Evgeny Vakhtangov. Δημιουργικότητα Evgenia Vakhtangov ως ειδική κατεύθυνση του συστήματος Stanislavsky

Σε 25 χρόνια, ο Yevgeny Vakhtangov δίδαξε ήδη στο Θεατρικό στούντιο Stanislavsky, και δύο χρόνια αργότερα - βάλτε το πρώτο του παιχνίδι. Χρησιμοποίησε τις τελευταίες σκηνοθετικές τεχνικές, πειραματίστηκαν με διακοσμήσεις και έκαναν θεατές από τους συμμετέχοντες της δράσης σκηνής. Ο Wahtangov εφευρέθηκε μια νέα κατεύθυνση του θεάτρου - Φανταστικό ρεαλισμό, και ο Stanislavsky κάλεσε τον σκηνοθέτη-καινοτόμο "Ο πρώτος καρπός της ενημερωμένης τεχνικής μας".

"Συνεχίστε για τον εαυτό σας. Απολαύστε τον εαυτό σας

Ο Evgeny Vakhtangov γεννήθηκε στο Βλαδικαβκάζ. Ο πατέρας του ήταν κατασκευαστής καπνού και ελπίζει ότι ο γιος θα συνεχίσει το έργο του. Ωστόσο, στην παιδική ηλικία, ο Evgeny Vakhtangov ενδιαφέρεται για το θέατρο και αποφάσισε να τον αφήσει όλη τη ζωή του. Στο Γυμνάσιο, έπαιξε ήδη σε ερασιτέχνες παραγωγές: "Γάμος" \u200b\u200bNikolai Gogol, "Η φτώχεια δεν είναι ένας αντίπαλος" Αλέξανδρος Οστρίβσκι και "Παιδιά Βανυγία" Σεργκέι.

Μετά την αποφοίτησή του από το Γυμνάσιο το 1903, ο Evgeny Vakhtangov εισήλθε στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας και αμέσως - στον Κύκλο Φοιτητικού Θέατρο. Έβαλε τις παραστάσεις και έπαιξε τον εαυτό του - στη Μόσχα, και κατά την άφιξη στο Βλαδικαββκάζ. Για κάθε διατύπωση του Vakhtangov ανέπτυξε ένα γενικό σχέδιο, παραθέτησε προσεκτικά όλα τα στοιχεία που θα πρέπει να βρίσκονται στη σκηνή, περιέγραψαν τα κοστούμια, το μακιγιάζ και το περπάτημα των ηθοποιών, ακόμη και μετρήθηκαν ο ρυθμός της κουρτίνας. Ένα δείγμα θεατρικής τέχνης γι 'αυτόν ήταν το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Εδώ, η Evgenia Vakhtangov ενέπνευσε όλα: τοπία και ενεργώντας, ηχητικά εφέ και τεχνικά στοιχεία.

Το 1909, ο Vakhtangov αποφάσισε να λάβει επαγγελματική εκπαίδευση θεάτρου και να εισέλθει σε δραματικά μαθήματα στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Οι καλλιτέχνες του θεάτρου διδάσκονταν εδώ: Αλέξανδρος Adashev και Vasily Luzhsky, Nikolai Alexandrov και Vasily Kachalov. Εκπαιδεύτηκαν νέους ηθοποιούς σύμφωνα με τις μεθόδους του Κωνσταντίνου Στάνισλαβσκι.

Ο Evgeny Vakhtangov ήθελε να γίνει σκηνοθέτης, και ο Konstantin Stanislavsky σύντομα άρχισε να τον διαθέτει από άλλους μαθητές. Ορίσει τον Vakhtangov στον αρχηγό βοηθό να συνεργαστεί με νέους φορείς. Εμπνευσμένο από τη μέθοδο του Stanislavsky, ο Evgeny Vakhtangov ονειρευόταν να δημιουργήσει ένα ενεργό στούντιο.

"Θέλω να σχηματίσω ένα στούντιο όπου θα μελετήσουμε. Η αρχή είναι να επιτευχθούν τα πάντα ... Ελέγξτε το σύστημα του Κ. S. [Konstantin Stanislavsky] στον εαυτό του. Πάρτε ή απορρίψτε το. Να διορθώσετε, προσθέστε ή αφαιρέστε τα ψέματα. Όλοι όσοι ήρθαν στο στούντιο θα πρέπει να αγαπούν την τέχνη γενικά και ιδιαίτερα γραφικά. Η χαρά αναζητήστε τη δημιουργικότητα. Ξεχάστε το κοινό. Δημιουργήστε μόνοι σας. Απολαύστε τον εαυτό σας. Οι ίδιοι οι δικαστές. "

Evgeny Vakhtangov

Ο ίδιος ο Stanislavsky προσπάθησε σε αυτό. Ως εκ τούτου, το 1912, μαζί με το Leopold Solerzhitsky, άνοιξαν το πρώτο στούντιο MHT, στο οποίο άρχισε να διδάσκει τον Evgeny Vakhtangov. Ταυτόχρονα, ο Vakhtangov εργάστηκε σε άλλες σχολές θεάτρου της Μόσχας, μεταξύ των οποίων το φοιτητικό δραματικό στούντιο κατέλαβε ένα ιδιαίτερο μέρος. Δημιουργήθηκε το 1913 πέντε φοιτητές από διάφορα πανεπιστήμια της Μόσχας. Ένα χρόνο αργότερα, οι αρχάριοι ηθοποιοί κάλεσαν τον Vakhtangov ως δάσκαλο και διευθυντή.

Novatovskaya Studio Evgenia Vakhtangov

Evgeny Vakhtangov στη νεολαία. Φωτογραφία: Vakhtangov.ru.

Γιούρι Ζαβάδσκι. Cartoon στην Evgenia Vakhtangov. 1913.

Evgeny Vakhtangov. Φωτογραφία: Vakhtangov.ru.

Πρώτα από τις δικές σας εγκαταστάσεις, το φοιτητικό δραματικό στούντιο δεν ήταν, οι συμμετέχοντες πήγαιναν στα δωμάτια των φοιτητών, στη συνέχεια σε εστιατόρια, τότε σε άδειους κινηματογράφους. Οι πρόβες πραγματοποιήθηκαν, κυρίως τη νύχτα, από την ημέρα του Evgeny Vakhtangov ασχολείται με το 1ο στούντιο MHT και οι μαθητές μελετήθηκαν και εργάστηκαν.

Ο πρώτος του παραγωγός - "Lanina Manor" - Student Studio που εισήχθη το 1914. Η πρεμιέρα του παιχνιδιού προκάλεσε μια καταιγίδα αγανάκτησης. Οι επικριτές έγραψαν έντονα για την αδυναμία των παιδιών των αρχαρίων ηθοποιών, για τον κρίμα Διακοσμήσεις θεάτρου, Με την αφερεγγυότητα του σκηνοθέτη Vakhtangov. Ο Stanislavsky ήταν τόσο θυμωμένος στο Wakhtangov για την ερανεξία και την αποτυχία του "Lanina Manor", η οποία τον απαγόρευσε να διδάξει έξω από τους τοίχους του MHT και το 1ο στούντιο.

Ωστόσο, οι τάξεις στο φοιτητικό στούντιο δεν σταμάτησαν, αλλά τώρα κρατήθηκαν στο αυστηρότερο μυστήριο. Για τους μαθητές του, ο Vakhtangov προσέλαβε τους καλύτερους δασκάλους στους καινοτόμους, παρά τη φτώχεια του στούντιο.

"Έτσι, για το κίνημα, είχαμε τον καλύτερο δάσκαλο του Αλεξάνδροφ, τον βαθμό των ρυθμικών σκίτσων. Ο Evgeny Buruntovich δήλωσε: "Χρειάζομαι το καλύτερο, πιο τολμηρό, ίσως ένας καινοτόμος σε κάθε περιοχή. Είμαστε τόσο φτωχοί για να μάθουμε από το καλύτερο. " Επομένως, αν ο Pyatnitsky ήταν ο Pyatnitsky, ας δώσουμε pyatnitsky. Ναι, η Evgeny Buruntovich ήξερε πώς να μάθουν πραγματικούς ανθρώπους τέχνης! Είχε μια αίσθηση γι 'αυτούς, και προσπάθησε να αναπτύξει κυρίως τους δασκάλους από τους ανώτερους μαθητές του. "

Ηθοποιός Cecilia Mansurov, από τις "συνομιλίες για τον Vakhtangov" Chrysanf Kherson

Σταδιακά, ο Evgeny Vakhtangov κέρδισε τη δική του κατανόηση του θεάτρου. Στις παραστάσεις, προσπάθησε να τονίσει τη Σύμβαση για το τι συμβαίνει στη σκηνή, έτσι, για παράδειγμα, τα κλασικά κοστούμια θεάτρου Vakhtangov εργάστηκαν στην κορυφή Σύγχρονα ρούχα. Και για να ενισχύσει αυτή την ιδέα, οι καλλιτέχνες τους έβαλαν δεξιά στη σκηνή. Σε δευτερόλεπτα από τους ηθοποιούς, μετενσαρκώθηκαν με τους χαρακτήρες του παιχνιδιού. Για τα τοπία που χρησιμοποιούνται συνηθισμένα οικιακά αντικείμενα, τα οποία έπαιζαν με ελαφριά και ιστό κουρτίνες.

Το 1917, το Student Studio βγήκε από το "Underground" και άρχισε να ονομάζεται Μόσχα Δραματικό Studio Evgenia Vakhtangov. Την ίδια χρονιά, ο Vakhtangov άρρωστος άρρωστος σοβαρά, αλλά έγινε ακόμη περισσότερο και πιο δύσκολο να εργαστεί. "Πρώτο στούντιο, δεύτερο στούντιο, στούντιο, εβραϊκό στούντιο" gabima ", στούντιο πυροβόλων όπλων, θέατρο,"Έγραψε ο Evgeny Vakhtangov.

Grotesque θέατρο και φανταστικό ρεαλισμό

Evgeny Vakhtangov ως followton στο παιχνίδι "Κρίκετ στον κλίβανο". 1914. 1ο στούντιο του Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Φωτογραφία: Wikimedia.org.

Ο Evgeny Vakhtangov ως Kraft στο παιχνίδι "σκέψης". 1914. 1ο στούντιο του Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Φωτογραφία: Wikimedia.org.

Evgeny Vakhtangov στο ρόλο ενός μύλου στο έργο "Flood". 1915 χρόνια. 1ο στούντιο του Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Φωτογραφία: Aif.ru.

Μετά την επανάσταση του 1917, το πρωτοποριακό θέατρο Vakhtangov ήταν δύσκολο να βρεθεί αμοιβαία γλώσσα Με έναν νέο θεατή - "πρωτόγονο σε σχέση με την τέχνη". Ο σκηνοθέτης αποφάσισε να ενταχθεί στο θέατρο Konstantin Stanislavsky. Το 1920, το Studio Vakhtangov έγινε μέρος του θεάτρου τέχνης της Μόσχας και έλαβε το όνομα του τρίτου στούντιο.

Μετά από ένα χρόνο, το τρίτο στούντιο MHT εμφανίστηκε το δικό του κτίριο του θεάτρου. Προς τιμήν του ανοίγματος, οι καλλιτέχνες έδωσαν το παιχνίδι "Θαύμα του Αγίου Αντονίου" στην κωμωδία του Maurice Materlinnink. Αυτός ήταν ο δεύτερος χειρισμός του Wakhtangov σε αυτό το παιχνίδι και αυτή τη φορά ο Vakhtangov έβαλε την παράσταση στις παραδόσεις του Grotesque Theatre. Εγραψε: "Το οικιακό θέατρο πρέπει να πεθάνει. "Χαρακτηριστικοί" ηθοποιοί δεν χρειάζονται πλέον. Όλοι οι οποίες έχουν την ικανότητα να χαρακτηρίζουν ότι πρέπει να αισθάνονται την τραγωδία (ακόμη και κωμικοί) οποιουδήποτε χαρακτηρισμού και πρέπει να μάθουν να αναγνωρίζουν τον εαυτό τους grotesque. Grotesque - τραγικό, κόμικ.

Απορρόφηση από την εργασία σε πολλά στούντιο, για την υγεία του Vakhtangs σχεδόν δεν ακολούθησε: Μια φορά ασχολήθηκε με τη γυμναστική του Γιόγκη και παρατηρήθηκε μια διατροφή, αλλά στη συνέχεια παραβίασε το καθεστώς: κάπνιζε συνεχώς και κολλήσει μετά από παραστάσεις σε θεατρικά πάρτι.

