L'era del Rinascimento nella storia europea. Revival nell'Europa occidentale

L'era rinascita è chiamata Rinascimento. Questo è il periodo di sviluppo della scienza, della cultura, della moralità e dell'illuminazione. Un tale periodo dell'Asia centrale stava vivendo negli IX - XII e XIV - secoli XV.

Nei paesi dell'Europa occidentale, l'epoca del Rinascimento è principalmente al XIV-XVII secolo. Gli scienziati considerano il Rinascimento all'era della transizione dalla stagnazione medievale al periodo del nuovo tempo. L'era del Rinascimento nell'Europa occidentale non si è verificata in sé.

Il Rinascimento est asiatico centrale è stato direttamente colpito dallo sviluppo della cultura mondiale e del pensiero scientifico. La rinascita è nata in Italia, poiché ci sono particolarmente peculiare della società capitalista sono apparse in precedenza. Le principali caratteristiche distintive del Rinascimento nell'Europa occidentale erano:
- negazione dell'ignoranza, del fanatismo, del conservatorismo;
- approvazione della visione del mondo umanistico, fede nelle possibilità illimitate di una persona, della sua volontà e della sua mente;
- Appello al patrimonio culturale dell'antichità, come se "revival" di lui, da qui il nome dell'era;
- cantando in letteratura e l'arte della bellezza del terreno terrestre e non dell'aldilà;
- La lotta per la libertà e la dignità dell'uomo.

Letteratura dell'era rinascimentale.

Nella letteratura e nell'arte del Rinascimento, sono stati creati talenti eccezionali.

Uno dei geni della letteratura di questa epoca era William Shakespeare (1564 1616). Credeva che "una persona sia il più grande miracolo della natura!". Shakespeare era innamorato del teatro. Ha lavorato come attore e drammaturgo. Il mondo intorno a lui gli sembrava il palcoscenico e le persone sono attori. Riteneva profondamente che il teatro sarebbe stato una scuola per le persone che li insegnavano a resistere ai colpi del destino, avrebbe risvegliato la sensazione di odio per il tradimento, il duplex, il biondo. V. Shakespeare ha lasciato l'umanità tali capolavori come "Otello", "Amleto", "re Lear", "Romeo e Giulietta" e altre opere.

Miguel de Cervantes (1547 - 1616), scrittore spagnolo, uno dei maggiori rappresentanti del Rinascimento. Il personaggio principale del suo famoso romanzo "Don Chisciotte" l'ultimo dei nobili cavalieri erranti nel mondo dell'ingiustizia. Don Chisciotte sta combattendo a causa delle loro opportunità con ingiustizia. Le sue azioni - il riflesso della sua fanciulla: "Per la libertà, per quanto riguarda la gloria, è necessario esporre il tuo pericolo di vita".

Arte. Un altro rappresentante prominente del Rinascimento è Leonardo da Vinci (1452 - 1519). Era sia un artista che un poeta, e l'architetto, e lo scultore, e un musicista e l'inventore. Leonardo da Vinci ha chiamato il dipinto della "principessa delle Arti".

Gli eroi delle sue pittoresche opere non erano dei e non angeli, ma gente comune. Tale è la sua foto "Madonna con un bambino", dove la madre preme delicatamente al seno del bambino. Abbracciarlo, guarda con un delicato alluminio. La terra riflette l'infinito amore maternale per il bambino. La pittura murale di Leonardo da Vinci "Mystery Evening" è famosa.

Un altro grande artista di questo periodo Rafael Santi (1483 - 1520). Ha vissuto solo 37 anni. Ma durante questo breve periodo è riuscito a creare capolavori di pittura mondiale, una delle quali è la "Sicstinsky Madonna".

I contemporanei dell'artista hanno valutato questa tela "come l'unico nel suo genere". Su di lui, Bosya Santo Marius non ne vale la pena sulle nuvole, e cadde su di loro verso il suo destino.
L'aspetto, ancora baby Gesù, è serio da adulto. Come se si sente futura sofferenza e morte inevitabile. Anche nell'aspetto della madre, tristezza e ansia. Lei conosce tutto in anticipo. Ciononostante, va verso persone che apriranno la via della verità a spese della vita di suo figlio.

Il lavoro più famoso dell'artista olandese Rembrandt (1606 - 1669) è il quadro "ritorno del figlio prodigo". Lo ha creato negli anni più difficili per lui - dopo la morte di suo figlio. La leggenda biblica parla di come il figlio ha vaganti il \u200b\u200bmondo per molti anni e ho trascorso tutta la mia ricchezza, ritorna alla casa del Padre, dove è accettata.
Rembrandt rappresentava nel suo lavoro un minuto di incontro del padre e del figlio. Il figlio perso si trova sulle ginocchia alla soglia della casa. Oldwear e testa calvo testimoniano le sfide della vita. Il movimento congelato delle mani di un padre cieco esprime la brillante gioia dell'uomo disperato e il suo amore infinito.

Storia dell'arte.

Brownie Questo periodo è stato considerato una scultura con la migliore vista della bella arte, come nient'altro che canta l'uomo e la sua bellezza.

Il più famoso tra i creatori di questo periodo è stato italiano Michelangelo Buonarot (1475 - 1564).
Con le sue opere immortali, ha lasciato un segno indelebile nella storia.

Questo è ciò che ha detto di arte nei suoi trecento

"Che vita è quell'essere
Prima dell'eternità dell'arte,
Né un saggio non sarà nato
non è tempo. "

Lui con la più grande forza ha espresso profondamente umano e pieno eroico pathos ideali del Rinascimento. La statua di Davide creata da lui approva la bellezza fisica e spirituale di una persona, le sue opportunità di crisante illimitate. Questo prodotto del grande scultore riflette l'immagine dell'eroe biblico, il pastore di David, che è giuntato con il mitico Golia Golia. Secondo la leggenda, David uccide nell'arte marziale del Golia e diventa successivamente il re. La grandezza e la bellezza di questa scultura non conosce uguali.
La cattedrale di San Pietro è il principale tempio cattolico di Roma e dell'Europa. La sua costruzione ha completato Michelangelo. Il tempio fu costruito per oltre cento anni.

Rinascimento - Termine che denota l'era rinascita

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Rinascimento (Rinascimento)

Revival, o Rinascimento (p. Rinascimento, Ital. Rinascimento) - L'era della storia della cultura dell'Europa, che ha sostituito la cultura del Medioevo e la precedente cultura del nuovo tempo. Quadro cronologico esemplare dell'epoca - il XIV-XVI secolo.

Una caratteristica distintiva del Rinascimento - la natura laica della cultura e il suo antropocentrismo (cioè, interesse, prima di tutto, alla persona e alla sua attività). C'è un interesse per la cultura antica, c'è un "rinascita", come lo era, il termine è apparso.

Il termine rinascita è già stato trovato dagli umanisti italiani, ad esempio, Georgio Vazari. Nell'attuale significato, il termine è stato introdotto in uso lo storico francese XIX secolo con Jules Mishal. Attualmente, il termine revival è diventato una metafora culturale di marciapiede: ad esempio, caroling rinascita del IX secolo.

Caratteristiche generali del Rinascimento

Il nuovo paradigma culturale è sorto a causa dei cambiamenti fondamentali nelle relazioni pubbliche in Europa.

La crescita delle città della città ha portato ad un aumento dell'influenza delle proprietà che non partecipano a relazioni feudali: maestri e artigiani, mercanti, banchieri. Tutti erano alieni al sistema del valore gerarchico creato dalla cultura medievale, in gran parte della chiesa e dal suo spirito ascetico e umile. Ciò ha portato all'emergere dell'umanismo - il movimento socio-filosofico, che considerava l'uomo, la sua personalità, la sua libertà, la sua attività attiva e creativa come il valore più alto e il criterio per valutare le istituzioni pubbliche.

Le città hanno cominciato a verificarsi centri secolari di scienza e arte, le cui attività erano al di fuori del controllo della Chiesa. La nuova visione del mondo ha fatto appello all'antichità, vedendo un esempio di relazioni umanistiche e ineguali. L'invenzione nel mezzo del XV secolo della tipografia ha svolto un ruolo enorme nella diffusione dell'antica patrimonio e dei nuovi punti di vista in tutta Europa.

La rinascita è emersa in Italia, dove i suoi primi segni erano evidenti nei secoli XIII e XIV (nelle attività della famiglia Pisano, Jotto, Orkanya, ecc.), Ma dove era fermamente stabilito solo dai 20 anni del XV secolo. In Francia, Germania e altri paesi, questo movimento è iniziato in modo significativo più tardi. Alla fine del XV secolo, ha raggiunto il suo più alto successo. Nel XVI secolo, la crisi delle idee della rinascita è la produzione, il cui risultato è l'emergere del porcheria e del barocco.

L'arte del Rinascimento.

Nel teocentrismo e nell'ascetismo dell'immagine medievale del mondo, l'arte nel Medioevo ha servito principalmente la religione, trasmettendo la pace e l'uomo nel loro atteggiamento nei confronti di Dio, in forme condizionali, è stata concentrata nello spazio del tempio. Né il mondo visibile né una persona non potevano essere oggetti d'arte di cemento di auto-concreti. Al 13 ° secolo Nella cultura medievale, si osservano nuove tendenze (la dottrina allegra di San Francesco, la creatività di Dante, le preparazioni dell'umanesimo). Sulla seconda metà del 13 ° secolo. C'è un'ingresso di un'epoca di transizione nello sviluppo dell'arte italiana - Pratinessan (durata prima del XV secolo), che preparava il Rinascimento. Creatività di alcuni artisti di questo periodo (J. Fabriano, Chimabue, S.Martini, ecc.), Abbastanza medievale su iconografia, penetra a inizio più allegro e secolare, le figure acquistano il volume relativo. Nella scultura, la negligenza gotica delle figure è superata, diminuisce l'emotività gotica (n.pizano). Per la prima volta, una chiaramente divaria con le tradizioni medievali si è manifestata alla fine del 13 - il primo terzo del XIV secolo. Negli affreschi di Jotto di Bondon, che mettono a dipingere una sensazione di uno spazio tridimensionale, ha scritto le figure più voluminose, prestando maggiore attenzione alla situazione e, soprattutto, ha mostrato uno speciale, alieno ad esaltato gotico, realismo nell'immagine di esperienze umane.

Sul suolo, i maestri del Rasteresansa, una rinascita italiana emerse nella sua evoluzione dopo diverse fasi (presto, in alto, più tardi). Collegato nuovo, infatti, una visione del mondo secolare, espresso negli umanisti, perde la connessione inseparabile con la religione, la pittura e la statua si applicano oltre il tempio. Con l'aiuto della pittura, l'artista ha padroneggiato il mondo e l'uomo, poiché videro l'occhio, applicando un nuovo metodo artistico (il trasferimento dello spazio tridimensionale con la prospettiva (lineare, aria, colore), la creazione dell'illusione di Volume in plastica, conformità con la proporzionalità delle figure). Interessi della personalità, le sue caratteristiche individuali sono state combinate con l'idealizzazione di una persona, la ricerca della "bellezza perfetta". Le trame della Santa Storia non hanno lasciato l'arte, ma da ora sulla loro immagine era inestricabilmente legata al compito di padroneggiare il mondo e l'incarnazione della terra ideale (da qui vakh e Giovanni il Battista Leonardo, Venere e la madre di Botticelli). L'architettura rinascimentale perde l'aspirazione gotica verso il cielo, acquisisce il "classico" equilibrio e proporzionalità, proporzionalità al corpo umano. L'ordine antico è rinato, ma gli elementi dell'Ordine non erano parti della struttura, ma un arredamento, decorato con tradizionale (tempio, il palazzo delle autorità) e nuovi tipi di edifici (Palazzo della città, villa di campagna).

