drama de Vinyi "Chatterton", parte del dramma nazionale-patriottico del Brastico, Teak, per il quale interesse per il passato del loro popolo, alla creatività popolare.

Il romanticismo era un palcoscenico regolare nello sviluppo del teatro europeo. Ma allo stesso tempo, l'originalità del percorso storico di ciascun paese, la natura del rapporto delle forze di classe, la predominanza del progressista o reazionaria iniziò nella vita spirituale della società - tutto ciò determinato le caratteristiche del teatro romantico di vario Paesi.

In Francia Le contraddizioni sociali differivano dalla nota nitidezza e sono state consentite da esplosioni rivoluzionarie e il romanticismo era associato a una turbolenta vita sociale e politica. Le "battaglie" letterale-teatrali tra romantici e classicisti erano una delle forme di lotta politica, perché il classicismo è stato percepito da loro come stile aristocratico da corte. E questo Bunte riflette il crescente sentimento rivoluzionario.

ingleseil romanticismo dovuto alla relativa stabilizzazione delle forze sociali del paese è stata privata del suono politico aperto. Ma l'Inghilterra ha ulteriormente lasciato il percorso di sviluppo delle relazioni capitaliste, e quindi le contraddizioni sociali sono nate negli strati democratici della società, nella visione del mondo degli artisti, la sensazione di tragici svantaggi e protesta contro l'ingiustizia della vita. Nelle opere più significative dei romantici inglesi - nei dramma di Byron e Shelly - la lotta contro il praticismo borghese, l'inganno e l'ipocrisia della moralità puritana della chiesa è stata espressa nella formulazione di filosofica e problemi morali Bene e male, nell'approvazione delle immagini degli eroi, rivedi contro questa menzogna e ipocrisia.

Il personaggio speciale aveva romanticismo in Germania . Negli arretrati economicamente e politicamente, le numerose reliquie del Medioevo, l'oppressione delle tendenze progressiste e conservatrici si è manifestata molto più debole rispetto al romanticismo di altri paesi. Caratteristica romanticismo tedesco.Le guerre prevalenti negli anni potrebbero essere espresse come segue: ha una combinazione dello spirito del Rinascimento con lo spirito di reazione (K. Marx).

Contraddizione tra il patrimonio politico della terza classe e livelli alti La cultura spirituale del paese il romanzo romantico è stato costruito nel grado di verità eterna e assoluta. Craticamente appartenente alla moderna vita tedesca, hanno visto solo la manifestazione nel suo Dio conflitto eterno fra aspirazioni alte Spirito umano e realtà reale. Questo conflitto ha ricevuto il suo permesso illusorio per prendersi cura del mondo della storia e della favolosa fantasia o nella romantica ironia dell'immagine della filosaxcuzione volgare e il miserabile praticismo della morale tedesca di Meshchansky.

La natura del romanticismo tedesco si è manifestata nella tendenza a sviluppare le fondamenta filosofiche ed estetiche di questo flusso. Il problema della nazione, critica del classicismo francese creato da romantici tedeschi Shakespeare's Cult - Tutto ciò ha avuto un grande impatto sullo sviluppo drammatico romantico e il teatro romantico in altri paesi.

Prima degli eventi rivoluzionari 1848-1849. nel romanticismo europeo. Le tendenze sempre più realistiche iniziano a manifestarsi. Il tema romantico dei sogni dei sogni e della realtà è sostituito da un argomento più acuto. posto Persone, pezzo di morale borghese.

In questo momento, le idee del socialismo utopistico (Saint-Simon, Fourier, che hanno finito con una forte critica di una moderna società borghese, comincia a influenzare lo sviluppo del dramma romantico e dei melodrami. Un modello luminoso di melodramma che disegna i contrasti sociali è stato un gioco di una figura pubblica democratica francese e del drammaturgo F. PIA "Paris Ragiok".

Insieme al romanticismo è formato direzione realisticaChi era destinato a svolgere un ruolo decisivo nello sviluppo della drammaturgia e della fase dell'arte della seconda metà del XIX secolo.

Realismo Il nuovo tempo, che ha messo il compito di conoscere le leggi oggettive della realtà e il modello storico del suo sviluppo, è stato penetrato da un atteggiamento critico per la modernità. Questo si è manifestato dalla somiglianza del realismo e del romanticismo. Ma, a differenza dell'interesse dei romantici ad eccezionale, il realismo suggerisce: "Oltre alla veridicità dei dettagli, la veridicità della riproduzione personaggi tipici In circostanze tipiche "(F. Engels).

Il metodo della vita dell'immagine nelle sue manifestazioni tipiche, le sue contraddizioni, la condizionalità storica e sociale dei personaggi umane e del destino ha creato il grande letteratura realistica Ovest (Balzac, Sindale, Flaubert, Dickens, Merim). Atteggiamento critico alla realtà - importante tratto distintivo di questa letteratura.

Realismo critico Creato il suo dramma - gioca Balzac, Merim, Buchner, ecc. Tuttavia, questa drammaturgia, imbevuta di uno spirito critico, non poteva diventare la base del repertorio. L'ideologia dominante borghese aveva bisogno di opere che approvano la "razionalità" dell'Ordine mondiale borghese, le sue idee, principi morali, Stile di vita. Tra il teatro e la grande letteratura c'era un divario che genera un noto danno ideologico all'arte teatrale, particolarmente tangibile rispetto alla possente fioritura del realismo critico in letteratura.

Ciò è stato espresso dal modello generale di sviluppo dell'arte panoramica. Con la massima pienezza è stata espressa nella vita teatro francese.. Finalmente sviluppato il tipo di borghese teatro XIX. nel. Dopo il 1848, la borghesia è venuta al potere ha creato la sua arte. Lo spirito Bunctrico del romanticismo è ora sostituito dal "Comune Sense" della Borgeois sermone. Questo realismo, essendo privato di un atteggiamento critico nei confronti della vita, non ha dato una profonda divulgazione dell'essenza dei fenomeni della vita e ha sostituito la vera verità a credere superficiale. Tale teatro è stato influenzato dallo spettatore non tanto la verità dei personaggi e delle passioni, quante tecniche altamente sviluppate di abilità di dramma e capacità di recitazione (Duma-Son Drama, Sarda, ecc.). Il ruolo di intrattenimento del teatro è migliorato, i geni dominanti diventano Waterville e Operetta. Tra i tanti dispositivi divertenti, ma vuoti e sottili, i dispositivi acquatici si distinguono per intelligente e sottile, non privo di tecnica di acuta satirica e virtuosa sulla tecnica di Ezhen Labish.