Λίγο πριν ο θάνατος του Evgeny Vakhtangov άρχισε να εργάζεται για την παραγωγή της "Princess Turedot" στο παραμύθι του ιταλικού θεατρικού συγγραφέα Carlo Gotsci. Με αυτή την παράσταση, άνοιξε μια νέα κατεύθυνση στον θεατρικό σκηνοθέτη - "φανταστικός ρεαλισμός". Ο Wachtangov χρησιμοποίησε τις μάσκες και τις τεχνικές της ιταλικής κωμωδίας del Arthe, αλλά το παραμύθι ήταν πολύ μοντέρνο. Οι ηθοποιοί κατ 'ευθείαν στη σκηνή άλλαξαν σε κοστούμια Φανταστικοί ήρωεςκαι παράλληλα μίλησε για τοπικά θέματα.

"Η τελευταία μου συζήτηση ήταν υπέροχη με τον Vakhtangov μπροστά από τη γενική πρόβα της Turedot. Μου είπε ότι σε αυτό το έργο γοητεύεται από ένα συγκεκριμένο κράτος, αυτό είναι αυτό: κάθονται στην πρώτη σειρά και εξετάζουμε την παράσταση, αλλά παίζω επίσης αυτή την απόδοση. Και, ενώ είμαι ελεύθερος, μοιράζομαι τις εντυπώσεις μου μαζί σας, και έπειτα λέω: το δρόμο μου έξω, τώρα θα σας παίξω. Και βγαίνω από την πρώτη σειρά, ανεβείτε στη σκηνή και αρχίζω να παίζεις τα πάντα - θλίψη και χαρά, και αυτός ο φίλος μου με πιστεύει ... και έπειτα τελειώσω, καθόμουν σε αυτόν και λέω: καλά, πόσο καλά; "

Leonid Volkov από το βιβλίο "Evgeny Vakhtangov. Έγγραφα και πιστοποιητικά "

Επιστρέφοντας το σπίτι μετά την επόμενη πρόβα του παιχνιδιού "Princess Turedot", τα υδρομασάζ δεν σηκώθηκαν και δεν πια. Η πρεμιέρα έλαβε χώρα χωρίς αυτόν, αλλά το Konstantin Stanislavsky ήταν παρούσα στην παράσταση. Το θαυμάζοντας το έργο του φοιτητή του, Stanislavsky προσωπικά εξέφρασε την αναγνώρισή του του Vakhtangov: "Αυτό που έχω δει, ταλαντούχο, ιδιόμορφο και, το σημαντικότερο, χαρούμενο! Και η επιτυχία είναι λαμπρή. Οι νέοι έχουν μεγαλώσει σε μεγάλο βαθμό ".

Η "Princess Turedot" έγινε Τελευταία εργασία Evgenia Vakhtangov. Πέθανε στις 29 Μαΐου 1922. Θαμμένος Vakhtangov στο νεκροταφείο Novodevichy.

(1883-1922) Ρωσικός ηθοποιός και σκηνοθέτης

Το όνομα της Evgenia Bagrationovich Vakhtangov εισήλθε στην ιστορία της ρωσικής και της παγκόσμιας θεατρικής κουλτούρας και πραγματοποιήθηκε σε πολλά σημαντικότερα στοιχεία.

Γεννήθηκε στην πόλη Βλαδικαβκάζ στη ρωσική-αρμενική οικογένεια εμπόρου. Ο πατέρας της Ευγενίας ήταν ένας διάσημος κατασκευαστής καπνού και ελπίζει ότι ο γιος της θα συνεχίσει την επιχείρησή του. Ωστόσο, ο νεαρός στο γυμναστήριο μεταφέρθηκε από το θέατρο, ο οποίος έγινε το θέμα της ζωής του. Παρά τη σκληρή απαγόρευση του πατέρα, ο Vakhtangov άρχισε να παίζει στις σκηνές ερασιτεχνικών θεάτρων του Βλαδιίκαβακα. Μετά την αποφοίτησή του από το Γυμνάσιο, εισήλθε στο Φυσικο-Μαθηματικό Τμήμα του Πανεπιστημίου της Μόσχας, όπου εισήλθε επίσης σε ένα φοιτητικό κύκλο θεάτρου.

Κατά το δεύτερο έτος, ο Eugene Vakhtangov μετακόμισε στη Σχολή Νομικής Σχολής και την ίδια χρονιά έκανε το ντεμπούτο του ως διευθυντή, θέτοντας τη φοιτητική απόδοση των "δασκάλων" στο έργο O. Ernst. Λίγο αργότερα, αφήνοντας τη Σχολή Νομικής Σχολής, εισήλθε στη Σχολή Δράμα Α. Adashev, στο τέλος της οποίας το 1911 υιοθετήθηκε στην τύρφη του θεάτρου της Μόσχας Τέχνης.

Σύντομα νεαρός ηθοποιός επέστησε την προσοχή του Konstantin Stanislavsky και τον εντάσσεται να οδηγήσει πρακτικά μαθήματα Σύμφωνα με την τεχνική της δράσης στο πρώτο στούντιο MCAT. Η ατμόσφαιρα της "στούντιο" με τις ασυμβίβαστες ηθικές και ηθικές απαιτήσεις της ήταν πολύ ευνοϊκή για τον Vakhtangov, ο οποίος συνέδεσε το δώρο του σκηνοθέτη και το ταλέντο του δασκάλου. Ήταν στο στούντιο ότι και οι δύο αυτές ιδιότητες αναπτύχθηκαν σε αυτό στο έπακρο.

Στο στάδιο του στούντιο, δημιούργησε αρκετές παραστάσεις του θαλάμου, όπου ενήργησε ως ηθοποιός. Σε αυτά, η Yevgeny έψαξε για νέες εικόνες εικόνων Ψυχολογική κατάσταση Ήρωας. Χωρίς ένα σκληρό πλαίσιο του συστήματος Stanislavsky, μεταφέρθηκε από τις ιδέες του Meyerhold για λίγο, αλλά σύντομα τους απέρριψαν.

Ο Vakhtangov Evgeny Bagrationovich πρότεινε το σύνθημα του "φανταστικού ρεαλισμού", με βάση την οποία έχτισε τη θεωρία του δικού του θεάτρου. Εκτός από τον Κ. Stanislavsky, πίστευε ότι ο κύριος άνθρωπος στο παιχνίδι ήταν ηθοποιός, αλλά πάντα διαχωρίστηκε την προσωπικότητα του ερμηνευτή από την εικόνα που ενσωματώθηκε στη σκηνή.

Στο τέλος, ο Evgeny Vakhtangov άρχισε να θέτει τις επιδόσεις με τον δικό του τρόπο. Το τοπίο σε αυτά αποτελείται από τα πιο κοινά οικιακά αντικείμενα. Σε αυτή τη συγκεκριμένη βάση, με τη βοήθεια του φωτός και της κουρτίνας, ο καλλιτέχνης δημιούργησε φανταστικούς τύπους υπέροχων πόλεων, όπως, για παράδειγμα, αυτό γίνεται στην αγαπημένη του παράσταση "Princess Turedot".

Κατά συνέπεια, τα κοστούμια των φορέων συνδέονται επίσης σκυρόδεμα και υπό όρους. Για παράδειγμα, ένα ασυνήθιστα κομψό, κεντημένο και γρήγορο ρόμπα τέθηκε σε ένα σύγχρονο κοστούμι. Για να τονίσουμε τη Σύμβαση του Τι συμβαίνει στη σκηνή, οι φορείς έβαλαν τα κοστούμια ακριβώς μπροστά από το κοινό, μετενσάρκουν τους χαρακτήρες τους.

Συνειδητοποιώντας τη δική τους Δημιουργικές ιδέεςΤο 1921, ο Evgeny Vakhtangov έβαλε στη σκηνή του στούντιο του Mauris Metherlinka "Θαύμα του Αγίου Αντωνίου" στη σκηνή. Ήταν ένα φωτεινό θεατρικό θέαμα, στο οποίο ο σκηνοθέτης και οι ηθοποιοί έκαναν ένα ενιαίο δημιουργικό σύνολο. Κατάφεραν να μεταφέρουν στον θεατή έναν πολύπλοκο συμβολισμό του παιχνιδιού, αποκαλύπτουν την ιδιαιτερότητα της μεταφορικής σκέψης του θεατρικού συγγραφέα, την προϋπόθεση των χαρακτήρων.

Το επόμενο έργο του Διευθυντή - Princess Turedot στο παραμύθι του ιταλικού συγγραφέα Carlo Gotszi - επέτρεψε στους κριτικούς να καταλήξουν στο συμπέρασμα ότι ο Vakhtangov δεν πραγματοποίησε πλέον απλώς ένα πείραμα σκηνής, αλλά άρχισε να δημιουργεί μια νέα κατεύθυνση στον θεατρικό διευθυντή.

Χρησιμοποιώντας τους χαρακτήρες-μάσκες και τεχνικές της ιταλικής κωμωδίας del Arte, ο σκηνοθέτης πλήρωσε το παραμύθι Σύγχρονα προβλήματα. Κάθε μία από τις επιδόσεις του έγινε γεγονός, επειδή όλα αυτά συνέβησαν αυτή τη στιγμή στη Ρωσία, οι ήρωες συζητήθηκαν ενεργά στη σκηνή. Ωστόσο, τα σύγχρονα ζητήματα του Evgeny Vakhtangov παρουσίασαν με τη μορφή ενός είδους παιχνιδιού, διαμάχης, διαφωνίας, διαλόγου των ηρώων. Ως εκ τούτου, οι ηθοποιοί δεν είναι πλέον έντονα κείμενα, αλλά έδωσαν το χαρακτηριστικό, συχνά το κακό και ειρωνικό, όλα όσα συνέβησαν στη χώρα.

Η Princess Turedot έγινε το τελευταίο έργο της Evgenia Bagrationovich Vakhtangov, ο οποίος πέθανε ξαφνικά λίγες μέρες πριν από την πρεμιέρα. Ωστόσο, οι αρχές μιας δυναμικής, κινούμενης απόδοσης, η οποία, όπως ήταν, δημιουργείται στα μάτια του κοινού, διατηρούνται για πάντα στην παράδοση του θεάτρου.

Είναι περίεργο ότι η παραγωγή της "Princess Turedot" έγινε περίεργη " επαγγελματική κάρτα"Θέατρο. Μετά από πενήντα χρόνια μετά την πρεμιέρα, το θέατρο επανέλαβε την παραγωγή της, η οποία έδειξε τις εγκαταστάσεις στις παραδόσεις του μεγάλου ιδρυτή του. Αυτό το έργο πρόσθεσε φήμη στους παλαιότερους Actrators - Wakhtangov και έκαναν διάσημα ονόματα Νέοι καλλιτέχνες. Princess Turedot B. Για διαφορετικά χρόνια Το Brilliant Cecilis of Mansurov και η Julia Borisov έπαιξε, και ο Πρίγκιπας Καλαφά - Γιούρι Ζαβάδσκι, Ruben Simonov, Vasily Lanova.

Evgeny Bagrationovich Vakhtangov - Ρωσικός σκηνοθέτης θεάτρου, ηθοποιός, δάσκαλος, ιδρυτής του θεάτρου Wakhtangov.

Πρώιμη περίοδος

Ο Evgeny Vakhtangov μεγάλωσε στην οικογένεια του αρμενικού κατασκευαστή. Ένας άλλος στη νεολαία του αρνήθηκε να εμπορική σταδιοδρομία και την κληρονομιά του πατέρα, που ασχολείται με θεατρικό ερασιτέχνη. Το 1903-1909, ο Eugene σπούδασε φυσικά, στη συνέχεια στη Σχολή Σχολείων του Πανεπιστημίου της Μόσχας. Το 1906, διοργάνωσε έναν δραματικό κύκλο φοιτητών πανεπιστημίου. Το 1909-11, ο φοιτητής της Σχολής Δράμας Α. Ι. Adashev, όπου ο V. V. V. Luzhsky, V. I. Kachalov και Leopold Solerzhitsky, ο οποίος είχε αντίκτυπο στις πρώτες θεατρικές απόψεις του Vakhtangov.

Όλοι που θέλουν να είναι ευχάριστοι είναι πάντα δυσάρεστο, θέλει έτσι να είναι ευχάριστο.