Il pittore fiorentino Mazacho è considerato il primo revival del primo Rinascimento, che ha afferrato la tradizione di Jotto, che ha raggiunto una tangibilità quasi scultorea delle figure, che ha usato i principi di una prospettiva lineare, che ha lasciato la convenzionalità dell'immagine della situazione. Ulteriore sviluppo della pittura nel XV secolo. Nelle scuole di Firenze, Umbria, Padova, Venezia (F. Lippi, D.vetsiano, P. Francesco, A. Pallolo, A.mentheny, Krvelily, S. Botticelli e molti altri). A 15 in. La scultura rinascimentale è nata e sviluppata e in via di sviluppo, Donatello, Ya. Della Kverchar, L. della Robbia, Verrock, e altri, Donatello per prima cosa ha creato una statua rotonda indipendente in piedi, non architettura, raffigurata prima un corpo nudo con un'espressione di sensualità) e architettura (F. Bruneland, L.b. Alberti, ecc.). Maestri 15 V. (Prima di tutto, L.b. Alberti, P. della Francesco) ha creato la teoria delle arti visive e dell'architettura.

Circa il 1500 nelle opere di Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Georgeon, pittura e scultura italiana tiziana, raggiunsero il loro punto più alto, unendo un'alta rinascita. Le immagini create da loro completamente incarnate dignità, forza, saggezza, bellezza. Nella pittura, è stata raggiunta la plasticità e la spazialità senza precedenti. L'architettura ha raggiunto i suoi vertici nel lavoro di D.BRAMANTE, Raffaello, Michelangelo. Già nel 1520 dell'arte dell'Italia centrale, nell'arte di Venezia negli anni '30, si verificano cambiamenti, il che significava l'insorgenza del tardo revival. Il classico ideale dell'alta rinascita associata all'ombraismo del XV secolo, ha perso rapidamente il suo significato, senza rispondere a un nuovo ambiente storico (perdita d'Italia della sua indipendenza) e il clima spirituale (l'umanesimo italiano è diventato più sobrio, anche tragico). Creatività Michelangelo, Titian acquisisce drammatiche tensioni, tragedia, a volte guadagnando disperata, complessità di un'espressione formale. Per la successiva rinascita, P. Meronese, A.Palladio, I.tinetto e altri può essere attribuito alla reazione all'elevata crisi rinata è stata l'emergere di un nuovo flusso artistico - manierismo, con la sua soggettività aggravata, maniere (spesso raggiungendo la personalità e accogliente), spiritualità religiosa gustosa e aligorismo freddo (Pontatoric, Bronzino, Chelinka, Parmajanino, ecc.).

Il rinascita settentrionale è stato preparato dall'apparizione nel 1420 - 1430 sulla base del tardo gotico (non senza influenza mediata della tradizione jott) di un nuovo stile nella pittura, il cosiddetto "Ars Nova" - "Nuova arte" ( Termine E. Panofsky). La sua base spirituale, secondo i ricercatori, divenne principalmente la cosiddetta "nuova pietà" dei mistici settentrionali del 15 ° secolo, che aveva il proposto individualismo specifico e l'accettazione panteistica del mondo. Le origini del nuovo stile hanno ritagliato i pittori olandesi Yang Wang Ayk, migliorando le stesse pitture petrolifere, e il Maestro di Flemal, seguito dalla città di Van der Gus, R. van Der Wayden, D. Boottens, G. che Sint Yans , I. Bosch et al. (Ser. - Deven. Paul. 15 ° secolo). Il nuovo pittura dei Paesi Bassi ha ricevuto un'ampia risposta in Europa: già nel 1430-1450 - compaiono i primi campioni di nuova pittura in Germania (L. Merzer, Mr.Mulcher, in particolare K.VItz), in Francia (Maestro dell'Annunciazione da ExcA e , ovviamente,. Fouge). Per un nuovo stile, è stato caratterizzato un realismo speciale: il trasferimento dello spazio tridimensionale attraverso la prospettiva (anche se, di regola, approssimativamente), il desiderio di volume. "Nuova arte", profondamente religiosa, era interessata alle esperienze individuali, al carattere di una persona, riscattandola principalmente umiltà, pietà. La sua estetica è aliena per il paziente italiano commesso nell'uomo, la passione per le forme classiche (i volti dei personaggi non sono perfettamente proporzionali, gotici angolari). Con l'amore speciale, l'immagine dettagliata della natura, la vita, le cose scritte accuratamente, di come regola, un significato religioso e simbolico.

In realtà l'arte del Rinascimento settentrionale nasce al turno di 15-16 secoli. Come risultato dell'interazione delle tradizioni nazionali artistiche e spirituali dei paesi calpesi con arte rinascimentale e l'umanesimo dell'Italia, con lo sviluppo dell'umanesimo settentrionale. Il primo artista del tipo rinascimentale può essere considerato un eccezionale maestro tedesco di A. Dyurra, involontariamente, tuttavia, che ha mantenuto la spiritualità gotica. Un divario completo con un gotico è stato condotto da G. Golbaine Junior con la sua "obiettività" di modo pittoresco. Dipingere M. Grünevald, al contrario, è stato intriso di esaltazione religiosa. Il Rinascimento tedesco era il caso di una generazione di artisti e impoverito nel 1540. Nei Paesi Bassi nel primo terzo del XVI secolo. Le tendenze si sono concentrate sull'alta rinascita e del manarieismo d'Italia (I.Gossart, I.Skorel, B. Van Orley, ecc.) Iniziarono ad essere estesa. Il più interessante nel verniciatura dei Paesi Bassi è 16 in. - Questo è lo sviluppo dei generi della pittura della macchina, domestica e paesaggistica (K. Masseis, Patinir, Luke Leiden). L'artista più particolare-peculiare 1550-1560s è stato P. Breigel Senior, che possiede i dipinti del genere domestico e del paesaggio, così come parabole-parabole, solitamente associati al folclore e da un aspetto amaramente ironico alla vita dell'artista stesso. Rinascimento nei Paesi Bassi si esaurisce nel 1560. Il Rinascimento francese, che indossava un personaggio completo del tribunale (nei Paesi Bassi e in Germania, l'arte è stata più legata al Burgemi) era forse il più classico nel revival settentrionale. Nuova arte rinascimentale, guadagnando gradualmente forza sotto l'influenza dell'Italia, raggiunge la maturità nel mezzo - la seconda metà del secolo nel lavoro di architetti P.Lazko, il creatore del Louvre, F.formma, scultori e J.pilon , Pittori F. Klueue, J. Kuzen Senior. Grande influenza sui precedenti pittori e scultori è stato fornito dalla "scuola Fontainebleau", fondata in Francia dagli artisti italiani di Rosso e Priamaticho, che lavoravano nello stile del manierismo, ma i maestri francesi non sono diventati manaristi, che percepivano il classico Ideale sotto il mento del manierista. Rinascimento in arte francese termina nel 1580. Nella seconda metà del XVI secolo. L'arte del Rinascimento dell'Italia e di altri paesi europei è gradualmente inferiore al mañerismo e all'inizio del barocco.

Revival o Rinascimento (Ital. Rinascimento, fr. Rinascimento) - Restauro, istruzione antica, rinascita della letteratura classica, arte, filosofia, ideali del mondo antico, distorto o dimenticato nel "Dark" e "arretrato" per l'Europa occidentale. Era la forma che ha ricevuto da metà del XIV all'inizio dei secoli XVI., Movimento culturale noto come umanesimo (vedi su di lui un breve e articoli). È necessario distinguere l'umanesimo del Rinascimento, che è solo la caratteristica più caratteristica dell'umanismismo, che stava cercando supporto per la sua visione mondiale nell'antichità classica. La Motherland Renaiss è l'Italia, dove un antico classico (greco-romano) tradizionale (greco-romano) non ha mai sbiadito, che ha indossato il personaggio nazionale per Ital. In Italia, non si è mai sentito particolarmente molto soffiando il Medioevo. Gli italiani si chiamarono "latini" e si consideravano i discendenti degli antichi romani. Nonostante il fatto che l'impulso iniziale di rivivere parzialmente provenisse da Bisanzio, la partecipazione dei greci bizantine in esso era insignificante.

Rinascimento. Pellicola video

In Francia e in Germania, lo stile antico è stato mescolato con elementi nazionali, che nel primo periodo di rinascita, prima del Rinascimento, eseguita forte che nell'era successiva. La tarda rinascita ha sviluppato campioni antichi in forme più lussuose e forti, di cui prodotti gradualmente barocchi. Mentre in Italia, lo spirito del Rinascimento quasi uniformemente penetrato in tutte le arti, in altri paesi, solo l'architettura e la scultura hanno avuto un'influenza di campioni antichi. La lavorazione nazionale è stata anche rinattata anche nei Paesi Bassi, in Inghilterra e in Spagna. Dopo il rinascimento è stato degenerato rococòLa reazione è arrivata, espressa nella più severa conseguenza dell'arte antica, dei campioni greci e romani in tutta la loro purezza primitiva. Ma questa imitazione (specialmente in Germania) ha finalmente portato a un'eccessiva secchezza, che nei primi anni '60 del XIX secolo. Ho provato a superare il ritorno al Rinascimento. Tuttavia, questo nuovo dominio di revival in architettura e arte continuò solo fino al 1880. Dalla stessa ora, barocco e rococò cominciarono a prosperare accanto a lui.

introduzione

Revival: un palcoscenico qualitativamente nuovo nella storia della cultura dell'Europa occidentale. La sua essenza è la transizione dall'era della visione medievale del mondo alla cultura del nuovo tempo. Questa transizione è stata eseguita in tutte le aree della visione del mondo e della visione del mondo di una persona - nella scienza, nella religione, nell'arte.

Rinascimento, epoca nella storia della cultura europea dei secoli XIII-XIV, segnata dall'inizio del nuovo tempo. Il rinascita è stato determinato, prima di tutto, nel campo della creatività artistica. Come dell'epoca della storia europea, è notato da molti punti di riferimento significativi - compreso il rafforzamento delle libagioni economiche e sociali delle città, ricerca spirituale, con conseguente riforma e la guerra contadina in Germania, la formazione della monarchia assolutista (la maggior parte Ambizioso in Francia), l'inizio dell'epoca delle grandi scoperte geografiche nell'invenzione della tipografia europea, l'apertura del sistema eliocentrico in cosmologia, ecc. Tuttavia, il suo primo segno, come sembrava contemporaneo, era la "fioritura delle arti" dopo i lunghi secoli del "declino" medievale, il fiorente, "rivivente" antico saggezza artistica, è in questo senso che prima usa il Parola Rinascita (da cui si verifica il Rinascimento francese e tutti i suoi analoghi europei) J. Vazari. Periodizzazione delle fasi di sviluppo rinascimentale in Italia e nei paesi a nord delle Alpi, di regola, non coincidono. Il concetto generalmente accettato, ma condizionale del "revival settentrionale" è applicato per analogia con la rinascita italiana alla cultura e all'arte della Germania, Paesi Bassi, Francia. Una delle caratteristiche principali della cultura artistica di questi paesi è la sua connessione genetica con l'arte del tardo gotico. Le origini del "Northern Renaiss" dovrebbero essere cercate al turno dei secoli XIV e XV. in Borgogna.

Nel XV secolo Il posto dominante tra le scuole d'arte dell'Europa settentrionale occupava il pittura olandese. Il dipinto del Rinascimento settentrionale è interessante nella descrizione dettagliata delle superfici degli oggetti, la plasticità raggiunta a causa di effetti di luce con precisione e ben applicati e naturalezza non visitati dai tempi antichi. Più luminoso di questa "rivoluzione culturale" è stata espressa nel cambiare gli obiettivi e i metodi di attività creativa. Nuovi metodi per l'acquisizione di conoscenze e istruzione scientifiche, un nuovo sistema visivo nella pittura, nuovi generi in letteratura, nuove forme di comportamento sociale. Il dialogo della filosofia antica e dell'estetica, della visione del mondo cristiana e della consapevolezza realistica della società borghese è stata organizzata. In questo dialogo, è nata l'armonia del reale e perfetto, materiale e naturale e spirituale e divino, è nato un nuovo tipo di coscienza estetica.

È ben noto anche al disintinuale che il fenomeno del Rinascimento era precedentemente sorto, ha preso forma e ha raggiunto la brillantezza senza precedenti (più luminosa si è manifestata) in Italia. Sebbene sia ricordato che, secondo il riconoscimento generale della maggior parte dei ricercatori moderni, il termine "cultura rinascimentale" non è identico, non è equivalente al concetto di "cultura del Rinascimento", dal momento che il primo di questi concetti si riferisce a nuovi fenomeni rinascimentali. E il secondo è molto più ampio, e include (insieme alla cultura del Rinascimento) e ad altri fenomeni culturali del loro tempo (compresi quelli che hanno continuato a esistere processi culturali medievali, inutili nella loro natura. Non dovremmo dimenticare che il quadro cronologico di Il rinascimento di diseguali per diverse regioni dell'Europa occidentale e persino sfere culturali).

