Ogólna klasyfikacja dzieł sztuki. literatura

Jest to rodzaj literatury obiektywno-subiektywnej (Hegel), to obiektywny obraz świata i jego subiektywne rozmieszczenie.

Ogólną formą jest dialog. Z punktu widzenia gatunkowych cech treści, utwory dramatyczne należy scharakteryzować kolejno z pozycji”

Konflikt

Dramat(gr. dráma, dosłownie – akcja), 1) jeden z trzech rodzajów literatury (wraz z epopeją i tekstami; patrz niżej). Rodzaj literacki ). Dramat (w literaturze) należy w tym samym czasie teatr I literatura : będąc podstawową zasadą spektaklu, jest również postrzegany w czytaniu. Dramat (w literaturze) powstała na bazie ewolucji sztuki teatralnej: promocja aktorów łączących pantomima słowem mówionym, zaznaczyła jego pojawienie się jako rodzaj literatury. Na jego specyfikę składają się: fabuła, czyli odtworzenie przebiegu wydarzeń; dramatyczna intensywność akcji i jej podział na epizody sceniczne; ciągłość wypowiedzi bohaterów; brak (lub podporządkowanie) początku narracji (por. Narracja ). Przeznaczony do zbiorowej percepcji, Dramat (w literaturze) zawsze skłaniał się ku najbardziej dotkliwym problemom i w najbardziej uderzających przykładach stał się popularny. Według A. S. Puszkina nominacja Dramat (w literaturze) w „...działając na tłum, na tłum, zajmujący się jego ciekawością” (pol. sobr. soch., t. 7, 1958, s. 214).

Dramat (w literaturze) głęboki konflikt jest nieodłączny; jego podstawową zasadą jest intensywne i efektywne doświadczanie przez ludzi społeczno-historycznych lub „wiecznych”, uniwersalnych ludzkich sprzeczności. Dramatyzm, dostępny dla wszystkich rodzajów sztuki, naturalnie dominuje w Dramat (w literaturze) Według V.G. Belinsky'ego dramat jest ważną właściwością ludzkiego ducha, rozbudzoną w sytuacjach, gdy zagrożone jest ukochane lub namiętnie pożądane, wymagające realizacji.

Dramatyczne konflikty ucieleśniają się w działaniu - w zachowaniu bohaterów, w ich działaniach i osiągnięciach. Większość Dramat (w literaturze) zbudowany na jednej akcji zewnętrznej (co odpowiada zasadzie „jedności działania” Arystotelesa), opartej z reguły na bezpośredniej konfrontacji bohaterów. Akcja jest śledzona od smyczki zanim węzły przesiadkowe , uwieczniający duże okresy czasu (średniowieczne i wschodnie) Dramat (w literaturze), np. „Szakuntala” Kalidasy) lub jest uchwycona dopiero w kulminacji, blisko rozwiązania (tragedie antyczne, np. „Król Edyp” Sofoklesa i wiele innych). Dramat (w literaturze) nowy czas, na przykład „Posag” A. N. Ostrovsky'ego). Klasyczna estetyka XIX wieku. skłonny absolutyzować te zasady konstrukcji Dramat (w literaturze) Opieka nad Heglem Dramat (w literaturze) jako reprodukcja aktów wolicjonalnych („działania” i „reakcje”) zderzających się ze sobą, Belinsky napisał: „Akcja dramatu powinna być skoncentrowana na jednym zainteresowaniu i być obca interesom pobocznym ... W dramacie nie powinno być jedną osobą, która nie byłaby potrzebna w mechanizmie jej przebiegu i rozwoju” (Poln. sobr. soch., t. 5, 1954, s. 53). Jednocześnie „… decyzja o wyborze drogi zależy od bohatera dramatu, a nie od wydarzenia” (tamże, s. 20).

Najważniejsze właściwości formalne Dramat (w literaturze): ciągły łańcuch wypowiedzi, które działają jako akty zachowań postaci (tj. ich działania), a w rezultacie - koncentracja przedstawionego w zamkniętych obszarach przestrzeni i czasu. Uniwersalna podstawa kompozycji Dramat (w literaturze): epizody (sceny) sceniczne, w których przedstawiony, tzw. czas rzeczywisty, jest adekwatny do czasu percepcji, tzw. artystyczny. W ludowym, średniowiecznym i orientalnym Dramat (w literaturze), a także u Szekspira, w "Borysie Godunowie" Puszkina, u Brechta, miejsce i czas akcji bardzo często się zmieniają. europejski Dramat (w literaturze) XVII-XIX wiek opiera się z reguły na kilku i bardzo długich epizodach scenicznych, które zbiegają się z aktami spektakli teatralnych. Skrajnym wyrazem zwartości rozwoju przestrzeni i czasu jest „jedność” znana ze Sztuki poetyckiej N. Boileau, która przetrwała do XIX wieku. („Biada dowcipowi” A. S. Gribojedowa).

Utwory dramatyczne w zdecydowanej większości są przeznaczone do wystawiania na scenie, istnieje bardzo wąski krąg utworów dramatycznych, które określa się mianem dramatu do czytania.

Gatunki dramatyczne mają swoją historię, której cechy w dużej mierze wyznacza fakt, że historycznie, od starożytności do klasyki włącznie, było to zjawisko dwugatunkowe: albo maska ​​płakała (tragedia), albo maska ​​się śmiała (komedia).

Ale w XVIII wieku pojawiła się synteza komedii i tragedii dramatu.

Dramat zastąpił tragedię.

1)tragedia

2) komedia

4)farsa

5)Treść gatunkowa wodewilu jest zbliżona do treści gatunkowych komedii, najczęściej humorystycznej, forma gatunkowa to jednoaktowa zabawa gatunkami i wierszami..

6) tragikomedia frontalne połączenie przedstawionego cierpienia i radości z odpowiednią reakcją śmiechu-łez (Eduardo de Filippo)

7) kronika dramatyczna. Gatunek podobny gatunkowo do dramatu z reguły nie ma jednego bohatera, a wydarzenia są podawane w strumieniu. Burza Billa Berodełkowskiego

Największa liczba komedia historycznie miała opcje gatunkowe: włoska komedia naukowa; komedia masek w Hiszpanii; , Peleryny i miecze, Była komedia charakteru, pozycji, komedia obyczajowa (domowa) błazenada itp.

DRAMA ROSYJSKA. Rosyjski profesjonalny dramat literacki ukształtował się pod koniec XVII i XVIII wieku, ale poprzedził go wielowiekowy okres ludowego dramatu, głównie ustnego i częściowo pisanego ręcznie. Początkowo archaiczne działania rytualne, potem okrągłe gry taneczne i bufony zawierały elementy charakterystyczne dla dramaturgii jako formy sztuki: dialogizm, dramatyzacja akcji, granie jej w twarze, wizerunek tej lub innej postaci (przebranie). Elementy te utrwaliły się i rozwinęły w dramacie folklorystycznym.

Utracono pogańską scenę folklorystycznego dramatu rosyjskiego: studium Sztuka ludowa w Rosji rozpoczęły się dopiero w XIX wieku, pierwsze publikacje naukowe wielkich dramatów ludowych pojawiły się dopiero w latach 1890-1900 w czasopiśmie Ethnographic Review (z komentarzami ówczesnych naukowców V. Kallasha i A. Gruzińskiego). Tak późny początek studiów nad dramatem ludowym doprowadził do powszechnej opinii, że pojawienie się dramatu ludowego w Rosji datuje się dopiero na XVI-XVII wiek. Istnieje również alternatywny punkt widzenia, w którym geneza łodzie pochodzące z obyczajów pogrzebowych pogańscy Słowianie. W każdym razie zmiany fabuły i semantyki w tekstach dramatów folklorystycznych, które miały miejsce od co najmniej dziesięciu wieków, rozpatrywane są w kulturoznawstwie, historii sztuki i etnografii na poziomie hipotez. Każdy okres historyczny odcisnął swoje piętno na treści dramatów ludowych, czemu sprzyjała pojemność i bogactwo skojarzeniowych ogniw ich treści.

Wczesna rosyjska dramaturgia literacka. Początki rosyjskiej dramaturgii literackiej sięgają XVII wieku. i jest związany z teatrem szkolno-kościelnym, który powstaje w Rosji pod wpływem szkolne przedstawienia na Ukrainie w Akademii Kijowsko-Mohylańskiej. Walcząc z tendencjami katolickimi pochodzącymi z Polski, Sobór używany na Ukrainie teatr folklorystyczny. Autorzy spektakli zapożyczyli wątki rytuałów kościelnych, przemalowując je w dialogi i przeplatając komediowymi przerywnikami, numerami muzycznymi i tanecznymi. Gatunkowo dramaturgia ta przypominała hybrydę zachodnioeuropejskiej moralności i cudów. Napisane w moralizatorskim, wzniosłym, deklamacyjnym stylu, te utwory szkolnego dramatu łączyły postacie alegoryczne (Vice, Pride, Prawda itp.) z postaciami historycznymi (Aleksander Wielki, Nero), mitologicznymi (Fortuna, Mars) i biblijnymi (Jezus Zakonnica, Herod itp.). Bardzo znane prace - Akcja o Alexy, Bożym człowieku, Akcja Męki Pańskiej i inne Rozwój szkolnego dramatu wiąże się z nazwiskami Dmitrija Rostowskiego ( Dramat Wniebowzięcia, Dramat Bożonarodzeniowy, Akcja Rostowa i inni), Feofan Prokopowicz ( Włodzimierz), Mitrofan Dovgalevsky ( Potężny obraz Bożej miłości do człowieka), Jerzy Konisski ( Zmartwychwstanie umarłych) i inni Simeon Polotsky również zaczął w kościelnym teatrze szkolnym

Rosyjski dramat XVIII wieku Po śmierci Aleksieja Michajłowicza teatr został zamknięty i odrodził się dopiero za Piotra I. Jednak przerwa w rozwoju rosyjskiego dramatu trwała nieco dłużej: w teatrze Piotra Wielkiego grano głównie przetłumaczone sztuki. To prawda, panegiryczne akcje z żałosnymi monologami, chórami, muzycznymi dywersjami i uroczystymi procesjami rozpowszechniły się w tym czasie. Wysławiali działalność Piotra i odpowiadali na aktualne wydarzenia ( Triumf prawosławnego świata, Wyzwolenie Inflant i Ingria itd.), ale nie miały szczególnego wpływu na rozwój dramaturgii. Teksty do tych przedstawień miały raczej charakter aplikacyjny i były anonimowe. Dramat rosyjski zaczął przeżywać gwałtowny wzrost od połowy XVIII wieku, jednocześnie z formacją teatr profesjonalny kto potrzebował repertuaru narodowego.