Στο τέλος του σχολείου, ο Evgeny Vakhtangov καταγράφεται στην MHT, πειραματικές τάξεις στο σύστημα "Stanislavsky" με μια ομάδα θεατρικής νεολαίας, η οποία ήταν ο πυρήνας του 1ου στούντιο του MHT (1912, άνοιξε το 1913. Από το 193 - McAT 2ND). Ως δάσκαλος του Vakhtangov μοιράστηκε το αισθητικό και ηθικό πρόγραμμα του Sulezhitsky Studio Director: ο στόχος της τέχνης είναι η ηθική βελτίωση της κοινωνίας, το στούντιο είναι η κοινότητα ομοειδών ανθρώπων, το παιχνίδι ενεργού είναι η αλήθεια των εμπειριών, η απόδοση είναι ένα κήρυγμα καλού και ομορφιάς.

Ως σκηνοθέτης Evgeny Vakhtangov προτιμά τις απότομες αντιθέσεις του καλού και του κακού στην οικοδόμηση μιας απόδοσης και το ενεργητικό στυλ ("World Holiday World" Gaptman, 1913; "πλημμύρα" Berger, 1915). Στο Rosmersholm, Heinrich Ibsen (1918, 1ο στούντιο) στην αντιπολίτευση ασκητικής φόρμας (γκρίζο πανί, μια αντίθεση φωτός, ελάχιστο αξεσουάρ) και η έντονη εσωτερική ζωή των ηθοποιών αποκάλυψε κυρίως θέμα Απόδοση: Σωστή αμφιβολία στην ελευθερία, ακόμη και αν η τιμή του θανάτου.

Στο "Θαύμα του Αγίου Αντωνίου" Maurice Meterlinka (πρώτη επιλογή, 1918) επικρατήθηκε από την παράδοση του Sulezhitsky: ανθρωπότητα, χιούμορ, μαλακή ειρωνεία. Ταυτόχρονα με το MHT και το στούντιο του Evgeny Vakhtangov οδήγησε Παιδαγωγική εργασία Σε μια σειρά από σχολεία θεάτρου της Μόσχας και ερασιτέχνες κύκλους. Μια ειδική θέση στη δημιουργική του μοίρα ανήκε στο φοιτητικό δραματικό στούντιο ("Mansurovskaya" - στο όνομα του Aller, όπου ήταν), με τα μέλη των οποίων το 1913 άρχισε να κάνει πρόβλεψη του έργου "Lanina Manor" BK Zaitseva ( Από το 1917 - Μόσχα Δραματικό Στούντιο Η ηγεσία του Ε. Β. Vakhtangov, από το 1920 - 3ο Studio MHT; από το 1926 - το θέατρο μετά το Evgeny Vakhtangov).

Τα χέρια είναι τα μάτια του σώματος.

Vakhtangov Evgeniy Bagrationovich

Δημιουργία νέου θεάτρου

Μαζί με τις παραστάσεις μετά την εκτόξευση του VASEVOLOD, Emilevich Meyerhold Productions του Vakhtangov το 1919-22 έθεσε το ίδρυμα του νέου θεάτρου. Στις παραστάσεις που παραδίδονται από τα έργα του πρώην δράματος, προσπάθησε να ενσωματώσει την εικόνα του επαναστατικού δέντρου, της τραγωδίας της ιστορικής εποχής του ολισθητήρα. Αλλάζει Αισθητική θέα Και οι καλλιτεχνικές εθισμοί, οι σημαντικές διατάξεις της θεωρίας και της παιδαγωγικής προσαρμόζονται. Διατηρώντας την πίστη στους γενικούς νόμους της εμπειρίας της εμπειρίας και της οργάνωσης της ενέργειας στην εικόνα, ο Ε. Vakhtangov εγκρίνει την ανάγκη για ένα νέο Γραφική γλώσσαΤο οποίο αντιστοιχεί στον χρόνο των κοινωνικών μάχες και των εκρήξεων αρνείται την ποιητική γνώση ενός οικείου ψυχολογικού και οικιακού θεάτρου, από τον "τέταρτο τοίχο" - οι ράμπες του MHT, που χωρίζουν τον κόσμο της σκηνής από την αίθουσα, διακηρύσσει τον «θάνατο του φυσικού», Επιδιώκει να επικοινωνήσει άμεσα με τον ηθοποιό και τον θεατή, απαιτεί μια εορταστική μαγευτική συμβατικότητα θεάτρου.

Η φωτεινή θεατρική και περιοριστική συγκέντρωση των σατυρικών χρωμάτων σημειώθηκε από τη δεύτερη έκδοση του θαύματος του Αγίου Αντωνίου (1921). Στο Chekhov "Γάμος" \u200b\u200b(1920), Evgeny Vakhtangov, "PIR κατά τη διάρκεια της πανώλης", το Panoptikum της Meshcheracy, ο πειρασμός της επαρχιακής οσμής. Στο Eric XIV, Α. Strindberg (1921, 1ο στούντιο) ενσωμάτωσε την τραγωδία των αρχών, τους λανθασμένους και εχθρικούς ανθρώπους, ακόμη και όταν ο κυβερνήτης (στην ερμηνεία του Vakhtangov και η εκτέλεση του Μ. Α. Chekhov) είναι γεμάτη καλή και ευγένεια. Κάθε μία από τις παραγωγές Vakhtangov 1921-22 με τεράστια έκφραση ανίχνευσε την αντιμετώπιση του σκοταδιού και του φωτός, του θανάτου και της νίκησης ζωής. Η τραγωδία έρχεται στο ποίημα της θριαμβευτικής αγάπης "Gadibuk" S. Ansky (Studio Gabim). Vakhtangov Formula "Fantastic Realism", Νέο Εκφραστικές ευκαιρίες Σκηνοθεσία του στη γενική σταδιακή λύση, τη σκηνογραφία, τις συνθέσεις μαζικών σκηνών και τις πλαστικές λωρίδες των αριθμών εισήλθαν στο οπλοστάσιο του θεάτρου του 20ού αιώνα.

Τι δεν επιστρέφετε στην ψυχή των ανθρώπων, αυτό που δεν μαντεύει στην καρδιά του λαού, δεν μπορεί ποτέ να είναι μακρά.

Vakhtangov Evgeniy Bagrationovich

"Princess Turedot"

Εμφανισμένη στη φύση και τη δημιουργικότητα της Evgenia Vakhtangov, η αρμονική αρχή ("χαρούμενος meyerhold", μίλησα για τον M. A. Chekhov) ενσωματώθηκε στην αφρώδη επιδόσεις του σκηνοθέτη - "Princess Turedot" του Karl Gozzi (1922). Η απόδοση σχεδιάστηκε ως ένα πείραμα στον τομέα της ενεργού εξοπλισμού: τα στούντιο ταυτόχρονα έπαιξε τους εαυτούς τους, τους καλλιτέχνες της ιταλικής κωμωδίας del Arte, που παίζουν το παραμύθι του Gozzi και τελικά οι χαρακτήρες παραμύθι. Η απόδοση χτίστηκε και μειωμένη αυτοσχεδιαστική (repress για τα θέματα της ημέρας, του ενδιάμεσου-μανδομίμου, υπηρέτες της νυχτερινής, ειρωνικών "εξόδων από το ρόλο"), συνειδητά καταστράφηκε τις παράλειψες στη διατήρηση της μέγιστης ειλικρίνειας και την αλήθεια της εμπειρίας .

Σημαντικά ξεπερνώντας την εκχώρηση του αρχικού διευθυντή, ο Vakhtangov έγινε οι κλασικοί του θεάτρου, παρήγαγαν μια "ισχυρή μετατόπιση" (Nemirovich-Danchenko) στην τέχνη της ρωσικής σκηνής. Η πρεμιέρα του παιχνιδιού έλαβε χώρα όταν ο Evgeny Vakhtangov ήταν ήδη θανατηφόρος άρρωστος. Του δημιουργική δραστηριότητα έσπασε μακριά, ίσως στο υψηλότερο σημείο. Φοιτητές του Vakhtangov - Boris Vasilyevich Schukin, Ruben Nikolaevich Simonov, Ts. L. Mansurov, Γιούρι Aleksandrovich Zavadsky και άλλοι.

Vakhtangov, Evgeni Bagrationovich (1883-1922), ένας εξαιρετικός διευθυντής, ηθοποιός, δάσκαλος που απέδειξε πρακτικά ότι "οι ανοιχτοί νόμοι του δασκάλου της της οργανικής συμπεριφοράς ενός ατόμου στη σκηνή εφαρμόζονται στην τέχνη οποιασδήποτε αισθητικής κατεύθυνσης" και σε νέες γραφικές συνθήκες που υπαγορεύεται από την κλίμακα των επαναστατικών γεγονότων. Ο Vakhtangov δημιούργησε μια νέα θεατρική κατεύθυνση του "φανταστικού ρεαλισμού".

Στούντιο Νεολαία και είσοδος στο MHT. Ο Vakhtangov γεννήθηκε 1 (13) του Φεβρουαρίου του 1883 στο Βλαδικαββκάζ στη Ρωσική-Αρμενική υψόμετρο-πατριαρχική οικογένεια του κατασκευαστή του καπνού. Έχοντας απορρίψει την εμπορική καριέρα και η κληρονομιά του Πατέρα-κατασκευαστή, έγινε ενδιαφέρον για το ερασιτεχνικό θέατρο. Το χάσμα με τον πατέρα, ο οποίος ονειρευόταν μια εμπορική καριέρα για ένα γιο, σήμαινε ένα διάλειμμα με το μέσο του για τον νεαρό Vakhtangov. Το θέμα της οικογενειακής κόλασης, ο αμοιβαίος βασανισμός πραγματοποιήθηκε σε ένα από τα πρώτα σκηνοθετικά έργα του Vakhtangov, ως ένα προσωπικό, βαθιά πέτρινο θέμα (οι διακοπές του κόσμου του Gautopmman, 1913).

Το 1903-1909 σπούδασε στην αρχή φυσικά, περαιτέρω στις σχολές του Πανεπιστημίου της Μόσχας. Το 1907-1909, έγραψαν δοκίμια και άρθρα για την καυκάσιος εφημερίδα "Terek". Εγκαταστήθηκα τις παραστάσεις και έπαιξα στους σπουδαστές κύκλους της Ρίγας, του τρομερού, του Βλαδιίκαβα, τη Βυάζμα και άλλες πόλεις (θείος Vanya A.P.Hekhov, Dackets και στο κάτω μέρος του M. Gorky, στις τσαρικές πύλες Κ. Gamsun et αϊ.). Το 1906, διοργάνωσε έναν δραματικό κύκλο φοιτητών του Πανεπιστημίου της Μόσχας. Το πάθος για το ερασιτεχνικό θέατρο που καθορίστηκε σε μεγάλο βαθμό Περαιτέρω ζωή Και το έργο του Vakhtangov. Του Ερασιτεχνικό θέατρο Έκανε τον εθισμό στο στούντιο και το πείραμα, το πνεύμα της αυτοσχεδιασμού και της απαγόρευσης της υπηρεσίας.

Το 1909, ο Vakhtangov εισήλθε στα μαθήματα της Δράμας Α.i. Adashev, που ονομάστηκε από το όνομα του σκηνοθέτη, όπου ο V.V. Luzhsky, ο V.I Kalokov, καθώς και ο Tolstovist L.A.Suleryitsky, ο οποίος είχε σοβαρό αντίκτυπο στο σχηματισμό ενός δημιουργικού προσώπου, την κοσμοθεωρία και πρώιμη θεατρική θέα του Vakhtangov. Οι ιστορικοί του θεάτρου αναγνωρίζονται ως ο ρόλος του Solerzhitsky της "Obest γιαγιά" του συστήματος Stanislavsky. Η ενότητα της ηθικής και της αισθητικής στη θεατρική τέχνη εγκρίθηκε στην πρακτική του θεάτρου Stanislavsky, Sielezhitsky, και ο πιο πιστός και ταλαντούχος φοιτητής τους, ο Vakhtangov. Στο τέλος των μαθημάτων το 1911, ο Vakhtangov ήταν εγγεγραμμένος στο MHT. Έπαιξε στα επεισόδια των παραστάσεων (Live Corpse L.N. Tolstoy - Gypsy; Hamlet W. Waxpiera - ένας ηθοποιός παίζει τη βασίλισσα. Blue Bird M.Terlinka - ζάχαρη · Nikolay Stavrogin σε Besoms F.M.Dostoevsky είναι αξιωματικός κλπ.). Το υπουργείο στο θέατρο τον έφερε στο πνεύμα των θεμελιωδών αρχών του καταλόγου του MHT, απαιτώντας τον ηθοποιό της γνωστοποίησης της "ζωής Ανθρώπινο πνεύμα", Άψογη αίσθηση του συγκροτήματος, κατανοώντας την καλλιτεχνική ακεραιότητα της απόδοσης. Ο Vakhtangov έγινε βοηθός για την Κ. Stanislavsky στην ανάπτυξη και την επαλήθευση μιας νέας μεθόδου δράσης, σύντομα ονομαζόταν το σύστημα Stanislavsky.