L'Italia è il luogo di nascita del revival classico. Il quadro cronologico del Rinascimento italiano - 30-40s. Xiv c. (o dal centro del X12) - la fine del XVI secolo. (O i primi decenni del XVII secolo). Rinascimento Nel resto dell'Europa occidentale - come il francese, il tedesco, i Paesi Bassi o il cosiddetto rinascimento settentrionale (in scienze straniere sotto l'Europa settentrionale, implica tradizionalmente paesi e territori a nord delle Alpi, cioè a nord Italia, - Paesi Bassi, Francia, Germania, ecc.). Da qui il concetto di "Revival del Nord", applicato alla cultura e all'arte di questi paesi e non è così geografico come definizione storica e artistica.

Lo scopo di questo corso del corso è quello di analizzare le peculiarità del Rinascimento, più pienamente espresso in ITALY XII-XVI secoli. Nel corso dello studio, è necessario identificare caratteristiche innovative nel campo dell'architettura, delle sculture e della pittura dei rappresentanti più vivi.

esplora la letteratura sull'argomento della ricerca;

descrivi le caratteristiche dell'età rinascimentale;

analizza la creatività di Filippo Brunneles, Donatello, Mazacco, Yang Wang Eyka, Jerome Bosch, Peter Breygel, Albrecht Dürer.

La struttura del foglio di lavoro del lavoro è composta da introduzione, 2 capitoli, conclusioni e applicazioni. Nell'introduzione, gli aspetti principali dell'intero studio sono brevemente descritti e sono anche impostati gli obiettivi. Il capitolo I descrive l'importanza generale del Rinascimento, dei problemi dell'arte di questa era, anche innovazione entrò nell'arte degli artisti. Il capitolo II esamina la cultura del Rinascimento settentrionale, "tradizionalismo" e "romanzia" nel dipinto dei Paesi Bassi, nonché la manifestazione del Rinascimento in Germania e Francia.

1. Rinascimento - una nuova immagine del mondo in cultura

.1 Rinascimento europeo comune

Nella cultura europea di quel tempo, l'ascetismo e il dogmatismo del Medioevo sono sostituiti dalle nuove sensazioni del significato della vita, delle ampie possibilità della mente umana e dell'esperienza. Le forme del mondo antico si manifestano per la prima volta nell'architettura delle città italiane, negli interni degli edifici. Il Wizard del Rinascimento italiano crea bellissimi templi, teatri, palazzi a Firenze, Venezia, Siena, Mantova e altre città italiane. Sotto l'influenza delle condizioni locali, si concludono chiaramente distinguibili italiani, francesi, olandesi, tedeschi, inglesi e spagnoli di un nuovo stile.

Il linguaggio formale dell'arte antica è stato messo al servizio degli ideali della nuova era. È stato ottenuto un nuovo stile architettonico pieghevole, come antico romano, molto eclettico, e i suoi elementi formali sono stati chiaramente presi in prestito dall'arsenale delle forme di ordini greco-romani. I membri orizzontali calmi delle forme di edifici della nuova architettura sono contrastati ora di zoppia alle linee gotiche. I tetti diventano piatti; Invece di torri e guglie, cupola, tamburi, vele, dual ordini, ecc. Spesso appaiono.

Il problema del Rinascimento è che l'installazione sull'individualità, implementata così potente e superba nel campo dell'arte, è stata successivamente distruttiva alla vita sociale e politica della società. L'autoaffermazione spontanea dell'individualità era spesso molto lontana dal nobile umanesimo rinascita. Qui, l'individualità diventa ovviamente pronunciata individualismo, la dichiarazione zoologica delle sue esigenze e dei suoi desideri, il graduale degrado della moralità umanistica in varie forme di etica situazionale. Inoltre, i problemi del debito civile, le alte qualità morali, l'impresa, l'immagine dell'armoniosamente sviluppata, forte spirito e del corpo di un eroe che riuscì a salire sopra il livello della vita quotidiana erano avanzate. L'arte dell'alta Rinascimento è il pieno da dettagli minori nel nome dell'immagine generale, il desiderio dell'armonia dei bellissimi feste alla vita. La pittura ritratto si sviluppa e diventa uno degli importanti risultati del Rinascimento.

Una persona ha uno specchio di riflessione solo se viene effettuato il limite esterno, il limite dovuto a cui inizia la forza di aderenza. L'individuo rianimato è, prima di tutto, una creatura naturale e spontaneamente auto-espressione.

Non è difficile svolgere un parallelo simile con la nostra società moderna. Il sublime ideale di una persona che non ha solo un senso di patriottismo, ma anche un debito, la coscienza, la moralità, così a lungo cresciuta dall'ideologia sovietica, cedette a una persona che si sforzava per i benefici materiali, assetato di luce e veloce redditizio, piaceri carnali. Liberazione e peculiarità, sazietà e individualismo (quando tutti per se stesso) - Ecco un elenco molto incompleto delle caratteristiche inerenti nell'uomo moderno e nell'uomo del Rinascimento.

1.2 Caratteristiche innovative in Architettura, Pittura e Scultura d'Italia

La rinascita originata in Italia e diverse fasi è passata, pur avendo un enorme impatto sull'arte e sulla cultura degli altri paesi dell'Europa occidentale. Nella storia dell'arte, possiamo parlare dello sviluppo dell'arte visiva e della scultura come parte della direzione del primo Rinascimento nel XIV secolo. Nella storia dell'architettura, la situazione è diversa. A causa della crisi economica del XIV secolo, il periodo rinascimentale in architettura è iniziato solo con l'inizio del XV secolo e è durato fino all'inizio del XVII secolo in Italia e più a lungo oltre.

Secondo l'abbondanza di maestri di talento, l'arte saggia della creatività artistica ITALIA era davanti a tutti gli altri paesi europei nel XV secolo. Le idee del Rinascimento non erano solo un cambiamento di direzioni di stile e gusti artistici, ma hanno portato anche profondi cambiamenti in tutte le aree della vita di quella società.

Filippo Bruneland. (1337-1446) - uno dei più grandi architetti italiani XV secolo. Apre un nuovo capitolo nella storia dell'architettura -

la formazione dello stile del revival. Il ruolo innovativo del Maestro è stato segnato dai suoi contemporanei. Quando, nel 1434, Leon Battist Alberti è venuto a Firenze, è rimasto stupito dalla comparsa di artisti che non erano inferiori a "a chiunque degli antichi e glorificati artigiani artigiani". Il primo tra questi artisti chiamò Bruneland. Secondo il primo biografo del Maestro Antonio Manetti, Bruneland "aggiornato e introdotto in ricorso che lo stile di architettura, che è chiamato romano o classico," considerando che è stato costruito solo nel "tedesco" o "moderno" (che è gotico ) modi. Cent'anni dopo, Vazari sosterrebbe che il grande architetto fiorentino apparve nel mondo ", per dare una nuova forma di architettura".

Dato con il gotico, le Brunelands non hanno fatto affidamento non tanto sull'antico classico, quanto per l'architettura della Pratinessan e della tradizione nazionale dell'architettura italiana, che conservavano gli elementi dei classici in tutto il Medioevo. La creatività Bruneland si trova alla svolta di due epoche: allo stesso tempo completa la tradizione del Pratinessan e mette l'inizio di un nuovo modo di sviluppo dell'architettura.

All'inizio del XV secolo, i governanti fiorentini, le organizzazioni del laboratorio e le gilde mercantili hanno prestato grande attenzione al completamento della costruzione e della decorazione della cattedrale fiorentina di Santa Maria del Fiore. Fondamentalmente, l'edificio era già stato eretto, ma l'enorme cupola concepita nel XIV secolo non è stata implementata. Dal 1404, le Bruneland partecipano alla preparazione dei progetti della cupola. Alla fine, ha ricevuto un ordine per le prestazioni del lavoro e diventa il suo leader. La principale difficoltà che si è attestata prima del Maestro è stata causata dalla dimensione gigante della portata della metropodesta (oltre 48 metri), che ha chiesto sforzi speciali per facilitare il ritiro. Applicando un design spiritoso, Bruntelleski ha permesso il problema creando, esprimendo Leon, Alberta Battist ", la scena invenzione, che, veramente, come incredibilmente nel nostro tempo, tuttavia può essere, non è stato invisibile e non disponibile per l'antico." La cupola è stata avviata nel 1420 e completata nel 1436 senza torcia elettrica, completata secondo i disegni di Brunano dopo la morte del mago. Questo lavoro di Architecto fiorentino ha posto l'inizio della costruzione delle chiese del Rinascimento italiano, fino alla Cattedrale di San Pietro, che fu incoronata con Michelangelo Dome.

Una delle principali opere di Bruneland è la Chiesa di San Lorenzo ricostruita a Firenze. La cominciò dal lato del lato

capella, che è stata successivamente nominata il nome del vecchio fienile in esso, ha creato il tipo di costruzione centrale rinata, piazza in termini di e bloccati da una cupola, riposando sulla vela. L'edificio della chiesa è una basilica di tre giorni.

Le idee delle strutture a cupola stabilite nel vecchio panico San Lorenzo hanno ricevuto ulteriore sviluppo in una delle creazioni più famose e perfette di Bruneland - Cappella di Pazzi (1430-1443). Ha la chiarezza della composizione spaziale, la pulizia delle linee, la grazia di proporzioni e decorazioni. Il carattere centrico dell'edificio, tutti i quali sono raggruppati attorno allo spazio di corruzione, la semplicità e la chiarezza delle forme architettoniche, l'equilibrio armonico delle parti rendono il Capel Pazzi concentrando i nuovi principi dell'architettura rinascimentale. Lavori Bruneland - Oratorio della Chiesa di Santa Maria Deli Angeli, Chiesa di San Spirito e alcuni altri - rimasero incompiuto.

Le nuove tendenze nelle arti visive utilizzate per comparire nella scultura. All'inizio del XV secolo, grandi ordini per la decorazione dei più grandi edifici della città - la cattedrale, il Battistero, la Chiesa del San Mekele, proveniente dal più ricco e influente nella città dei negozi e delle gilde mercantili, Attrarre molti giovani artisti, dal cui ambiente sarà presto presentato un numero di maestri eccezionali.

Donatello (1386-1466) - Il grande scultore fiorentino, che si trovava alla testa dei Maestri, ha messo l'inizio del Rinascimento. Nel

ha fatto un pezzo di tempo come un autentico innovatore.

Sulla base di uno studio approfonso della natura e con abilmente usando un antico patrimonio, Donatello è stato il primo dei Maestri del Rinascimento, è stato in grado di risolvere il problema della formulazione sostenibile della figura, trasmettere l'integrità organica del corpo, la sua gravità, la massa . La sua creatività colpisce la varietà di nuovi inizi. Ha rianimato l'immagine della nudità nella statua di plastica, ha posato l'inizio di un ritratto di scultura, lancia il primo monumento in bronzo, ha creato un nuovo tipo di lapide, cercato di risolvere il problema di un gruppo indipendente. Uno dei primi, ha iniziato a utilizzare la teoria delle prospettive lineari nelle sue opere. I problemi programmati nel lavoro di Dontello per un lungo periodo determinato lo sviluppo della scultura europea.

Già nel 1406, Donatello ha realizzato per la cattedrale del marmo "David" (1408-1409. Firenze, museo nazionale).

Rifiutando l'immagine tradizionale del re di David sotto forma di anziano con un lyrué o un sudore dell'islam nelle sue mani, Donatello ha presentato David Junior al momento della celebrazione sopra il Golia sconfitto. La consapevolezza orgogliosa della sua vittoria, Davide sta per occupare, calpestava la testa tritata testa nemica. Creando questa immagine dell'eroe biblico, Donatello cercò di fare affidamento sulle antiche tradizioni, l'effetto dei prototipi antichi in faccia e l'interpretazione dei capelli era particolarmente interessata: il volto di David nel telaio dei capelli lunghi, coperti dai cappucci del pastore , non è quasi visibile a causa della facile pendenza della testa. C'è in questa statua - formulazione della figura, flessione della torsa, il movimento delle mani - e il saggio del gotico. Tuttavia, un grassetto impulso, movimento, spiritualità ti consente già di sentire il temperamento di Donatello.