W połowie XVIII wieku rozlicza się powstanie rosyjskiego klasycyzmu (w Europie rozkwit klasycyzmu w tym czasie był już dawno w przeszłości: Corneille zmarł w 1684 r., Racine - w 1699 r.) W. Trediakowski i M. Łomonosow próbowali swoich sił w tragedii klasycystycznej, ale twórcą rosyjskiego klasycyzmu (i ogólnie rosyjskiego dramatu literackiego) był A. Sumarokow, który w 1756 roku został dyrektorem pierwszego profesjonalnego teatru rosyjskiego. Napisał 9 tragedii i 12 komedii, które stanowiły podstawę repertuaru teatralnego lat 50. i 60. XVII w. Sumarokow jest także właścicielem pierwszych rosyjskich dzieł literackich i teoretycznych. W szczególności w List o poezji(1747) broni zasad zbliżonych do klasycystycznych kanonów Boileau: ścisłego podziału na gatunki dramaturgii, obyczajów „trzy jedności”. W przeciwieństwie do francuskich klasyków Sumarokow opierał się nie na starożytnych opowieściach, ale na rosyjskich kronikach ( Chorew, Sinav i Truvor) i historii Rosji ( Dmitrij pretendent itd.). W tym samym duchu pracowali inni ważni przedstawiciele rosyjskiego klasycyzmu - N. Nikolew ( Sorena i Zamir), Ja Knyaznin ( Rossław, Wadim Nowogródski itd.).

Rosyjska dramaturgia klasycystyczna różniła się od francuskiej jeszcze jedną różnicą: autorzy tragedii jednocześnie pisali komedie. Zatarło to ścisłe granice klasycyzmu i przyczyniło się do zróżnicowania nurtów estetycznych. Dramat klasycystyczny, edukacyjny i sentymentalny w Rosji nie zastępują się nawzajem, ale rozwijają się niemal jednocześnie. Pierwsze próby stworzenia komedii satyrycznej podjął już Sumarokov ( Potwory, Pusta kłótnia, Chciwy człowiek, Posag podstępem, Narcyz itd.). Co więcej, w tych komediach używał urządzenia stylistyczne folklorystyczne międzyuczelniane i farsy - mimo że w pracach teoretycznych krytykował ludowe "zabawy". W latach 1760-1780. gatunek opery komicznej jest szeroko stosowany. Oddają jej hołd jako klasycy - Knyazhnin ( Kłopoty z wagonu, Sbitenszczik, Blagier itp.), Nikolew ( Rosana i miłość) oraz komików-satyryków: I. Kryłow ( dzbanek do kawy) i inne Pojawiają się kierunki płaczliwej komedii i dramatu drobnomieszczańskiego - V. Lukin ( Mot, poprawiony przez miłość), M. Verevkin ( Więc powinno, Dokładnie to samo), P. Pławiszczikow ( Bobył, Sidelets) i inne Gatunki te przyczyniły się nie tylko do demokratyzacji i wzrostu popularności teatru, ale także stały się podstawą uwielbianego w Rosji teatru psychologicznego z jego tradycjami szczegółowego rozwoju wieloaspektowych postaci. Szczyt dramatu rosyjskiego w XVIII wieku. można nazwać niemal realistycznymi komedią V.Kapnista (Jabeda), D. Fonvizina (runo, Brygadier), I. Kryłowa (sklep mody, Lekcja dla córek itd.). „Błazen-tragedia” Kryłowa wydaje się interesująca Trumpf lub Podshchipa, w którym satyrę na panowanie Pawła I połączono z kaustyczną parodią technik klasycystycznych. Sztuka została napisana w 1800 roku - dopiero 53 lata zajęło nowatorskiej dla Rosji estetyka klasycystyczna, która zaczęła być postrzegana jako archaiczna. Kryłow zwrócił także uwagę na teorię dramatu ( Uwaga o komedii "Śmiech i smutek", Recenzja komedii A. Klushin "Alchemik" itd.).

dramaturgia rosyjska XIX wieku Do początku XIX wieku. historyczna przepaść między dramaturgią rosyjską a dramatem europejskim zniknęła. Od tego czasu rosyjski teatr rozwija się w ogólnym kontekście kultura europejska. Zachowane są różnorodne trendy estetyczne w rosyjskim dramacie - sentymentalizm ( N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fiodorow itp.) dogaduje się z romantyczną tragedią nieco klasycystycznego skrzydła (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy itp.), Dramat liryczny i emocjonalny (I. Turgieniew) - z kaustyczną satyrą broszurową (A. Suchovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). Popularne są lekkie, zabawne i dowcipne wodewile (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F. Koni, V. Karatygin itd.). Jednak dopiero XIX wiek, czas wielkiej literatury rosyjskiej, stał się „złotym wiekiem” rosyjskiej dramaturgii, dając początek autorom, których dzieła do dziś zaliczają się do złotego zasobu światowej klasyki teatralnej.

Pierwszą sztuką nowego typu była komedia A.Griboedova Biada Wita. Autor osiąga niesamowite mistrzostwo w tworzeniu wszystkich elementów spektaklu: postaci (w których organicznie łączy się realizm psychologiczny z wysoki stopień typizacja), intryga (gdzie miłosne perypetie są nierozerwalnie splecione z konfliktami obywatelskimi i ideologicznymi), język (niemal cała sztuka była całkowicie rozrzucona na powiedzonka, przysłowia i wyrazy skrzydlate, które zachowały się dziś w żywej mowie).

o prawdziwym odkryciu ówczesnej dramaturgii rosyjskiej, która znacznie wyprzedzała swoje czasy i wyznaczała wektor dalszego rozwoju teatru światowego, były spektakle A. Czechow. Iwanow, Frajer, Wujek Iwan, Trzy siostry, Wiśniowy Sad nie mieszczą się w tradycyjnym systemie gatunków dramatycznych i faktycznie obalają wszystkie teoretyczne kanony dramaturgii. Nie ma w nich praktycznie żadnej intrygi fabularnej - w każdym razie fabuła nigdy nie ma wartości organizacyjnej, nie ma tradycyjnego schematu dramatycznego: fabuła - wzloty i upadki - rozwiązanie; nie ma jednego konfliktu „od końca do końca”. Zdarzenia cały czas zmieniają swoją skalę semantyczną: duże rzeczy stają się nieistotne, a codzienne małe rzeczy rosną do skali globalnej.

Dramaturgia rosyjska po 1917 r. Po rewolucji październikowej i późniejszym ustanowieniu państwowej kontroli nad teatrami pojawiła się potrzeba nowego repertuaru odpowiadającego współczesnej ideologii. Jednak od najbardziej wczesne sztuki, być może, dziś możesz wymienić tylko jeden - Tajemnicze wzmocnienie W. Majakowski (1918). W zasadzie to samo repertuar współczesny wczesnego okresu sowieckiego powstało na aktualnej „agitacji”, która w krótkim czasie straciła na znaczeniu.

Nowy dramat sowiecki, odzwierciedlający walkę klas, powstał w latach dwudziestych. W tym okresie zasłynęli tacy dramaturdzy jak L. Seifullina ( Virineya), A. Serafimowicz (Mariana, autorska dramatyzacja powieści żelazny strumień), L. Leonow ( Borsuki), K.Trenev (Lubow Jarowaja), B. Ławrieniewa (Wada), W. Iwanow (Pociąg pancerny 14-69), W. Bill-Belotserkovsky ( Burza), D. Furmanow ( bunt) i innych Ich dramaturgię jako całość wyróżniała romantyczna interpretacja wydarzeń rewolucyjnych, połączenie tragedii ze społecznym optymizmem. W latach 30. W. Wiszniewski napisał sztukę, której tytuł dokładnie zdefiniowany główny gatunek nowa dramaturgia patriotyczna: Optymistyczna tragedia(ta nazwa zmieniła oryginalne, bardziej pretensjonalne opcje - Hymn do marynarzy I triumfalna tragedia).