"Έξοδος από το θέατρο από το θέατρο." Από το 1911, ο Vakhtangov οδήγησε πειραματικές τάξεις στο "σύστημα" με την ομάδα νεολαίας του θεάτρου, που ήταν ο πυρήνας του πρώτου στούντιο MHT. Ο Vakhtangov μοιράστηκε και εφάρμοσε το αισθητικό και ηθικό πρόγραμμα του διευθυντή του Sulezhitsky, το οποίο συνίστατο στα εξής: ο σκοπός της εξυπηρέτησης της τέχνης αποτελεί ηθική αυτο-βελτίωση. Ομάδα στούντιο - κοινότητα ομοειδών ανθρώπων. Το ενεργητικό παιχνίδι είναι η πλήρης αλήθεια των εμπειριών. Η απόδοση είναι ένα κήρυγμα καλού και ομορφιάς. Στις ημερολόγι του εκείνων των ετών, ο Wahtangov έγραψε: "Θέλω ονόματα στο θέατρο. Θέλω ο θεατής στο θέατρο να αποσυναρμολογήσει στα συναισθήματά του, θα τους έφερνε στο σπίτι και θα ζούσαν για μεγάλο χρονικό διάστημα. Αυτό μπορεί να γίνει μόνο όταν οι καλλιτέχνες (όχι ηθοποιοί) θα αποκαλύψουν ο ένας τον άλλον στο παιχνίδι στο παιχνίδι οι ψυχές τους χωρίς να ψέματα ... Εξηγήστε το θέατρο θέατρο. Από τον ηθοποιό παιχνιδιού. Εξαιτίας μακιγιάζ, κοστούμι. Ο ηγετικός ρόλος του Vakhtangov στη μελέτη και η προπαγάνδα του "συστήματος" υπογράμμισε τον εαυτό του Stanislavsky. Στην ουσία της αναζήτησης της αναζήτησης, έγραψε: "... στην καταστροφική, επαναστατική επιθυμία του, για χάρη της ενημέρωσης της τέχνης, δηλώσαμε τον πόλεμο σε οποιαδήποτε σύμβαση στο θέατρο, σε ό, τι εκδηλώνεται: στο παιχνίδι , παραγωγή, διακοσμήσεις, κοστούμια, ερμηνεία του παιχνιδιού, και ούτω καθεξής..

Η πρόβα της απόδοσης των διακοπών του κόσμου Guputman, ο οποίος ήταν να ανοίξει επίσημα το πρώτο στούντιο MHT, πήγε ως μια συνεπή ανάπτυξη του "συστήματος". Ωστόσο, σε μια έντονη ερμηνεία του Vakhtangov, οι ιδέες του δασκάλου ανακάλυψαν άγνωστα πρόσωπα: φυσιολογισμό, επιδεινώθηκε σε υπερβολές, ψυχολογισμό, έφερε στη φρενίτιδα. Το σκεύασμα δεν υιοθετήθηκε κατηγορηματικά από τον Stanislavsky, αν και σε αυτή την απόδοση του Vakhtangov για πρώτη φορά το πιο πλήρως εξέφρασε τον προσωπικό του πόνο. Το χαρακτηριστικό χαρακτηριστικό των περιοδικών λύσεων του Vakhtangov στη σκηνή στούντιο είναι ένας αντίθετος διαχωρισμός του καλού και του κακού. Στον εορτασμό του κόσμου, το συναισθηματικό κέντρο της παράστασης ήταν το σύντομο και εύθραυστο ειδύλλιο της φιλίας, το οποίο επέστρεψε κατά τη διάρκεια της συνάντησης της οικογένειας, όπου όλα διαμάχησαν και μισούν ο ένας τον άλλον. Το βραχυπρόθεσμο ειδύλλιο δει μόνο το αμοιβαίο μίσος, εγωισμό, τη φθορά των παραδοσιακών συνδέσεων. Αυτές οι ώρες ασθένειες του Vakhtangov αναλύθηκαν με ανελέητα τις ανεπιθύμητες ψυχές των ηρώων. Η ειλικρινή αλήθεια της απόδοσης φοβισμένος και σοκαρισμένος.

"Art Lee;" - Ένας σύγχρονος κριτικός του Vakhtangov γράφτηκε και ο ίδιος απάντησε πειστικά την ερώτησή του: "Αλλά αν όλα αυτά δεν κλαίνε, χωρίς να κυματίζουν τα χέρια, δεν αγγίζουν τα μάτια, αυτό επιτεύχθηκε με μια εντελώς εξαιρετική απλότητα του τόνου, αυτή η απλότητα που δεν επιτεύχθηκε Στο καλλιτεχνικό θέατρο, η απλότητα, η οποία είναι τρομερή και πολύ πιο δύσκολη η ανύψωση οποιασδήποτε απατεώνας. "

Η επίδραση ενός ξαφνικού μετασχηματισμού, ένα άλμα από την εχθρότητα και το κακό στο ιδεώδες της αγάπης και της ευημερίας έγινε μια από τις σημαντικές εποικοδομητικές τεχνικές του σκηνοθέτη Vakhtangov. Το έργο της πλημμύρας (1915) του Berger χτίστηκε ως τριάδα: η πρώτη πράξη - "Wolf Mellas της Business America", εκπρόσωποι διαφόρων κοινωνικών ομάδων των οποίων συλλέγονται από τη βούληση των περιστάσεων. Η δεύτερη πράξη είναι μια έντονη γιορτή ενότητας σε πρακτικά της φαινομενικής απειλής του θανάτου. Η τρίτη πράξη - "Επιστρέψτε στους κύκλους", όταν πέρασε η απειλή. Κατά την εκτέλεση του Criccack στον φούρνο (1914, το Studio MHT, η παραγωγή. BMSUSCHKEVICH) Η φιγούρα της κακής παραγόμενης πραγματοποίησης του Tekrtton, που παίζεται από τον Vakhtangov σε ένα οξεία χαρακτηριστική φιγούρα, εμφανίστηκε στην αντίθεση με την άνεση του Dickensovskoye Composition, με έναν υπογραμμισμένο μηχανισμό κινήσεων και μια νεκρή μάσκα. Αυτή η εικόνα εισήλθε στην ιστορία του θεάτρου ως ένα λαμπρό δείγμα θεατρικής grotesque, και το ίδιο το παιχνίδι, ως διαμαρτυρία ενάντια στην αρχή του πολέμου και του ύμνου της ανθρωπότητας. Στο Rosmersholm (1918), ο ασκητισμός του Gibsen της εξωτερικής μορφής (γκρίζο πανί, το παιχνίδι του φωτός, το ελάχιστο των αξεσουάρ) και η ένταση της εσωτερικής ζωής των ηθοποιών που χρησίμευαν για να αποκαλύψουν το θέμα της ζωής-επιβεβαιώνοντας το θέμα - μια τολμηρή ανακάλυψη των ηρώων Ελευθερία, αν και η τιμή του θανάτου. Στο Rosmersholm, ολοκληρώθηκε η προ-επαναστατική αναζήτηση για τον Vakhtangov στον τομέα του ψυχολογικού ρεαλισμού.

Ομοίως, η παιδαγωγική εργασία σε μια σειρά θεατρικών σχολείων της Μόσχας διεξήγαγε μια σειρά από θεατρικές σχολές της Μόσχας και συνέχισε να οδηγεί σε ερασιτέχνες κύκλους και συνέχισε να οδηγεί τον Vakhtangov. Ο Stanislavsky εκτιμά την «επιμονή και καθαρότητα» Vakhtangov και στις δραστηριότητές του ως το πρότυπο του προπαγανδιστή είδε το κλειδί για να ενημερώσει το θέατρο. Στην πράξη, ο Vakhtangov διεξήχθη από τις ιδέες του στούντιο - την ηθική "αιτιολόγηση του θεάτρου" ως δημιουργικότητα της ζωής, τους κανόνες της άψογης πειθαρχίας και της εταιρικής ευθύνης, μίσος για άδειο υποκριτικό. Μεταξύ των ομάδων νέων, όπου το 1912-1922 δίδαξα τον Vakhtangov (δράμα C.V. Khalyutina, Εβραϊκό στούντιο "Gabima", δεύτερο στούντιο Mht, Studio a. Gongst, Studio F.Sasalyapina, Αρμενικό στούντιο, ταινία στούντιο B. Tchaikovsky et al.) Ένα ειδικό Το μέρος ανήκε στο Student Drama Studio (Mansurovskaya), όπου το 1913 άρχισε να επαναλαμβάνει το παιχνίδι της BK Zaytseva Lanina Manor (Premiere το 1914). Αυτή η κούπα της ευφυής νεολαίας προοριζόταν να γίνει περαιτέρω ένα δραματικό στούντιο της Μόσχας υπό την ηγεσία του Ε. Β. Vakhtangov (από το 1917), το τρίτο στούντιο MCAT (από το 1920), το κρατικό θέατρο. Vakhtangov (1926).

"Ήρθε η ώρα". Η επανάσταση του Οκτωβρίου και η κοινωνική αλλαγή που προκλήθηκαν από αυτό είχε βαθιά επίδραση στον Vakhtangov. Η αρχή ενός νέου σταδίου του σκηνοθέτη δημιουργίας καθορίζει στο άρθρο "από τον καλλιτέχνη θα ρωτήσει ...", γραμμένο το 1919, η οποία είναι μία από τις πρώτες εκδηλώσεις του Σοβιετικού καταλόγου. "Αν ο καλλιτέχνης θέλει να δημιουργήσει" νέο ", να δημιουργήσει αφού ήρθε, επανάσταση, τότε πρέπει να δημιουργήσει με τους ανθρώπους. Ούτε γι 'αυτόν, ούτε γι' αυτόν, ούτε έξω από αυτό, και μαζί του "γράφει ο Vakhtangov.

Η νέα επαναστατική τέχνη κατευθύνθηκε σε εκείνα τα χρόνια στην εμφάνιση της νεωτερικότητας στις μορφές γενικευμένων, μεταφορικών. Πρόσωπα Σοβιετικό Θέατρο Ψάχνετε για γλώσσα μη μετοχής. Μια τέτοια γλώσσα ψάχνει για τον Vakhtangov. Ο χρόνος απαιτεί τα ενσωματωμένα συναισθήματα και αρχές έκφρασης ικανών να εκφράζουν τη "μουσική της επανάστασης". Για τον Vakhtangov, αυτή η αρχή γίνεται "φανταστικός ρεαλισμός", απορροφώντας τόσο την υπερβολή και το grotesque και ένα booide αρχή. Το μετα-επαναστατικό Vachtangs αλλάζει απότομα τη στάση του στη μορφή. "Είναι καιρός να επιστρέψετε το θέατρο στο θέατρο!" - διακηρύσσει τον διευθυντή που προηγουμένως υποστήριξε το αντίθετο. Ο ψυχολογισμός του τμήματος του πρώτου στούντιο MHT ξεπερνάει με επιτυχία και το έργο του Vakhtangov εξελίσσεται γρήγορα. Αλλά ο νεωτερισμός για τον Vakhtangov δεν εντοπίστηκε ποτέ με άμεσες ενώσεις, δημοσιογραφία. Βαθιά απογοητευτικά ακούγεται τέτοιες παραγωγές του Vakhtangov στο Νέα έκδοση 1920, σαν ένα θαύμα του Αγίου Ανθίου M.Terlinka, Eric 14 Yu.A.Strinberg, γάμος A.P.HEHHOVA.

