IV. Wymiana w dywizji II. Wymagana witalność i luksusowe przedmioty

Analiza tekstów artystycznych jako metoda opanowania środków mowy ekspresji

Sprzęt i oprogramowanie. Tryby komputera

Koncepcja, znaki i środki teatralizacji

Słowo "teatralizacja" pochodzi ze słowa "teatr". Teatedraliza Wydarzenie klubowe, oznacza to, że do akt teatralnego, w którym synteza różnych środków ekspresyjnych jest reprezentowana przez akcję sceniczną (słowną), projekt muzyczny, światło, hałas, butefory, rekwizyty, kostiumy, elementy roztworu wizualnego, Jerma , taniec.

To samo zdjęcie można obserwować w złożonych wydarzeniach klubowych. Wszystkie powyższe fundusze są używane w wieczornych tematycznych, pokazach, pomysłach, koncertach teatralnych, kompozycji literackich i muzycznych, koncerty.

Teatralne formy imprez kulturalnych i rekreacyjnych w pobliżu oznaki.

1. Powszechne stosowanie ekspresji teatralnej. Faktem jest, że te same środki ekspresyjne (muzyka, słowo, dokument, fakt) są używane w jednym przypadku jako ilustracja do narracji na wybranym temacie (na przykład muzyka brzmi jak ilustracja po opowiadaniu o pracy kompozytora Wykład, rozmowa), w innym przypadku działać jako równe powiązania jednego łańcucha. To znaczy w przypadku wydarzenia klubowego i dokumentu, a artystyczny obraz jest przenoszony równy ładunku semantycznego.

2. Organiczna kombinacja materiałów dokumentalnych i artystycznych . Ale także satysfakcjonujące te dwa znaki, wydarzenie klubu nie można uznać za dość teatralne, jeśli część teatralizacji zostaną poddane częściom, epizodowi, fragmentowi. Na przykład wieczorem, tylko "spotkanie gości" lub świąteczny koncert, który wykorzystuje liczbę różnych malowniczych gatunków.

3. Główną cechą wydarzenia teatralnego jest decyzja złożona w sprawie praw dramatycznych . Elementy rozwiązania kompozytowego to: - prolog, krawat, łańcuch wydarzeń, z których jeden jest kulminacją i pominięciem. Kompozytowa konstrukcja wydarzenia teatralnego ma wyraźnie rozwinięty system epizodów i fragmentów. W jednej formie w przypadku wydarzenia klubowego istnieje konflikt, ale nie tak wyraźnie wymawiany jak w wynikach teatralnych. Na przykład na festiwalu "przewody" - konflikt - walka wiosny z zimą.

W konsekwencji, aby przygotować i posiadać teatralne wydarzenie klubowe, to jest:

- aby zbudować kompozyt, - aby osiągnąć ekologiczną jedność materiału dokumentalnego i figuratywnego, - aby uosabiać go ze wszystkimi niezbędnymi środkami ekspresji teatralnej.

Fundusze "teatralizacji".

1. Muzyka. Spotykamy się z dziełami muzycznymi lub ich fragmentami na wakacjach, masowe spacery, kośleczniki, pokazy i inne programy teatralne. Muzyka może być kwestią czasu i przestrzeni. Może utworzyć pożądaną postawę emocjonalną, zarówno przed rozpoczęciem, jak i podczas zdarzenia, może mieć niezależną wartość lub służyć jako sceniczne działanie.

2. Film- Artystyczne i dokumentalne lub ich fragmenty, gra, animowana, poważna i komedia, profesjonalne i amatorskie - mogą być używane jako środek ekspresyjny. Jest powszechnie znany z otrzymywania wyglądu na scenie z ekranu tych, którzy rozmawiają o wieczornym klubie.

3. Fikcja. Praca literacka lub jego fragment odgrywa dużą rolę w kompozycji i może być prologem, ciąg, wiązki między odcinkami, ostatnia część. Może to być zarówno materiał poetycki, jak i prozy.

4. Artystyczne słowo - Bashes główny ładunek semantyczny w reprezentacji teatralnej. Może być wykonany przez jednego czytelnika (prowadzące) lub grupę. Najprostszym przykładem jest czytanie wierszy lub prozy w towarzystwie muzyki. Czytanie może towarzyszyć pantomima, taniec, filmy filmowe.

5. Obrazjest to niezbędny element dowolnej prezentacji teatralnej, promuje widoczność i dokładność wydarzenia (portrety, elementy scenerii - domy, ulice, drzewa komory więziennej itp.). Prezentacja "działa", gdy jego wyświetlacz towarzyszy pomyślnie wybrany muzyka lub artystyczne słowo.

6. Pantomima - To jest akcja bez słów. Muzyka może towarzyszyć muzyka, specjalnie dobrane dźwięki, symbolizujące, na przykład pukanie serca, rytm mechanizmu roboczego itp. Z pomocą pantomimy można pokazać spokojne morze i zbliżającą się burzę, wiatr, kwitnący kwiat. Wszystko zależy od fantazji dyrektora i umiejętności wykonawców. Kostiumy uczestników pantomima są stylizowane lub jednolite, ale mogą być konwencjonalne teatralne.

7. Taniec. W praktyce klubowej wszystkie rodzaje tańców są powszechne. Możliwości tańca, jako środków ekspresyjnych, nie są ograniczone do ilustrującego jednego lub myśli już wyrażonego przez inne środki. Taniec może stać się pełnoprawnym elementem wykresu całego działania teatralnego.

8. Sztuka teatralna - Według jego syntezy, muzyki, tańca, artystycznego słowa, dzieła literackie, pantomima. W klubowej reprezentacji teatralnej nie jest używana cała wydajność, ale jego indywidualne fragmenty. Dlatego możemy mówić o małych formach teatralnych - etapach prac prozaicznych lub poetyckich, a nawet dokumentów. Pokoje są z powodzeniem używane z lalkami, technikami cienia, fragmenty z występów opery, operetki. Najważniejsze jest to, że ten materiał organicznie ustanawia w kontekście imprezy.

9. Zdjęcie artystyczne i dokumentalne. Dobrze znalazł migawek w ramach prezentacji teatralnej, możesz wystawiać jak najwięcej w czasie tekstu, muzyki lub działania.

10. Sztuka popu i cyrku jest używana jako środek emocjonalny. Zabawne pokoje ekscentryczne, dowcipy, humor, konfiguracja, sztuczki, tańce komiczne, ponowienie, par, parodies są wprowadzane do skryptu.

11. Gra - jest również środkiem, do którego zbudowana jest akcja masowa teatralna. W takim przypadku gra jest uważana za nie z punktu widzenia istoty wydarzenia teatralnego (wakacyjnego, konkurencji teatralnej) oraz stroków widzenia swojej organizacji w aspekcie pedagogicznym, zwłaszcza przy organizowaniu wydarzeń teatralnych dzieci. Aktywność gier może być częścią wypoczynku lub działać jako konkretna forma pracy masowej. Na imprezie masowej gra jest wykorzystywana jako skuteczne środki obejmujące ludzi w masowej akcji teatralnej, powodując emocjonalne doświadczenie z rozrywką, stwarza niezbędną postawę świąteczną. Teatralne działanie do gier może być aktywną częścią jakiegokolwiek wydarzenia teatralnego i na wiele sposobów promowania swojego sukcesu.

Tak więc wszystkie formy i gatunki artystyczne są praktycznie stosowane w wydarzeniach kultury teatralnej i rozrywkowej, ich wybór zależy od scenariusza i rzeczywistych możliwości instytucji rekreacyjnej.