Koniec lat 50. - początek lat 70. to jasna osobowość A.Vampilova. W swoim krótkim życiu napisał tylko kilka sztuk: Pożegnanie w czerwcu, najstarszy syn, polowanie na kaczki, Prowincjonalne żarty (Dwadzieścia minut z aniołem I Sprawa ze stroną metropolitarną), Zeszłego lata w Chulimsku i niedokończony wodewil Niezrównane wskazówki. Wracając do estetyki Czechowa, Wampiłow wyznaczył kierunek rozwoju dramatu rosyjskiego na kolejne dwie dekady. Główne sukcesy dramatyczne lat 70. i 80. w Rosji związane są z gatunkiem tragikomedie. To były sztuki E. Radzińskiego, L. Pietruszewskaja, A. Sokołowa, L. Razumowskaja, M.Roshchina, A. Galina, Gr. Gorina, A. Czerwiński, A. Smirnowa, V. Slavkin, A. Kazantsev, S. Zlotnikov, N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina i inni Estetyka Wampilowa wywarła pośredni, ale namacalny wpływ na mistrzów rosyjskiego dramatu. Motywy tragikomiczne są namacalne w ówczesnych sztukach V. Rozova ( Dzik), A. Wołodin ( dwie strzałki, Jaszczurka, scenariusz Jesienny maraton), a zwłaszcza A. Arbuzow ( Moja uczta dla oczu, Szczęśliwe dni nieszczęśliwa osoba , Opowieści starego Arbatu,W tym słodkim starym domu, zwycięzca, okrutne gry). Na początku lat 90. petersburscy dramaturdzy stworzyli własne stowarzyszenie „Dom dramaturga”. W 2002 roku przez stowarzyszenie „ złota maska”, Theater.doc i Moskiewski Teatr Artystyczny im. Czechowa zorganizowały coroczny festiwal „Nowy dramat”. W tych stowarzyszeniach, laboratoriach, konkursach powstało nowe pokolenie pisarzy teatralnych, którzy zyskali sławę w okresie postsowieckim: M. Ugarow, O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Michajłowa, I. Wyrypajew, O. i W. Presniakow, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk , A. Obraztsov, I. Shprits i inni.

Krytycy zauważają jednak, że w dzisiejszej Rosji rozwinęła się paradoksalna sytuacja: nowoczesny teatr i… współczesna dramaturgia istnieją równolegle, w pewnej izolacji od siebie. Najbardziej głośne poszukiwania reżyserskie początku XXI wieku. związane z produkcją sztuk klasycznych. Współczesna dramaturgia natomiast swoje eksperymenty przeprowadza bardziej „na papierze” iw wirtualnej przestrzeni Internetu.

Czym jest dramaturgia? Odpowiedź na to pytanie będzie zależeć od kontekstu, w jakim słowo zostało użyte. Przede wszystkim jest to rodzaj literatury przeznaczonej do przedstawień scenicznych, zakładający interakcję postaci ze światem zewnętrznym, czemu towarzyszy wyjaśnienie autora.

Dramaturgia to także dzieło zbudowane według jednej zasady i praw.

Cechy dramaturgii

• Akcja powinna toczyć się w czasie teraźniejszym i rozwijać się szybko w tym samym miejscu. Widz staje się świadkiem i musi być w napięciu i wczuć się w to, co się dzieje.
• Produkcja może trwać kilka godzin, a nawet lat. Akcja nie powinna jednak trwać dłużej niż jeden dzień na scenie, gdyż jest ograniczona możliwościami oglądania przez widza.
• W zależności od chronologii dzieła dramat może składać się z jednego lub kilku aktów. Tak więc literatura francuskiego klasycyzmu jest zwykle reprezentowana przez 5 aktów, a 2 akty są charakterystyczne dla dramaturgii hiszpańskiej.
• Wszyscy aktorzy dramatu podzieleni są na dwie grupy – antagonistów i bohaterów (mogą występować także postacie spoza sceny), a każdy akt to pojedynek. Ale autor nie powinien popierać niczyjej strony - widz może tylko domyślać się na podstawie podpowiedzi z kontekstu dzieła.

Budowa dramatu

Dramat ma fabułę, fabułę, motyw i intrygę.

• Fabuła jest konfliktem, relacją postaci z wydarzeniami, które z kolei zawierają kilka elementów: ekspozycję, fabułę, rozwój akcji, punkt kulminacyjny, schyłek akcji, rozwiązanie i finał.
• Fabuła to połączone ze sobą rzeczywiste lub fikcyjne wydarzenia w sekwencji czasowej. Zarówno fabuła, jak i fabuła są narracją wydarzeń, ale fabuła jest tylko faktem tego, co się wydarzyło, a fabuła jest związkiem przyczynowym.
• Temat to ciąg zdarzeń, które stanowią podstawę dzieła dramatycznego, które łączy jeden problem, czyli to, o czym autor chciał, aby pomyślał widz lub czytelnik.
• Dramatyczna intryga to interakcja postaci, która wpływa na oczekiwany przebieg wydarzeń w dziele.

Elementy dramatu

• Ekspozycja - wypowiedź na temat aktualnego stanu rzeczy, który jest przyczyną konfliktu.
• Remis jest zawiązaniem konfliktu lub warunkiem jego rozwoju.
• Punkt kulminacyjny - najwyższy punkt konflikt.
• Rozwiązaniem jest zamach stanu lub upadek głównego bohatera.
• Finałem jest rozwiązanie konfliktu, które może zakończyć się na trzy sposoby: konflikt jest rozwiązany i ma szczęśliwe zakończenie, konflikt nie jest rozwiązany lub konflikt jest rozwiązany tragicznie – śmierć bohatera lub jakiekolwiek inne wycofanie się bohater z pracy w finale.

Na pytanie „co to jest dramaturgia” można teraz odpowiedzieć inną definicją – to teoria i sztuka konstruowania dzieła dramatycznego. Powinna opierać się na zasadach budowy działki, mieć plan i główną ideę. Ale w trakcie rozwój historyczny dramaturgia, gatunki (tragedia, komedia, dramat), zmieniły się jej elementy i środki wyrazowe, co podzieliło historię dramaturgii na kilka cykli.

Narodziny dramaturgii

Po raz pierwszy napisy na ścianach i papirusy świadczyły o pojawieniu się dramaturgii w epoce Starożytny Egipt, w którym była też fabuła, punkt kulminacyjny i rozwiązanie. Kapłani, którzy posiadali wiedzę o bóstwach, wpłynęli na świadomość Egipcjan właśnie z powodu mitów.

Mit Izydy, Ozyrysa i Horusa stanowił dla Egipcjan rodzaj Biblii. Dramaturgia była dalej rozwijana w starożytnej Grecji w 5-6 wieku pne. mi. Gatunek tragedii narodził się w starożytnej greckiej dramaturgii. Fabuła tragedii została wyrażona w opozycji dobrego i sprawiedliwego bohatera do zła. Finał zakończył się tragiczną śmiercią bohatera i miał wywołać w widzu silne uczucia do głębokiego oczyszczenia jego duszy. Zjawisko to ma definicję – katharsis.

W mitach dominowała tematyka militarna i polityczna, ponieważ sami tragicy niejednokrotnie uczestniczyli w wojnach. Dramaturgia starożytnej Grecji jest reprezentowana przez: sławni pisarze: Ajschylos, Sofokles, Eurypides. Oprócz tragedii odżył też gatunek komedii, w której Arystofanes uczynił główny temat świata. Ludzie są zmęczeni wojnami i bezprawiem władzy, dlatego domagają się spokojnego i spokojnego życia. Komedia wywodziła się z piosenek komiksowych, które czasami były nawet niepoważne. Humanizm i demokracja to główne idee w twórczości komików. Najsłynniejsze tragedie tamtych czasów to sztuki „Persowie” i „Prometeusz przykuty” Ajschylosa, „Król Edyp” Sofoklesa i „Medea” Eurypidesa.

O rozwoju dramaturgii w II-III wieku p.n.e. mi. pod wpływem starożytnych dramaturgów rzymskich: Plauta, Terence'a i Seneki. Plautus sympatyzował z niższymi warstwami społeczeństwa niewolniczego, wyśmiewał chciwych lichwiarzy i kupców, dlatego opierając się na starożytnych opowieściach greckich uzupełniał je opowieściami o trudnym życiu zwykłych obywateli. W jego utworach było wiele piosenek i żartów, autor był popularny wśród współczesnych, a następnie wpłynął na europejską dramaturgię. Tak więc jego słynna komedia „Skarb” została wykorzystana przez Moliere'a podczas pisania swojej pracy „Skąpiec”.

Terence jest przedstawicielem późniejszego pokolenia. Nie skupia się na wyrazistych środkach, ale głębiej zagłębia się w opis psychologicznego komponentu charakteru bohaterów, a tematy komedii są codzienne i konflikty rodzinne między ojcami a dziećmi. Jego słynna sztuka „Bracia” najlepiej oddaje ten problem.

Innym dramatopisarzem, który wniósł wielki wkład w rozwój dramatu, jest Seneka. Był wychowawcą Nerona, cesarza Rzymu, i zajmował wysokie stanowisko pod nim. Tragedie dramaturga zawsze toczyły się wokół zemsty głównego bohatera, która pchnęła go do straszliwych zbrodni. Historycy tłumaczą to krwawymi okrucieństwami, jakie miały wówczas miejsce w cesarskim pałacu. Dzieło Seneki „Medea” wpłynęło później na teatr zachodnioeuropejski, ale w przeciwieństwie do „Medei” Eurypidesa, królowa jest reprezentowana negatywny charakter, spragniony zemsty i nie doświadczający żadnych doświadczeń.

Tragedie w epoce imperialnej zostały zastąpione innym gatunkiem – pantomimą. Jest to taniec z akompaniamentem muzyki i śpiewu, który zwykle wykonywał jeden aktor z zamkniętymi ustami. Ale jeszcze większą popularnością cieszyły się występy cyrkowe w amfiteatrach – walki gladiatorów i zawody rydwanów, które doprowadziły do ​​upadku obyczajów i upadku Cesarstwa Rzymskiego. Dramaturdzy po raz pierwszy najdokładniej przedstawili widzom, czym jest dramaturgia, jednak teatr został zniszczony, a dramat odżył na nowo dopiero po pół tysiącletniej przerwie w rozwoju.