Nelle sue opere, Donatello non ha cercato non solo alla correttezza oggettiva delle proporzioni e alla costruzione della figura, ma ha sempre tenuto conto dell'impressione che produrrà una statua impostata sul luogo destinato.

La statua George è uno dei vertici di Donatello. Qui crea un'immagine profondamente individuale e allo stesso tempo incarna che l'ideale di una persona forte, un uomo possente e bello che era altamente consonante con un'era e in seguito ha trovato una riflessione in molte opere dei Maestri del Rinascimento italiano. Questa è una caratteristica tipica dell'arte della prima rinascita, a causa del desiderio dell'artista liberarsi dal canone medievale, livellato la persona umana.

A metà di un secolo, la scultura di Firenze perde il personaggio monumentale e le caratteristiche dell'espressione drammatica. Uso molto diffuso di motivi secolari e domestici, il ritratto scultoreo si verifica e si diffonde rapidamente.

La pittura di Firenze il primo terzo del XV secolo è ricco di contrasti. Come nella scultura, ci vuole una frattura decisiva dalla marcata influenza della tarda arte della tarda arte dell'arte rinascimentale. Il capo della nuova direzione era Mazacho, la cui attività cade sul terzo decennio del XV secolo. Le sue innovazioni radicali e audaci hanno fatto un'enorme impressione sugli artisti, ma erano solo parzialmente percepiti.

Mazacho (1401-1428) - Un uomo ossessionato dall'arte, indifferente a tutto ciò che giaceva fuori da lui, negligente e sparso, e per questo scatleton, e chiamato Mazacho, che tradotto dall'italiano significa Mazila.

Un enorme impatto sul giovane artista era l'arte di Jotto, così come il contatto creativo con lo scultore Donatello e l'architetto di Bruneland. Mazacho, insieme a Brunelles e Donatello, ha guidato la direzione realistica nell'arte del Rinascimento fiorentino.

Il primo del lavoro conservato è considerato "Madonna con un bambino, Sant'Anna e Angeli" (circa 1420).

Nel 1426, Mazacho ha scritto un grande altare polittiglia per la Chiesa di Del Carlin a Pisa. Scritto all'incirca allo stesso tempo (1426-1427) nella vecchia chiesa gotica di Santa Maria Novella a Firenze l'affresco "Trinità" riflette il nuovo stadio nel lavoro del Mazacho. Nella composizione degli affreschi, il sistema di una prospettiva lineare è stata utilizzata per la prima volta, i lavoratori di Brunalelles hanno lavorato in quel momento. I primi piani per lei occupano una croce con un Cristo crocifisso e il prossimo Maria e Giovanni, nel secondo piano in cima a Cristo, la figura del Dio di Dio è visibile.

La novità del Mazailcho Affresco è dovuta non solo per l'abile applicazione della prospettiva lineare e le maestose forme rinascimentali dell'architettura scritta da loro. I nuovi erano concisibilità della composizione e quasi la realtà scultorea delle forme ed espressività delle persone.

Una delle più famose opere di Mazacho in Cappella di Brakachchi è "esilosa dal paradiso". Contro lo sfondo del paesaggio pianificato dello skapor, figure delle porte del paradamo Adamo ed Eva, su cui l'angelo con una spada è avvolta. Per la prima volta nella storia della pittura, il Rinascimento Mazacho riuscì a eseguire in modo convincente un corpo nudo, dargli proporzioni naturali, saldamente e costantemente messe a terra. Secondo l'espressione, questo affresco non ha analogie nell'arte del suo tempo.

Gli affreschi di Mazacho a Kapella Bracchhi sono richiami con il realismo sobrio. Parlando di miracoli, il Mazacho priva loro le scene di tutta la scena del misticismo. Il suo Cristo, Pietro e Apostoli sono persone terrene, i loro volti sono individualizzati e segnati con il sigillo dei sentimenti umani, le loro azioni sono dettate da umani umani naturali.

Mazacho non pizzica le figure in fila, come fecero i suoi predecessori, e li cresce secondo l'intenzione della loro narrazione e accoglie liberamente nel paesaggio. Con l'aiuto di luce e colore, scolpisce con sicurezza la forma degli oggetti. Inoltre, la luce, come nel "esilio dal paradiso", cade, rispettivamente, la direzione dell'illuminazione naturale, la cui fonte di cui sono finestre cappella situate in alto a destra.

Ciò che è stato creato da lui è diventato un turno nella storia della pittura italiana. Per più di un secolo, dopo la sua morte, Kapella Brakachchi era il luogo di pellegrinaggio e scuola dei pittori.

2. Originalità nazionale della cultura del Rinascimento settentrionale

.1 "tradizionalismo" e "romanismo" nella pittura olandese

Un piccolo paese, che comprende il territorio dell'attuale Belgio e Olanda, era destinato a diventare nel XV secolo l'Italia più luminosa nel focolare dell'arte europea. Paesi Bassi, sebbene non fossero politicamente indipendenti, sono stati a lungo ricca e rafforzati, leader nel commercio ampio, e quindi sviluppando manifattura di tessuti, tappeti, vetro. Il principale centro commerciale internazionale era antico Bruges, la città poetica dei canali; Entro la fine del XV secolo, Rangy, sollevando il campionato di vivace Antwerp.

Architettura gotica dei Paesi Bassi: questi non sono solo templi, ma anche più municipio, mura cittadine e torri, coupé

E le gilde artigianali, le righe di negoziazione, le file di negoziazione, i magazzini e, infine, gli edifici residenziali del caratteristico tipo di lunga data: con facciate strette e alti triangolari o anteriori a gradini.

Dal momento che le Chiese furono erette più del mattone che dalla pietra, la scultura della Chiesa non ha ricevuto un grande sviluppo. Claus Sleuer e i suoi studenti sono rimasti eccezioni brillanti nella cultura dei Paesi Bassi. La sua principale forza artistica nel Medioevo si è manifestata in un'altra - in miniatura pittura. Nel XV secolo, in miniatura ha raggiunto un alto grado di perfezione, come si può vedere secondo la famosa "Herzog Berry" Part-class "illustrata dai Fratelli Limburgo.

Love, Diligent, Guardare poetico alla vista del mondo è stato ereditato da miniature di un grande dipinto del XV secolo, iniziato da Jan Eyk. Piccole immagini che adorano i manoscritti sono cresciuti in grandi dipinti che decorano i flap degli altari. Allo stesso tempo, nuove qualità artistiche sono sorte. Sembrava ciò che la miniatura non poteva essere: lo stesso sguardo, un'opinione focalizzata su una persona, sul viso, nel profondo dei suoi occhi.

Nell'Ermitage c'è una foto di un grande Paesi Bassi Master Rogyr van der Vagen "St. Luka scrive Madonna "(L'evangelista di Luca era considerato un artista e un santo patrono dei negozianti). In esso, molti tipicamente per le composizioni dei Paesi Bassi: il panorama della città e del canale, scritti così finemente, delicatamente e con attenzione, con due pensierosi figure umane sul ponte. Ma il più notevole è il viso e le braccia di Luke, scrivendo Madonna "dalla natura". Ha un'espressione speciale - espressione attentamente e liberamente inconsistente di una persona che è passata in contemplazione. Così guardò i vecchi maestri dei Paesi Bassi.

Torniamo a Jan Van Eyka. Ha iniziato come una miniatura, lavorando con il suo governatore del suo anziano. La tradizione dei Brothers Van Eyk ha attribuito l'invenzione delle tecniche di pittura ad olio; Questo è impreciso - il metodo di utilizzo di oli vegetali come un legante era noto e prima, ma Van Eyki lo ha migliorato e ha dato l'impulso alla sua diffusione. Presto l'olio si rivolse al Teperu

Le vernici ad olio sono oscurate nel corso degli anni. Le vecchie immagini che vediamo nei musei, con il loro aspetto sembravano in modo diverso, molto più leggero e luminoso. Ma la pittura Wang Eykov ha qualità tecniche davvero insolite: le vernici non stanno seppellire e secoli consentono la loro freschezza. Sono quasi brillanti, ricordando il radore delle finestre di vetro macchiato.

Il lavoro più famoso di Wang Eykov è un grande altare di Genta - è stato avviato dalla provincia, e dopo la sua morte continuò e nel 1432 era finita con Jan. La fascia del Grand Altar è dipinta in due livelli e dentro e fuori. Sui lati all'aperto - l'Annunciazione e le figure dei donatori dei donatori (clienti): l'altare sembrava chiuso, nei giorni nostri. In vacanza, il telaio inghiottito, nella forma divulgata dell'altare divenne un ragazzo di più, e davanti ai parrocchiani sorsero, in tutta la radiosità delle vernici Wang Eikovsky, lo spettacolo, che avrebbe dovuto stabilire le loro scene per incarnare l'idea di L'espiazione dei peccati umani e l'alluminismo in arrivo. Al piano superiore nel centro di Deusus - Dio-padre sul trono con Maria e Giovanni il Battista sui lati. Queste figure sono più crescita umana. Poi Nudo Adamo ed Eva in crescita umana e gruppi di angeli musiibilizzanti e cantanti. Nel livello inferiore - una scena affollata di Agente Agnello, risolto in una scala molto più piccola, molto spazialmente, tra l'ampio paesaggio fiorito, e sulla fascia laterale - le scene dei pellegrini. L'appezzamento di Agnello di Ago è prelevato dalla "Rivelazione di John", che dice che dopo la fine del mondo peccaminoso, la gradina di Dio cadrà a terra, in cui non ci sarà notte, e ci sarà la luce eterna , e la vita del fiume "luminosa come cristallo", e l'albero della vita, ogni mese che dà frutta, e la città è "oro puro, come il vetro trasparente". L'agnello è un simbolo mistico di apoteosi, in attesa dei giusti. E, a quanto pare, gli artisti cercarono di investire tutto il loro amore per le delizie della terra, alle persone umane, alle erbe, agli alberi, alle acque, per incarnare i sogni dorati sulla loro eternità e adesione.

Jan Wang Ayke era un ritratto eccezionale. Nella sua spazzola, un accoppiamento ritratto dei coniugi di Arnolphin, un'immagine della gente comune vestita in modo piuttosto bella moda, in una stanza ordinaria con un lampadario, un baldacchino, uno specchio e un cane della stanza sembra essere un meraviglioso sacramento. Sembra essere adorato e una luce della candela e un pennello di mele e uno specchio convesso; È innamorato di ogni tratto del pallido lungo viso di Arnolphin, che mantiene la sua gentile moglie come una mano, come se esegue un cerimoniale nascosto. E persone e oggetti - tutto si bloccò in un imminente solenne, in soggezione; Tutte le cose hanno un significato schiaffo, accennando sulla santità dell'hobby coniugale e di una messa a fuoco familiare.

Quindi è iniziata la pittura domestica degli hamburger. Questo sottile scrupuliness, amore per il comfort, un attaccamento quasi religioso al mondo delle cose. Ma più lontano, più prosa ha agito e ritirando la poesia. Successivamente, la vita degli hamburger non è mai stata disegnata in toni poetici di sacro e dignità.

Anche il primo buregument dei paesi nordici non aveva anche un "borghese-limitato" come i suoi decendanti in ritardo. È vero, la portata e la versatilità degli italiani sono insolite, ma anche in una scala più stretta del mondo, il Bogerger non è alieno per un tipo speciale di modesta grandezza. Dopotutto, questo è lui, Burger, ha creato le città, ha difeso la loro libertà dai feudalisti, e ha ancora dovuto difenderla dai monarchi alieni e dalla Greida Chiesa cattolica. Sulle spalle del Burgertism giacevano grandi affari storici, i personaggi di raro, che si svilupparono tranne che per un maggiore rispetto per i valori materiali anche durata, coesione aziendale, lealtà al dovere e la parola, autostima. Come dice Thomas Mann, Burger era un "mezzo uomo nel senso più alto di questo concetto".