Głównym wyrazistym sposobem sztuki malowniczej jest akcja. Celem działania jest zmiana, ponownego przeniesienia, do którego skierowana jest akcja. W sztuce aktorskiej działania psychofizyczne są bardzo ważne, z których rozwija się gra aktorska. Działania mogą być wewnętrzne (skierowane do siebie) i zewnętrzne (skierowane do partnera lub przedmiotu). Działania sceny są wykonywane przez aktorów. Jest to główna ekspresyjna sztuki działającej. Wszyscy w teatrze wyraża się przez niego. Mówi z sceny na osobie autora, dyrektora, całego zespołu, dlatego podstawowe ekspresyjne sposoby umiejętności działania są ważne w swojej pracy: słowo, głos, ruch, plastik. Słowo odgrywa ogromną rolę w dziedzinie aktora. Słowo jest głównym wyrazem myśli. Kompetentna ekspresyjna mowa jest w stanie przekazać złożoność duchowego wyglądu współczesnego człowieka. Bogaty ekspresyjny głos może przekazać różne niuanse. Słowo jest instrumentem akcji. Ekspresyjność ruchu scenicznego jest również bardzo ważna w pracy aktora. Mimica, gest. Charaktorem aktora jest wirtuozem jego ciała. Przez pozę, gest aktor ruchu powinien być w stanie wyrazić wewnętrzną zawartość. Gładkość i ciągłość ruchu tworzą plastyczność. Psychologiczny gest jest bardzo ważny, który powinien być wolacjonalnym, aktywnym, jasnym, dużą skalą, ulgą. Pomocnicze środki ekspresyjne są makijażu, perukę, naklejki, garnitur, które są podkreślane i uzupełnione obrazami sąsiednim lub kontrastu. Ekspresyjne środki teatru obejmują: muzykę, światło, makijaż, Misansezen. Atmosfera, dekoracja, skład, rytm itp. Wpływ muzyki na osobę jest niezwykle duży ze względu na właściwości sceniczne. Jest w stanie wyświetlić zmysły osoby, zjawiska świata zewnętrznego, konflikty społeczne, działania heroiczne itp. Jest to najsilniejsza ekspresyjna heara. Światło jest również jednym z najsilniejszych środków ekspresywności teatru. Światło musi współdziałać z teksturą sceny, kostiumów. Światło przyczynia się do stworzenia atmosfery scenicznej. Atmosfera powstaje przez aktora i proponowane okoliczności, w których on jest. Głównym wyrazem atmosfery jest aktorem. Dzięki atmosferze wyraża się ideę wydajności, wyraża się rytmy życia sceny, postacie osób działających i ich związek są z nim związane. Misja atmosfery - oszczędzaj duszę teatru od mechanizacji. Kostium powinien podkreślać obraz tego rozwiązania obrazu, w którym wyświetlane są ludzkie biografia, charakter, narodowość, charakterystyczne cechy czasu. Bardzo ważne jest, aby producent był nie tylko zewnętrznym środkiem kosmetycznym, ale wewnętrzną treścią psychologiczną obrazu. Innym bardzo ważnym środkiem ekspresyjnym teatru jest dekoracja, z pomocą, której roztwór kurtyny jest rozpatrywany, możliwość obracającej się sceny, podnoszenia, stosowania włazów itp. Wnętrze musi przestrzegać charakteru aktorów. Artysta powinien być w stanie zrozumieć grę. W ten sposób istnieje wiele ekspresyjnych narzędzi.

pełna adaptacja w społeczeństwie.

Zapotrzebowanie na taniec PSY-HOCONOCIENS Programy jest bardzo duże. Brak kompetentnych specjalistów, techniki rozwinięte naukowo

prowadzenie zajęć w środku, a starsza kategoria wieku hamuje rozwój sieci grup kulturowych i rekreacyjnych do korekcji ludzi w klubach fitness naszego kraju.

Notatki

1. Bassakov, V. Yu. (Koszt Red.) Odczyty dla fizycznej psychoterapii i psychotechniki / V. Yu. Baskakov (Czerwony. Sost.). - M.: Znaczenie, 2000. - 165 p.

2. Gerasimova, I. A. Ewolucja ustawień poznawczych kreatywności: DIS. ... Dr Ped. Nauki / I. A. Gerasimova. - M., 1998.

3. Jung, K. G. Alchemy Dreams: Per. z angielskiego / K. G. Jung. - SPB.: Tymothy, 1997. - 352 p.

4. Chodorow, J. Ciało jako symbol: Dance / Ruch w analizie. / Joan Chodorow; Amerykańskie Stowarzyszenie Therapy Taniec. - Nowy Jork, 2008. - 13 r. - Opublikowany online: 4 sierpnia 2008 r.

5. Lemieux, A. Duet kontaktowy jako paradygmat dla interakcji klienta / terapeuty / Adwoa Lemieux // przedłożone w częściowym spełnieniu tańce artystycznej w terapii Dance / Ruchu / Naropa Institute Boulder. - Colorado, 1988. - 101 r.

6. O "Connor, Peter A. Zrozumienie Jung, Zrozumienie Self / Peter A. O" Connor. - Nowy Jork: Paulist Press, 1985. - ISBN 0809127997.

7. Capello, Patricia P. Mężczyźni w Terapii Dance / Ruch / Międzynarodowy Panel / Patricia P. Capello. - Nowy Jork: American Dance Therapy Association 2011. - Opublikowane online: 21 kwietnia 2011 r. - 10 p.

8. Sheila, J. Dance Cultural: okazja do zachęcenia aktywności fizycznej i zdrowia w działalności komunikacyjnej i Heila Jain i David R. Brown. - Nowy Jork: American Journal of Health Education, Jably / sierpień 2001, tom 32, nr 4-19 str.

Otwory i środki ekspresji jako elementy komunikacji muzealnej

V. V. Arzhanukhina.

Moskwa State University of Culture and Arts

Artykuł po raz pierwszy uważa teatralne środki ekspresyjności jako pełny element współczesnej komunikacji Muzeum. Przedstawiono przegląd historycznego aspektu relacji między muzeami a środkami teatralnymi oraz technikami. Przeanalizowano doświadczenie ekspozycyjne różnych muzeów, aby przyciągnąć ekspresyjność w ekspozycji środków teatralnych. Słowa kluczowe: komunikacja muzeum, nowe formy wystawowe, projektant muzeum, projektant ozdobny.

Po raz pierwszy artykuł analizuje środki teatralne ekspresyjności jako uczciwego składnika współczesnej komunikacji muzealnej. Po raz pierwszy ankietowany jest historyczny aspekt nawodnic między muzeami a metodami teatrami i metodami. Przeanalizowano doświadczenie narażenia różnych muzeów na stosowanie środków ekspresji w ekspozycji.

Słowa kluczowe: komunikacja muzealna, nowe formy wystawowe, projektant muzeum, dekoracyjne desing. 134 1997-0803 Biuletyn Mguy 5 (49) Wrzesień-październik 2012 134-138

Zakres teatralnych środków ekspresyjnych i technik został zgromadzony przez wieki - jednocześnie z rozwojem samego teatru. Dziś ich wiersz jest dość określony. Są to sceneria, kostiumy, butaforia, dźwięk, światło i efekty specjalne oraz wśród technik teatralnych prowadzi teatralizacji. Podejście teatralne zawsze było na żądanie i często stosowane w polityce i religii. Przypomnij sobie kostiumy tajemnice starożytnej Grecji i procesji triumfalnych Rzymian. Kościół chrześcijański wziął również na usługi teatralne. W wieku, gatunek dramatu kościelnego ("wizyta w grobowce", "gra na Adam"), nawet pochodziła nawet w średniowiecznej Europie), aw Rosji, od początku XVI wieku, Dramaty duchowe stają się popularne (" Chodzenie na sytuacji awaryjnej "," Akcja Cave "). Tak więc, środki teatralne od dawna udowodniono przez komunikatory różnych instytucji publicznych, dzięki swojej głównej godności - zdolność do przyciągnięcia uwagi. Zrozumienie tego przyszło do praktyki muzealnej.