Dramat liturgiczny

Po upadku Cesarstwa Rzymskiego dramaturgia odradza się ponownie dopiero w IX wieku w obrzędach kościelnych i modlitwach. Kościół, aby przyciągnąć jak najwięcej ludzi do oddawania czci i kontrolowania mas poprzez kult Boga, wprowadza małe widowiskowe spektakle, takie jak zmartwychwstanie Jezusa Chrystusa czy inne historie biblijne. Tak rozwinął się dramat liturgiczny.

Jednak ludzie zbierali się na przedstawienia i odwracali uwagę od samego nabożeństwa, w wyniku czego powstał półliturgiczny dramat – przedstawienia zostały przeniesione na przedsionki i zaczęto odtwarzać historie życia oparte na bardziej zrozumiałych dla publiczności opowieściach biblijnych. wzięte za podstawę.

Odrodzenie dramaturgii w Europie

Dramaturgia rozwinęła się dalej w okresie renesansu w XIV-XVI wieku, powracając do wartości kultury antycznej. Fabuły ze starożytnych mitów greckich i rzymskich inspirują autorów renesansu

To właśnie we Włoszech teatr zaczął się odradzać, pojawiło się profesjonalne podejście do spektakli scenicznych, powstało takie muzyczne dzieło, jak opera, odrodziły się komedia, tragedia i duszpasterstwo - gatunek dramaturgii, którego głównym tematem była wieś życie. Komedia w swoim rozwoju dała dwa kierunki:

• komedia naukowa, przeznaczona dla kręgu wykształconych ludzi;
• komedia uliczna - improwizowany teatr masek.

Najwybitniejszymi przedstawicielami włoskiej dramaturgii są Angelo Beolco („Kokietka”, „Komedia bez tytułu”), Giangiorgio Trissino („Sofonisba”) i Lodovico Ariosto („Komedia o klatce piersiowej”, „Wściekły Orlando”).

Dramat angielski umacnia pozycję teatru realizmu. Mity i tajemnice są zastępowane przez socjofilozoficzne rozumienie życia. Za założyciela dramatu renesansowego uważany jest angielski dramaturg – Christopher Marlo („Tamerlane”, „ tragiczna historia Doktora Fausta). Teatr realizmu rozwijał się pod kierunkiem Williama Szekspira, który w swoich dziełach wspierał także idee humanistyczne – Romea i Julię, Króla Leara, Otella, Hamleta. Twórcy tego czasu wsłuchali się w pragnienia zwykłych ludzi, a ulubionymi bohaterami przedstawień byli prostaczkowie, lichwiarze, wojownicy i kurtyzany, a także skromne bohaterki poświęcenia. Bohaterowie dostosowują się do fabuły, która oddawała ówczesne realia.

Okres XVII-XVIII w. reprezentuje dramaturgia epoki baroku i klasycyzmu. Humanizm jako kierunek schodzi na dalszy plan, a bohater czuje się zagubiony. Idee barokowe oddzielają Boga i człowieka, to znaczy, że teraz sam człowiek ma wpływ na swój los. Głównym kierunkiem dramatu barokowego jest manieryzm (nietrwałość świata i niepewna pozycja człowieka), który jest nieodłączny od dramatów Fuente Ovehuna i Gwiazda Sewilli Lope de Vegi oraz dzieł Tirso de Moliny - Sewilla uwodziciela , Pobożna Marta.

Klasycyzm jest przeciwieństwem baroku głównie dlatego, że opiera się na realizmie. Tragedia staje się głównym gatunkiem. Ulubionym tematem twórczości Pierre'a Corneille'a, Jeana Racine'a i Jeana-Baptiste'a Moliere'a jest konflikt interesów, uczuć i obowiązków osobistych i obywatelskich. Służba państwu jest najwyższym szlachetnym celem człowieka. Tragedia „Sid” przyniosła wielki sukces Pierre'owi Corneille'owi, a za radą Moliera napisano i wystawiono dwie sztuki Jeana Racine'a „Aleksander Wielki”, „Thebais, czyli bracia wrogowie”.

Moliere był najpopularniejszym dramatopisarzem tamtych czasów i był objęty patronatem osoby panującej i pozostawił po sobie 32 sztuki napisane w najbardziej różne gatunki. Najważniejszymi z nich są „Szalony”, „Zakochany lekarz” i „Choroba wyobrażona”.

W okresie Oświecenia rozwinęły się trzy nurty: klasycyzm, sentymentalizm i rokoko, które w XVIII wieku wpłynęły na dramaturgię Anglii, Francji, Niemiec i Włoch. Niesprawiedliwość świata wobec zwykłych ludzi stała się głównym tematem dramaturgów. Klasy wyższe dzielą miejsca ze zwykłymi ludźmi. Teatr Oświecenia uwalnia ludzi od utrwalonych uprzedzeń i staje się dla nich nie tylko rozrywką, ale także szkołą moralną. Dramat filistyński zyskuje na popularności (George Lilo „Londyński kupiec” i Edward Moore „Gracz”), który zwraca uwagę na problemy burżuazji, uznając je za równie ważne jak problemy rodziny królewskiej.

Dramaturgię gotycką przedstawił po raz pierwszy John Home w tragediach „Douglas” i „Fatal Discovery”, których tematyka miała charakter rodzinny i codzienny. Dramat francuski w większym stopniu reprezentował poeta, historyk i publicysta Francois Voltaire („Edyp”, „Śmierć Cezara”, „ Syn marnotrawny"). John Gay („Opera żebracza”) i Bertolt Brecht („Opera za trzy grosze”) otworzyli przed komedią nowe kierunki – moralizatorskie i realistyczne. A Henry Fielding prawie zawsze krytykował angielski system polityczny poprzez komedie satyryczne (Miłość w różnych przebraniach, The Coffeehouse Politician), teatralne parodie (Pasquin), farsy i ballady (The Lottery, The Schemer Maid), po czym ustawa o cenzurze teatralnej został wprowadzony.

Ponieważ Niemcy są przodkami romantyzmu, dramaturgia niemiecka rozwinęła się najbardziej w XVIII i XIX wieku. Bohaterem prac jest wyidealizowana, twórczo uzdolniona osoba, przeciwstawiona światu realnemu. F. Schelling miał wielki wpływ na światopogląd romantyków. Później Gotthald Lessing opublikował swoją pracę „Dramaturgia hamburska”, w której krytykował klasycyzm i propagował idee oświeceniowego realizmu Szekspira. Johann Goethe i Friedrich Schiller tworzą teatr weimarski i doskonalą szkołę aktorską. Heinrich von Kleist („Rodzina Schroffensteinów”, „Książę Fryderyk z Homburga”) i Johann Ludwig Tieck („Kot w butach”, „Świat na wylot”) uważani są za najzdolniejszych przedstawicieli niemieckiej dramaturgii.

Rozkwit dramaturgii w Rosji

Rosyjski dramat zaczął się aktywnie rozwijać w XVIII wieku za przedstawiciela klasycyzmu - AP Sumarokowa, zwanego „ojcem rosyjskiego teatru”, którego tragedie („Potwory”, „Narcyz”, „Strażnik”, „Rogacz wyobraźni”) skupili się na pracy Moliera. Ale to właśnie w XIX wieku kierunek ten odegrał wybitną rolę w historii kultury.

W rosyjskich dramatach rozwinęło się kilka gatunków. Są to tragedie V. A. Ozerowa („Jaropolk i Oleg”, „Edyp w Atenach”, „Dimitri Donskoy”), które odzwierciedlały problemy społeczno-polityczne istotne w tym okresie wojny napoleońskie, komedie satyryczne I. Kryłowa („Szalona rodzina”, „Kawiarnia”) oraz dramaty edukacyjne A. Gribojedowa („Biada dowcipowi”), N. Gogola („Państwowy inspektor”) i A. Puszkina („Borysa”). Godunow”, „Święto czasu zarazy).

W drugiej połowie XIX wieku realizm mocno ugruntował swoją pozycję w dramatach rosyjskich, a A. Ostrowski stał się najbardziej uderzającym dramatopisarzem w tym kierunku. Jego twórczość składała się z dramatów historycznych („Wojewoda”), dramatów („Burza”), komedii satyrycznych („Wilki i owce”) oraz baśni. Głównym bohaterem prac był zaradny poszukiwacz przygód, kupiec i prowincjonalny aktor.

Cechy nowego kierunku

Okres od XIX do XX wieku wprowadza nas w nowy dramat, jakim jest dramaturgia naturalistyczna. Pisarze tamtych czasów starali się przekazać „prawdziwe” życie, ukazując najbardziej brzydkie aspekty życia ówczesnych ludzi. Działania człowieka były determinowane nie tylko jego wewnętrznymi przekonaniami, ale także otaczającymi go okolicznościami, które miały na niego wpływ, więc głównym bohaterem pracy mogła być nie jedna osoba, ale nawet cała rodzina lub osobny problem, wydarzenie.

Nowy dramat reprezentuje kilka nurtów literackich. Wszystkich ich łączy uwaga dramaturgów na stan ducha postaci, prawdopodobny przekaz rzeczywistości i wyjaśnienie wszystkich ludzkich działań z przyrodniczego punktu widzenia. To właśnie Henrik Ibsen był założycielem nowego dramatu, a wpływ naturalizmu najwyraźniej ujawnił się w jego sztuce Ghosts.