Απαγορεύοντας την ποιητή ενός οικείου ψυχολογικού και εγχώριου θεάτρου, οι Wahtangs ταυτόχρονα διατηρούσαν τους νόμους της εμπειρίας των εμπειριών και των οργανικών δραστηριοτήτων. Προς αυτή την κατεύθυνση, οι πιο σημαντικές αναζητήσεις για τον διευθυντή, συμπεριλαμβανομένου του Τελευταία αριστουργήματα: Princess Turedot Charles Gotszi και Gadibuk S.Ansky (S.A.Rapoporta), που παρέχεται το 1922.

Ο Wahtangov υποστήριξε την ανάγκη για ένα νέο στάδιο, τον κατάλληλο χρόνο. Ο διευθυντής υποστήριξε με το έργο του ότι η τέχνη της εμπειρίας, η ζωτική αλήθεια και η αλήθεια των πάθους μπορεί και πρέπει να ενσωματωθούν σε μορφές πάνω από την εγχώρια, grotesque, έντονα θεατρική παράσταση.

Η εξέλιξη που συνέβη με τον Vahantangov είναι σαφώς ορατό όταν συγκρίνει δύο εκδόσεις του θαύματος του Αγίου Αντωνίου. Το πρώτο συντακτικό γραφείο του θαύματος (1918) έγινε από τον Vakhtangov στο πνεύμα της ζεστής ανθρωπότητας, καλή ειρωνεία και συμπάθεια για Απλούς ανθρώπους. Στην πρώτη έκδοση της απόδοσης, ο σκηνοθέτης ανέπτυξε προσεκτικά μια εικόνα της ζωής του μεσαίου αστικού, αναζητώντας εκφραστικές εγχώριες λεπτομέρειες. Μετά την επανάσταση, η απόδοση υποβλήθηκε σε καθοριστική αναθεώρηση. Το περιτύλιγμα του προηγούμενου ημίτονο είναι μείγματα, εισάγει μόνο δύο αντίθεση χρώματα - λευκά και μαύρα και γραφικά καθαρά και αιχμηρά τόνοι κυριαρχούν στην απόδοση. Τουλάχιστον καθημερινή γεύση. Ο διευθυντής δεν καταλαμβάνει τον εαυτό του, αλλά η ειρωνική κατανόηση. Στη σκηνή, όλη η παλέτα της υποκρισίας, της συμπόνιας, του φθόνο, άπληστοι, ξεδιπλωμένοι. Μια γνωστή εικόνα γεμίστηκε με ένα νέο νόημα. Ο Vakhtangov εξαφανίστηκε με τον αστικό κόσμο, με το παραμορφωμένο πρόσωπο και τις ημιαυτόματες κινήσεις του. Κάθε ένα από τα στοιχεία δράσης ήταν έντονα οριοθετημένη, εξαιρετικά αιχμηρό και αναγνωρίσιμο τύπο. Το πλήθος εμφανίστηκε μια φαντασμαγοράριο. Αυτές ήταν οι σκιές των ανθρώπων, τα φαντάσματα, οι κούκλες, οι οποίοι είναι αλλοδαποί σε όλους τους ανθρώπους.

"Όλα ήταν υπερβολικά," θυμάται ο B. Zakhava, φοιτητής του Vakhtangov και συμμετέχοντα στο παιχνίδι, δείχνει, υπερβολικά, μερικές φορές στο βαθμό κινούμενων σχεδίων ή καρικατούρων και επομένως θα μπορούσε εύκολα να φαίνεται σκόπιμη, τεχνητή και αδικαιολόγητη. Καταλβαψήσαμε ότι είναι δυνατόν να αποφύγουμε αυτό με έναν τρόπο: να δικαιολογήσετε και να το γεμίσετε ... ". Στο θαύμα, το grotesque εγκρίθηκε ως ένα ουσιαστικό κίνητρο ολόκληρης της απόδοσης. Για τον Vakhtangov, αυτό σήμαινε μια μετατόπιση της εικόνας σε ένα φανταχτερό, φανταστικό σχέδιο, καθώς και τη στάση του ηθοποιού στον ήρωά του, διάλογο με έναν τρόπο. Στο γάμο Chekhov (1920), το τρίτο στούντιο του MHT, ο Vakhtangov κατάφερε να δει την "προβλήτα κατά τη διάρκεια της πανώλης", ο κόσμος των πλέγματος και του ματιών, όπου ένας ψεύτικος άντρας αποδείχθηκε ένας ψεύτικος άνθρωπος, μοναχικός γράψιμο σε συμπάθεια .

Τέχνη του ηθοποιού στο σύστημα θεάτρου Wakhtangov. Ο ηθοποιός του Vakhtangov βρέθηκε στο πρόσωπο του Mikhail Chekhov, στην οποία είδε ένα σύμμαχο στις ιδέες του. Ο Wahtangov εγκρίνει την προτεραιότητα της ταυτότητας του ηθοποιού με τον τρόπο που δημιουργήθηκε.

Η πρεμιέρα του Erika 14 με τον Μ. Chekhov στον ηγετικό ρόλο έλαβε χώρα το 1921. Οι διακοσμήσεις του καλλιτέχνη I.Nivinsky παρήγαγαν ένα ανεξίτηλο κηλίδες - λοξότμητα αεροπλάνα, αιχμηρές γωνίες, Zigzags χρυσού και ασημένιου αστραπή. Τα κοστούμια είναι προσαρμοσμένα με κυβαλλισμό. Πτώση σπασμένων κολώνων του παλατιού ή φυλακή, λαβυρίνθους σκαλοπατιών και, τοποθετημένα από τον Vakhtangov μεταξύ των δύο κόσμων - ζωντανός και ο νεκρός - ο ίδιος ο eric με τεράστια vrublevsky μάτια και θλιβερούς δευτερεύοντες δευτερεύοντες δάκρυα στο πρόσωπό του. Στο φόντο του νεκρού στρογγυλού χορού του γηπέδου, η θανατηφόρα χλωμό χημική βασίλισσα (S. Birman), ο Eric-Chekhov μοιάζει με ένα αδύναμο πολωμένο παιδί. Αλλά ο σκηνοθέτης οδηγεί αμείλικτα τον ηθοποιό στο τραγικό ύψος. Σε αυτή την παράσταση, ο Vakhtangov ενσωμάτωσε την τραγωδία της Βασιλικής Αρχής, τους λάθος και εχθρικούς ανθρώπους, ακόμη και όταν ο ηγέτης είναι γεμάτος καλός και ευγενείς, το οποίο ο Eric ήταν στην ερμηνεία του Vakhtangov και την εκτέλεση του Μ. Chekhov. Σε κάθε μία από τις παραγωγές με τεράστια έκφραση, ανιχνεύθηκε η αντιπαράθεση του σκοταδιού και του φωτός, του θανάτου και της ζωής. Η μεγαλύτερη δύναμη έφτασε σε αυτή τη σύγκρουση τραγωδίας στο Gadibuk (στούντιο "Gabima", 1922), όπου ο Vakhtangov κατάφερε να δημιουργήσει το ποίημα της θριαμβευτικής αγάπης, χρησιμοποιώντας τις νέες δυνατότητες του καταλόγου θεάτρου 20 αιώνα.

Η τελευταία απόδοση του Vakhtangov Princess Tuandot K.Hotszi (1922) εξακολουθεί να γίνεται αντιληπτό ως το πιο σημάδι. Η Turenta με όλη την χαλαρή από την επανάσταση ακούγεται ως "ο ύμνος της νικηφόρας επανάστασης".

Ο διευθυντής οδήγησε σε μια νέα αισθητική δεν είναι η διαίσθηση, αλλά μια σαφής κατανόηση του στόχου της θεατρικής τέχνης, το οποίο εξέτασε σε στενή σχέση με την επαναστατική πραγματικότητα. "Αυτή η επανάσταση απαιτεί από εμάς Καλές φωνές, τοπία, ειδική ιδιοσυγκρασία και οτιδήποτε άλλο, που αναφέρεται στην εκφραστικότητα. "

Ο Wahtangov ένιωσε έντονα την ποιητική του θεάτρου παιχνιδιού, την ανοικτή σύμβαση, τον αυτοσχεδιασμό. Σε αυτό το θέατρο, πολύ από τις αρχαίες πηγές της σκηνής, λαϊκούς παίζοντας, τετράγωνα και πνευματικά γυαλιά. Το παιχνίδι φαίνεται να κατηγορείται για τον αέρα της Ρωσίας της δεκαετίας του 1920. Και το παράδοξο είναι ότι το 1921, πεινασμένο και κρύο, και σαν να μην διασκεδάζουν καθόλου. Αλλά παρά τα πάντα, οι άνθρωποι αυτής της εποχής είναι γεμάτοι με μια ρομαντική διάθεση. Η αρχή του "ανοιχτού παιχνιδιού" γίνεται η αρχή της Turedot. Το παιχνίδι του ηθοποιού με τον θεατή, με θεατρικό τρόπο, με τη μάσκα γίνεται η βάση της απόδοσης. Διακοπές απόδοσης. Και οι διακοπές είναι στις διακοπές ότι όλα αλλάζουν σε μέρη. Και οι καλλιτέχνες Vakhtangov παίζουν κοσκινογραφημένη κωμωδία. Η παράσταση σχεδιάστηκε ως ένα πείραμα στον τομέα του ενεργού εξοπλισμού, περίπλοκο στην εργασία: τα στούντιο έπρεπε ταυτόχρονα να παίζουν τον εαυτό τους και οι καλλιτέχνες της ιταλικής κωμωδίας των μάσκες που παίζουν το παραμύθι του Gozzi και τελικά οι ίδιοι οι χαρακτήρες. Η απόδοση χτίστηκε και ο αυτοσχεδιαστικός χτίστηκε και προβληματίστηκε, περιλάμβανε αντίγραφο σχετικά με το θέμα της ημέρας, των ενδιάμεσων παντομίνων, των συνειδητών ειρωνικών καταστημάτων και ρόλων, υπό την επιφύλαξη της ειλικρίνειας και της αλήθειας εμπειρίας. Ο Διευθυντής επιμένει και επιτυγχάνει από καλλιτέχνες πραγματικής μετενσάρκωσης και πραγματικής εμπειρίας στον ρόλο. Αλλά ο ίδιος ο Vakhtang δεν πίστευε ότι ο Tuardot ήταν ένα σταθερό σταδίων Canon, πιστεύοντας ότι κάθε φορά που πρέπει να ανοίξει η μορφή της απόδοσης.

Η απόδοση έχει γίνει τεράστιο όχι μόνο καλλιτεχνικό, αλλά και δημόσιο γεγονός. Τα πλεονεκτήματά του εκτιμούσαν πρώτα τον Stanislavsky, ο οποίος είδε ότι η δημιουργικότητα του Vakhtangov είχε ένα μεγάλο μέλλον. Πρώιμος θάνατος από την ανίατη ασθένεια το 1922 διακόπτεται Δημιουργικός τρόπος Vakhtangov, αλλά οι θεατρικές ανακαλύψεις που έγιναν από αυτούς στον τομέα του σύγχρονου σκηνοθέτη, ενεργώντας και παιδαγωγική έδωσαν μια ολόκληρη αισθητική κατεύθυνση, που ονομάζεται Vakhtangovsky.

7. Θεατρική δραστηριότητα Γ. Ibsen: Εργασία προς την κατεύθυνση της εθνικής-ρομαντικής παράδοσης, κοινωνικο-ψυχολογικό δράμα, συμβολικό δράμα. Το συνολικό χαρακτηριστικό της δημιουργικότητας.

Ibsen, Henrik Johan (1828-1906), νορβηγικός θεατρικός συγγραφέας και Θέατρο, ένας από Διάσημα κλασικά Δυτικό Ευρωπαϊκό Θέατρο 19 V.