Per gli italiani del Rinascimento, tale definizione non si adatta: non si sentono da persone medie, almeno in senso alto. Arnolphin, raffigurato da Jan van Eyk, era un italiano che viveva nei Paesi Bassi; Se il suo compatriota lo ha scritto, il ritratto sarebbe probabilmente diverso nello spirito. Deep interesse di persona, al suo aspetto e carattere - riunisce artisti di italiano e il rinascimento settentrionale. Ma sono interessati a ciò in modi diversi e vedi tutto diverso. I Paesi Bassi non hanno alcun sentimento di titanismo e dell'onnipotenza della persona umana: vedono il suo valore nell'hamburger Okrug, nelle qualità, tra cui, non l'ultimo posto occupa umiltà e pietà, la coscienza della loro piccolezza di fronte al volto Universo, anche se in questa umiltà la dignità della personalità non scompare, ma anche come è enfatizzata.

Nel mezzo e nella seconda metà del XV secolo, molti bellissimi pittori lavoravano nei Paesi Bassi: già menzionato Rogyr van der Vayden, Dirk Boauts, Gogo van der Gus, Memling, Geertgen che Sint Jans. I loro individui artistici sono abbastanza chiaramente distinguibili, anche se non con il grado di severità dello stile individuale, come i quartisti italiani. Preferibilmente hanno dipinto gli altari e hanno scritto ritratti, scrivendo e macchine dipinti per ordini di ricchi cittadini. Hanno una speciale delegazione di composizioni imbevute di umore mite, contemplativo. Adoro le scene di Natale e adorano il bambino, questi trame sono risolti con loro sottili e semplicemente. Nel "culto dei pastori" Gogo van der Gus, il bambino è magro e miserabile, come qualsiasi neonato che lo circonda, impotente e grossolani, con profondo imputato tranquillo, Madonna Tiha, come un monastero, non alza lo sguardo, ma Sentiva che è pieno di modest di maternità orgogliosa. E all'esterno del vivaio c'è un paesaggio dei Paesi Bassi, ampio, collinoso, con strade tortuose, alberi rari, torri, ponti.

C'è molto commovente, ma non c'è dolcezza: una gotica angolarità delle forme è evidente, parte della loro rigidità. Le persone dei pastori in van der Gus sono caratteristici di entrambi brutti, come al solito nelle opere del gotico. Anche gli angeli - e quelli brutti.

Gli artisti olandesi raffigurano raramente le persone con facce e figure belle, giuste e sono diverse dall'italiano. Una semplice considerazione che gli italiani, i discendenti dritti dei Romani, erano generalmente più belli dei figli pallidi e sciolti del nord, forse, naturalmente, naturalmente, ma la ragione principale non è ancora in questo, ma nella differenza nel concetto artistico generale. L'umanesimo italiano penetrerà a PAPHOS del grande nell'uomo e nella passione per le forme classiche, i Paesi Bassi hanno indicato il "mezzo uomo", hanno piccoli affari a bellezza classica e proporzioni armoniose.

Paesi Bassi da mangiare la dipendenza dai dettagli. Sono per loro i portatori di significato segreto. Giglio in vaso, asciugamano, bollitore, libro - tutti i dettagli vengono eseguiti tranne il significato diretto e nascosto. Le cose sono raffigurate con amore e sembrano spiritualizzate.

Rispetto per se stessi, alla loro vita quotidiana, al mondo delle cose è stato rifrandito attraverso la visione del mondo religioso. Questo era lo spirito delle riforme protestaniche, sotto il segno di cui passa il Rinascimento dei Paesi Bassi.

Meno relativamente con gli italiani antropomorfismo della percezione, la predominanza del principio pantheistico e la continuità diretta del gothic influenzano tutti i componenti dello stile del pittura olandese. In Quatripentisti italiani, qualsiasi composizione, non importa quanto sia saturo dei dettagli, tettonica più o meno rigorosa. I gruppi sono costruiti come un bassorilievo, cioè le figure principali dell'artista di solito tentano di pubblicare una piattaforma anteriore relativamente stretta, in uno spazio chiuso chiaramente definito; È architettonico bilanciato da lui, sono fermi in piedi: troveremo tutte queste funzionalità già a Jotto. Le composizioni olandesi sono meno chiuse e meno tettoniche. La loro profondità e ha dato loro, la sensazione di spazio che hanno di più, aria che in pittura italiana. Nelle figure ci sono più solarizza e svita, la loro tettonica è rotta da un libro divergente a forma di ventaglio, spezzato le pieghe delle vesti. I Paesi Bassi amano il gioco delle linee, ma le linee servono non ai compiti scultorei del volume di costruzione, ma piuttosto ornamentale.

Paesi Bassi non hanno evidenza chiara sulla composizione della composizione, l'allocazione rafforzata delle figure principali. L'attenzione dell'artista è disseminata in una varietà di motivi, tutto sembra allettante per lui, e il mondo è diverso e interessante. Alcune scene nel piano distante rivendica una trama separata.

Infine sviluppa anche un simile tipo di composizione, dove non c'è affatto centro, e lo spazio è pieno di molti gruppi e scene uguali. Allo stesso tempo, gli attori principali a volte risultano essere da qualche parte nell'angolo.

Tali composizioni si trovano alla fine del XV secolo a Jerome Bosch. Bosch (1450-1516) è un notevole tipo di artista. La tensione e l'osservazione puramente olandesi sono combinate con una fantasia insolitamente produttiva e un umorismo molto cupo. Una delle sue storie preferite è "la tentazione di Sant'Antonio", dove l'eremita è precipitato dai diavoli. Bosch abitava i suoi dipinti per legioni di piccolo strisciamento, prigioniero. Diventa completamente terribilmente quando questi mostri stanno notivando parti umane del corpo. Tutto questo kunstkamera di demoni di munizioni è significativamente diverso dalle chimere medievali: erano più grandi e lontane da così peccatori. Apotheosis della demonologia Bosshov - il suo "inferno musicale", simile alla tortura del giardino: le persone nude, mescolate con i mostri con i mostri con i mostri, stanno oscillando in lussuria dolorosa, saranno crocifissi sulle corde di alcuni giganti strumenti musicali , ripieno e rimborsato in dispositivi misteriosi, fusibile nella fossa, inghiottito.

La strana fantasia di Bosha è nata da menti filosofiche della mente. Si fermò sulla soglia del XVI secolo, ed era un'epoca, costringendo a pensieri dolorosamente. Bosch, apparentemente, la meditazione di sovrastampa sulla sopravvivenza e l'onniposta del mondo del mondo, che, come sanguisuga, è ricamato per tutta la vita, sul ciclo eterno della vita e della morte, sul cesso incomprensibile della natura, che ovunque seminasse il Larve e germi della vita - e sulla terra e metropolitana, e nel marcio c'è una palude. Bosch guardò la natura, forse più nitida e più, ma nessuna armonia, né perfezione in esso. Perché una persona, la corona della natura, è condannata a morte e Tlenu, perché è debole e pietosa, perché tormenta se stesso e gli altri, è continuamente sottoposto al tormento?

Già una cosa è che Bosch è invitato da tali domande, parla di preavveglianza risvegliata - un fenomeno concomitato dall'umanismismo. L'umanesimo non significa solo la gloriosità dell'umano. Significa e il desiderio di penetrare nelle cose nell'essenza delle cose, risolvere i misteri dell'universo. A Bosch, questo desiderio fu macchiato in un tono scuro, ma era un sintomo di quella sete mentale, che incoraggiava Leonardo da Vinci per esplorare tutto - bella e brutta. Mighty Intellect Leonardo percepì il mondo olistico, sentiva l'unità in esso. Nella coscienza di Bosch, il mondo si rifletteva in un frammentato, suddiviso in migliaia di frammenti che sono entrati in composti incomprensibili.

Ma vale la pena dire sulle correnti romantiche, cioè coloro che sono stati influenzati dal Ginkvuene italiano, - cominciarono a diffondersi nei Paesi Bassi nel XVI secolo. La loro noncuranza è molto evidente. L'immagine della "nudità classica", la bellissima degli italiani, i Paesi Bassi non era risolutamente e sembrava anche un po 'comicamente come "Nettuno e Amphitrite" Yana Goszart, con i loro lussureggianti televisori gonfiati. C'erano olandesi e il loro "manenteismo provinciale".

Si diremo lo sviluppo di generi di gambi domestici e paesaggi realizzati dagli artisti olandesi nel XVI secolo. Il loro sviluppo ha contribuito al fatto che i cerchi più ampi, odiano il papato e il clero cattolico, erano sempre più disgustati dal cattolicesimo e chiedevano riforme della Chiesa. E le riforme di Lutero e Calvin includevano un elemento di iconoclap; Gli interni delle chiese protestanian dovevano essere completamente semplici, nudi - niente come un design ricco e spettacolare nei templi cattolici. L'arte religiosa è stata notevolmente ridotta in volume, cessata di essere culto.

I dipinti di genere puro hanno iniziato ad apparire con l'immagine dei commercianti nei negozi, cambiati in uffici, contadini nel mercato, giocatori nella carta. Il genere domestico è cresciuto fuori dal ritratto e dal paesaggio - da quegli sfondi del paesaggio che erano così amati dai maestri olandesi. Gli sfondi crescono e rimasero solo un passo verso un pelo puro.

Tuttavia, tutto avviene e di per sé concentra il talento colossale di Peter Breygel (1525-1569). Ha molto posseduto ciò che è chiamato peculiarità nazionale: tutte le meravigliose caratteristiche della sua arte sono strappate alle tradizioni originali olandesi. Come nessuno, Bruegel ha espresso lo spirito del suo tempo e il suo sapore popolare. È gente in tutto: essere indubbiamente un artista-pensatore, pensa aforisticamente e metaforicamente. La filosofia della vita ha concluso nel suo allegoryrs, amaro, ironico, ma anche coraggioso. Il tipo preferito della composizione di Bregel è un grande spazio, come se fosse visto dall'alto, così le persone sembrano piccole e affondare nelle valli, tuttavia, tutto è scritto in dettaglio e chiaramente. La storia è solitamente associata al folklore, Bruegel ha scritto parabole-parabole.

Il tipo di composizione spaziale-paesaggio comune nei Paesi Bassi senza focalizzare le persone e gli eventi principali Bruegel si applica in modo che l'intera filosofia della vita sia rivelata. È particolarmente interessante "abbandonare Icara". Il dipinto di Breygel descrive un paesaggio tranquillo in riva al mare: Pahar sta camminando dietro un aratro, il pastore lascia pecore, un pescatore è seduto con una canna da pesca, e le vele della corte. Dov'è Icar e cosa cadere? È necessario guardarlo attentamente per vedere nell'angolo a destra una pietosa gambe nude che spuntano fuori dall'acqua. Ikar cadde dal cielo, ma nessuno lo ha notato. La solita vita scorre, come sempre. Per un contadino la sua terra arabile, per il pastore, la sua mandria è molto più importante degli alti e sui bassi di qualcuno. Il significato di eventi straordinari non si trova presto, i contemporanei non lo notano, immersi dalle preoccupazioni quotidiane.

scultura di pittura arte revival

2.2 Revival in arte tedesca e francese

Alla fine dei secoli XIV-XV. La Germania era ancora più frammentata rispetto ai periodi precedenti, che ha contribuito alla sopravvivenza degli oblasti feudali.

Lo sviluppo delle città tedesche è stato ritardato anche in relazione ai Paesi Bassi, e il Rinascimento tedesco è stato formato in confronto all'italiano per un intero secolo dopo. Sull'esempio della creatività di molti artisti XV secolo. Puoi rintracciare come è stata formata la rinascita in Germania: questa è Konrad Vic, Mikhael Pacher, poi Martin Shonguer. Nelle loro immagini di altare, appaiono elementi narrativi, il desiderio di rivelare i sentimenti umani sulla trama religiosa (altare di San Wolfgang M. Pacher nella chiesa di San Wolfgang nella città con lo stesso nome, 1481). Ma comprendere lo spazio, introduzione di sfondi dorati, frazione di disegno, ritmo irrequieto di linee spezzate, così come

scarico scrupoloso del principale e privato, - tutto ciò indica

l'assenza di una sequenza nella vista mondiale artistica di questi master e di una stretta connessione con una tradizione medievale. Il ritiro per la Germania inizia con un potente movimento rivoluzionario dei contadini, la cavalleria e la burbrica contro il principe del potere e il cattolicesimo romano. Le tesi del capo della Riforma tedesca di Martin Luther contro la Chiesa Feudale nel 1517 "ha avuto un effetto infiammabile, simile a un fulmine in un barile di polvere". Il movimento rivoluzionario in Germania è stato sconfitto del 1525, ma il tempo della guerra contadina era un periodo di alto sollevamento spirituale e il fiorente fiorente umanesimo, scienze secolari, cultura tedesca. Questa volta coincide con il lavoro del più grande artista del revival tedesco di Albrecht Dürer (1471-1528).