W kultura teatralna W XX wieku zaczynają się rozwijać 4 główne kierunki - symbolika, ekspresjonizm, dadaizm i surrealizm. Wszystkich twórców tych nurtów dramaturgii połączyło odrzucenie tradycyjnej kultury i poszukiwanie nowych środków wyrazu. Maeterlinck („Ślepy”, „Joanna d'Arc”) i Hofmannsthal („Głupiec i śmierć”), jako przedstawiciele symboliki, wykorzystują śmierć i rolę człowieka w społeczeństwie jako główny temat w swoich sztukach, a Hugo Ball, przedstawiciel dramaturgii dadaistycznej podkreślał bezsens ludzka egzystencja i całkowite odrzucenie wszelkich przekonań. Surrealizm kojarzy się z imieniem Andre Bretona („Proszę”), którego bohaterów dzieł cechują niespójne dialogi i autodestrukcja. Dramat ekspresjonistyczny dziedziczy romantyzm, w którym główny bohater przeciwstawia się całemu światu. Przedstawiciele ten kierunek w dramaturgii byli Gan Jost („Młody człowiek”, „Pustelnik”), Arnolt Bronnen („Bunt przeciwko Bogu”) i Frank Wedekind („Puszka Pandory”).

współczesny dramat

Na przełomie XX i XXI wieku współczesna dramaturgia straciła swoje pozycje i przeszła w stan poszukiwania nowych gatunków i środków wyrazu. W Rosji ukształtował się kierunek egzystencjalizmu, a następnie rozwinął się w Niemczech i Francji.

Jean-Paul Sartre w swoich dramatach („Za zamkniętymi drzwiami”, „Muchy”) i inni dramaturdzy wybierają na bohatera swoich dzieł osobę, która nieustannie myśli o bezmyślnym prowadzeniu życia. Ten strach sprawia, że ​​myśli o niedoskonałości otaczającego go świata i zmienia go.

Pod wpływem Franza Kafki powstaje teatr absurdu, który neguje realistyczne postacie, a dzieła dramaturgów pisane są w formie powtarzających się dialogów, niekonsekwencji działań i braku związków przyczynowych. Rosyjska dramaturgia jako główny temat obiera uniwersalne wartości ludzkie. Broni ideałów człowieka i dąży do piękna.

Rozwój dramaturgii w literaturze jest bezpośrednio związany z zajęciami wydarzenia historyczne na świecie. dramaturdzy różnych krajach, stale pod wrażeniem problemów społeczno-politycznych, często sami kierowali kierunkiem w sztuce i tym samym wpływali na masy. Rozkwit dramaturgii przypada na epokę Cesarstwa Rzymskiego, starożytnego Egiptu i Grecji, w trakcie których zmieniały się formy i elementy dramatu, a tematyka utworów albo wprowadzała nowe problemy do fabuły, albo powracała do stare problemy starożytności. A jeśli dramaturdzy pierwszych tysiącleci zwracali uwagę na wyrazistość mowy i charakter bohatera, co najdobitniej wyraża się w twórczości ówczesnego dramaturga – Szekspira, to przedstawiciele nowoczesnego kierunku wzmocnili rolę atmosferę i podtekst w swoich pracach. Na podstawie powyższego możemy udzielić trzeciej odpowiedzi na pytanie: czym jest dramaturgia? Są to dzieła dramatyczne, które łączy jedna epoka, kraj lub pisarz.

bardzo potrzebne i przydatna lekcja! :)) Przynajmniej mi się przydało.

Pojęcia „rodzaj”, gatunek, „gatunek”

Rodzaj literacki - seria dzieł literackich, które są podobne pod względem organizacji mowy i skupienia poznawczego na przedmiocie lub przedmiocie lub samym akcie artystycznej ekspresji.

Podział literatury na rodzaje opiera się na rozróżnieniu funkcji słowa: słowo albo obrazuje świat obiektywny, albo wyraża stan mówiącego, albo odtwarza proces komunikacji werbalnej.

Tradycyjnie istnieją trzy typy literackie, z których każdy odpowiada określonej funkcji słowa:
epicki (funkcja obrazkowa);
teksty piosenek (funkcja ekspresyjna);
dramat ( funkcja komunikacyjna).

Cel:
Obraz osobowości człowieka jest obiektywny, w interakcji z innymi ludźmi i zdarzeniami.
Przedmiot:
Świat zewnętrzny w swej plastycznej objętości, czasoprzestrzennym zasięgu i bogactwie zdarzeń: postaci, okoliczności, społeczne i naturalne środowisko, w którym bohaterowie wchodzą w interakcję.
Zawartość:
Obiektywna treść rzeczywistości w jej aspektach materialnych i duchowych, przedstawiona w postaciach i okolicznościach artystycznie nakreślonych przez autora.
Tekst ma głównie strukturę opisowo-narracyjną; szczególną rolę odgrywa system szczegółów przedmiotowo-obrazowych.

Cel:
Wyrażanie myśli i uczuć autora-poety.
Przedmiot:
Wewnętrzny świat osobowości w jej impulsywności i spontaniczności, powstawanie i zmiana wrażeń, snów, nastrojów, skojarzeń, medytacji, refleksji wywołanych interakcją ze światem zewnętrznym.
Zawartość:
Subiektywny świat wewnętrzny poety a życie duchowe ludzkości.
Cechy organizacji cienkie. przemówienia:
Tekst wyróżnia się zwiększoną wyrazistością, szczególną rolę odgrywają możliwości figuratywne języka, jego rytmiczna i dźwiękowa organizacja.

Cel:
Obraz osobowości człowieka w akcji, w konflikcie z innymi ludźmi.
Przedmiot:
Świat zewnętrzny, reprezentowany przez postacie i celowe działania postaci, oraz świat wewnętrzny postaci.
Zawartość:
Obiektywna treść rzeczywistości, ukazana w postaciach i okolicznościach nakreślonych artystycznie przez autora, zawierająca sceniczne wcielenie.
Cechy organizacji cienkie. przemówienia:
Tekst ma w przeważającej mierze strukturę dialogiczną, obejmującą monologi bohaterów.
Typ literacki - typ stabilny struktura poetycka w obrębie gatunku literackiego.

Gatunek - grupa utworów należących do typu literackiego, które łączą wspólne cechy formalne, znaczeniowe lub użytkowe. Dla każdego epoka literacka a trendy mają zazwyczaj swój własny, specyficzny system gatunkowy.

Eposy: rodzaje i gatunki

Duże formy:
epicki;
Powieść (Gatunki powieści: Rodzinno-gospodarstwo, Społeczno-psychologiczne, Filozoficzne, Historyczne, Fantastyczne, Powieść utopijna, Powieść edukacyjna, Historia miłosna, powieść przygodowa, powieść podróżnicza, liryka (powieść wierszem))
powieść epicka;
Poemat epicki.

Formy średnie:
Opowieść (gatunki opowieści: Rodzina-gospodarstwo, Społeczno-psychologiczne, Filozoficzne, Historyczne, Fantastyczne, Bajkowe, Przygodowe, Opowieść w wierszu);
Poemat (gatunki wierszy: epicki, heroiczny, liryczny, liryczno-epicki, dramatyczny, ironiczno-komiczny, dydaktyczny, satyryczny, burleski, liryczno-dramatyczny (romantyczny));

Małe formy:
Opowieść (gatunki fabularne: Esej (opisowo-narracyjny, „moralno-opisowy”), powieściowy (narracja konfliktowa);
Nowela;
Bajka (gatunki baśni: Magiczne, Społeczne, Satyryczne, Społeczno-polityczne, Liryczne, Fantastyczne, Animalistyczne, Naukowo-edukacyjne);
Bajka;
Esej (gatunki eseistyczne: Artystyczny, Dziennikarski, Dokumentalny).

Epopeja to monumentalne w formie dzieło epickie o problemach narodowych.

Powieść to duża forma eposu, dzieło ze szczegółową fabułą, w którym narracja koncentruje się na losach kilku osobowości w procesie ich formowania, rozwoju i interakcji, rozmieszczonych w przestrzeń sztuki i wystarczająco dużo czasu, aby przekazać „organizację” świata i go przeanalizować esencja historyczna. Będąc epopeją życia prywatnego, powieść przedstawia życie indywidualne i społeczne jako względnie niezależne, niewyczerpujące i nie absorbujące wzajemnie elementów. Opowieść o indywidualnym losie w powieści nabiera sensu ogólnego, merytorycznego.

Opowieść jest przeciętną formą eposu, dziełem z kroniką, z reguły fabułą, w której narracja skupia się na losie jednostki w procesie jej powstawania i rozwoju.

Wiersz - duży lub średni utwór poetycki z fabułą narracyjną lub liryczną; w różnych modyfikacjach gatunkowych ujawnia swoją syntezę, łącząc moralistyczne i heroiczne początki, intymne przeżycia i wielkie przewroty historyczne, tendencje liryczno-epickie i monumentalne.

Historia - mała epicka forma fikcja, mały pod względem objętości przedstawianych zjawisk życiowych, a co za tym idzie, pod względem objętości tekstu utwór prozatorski.

Opowiadanie to mały gatunek prozatorski, porównywalny objętościowo do opowiadania, ale różniący się od niego ostrą dośrodkową fabułą, często paradoksalną, brakiem opisowości i kompozycyjnego rygoru.

Baśń literacka - proza ​​artystyczna lub twórczość poetycka autora, oparta bądź na źródłach folklorystycznych, bądź czysto oryginalna; dzieło w przeważającej mierze fantastyczne, magiczne, przedstawiające wspaniałe przygody fikcyjnych lub tradycyjnych postaci z bajek, w którym magia, cud pełni rolę czynnika fabułowego, stanowi główny punkt wyjścia do scharakteryzowania.