Η ζωή και η δημιουργικότητα του Ibsen είναι γεμάτη από τις πιο εκπληκτικές αντιφάσεις. Έτσι, είναι ένας παθιασμένος απολογητής για την εθνική απελευθέρωση και την αναβίωση Εθνικός πολιτισμός Νορβηγία, πέρασε τότε είκοσι επτά χρόνια σε εθελοντική εξορία στην Ιταλία και τη Γερμανία. Έχοντας παρασυρθεί με τη μελέτη της Εθνικής Λαϊκής, καταστρέφει με συνέπεια το ρομαντικό φωτοστέφανο της λαϊκής έρωτας στα έργα του. Η δομή του σχεδίου των παιχνιδιών του χτίστηκε τόσο σκληρά που μερικές φορές συνορεύει με τα σύνορα, αλλά δεν είναι σκασίματα σε αυτά και διαβίωσης και πολλαπλών ήρωων. Ο δραστικός ηθικός σχετικισμός του Ibsen σε συνδυασμό με το "σίδηρο" και ακόμη και η μοντέρνα λογική της ανάπτυξης του οικοπέδου σας επιτρέπει να ερμηνεύετε εξαιρετικά διαφορετικά τα έργα του. Έτσι, ο Ibsen αναγνωρίζεται ως θεατρικός συγγραφέας του ρεαλιστικού διευθυντή, αλλά οι συμβολιστές θεωρούν έναν από τους σημαντικότερους ιδρυτές της αισθητικής τους ροής. Ταυτόχρονα, μερικές φορές ονομάζεται "Freud στη Δραματουργία". Η γιγαντιαία δύναμη του ταλέντου του επέτρεψε να συνδυάσει οργανικά στο έργο του μια μεγάλη ποικιλία, ακόμη και πολική, - θέματα, ιδέες, προβλήματα, μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης.

Γεννήθηκε στις 20 Μαρτίου 1828 στη μικρή νορβηγική πόλη του Στιέν σε μια πλούσια οικογένεια, αλλά το 1837 ο πατέρας του έσπασε και η θέση της οικογένειας άλλαξε. Μια απότομη μετάβαση στις κοινωνικές βάσεις ήταν ένα σοβαρό ψυχολογικό τραύμα για το αγόρι, και αυτός ο ένας τρόπος αντανακλάται στην περαιτέρω δουλειά του. Ήδη από 15 χρόνια, αναγκάστηκε να αρχίσει να κερδίζει ένα ζωντανό - το 1843 πήγε στο μικροσκοπικό Gorodishko Grimstad, όπου πήρε δουλειά ως φοιτητής του φαρμακοποιού. Σχεδόν η ζωή του Nishchensky του κοινωνικού ζουμ προκάλεσε την IBSEN να αναζητήσει αυτοπεποίθηση σε μια άλλη περιοχή: γράφει ποιήματα, σατρικά επιγράμματα σε αξιοσημείωτες αστικές του Grimstad, σχεδιάζει καρικατούρες. Αυτό φέρνει φρούτα: μέχρι το 1847 γίνεται πολύ δημοφιλής μεταξύ του ριζοσπαστικού δήμου νεολαίας. Μια μεγάλη εντύπωση σε αυτό έγινε από επαναστατικά γεγονότα 1848, τα οποία σάρωσαν σημαντικό ρόλο. Δυτική Ευρώπη. Ο Ibsen συμπληρώνει τη δική του Ποιητική δημιουργικότητα Πολιτικοί στίχοι, καθώς και γράφει το πρώτο παιχνίδι της Catilina (1849), που απορροφάται με τυραννοβοειδή μοτίβα. Το παιχνίδι δεν απολάμβανε επιτυχία, αλλά τον ενίσχυσε να επιλύσει για να συμμετάσχει στη λογοτεχνία, την τέχνη και την πολιτική.

Το 1850 φύλλα για τη Christia (από το 1924 - Όσλο). Ο στόχος του είναι να εισέλθει στο πανεπιστήμιο, ωστόσο νέος άνδρας Καταγράφει την πολιτική ζωή της πρωτεύουσας. Διδάσκει την Κυριακή Σχολή Εργασίας, συμμετέχει σε διαδηλώσεις διαμαρτυρίας, συνεργάζεται με τον Τύπο - μια εφημερίδα εργασίας, ένα περιοδικό φοιτητικής κοινωνίας, συμμετέχει στη δημιουργία ενός νέου κοινωνικού και λογοτεχνικού περιοδικού "Andrimer". Και συνεχίζει να γράφει παιχνίδια: Bogatyr Kurgan (1850, ξεκίνησε στο Grimstad), κανόνα ή αγάπη πολιτική (1851), Ivanov Night (1852). Την ίδια περίοδο, συναντά τον θεατρικό συγγραφέα, τη θεατρική και Δημόσιο πρόσωπο Bjarnistne björnson, με τον οποίο βρίσκεται μια κοινή γλώσσα με βάση την αναβίωση Εθνική αυτο-συνείδηση Νορβηγία.

Αυτή η ταχεία δραστηριότητα του θεατρικού συγγραφέα το 1852 οδήγησε στην πρόσκλησή του προς τη θέση καλλιτεχνικός διευθυντής Το πρόσφατα δημιουργημένο πρώτο νορβηγικό Εθνικό Θέατρο στο Μπέργκεν. Σε αυτή τη θέση, παρέμεινε μέχρι το 1857 (αντικατέστησε τον B. Bisteron). Αυτή η στροφή στη ζωή του Ibsen μπορεί να θεωρηθεί εξαιρετική επιτυχία. Και δεν είναι μόνο ότι όλα τα έργα που γράφονται στην περίοδο του Μπέργκεν έβαλαν αμέσως στη σκηνή. Η πρακτική μελέτη του θεάτρου "από το εσωτερικό" βοηθά την αποκάλυψη πολλών επαγγελματικών μυστικών και ως εκ τούτου συμβάλλει στην αύξηση των δεξιοτήτων του θεατρικού συγγραφέα. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, τα τεμάχια γράφτηκαν από τον Fru Dinger από τις εκβολές (1854), προβλήτα στο Sulhauga (1855), Ulaf Lilyekrans (1856). Στο πρώτο από αυτά, πήρε πρώτα την πεζογραφία στο δράμα του. Τα τελευταία δύο γράφονται στο ύφος των νορβηγικών λαϊκών μπαλάντων (λεγόμενα "Bogatyr τραγούδια"). Αυτά τα παιχνίδια δεν χρησιμοποιούσαν ξανά ιδιαίτερη γραφική επιτυχία, αλλά έπαιξαν τον απαραίτητο ρόλο στον επαγγελματικό σχηματισμό του Ibsen.

Το 1857-1862, το νορβηγικό θέατρο κατευθύνεται στην Christiania. Παράλληλα με την ηγεσία του έργου του θεάτρου και της δράσης, οι ενεργές κοινωνικές δραστηριότητες εξακολουθούν να καθοδηγούνται κυρίως για την καταπολέμηση του εργατικού χριστιανικού θεάτρου της κατεύθυνσης πώλησης (η θρησκεία αυτού του θεάτρου αποτελούταν από δανικούς παράγοντες και οι παραστάσεις ήταν στη Δανική). Αυτός ο επίμονος αγώνας στέφθηκε με επιτυχία, αφού ο Ibsen έφυγε από το θέατρο: το 1863, οι θεές και των δύο θεάτρων συνδυάστηκαν, οι παραστάσεις άρχισαν να πηγαίνουν μόνο στη νορβηγική γλώσσα και η αισθητική πλατφόρμα του Ηνωμένου Θεάτρου ήταν το πρόγραμμα που αναπτύχθηκε στην ενεργό συμμετοχή της . Την ίδια στιγμή, έγραψε κομμάτια πολεμιστές στο Helgelende (1857), μια κωμωδία αγάπης (1862), ο αγώνας για το θρόνο (1863). Εκτός από το ποίημα σε υψόμετρα (1859), τα οποία έγιναν ο πρόδρομος της πρώτης αληθινής θεμελιώδους δραματικής επιτυχίας - τα έργα της μάρκας (1865).

Διάφορες Δραστηριότητες Ο Ibsen στη νορβηγική περίοδο ήταν μάλλον λόγω του συγκροτήματος των πιο δύσκολων Ψυχολογικά προβλήματακαι όχι μια θεμελιώδη δημόσια θέση. Το κύριο ήταν το πρόβλημα του υλικού πλούτου (ειδικά από τότε που παντρεύτηκε το 1858 και το 1859 γεννήθηκε ο γιος) και το αξιοπρεπές κοινωνικό του καθεστώς - εδώ, αναμφισβήτητα, έπαιξε το ρόλο τους και τα σύνολα των παιδιών τους. Το πρόβλημα αυτό κλειστά φυσικά με θεμελιώδη ζητήματα οχημάτων και αυτο-υλοποίησης. Δεν είναι περίεργο σε σχεδόν όλα τα περαιτέρω παιχνίδια του, ο ένας ή ο άλλος θεωρείται σύγκρουση μεταξύ ζωτικής σημασίας Ήρωας Ι. πραγματική ζωή. Και πιο σημαντικός παράγοντας: Τα καλύτερα παιχνίδια Ο Ibsen, ο οποίος τον έφερε παγκόσμια τιμημένη δόξα, γράφτηκε έξω από την πατρίδα τους.

Το 1864, έχοντας λάβει μια υποτροφία συγγραφέα από τη στόρμες, η οποία αναζητήθηκε σχεδόν ένα χρόνο και μισό, έμεινα για την Ibsen με την οικογένειά του στην Ιταλία. Τα κεφάλαια που ελήφθησαν ήταν εξαιρετικά αρκετά, και έπρεπε να ζητήσει βοήθεια από φίλους. Στη Ρώμη, για δύο χρόνια, γράφει δύο παιχνίδια, τα οποία εισήλθαν σε ολόκληρη την προηγούμενη εμπειρία ζωής και λογοτεχνική εμπειρία - μάρκα (1865) και ανά γείσο (1866).

Στο θέατρο και το Ipsenistik, είναι συνηθισμένο να εξετάζουμε αυτά τα παιχνίδια συνολικά ως δύο εναλλακτικές ερμηνείες του ίδιου προβλήματος - αυτοδιάθεση και υλοποίηση της ανθρώπινης ατομικότητας. Πολικοί κύριοι ήρωες: Απολέπτοντας Maximalist Brand, έτοιμη να θυσιάσει τον εαυτό του και το πλησιέστερο χάρη της εκπλήρωσης της δικής σας αποστολής και του άμορφου περιστίσματος, προσαρμόζοντας εύκολα σε οποιεσδήποτε συνθήκες. Η σύγκριση αυτών των δύο παιχνιδιών δίνει μια ξεχωριστή εικόνα του ηθικού σχετικισμού του συγγραφέα. Ξεχωριστά, θεωρούνταν κριτικοί και ο θεατής πολύ αντιφατικός. Έτσι, ένα ξέφρενο φανατικό μάρκα (το οποίο ο συγγραφέας στον τελικό οδηγεί στην κατάρρευση) θεωρήθηκε από το σκανδιναβικό κοινό με αναμφισβήτητη συμπάθεια και το ίδιο το παιχνίδι ήταν πάντα επιτυχημένο με τους επαναστατικούς ρομαντικούς.

Η κατάσταση με το GUNT GUNTONE έχει αναπτυχθεί ακόμα πιο παράδοξα. Είναι σε αυτό το παιχνίδι ότι ο Ibsen καταδεικνύει το κενό του με το εθνικό ρομαντισμό, σε αυτό, οι χαρακτήρες της λαογραφίας αντιπροσωπεύονται από άσχικα και κακά πλάσματα, αγρότες - σκληρούς και αγενείς ανθρώπους. Αρχικά, στη Νορβηγία και τη Δανία, το έργο θεωρήθηκε πολύ αρνητικά, σχεδόν σαν βλασφημία. G.Kh.Andersen, για παράδειγμα, που ονομάζεται Pier Gunta χειρότερη από ποτέ ανάγνωση έργων. Ωστόσο, με την πάροδο του χρόνου, ένας ρομαντικός Fleur επέστρεψε σε αυτό το παιχνίδι - φυσικά, κυρίως χάρη στην εικόνα της Solveig. Σε μεγάλο βαθμό συνέβαλαν στη μουσική του Edward Griega, γραμμένο κατόπιν αιτήματος της Ibsen στη δήλωση ανά gunta και αργότερα απέκτησε παγκόσμια φήμη ως ανεξάρτητο Μουσική σύνθεση. Παράδοξα, αλλά το γεγονός: ανά γείσο, στην ερμηνεία του συγγραφέα που διαμαρτύρονται για ρομαντικές τάσεις, εξακολουθούν να βρίσκονται στην πολιτιστική συνείδηση \u200b\u200bπαραμένουν η υλοποίηση του νορβηγικού λαϊκού ρομαντισμού.