Nel lavoro di Durera, così com'era, la ricerca di molti maestri tedeschi si fondono: osservazioni della natura, dell'uomo, dei problemi del rapporto degli oggetti nello spazio, l'esistenza di una figura umana nel paesaggio, in un ambiente spaziale . Secondo la versatilità, lungo la scala di datazione, la latitudine della percezione della realtà Durer è un tipico artista ad alto revival. Era un pittore e incisore e matematico, un anatom e un potenziatore e un ingegnere. Viaggiato due volte in Italia, una volta - nei Paesi Bassi, viaggiava il suo paese natale. La sua legacy costituisce 80 macchinari, più di duecento incisioni, più di 1000 disegni, sculture, materiali scritti a mano. Durer era il più grande umanista umanista del Rinascimento, ma il suo ideale di una persona è diverso dall'italiano. Le profonde immagini nazionali di Dienore sono piene di forza, ma anche in dubbio, a volte tomba

pondays, non esiste una chiara armonia di Raffaello o Leonardo.

La lingua d'arte è complicata, allegica.

Anche durante il secolo del secolo, il processo di aggiunta della nazione francese, è iniziata la nascita dello stato nazionale francese. L'Associazione politica del paese è stata completata principalmente sotto la Louis Xi. A metà del XV secolo. L'inizio del Rinascimento francese e le prime fasi sono ancora strettamente associate all'arte gotica. L'escursionismo dei re francesi in Italia ha introdotto artisti francesi con arte italiana, e dalla fine di XV

nel. Inizia un gap decisivo con la tradizione gotica, italiano

l'arte è ripensata in relazione ai propri compiti nazionali.

Rinascimento francese indossava il carattere della cultura della corte. (Il carattere della gente soprattutto si manifestava nella letteratura del Rinascimento francese, principalmente nel lavoro di Francois Rabol, con la sua formazione a sangue pieno, tipico spirito gallico e allegria.) Come in arte olandese, sono osservate tendenze realistiche.

prima di tutto, in miniatura sia di libri teologici che secolari. Primo

un grande artista del Rinascimento francese - Jean Fuku (circa il 1420-1481), il pittore di corte Karl VII e Louis Xi. E nei ritratti (ritratto di Karl VII, circa 1445), e nelle composizioni religiose (dittico da Melen), la attentatezza della lettera è combinata con la monumentalità nell'interpretazione dell'immagine. Questa monumentalità è creata dalla raffica di forme, chiusura e solidità della silhouette, pose statiche, colore laconico. Infatti, in soli due colori - luminoso rosso e blu - Madonna Mellensky Diptych (un modello per lei servito come amato Karl VII - un fatto, un impossibile nell'arte medievale). La stessa chiarezza e accuratezza compositiva del disegno, la colorazione del colore è caratteristica di numerose miniature di Fume (Bokcchcho. "Vita di famosi uomini e donne", circa 1458). I campi dei manoscritti sono pieni di immagine del moderno fume della folla, paesaggi del turbo nativo.

Conclusione

Quindi, rinascita o rinascimento - l'epoca nella vita dell'umanità, segnato con un attacco colossale di arte e scienza.

L'arte della rinascita che sorge sulla base dell'umanesimo è il flusso del pensiero pubblico, proclamando una persona con il massimo valore della vita. Nell'arte, il tema principale è stata la bella persona accordata e armoniosamente sviluppata con possibilità spirituali e creative illimitate. Gli artisti hanno iniziato a vedere il mondo altrimenti: aereo, come se le immagini disincarneggiate di arte medievale hanno lasciato il posto a uno spazio tridimensionale, sollievo, convesso. Ho inseguito la loro creatività perfetta personalità, in cui la bellezza fisica e spirituale si fondono insieme in conformità con i requisiti dell'antica estetica. Molti pittori, poeti, scultori, architetti hanno abbandonato le idee dell'umanesimo, cercando di assimilare solo il "maneru" delle grandi figure rinascimentali. Quindi, le caratteristiche della crisi degli ideali artistici del Rinascimento si sono manifestate in neonatismo (cavità, manialità), che si sono sviluppate sul grado dell'era rinascimentale - implici, lo stile secondario, l'iperbolizzazione delle singole parti, a volte anche espresse in nome del lavoro ("Madonna con un lungo collo"), violazione delle proporzioni, disarmonia, deformazione, che in sé alieno alla natura dell'arte del revival italiano.

L'arte del revival ha gettato le basi della cultura europea del nuovo tempo, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte. L'architettura ha stabilito principi creativamente rielaborati di un sistema d'ordine antico, sono stati stabiliti nuovi tipi di edifici pubblici. Pittura arricchita in prospettiva lineare e aerea, conoscenza di anatomia e proporzioni del corpo umano. Nel tema religioso tradizionale delle opere d'arte penetravano sul contenuto della terra. Interessi per la mitologia antica, la storia, le scene della famiglia, il paesaggio, il ritratto. Insieme ai monumentali dipinti murali, adorante strutture architettoniche, apparve una foto, un dipinto oleoso è apparso. In primo luogo dell'arte, l'individualità creativa dell'artista era di solito una personalità universalmente dotata.

Nell'arte del revival, le modalità di comprensione scientifica e artistica della pace e dell'uomo erano strettamente intrecciate. Il suo significato cognitivo era inestricabilmente collegato con la sublime bellezza poetica, nel suo desiderio di naturalezza non scendeva al giorno piccolo quotidiano. L'arte è diventata bisogno universale spirituale.

L'argomento del rinascita è ricco e inesauribile. Questo potente movimento ha determinato lo sviluppo dell'intera civiltà europea per molti anni. Stiamo solo cercando di entrare nell'essenza dei processi che sono accaduti. Per capire, dobbiamo ripristinare l'atteggiamento psicologico del Rinascimento umano in modo più dettagliato, leggere i libri di quel tempo, visitare le gallerie d'arte. Le idee dell'umanesimo sono la base spirituale per il periodo di massimo splendore dell'età del Rinascimento. L'arte del rinascita è intrisa di ideali dell'umanesimo, ha creato un'immagine di una persona bellissima e sviluppata armoniosamente. L'arte di questa epoca è infinitamente per molto tempo per ammirare l'umanità, per lottare con la loro vitalità e la capacità di conquistare le menti e i cuori. Era il momento del titanismo, che si è manifestato nell'arte e nella vita. Naturalmente, l'era del Rinascimento è una delle epoche più belle della storia dell'umanità.

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Revival, o Rinascimento (da p. Rinaître - rivivere), è uno degli epoche più sorprendenti nello sviluppo della cultura europea, coprendo quasi tre secoli: dal centro del XIV secolo. fino ai primi decenni del XVII secolo. Era l'era di grandi cambiamenti nella storia dei popoli dell'Europa. Nelle condizioni di alto livello di civiltà urbana, è iniziato il processo dell'origine delle relazioni capitaliste e della crisi del feudalesimo, è stata una formazione di nazioni e la creazione di grandi stati nazionali, è apparso una nuova forma di sistema politico - un assoluto Monarchia (vedi lo stato), sono stati formati nuovi gruppi pubblici - borghesia e un operaio assunto. Il mondo spirituale dell'uomo è cambiato. Le grandi scoperte geografiche hanno ampliato gli orizzonti dei contemporanei. Questo è stato anche facilitato dalla Grande invenzione di Johann Gutenberg - una tipografia. In questa complessa e dell'era transitoria, un nuovo tipo di cultura è sorto, che ha messo al centro dei propri interessi di una persona e del mondo in giro. La nuova cultura rinascimentale è stata ampiamente affidata al patrimonio dell'antichità, significativo in altri secoli, e in molti aspetti e re-aperta (da cui il concetto di "rinascita"), ma ha anche disegnato dai migliori risultati della cultura medievale, specialmente Secolare - Knightly, Urban, Folk. L'uomo rinascimentale è stato coperto dalla sete di autoaffermazione, grandi risultati, coinvolti attivamente nella vita pubblica, ri-aprì il mondo della natura, cercava di comprendere profondamente, ammirato la sua bellezza. Per la cultura del Rinascimento, la percezione laica e la comprensione del mondo sono caratterizzate, l'approvazione del valore della Terra Essere, la grandezza della mente e le capacità creative di una persona, la dignità dell'individuo. L'umanesimo (dal lat. Humanus - umano) divenne la base ideologica della cultura del revival.

Giovanni Bokcchcho è uno dei primi rappresentanti della letteratura di revival umanistica.

Palazzo Pitty. Firenze. 1440-1570.

Mazacho. Raccolta di benzina Scena dalla vita di St. Peter Fresco Capella Brankachchi. Firenze. 1426-1427.

Michelangelo Buonarioti. Mosé. 1513-1516.

Rafael Santi. Sistina Madonna. 1515-1519. Tela, olio. Galleria di foto. Dresda.

Leonardo Da Vinci. Madonna Litta. Fine del 1470 - inizio dei 1490. Albero, olio. Eremo di stato. San Pietroburgo.

Leonardo Da Vinci. Auto ritratto. OK. 1510-1513.

Albrecht Durer. Auto ritratto. 1498.

Peter Bruegel Senior. Cacciatori nella neve. 1565 albero, olio. Museo della storia dell'arte. Vena.

Gli umanisti si sono opposti alla dittatura della Chiesa cattolica nella vita spirituale della società. Hanno criticato il metodo della scienza scolastica, basata sulla logica formale (dialettica), respingeva il suo dogmatismo e la fede nelle autorità, schiacciando in tal modo il percorso per lo sviluppo libero del pensiero scientifico. Gli umanisti hanno chiesto lo studio della cultura antica, che la chiesa ha negato come pagano, percependo da esso solo che non contraddice la dottrina cristiana. Tuttavia, il restauro dell'antico patrimonio (gli umanisti stavano cercando manoscritti di autori antichi, hanno cancellato i testi da strati successivi ed errori della corrispondenza) non è stato un fine per loro, ma serviva come base per risolvere i problemi topici della modernità, per costruire una nuova cultura. Il cerchio della conoscenza umanitaria, in cui la visione del mondo umanistica è stata evoluta, inclusa l'etica, la storia, la pedagogia, la poetica, la retorica. Gli umanisti hanno fatto un prezioso contributo allo sviluppo di tutte queste scienze. La loro ricerca di un nuovo metodo scientifico, critica di scorastichi, traduzioni di saggi scientifici degli autori antichi hanno contribuito all'aumento della filosofia naturale e della scienza naturale nel XVI - primo secolo XVII.

La formazione di una cultura del Rinascimento in diversi paesi non è stata simultanea e è andata in un ritmo diverso in vari campi della cultura stessa. In precedenza, si è sviluppato in Italia con le sue numerose città che hanno raggiunto l'alto livello di civiltà e indipendenza politica, con tradizioni antiche, più resistenti che in altri paesi europei. Già nella 2a metà del XIV secolo. In Italia, sibilizzati significativi si sono verificati in letteratura e conoscenza umanitaria - filologia, etica, retorica, storiografia, pedagogia. Quindi il ritiro della rapace è diventato un'arte e un'architettura, in seguito la nuova cultura copriva la sfera della filosofia, della scienza naturale, della musica, del teatro. Per più di un secolo, l'Italia è rimasta l'unico paese della cultura rinascimentale; Entro la fine del XV secolo. Revival Inizio relativamente rapidamente guadagna il potere in Germania, Paesi Bassi, Francia, nel XVI secolo. - In Inghilterra, Spagna, Europa centrale. La seconda metà del XVI secolo. È diventato tempo non solo gli alti risultati del Rinascimento europeo, ma anche le manifestazioni della crisi di una nuova cultura causata dalla controffensenza delle forze reazionarie e dalle contraddizioni interne dello sviluppo del Rinascimento stesso.