Con una maggiore indipendenza, l'arte di recitazione si è sviluppata durante questo periodo, che ha superato un percorso lungo e difficile dal romanticismo al realismo. La ricerca di nuovi mezzi espressivi per raggiungere la verità sociale, psicologica ed emotivamente ricca dell'immagine è più pienamente incarnata nel lavoro di grandi attori romantici - Lemeter, Bokaj, Dorval, Kina, Devrite. Il desiderio di autenticità dell'esistenza del palcoscenico, alla trasmissione veritiera del complesso, contraddittorio, eroi sopraffatti dalle tempestose passioni del mondo spirituale ha portato alla rottura e alla distruzione di vecchie tecniche classiche del gioco e dell'approvazione del nuovo Tipo di attore, perfettamente dall'arte della reincarnazione, che ha ricevuto il suo ulteriore sviluppo negli anni successivi.

Questo è il più Era "teatrale" Nella storia della cultura russa. Il teatro ha giocato in lei, forse il ruolo guida, diffondendo la sua influenza su altri tipi di arte.

Teatro durante questi anni - il supporto pubblico, dove il più domande acute Modernità e allo stesso tempo laboratorio creativo, ampiamente aprì la porta dell'esperimento e delle ricerche creative. Grandi artisti, che hanno cercato di sintetizzare diversi tipi di creatività, appellati al teatro.

Per il teatro russo, questa è l'era di UPS e Falls, ricerche creative innovative e esperimenti. In questo senso, il teatro non è ritardato dietro la letteratura e l'arte.

In prima linea nell'arte teatrale, Mhat rimase da Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, con una meravigliosa troupe di giovani attori, che includeva O. Knipper-Chekhov, M. Lilina, Sole. Meyerhold, V. Kachalov, I. M. Moskvin, A. Vishnevsky, ecc.

Ricordiamo che la spruzzata di arte teatrale era collegata con la collaborazione del teatro con A. P. Chekhov Dopo la premiere trionfale dei "gabbiani" nel dicembre 1898. Nel 1900, l'evento nella vita teatrale era il layout del gioco di Ibsen "Dr. Shtokman". Ha acquisito un suono sociale acuto sul palco. Shtokman eseguito da Stanislavsky è diventato il "Eroe di Alert-Time".

Maxim Maxim Gorky.

Una nuova pagina nella storia di MCAT e in tutta l'arte teatrale è diventata m. Gorky Drama., si innamorò della troupe del teatro e scrivendo Chekhov, che non scrive per il criminale del teatro.

Il primo gioco di "meschan" è stato scritto da Gorky nel 1902, è stato permesso di esibirsi con abbondanti fatture di censura (tutto è stato incrociato dalla difficile proporzione dei lavoratori, sui loro pavas, sulla inevitabile rottura degli ordini esistenti). Ma per visualizzare il gioco a San Pietroburgo, dove è arrivato il teatro, nella costruzione del teatro e intorno a lui c'era un vestito rafforzato della polizia. Nemirovich-Danchenko è andato alla Galleria e ha chiesto alla gioventù studentessa di non organizzare alcuna dimostrazione in modo che la repressione non fosse crollata su Gorky.

Nuovo eroe Gorky. lavorando Approva: "L'host uno che lavora ... una persona deve conquistare se stesso, se non vuole essere schiacciato ..." per teatri folk. Il gioco è stato proibito, ma ancora il "seno" camminava in molte città: a Samara, Saratov, Kiev, Yaroslavl, Perm, Vyborg, Pinsk, Yelets, Sarapul, ecc.

Un anno dopo, Gorky ha dato il teatro "in fondo". In prima stagione per 2 mesi del gioco sui cartelloni pubblicitari, Mkhat è apparso 50 volte, e in tour a San Pietroburgo - 12 volte. E invariabilmente - con un pubblico affollato. Furore dopo che le esibizioni sono andate per tutto il consueto quadro. Alla fine della presentazione, non c'era fine alle sfide dell'autore, dai registi, dagli artisti (Stanislavsky - Satina, Moskvin - Luke, Kachachachaov - Barona, Nastya - Bookper, Vaska Spep - Leonidov ...). Una persona - Sembra orgogliosa! - È diventato una password della lotta del popolo contro lo scoramento.

Il gioco "in basso" è passato anche attraverso scene più teatrali della Russia, tuttavia, con letture diverse. A volte nei teatri provinciali, un gergo di un'ondata, la trama è stata presentata con una commedia. Ma la maggior parte del gioco trattata seriamente e pensieroso.

K. S. Stanislavsky ha riconosciuto che "l'antipasto principale e il creatore della vita socio-politica del teatro erano amari". Il teatro russo è diventato sempre di più apri la lotta politica arena. Ma non tutti i teatri occupavano posizioni progressiste in questa lotta. Molti rimasero a parte questa lotta, e talvolta ha permesso il gioco di un gioco dagli occhi neri sulla loro scena ("ritorno" Donne al teatro di Mosca della Korah), ecc.

Teatro di Vera Commissionerzhevskaya

Un ulteriore contributo all'interpretazione scenica della Gorky Dramaturgia è correlata con il teatro del Commissario Fede Fedorovna. Che ha lasciato la scena imperiale Teatro Alexandrinsky. Nel 1902, e dopo le guardie della provincia, ha creato il suo teatro sul principio di abbinamento.

Nel novembre del 1904, la premiere del 3 ° gioco di Gorky "Dachniki" sull'intelligentia russa, che uscì dagli strati democratici, ma avendo raggiunto una famosa situazione sociale, ha perso il contatto con la gente, dimenticando la sua vita per migliorare il suo vita. Presente alla premiere dello scrittore A. N. Serebrov (Tikhonov) chiamato "Dachnikov" "Play-Dimostration, Performance-Fight".

Nell'autunno del 1905, il teatro mette i "figli del sole". Dopo le prestazioni, hanno chiesto all'autore, sebbene tutti sapessero quell'amaro nel link.

Così, i giochi di Gorky sono diventati a guidare nel repertorio del teatro del Commissario, Mkat e altri teatri. Ma dal 1906, la situazione cambia drammaticamente: "DACKNIPS" e "I bambini del sole" sono scomparsi dal poster, "le" madri "e" in basso "si sono trasferite sullo sfondo. I nuovi giochi di "nemici" amari (1906), "l'ultimo" (1908) non erano autorizzati a formulare. E il fatto che è stato impostato è stato distorto. Quindi, "Barbarians" nel 1907 nel Teatro moderno di San Pietroburgo è stato impostato come commedia. Come modello Melodrama, "Vass Zheleznov" nel Teatro di Mosca del Neminobin nel 1910 era anche altri esempi della revisione del Gorky, che è stato completato sul fallimento, la versione è stata sostenuta sulla presunta debolezza delle nuove opere drammatiche di A. M. Gorky. Di conseguenza, i giochi "Zykov" (1913), "Moneta falsa" (1913), "vecchio" (1915) prima che la rivoluzione non fosse affatto.