Autorem pierwszej pracy nad teorią komunikacji Muzeum była kanadyjska Musehied D.F. Cameron. Stało się to pod koniec lat 60. XX wieku, ale praktyczne wyszukiwanie rozwiązań komunikacyjnych rozpoczęły się znacznie wcześniej. W drugiej połowie XIX wieku nowe formy ekspozycyjne przedstawiono na wystawach etnograficznych i ręcznych. Przyczyniło się to do rozwoju interdyscyplinarnych obligacji, co jest naturalne, ponieważ "... Teoria komunikacji, a także Musevia, okazuje się sferą wiedzy interdyscyplinarnej" (9). Najczęściej organizatorzy pierwszych rosyjskich wystawach odwołali się do projektowania dekoracyjnego i butaforii. Dziś norma, kiedy artysta lub projektant muzeum uczestniczy w przygotowaniu ekspozycji, - i jakieś sto lat temu, co stało się artystyczne

zajmuje wiele muzeów kategorycznie odrzuconych. Czasami osiągnęła ciekawostki. Dziennikarze, którzy napisali o wszystkich rosyjskiej wystawie etnograficznej z 1867 r., Zwalonili organizatorów w fakcie, że strona dekoracyjna przeważa nad treściami naukowymi (2). Ale kiedy eksponaty wystawy stały się częścią Muzeum Etnograficznego Dashkovsky - już bez dekoracyjnej Entourage - współcześni skarżył się, że umieszczenie ekspozycji na temat zasady naukowej zmniejszyło swoją wartość naukową i informacyjną (4).

Po raz pierwszy elementy dekoracyjne były szeroko stosowane na wszystkich rosyjskiej wystawie etnograficznej, która odbyła się w Moskwie w 1867 roku. Ekspozycja była przeznaczona na grupy etniczne mieszkające w Rosji i były scenami gatunkowymi typowymi dla jednego lub innego regionu. Rzeźbiarze i artyści zostali zaproszeni do zaprojektowania wystawy. Rosyjski podział został przedstawiony w formie uczciwej sceny w scenerii A.K. Savrasov - Malarz, z niesamowitym wiarygodnością rustykalnego krajobrazu, który działa w gatunku. Na wystawie Politechnicznej 1872 r. W Moskwie pojawiły się istniejące pawilony dekoracji - zmniejszone kopie zabytków architektury narodowej. Na przykład, oddzielny pawilon został zbudowany do prezentacji Turkiestanu w postaci Samarkanda Madreza Shirdana (8). W przyszłości zmniejszone kopie budynków architektonicznych stały się ulubioną techniką artystów projektantów. W 1914 r. Na wystawie all-rosyjskiej rzemiosła i fabryki, która odbyła się na polu Khodynsky w Moskwie, centralny pawilon został stylizowany na budowę Kremla w Moskwie (8). Po 90 latach, w 2004 r., Podczas Olympiady w Atenach, makiety Kremla i Teatr Bolszoj zdobiony obszar Moskwy, na którym wystawa fotograficzna została umieszczona na stolicy Rosji.

Chciałbym podkreślić, że układ nadal nie jest wystawa, ale znajdzie teatr. W środku XVI wieku, włoski artysta Sebastiano Serlio po raz pierwszy polecił układ sceny przyszłej wydajności. Jednocześnie istnieją muzea, w których ekspozycja polega wyłącznie z układów obiektów architektonicznych (kompleks etno-memoriał "Mapa Kazachstanu" Atameken "w Astanie, Madrorze w Holandii). Jest to naturalne, że przestrzeganie praw teorii komunikacji, układu architektonicznego, krok po kroku przez granicę teatru, nie zatrzymał się w muzeum, stając się uniwersalnym środkiem komunikacji. Przypomnijmy sobie wszystkie rodzaje parków rozrywkowych (Disneyland, Mini Siam w Tajlandii itp.), A także hotele. Tymczasem wszyscy mają jednego progenitora - teatralny butefory.

Artyści, którzy pracowali w Teatrze, przyczynili się do rozwoju nowego gatunku. Artysta K.a. jest uważany za jednego z innowatorów przypadków ekspozycyjnych. Korowina. W 1896 r. Słynny przemysłowca i patron s.i. Mammoth polecił mu wykonanie pawilonu na północy na All-Rosyjskiej Sztuki i Wystawie Przemysłowej w Niżnym Nowogrodu. Candydycy nie została wybrana przez przypadek, ponieważ artysta był uczestnikiem podróży w Polar, zorganizowany przez tę samą S.I. Mamut. Rola samego Mamontova w otwarciu pawilonu nie ogranicza się do finansowania, ponieważ był w języku nowoczesnym, a dyrektora-innowator oraz przedsiębiorczym producentem, a nawet projektantem muzeum. Z zgłoszeniem Pawilon Missen zwrócił się w prawdziwe mini-muzeum. Savva Ivanovich był autorem wielu pomysłów, a Yaros obronił projekty "produkcji" do organizatorów wystawy. W związku z tym oficjalni organizatorzy odmówili dołączenia do głównego personelu wystawy (Mikula Selyaninovich i

"Princess of Gleza") Zaproszona S.I. Mammoth M.a. Vrubel. Następnie s.a. Mammoths za ich pieniądze zbudowały oddzielny pawilon dla tych prac. Jako profesor A.a. Aronov: "Savva Ivanovich Mamontov była jedynym niepowiernym patronem sztuki Vrubel" (1, s. 29). Ale z powrotem do pawilonu dalekiej północy, wchodząc do którego odwiedzający wydawali się być na jednej z fabryk północnych. W ten sposób sam artysta opisuje projekt: "Ukrywam skórę uszczelek, koszule wełniane pomper. Wśród lin na marynarce gesty - potworne skórki skóry, szczęka Chin. Samoyed Wasily, którego ja również przyniósł ze sobą ... Zmienia wodę w ocynkowanej skrzynce, w której jest żywa, Miley Seal, przyniósł z Oceanu Lodowego i nazywana Vaską. Na ścianach - tematyczne panele dekoracyjne, które "pokojowo przylegające do fotografii i naturalnych eksponatów, a ta okolica podkreśliła autentyczność stworzonych obrazów covicznych" (5, s. 92). Miał doświadczenie w teatrze i V.M. Vasnetsov, zaproszony do Muzeum Historycznego na początku lat 80. XIX wieku, aby udekorować ekspozycję "Zabytki Okres Kamienia". W rezultacie Muzeum otrzymał wspaniały panel dekoracyjny "Wiek kamienia", który Francuski archeolog Baron Joseph De Bai powiedział, że "Lucky Journal" czyta "Głośnik w" Wieku Kamienia "całego przebiegu archeologii. Podejście do dekoracji zostało przyjęte przez Muzea Regionalne. Tak więc, pod koniec XIX wieku, sztuczna skała została zbudowana w Kaukazowym Muzeum w Tiflis na ekspozycję o mieszkańców alpejskich. Uczestniczył ekspozycjami i innymi grupami zwierząt, a także grupy rodzeńskich plemion (7, s. 20). W kółkach naukowych skarżył się skład, ale zwykli odwiedzający byli zachwyceni.

Mobilna wystawa Muzeum Miasta Krasnoyarska, która pokazała "żywy obraz", ilustrując naturalne cechy krawędzi i życia Syberyjskich Aborygenów (10) z sukcesem. Pomimo faktu, że koncepcja artystycznego obrazu była postrzegana przez konserwatywny publiczność z zakłopotaniem, uniwersalne zainteresowanie takimi ekspozycjami zawsze były wysokie. Dzięki podejściu teatralne, innowacyjne organizatorzy udało się zdecydować, w rzeczywistości, głównym zadaniem komunikacyjnym - aby przyciągnąć jak najwięcej uwagi widzów, aby zainteresować nawet uroczystego gościa i zrozumieć ekspozycję dostępnych dla wszystkich sektorów społeczeństwa.