L'emergere della letteratura rinascimentale nella 2a metà del XIV secolo. Associato ai nomi di Francesco Petrorski e Giovanni Boccaccio. Hanno sostenuto le idee umanistiche della dignità dell'individuo, non lo tieding non con la difficilezza, ma con gli atti valorosi dell'uomo, la sua libertà e il diritto di godersi la gioia della vita terrena. Nel "Libro delle canzoni" Petrarki rifletteva le sfumature migliori del suo amore per il Laure. Nel dialogo "My Mystery", un certo numero di trattati, ha sviluppato idee sulla necessità di cambiare la struttura della conoscenza - per mettere il problema umano al centro, criticato Scholastov per il loro metodo di conoscenza formali-logico, ha richiesto lo studio Di Autori antichi (Petrarca in particolare Cicerone, Vergil, Sekuke), alto ha sollevato il valore della poesia nella conoscenza dell'uomo del significato del suo essere terreno. Questi pensieri condividevano anche il suo amico Bokcchcho, l'autore del libro Namell "Decameron", un certo numero di saggi poetici e scientifici. Nel decamerone, l'influenza della letteratura della città del popolo del Medioevo è tracciata. Qui in forma artistica ha trovato l'espressione di idee umanistiche - la negazione della moralità ascetica, giustificazione dei diritti umani sulla completezza della manifestazione dei loro sentimenti, di tutte le esigenze naturali, l'idea della nobiltà come una generazione di affari vabiosi e Alta moralità, e non la ragione del genere. Il tema della nobiltà, nella decisione di cui le rappresentazioni anti-velocità della parte avanzata della Burgerty e della gente si riflettevano, saranno caratteristiche di molti umanisti. Gli umanisti XV secolo hanno contribuito all'ulteriore sviluppo della letteratura in lingua italiana e latina. - Scrittori e filologi, storici, filosofi, poeti, figure governative e altoparlanti.

Nell'umanesimo italiano c'erano indicazioni, in modi diversi, avvicinandosi a problemi etici, e soprattutto, alla questione dei sentieri di una persona, fortunatamente. Quindi, in umanesimo civile - la direzione che fingeva a Firenze nella prima metà del XV secolo. (I rappresentanti più importanti - Leonardo Bruni e Matteo Palmier), - l'etica era basata sul principio di servire il bene comune. Gli umanisti hanno sostenuto la necessità di portare il cittadino, un patriota che mette gli interessi della società e dello stato sopra personale. Hanno sostenuto l'ideale morale della vita civile attiva in opposizione alla Chiesa ideale dell'Eremita monastica. Di particolare valore, collegati a tali virtù come giustizia, generosità, prudenza, coraggio, cortesia, modestia. Una persona può rivelare e sviluppare queste virtù solo in comunicazione sociale attiva, e non in fuga dalla vita mondana. La migliore forma degli umanisti del dispositivo statale di quest'area è stato considerato una repubblica, dove tutte le abilità umane possono essere più pienamente manifestate.

Un'altra direzione nell'umanesimo del XV secolo. Creatività dello scrittore, architetto, teorico dell'arte di Leon Battista Alberti. Alberti credeva che la legge dell'armonia regna nel mondo e una persona è subordinata a lui. Deve sforzarsi per la conoscenza, comprendere il mondo circostante e se stesso. Le persone dovrebbero costruire la vita terrena su motivi ragionevoli, sulla base della conoscenza acquisita, rivolgendosi a loro per il loro beneficio, cercando l'armonia dei sentimenti e della mente, individuale e società, uomo e natura. La conoscenza e il lavoro obbligatorio per tutti i membri della società è tale, secondo Alberti, il percorso per una vita felice.

Lorenzo Valla ha proposto una diversa teoria etica. Felicità ha identificato con piacere: una persona dovrebbe godere di tutte le gioie dell'esistenza terrena. L'ascetismo contraddice la natura più umana, i sentimenti e la mente è uguale, dovrebbe essere raggiunta la loro armonia. Con queste posizioni, Valli ha fatto una critica decisiva del monachesimo nel dialogo "sulla valle monastica".

Alla fine del XV - tardo XVI secolo. È uscito la distribuzione della direzione associata alle attività dell'Accademia Platonica a Firenze. I principali filosofi umanisti di questa zona - Martilio Ficino e Giovanni Pico della Mirandolo nei suoi scritti sulla base della filosofia di Platone e Neopotonikov, hanno mostrato una mente umana. Per loro, la caratteristica eroia della persona stava diventando. Fechino considerava uomo il centro del mondo, il collegamento nel mondo (questa connessione è effettuata nella conoscenza) di uno spazio perfettamente organizzato. Pico ha visto in un uomo L'unica creatura del mondo, dotata della capacità di formarsi, affidandosi alla conoscenza - su etica e scienze della natura. Nel "discorso sulla dignità di una persona", Pico ha difeso il diritto alla libertà, credeva che la filosofia priva di tutto il dogmatismo dovrebbe diventare molte di ciascuna, e non una manciata di scelta. I neoplatonisti italiani si sono avvicinati da nuove posizioni umanistiche per risolvere un numero di problemi teologici. L'invasione dell'umanesimo nella portata della teologia è una delle caratteristiche importanti del Rinascimento europeo del XVI secolo.

Il nuovo aumento della letteratura rinascimentale in Italia è stato celebrato dal XVI secolo: Ludochiko Ariosto divenne famoso per il poema "Furass Roland", dove la realtà e la fantasia sono intrecciate, la glorificazione delle gioie terrene e quella tristezza della vita italiana della vita italiana ; Baldassare Castiglion ha creato un libro sulla persona perfetta della sua era ("tribunale"). Questo è il momento della creatività del poeta eccezionale Pietro Btembo e dell'autore dei Pamphlets satirici Pietro Aretino; Alla fine del XVI secolo. Il grandioso eroico poema eroico Torquato Tasso "liberato da Gerusalemme" è stato scritto, il che ha riflettuto non solo la conquista della cultura laica rinascimentale, ma anche la crisi della visione del mondo umanistica, associata al rafforzamento della religiosità nelle condizioni della contro-riforma, con la perdita di fede nell'onnipotenza della persona.

Il successo brillante ha raggiunto l'arte del Rinascimento italiano, l'inizio della quale ha messo il mazacho nella pittura, Donatello nella scultura, Bruneland nell'architettura ha lavorato a Firenze nella prima metà del XV secolo. Il loro lavoro è segnato da un talento luminoso, una nuova comprensione di una persona, il suo posto nella natura e nella società. Nella seconda metà del XV secolo. Nella pittura italiana, insieme alla scuola fiorentina, c'erano un certo numero di altri - Umbral, nordholiano, veneziano. Ognuno di loro ha avuto le sue caratteristiche, erano caratterizzate e per il lavoro dei più grandi maestri - Piero della Frannni, Adea Manteny, Sandro Botticelli e altri. Tutti hanno identificato le specifiche dell'arte rinascimentale: il desiderio della vita delle immagini basata sul principio di "imitazione della natura", un ampio appeal per i motivi dell'antica mitologia e l'interpretazione laica dei tradizionali grafici religiosi, interessi nel Prospettiva lineare e aerea, in plastica espressività di immagini, armonia delle proporzioni ecc. Genere completato di pittura, grafica, arte della medaglia, sculture divennero un ritratto che era direttamente correlato alla dichiarazione dell'ideale umanistico dell'uomo. L'eroero ideale di una persona perfetta con una vestibilità speciale è stata incarnata nell'arte italiana dell'alto rinascimento nei primi decenni del XVI secolo. Questa epoca ha proposto i talenti più luminosi e sfaccettati - Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo (cfr. Arte). Il tipo di artista universale che ha combinato il pittore, scultore, architetto, poeta e scienziato nel suo lavoro è stato sviluppato. Artisti di questa epoca ha lavorato a stretto contatto con gli umanisti e ha mostrato grande interesse per le scienze naturali, principalmente anatomia, ottica, matematica, cercando di utilizzare i loro risultati nel loro lavoro. Nel XVI secolo Arte veneziana esperta di sollevamento speciale. Georgeon, Tiziano, Veronese, Tintoretto ha creato belle tele, notevole per la ricchezza colorata e il realismo delle immagini umane e il mondo circostante. Il XVI secolo - il tempo di approvazione attiva dello stile rinascimentale in architettura, in particolare dello scopo secolare, per il quale c'era una stretta relazione con le tradizioni dell'architettura antica (architettura dell'ordine). È stato formato un nuovo tipo di edificio - il Palazzo della città (Palazzo) e la residenza del paese (Villa) - la maestosa, ma anche una persona commisurata, dove la solenne semplicità della facciata è combinata con spaziosa, riccamente decorata con interni. Leon Battist Alberti, Juliano, Palladio, Palladio, ha contribuito un contributo enorme all'architettura di revival. Molti architetti hanno creato i progetti della città ideale, basati su nuovi principi di pianificazione urbana e architettura che soddisfano le esigenze di una persona in uno spazio abitativo sano, ben attrezzato e bellissimo. Non solo i singoli edifici sono stati ricostruiti, ma anche tutte le antiche città medievali: Roma, Firenze, Ferrara, Venezia, Mantova, Rimini.

Gru senior di Lukas. Ritratto femminile.

Hans Holbaine Jr. Ritratto dell'Umanista Netherlands Erasmus Rotterdam. 1523.

Tiziano Veerie. Saint Sebastian. 1570. Tela, olio. Eremo di stato. San Pietroburgo.

Illustrazione di Dore a Roman F. Rabl "Gargantua e Pantaguel".

Michel Monten - Filosofo francese e scrittore.

Nel pensiero politico e storico della rinascita italiana, il problema della società perfetta e dello stato divenne uno dei centrali. In quelli costruiti sullo studio dei materiali documentari, le opere di Bruni e soprattutto Machiavelli sulla storia di Firenze, nelle composizioni di Sabellico e Contarini sulla storia di Venezia, i meriti sono stati rivelati dalla dignità del dispositivo repubblicano di queste città -Stati, e gli storici di Milano e Napoli, al contrario, ha sottolineato il ruolo di centralizzazione positiva della monarchia. Makiavelli e Guichchardini hanno spiegato tutti i problemi d'Italia, che divenne nei primi decenni del XVI secolo. Arena Invasioni ingeniche, il suo decentramento politico e gli esurrato italiani a consolidamento nazionale. Una caratteristica comune della storiografia rinascimentale è stata il desiderio di vedere nel popolo dei creatori della loro storia, analizzare profondamente l'esperienza del passato e usarlo nella pratica politica. Ampia distribuzione nel XVI - primo secolo XVII. Ricevuto l'utopia sociale. Negli insegnamenti degli utopist DONON, ALBERGATI, ZUCCOLO, la società ideale è stata associata alla parziale liquidazione di proprietà privata, uguaglianza dei cittadini (ma non tutte le persone), l'obbligo di lavoro universale, lo sviluppo armonioso dell'individuo. L'espressione più coerente dell'idea della socializzazione della proprietà e dell'equaria è stata trovata nella "città del sole" Campellela.

Nuovi approcci per risolvere il problema tradizionale sul rapporto tra natura e Dio sono stati nominati da Naturophilosofe Bernardino Television, Francesco Patrice, Giordania Bruno. Nelle loro opere, Dogma del Creatore di Dio, che guida lo sviluppo dell'Universo, era inferiore al Pantheism: Dio non è contrario alla natura, ma non importa quanto si fondamenda con esso; La natura è vista come un esistente per sempre e in via di sviluppo secondo le proprie leggi. Le idee dei filosofi naturali rinascimentali hanno incontrato una forte resistenza dalla Chiesa cattolica. Per le loro idee sull'eternità e sull'infinità dell'universo, costituite da un enorme serie di mondi, per la critica acuta della Chiesa, indulgere l'ignoranza e l'oscuramento, Bruno fu condannato come un eretico e dedicato al fuoco nel 1600.