Questi erano gli anni della reazione politica, e il teatro stava cercando nuove forme di esistenza e auto-espressione, ma per molti collettivi del teatro Questi erano gli anni della stagnazione. Le scene teatrali hanno versato un flusso turbido di un carattere dubbia ("ragazza con il topo" di S. Aleksina, "Vera Mirstseva" L. Uvantseva, così come la "commedia della morte" V. Bariatinsky, ecc.). I giochi sono stati messi, francamente progettati per la sensazione economica ("Amore cieco" N. Grushko, dove la madre copre il crimine del figlio che ha strangolato la ragazza; "Non registrato" P. Mente con i malvagioni, suicidi, con un vero manicelo The Dead Man - Questo è gli anni della guerra). Comune per i teatri La separazione del repertorio della modernità catturata parzialmente anche MCAT per qualche tempo. Le critiche in quel momento hanno notato che il gioco di affaticamento creativo appare sulle esibizioni del teatro.

La stessa immagine potrebbe essere osservata nel teatro maschio di Mosca. Il realismo dei giochi di Ostrovsky è stato sostituito da una piccola vita.

Simbolismo nel teatro russo

La rivista "Theatre and Art" è stata scritta all'inizio del 1917: "Ora nell'arte piace inghiottita Kutils, riscriviamo le bollette. La valuta è stata da tempo non è più rispettata gli obblighi". Esame Il teatro russo è sopravvissuto all'onda simbolismo. I poeti simbolistici sono stati visti nel Tribune Theatre per le loro nuove idee. I simboli per i loro giochi hanno riunito la scena moderna con la poesia, ha trovato una nuova immagini teatrale, ha utilizzato nuove scenografie, prestazioni associative della performance ("Terra" V. Ya. Broysov, "Tantalt" VI Ivanova, "re on Square", " Balantchik "," sconosciuto "," rose e croce ", ecc.).

Il simbolismo non era uniforme. Così nei drammi F. K. Sologuba sentì il rigetto filosofico della vita, in cui non c'è posto per un'elevata spiritualità, per la bellezza e la verità. Il folclore gioca A. M. Remizov erano pieni di motivi sinistri.

Il simbolismo ha colpito alcuni pezzi di L. N. Andreeva, nel primo lavoro del futurista V. Mayakovsky (tragedia "Vladimir Mayakovsky").

I più grandi teatri si sono rivolti al drammaturgo dei simbolisti. Così nel 1904, secondo il consiglio di A. P. Chekhov, K. Stanislavsky mise a Mosca, la trilogia di Metterlinka "cieco", "incompiuto", "dentro". Nel 1905. Ha aperto lo studio teatrale al cuoco, dove, insieme a Meyerhold, ha studiato le capacità produttive della nuova direzione artistica. C'erano molte domande: come coordinare la congrazione della scena con la caratteristica della famiglia del gioco dell'attore, come costruire il lavoro dell'attore al livello di alta generalizzazione poetica? eccetera.

Usando le tecniche del simbolismo nel lavorare sulle prestazioni del "Drama della vita" K. Gamsun e della "vita dell'uomo" di Andreeva, Stanislavsky era convinto della necessità di raccogliere un nuovo attore che poteva rivelare profondamente la "vita dello spirito umano ", ha iniziato i suoi esperimenti a creare un" sistema ", che diciamo appena sotto. Nel 1908, ha messo il Play-Tale Metierlinka filosofico " Uccello blu"(Decorazione dell'artista V. E. Egorova) - Forse miglior lavoro Dal repertorio simbolico. La fiaba è durata sulla scena Mchat oltre 60 anni.

Le nuove ricerche sono state condotte a San Pietroburgo al Teatro del Commissario Fede Fedorovna. Ha invitato il principale direttore di Meyerhold, che ha effettuato una serie di produzioni nel 1906-1908. La buona fortuna è stata il blocco "Balanda", "sorella di Beatrice" M. Meterlinka, ecc. Dopo un'ondata di simbolismo, alcuni teatri continuarono a fissare in posizione, rotolare ai gusti del Meshchang, che abbiamo già parlato, altri continuarono a esperimento audacemente in direzione di avanguardie. A tali esperimenti audaci possono essere attribuiti V. E. Meyerhold.. Già in studio sul cuoco "ha proclamato l'idea del" Teatro condizionale ". Non era quello che Stanislavsky, nuove tecniche e principi speravano di essere fatti da Meyerhold in altri teatri.

Nel 1906, Meyerhold diventa il direttore principale del Teatro V. F. Commissario, ed è possibile attuare pienamente il suo programma artistico. Meyerhold nelle sue produzioni alla testa dell'angolo ha messo il concetto ideologico e artistico creativo della performance, proposto dal regista. L'enfasi unilaterale sull'attività creativa dell'arte legislativa è stata spesso portato a una peculiare dittatura del direttore come in relazione all'attore e in relazione all'autore del gioco. L'attore spesso si trasformò in una "pedina" nelle mani del regista. L'enfasi è stata rinviata dall'espressività psicologica del gioco dell'attore alla pittoresca espressività plastica dell'immagine creata da lui.

Nell'attuazione del concetto di regia, Meyerhold era di aiutare l'artista. L'artista ha dovuto distruggere l'illusione dell'affidabilità e creare un design condizionale nel teatro che esprime l'idea del regista. A tal fine, Meyerhold ha provato a distruggere lo spazio del palcoscenico tridimensionale e trasformarsi in un bidimensionale. Lo scenario è stato sostituito da un pannello pittoresco, il punto del palcoscenico è stato diminuito ed era un'appendice a lui (spesso terminata sulla promensione). Direttore dell'attore interpretato come una macchia colorata, poiché era interessato al palcoscenico non tanto l'espressione di personaggi reali, quanto rivelare l'essenza del gioco simbolico attraverso l'idea del regista. L'illusione di credere, ha cercato di sostituire con convention. Ciò è stato fatto in contrasto con MCat, in cui il piano del drammaturgo è stato sempre rivelato e il significato centrale della creatività dell'attore è stato instancabilmente enfatizzato.