Rozpoczęcie C20-30 w XX wieku, zainteresowanie muzeum środkami ekspresywności było sarejące, rozszerzono nową siłą. Po rewolucji październikowej 1917 r. Przywrócenie kraju został zmuszony do przyciągnięcia wszystkich form komunikacji publicznej, w tym muzeum, do mieszania i propagandy. A teraz pojawił się "muzea-teatry", gdzie zapoznali się z obiektami muzealnymi w formie wykładów teatralnych na działce Muzeum Legendy eksponatów wystawionych (Teatr Etnograficzny Państwowego Muzeum Rosyjskiego). W latach 60-70 z XX wieku nowa, obecnie międzynarodowa, dyskusja na przyciąganie nowych form ekspozycji i wartość podejścia figuratywnego (M. Madzen, D. Cameron, A.m. Overclocking itp.). W latach 70-0-tych XX wieku problem roli scenariusza został aktywnie uważany za specjalną formę projektowania ekspozycji muzealnej (MB Gnodovsky, YU.P. Pischulin, Yu.a. Reshetnikov itp.) . Możliwości sceniczne nie były szeroko stosowane w Muzeum Domowym, ale ogólne uznanie zostało zatwierdzone: "dla osoby, ocena postrzeganych informacji bez kolorowania emocjonalnego

^ Aktywność społeczno-kulturowa

możesz "(6, s. 97). W okresie restrukturyzacji całej struktury gospodarczej kraju, gdy ostre pytanie o potrzebę stosunków handlowych zaczęło powtórzyć skuteczne sposoby przyciągnięcia uwagi odwiedzających i społeczeństwa jako całości. Było to, że teatralne środki ekspresyjności w komunikacji Muzeum stały się popularne więcej niż kiedykolwiek (itd. Polyakow, N.v. Mausy, E.a. Rosenblums itp.). Pod uniwersalnym natusem konserwatyści znani w świecie muzeum, takich jak A.B. Zaks, którzy zaproponowali "stworzenie artystycznego wizerunku rzeczywistości historycznej" i za pomocą różnych form, aby dać ekspozycję "rozrywkę". Świadomość faktu, że ekspozycja muzeum "nie uczy, ale budzi stowarzyszenia, powoduje powstanie obrazów, myśli i uczuć. "(3).

Obecnie rola projektu Muzeum jest nadal świetna, a najnowsze osiągnięcia techniczne sztuki scenerii teatralnej z przyjemnością biorą muzea na broń. Przede wszystkim jest światło teatralne i efekty specjalne, które niewątpliwie dają ekspozycję na spektakl i niewidzialną dynamikę. Jak na przykład w ekspozycji bajki Puszkina w Muzeum Literackim. TAK JAK. Puszkin, gdzie transformator dekoracji i kompetentnie wybrany kolorowy światło przekształciły mały pokój w bajecznie się bajecznie Lukomorier. Program "Live Planeta", przygotowany za pomocą złożonych urządzeń oświetleniowych i instalacji laserowych w państwie Muzeum Darwinowskie. Ale niewątpliwym faworytem nowoczesnej komunikacji muzealnej jest teatralizacja. Teatralne wycieczki i święta kostiumowe na terytorium muzeów od dawna stają się normą, zwłaszcza w muzeach i nieruchomościach. Zaproszeni artyści stają się dodatkowymi atrybutami kontinuum muzeum przestrzeni. Powodzenia

projekt muzealny z elementami teatralizacji był roczne dni dziedzictwa historycznego i kulturowego Moskwy. Aby wziąć udział w nich, jest zaszczycony dla czci wiodących artystów metropolitalnych. Nawiasem mówiąc, uczestnictwo Corneusa w projektach narażenia nie jest innowacją. W 1882 r. W ramach wszystkich rosyjskiej wystawy przemysłowej i sztuki seria koncertowa podała orkiestrę symfoniczną pod kontrolą A.G. Rubinstein, a otworzyć wystawę politechniczną poświęconą 200. rocznicę Piotra I (Moskwa, 1872), wysłał jego nowy Cantatu. Tchaikovsky (8).

Ważne jest, aby zrozumieć, że również teatralizacja, a także wszystkie inne środki ekspresywności, są uzasadnione tylko wtedy, gdy nie zastępuje ekspozycji, ale czy uczyniając go bardziej atrakcyjnym dla gościa nieograniczonego przez wiedzę naukową, czyli, kiedy Podejście teatralne nie wykracza poza spółkę zależną. Z zastrzeżeniem tego warunku

techniki teatralne i techniki są idealną komunikacją dla Muzeum dowolnego profilu. Po pierwsze, zawsze przyciągają uwagę, dostępny do powszechnej percepcji, a ich możliwości komunikacyjne są testowane przez różne instytucje publiczne, a nie jedno pokolenie widzów. Po drugie, są w stanie rozwiązać problem wewnętrznego panelu ekspozycji, tak celowo utworzone na działanie zewnętrzne, a nie wewnętrzne. Po trzecie, są one a priori nie żądają pozycji dominującej, początkowo będąc tylko narzędziem, a nie w sobie. Podobnie jak w teatrze, gdy wszystkie elementy projektu nie powinny się demonstruować, ale promować maksymalne ujawnienie artystyki. Po czwarte, nie są one stałą, co oznacza, że \u200b\u200bsą mobilne i pozwalają na nieskończone tłumaczenia ekspozycyjne. Pracownicy muzeum mogą znaleźć ich wierną dawkę.

Notatki

1. Aronov, A. A. Złoty wiek rosyjskiej medytacji / A. A. Aronov. - M.: Wydawnictwo Mguk, 1995.

2. All-rosyjska wystawa etnograficzna i kongres słowiański w maju 1867 r. - M., 1867. - P. 3-9.

3. ZAKS, A. B. epoki kapitalizmu w ekspozycji państwowego Muzeum Historycznego (1931-1957) / A. B. ZAKS // Tradycja i wyszukiwanie. Problemy nowej ekspozycji GIM w historii kapitalizmu. - M., 1991.

P. 16-17. - (Trudy Gim. Vol. 77).

4. Iwanowa, O. A. All-Rosyjska wystawa etnograficzna 1867 / O. A. Ivanova // Materiały do \u200b\u200bpracy i historii Muzeów Etnograficznych i wystaw. - M., 1972. - S.99-142.

5. Kogan, D. Z. Konstantin Korovin / D. Z. Ivanova. - M.: Sztuka, 1964.

6. LOBANOVA, V.S. W sprawie roli rozwiązań architektonicznych i artystycznych w poprawie wystawy wystawy / V. S. Lobanova // Muzeum w ZSRR. Obłon. 20. - M., 1990.

7. Masuzal, N. V. Wystawa jako uniwersalna forma działalności narażenia muzeum krajowego: DIS. ... Cand. Wschód. Nauka / N. V. Zausa. - M., 1997.

8. Wystawa Moskwa // moja Moskwa. - 2005. - № 6-7.

9. Samarina, N. G. Praca badawcza w Muzeum w świetle Teorii Komunikacji / N. G. Samarina // Prace badawcze w Muzeum: [Raporty naukowych i praktycznych konferencji studentów, studentów i nauczycieli (Moskwa, 29 listopada 2002 r), 28 listopada 2003 r.)].

M.: Mguyk, 2005. - P.3.

10. 25. rocznica Muzeum Miasta Krasnojarskiego 1889-1914. - Krasnojarsk, 1915. - P. 46-47.

test

2. Naprawiono środki ekspresywności sztuki teatralnej:

Dekoracja (z Lat. Decoro - Decorate) - wystrój sceny, odtwarzając materialne środowisko, w którym akty aktora. Dekoracja "jest artystycznym wizerunkiem miejsca działania, a jednocześnie platforma reprezentująca bogate możliwości dla scenicznego działania na nim". Sceneria jest tworzona przy użyciu różnych środków ekspresyjnych stosowanych w nowoczesnym teatrze, malarstwie, grafice, architekturze, planowaniu sztuki, specjalną teksturę scenerii, oświetlenia, urządzeń scenicznych, projekcji, kina itp Systemy scenerii:

1) Przenoszenie telefonu komórkowego,

2) Podnoszenie przystawki

3) pawilon,

4) Volumenny.

5) Projekcja.

Pojawienie się, rozwój każdego systemu dekoracji i zmiana drugiego została określona przez specyficzne wymagania dramatu, estetyki teatralnej, istotnych dla historii ERA, a także wzrostu nauki i technologii.