Bajka to mała forma epopei dydaktycznej, krótka historia wierszem lub prozą z wyraźnie sformułowanym wnioskiem moralnym, który daje historię alegoryczne znaczenie. Istnienie bajki jest uniwersalne: ma zastosowanie do różnych okazji. Świat sztuki bajki zawierają tradycyjny krąg obrazów i motywów (zwierzęta, rośliny, schematyczne postacie ludzi, pouczające historie), często malowane w tonach komediowych i krytyka społeczna.

Esej jest rodzajem małej formy literatury epickiej, która różni się od opowiadania i opowiadania brakiem pojedynczego, szybko rozwiązanego konfliktu i większym rozwinięciem obrazu opisowego. Esej porusza nie tyle problematykę kształtowania się charakteru osobowości w jej konfliktach z ustalonym środowiskiem społecznym, ile problematyki stanu obywatelskiego i moralnego „środowiska” i charakteryzuje się dużą różnorodnością poznawczą.

Teksty: grupy tematyczne i gatunki

Grupy tematyczne:
Teksty medytacyjne
intymne teksty
(przyjazny i teksty miłosne)
teksty krajobrazowe
Teksty cywilne (społeczno-polityczne)
teksty filozoficzne

Gatunki:
o tak
Hymn
Elegia
Idylla
Sonet
Piosenka
Romans
Dytyramb
Madrigal
Myśl
Wiadomość
Epigram
Ballada

Oda - wiodący gatunek stylu wysokiego, charakterystyczny przede wszystkim dla poezji klasycyzmu. Odę wyróżniają tematy kanoniczne (gloryfikacja Boga, ojczyzny, mądrość życia itp.), techniki („cichy” lub „szybki” atak, obecność dygresji, dozwolony „nieporządek liryczny”) oraz typy (ody są duchowy, uroczysty - „pindaryczny”, moralizatorski - „horatański”, miłosny - „anakreontyczny”).

Anthem to uroczysta pieśń do wersów o charakterze programowym.

Elegia to gatunek tekstu, wiersz o średniej długości, treści medytacyjnej lub emocjonalnej (najczęściej smutnej), najczęściej w pierwszej osobie, bez wyraźnej kompozycji.

Idylla - gatunek tekstów, małe dzieło przedstawiające wiecznie piękną naturę, czasami w kontraście z niespokojną i okrutną osobą, spokojne, cnotliwe życie na łonie natury itp.

Sonnet - wiersz złożony z 14 wersów, tworzący 2 czterowiersze i 2 tercety lub 3 czterowiersze i 1 kuplet. Znane są następujące rodzaje sonetów:
Sonet „francuski” - abba abba ccd eed (lub ccd ede);
sonet „włoski” - abab abab cdc dcd (lub cde cde);
„Angielski sonet” - abab cdcd efef gg.

Wianek sonetów to cykl 14 sonetów, w którym pierwszy wers każdego z nich powtarza ostatni wers poprzedniego (tworząc „girlandę”) i razem te pierwsze wersety składają się na piętnasty, „główny” sonet ( tworząc połysk).

Romans to krótki wiersz napisany dla śpiew solowy z akompaniamentem instrumentalnym, którego tekst charakteryzuje melodyjna melodia, syntaktyczna prostota i harmonia, kompletność zdania w granicach zwrotki.

Dithyramb - gatunek starożytnych tekstów, które powstały jako pieśń chóralna, hymn na cześć boga Dionizosa, a później Bachusa - na cześć innych bogów i bohaterów.

Madrigal to niewielki wiersz o treści przeważnie miłosno-komplementarnej (rzadziej abstrakcyjno-medytacyjnej), zwykle z paradoksalnym wyostrzeniem na końcu.

Duma to liryczna pieśń epicka, której styl charakteryzuje symboliczne obrazy, paralelizmy negatywne, opóźnienie, frazesy tautologiczne, jednomyślność.

Przesłanie jest gatunkiem liryki, listu poetyckiego, którego cechą formalną jest obecność apelu do konkretnego adresata i odpowiednio takich motywów, jak prośby, życzenia, napomnienia itp. Treść przekazu według tradycja (od Horacego), ma głównie charakter moralno-filozoficzny i dydaktyczny, ale pojawiły się liczne przekazy narracyjne, panegiryczne, satyryczne, miłosne itp.

Epigram to krótki poemat satyryczny, zwykle z ostrym zakończeniem.

Ballada - wiersz z dramatycznym rozwinięciem fabuły, oparty na niezwykła historia, odzwierciedlające istotne momenty interakcji między osobą a społeczeństwem lub relacji międzyludzkich. Charakterystyczne cechy ballady to niewielki tom, napięta fabuła, zwykle przesycona tragedią i tajemniczością, urywana narracja, dramatyczny dialogizm, melodyjność i muzykalność.

Synteza tekstów z innymi rodzajami literatury

Gatunki (typy) liryczno-epickie - dzieła literackie i artystyczne łączące cechy eposu i tekstu; narracja fabularna o wydarzeniach łączy się w nich z emocjonalno-medytacyjnymi wypowiedziami narratora, tworząc obraz lirycznego „ja”. Połączenie tych dwóch zasad może działać jako jedność tematu, jako autorefleksja narratora, jako psychologiczna i codzienna motywacja opowieści, jako bezpośredni udział autora w rozwijającej się fabule, jako ekspozycja autora własnych technik , który staje się elementem koncepcji artystycznej. Kompozycyjnie to połączenie jest często dokonywane w formie lirycznych dygresji.

Wiersz prozą to utwór liryczny w formie prozatorskiej, który ma takie cechy wiersza lirycznego, jak mały tom, zwiększona emocjonalność, zwykle kompozycja bez fabuły, ogólna oprawa dla wyrażenia subiektywnego wrażenia lub doświadczenia.

bohater liryczny- wizerunek poety w tekstach, jeden ze sposobów ujawniania świadomości autora. Bohater liryczny jest artystycznym „sobowtórem” autora-poety, wyrastającym z tekstu kompozycji lirycznych (cyklu, tomiku wierszy, wiersza lirycznego, całego zbioru liryków) jako wyraźnie określona postać lub Istotną rolę jako osoba obdarzona pewnością indywidualnego losu, odrębnością psychiczną wewnętrzny świat, a czasem nawet cechy plastycznego wyglądu.

Formy wypowiedzi lirycznej:
monolog w pierwszej osobie (A.S. Puszkin - „Kochałem cię ...”);
teksty fabularne - monolog w imieniu postaci wprowadzony do tekstu (A.A. Blok - „Jestem Hamlet, / Krew stygnie...”);
wyrażanie uczuć i myśli autora poprzez przedmiotowy obraz (A.A. Fet - „Jezioro zasnęło ...”);
wyrażanie uczuć i myśli autora poprzez refleksje, w których obiektywne obrazy odgrywają podrzędną rolę lub są zasadniczo warunkowe (A.S. Puszkin - „Echo”);
wyrażanie uczuć i myśli autora poprzez dialog postaci warunkowych (F. Villon - „Spór między Villonem a jego duszą”);
odwołanie do nieokreślonej osoby (F.I. Tyutchev - „Silentium”);
fabuła (M.Yu. Lermontow - „Trzy palmy”).

Tragedia - „Tragedy of Rock”, „High Tragedy”;
Komedia - Komedia postaci, Komedia codzienności (moralność), Komedia pozycji, Komedia masek (commedia del’arte), Komedia intrygi, Komedia-bufon, Komedia liryczna, Komedia satyryczna, komedia społeczna, “wysoka komedia”;
Dramat (widok) - „Dramat drobnomieszczański”, dramat psychologiczny, dramat liryczny, dramat narracyjny (epicki);
Tragikomedia;
Tajemnica;
Melodramat;
Wodewil;
Farsa.

Tragedia to rodzaj dramatu opartego na nierozwiązywalnym zderzeniu bohaterskich postaci ze światem, jego tragicznym wyniku. Tragedia nacechowana jest surową powagą, najdobitniej przedstawia rzeczywistość, jako garść wewnętrznych sprzeczności, ujawnia najgłębsze konflikty rzeczywistości w niezwykle intensywnej i bogatej formie, która nabiera znaczenia artystycznego symbolu.

Komedia to rodzaj dramatu, w którym postacie, sytuacje i akcja są przedstawione w śmieszne formy lub przesiąknięty komiksem. Komedia ma na celu przede wszystkim ośmieszenie tego, co brzydkie (sprzeczne z ideałem lub normą społeczną): bohaterowie komedii są wewnętrznie nie do utrzymania, niekonsekwentni, nie odpowiadają swojej pozycji, celowi, a to jest ofiarowane jako ofiara śmiechu, który demaskuje im, wypełniając w ten sposób swoją „idealną” misję.

Dramat (widok) jest jednym z głównych rodzajów dramatu jako gatunku literackiego, obok tragedii i komedii. Jak komedia, gra głównie Prywatność ludzi, ale jej głównym celem nie jest ośmieszenie moralności, ale przedstawienie jednostki w jej dramatycznych relacjach ze społeczeństwem. Podobnie jak tragedia, dramat ma tendencję do odtwarzania ostrych sprzeczności; jednocześnie jej konflikty nie są tak napięte i nieuniknione iw zasadzie pozwalają na pomyślne rozwiązanie, a jej postacie nie są tak wyjątkowe.

Tragikomedia to rodzaj dramatu, który ma cechy zarówno tragedii, jak i komedii. Tragikomiczny światopogląd leżący u podstaw tragikomedii wiąże się z poczuciem względności istniejących kryteriów życia i odrzuceniem moralnego absolutu komedii i tragedii. Tragikomedia w ogóle nie uznaje absolutu, to, co subiektywne, może być tutaj postrzegane jako obiektywne i odwrotnie; poczucie względności może prowadzić do całkowitego relatywizmu; ponowna ocena zasad moralnych może zostać zredukowana do niepewności co do ich wszechmocy lub do ostatecznego odrzucenia mocnej moralności; niejasne rozumienie rzeczywistości może wywołać płonące zainteresowanie nią lub zupełną obojętność, może skutkować mniejszą pewnością w pokazywaniu im wzorów bytu lub obojętności, a nawet ich zaprzeczenia – aż do uznania nielogiczności świata.