Meyerhold ha trovato gli artisti che sono diventati i suoi alleati (N. N. Sapunov, S. Yu. S. Denisov, N. P. Ulyanov, V. S. Denisov, ecc.) Nel teatro del Commissario Razda, Meyerholhold erano irregolari. Quindi il gioco sociale e nazionale, psicologico "Gedda Gabler" Ibsen (artisti del sudieticin, Sapunov, V. D. Milioti) messo in una vena simbolica convenzionale.

L'intera prestazione è stata caratterizzata da non conformità deliberatamente dimostrativa con le osservazioni dell'autore. Nei costumi di Milioti, ogni personaggio è stato eseguito da un colore speciale: Gedda - Golden, suo marito - Lead-Grey e così via.

Nella formulazione del "Balaganchik" A. I principi Bloka del "Teatro condizionale" erano necessari per l'incarnazione di un gioco simbolico (Artista Sapunov).

Nel dramma di lirica-simbolico A. Blok rivela l'idea della doppia vita. Visibile, uomo circostante Il mondo è volgare e falso. Ma tutti i suoi fenomeni sono pieni di significato diverso e allegorico. Pertanto, tutto è ingannevole e opposto alla visibilità: persone normali - Questi sono burattini meccanici e caratteri dei burattini (Piero, Arlecchino) sono dotati di gennazione sentimenti umani; La distanza poetica risulta essere disegnata su carta, e l'amato ideale si gira sulla morte. Il crollo delle illusioni genera ironia, e nei raggi della realtà ironia acquisisce le caratteristiche del grottesco.

Nel 1906-1907. Meyerhold mette un certo numero di spettacoli presso il Commissario Teatro, in ognuno dei quali è alla ricerca di nuove tecniche per il design. Quindi, la "vita umana" L. Andreeva va in ciuffi grigi, senza scenari, personifica la replica di uno degli eroi - "tutto, come in un sogno". Il "risveglio della primavera" di Kuekinda è costruito sulla luce locale, cioè nell'evidenziazione episodica delle scene in diversi angoli della scena. Il "portare" Ibsen viene giocato come performance senza una tenda, che sta principalmente in arrivo il vedere. Nella "sorella Beatrice" Meterlinka e alla "Eternal Fairy Tale", il gioco degli attori sulle scale, che occupano una parte significativa della scena diventa un grosso ruolo. Nella "sorella di Beatrice", inoltre, è stata applicata la ricezione del "prossimo bassorilievo", che emanava dall'interpretazione scultorea da parte del direttore della figura dell'attore. Il direttore ha cercato di raggiungere quasi la statuarietà quasi completa nel gioco dell'attore, motivandolo dal "mistero" della produzione (ad esempio, "Beatrice Sisters"), quindi l'idea di revival teatro antico. Ha portato alla sostituzione di un uomo vivente con un burattino. E quindi, contro Meyerhold, una parte della troupe guidata dal Commissario Razvazzhevskaya è stata molto presto ribellata. E lei ha rotto con Meyerhold, mentre Stanislavsky ha rotto con lui. Sul dramma simbolico, ha cercato di creare i principi di un nuovo "Teatro condizionale".

Vera Komissarzhevskaya, credendo che nuovo teatro. È possibile solo con un nuovo attore, decide di aprire studio. giovane attore . Ma i suoi piani non erano destinati a diventare realtà. Durante il tour, a Tashkent, morì dal vago nero nel 1910

Nel 1907, Meyerhold ha scritto un articolo "alla storia e alla tecnica del teatro", in cui ha espresso i principi del "Teatro condizionale", si oppose al loro MCAT e accusato l'ultimo nel naturialismo. Nel tentativo dell'arte delle grandi generalizzazioni, sosteneva il principio di stilizzazione come uno dei metodi di una decisione della performance. Con il concetto di stilizzazione, secondo Meyerhold, l'idea della convenzione, generalizzazione, simbolo "è inestricabilmente collegata.

Meyerhold e gli artisti che hanno separato le sue convinzioni stavano cercando attivamente, protestano attivamente contro la copia di stili storici, contro la sostituzione del design creativo "Summit" cose e costumi sul palco. Era l'inizio della strada, quindi fallisce. Ma è così come può, riconosciamo il desiderio dell'arte delle grandi generalizzazioni, l'approvazione del ruolo creativo attivo del direttore nell'interpretazione del lavoro, la lotta contro la superficie del salone di superficie, lo sviluppo della tecnologia di scena e l'arricchimento di tecniche di registrazione.

"Teatro tradizionale"

Nel 1908, V. A. A. Telyakovsky (V. A. Velyakovsky - direttore dell'Ufficio dei teatri imperiali (1901-1917; ha cercato di aggiornare il lavoro, attirare la forza migliore, arricchire i teatri dell'esperienza arte Moderna) Attratto Meyerhold in teatri imperiali Dopo la sua partenza dal teatro del Commissario. A questo punto, Meyerhold collabora attivamente con l'artista A. YA. GOLOVNY. Ora Meyerhold propone i principi del "teatro tradizionale" - una nuova varietà di "teatro condizionale". Ha criticato l'antico teatro N. N. Gerinov, ma allo stesso tempo cercava di arricchire il teatro moderno tecniche dimenticate e forme rappresentanze teatrali secoli secoli, opponendo il loro naturalismo teatrale del nostro tempo.

"Teatro tradizionale" Il regista prende come il teatro "Teatralicità pulita"dove lo spettatore non cerca di ispirare l'illusione della verità. Lo spettatore dovrebbe ricordare tutto il tempo che è nel teatro. Tale spettatore dalla parte valuta attivamente ciò che sta accadendo dalle posizioni moderne. Allo stesso tempo, un tale "outsider", ma lo spettatore stimatore Meyerhold ha cercato di portare vicino alla scena il più possibile. Per fare ciò, è stata utilizzata la "esposizione della reception" - cambiamento di decorazioni e condimento di attori di fronte al pubblico, interferenze con i "canti di scena", così come la distruzione della rampa, l'assenza di una tenda, luce Nella sala, a volte suonare la sala, estendendo le azioni alle azioni e t. d.