Słoma mobilna sceneria. Kulisi - części scenerii znajdującej się na scenach scena po pewnych odległościach jeden po drugim (z portalu głęboko w scenę) i mają zamknąć przestrzeń za kulisową od widza. Sceny były miękkie, zamontowane lub twarde w ramach; Czasami mieli opracowany kontur, przedstawiający profil architektoniczny, kontury pnia drzewa, liści. Zmiana sztywnych scen została wykonana za pomocą specjalnych maszyn farszowych - ramek na kołach, które były (18 i 19 stuleci) na każdym planu sceny równolegle do rampy. Te ramki przeniósł się do sekcji szyn na szynach, położony na pierwszej jakości podłogę, specjalnie pokrojone do tabletu. W pierwszych teatrach pałacowych sceneria składała się z tła, sceny i zagłębienia sufitu, która wzrosła i zatopili jednocześnie ze zmianą Kulisa. Na Pardugas napisał chmury, gałęzie drzew z liściami, częściami plafonów itp. Do dziś sceneria dekoracji w teatrze mówiących w dziedzinie w Drochnyholm oraz w teatrze byłego w pobliżu moskiewskiego majątku. Nb. Yusupova w "Arkhangelsk"

Sceneria szwu powstała we Włoszech w XVII wieku. I zyskał szeroko rozpowszechniony w teatrach z wysokimi kratami. Ten rodzaj dekoracji jest płótnem, szyta w formie łuku z napisanym (na krawędziach i górnych) pnia drzew, gałęzie z liściami, detalami architektonicznymi (zgodnie z prawem perspektywy liniowej i powietrza). Na scenie można zawiesić do 75 takich łuków sceny, tło, dla których serwowane są rozproszone tył lub horyzont. Różnorodność scenerii - ażurowej scenerii (siscript "las" lub "architektoniczny" łuki scenerii, wyłożone na specjalnych siatkach lub stosowanych na Tylu). Obecnie łukowata sceneria jest używana głównie w produkcjach opera-baletowych.

Sceneria pawilonu została po raz pierwszy zastosowana w 1794 roku. Aktor i reżyser F.l. Schroeder. Sceneria pawilonu przedstawia zamknięty pokój i składa się z ramek, dokręconych płótno i malowanej tapety, desek, płytek. Ściany mogą być "głuche" lub mają rozpiętość dla okien, drzwi. Między sobą ściany są połączone z pomocą Liny Zakiczkowej - uchwytu i są przymocowane do podłogi sceny na stokach. Szerokość ścian pawilonów w nowoczesnym teatrze nie jest ponad 2,2 m (w przeciwnym razie podczas transportu dekoracji ściana nie pójdzie do drzwi samochodu handlowego). Okna i drzwi scenerii pawilonu są zwykle umieszczane przez Zapinniki (części scenerii zawieszenia na ramkach), na których przedstawiono odpowiedni krajobraz lub motyw architektoniczny. Sceneria pawilon pokrywa się przez sufit, który w większości przypadków jest zawieszony na ruszt.

W teatrze nowego, objętościowy sceneria po raz pierwszy pojawiła się najpierw w występach Teatru Maneingen w 1870 r. W tym teatrze, części objętościowe zaczęły być używane, wraz z płaskimi ścianami: maszyny na żywo i ukośne - Rampy, schody i inne konstrukcje Na zdjęcia na tarasy, wzgórza, ściany twierdzy. Projekty maszyn są zwykle zamaskowane przez malownicze płótno lub zwolnienia boutowe (kamienie, korzenie drzewa, trawa). W celu zmiany części objętościowej scenerii rolki są używane na rolkach (Furki), koła obrotowe i inne rodzaje sceny. Wolumetryczna sceneria pozwoliła Dyrektorzy do budowy zakrętów na "złamanej" tablecie sceny, znajdź różnorodne konstruktywne rozwiązania, dzięki którym ekspresyjne możliwości sztuki teatralnej rozszerzono niezwykle rozbudowany.

Dekoracja projekcji została po raz pierwszy zastosowana w 1908 roku w Nowym Jorku. Na podstawie projekcji (na ekranie) nieżelaznych i czarno-białych obrazów narysowanych na diapizji. Projekcja przeprowadza się przy użyciu projektorów teatralnych. Ekran może służyć jako tył, horyzont, ściany, podłoga. Istnieją bezpośrednie projekcja (projektor znajduje się przed ekranem), a projekcja na Lumen (projektor za ekranem). Projekcja może być statyczna (architektoniczny, krajobraz i inne motywy) i dynamiczne (ruch chmur, deszcz, śnieg). W nowoczesnym teatrze z nowymi materiałami na ekranie i sprzęt projekcyjny, dekoracje projekcyjne były szeroko stosowane. Prostota produkcji i działania, łatwość i szybkość zmiany obrazów, trwałość, zdolność do osiągnięcia wysokich cech artystycznych sprawia, że \u200b\u200bsceneria projekcyjna z jednym z obiecujących rodzajów dekoracji nowoczesnego teatru.

2.2 Garnitur teatralny.

Garnitur teatralny (od Ital. Kostium, faktycznie niestandardowe) - ubrania, buty, kapelusze, biżuteria i inne przedmioty używane przez aktora do charakterystyki scenicznego malowniczego wizerunku. Niezbędny dodatek do kostiumu - Makeup i fryzurę. Kostium pomaga aktorowi znaleźć wygląd postaci, ujawniając wewnętrzny świat bohatera scenicznego, określa historyczną, społeczno-gospodarczą i krajową cechę medium, w którym występuje akcja, tworzy (wraz z resztą elementów projektu ) wizualny obraz wydajności. Kolor kostiumu powinien być ściśle związany z ogólnym rozwiązaniem pomysłu kolorystycznego. Kostium stanowi cały obszar kreatywności artysty teatralnego, ucieleśniając ogromny świat zdjęć - świadectwo, satyryczne, grotesk, tragiczne.

Proces tworzenia kostiumu z inkarnacji szkicu do sceny składa się z kilku etapów:

1) wybór materiałów, z których zostanie wykonany kostium;

2) Wybór materiałów do materiałów malarskich;

3) Wyszukiwania linii: tworzenie patronów z innych materiałów i halsów materiałów na manekinie (lub na akcie);

4) Sprawdzanie garnitur na scenie w różnych oświetleniu;

5) aktor kostiumowy "Sredit".

Historia kostiumu wraca do pierwotnego społeczeństwa. W grach i obrzędach, które starożytna osoba odpowiedziała na różne wydarzenia w jego życiu, fryzurę, ponurą barwiącą, kostiumy rytualne miały ogromne znaczenie; W nich prymitywni ludzie zainwestowali dużo fikcji i osobliwego smaku. Czasami te kostiumy były fantastyczne, w innych przypadkach przypominały zwierzęta, ptaki lub zwierzęta. Od czasów starożytnych znajdują się kostiumy w klasycznym teatrze na wschodzie. W Chinach, Indiach, Japonii i innych krajach, kostiumy są warunkowe, symboliczne. Na przykład, w teatrze chińskim żółty kolor kostiumu oznacza należący do imperialnego nazwiska, w kostiumach czarnych i zielonych kolorów są ubrane wykonawcy ról urzędników i feudalistów; W polu Chinese Classic Classic, tylny punkt Wojownika do liczby swoich pułków, czarnej chusteczki na twarzy symbolizuje śmierć postaci scenicznej. Jasność, bogactwo farb, wspaniałość materiałów tworzy garnitur w teatrze wschodnim jednym z głównych dekoracji prezentacji. Z reguły, kostiumy są tworzone na pewną wydajność, konkretny aktor; Istnieją również zestawy kostiumów, które korzystają z wszystkich grup niezależnie od repertuaru. Kostium w Teatrze Europejskim pojawił się po raz pierwszy w starożytnej Grecji; Powtórzył głównie garnitur domowy starożytnych Greków, ale wprowadzono w nim różne warunkowe szczegóły, które pomogły widzowi nie tylko zrozumieć, ale także zobaczyć, co dzieje się na scenie (struktury teatralne były ogromne rozmiary). Każdy kostium miał specjalny kolor (na przykład kostium króla jest fioletowy lub szafranowy), aktorzy nosili maski, dobrze widoczne z daleka, a buty na wysokich stoiskach - kotów. W epoce feudalizmu sztuka teatru nadal mieszkała w radosnych, miejscowych, dowcipnych pomysłach bezpańskich aktorów-Grzyszna. Kostium historycy (jak również rosyjskie nierówności) znajdował się w pobliżu nowoczesnego kostiumu miejskich ubogich, ale ozdobiony jasnym klapą, szczegółami komiksowymi. Od idei teatru religijnego, który powstał w tym okresie, tajemnica była najbardziej udana, których produkcje były szczególnie montowane. Jasny upadek wyróżniał się mysteryczną procesją tajemnicy w różnych kostiumach i grysach (fantastyczne postacie bajki i mitów, wszelkiego rodzaju zwierząt). Głównym wymogiem dla garnituru w tajemnicy jest bogactwo i elegancja (niezależnie od roli wykonawczej). Kostium różnił się konwencją: święci byli w kolorze białym, Chrystus - ze złotymi włosami, diabłami - w malowniczych fantastycznych kostiumach. Znacznie skromne były kostiumy wykonawców umiejętności eligii alegorycznej moralności DRAM. W żywych i progresywnych gatunku średniowiecznego teatru - Farce, które zawierały ostrą krytykę społeczeństwa feudalnego, pojawił się nowoczesny charakterystyczny karykatura i makijaż. W epoce podmiotów odrodzających komedii Del Arte za pomocą kostiumów dał dowcipne, czasami się śmiałe, zła charakterystyczna dla swoich bohaterów: typowa cecha naukowców scholastów, podsumowano psotni sług. Na drugim piętrze. 16 wiek W teatrach hiszpańskich i angielskich podmioty wykonywane w strojach w pobliżu modnych kostiumów arystokratycznych lub (jeśli to było wymagane przez rolę) w strojach ludowych judowo. W teatrze francuskim kostium powtórzył tradycje średniowiecznego farsa.