Tajemnica - gatunek zachodnioeuropejskiego teatru epoki późne średniowiecze, którego treść była historie biblijne; sceny religijne przeplatały się w nich z przerywnikami, mistycyzm łączył się z realizmem, pobożność - z bluźnierstwem.

Melodramat to rodzaj dramatu, spektakl z ostrą intrygą, przesadną emocjonalnością, ostrą opozycji między dobrem a złem, z tendencją moralną i pouczającą.

Wodewil to jeden z rodzajów dramatu, lekka gra z zabawną intrygą, z dwuwierszowymi pieśniami i tańcami.

Farsa to rodzaj teatru ludowego i literatury krajów Europy Zachodniej XIV-XVI wieku, przede wszystkim Francji, która wyróżniała się komiczną, często satyryczną orientacją, realistyczną konkretnością, wolnomyślnością i pełną bufonady.

Dzieła dramatyczne (kolejna gr. akcja), podobnie jak epickie, odtwarzają ciąg zdarzeń, działania ludzi i ich relacje. Podobnie jak autor dzieła epickiego, dramaturg podlega „prawu rozwijającego się działania”. Ale w dramacie nie ma szczegółowego obrazu narracyjno-opisowego.

Właściwie mowa autora ma tu charakter pomocniczy i epizodyczny. Takie są spisy aktorów, czasem z krótkimi charakterystykami, oznaczeniem czasu i miejsca akcji; opisy sytuacji scenicznej na początku aktów i epizodów, a także komentarze do poszczególnych replik postaci oraz oznaczenia ich ruchów, gestów, mimiki, intonacji (uwagi).

Wszystko to stanowi poboczny tekst utworu dramatycznego, którego głównym tekstem jest ciąg wypowiedzi bohaterów, ich replik i monologów.

Stąd pewne ograniczenia. możliwości artystyczne dramat. Pisarz-dramaturg wykorzystuje tylko część środków wizualnych, którymi dysponuje twórca powieści lub eposu, opowiadania lub opowiadania. A postacie bohaterów ujawniają się w dramacie z mniejszą swobodą i pełnią niż w eposie. „Dramat postrzegam – zauważył T. Mann – jako sztukę sylwetki, a tylko osobę opowiedzianą odczuwam jako obszerny, integralny, rzeczywisty i plastyczny obraz”.

Jednocześnie dramaturdzy, w przeciwieństwie do autorów epickie dzieła, zmuszeni są ograniczyć się do objętości tekstu słownego spełniającego wymogi sztuki teatralnej. Czas akcji przedstawiony w dramacie musi wpisywać się w ścisłe ramy czasu scenicznego.

A spektakl w formach znanych nowemu teatrowi europejskiemu trwa, jak wiadomo, nie dłużej niż trzy, cztery godziny. A to wymaga odpowiedniej wielkości tekstu dramatycznego.

Czas wydarzeń reprodukowany przez dramaturga w odcinku scenicznym nie jest skompresowany ani rozciągnięty; bohaterowie dramatu wymieniają uwagi bez zauważalnych odstępów czasowych, a ich wypowiedzi, jak zauważył K.S. Stanisławski, utwórz ciągłą, ciągłą linię.

Jeśli za pomocą narracji akcja zostaje odciśnięta jako coś przeszłego, to łańcuch dialogów i monologów w dramacie tworzy iluzję teraźniejszości. Życie tu przemawia jakby własnym obliczem: między tym, co jest przedstawione, a czytelnikiem, nie ma pośrednika-narratora.

Akcja jest odtwarzana w dramacie z maksymalną bezpośredniością. Płynie jakby przed oczami czytelnika. „Wszystkie formy narracyjne — pisał F. Schiller — przenoszą teraźniejszość w przeszłość; wszystkie dramatyzmy sprawiają, że przeszłość jest teraźniejszością”.

Dramat jest zorientowany na scenę. A teatr to sztuka publiczna, masowa. Spektakl oddziałuje bezpośrednio na wiele osób, jakby stapiał się w jedno w odpowiedzi na to, co się przed nimi dzieje.

Celem dramatu, zdaniem Puszkina, jest działanie na tłum, zajęcie jego ciekawości” i uchwycenie w tym celu „prawdy namiętności”: „Dramat narodził się na placu i stanowił rozrywkę ludu. Ludzie, podobnie jak dzieci, potrzebują rozrywki, działania. Dramat przedstawia go z niezwykłymi, dziwnymi wydarzeniami. Ludzie chcą silnych uczuć. Śmiech, litość i przerażenie to trzy struny naszej wyobraźni, wstrząsane sztuką dramatyczną.

Dramatyczny gatunek literatury jest szczególnie ściśle związany ze sferą śmiechu, gdyż teatr utrwalił się i rozwinął w ścisłym związku z masowymi festynami, w atmosferze zabawy i zabawy. " gatunek komiksowy jest uniwersalna w starożytności” – zauważył O.M. Freidenberg.

To samo można powiedzieć o teatrze i dramacie innych krajów i epok. T. Mann miał rację, kiedy nazwał „instynkt komediowy” „podstawową zasadą każdej sztuki dramatycznej”.

Nic dziwnego, że dramat skłania się ku pozornie spektakularnej prezentacji tego, co jest przedstawione. Jej obrazy okazują się hiperboliczne, chwytliwe, teatralne i jasne. „Teatr wymaga przesadnie szerokich linii zarówno w głosie, recytacji, jak iw gestach” – napisał N. Boileau. I ta nieruchomość sztuki sceniczne niezmiennie odciska swoje piętno na zachowaniu bohaterów dzieł dramatycznych.

„Jak zachowywał się w teatrze”, Bubnov (Na dole Gorkiego) komentuje szaloną tyradę zdesperowanego Klesha, który niespodziewanie wtrącając się w ogólną rozmowę, nadał jej teatralny efekt.

Znaczące (jako cecha literatury dramatycznej) są wyrzuty Tołstoja pod adresem W. Szekspira o obfitość hiperboli, przez którą niejako „naruszona zostaje możliwość artystycznego wrażenia”. „Od pierwszych słów – pisał o tragedii „Król Lir” – widać przesadę: przesadę zdarzeń, przesadę uczuć i przesadę wyrażeń.

L. Tołstoj pomylił się w ocenie twórczości Szekspira, ale idea zaangażowania wielkiego angielskiego dramaturga w teatralną hiperbolę jest całkowicie uzasadniona. To, co zostało powiedziane o „Królu Lirze”, nie mniej uzasadnione, można przypisać starożytnym komediom i tragediom, dzieła dramatyczne klasycyzm, do sztuk F. Schillera i V. Hugo itp.

W XIX-XX wieku, kiedy w literaturze dominowało pragnienie światowego autentyzmu, konwencje tkwiące w dramacie stały się mniej oczywiste, często sprowadzane do minimum. U źródeł tego zjawiska leży tak zwany „dramat drobnomieszczański” XVIII wieku, którego twórcami i teoretykami byli D. Diderot i G.E. Lessing.

Dzieła największych rosyjskich dramatopisarzy XIX wieku. i początek XX wieku - A.N. Ostrovsky, A.P. Czechow i M. Gorky - wyróżniają się niezawodnością odtworzonych form życia. Ale nawet wtedy, gdy dramaturgowie skupili się na wiarygodności, akcja, psychologiczna, a właściwie werbalna hiperbola utrzymywała się.

Konwencje teatralne dały się odczuć nawet w dramaturgii Czechowa, która stanowiła maksymalną granicę „podobieństwa do życia”. Rzućmy okiem na końcową scenę Trzech sióstr. Pewna młoda kobieta zerwała z ukochaną osobą dziesięć czy piętnaście minut temu, prawdopodobnie na zawsze. Kolejne pięć minut temu dowiedziała się o śmierci narzeczonego. A teraz razem z najstarszą, trzecią siostrą, podsumowują moralne i filozoficzne skutki przeszłości, myśląc przy dźwiękach marszu wojskowego o losach swojego pokolenia, o przyszłości ludzkości.

Trudno sobie wyobrazić, jak to się dzieje w rzeczywistości. Nie dostrzegamy jednak nieprawdopodobieństwa zakończenia Trzech sióstr, ponieważ przywykliśmy do tego, że dramat w istotny sposób zmienia formy ludzkiego życia.

Powyższe przekonuje o słuszności wyroku A. S. Puszkina (z cytowanego już artykułu), że „sama istota sztuki dramatycznej wyklucza wiarygodność”; „Czytając wiersz, powieść, często możemy zapomnieć o sobie i uwierzyć, że opisany incydent nie jest fikcją, ale prawdą.

W odie, w elegii, możemy pomyśleć, że poeta przedstawił swoje prawdziwe uczucia, w rzeczywistych okolicznościach. Ale gdzie jest wiarygodność w budynku podzielonym na dwie części, z których jedną wypełniają widzowie, którzy się zgodzili.

Najważniejszą rolę w utworach dramatycznych odgrywają konwencje mowy samoujawniania się bohaterów, których dialogi i monologi, często przesycone aforyzmami i sentencjami, okazują się znacznie obszerniejsze i skuteczniejsze niż uwagi, które można by wypowiedzieć w podobna sytuacja życiowa.