Nei loro piani alla regia, Meyerhold ha preso un posto fantastico registrazione del teatro.. Un esempio di una collaborazione di successo del regista Meyerhold e l'artista Golovin può essere il gioco "Don Juan" Moliere "nell'Alexandrinsky Theater (1910). La produzione è stata concepita come performance domestica nel palazzo Louis Xiv.. Il gioco è stato giocato senza una tenda e senza una rampa. La sala durante l'azione è stata illuminata con luce elettrica, e la candela è stata bruciata sul palco. Il cambiamento delle decorazioni si è verificato davanti al pubblico. Arapchart è stato intervenuto: i servitori delle quinte che hanno portato e portato via i mobili, hanno depositato le cose agli attrezzi, ecc. Il "Masquerade" Lermontova li ha durati nel 1917. Lermontova è durata sul palcoscenico del teatro Alexandrinsky fino al 1939. Questa performance era un legame tra Teatro pre-rivoluzionario e sovietico. I principi della registrazione Meyerhold e Golovin ha cercato senza successo trasferiti al Teatro Musicale (Opera "Orfeo" Itch, 1911, Balletto "Aragon Hunting" Glinka, 1916, Opera "Stone Guest" Dargomyzhsky, 1917 nel teatro Mariinsky, ecc.). Meyerholhold è stato il fatto che i principi del "condizionale" ("tradizionale teatro") cercò di fare universale.

L'idea del Balagan

In questo momento, oltre ai principi del teatro "tradizionale", ha proposto l'idea del teatro Balagan, maschere, burattini, basati su Grottesque come il principale metodo di visualizzazione della vita. Il teatro grottesco-Balagan è in contrasto con il teatro naturalistico e "analitico" (psicologico).

Stilizzato grottesco Deve essere generalizzato per esprimere contrasti significativi e contraddizioni sulla vita. Questi esperimenti sotto lo pseudonimo "Dr. Duputto" ha inserito nel 1910-1911. In una piccola wilder wilderness "casa intermedia". Nella formulazione di Plays One-Acting Meterlinka, Schnitzer, Kuzmina. Fu aiutato dagli artisti di Sapunov, sudieticin, ecc. ("Colombina" A. Schnitzer, ecc.). Nelle produzioni in cui le persone sono state paragonate alle bambole, la metafora sagomata "Life - Theatre" ha acquisito in definitiva significato mistico. Nonostante il desiderio del teatro di allontanarsi dal riflesso della vita, le facce le soathedral lampeggiavano nella produzione.

Usando Meyerhold ovvio teatri quadrati, Commedia del Arte, Balagan, Circo, la sua ricerca di nuove forme di arte di recitazione in studio di Borodino (1913), dove gli attori hanno studiato il movimento del palcoscenico, il Pantomime, considerato qui come base dell'arte teatrale, - tutto questo Trova la loro continuazione nel teatro del costruttivismo dopo la rivoluzione socialista di ottobre. Nel 1913, c'è un teatro futurista - ribellione contro la realtà borghese. C'era una tragedia "Vladimir Mayakovsky", decorata da P. N. Filonov e I. S. Programma. Il prologo camminava sullo sfondo di una piazza nera con punti colorati casuali, e il resto dei dipinti - contro lo sfondo dello scenario raffigurante la città in uno stile espressionista-cubistico, con un pizzico caotico di edifici cadenti l'uno sull'altro.

Nel 1914 a Mosca sotto la guida di A. Ya. Tairova comincia a lavorare Teatro della camera. , il cui squadra audacemente sperimentato ed era anche appassionato del gioco nel teatro.

In questo teatro, tali artisti importanti si sono sviluppati come N. S. Goncharov, A. V. Lentolov, P. V. Kuznetsov, A. A. Exter.

Interessanti erano gli esperimenti A. Exter, allevati in Francia sulle opere dei postmipressionisti, che hanno rilasciato il teatro e le sue esibizioni nello stile di cubaceurismo e costruttivismo. Quindi, quando si imposta "Salome" O. Wilde (1916), la scena era divisa da un extro diagonalmente con due supporti, tra cui si trovava una scala a scale. In tutte le direzioni, i pannelli monocromatici si sono spostati e spostati. I costumi sono stati eseguiti nello spirito costruttivista e ricordavano le uniformi.

L'attività del teatro di pietra ha arricchito i principi di progettazione dello spazio panoramico.

Per due stagioni (1907/08 e 1911/12), l'antico teatro N. N. Jewinova e N. V. Drisena ha dato le sue idee a San Pietroburgo. Questo teatro era destinato alla creazione di drami medievali miracolosi, pastorali e liturgici sul palco. Nella progettazione delle sue esibizioni, gli artisti del "World of Art" Benua, Roerich, Dobuzhinsky, Bilibin, Lancer, Sudaiykin, e altri hanno partecipato. Il repertorio medievale è stato presentato allo spettatore mentre è stato messo in una volta. Il carattere della scena e l'auditorium è stato ricreato. Gli attori mascherati ritraggono gli spettatori medievali che guardano le prestazioni. Ad esempio, pastorale "Robin and Marion" (Hood. Dobuzhinsky) è stato dato come rappresentanza durante una piuma in un castello cavaliere, circondato dagli ospiti riuniti; drammatico liturgico "Adorazione dei Magi" (Hood. Roerich) è stato raffigurato come una rappresentazione sulla povertà della cattedrale circondata dalla folla di preghiera; La "sorgente di pecora" Lope de Vega (Hood. Roerich) è stato messo come prestazione della troupe randagio circondata da spettatori comuni, ecc. Museo nel suo spirito, un vecchio teatro non ha trovato una risposta in un vasto pubblico e quindi era breve -ha vissuto.

Teatri folk.

A questo punto continua ad agire teatri folk.. Questo è un teatro mobile P. P. Gaydeburova. Fino al 1917, promuove la drammaturgia realistica tra i livelli più ampi della popolazione. Nel 1910, la "promozione dei teatri rustici e di fabbrica nella Mosca Society of People's Universities" è organizzato nella società teatrale russa. Con questa sezione viene creato il suo teatro popolare. E il presidente della sezione e allo stesso tempo il regista e l'artista di questo teatro diventano V. D. Polenov.

Dopo la rovina di S. I. Mamontov, Polenov si è allontanato dalla sua ex opera e ora ha guidato i teatri dilettanti di lavoro e contadini. Durante il 1911-1917. Il Master progettato nel teatro popolare molte esibizioni, affidandosi ai principi del movimento. Polenov ha creato uno scenario di campioni semplice ed economico per i teatri folk. I suoi schizzi si distinguono per l'immagine sincero Polenovsky, che ha distinto l'autore del Pubrick di Mosca. Torniamo a Mkat.