Realistyczne trendy w dziedzinie kostiumu objawiające się w Moliere, które przy tworzeniu ich sztuk, poświęconych współczesnych życiu, wykorzystały nowoczesne kostiumy ludzi o różnych klasach. W epoce oświecenia w Anglii, aktor D. Garrick starał się swobodnie uwolnić kostium oczyszczonej i bezsensownej stylizacji. Wprowadził kombinezon odpowiadający realizowanej roli, która pomaga ujawnianiu charakteru bohatera. We Włoszech w XVIII wieku Comediographer K. Goldeni, stopniowo zastępując swoje gry typowe maski komedii Del Artte obrazy prawdziwych ludzi, w tym samym czasie zachowały odpowiednie kostiumy i makijaż. We Francji do historycznej i etnograficznej dokładności kostiumu na scenie poszukiwanej Voltaire, który wspierał aktorkę. Poprowadziła walkę z konwencją kostiumu tragicznych bohaterów, przeciwko Firm, sproszkowanych perukom, biżuterii cennej. Jeszcze dalej, praca reformy kostiumowej w tragedii promowała francuski aktora A. Lenena, który zmodyfikował stylizowany kostium "Roman", odmówił tradycyjnego tunelu, zatwierdził orientalny garnitur na scenie. Garnitur do Lena był środkiem psychologicznym charakterystyki obrazu. Znaczący, wpływ na rozwój kostiumu na drugim piętrze. 19 wiek Miałem z nim aktywność. Teatr Maingen, którego występy wyróżniały się wysoką kulturą producentów, historyczną dokładnością kostiumów. Jednak autentyczność kostiumu nabył samowystarczalną wagę na Meyninger. Dokładna reprodukcja środowiska społecznego na scenie wymagała E. Zola. Największe teatralne postacie NCH dążyły do \u200b\u200btego samego. 20 V.- A. Antoine (Francja), O. Bram (Niemcy), który wziął aktywną rolę w projektowaniu występów, przyciągnęła do pracy w swoich teatrach największych artystów. Symbolisty teatr, który pojawił się w latach 90-tych. We Francji, pod hasłami protestu przeciwko rutynowi teatralnemu i naturalizmu, przeprowadził walkę z realistyczną sztuką. Artyści-moderniści stworzyli uproszczoną stylizowaną scenerię i kostiumy, wziął teatr z realistycznego wizerunku życia. Pierwszy rosyjski kostium stworzył okruchy. Ich garnitur powtórzył ubrania o miejskich niższych i chłopów (kaftany, koszule, zwykłe spodnie, laptopy) i ozdobione wielokolorowe świnie, klapy, jasne ozdobione czapki. Powstając na początku. 16 wiek Teatr Kościoła, wykonawcy ról zamkowych, byli ubrani w białe ubrania (na głowie koron z krzyżem), aktorzy przedstawiający Haldeyev - w krótkich kaftach i czapkach. Warunkowe garnitury były używane w sztuce teatru szkolnego; ALLEGORIC Postacie miały swoje emblematy: wiara pojawiła się z krzyżem, nadzieją - z kotwicą, Mars - mieczem. Kostiumy królewskie zostały uzupełnione niezbędnymi atrybutami godności królewskiej. Ta sama zasada wyróżniała występy pierwszego teatru zawodowego w Rosji, XVII wieku, założona na Trybunale Tsarowi Alexei Mikhailovich, reprezentacji teatrów sądowych Tsarevny Natalia Alekseevna i Tsaritsa Prasovia Fedorovna. Rozwój klasycyzmu w Rosji w XVIII wieku. towarzyszy zachowanie wszystkich konwencji w tym kierunku iw garniturze. Aktorzy wykonywane w strojach, które były mieszanką modnego nowoczesnego garnituru z elementami starożytnego kostiumu (jak strój "Roman" na Zachodzie), wykonawcy ról szlachetnych szlachta lub królów nosili luksusowe warunkowe garnitury. Na początku. 19 wiek Modne nowoczesne kostiumy były używane w występach z nowoczesnego życia;

Kostiumy w historycznych sztukach były jeszcze daleko od dokładności historycznej.

Wszyscy R. 19 wiek Przedstawienia Teatru Aleksandrii i Mały Teatr są planowane na pragnienie zabytkowej dokładności w garniturze. Ogromny sukces sięga w tej dziedzinie pod koniec wieku, The Moscow Art Theatre. Wielcy reformatorzy Teatru Stanislavsky i Nemirovich-Danchenko wraz z artystami, którzy pracowali w Moskiewskim Teatrze, osiągnął dokładną zgodność stroju epoki i środowiska pokazanego w grze, charakter sceny bohatera; W teatrze sztuki kostium miał ogromne znaczenie dla tworzenia obrazu scenicznego. W wielu rosyjskich teatrach i 20 V. Kostium zamienił się w prawdziwie artystyczną pracę, wyrażając idee autora, dyrektora, aktora.

2.3 Dekoracja hałasu

Projektowanie hałasu - Odtwarzanie na scenie dźwięków okolicznych życia. Wraz z dekoracjami, butafory, dekoracja hałasu jest tłem, które pomaga podmiotom i widzom czuć się w środowisku odpowiadającym działaniu gry, tworzy właściwy nastrój, wpływa na rytm i tempo wydajności. Petardowie, strzały, traci blachy żelaza, pukanie i dzwonienie broni za kulisami towarzyszyły występy już w 16-18 stuleci. Obecność urządzeń dźwiękowych w sprzęcie rosyjskich budynków teatralnych wskazuje, że w Rosji nie ma już konstrukcji hałasu w Rosji. 18 V.

Nowoczesny hałaśliwy projekt różni się w postaciach dźwięków: dźwięki natury (wiatr, deszcz, burza z piorunami, ptaki); Hałasy produkcyjne (fabryka, budowa); Hałas transportowy (wózki, pociąg, samolot); Hałas bitwy (kawaleria, strzały, ruch wojsk); Hałasy gospodarstwa domowego (zegar, szkło dzwonkowe, ekranowanie). Konstrukcja hałasu może być naturalistyczna, realistyczna, romantyczna, fantastyczna, abstrakcyjna warunkowa, Groteskov - w zależności od stylu i rozwiązywania wydajności. Konstrukcja hałasu jest zaangażowana w działanie dźwięku lub wyprodukowana część teatru. Wykonawcy są zwykle członkami specjalnej brygady hałasu, która obejmuje aktorzy. Nieskomplikowane efekty dźwiękowe mogą wykonywać sceny robocze, szczegóły itp. Sprzęt używany do projektowania hałasu w nowoczesnym teatrze składa się z ponad 100 urządzeń o różnych rozmiarach, złożoności i przeznaczenia. Urządzenia te umożliwiają osiągnięcie poczucia dużej przestrzeni; Korzystając z perspektywy dźwięku, iluzję hałasu zbliżającego się i usuwania pociągu, powstaje samolot. Nowoczesna inżynieria radiowa, zwłaszcza sprzęt stereo, zapewnia doskonałe możliwości rozszerzenia zakresu artystycznego i jakości konstrukcji hałasu, jednocześnie organizacyjnie i technicznie upraszcza tę część wydajności.