Μάρκα και ανά χάλυβα gynd για μεταβατικά παιχνίδια ibsen που τον γύρισε προς ρεαλισμό και κοινωνικά προβλήματα (ήταν σε αυτή την πτυχή ότι όλα του Περαιτέρω δημιουργικότητα). Αυτοί είναι οι πυλώνες της κοινωνίας (1877), Κουκλόσπιτο (1879), Φαντάσματα (1881), εχθρός του λαού (1882), άγρια \u200b\u200bπάπια (1884), Rosmersholm (1886), γυναίκα από τη θάλασσα (1888), Gedda Gabler (1890), Builder Salnes (1892), Little Acolness (1894), Yun Gabriel Borkman (1896). Εδώ ο θεατρικός συγγραφέας έθεσε Πραγματικές ερωτήσεις Σύγχρονη πραγματικότητα σε αυτόν: το αποκορύφωμα και η γυναικεία χειραφέτηση, η εξέγερση ενάντια στη συνηθισμένη αστική ηθική, ψέματα, κοινωνική συμβιβαστική και πίστη στα ιδανικά. Σύμβολα και φιλόσοφοι (a.block, n. berdyaev κλπ.) Πολύ περισσότερο, μαζί με το εμπορικό σήμα και το Pero Günth, - Ισχύει άλλα κομμάτια Ibsen: Δρόμωση Καίσαρας και Galilein (αποστασία και αυτοκράτορας του Καίσαρα, 1873), όταν είμαστε νεκροί, όταν είμαστε νεκροί, Ξυπνήστε (1899).

Μια αμερόληπτη ανάλυση καθιστά πιθανό ότι σε όλα αυτά τα έργα, η ατομικότητα του Ibsen παραμένει ομοιόμορφη. Τα έργα του - και όχι για την κοινωνική κοινωνική μονή ημέρα, και όχι αφηρημένες συμβολικές κατασκευές. σε αυτά μέσα Πλήρες πτυχίο Υπάρχουν κοινωνικές πραγματικότητες, και εξαιρετικά σημασιολογικά φορτωμένο συμβολισμό και εκπληκτικά πολύπλευρη, ιδιοτροπία ψυχολογική πολυπλοκότητα των χαρακτήρων. Η επίσημη διάκριση του δράματος Ibsen στο έργο "Κοινωνικά" και "συμβολικά" είναι μάλλον θέμα υποκειμενικής ερμηνείας, μια αναμφισβήτητη ερμηνεία του αναγνώστη, κριτικής ή διευθυντή.

Το 1891 επέστρεψε στη Νορβηγία. Σε μια ξένη γη, έφτασε τα πάντα, που προσπαθούσε: Παγκόσμια δόξα, αναγνώριση, Υλικό ευημερία. Μέχρι αυτή τη στιγμή, ο διαδραματίζει διαδεδομένες στις σκηνές των θεάτρων ολόκληρου του κόσμου, ο αριθμός των ερευνητικών και κρίσιμων ειδών που αφιερώθηκαν στο έργο του δεν υπόκεινται σε καταμέτρηση και θα μπορούσε να συγκριθεί μόνο με τον αριθμό των δημοσιεύσεων σχετικά με τον Σαίξπηρ. Φαίνεται ότι όλα αυτά θα μπορούσαν να θεραπεύσουν ένα σοβαρό ψυχολογικό τραύμα, που τους μεταφέρονται στην παιδική ηλικία. Ωστόσο, το τελευταίο παιχνίδι, όταν εμείς, οι νεκροί, ξύπνησε, εκτελείται από μια τέτοια τραγωδία διάτρησης, η οποία είναι δύσκολο να το πιστέψει σε αυτό.