MHAT, riferendosi al drammaturgo alla moda dei simboisti, non ha dimenticato i classici:

• "Mese nel villaggio" I. S. Turgenev (Hood. Dobuzhinsky),
• "Su tutti i saggi della bella semplicità" A. N. Ostrovsky (cappuccio. Kustodiev),
• "Paziente immaginario" J. B. Moliere,
• "La hostess dell'hotel" K. Goldoni (Stanislavsky e Benua hanno concordato la critica del "Teatro condizionale"),
• "Brothers Karamazov" F. M. Dostoevsky (Hood. Dobuzhinsky), ecc.

Per il design di queste esibizioni, Stanislavsky ha invitato Dobuzhinsky, Roerich, Benoit, Kustodiev. Sperava di sollevare la pittoresca cultura delle esibizioni di MCATE e ottenere una forma di immagine luminosa. Artisti "World Art" ha davvero creato un numero lavori eccezionali La sua creatività, ma a volte incontravano i principi di Stanislavsky. C'erano disaccordi e dispute, a volte la rottura finisce. Le attività di Mcati nel decennio pre-rivoluzionario sono caratterizzate da conosciute contraddizioni, ma la linea democratica e realistica rimase la definizione e la guida. È sufficiente dire che era in quel momento che il sistema Stanislavsky è stato formato, su cui si basa il teatro realistico.

Stanislavsky System.

Per lavoro pratico su una nuova metodologia, che verrà chiamata in seguito sistema di StanislavskyNel 1913, 1a apre, e nel 1916 - il 2 ° studio Mkat.

Diciamo alcune parole sul famoso sistema Stanislavsky.

Stanislavsky System. È una teoria scientificamente basata su arte scenica, tecniche di recitazione. Il sistema Stanislavsky ha aperto la strada a creare una performance come un unico numero intero artistico, all'educazione di un autentico artista - attore e regista. Western Questa è stata la filosofia del teatro, definendo i suoi grandi obiettivi e compiti negli anni di stagnazione (anni '70 - 1 ° piano 80s). Creare un sistema, Stanislavsky si basava sull'esperienza del teatro russo e della propria pratica dell'attore e del direttore. Sono stati riassunti dall'esperienza di grandi attori russi come

• M. S. Shpkin,
• G. N. FEDOTOVA,
• M. N. Yermolova, ecc.

Pensieri e dichiarazioni sul teatro A. S. Pushkin, N. V. Gogol, A. N. Ostrovsky, V. G. Belinsky, L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov, A. M. Gorky.

La prima sezione del sistema è dedicata al problema del lavoro dell'attore su se stessi. Questa è una formazione ostinata giornaliera, un allenamento ballerino, cantante, violinista. Questo artista migliora le attrezzature e le abilità artistiche.

Nella seconda sezione c'è una conversazione sui principi del lavoro dell'attore sul ruolo basato sull'arte dell'esperienza. Questo è un complesso processo psicologico nell'anima dell'artista. L'attore non deve rappresentare l'immagine, e "disegnati", le sue esperienze, sentimenti, pensieri per fare il suo, vivere la vita di un personaggio, come la sua. Per raggiungere questo obiettivo, l'attore e il direttore devono lavorare molto e duramente, penetrano profondamente l'essenza del gioco, determinare ed esplorare i più piccoli dettagli Ruoli, caratteristiche del carattere e del comportamento del personaggio. Giocando la performance, l'artista non ripete meccanicamente quelli che si trovano da lui nel processo di lavoro sulla performance, e come se ri-davanti agli occhi dello spettatore ricrea vivi, processo creativo La nascita dell'immagine.

Posto speciale nel sistema Stanislavsky occupa la partizione di attore etico-artista. Dopotutto, la comprensione del ruolo dipende dall'identità dell'attore, la sua larghezza dell'orizzonte, principi di vita, posizione civile e credenze. Pertanto, i compiti della comprensione dell'arte non sono separabili dagli alti problemi etici morali della formazione della personalità dell'artista.

Secondo Stanislavsky, il regista dovrebbe aiutare l'artista a reincarnare nell'immagine. L'attore e il direttore durante la creazione di una performance dovrebbero essere guidati dall'idea di drammaturgo, l'idea del gioco, quindi tutto il lavoro sulla performance è stato chiamato "attraverso l'azione". L'azione passante dovrebbe essere estremamente accuratamente, profondamente e convincente per incarnare il contenuto ideologico del lavoro - questa è una sovrapposizione della performance, tutti gli sforzi del direttore e degli attori sul palcoscenico sono subordinati ad esso.

Il sistema Stanislavsky contiene critiche acuta Artigianato, dilettanismo, francobolli, routine, tutto ciò che ha impedito lo sviluppo di arte scenica.

Sistema di Stanislavsky fornito grande impatto sul moderno vita teatrale , sullo sviluppo del mondo del mondo. I suoi lavori teorici sono tradotti in molte lingue del mondo.

Teatri-Cabaret.

I modernisti nella loro ricerca del nuovo teatro hanno fatto appello all'arte folk.

Molti Balagans e Balaganchikov erano alle fiere di San Pietroburgo, Mosca, Nizhny Novgorod, Chisinau, ecc. È stato interpretato da una varietà di azioni del dramma popolare ai trucchi del circo con la partecipazione alle azioni del pubblico. È stato studiato e usato i modernisti nei teatri professionali nelle principali città, creando molti teatri sperimentali che hanno finanziato grandi industriali come Savva Mammoths (Music Theater in Abramtsevo), Princess Maria Tenisheva (Teatro musicale a Taleshkin), ecc. In questi teatri, spesso giocato contadini di talento che sono stati addestrati con abilità teatrali nei teatri.

Un fenomeno interessante della vita teatrale delle capitali era teatri-Cabaret.Chi era vicino al popolo Balagan.

Quindi, in febbraio 1908 Attore Mkhat Nikita Ballev. Insieme ad alcuni dipendenti hanno aperto un piccolo teatro "Pipistrello". L'idea di tale teatro è nata da famose cabine nel teatro d'arte. " Pipistrello"Sono diventato un rifugio notturno degli attori di Mkatov ed è stato il centro della vita notturna di Mosca prima di chiudere nel 1919.

Baliev ha invitato grandi scrittori e amministratori a lavorare:

• Leonid Andreeva,
• Andrei Bianco,
• Valeria Bolsova,
• Sergey Grodetsky,
• Vasily Luzhsky,
• Vsevolod meyerhold,
• Alexey Tolstoy.,
• Moskvina.
• Tatyana Puchenkin-Cupernik,
• Borisdovsky.