2.4 Światło na scenie

Światło na scenie jest jednym z ważnych funduszy artystycznych i wystawionych. Światło pomaga odtworzyć miejsce i środowisko, perspektywę, utwórz niezbędny nastrój; Czasami w nowoczesnych występach światło jest prawie jedynym sposobem projektowania.

Różne typy dekoracyjne wymagają odpowiednich technik oświetleniowych. Płaszczyzna sceneria wymaga ogólnego jednolitego oświetlenia, który jest tworzony przez lekkie urządzenia oświetleniowe (sofa, rampa, przenośne urządzenia). Przedstawienia ozdobione dekoracji objętościowych wymagają oświetlenia lokalnego (projektora), tworząc kontrasty światła, podkreślając wielkość konstrukcji.

Przy stosowaniu mieszanej formy dekoracyjnej konstrukcji stosuje się odpowiednio system oświetlenia mieszanego.

Teatralne urządzenia oświetleniowe są wykonane z szerokim, średnim i wąskim kątem rozpraszania światła, te ostatnie nazywa się reflektorami i służą do oświetlenia pojedynczych sekcji sceny i podmiotów. W zależności od lokalizacji sprzęt oświetleniowy sceny teatralnej jest podzielony na następujące główne typy:

1) Sprzęt górnego światła, do którego należą urządzenia oświetleniowe (Softs, reflektory) zawieszone powyżej gry sceny w kilku rzędach zgodnie z jego planami.

2) Wyposażenie oświetlenia poziomego, które służy do oświetlenia horyzontów teatralnych.

3) Sprzęt do oświetlenia bocznego, do którego zwykle obejmują typ reflektorów zainstalowany na bokach portalowych, galerie oświetleniowe boczne

4) Sprzęt do oświetlenia wejścia składające się z reflektorów zainstalowanych na zewnątrz sceny w różnych częściach sali wizualnej. Remote Light obejmuje również rampę.

5) Przenośne urządzenia oświetleniowe składające się z urządzeń różnych typów zainstalowanych na scenie dla każdej działalności wydajności (w zależności od wymagań).

6) Różne specjalne urządzenia oświetleniowe i projekcyjne. Teatr często korzysta z różnych urządzeń oświetleniowych specjalnych (ozdobnych żyrandoli, kandelabry, lampy, świece, światła, pożary, pochodnie), wykonane zgodnie ze szkicami artysty, sporządzając wydajność.

W celach artystycznych (reprodukcja na etapie rzeczywistej natury) stosuje się kolor oświetlenia sceny składającej się z filtrów o różnych kolorach. Filtry światła mogą być szkłem lub filmem. Zmiany kolorów w trakcie wydajności są przeprowadzane: a) przez stopniowo przejście od urządzeń oświetleniowych o niektórych kolorach filtrowania na urządzeniach z innymi kolorami; b) Dodanie kolorów kilku, jednocześnie aktywnych urządzeń; c) Filtry światła zmiany w urządzeniach oświetleniowych. O dużym znaczeniu w projekcie wykonania ma projekcję światła. Z nim tworzone są różne dynamiczne efekty projekcyjne (chmury, fale, deszcz, spadający śnieg, ogień, eksplozje, błyski, latające ptaki, samoloty pływające statki) lub statyczne obrazy, które zastępują malownicze detale dekoracyjne (dekoracje światła). Wykorzystanie projekcji światła jest niezwykle rozszerzanie roli światła w wydajności i wzbogaca swoje możliwości artystyczne. Czasami stosuje się również produkcję filmową. Światło może być pełnoprawnym składnikiem artystycznym wydajności tylko wtedy, gdy istnieje elastyczny system scentralizowanego zarządzania. W tym celu zasilanie wszystkich sceny urządzeń oświetleniowych jest podzielony na linie związane z indywidualnymi urządzeniami oświetleniowymi lub urządzeniami oraz poszczególnymi kolorami zainstalowanych filtrów światła. Na nowoczesnej scenie jest do 200-300 linii. Aby kontrolować oświetlenie, musisz się włączyć, wyłączyć i zmienić strumień światła, zarówno w każdej pojedynczej linii, jak iw jakiejkolwiek kombinacji. W tym celu istnieją ustawienia regulacji światła, które są niezbędnym elementem sprzętu sceny. Kontrola przepływu światła lampy występuje przy użyciu autotransformatorów, tiRARATRON, wzmacniaczy magnetyczne lub urządzenia półprzewodnikowe, zmieniającego się prądu i napięcia w łańcuchu lekkim. Aby kontrolować liczne łańcuchy oświetlenia sceny, istnieją złożone urządzenia mechaniczne, zwane zwykle regulatory teatralne. Regulatory elektryczne z autotransformatorami lub wzmacniaczami magnetycznymi otrzymali największą dystrybucję. Obecnie otrzymuje się elektryczne regulatory wielokrotnego programu; Z ich pomocą osiągnięta jest niezwykła elastyczność oświetlenia sceny. Główną zasadą takiego systemu jest to, że jednostka regulująca umożliwia wstępnym zestawem kombinacji światła dla wielu zdjęć lub momentów wydajności z ich kolejnym odtwarzaniem na miejscu w dowolnej sekwencji i w dowolnym tempie. Jest to szczególnie ważne przy oświetlaniu złożonych nowoczesnych występów z wieloma drogami z wysoką dynamiką światła i szybko w następujący sposób.

2.5 Sceniczne efekty

Sceniczne efekty (z lat. Egzekucji) - iluzje lotów, pływaków, powodzi, pożarów, eksplozje utworzone przy użyciu specjalnych urządzeń i urządzeń. Efekty sceniczne zostały już zastosowane w starożytnym teatrze. W epoce imperium rzymskiego, indywidualne efekty sceniczne są wprowadzane do reprezentacji Mimów. Efekty były nasycone przedstawicielstwami religijnymi w wieku 14-16 stuleci. Na przykład podczas ustawiania urządzenia tajemniczego z licznych efektów teatralnych, specjalne "wspaniali mistrzowie" był zaręczony. W sądzie i teatrach publicznych o 16-17 stuleciach. Utworzono rodzaj bujnej wydajności z różnymi efektami sceniowymi opartymi na wykorzystaniu mechanizmów teatralnych. Umiejętność kierowcy i dekoratora, który stworzył wszelkiego rodzaju apoteozy, loty i transformację, zostały umieszczone na przednie na te występy. Tradycje tak spektakularnej rozrywki wielokrotnie wdzięczni w praktyce teatru kolejnych stuleci.

W nowoczesnym teatrze, efekty sceniczne są podzielone na dźwięk, światło (poziom światła) i mechaniczne. Z pomocą skutków dźwięku (hałasu) na scenie, dźwięki otaczającego życia są reprodukowane - dźwięki natury (wiatr, deszcz, burza z piorunami, śpiew ptaków), dźwięki produkcyjne (fabryka, budowa itp.), Hałasy transportowe (Pociąg, samoloty), dźwięki bitwy (ruch kawalerii, strzały), hałasy gospodarstwa domowego (zegar, szkło dzwonkowe, zrzuty ekranu).

Efekty świetlne obejmują:

1) Wszystkie rodzaje imitacja oświetlenia naturalnego (dzień, rano, noc, oświetlenie, obserwowane z różnych zjawisk naturalnych - wschód słońca i zachód słońca, jasne i chmurowe niebo, burza itp.);

2) tworzenie złudzeń płynącej deszczu, ruchomych chmur, mającą ogień, spadające liście, płynącą wodę itp.