La rinascita italiana ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della cultura rinascimentale in altri paesi europei. Questo è stato facilitato in un considerevole grado di tipografia. I principali centri della pubblicazione erano nel XVI secolo. Venezia, dove all'inizio del secolo, la tipografia della creazione di Alde è diventata un importante centro della vita culturale; Basel, dove le case editrici di Johanne Froben e Johanna Amerbach erano ugualmente significative; Lione con i suoi francobolli glorificati, così come Parigi, Roma, Louven, Londra, Siviglia. Una tipografia è diventata un fattore potente nello sviluppo della cultura rinascimentale in molti paesi europei, ha aperto la strada all'interazione attiva nel processo di costruzione di una nuova cultura di umanisti, scienziati, artisti.

La figura più grande del Rinascimento settentrionale era Erasmus Rotterdam, con il quale è associato alla direzione del "umanesimo cristiano". Aveva persone che la pensano alle persone e agli alleati in molti paesi dell'Europa (J. Kolts e Thomas Mor in Inghilterra, la città della Francia, I. Raakhlin in Germania). Erasmus ha compreso ampiamente i compiti di una nuova cultura. A suo parere, Questa non è solo la risurrezione dell'antica patrimonio pagano, ma anche il restauro del primo insegnamento cristiano. Non ha visto le principali differenze tra loro dal punto di vista della verità, a cui la persona dovrebbe sforzarsi. Come il Umanisti italiani, collegava il miglioramento di una persona con istruzione, attività creative, la divulgazione di tutte le abilità IT. La sua pedagogia umanistica ha ricevuto un'espressione artistica nelle "conversazioni facilmente", e il suo lavoro estremostrico "lode stupidità" è stato diretto contro l'ignoranza , dogmatismo, pregiudizi feudali. Il percorso della felicità della gente Erasmus ha visto in una vita pacifica e l'approvazione della cultura umanistica basata su tutti i valori esperienza storica dell'umanità.

In Germania, la cultura del revival ha sperimentato un decollo tempestoso alla fine del XV secolo. - 1 ° terzo del XVI secolo. Una delle sue caratteristiche è stata la fiorente della letteratura satirica, l'inizio di cui ha segnato il saggio del consolidato di Sebastian "la nave degli sciocchi", in cui furono esposti alle taglienti critiche del temperamento del tempo; L'autore ha letto i lettori alla conclusione sulla necessità di riforme della vita pubblica. La linea satirica nella letteratura tedesca ha continuato "lettere di persone buie" - ha pubblicato anonimo lavoro collettivo di umanisti, la principale tra cui Ulrich Von Gutten, dove i servi della Chiesa furono distrutti distruggendo le critiche. Gutten era l'autore di molti opuscoli, dialoghi, lettere dirette contro il Papato, la Chiesa di Zasili in Germania, la frammentazione del paese; La sua creatività contribuì al risveglio dell'identità nazionale del popolo tedesco.

I più grandi artisti del Rinascimento in Germania erano A. Durer, un pittore eccezionale e un incisione maestro insuperabile, M. Naithardt (Grunevald) con le sue profonde immagini drammatiche, ritratto di Hans Holshein Jr., così come le gru senior di Lukas, strettamente legato la sua arte con la riforma.

In Francia, la cultura del Rinascimento era e preoccupata del fiorente nel XVI secolo. Questo è stato facilitato, in particolare, le guerre italiane 1494-1559. (Hanno condotto tra i re della Francia, la Spagna e l'imperatore tedesco per la padronanza dei territori italiani), che hanno aperto la ricchezza francese della cultura rinascimentale dell'Italia. Allo stesso tempo, la peculiarità del rinascita francese è stata l'interesse per le tradizioni della cultura popolare, creativamente padroneggiata dagli umanisti insieme all'antico patrimonio. Poesia K. Maro, le composizioni dei filologi umanisti E. Shat e B. Detcher, parte del Circolo di Margarita di Navarre (sorelle del re di Francis I), sono state intrise con motivi folk, allegra libertà. Queste tendenze si manifestavano molto luminose nel romanzo satirico dello scrittore eccezionale del Rinascimento di Francois Rabl "Gargantua e Pantaguel", dove le trame, sperate ai vecchi racconti popolari di Giants, sono combinati con la creazione di difetti e ignoranza di contemporanei, con la presentazione del programma di istruzione e istruzione umanistica nello spirito della nuova cultura. Il decollo della Poesia nazionale francese è associata alle attività di Pleiads - una tazza di poeti sul capitolo con Ronsar e du Belle. Durante il periodo di guerre civili (Huggen) (vedi guerre religiose in Francia), il pubblicità ha ricevuto uno sviluppo diffuso, esprimendo differenze nella posizione politica delle forze opposte della società. I maggiori pensatori politici erano F. Otman e Duplesi Morne, che si opposero a Tiragia, e J. Boden, che hanno detto il rafforzamento di uno stato nazionale unificato guidato da un monarca assoluto. Le idee dell'umanesimo hanno trovato una profonda comprensione negli "esperimenti" di Montita. Montae, Rabol, Bonavantur Dep DeFarsir erano brillanti rappresentanti della FreedomIff Secolare, che hanno respinto le fondamenta religiose della visione mondiale. Ha condannato la scolasticità, un sistema medievale di educazione e educazione, saluto, fanatismo religioso. Il principio principale dell'etica di Montenea è la libera manifestazione dell'individualità umana, la liberazione della mente dalla sottomissione alla fede, la pienezza della vita emotiva. Felicità ha legato con l'attuazione delle possibilità interne dell'individuo, che dovrebbe servire l'istruzione e l'istruzione secolare sulla base della libertà. Nell'arte del Rinascimento francese, il genere del ritratto, dei quali maestri eccezionali divennero J. Fuki, F. Clue, P. ed E. Dumy. Nella scultura era famosa per J. Guzon.

Nella cultura dei Paesi Bassi del Rinascimento del fenomeno originale c'erano società retoriche che univano gli immigrati di diversi strati, compresi gli artigiani e i contadini. Alle riunioni delle società, c'erano dispute su argomenti politici e morali e religiosi, c'erano spettacoli nelle tradizioni folk, c'era un lavoro raffinato sulla Parola; Gli umanisti hanno accettato la partecipazione attiva alle attività delle società. Le caratteristiche popolari erano peculiari per l'arte olandese. Il più grande pittore Peter Bruegel, soprannominato "menzitsky", nei suoi dipinti di vita contadina e paesaggi con una completezza speciale ha espresso una sensazione dell'unità della natura e dell'uomo.

). L'alto aumento ha raggiunto il XVI secolo. L'arte del teatro, democratica nel loro orientamento. Ci sono commedie per la casa, cronache storiche, drammi eroici in numerosi teatri pubblici e privati. Pezzi K. Marlo, in cui i maestosi eroi sfidano la moralità medievale, B. Johnson, in cui sorge la galleria di personaggi tragicomici, preparato l'emergere del più grande drammaturgo del Rinascimento di William Shakespeare. Il maestro perfetto di diversi generi è commedie, tragedie, cronache storiche, Shakespeare ha creato immagini uniche di persone forti, personalità, incarnate brillantemente le caratteristiche di una persona del Rinascimento, un vivido, appassionato, dotato della mente e dell'energia, ma a volte conflitto nelle loro azioni morali. Il lavoro di Shakespeare è stato esposto al divario tra l'idealizzazione umanistica dell'uomo e piena di taglienti collisioni vitali con il mondo reale nell'epoca del tardo revival. Scienziato inglese Francis Bacon ha arricchito la filosofia rinascimentale con nuovi approcci alla conoscenza del mondo. Metodo scolastico Si è opposto all'osservazione e all'esperimento come uno strumento affidabile di conoscenza scientifica. Il percorso per costruire una sega perfetta della società ha visto nello sviluppo della scienza, soprattutto la fisica.

In Spagna, la cultura rinaiss è stata preoccupata per l'età dell'oro della 2a metà del XVI secolo. - I primi decenni del XVII secolo. I suoi successi più alti sono associati alla creazione della nuova letteratura spagnola e al teatro del popolo nazionale, così come con il lavoro di un pittore eccezionale El Greco. La formazione di una nuova letteratura spagnola, che è cresciuta sulle tradizioni del Cavaliere e dei romanzi Plutovsky, ha trovato un brillante completamento nel romanzo brillante di Miguel de Cervantes "Chit Roman Hidalgo Don Chisciotte Laman". Nelle immagini del cavaliere, Don Chisciotte e il contadino Sancho Pansee rivela la principale idea umanistica del romanzo: la grandezza dell'uomo nel suo audace anti-male nel nome della giustizia. Cervantes romano - e una peculiare parodia dell'ultimo romanzo cavaliere e il più largo della vita del popolo della Spagna XVI secolo. Cervantes era l'autore di una serie di giochi che hanno dato un grande contributo alla creazione del teatro nazionale. Per una misura ancora più grande, il rapido sviluppo del teatro rinascimentale spagnolo è associato al lavoro di drammaturgo estremamente fruttuoso e poeta Lope de Vega, l'autore delle commedie lyric ed eroiche del impermeabile e delle spade imbevute con lo spirito popolare.

Andrei Rublev. Trinità. 1 ° trimestre del XV secolo.

Alla fine del XV-XVI secolo. La cultura rinascimentale è stata distribuita in Ungheria, dove il patroconto reale ha svolto un ruolo importante nel fiorente dell'umanismo; Nella Repubblica Ceca, dove nuove tendenze hanno contribuito alla formazione della coscienza nazionale; In Polonia, che è diventato uno dei centri della libertà umanistica. L'influenza del Rinascimento ha anche influenzato la cultura della Repubblica di Dubrovnitsky, Lituania, Bielorussia. Le tendenze separate di esso si manifestavano nella cultura russa del XV secolo. Erano associati ad un crescente interesse per la persona umana e la sua psicologia. Nell'arte, è principalmente il lavoro di Andrei Rublev e gli artisti del suo cerchio, nella letteratura - "racconto di Pietro e Fevronia Muromsky", raccontando l'amore del principe del Murom e la fevronia della contadina e l'ebano del Epifania tessuta con il suo workshop "Weaving Words". Nel XVI secolo Gli elementi limitati si sono manifestati nel giornalismo politico russo (Ivan Peresvetov, ecc.).

Nel XVI - i primi decenni del XVII secolo. Sibilo significativi si sono verificati nello sviluppo della scienza. L'inizio della nuova astronomia ha posato la teoria eliocentrica dello scienziato polacco N. Copernico, che ha commesso un colpo di stato nelle idee sull'universo. Ha ricevuto un'ulteriore sostanzialità negli scritti degli astronomi tedeschi I. Keplero, così come lo scienziato italiano Galileo. L'astronomo e il fisico della Galilea costruirono un tubo di pilone, aprendo la montagna sulla luna, le fasi di Venere, i satelliti di Giove, ecc. Apertura della Galilea, che confermò la dottrina di Copernico sulla rotazione della terra intorno al sole, ha dato un impulso alla diffusione più rapida della teoria eliocentrica, che la Chiesa riconosceva l'eretico; Ha perseguito i suoi sostenitori (per esempio, il destino di D. Bruno, bruciato al fuoco) e vietato le composizioni di Galileo. Molto nuovo è apparso nel campo della fisica, della meccanica, della matematica. Stephen è stato formulato i teoremi di idrostatica; La Tartalia ha studiato con successo la teoria della balistica; Cardano ha scoperto la soluzione delle equazioni algebriche del terzo grado. Kremer (Mercator) ha creato mappe geografiche più avanzate. C'era l'oceanografia. In Banico E. Cavo e L. Fuchs sistematizzò una vasta gamma di conoscenze. K. Geesner ha arricchito conoscenza nel campo della zoologia con la sua "storia animale". La conoscenza dell'anatomia è stata migliorata, che il lavoro di Nezalya "sulla struttura del corpo umano" ha contribuito. M. Gervet ha espresso l'idea della presenza di una circolazione polmonare. Paracelli di medicina eccezionali vicino a medicina e chimica, ha reso importanti scoperte in farmacologia. G. Agrikola Conoscenza sistematizzata nel campo della miniera e della metallurgia. Leonardo da Vinci ha proposto un certo numero di progetti di ingegneria, lontano l'idea tecnica moderna e anticipando alcune scoperte successive (ad esempio un aeromobile).