Nei primi anni, Shalyapin, Sobinov, Stanislavsky ha eseguito in esso. Repertorio drammatico. Accoungato per schizzi cortili, parodies lavori famosi (Ad esempio, sul "revisore"), le scene che imbrogliano. LUBOK - Alterazioni semplificate di fiabe, carattere anrico epico. Baliev ha amato iperbole, transizioni taglienti dal fumetto alla sparatoria verbale tragica e costante con un pubblico. Una volta chiese a tutti di cantare: "Ah, ah, em, loro!" Per riprodurre il suono dello starnuti.

Nel 1920, Baliev risvegliava il "pipistrello" a Parigi, con il quale ha visitato il mondo. Il "pipistrello" ha causato un sacco di imitatori a casa e all'estero, ma la maggior parte di loro si distingueva per l'efferpalità ed esisteva per un breve periodo. Tra questi, possiamo ricordare il "Blue Bird". Fu fondata dall'attore Yasha South a Mosca di fronte alla rivoluzione stessa, e nel 1920 si è trasferito a Berlino.

"Bat Mouse", "Blue Bird" ha mantenuto un alto livello professionale, ma non erano teatri radicali sul loro repertorio, né al momento della registrazione. Fondamentalmente, nonostante il talento della troupe, raccolti sulle loro esibizioni del Viewer borghese senza elevate richieste intelligenti. Nel cabaret di San Pietroburgo ha attirato eminenti rappresentanti dell'Intelligiazia, c'erano più attenzione alle lezioni e alla lettura di poesie, piuttosto che numeri musicali e "dipinti vivi". Così, il "cane randagio", diretto da Boris prono, per la sua breve vita (1911-1915) ha tenuto molti eventi importanti e ha promosso la discussione di una vasta gamma di problemi, compresi quelli come teosofia, il cristianesimo di Alessandria, il revival della magia francese , Ortodossia russa, neo-platonismo, monaci di Afona e altri.

Nella progettazione di idee, uno degli artisti più avanguardi, Malevich e Tatlin hanno partecipato, il che non ha impedito che il "randagio cane" sia al capo della vita intellettuale russa. I suoi membri erano Yevgeny Lance, Alexey Adakov e molti altri. "Stary Dog" coperto ampia cerchio Interessi letterari e artistici, invitanti, per esempio, Gorodetsky parla di "simbolismo e akmeismo", Marinetti legge le loro poesie, giovani musicisti per parlare con le loro opere, ecc. Capo artista Arbitro del cabaret a tali incontri creato pannelli, programmi e persino costumi da mascherata. Poeta-futurista Benedetto Livshitz ha lasciato la seguente descrizione dell'atmosfera e dei programmi del "cane randagio": "Nel cosiddetto, insolito sabato e ambienti sono stati offerti per indossare tappi di carta sulle teste, che sono stati consegnati all'orlo di Seminterrato, e famosi avvocati o famosi membri russi della Stato Duma, offuscati dalla sorpresa, è stato gravemente presentato a questo requisito ...

Il programma è stato il più vario, a partire dalle conferenze "nella nuova visione del mondo" o "sul teatro della Parola e il Teatro del Movimento" e terminando con "Musical Mondays", ballando Karsavina o un banchetto in onore della Mosca Teatro d'arte. "

La vita di tali teatri-cabaret era breve, ma hanno contribuito a un umore speciale alla vita del teatro di quel tempo.

CONCLUSIONI.

Durata del teatro "argento secolo" Era insolitamente saturo e diverso. A quel tempo sono stati effettuati molte conquiste artistiche, che ha permesso al teatro russo di prendere posizioni avanzate nel mondo. Per questo periodo, la cooperazione attiva con il teatro dei più grandi artisti di vari gruppi e tendenze, che vanno dal "World of Art" alle avanguardia dei Mikhail Larionov e Natalia Goncharova, Alexandra Exter e Kazimir Malevich, e altri, che hanno collaborato entrambi con teatri musicali e drammatici. Quindi il teatro voleva rafforzare il suo mezzi espressivie gli artisti si esprimono.

Il teatro russo del diciannovesimo secolo differiva da alcuni dei due contenditori - da un lato continuò a raggiungere i vari cambiamenti sociali e politici nello stato, e dall'altro - da migliorare sotto l'influenza delle innovazioni letterarie.

La nascita di grandi maestri

All'inizio del XIX secolo, un realismo arriva al romanticismo e al classicismo per sostituire il romanticismo e il classicismo, che porta molte idee fresche per il teatro. Durante questo periodo ci sono molte modifiche, si forma un nuovo repertorio del palcoscenico, che si distingue per popolarità e della domanda in drammatico moderno. Il diciannovesimo secolo diventa una buona piattaforma per l'emergere e lo sviluppo di molti drammaturghi di talento che la loro creatività produce un enorme contributo allo sviluppo dell'arte teatrale. La persona più brillante del dramma del primo semestre del secolo è n.v. Gogol. In effetti, non era un drammaturgo nel senso classico della Parola, ma, nonostante ciò, è riuscito a creare capolavori che si trovano all'istante gloria del mondo. e popolarità. Tali lavori possono essere chiamati "revisore" e "matrimonio". In questi giochi, un'immagine completa è descritta molto chiaramente. vita pubblica in Russia. Inoltre, Gogol non lo ha sfidato, ma al contrario, criticato bruscamente.

"Auditor" n.v. Gogol.

In questa fase di sviluppo e completa formazione, il teatro russo non può più essere soddisfatto del ex repertorio. Pertanto, uno nuovo viene a turno. Il suo concetto si trova nell'immagine del moderno, con un senso del tempo tagliente e chiaro, uomo. Il fondatore della moderna drammaturgia russa è considerata da A.n. Ostrovsky. Nelle sue creazioni, è molto sinceramente e realisticamente descritto l'ambiente mercantile e la loro morale. Tale consapevolezza è dovuta a un lungo periodo di vita in un ambiente simile. Ostrovsky, essendo un avvocato per l'istruzione, servito in tribunale e vide tutto dall'interno. Con le sue opere, il drammaturgo di talento ha creato un teatro psicologico, che ha cercato di guardare e rivelare lo stato interno della persona.

"Temporale" A.n. Ostrovsky.

Oltre a A.n Ostrovsky, in arte teatrale Il XIX secolo ha fatto un grande contributo e altri eccezionali maestri e scene di fede, le quali e le quali sono il punto di riferimento e il vertice dell'abilità. Una di queste personalità è M. Shchepkin. Questo artista di talento ha eseguito un numero enorme di ruoli, per lo più commedia. ShchePkin ha contribuito all'uscita della recitazione oltre i modelli esistenti in quel momento. Ognuno dei suoi personaggi possedeva i propri tratti individuali di carattere e aspetto. Ogni eroe era una persona.