Repliki „na bok” są warunkowe, które niejako nie istnieją dla innych postaci na scenie, ale są wyraźnie słyszalne dla publiczności, a także monologi wypowiadane przez same postacie, same ze sobą, które są czysto sceniczne technika wydobywania mowy wewnętrznej (jest wiele takich monologów jak in starożytne tragedie oraz w dramaturgii czasów nowożytnych).

Dramaturg, przeprowadzając rodzaj eksperymentu, pokazuje, jak człowiek wyrażałby siebie, gdyby wyrażał swoje nastroje z maksymalną pełnią i jasnością w wypowiadanych słowach. A mowa w utworze dramatycznym często nabiera podobieństwa do artystycznej mowy lirycznej lub oratorskiej: postacie tutaj wyrażają się jako improwizatorzy-poeci lub mistrzowie wystąpień publicznych.

Częściowo więc miał rację Hegel, uważając dramat za syntezę epickiego początku (zdarzenia) i liryki (wyraz mowy).

Dramat ma niejako dwa życia w sztuce: teatralne i literackie. Stanowiąc podstawę dramatyczną przedstawień, istniejących w ich składzie, dzieło dramatyczne jest postrzegane także przez czytelniczą publiczność.

Ale nie zawsze tak było. Emancypacja dramatu ze sceny dokonywała się stopniowo – na przestrzeni kilku stuleci i zakończyła się stosunkowo niedawno: w XVIII-XIX wieku. Znaczące na całym świecie przykłady dramaturgii (od starożytności do XVII wieku) w momencie ich powstania praktycznie nie były uznawane za dzieła literackie: istniały tylko jako część sztuk performatywnych.

Ani W. Shakespeare, ani J. B. Molier nie byli postrzegani przez współczesnych jako pisarze. „Odkrycie” w drugiej połowie XVIII wiek Szekspir jako wielki poeta dramatyczny.

W 19-stym wieku (zwłaszcza w pierwszej połowie) walory literackie dramatu stawiano często ponad scenicznymi. Tak więc Goethe wierzył, że „dzieła Szekspira nie są dla oczu cielesnych”, a Gribojedow nazwał swoje pragnienie usłyszenia wersów „Biada dowcipu” ze sceny „dziecinnym”.

Szeroko rozpowszechniła się tak zwana Lesedrama (dramat do czytania), stworzona z myślą o percepcji w czytaniu. Takimi są Faust Goethego, dramaty Byrona, małe tragedie Puszkina, dramaty Turgieniewa, o których autor zauważył: „Moje sztuki, niesatysfakcjonujące na scenie, mogą być interesujące do lektury”.

Nie ma zasadniczych różnic między Lesedramą a sztuką, której autor nastawiony jest na produkcję sceniczną. Dramaty stworzone do czytania są często potencjalnie dramatami scenicznymi. A teatr (w tym współczesny) uparcie szuka i czasem znajduje do nich klucze, czego dowodem są udane inscenizacje „Miesiąca na wsi” Turgieniewa (przede wszystkim słynnego przedrewolucyjnego przedstawienia). Teatr Artystyczny) oraz liczne (choć nie zawsze udane) odczyty sceniczne małych tragedii Puszkina w XX wieku.

Stara prawda pozostaje w mocy: najważniejszym, głównym celem dramatu jest scena. „Tylko w wykonaniu na scenie”, zauważył A. N. Ostrovsky, „dramatyczna fikcja autora przybiera całkowicie skończoną formę i wytwarza dokładnie takie moralne działanie, jakie autor postawił sobie za cel”.

Stworzenie spektaklu opartego na dziele dramatycznym wiąże się z jego twórczym dopełnieniem: aktorzy tworzą intonacyjno-plastyczne rysunki odgrywanych ról, artysta projektuje przestrzeń sceniczną, reżyser rozwija mise-en-scenes. Pod tym względem zmienia się nieco koncepcja przedstawienia (więcej uwagi poświęca się niektórym stronom, mniej innym), często jest ona konkretyzowana i wzbogacona: produkcja sceniczna wnosi do dramatu nowe znaczenia.

Jednocześnie zasada wiernej lektury literatury ma dla teatru pierwszorzędne znaczenie. Reżyser i aktorzy są wezwani do przekazania wystawionego dzieła widzom w możliwie jak największej kompletności. Wierność czytania scenicznego ma miejsce tam, gdzie reżyser i aktorzy dogłębnie rozumieją dzieło dramatyczne w jego głównych cechach treściowych, gatunkowych i stylistycznych.

Przedstawienia sceniczne (a także adaptacje filmowe) są uprawnione tylko w przypadkach, gdy istnieje zgoda (choćby względna) między reżyserem i aktorami a kręgiem idei pisarza-dramaturga, gdy postacie sceniczne z uwagą zwracają uwagę na znaczenie dzieła inscenizowanego, cechom gatunku, cechom stylu i samemu tekstowi.

W klasycznej estetyce XVIII-XIX w., zwłaszcza u Hegla i Bielinskiego, dramat (przede wszystkim gatunek tragedii) uważany był za najwyższą formę twórczości literackiej: za „koronę poezji”.

Cała linia epoki artystyczne i rzeczywiście sprawdził się par excellence w sztukach dramatycznych. Ajschylos i Sofokles w okresie rozkwitu kultury antycznej, Moliere, Racine i Corneille w okresie klasycyzmu nie mieli sobie równych wśród autorów dzieł epickich.

Istotna pod tym względem jest praca Goethego. Dla wielkiego niemieckiego pisarza wszystko było dostępne pokolenia literackie swoje życie w sztuce ukoronował stworzeniem dzieła dramatycznego - nieśmiertelnego Fausta.

W minionych wiekach (do XVIII wieku) dramat nie tylko z powodzeniem konkurował z epopeją, ale często stał się wiodącą formą artystycznej reprodukcji życia w przestrzeni i czasie.

Wynika to z wielu powodów. Najpierw odegrała ważną rolę sztuka teatralna, dostępnej (w przeciwieństwie do książki napisanej ręcznie i drukowanej) dla najszerszej warstwy społeczeństwa. Po drugie, właściwości dzieł dramatycznych (przedstawienie postaci o wyrazistych rysach, reprodukcja ludzkich namiętności, pociąg do patosu i groteski) w epoce „przedrealistycznej” w pełni odpowiadały ogólnym nurtom literackim i ogólnoartystycznym.

I chociaż w XIX-XX wieku. powieść społeczno-psychologiczna, gatunek literatury epickiej, wysunęła się na czoło literatury, dzieła dramatyczne wciąż mają honorowe miejsce.

W.E. Teoria literatury Chalizeva. 1999

- ▲ rodzaj literackich gatunków literackich. epicki gatunek. epicki. proza ​​to artystyczna opowieść o tym, co ja. wydarzenia. prozaiczny (# działa). fikcja. tekst piosenki. dramat... Słownik ideograficzny języka rosyjskiego

Termin ten ma inne znaczenia, patrz Dramat. Nie mylić z dramatem (rodzaj literatury). Dramat to gatunek literacki (dramatyczny), sceniczny i filmowy. Szczególną popularność zyskała w: literatura XVIII XXI wieki, ... ... Wikipedia

W sztuce: dramat to rodzaj literatury (wraz z epopeją i tekstami); Dramat to rodzaj kinowej akcji scenicznej; gatunek obejmujący różne podgatunki, modyfikacje (takie jak dramat drobnomieszczański, dramat absurdu itp.); Toponimy: ... ... Wikipedia

D. jako rodzaj poetycki Pochodzenie D. Wschodnie D. Antyczne D. Średniowieczne D. D. Renesans Od renesansu do klasycyzmu Elżbietański D. Hiszpański D. Klasyczny D. Bourgeois D. Ro ... Encyklopedia literacka

Epos, poezja, dramat. Określana jest według różnych kryteriów: z punktu widzenia sposobów naśladowania rzeczywistości (Arystoteles), rodzajów treści (F. Schiller, F. Schelling), kategorii epistemologicznych (obiektywnych podmiotowych w GWF Hegel), formalnych.. ... słownik encyklopedyczny

Dramat (gr. dráma, dosłownie – akcja), 1) jeden z trzech rodzajów literatury (wraz z epopeją i tekstami; patrz typ literacki). D. należy jednocześnie do teatru i literatury: będąc podstawową zasadą spektaklu, postrzegana jest również w ... ... Wielka radziecka encyklopedia

Współczesna encyklopedia

Rodzaj literacki- GENUS LITERARY, jedna z trzech grup dzieł literackich, eposów, tekstów, dramatów. Tradycję gatunkowego podziału literatury zapoczątkował Arystoteles. Pomimo kruchości granic między rodzajami i obfitości form pośrednich (liroepic ... ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

Epos, poezja, dramat. Określana jest według różnych kryteriów: z punktu widzenia sposobów naśladowania rzeczywistości (Arystoteles), rodzajów treści (F. Schiller, F. Schelling), kategorii epistemologicznych (obiektyw podmiotowy u G. Hegla), cech formalnych. ... ... Wielki słownik encyklopedyczny

RODZAJ, a (y), poprz. o (w) naturze iw (w) naturze, pl. s, ow, mężu. 1. Główny organizacja publiczna prymitywny system komunalny, zjednoczony więzami krwi. Starszy rodziny. 2. Liczba pokoleń wywodzących się od jednego przodka, a także ogólnie pokolenie ... Słownik wyjaśniający Ożegowa

Książki

• Puszkin, Tynianow Jurij Nikołajewicz. Jurij Nikołajewicz Tynianow (1894-1943) - wybitny prozaik i krytyk literacki - zewnętrznie wyglądał jak Puszkin, jak mu mówiono z czasów studenckich. Kto wie, może właśnie to podobieństwo pomogło...