Η ιστορία της ζωής
Evgeny Bagrationovich Vakhtangov - Ρωσικός Σοβιετικός Διευθυντής Θέατρο, ηθοποιός, δάσκαλος. Ιδρυτής και επικεφαλής του Student Studio (από το 1926 - Θέατρο. Ε.Β. Vakhtangov). Παραστάσεις: "Θαύμα του Αγίου Αντωνίου" (1916, 2η έκδοση - 1921), "Eric XIV" (1921), "Gadibuk" (1922), "Princess Turedot" (1922) και άλλοι.
Ο Evgeny Bagrationovich Vakhtangov γεννήθηκε στις 1 Φεβρουαρίου 1883 στο Βλαδικαβκάζ στην οικογένεια του κατασκευαστή του καπνού. Ο πατέρας του, ο ίδιος ο άνθρωπος και περήφανος, είδε τον γιο τον κληρονόμο στην επιχείρηση. Αλλά ο Eugene έγινε ενδιαφέρον για το θέατρο. Αρχικά, μίλησε σε εγχώριες παραστάσεις, άρχισε αργότερα να παρακολουθήσει έναν δραματικό κύκλο γυμνασίου, Vladikavkaz μουσική και δραματική κοινωνία.
Μετά την αποφοίτησή της από την άνοιξη του 1903 από το Γυμνάσιο, η Evgeny πέφτει στις εξετάσεις της Πολυτεχνικής Ακαδημίας της Ρίγας και εισέρχεται στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας για τη Φυσική Σχολή (τότε θα μεταφραστεί στη νομική). Αλλά ενδιαφέρεται περισσότερο για τη λογοτεχνία και το θέατρο.
Ήταν η ακμή του θεάτρου τέχνης. Mkatovsky Crafies - Kachalov, Leonidov, Moskvin - έγιναν αγαπημένοι καλλιτέχνες Vakhtangov για τη ζωή.
Το 1905, ο Vakhtangov παντρεύτηκε την ελπίδα του Baitsurova, επίσης Θέατρο. Έγινε πραγματικός φύλακας μιας οικογενειακής εστίας που αγαπά τη μητέρα του γιου του Σεργκέι.
Το 1909, ο Vakhtangov εισήλθε Θεατρική Σχολή Με MHT, αμέσως στο δεύτερο μάθημα. Στις 15 Μαρτίου 1911, ο Vakhtangov εγκρίθηκε στο MHT, και μετά από λίγους μήνες ο Stanislavsky τον διέταξε να διεξάγει μαθήματα με μια ομάδα παραγόντων. Η Evgeny Bagrationovich ανταποκρίνεται με ενθουσιασμό για το σύστημα Stanislavsky. Αλλά στο ημερολόγιό του υπάρχει ένα τέτοιο ρεκόρ: "Θέλω να σχηματίσω ένα στούντιο, όπου μελετήσαμε. Η αρχή είναι να επιτευχθούν τα πάντα. Κεφάλι - όλα. Ελέγξτε το σύστημα K.S. από τους εαυτούς μας. Πάρτε ή απορρίψτε το. Ταιριάζει, προσθέστε ή αφαιρέστε τα ψέματα. "
Το 1913, ο Vakhtangov αρχίζει ένα φοιτητικό στούντιο. Η πρώτη απόδοση, η "Lanina Manor" Zaitseva, απέτυχε και κατά τη διάρκεια των επόμενων δύο ετών, τα στούντιο απέφυγε από τον πειρασμό να παίξει στο κοινό.
Wachtangov εργάζεται καλά στο πρώτο στούντιο MHTT. Στο στάδιο της, έβαλε τέσσερις σημαντικές επιδόσεις: "Οι διακοπές του κόσμου" (1913), "πλημμύρες" (1915), Rosmersholm (1918) και αργότερα - "Eric XIV" (1921). Οι "διακοπές του κόσμου" Hauptman έπαιξε με την οριακή ένδειξη της ανθρώπινης ψυχής, σαν να χτυπάει να φτάσει στα πιο κρυμμένα βάθη της συνείδησης. Όλα ήταν στραμμένα, υπερβολικά, έφεραν στα άκρα. Ωστόσο, κοιτάζοντας το παιχνίδι της παράστασης, ο Stanislavsky παρέμεινε δυσαρεστημένος: ο Vakhtanga εισήγαγε άγριο, υπερβολικό πάθος.
Τον Αύγουστο του 1914, η Γερμανία κήρυξε πόλεμο της Ρωσίας. Τα θέατρα είναι καταστροφικά κενά. Το πρώτο στούντιο δείχνει μια ειρηνική "χριστουγεννιάτικη" κρίση στο κλιβά "από την ιστορία του Charles Dickens. Ο Wahtangov, ο οποίος πραγματοποίησε το ρόλο του κατασκευαστή του Tekrtton, ήταν ο μόνος ηθοποιός που εισήλθε στο λυρικό γκάμα των σκληρών και αιχμηρών τόνων. Το περιοδικό Apollo έχει επισημάνει το σημαντικότερο στην προσωπικότητα του φλογερικού ιδιοσυγκρασίας του Vakhtangov, αλλά η ιδιοσυγκρασία καλύπτεται, κρυμμένη. Δεν ξεσπάει ακόμη και στις πιο δραματικές στιγμές, επικεντρώνεται σε μια χειρονομία, σε ένα παραμύθι, στην εικόνα του ρόλου.
Αυτή τη στιγμή, η Evgeny Bagrationovich αισθάνεται την πρώτη ενοχλητική ώθηση της ασθένειας - έλκη του στομάχου. Πίνει τσάι με σόδα και βάζει το παιχνίδι του σουηδικού συγγραφέα Berger "πλημμύρας", με μια αρκετά σχηματική ανάπτυξη της δράσης στο είδος του μελοδράματος. Στον σκηνοθέτη σημειώσεις στην πρώτη πράξη του Vakhtangov γράφει: "Όλοι οι λύκοι ο ένας τον άλλον. Όχι μια σταγόνα συμπόνιας. Όχι μια σταγόνα προσοχής. Όλα τα gheeshefts τους. Rvut ο ένας τον άλλον. Διεσπαρμένος. Σε επιχειρήσεις. Δεν υπάρχει τίποτα ανθρώπινο αριστερά. Και όχι μόνο σήμερα, έτσι πάντα, όλη μου τη ζωή. "
Στη δουλειά του με τα αυταρχικά, βασίστηκε πάντοτε στο σύστημα Stanislavsky, αλλά το χρησιμοποίησε με διαφορετικούς τρόπους. Εάν στο φοιτητικό στούντιο ζήτησε από ερμηνευτές στην αλήθεια των συναισθημάτων, στη συνέχεια στο πρώτο στούντιο που διδάσκει να ανοίξει αυτή την αλήθεια μέσα από μια εκφραστική μορφή. Σύμφωνα με τον Π. Markov, "Ψυχολογικοί κόκκοι έδωσε σκηνικά."
Ο Mikhail Chekhov έγραψε ότι ο Vakhtangov είχε ιδιαίτερη αίσθηση ηθοποιού. Η παιδαγωγική του ήταν "στην ικανότητα να διεισδύσει στην ψυχή κάποιου άλλου και να μιλήσει τη γλώσσα της. Αυτός, σαν αόρατα έγινε δίπλα στον ηθοποιό και τον οδήγησε στο χέρι του. Ο ηθοποιός ποτέ δεν αισθάνθηκε βία από τον Vakhtangov, αλλά και δεν μπορούσε επίσης να αποφύγει το σχέδιο του σκηνοθέτη. Εκτέλεση εργασιών και ιδέες του Vakhtangov, ο ηθοποιός τους ένιωσε ως δική της. " Όταν ο ηθοποιός έπεσε ο τόνος, ο Wattangov σφυρίχθηκε, βάζοντας δύο δάχτυλα στο στόμα.
Το καλοκαίρι του 1915, μετά την περιοδεία του πρώτου στούντιο, ο Vakhtangov, μαζί με την ελπίδα και τον γιο του Seryozhe, στηριζόταν σε Evpatoria. Σύντομα, τα σπίτια και τα θέρετρα θα αντικαταστήσουν τα νοσοκομεία, θα ξεκουραστούν με χαρούμενα παιχνίδια - θεραπεία και χειρουργικές επεμβάσεις.
Το επόμενο στάδιο του πρώτου στούντιο ήταν η Rosmersholm Ibsen. Οι εργασίες για την απόδοση αυτή πραγματοποιήθηκαν για δύο χρόνια (1916-1918). Η κριτική ονομάζεται κύριος χαρακτήρας της νέας εποχής του Rosmer Hamlet.
Όταν στην αρχή της σεζόν του 1918-1919 πραγματοποιήθηκε η γενική πρόβα της Rosmertsholm, ο Vakhtangov ήταν στο νοσοκομείο. Δεν την ανέφερε καν. Η συνωμοσία της σιωπής εξηγείται από το γεγονός ότι η ιδέα του καλλιτέχνη δεν γνώρισε την κατανόηση των στελεχών. "Η απόδοση παράγει μια εντύπωση εκβιασμού", "ιδεαλισμός και μυστικισμός!" - ήταν Κρίσιμες κριτικές. Η διαδρομή του ορίου, επιδεινωμένος ψυχολογισμός πέρασε εδώ στο τέλος.
Εργασία στο παιχνίδι "Θαύμα του Αγίου Αντωνίου" Meterlinka στο Student Studio ξεκίνησε το φθινόπωρο του 1916. Ωστόσο, αυτή η απόδοση, ο ουσιαστικός Vakhtangov ως Satyr, έφερε στο Grotesque, δεν ήταν επιτυχής. Το Student Studio παρουσίασε μια διάσπαση.
Στις 2 Ιανουαρίου 1919, τα φύλλα Vakhtangov για το Zakhariaino Sanatorium στο Khimki. Οι γιατροί επιμένουν στις εργασίες του στομάχου. Ο Evgeny Bagrationovich συμφωνεί, χωρίς να λέει τίποτα στη σύζυγό του και τον γιο του - δεν θέλει να τους ανησυχήσει. Στα τέλη Ιανουαρίου, επιστρέφει στη Μόσχα, με το κεφάλι του πηγαίνει σε περιπτώσεις, έχει χρόνο να ολοκληρώσει την παραγωγή «πλημμύρας» στο στούντιό του - να δείξει στο θέατρο του λαού και τον Μάρτιο - και πάλι το σανατόριο "zakharino" και και πάλι λειτουργία.
Λίγες μέρες αργότερα μαθαίνει ότι οι δώδεκα των πιο προικισμένων στελεχών τον άφησαν ακόμα. Χτυπήστε σκληρά. Wachtangov σοκαρισμένος και μπερδεμένος. Χρειάστηκε το χρόνο να κερδίσει δύναμη ...
Ο Wattangov θέλει να έχει χρόνο όσο το δυνατόν περισσότερο. Το 1921 εργάζεται στο στούντιο του πάνω από την Princess Turedot, "Gadibuk" - στο Εβραϊκό Στούντιο "Gabima", "Eric XIV" - στο πρώτο στούντιο McAT. Το τρίτο στούντιο έδειξε το δεύτερο συντακτικό γραφείο του παιχνιδιού "Θαύμα του Αγίου Αντωνίου", ολοκληρώθηκε η δουλειά στο Chekhov "Γάμος". Αυτές οι πέντε παραστάσεις που παραδίδονται από τον Vakhtangov κατά τα τελευταία δύο χρόνια της ζωής τον έφεραν παγκόσμια φήμη. Εδώ εμφανίζεται το κύριο φιλοσοφικό πρόβλημα της δημιουργικότητας Vakhtangovsky - το ζήτημα της ζωής και του θανάτου.
Γάμος του Wahtangov που αναφέρεται στα "μεγάλα έργα" chekhov και επρόκειτο να το λύσει στην ίδια μεγάλη κλίμακα, στην οποία επιλύθηκαν στο MHTE "τρεις αδελφές" ή "θείος vanya". Ταυτόχρονα, η νέα έκδοση του θαύματος του Αγίου Αντωνίου έληξε επίσης με το "Γάμος" \u200b\u200bτου Vakhtangov.
Η λέξη "grotesque" αμέσως χτύπησε σε ενθουσιώδεις αναθεωρήσεις σχετικά με την απόδοση. Wachtangov Records: "Το θεατρικό θέατρο πρέπει να πεθάνει. "Χαρακτηριστικοί" ηθοποιοί δεν χρειάζονται πλέον. Όλοι οι οποίες έχουν την ικανότητα να χαρακτηρίζουν ότι πρέπει να αισθάνονται την τραγωδία (ακόμη και κωμικοί) οποιουδήποτε χαρακτηρισμού και πρέπει να μάθουν να αναγνωρίζουν τον εαυτό τους grotesque. Grotesque - τραγικό, κόμικς. " Το Wachtangov είναι παθιασμένο με το Grotesque Theatre, τραγωδία - το ψυχολογικό δράμα του φαίνεται από χυδαιότητα, ένα νοικοκυριό - καταδικασμένο θάνατο.
Στο "Eric XIV" του Strindberg, βάλτε στη σκηνή του πρώτου McAt Studio την άνοιξη του 1921, ο Vakhtangov μετακινείται από έναν συμπυκνωμένο ψυχολογισμό σε μια γενίκευση. Ψάχνει για μια γραφική έκφραση από τις δεξαμενές του Eric (ως θέμα των δικτύων της βασιλικής δύναμης γενικά). Ο Pavel Markov έγραψε ότι στην "Erica" \u200b\u200bτου Wahtangov "έριξε συναγερμό στη σκηνή, η οποία ήταν γεμάτη με τη ζωή αυτών των ετών."
Που απορροφάται από την εργασία, οι Wattangs ακολούθησαν την υγεία του με την επισινοωδικά, μια φορά ασχολήθηκε με τη γυμναστική του γιόγκα, πέρασε Διατροφή διατροφήςΑλλά τότε το καθεστώς ήταν σπασμένο - καθυστέρησε συνεχώς, μέχρι εκατό κομμάτια την ημέρα, κάθισε μετά το παιχνίδι σε θεατρικά κόμματα, ακόμα συναρπάζοντας τη νεολαία με τα τραγούδια της, παρωδίες, μανταλίνα. Και συνέβη, η νύχτα ξεπεράσει με το Azart Played Cards.
Τον Δεκέμβριο του 1921, το Consilium of Doctors συγκλήθηκε με την επιμονή συγγενών και αγαπημένων: Ο Vakhtangov εμφανίστηκε ειδικά Ισχυρός πόνος. Το Consilium θα πάει στο θέατρο στο Arbat. Οι γιατροί κάνουν μια πρόταση - καρκίνο, αλλά το κρύβουν από τον ασθενή. Evgeny Bagrationovich, αισθάνεται τον εαυτό του, επαναλαμβάνει έκπληξη: "περίεργο, παράξενο ... Είναι παράξενο ότι δεν βρήκαν τίποτα από μένα, επειδή υπάρχει ένας όγκος, δεν με νοιάζει, και δεν μπορούν να το βρουν ..."
Η τραγωδία του Vakhtangovskaya του πεπρωμένου απάντησε στις τραγικές συγκρούσεις των παραστάσεων, στο βάθος και τα μαρτυρία των χαρακτήρων της παράστασης "Gadibuk" S. An-Skogo. Μια από τις πηγές του τραγικού grotesque ήταν "περίεργες" εικόνες του καλλιτέχνη Nathan Altman. Τους έφερε από το Petrograd και έδειξε τον Vakhtangov. Χαρακτήρες από τον κόσμο Αρχαίος μύθος εμφανίζονται σε ασυνήθιστες γωνίες: Οι δυσαρεστημένοι, οι δυσαρεστημένοι άνθρωποι κοιτάζουν από χαρτόνι, οι χειρονομίες κοπής τους, οι ρυθμοί είναι συνυπρωμένοι.
Η απόδοση ήταν στην εβραϊκή γλώσσα. Πίσω το 1920, ο Vakhtangov, σύμφωνα με τον M. Sinelnikova, ήθελε να θέσει μια παράσταση στην οποία οι άνθρωποι «μίλησαν εντελώς ακατανόητα λόγια, αλλά όλα θα ήταν σαφή» - χάρη στη δράση που χτίστηκε από τον διευθυντή.
Στις 31 Ιανουαρίου 1922 πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα του "Gadibuk" και στις 13 Φεβρουαρίου, ο Vakhtangov τελευταία πήγε στη σκηνή - Fresher έπαιξε στο "Flood". Ο γιατρός είπε στον Nadezhda Mikhailovna ότι ο σύζυγός της δεν είχε περισσότερο από δύο ή τρεις μήνες. Ωστόσο, μέχρι τις 16 Φεβρουαρίου, ο Vakhtangov πρόκειται Νέος ρόλος - Master Pierre στα παιχνίδια N.N. Bromo "Arkhangel Mikhail". Αυτή η τραγωδία "κυρίες" φαινόταν ομίχλη και επιτηδευμένη. Αλλά ο Vakhtangov προσέλκυσε επίσης μια εκσυγχρονισμένη μορφή του παιχνιδιού και σκισμένο διάλογο και στριμμένες εικόνες σε μια λέξη, ότι η άρνηση του πάθου, η οποία εμπίπτει σε αυτό το έργο. Η απόδοση αποδείχθηκε μια ζοφερή, δυσκίνητη. Ο Wachtangov δεν ολοκλήρωσε αυτό το έργο - ως αποτέλεσμα της ασθένειάς του, η απόδοση απελευθερώθηκε από τον Διευθυντή B. Sushkevich.
Η τελευταία απόδοση του Vakhtangov έχει γίνει καιρό ένα μύθο και μια επαγγελματική κάρτα του θεάτρου του. Στην πριγκίπισσα του Turedot, Gotszi, είδε τη συνέχιση της παράδοσης Λαϊκό Θέατρο. "Μάσκες κωμωδίας", θέατρο αυτοσχεδιασμού που γεννήθηκε στα τετράγωνα της Ιταλίας.
Ο Wahtangov έσπευσε να ολοκληρώσει την απόδοση, εργάστηκε σε μέρα και νύχτα. 24 Φεβρουαρίου 1922 - Η τελευταία πρόβα στη ζωή του σκηνοθέτη. Είναι πολύ κακή. Κάθεται στο παλτό γούνας, το κεφάλι τυλιγμένο με μια υγρή πετσέτα. Στις τέσσερις το πρωί, η εγκατάσταση του φωτός ολοκληρώνεται και η ομάδα της Ευγενίας BagrationOvich ακούγεται: "Όλο το παιχνίδι από την αρχή μέχρι το τέλος!"
Μετά την πρόβες, μεταφέρθηκε στην καμπίνα. Περισσότερα στο θέατρο δεν εμφανίστηκε. Ο ασθενής παρακολούθησε καθημερινά από τον Διευθυντή της παράστασης - Zavadsky, Zakhava, Kotlubai, λήψη οδηγιών και σχόλια σχετικά με την απελευθέρωση της απόδοσης.
27 Φεβρουαρίου, ο Turedot δείχνει Stanislavsky και συντρόφους στο MCHTU. Οι επιχειρηματίες δεν παίζουν σοβαρά Παλιό παραμύθι Gotszi - βάζουν τις κουβέρτες ως αδιάβροχο, περιπλανιούνται τα κεφάλια των πετσέτες calmami αντί για μια γενειάδα: ο Wahtangov συνεχίζει τις αρχές της δωδέκατης νύχτας του Stanislavsky και πηγαίνει στον δάσκαλο. Η παρουσίαση, πνευματώδης και χαριτωμένος, σπάνια στη χάρη, αφρίζοντας με διασκέδαση, ο σκηνοθέτης κατάφερε να συσχετιστεί με μια μη αναστατωμένη, αλλά πλήρη ελπίδα της ζωής των είκοσων. Είναι η αισιοδοξία και η πίστη σε ισχύ και η ενέργεια της ζωής αποτελούσε το κύριο περιεχόμενο του "Turedot". "Για 23 χρόνια της ύπαρξης του θεάτρου τέχνης", δήλωσε ο Stanislavsky στη θεραπεία του στο The Doupe, υπήρχαν λίγα επιτεύγματα. Βρήκατε τι αναζητούσαν πολλά θέατρα τόσο πολύ και μάταια ».
Μετά τις 24 Μαΐου, η ευημερία του σκηνοθέτη επιδεινώνεται απότομα. Δεν αναγνωρίζει τους αγαπημένους τους. Ξεχνώντας από τη Morphy, είναι διοικητής ...
Ο Vakhtangov πέθανε τη Δευτέρα στις 29 Μαΐου 1922 στις 10 μ.μ. Βρίσκεται ανάμεσα στα λουλούδια στα παπούτσια της Princess Turedot. ΣΕ τελευταία στιγμή Ξαφνικά ανακαλύφθηκε ότι οι συγκομιδές παντόφλες δεν είναι κατάλληλες και ο Nadezhda Mihaylovna, βλέποντας τις πριγκίπισσες τυχαία αριστερά από κάποιον, σε μια βιασύνη βάζοντάς τα στα πόδια του Eugene Bagrationovich ... τον έφαγε στο νεκροταφείο του μοναστηριού Novodevichi, σε αυτό Σειρά, όπου οι καλλιτέχνες του καλλιτεχνικού θεάτρου είχανφαστεί.
Το 1926, το Studio Vakhtang έγινε το κρατικό θέατρο που ονομάστηκε μετά το Eug. Vakhtangov.