La storia della cultura russa. XIX secolo Yakovkin Natalia Ivanovna

Capitolo quinto teatro drammatico russo nella seconda metà del XIX secolo

Capitolo quinto.

Teatro del dramma russo nella seconda metà del XIX secolo

Entro la fine degli anni '50 - l'inizio degli anni '60 drama Theater. ha causato l'interesse vivente della società russa, che lo stimava come uno dei più importanti centri spirituali del paese. Nello spirito dei sentimenti vincesi comuni, il teatro cercato come una sorta di "tribuna nel proteggere una persona". Si presume che un'arte drammatica non solo rappresenterebbe, ma anche spiegare la realtà moderna: tutte le "dannate domande" evidenzieranno. Inoltre, il teatro è stato chiamato per diffondere concetti estetici artistici e idee avanzate. Questa funzione di illuminazione del teatro in relazione ai livelli medi e inferiori del popolo russo, tra cui grande quantità Milnografato e a tutte le persone analfabete.

Ampio interesse pubblico ha trovato un'espressione nella promozione delle informazioni sul teatro. Giornali e riviste aree diverse Articoli stampati, recensioni, recensioni, evidenziazione di vari lati attività teatrale - Gestione amministrativa, repertorio, arte degli attori. Appariva le riviste speciali del teatro "Bollettino musicale e del teatro" (1856-1860), "scena russa" (1864-1865), "musica e teatro" (1867-1868) e altri.

Hanno scritto molto del teatro e dei giornali: Pietroburgo - "Northern Bee", "Petersburg Listok", "Voice", Mosca - "Moscow Vedomosti", "russo Vedomosti", "giorno", un quotidiano appositamente teatrale "Anmiss". Non lasciati a parte gli interessi teatrali e la stampa provinciale ("Kyivlyanin", "Bollettino di Odessa", "Caucaso", ecc.).

In un certo numero di giornali e riviste, titoli costosi di revisioni teatrali e recensori speciali apparvero, tra i quali - scrittori prominenti e drammaturghi: a San Pietroburgo Vedomosti - V. Krylov, V. P. Burenin, A. S. Suvorin, in "Voice" - Ma Zagulaev , DVV Aerkiev, nella "cronaca moderna" - NS Nazarov e NS Leskov. Nel "contemporaneo", i materiali teatrali sono stati stampati da I. I. Panayev e M. E. Saltykov-Shchedrin, nella "Biblioteca per la lettura" - P. D. Boborakin.

Aumentato significativamente il numero di teatri. Speciali edifici teatrali erano di nuovo o invece di obsoleti in Nizhny Novgorod, Arkhangelsk, Kiev, Nikolaev, Tambov, Uralsk, Ufa, Ryazan, Orel, Kostroma, Rostov-on-Don, Smolensk, Saratov, Sumy, Kaluga, Taganrog e Novocherkassk.

Più di 50 centri provinciali e regionali hanno visitato costantemente le truppe teatrali professionali.

In molte città provinciali c'erano dei teatri costanti con un forte team di recitazione (a Kharkov, Kazan, Kiev, Odessa, Voronezh, Nizhny Novgorod, Astrakhan, Saratov, Novocherkassk, Vilna e Tiflis).

Il teatro faceva parte della vita non solo metropolitana, ma anche città provinciali.

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Cultura della Russia XIX secolo

test

2.3 Teatro russo.

Fenomeno significativo vita culturale Russia della prima metà del XIX secolo. divenne teatro. La popolarità dell'arte teatrale è cresciuta. Il teatro della fortezza è stato sostituito da "libero" - pubblico e privato.

Con grande successo, una scena del genere lavori drammatici Come "dolore dalla mente" di A.S.Griboyedov, "Auditor" n.v. Gogol, e altri. Nei primi anni '50 del XIX secolo. I primi giochi di A.N. è apparso Ostrovsky. Nei 20-40, un eccezionale attore russo M.S. Schepkin, amico A.i. Herzen e N.V. Gogol ha dimostrato il suo talent multiforme.

Altri artisti meravigliosi, v.a. Kratygin - Premier della scena metropolitana, P.Mochalov, che regnò sul palcoscenico del teatro drammatico di Mosca, e altri, ha usato il pubblico.

Successo significativo nella prima metà del XIX secolo. Il teatro del balletto ha raggiunto la cui storia in quel periodo è stata in gran parte legata ai nomi dei famosi produttori francesi Didlo e Perro. Nel 1815 sul palco Grande teatro San Pietroburgo ha debuttato il meraviglioso ballerino russo a.i.o.tomin.

"Entro la fine degli anni '50 - l'inizio degli anni '60, il teatro drammatico ha causato l'interesse vivente della società russa, che lo stimava come uno dei centri spirituali più importanti del paese. Nello spirito dei sentimenti vincitori comuni, il teatro ha visto come una specie di "Tribune nella difesa umana". " Yakovkin N. I. Storia della cultura russa: XIX secolo. - San Pietroburgo, 2002. - P. 527.

Un grande ruolo nella formazione del realistico teatro russo è stato assegnato al lavoro di A. N. Ostrovsky. Le innovative idee teatrali dell'Ostrovsky hanno trovato la loro incarnazione principalmente nei teatri imperiali (Mosca) e Alexandrinsky (Petersburg), e con le scene imperiali siamo andati in imprenditori privati \u200b\u200blavorati in provincia.

Il teatro russo diventa gradualmente un espressivo di idee socio-pubbliche esclusivamente russe. Nuove generazioni di drammaturghi, amministratori, attori sono già pienamente focalizzati sulla storia e fenomeni sociali Russia.

La fine dei secoli XIX - I primi secoli XX è associata alla formazione di nuove estetiche teatrali, che in precedenza coincise con le rivoluzionarie trasformazioni sociali.

M. V. Lenta ha visto il teatro nello sviluppo di tradizioni d'arte tradizionali, che proviene da una sterilità, come rappresentazioni di gala, spettatori entusiasmanti e trasformandosi in festival di massa.

K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko nel teatro di Moscow Art è diventato i fondatori del teatro psicologico, sviluppando e complementando ogni immagine della fase di uno spettatore invisibile con una preistoria, stimolando determinate azioni del personaggio.

Estetica V. E. Meyerhold è diventata lo sviluppo forme teatrali, in particolare, il movimento del palcoscenico, è l'autore del sistema di biomeccanica teatrale.

Drammatico basi classiche Il piccolo teatro era incrollabile, continuo tradizioni storiche in nuove condizioni sociali.

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