Aby uzyskać efekty pierwszej grupy, zwykle używają trójkolorowego systemu oświetlenia - biały, czerwony, niebieski, dając niemal jakiejkolwiek tonalności ze wszystkimi niezbędnymi przejściami. Jeszcze bogatsza i elastyczna paleta kolorów (z nuuntingiem wszelkiego rodzaju odcieni) daje kombinację czterech kolorów (żółty, czerwony, niebieski, zielony), odpowiadający głównym kompozycji widmowej białego światła. Sposoby uzyskiwania efektów świetlnych z drugiej grupy są ograniczone głównie do stosowania wydajności światła. Z natury wrażeń widzów efekty świetlne są podzielone na stacjonarny (nieruchomy) i dynamiczny.

Efekty świetlne szpitalnego

Zarnitsa - daje błyskawiczny wybuch łuku Volt produkowanego przez ręczny lub automatyczny sposób. W ostatnich latach rozprzestrzenianie otrzymało elektroniczne fotografie wielkiej intensywności.

Gwiazdy - naśladować przy użyciu dużej liczby żarówek z lampy kieszonkowej, pomalowane w różnych kolorach i o różnych intensywności blasku. Żarówki i zasilanie do nich są zamontowane na czarnej siatki, która jest zawieszona na Rod Bruk.

Księżyc jest tworzony przez projekcję na horyzoncie odpowiedniego obrazu światła, a także przy pomocy makiety makiety makiety.

Balet "Romeo i Juliet" S. Prokofiev.

Juliet jest najbardziej szczegółowym i złożonym obrazem baletu, podany w ciągłym rozwoju. Wraz z całym tańcem bezwzględnym jest bliższa heroines opera w złożoności psychologicznej i charakterystyk opisowych, pokazując najmniejsze ruchy duszy ...

W akapicie "warunkowy krajobraz w malowaniu" autor uważa pracę artystów, którzy napisali prace w tym stylu, cechy ich stylu ...

Malownicza kompozycja tematyczna "Przeziętki wiosny"

Odwróćmy się do badania historyka artystycznego P. Pavlov, który ujawnia cechy dzieł artystów Vladimir i jak osiągnąć ekspresję w swoich obrazach. Pisuje ...

Kultura oświecenia we Francji

Jedną z wiodących sztuki była sztuka sceniczna, która wraz z literaturą i muzyką, przestała odrodzić dominację malarstwa ...

Wskazówki współpracy międzynarodowej w dziedzinie sztuki teatralnej

Krajowa kultura Białorusi z korzeniami trafia do głębokiej starożytności, rozwijania i utrzymywania tradycji krajowych, jednocześnie jest oba część kultury świata w tym samym czasie. Białorusini stworzyli wyjątkową wielokrotną folklorię ...

Czy autonomiczna sztuka teatralna z własnymi cechami lub jest tylko synteza kilku sztuki (malarstwo, poezja, architektura, muzyka, taniec i gest)? W historii estetyki są oba punkty widzenia. Dyrektor angielski ...

Cechy rozwoju sztuki teatralnej w Niemczech i Rosji na początku XX wieku

Wcześniej na krótko wspominamy, że początki sztuki teatralnej leżą w prymitywnych rytuałach pogańskich i obrzędach. Teraz uważaj bardziej szczegółowo cechy pierwszego etapu rozwoju sztuki teatralnej. Z uzasadnienia Avdeeva A.D ...

Cechy rozwoju sztuki teatralnej w Niemczech i Rosji na początku XX wieku

Początki niemieckiego teatru narodowego wyjeżdżają podczas formowania rytuałów ludowych, reprezentacji religijnych, różnego rodzaju gier i świątecznej zabawy. Autorem większości rzetelnych pomysłów była Hans Sax (1494-1576) ...

Cechy rozwoju sztuki teatralnej w Niemczech i Rosji na początku XX wieku

Historia Rosyjskiego Teatru jest podzielona na kilka głównych etapów. Początkowy etap związany z zabawą ludową, obrzędami, świętami, pochodzi z społeczeństwa pracy ...

Dyrektor i umiejętności działające

Aktor jest głównym przewoźnikiem specyfiki teatru. Ale jaka jest ta specyficzność? Wykazaliśmy, że sztuka teatralna ma zbiorową sztukę i syntetyczną. Ale te właściwości, są bardzo ważne ...

Rosyjska architektura drugiej połowy XIX wieku

Jak również każdy inny styl architektoniczny, klasycyzm charakteryzuje się pewnym systemem środków ekspresji artystycznej związanej w języku form architektonicznych ...

Środki ekspresywności sztuki teatralnej

Sztuka dekoracyjna - jest jednym z najważniejszych środków ekspresywności sztuki teatralnej, jest to sztuka stworzenia wizualnego wizerunku wydajności poprzez dekoracje i kostiumy, oświetlenie i wyprodukowane techniki ...

Teatr jako rodzaj sztuki

W najbardziej ogólnej formie operacja można zdefiniować jako reprezentację teatralną, w której nie mówią i śpiewają. Śpiewanie i piosenka stanowią niezbędną część tej sztuki. Tutaj piosenka występuje w różnych formach: to jest Aria - piosenka - monolog ...

Dekoracja festiwalu.

Fotografia cyfrowa w projekcie

Wyrażenie w sztuce jest holistyczne i syntetyczne oświadczenie za pomocą wyrażenia, odpowiednich narzędzi percepcji. Na zdjęciu wyrażenie jest natychmiastowy wynikiem jednoczesnej aktywności silnika rąk i oczu ...

Teatr (grecki th mI. atron jest miejscem spektaklu) - rodzaj sztuki, w której rzeczywistość znajduje odzwierciedlenie poprzez działanie etapu, które podmioty są przeprowadzane przed publicznością.

Sztuka teatralna jest częścią krajowej kultury duchowej, lustro świadomości publicznej i życia ludzi.

Sztuka sceny urodziła się w głębokiej starożytności i w różnych czasach, miała na celu bawić się, wychowywają, a potem głosi. Możliwości teatru są świetne, dlatego sztuka teatralna starała się założyć królów i książąt, cesarzy i ministrów, rewolucjonistów i konserwatystów.

Każda era nałożyła swoje zadania teatr. W średniowieczu, na przykład, sceniczna przestrzeń pomyślała jako model wszechświata, gdzie powinien był grać, powtórzyć sakrament stworzenia. W epoce renesansu w teatrze, zadania korekty wad stawało się coraz bardziej. W epoce oświecenia sztuka sceny została oceniona bardzo wysoka - jako "oczyszczający moralność" i zachęcanie do cnoty. W czasach tyranii i cenzury teatr stał się nie tylko biurem, ale także trybulem. Podczas rewolucji XX wieku pojawił się slogan "Sztuka - broń" (była popularna w XX wieku). A teatr zaczął spełniać kolejne zadanie - propaganda.

Ostateczna praca teatru jest występem opartym na dramacie.

Jako inny rodzaj sztuki, teatr ma swój własny cechy szczególne.

1. To sztuka syntetyczny: Prace teatralne (wydajność) rozwija się z tekstu gry, dzieło dyrektora, aktora, artysty i kompozytora. (W operze i baletu decydująca rola należy do muzyki). Łączy skuteczną i spektakularną zasadę i łączy ekspresyjne środki innych sztuk: literatury, muzyki, malarstwa, architektury, tańca itp.

2. Sztuka kolektyw. Wydajność jest wynikiem działalności wielu osób, nie tylko tych, którzy pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szydzą kostiumy, opanować tematy rekwizytów, ustawia światło, spełnia publiczność. Teatr jest kreatywnością i produkcją.

Dlatego możliwe jest określenie, że teatr jest syntetycznym i zbiorowym rodzajem sztuki, w której działanie etapu przeprowadza się przez aktorów.

3. Zwykle teatralne. zestaw sztuki.

za) Tekst.Widok teatralny jest oparty na tekst. Jest to sztuka dla dramatycznej wydajności, w baletu jest libretto. Proces pracy nad wydajnością polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

b) Przestrzeń etapowa. Pierwszą rzeczą, która widzą widz po otwarciu (podnoszenie) kurtyny jest Sceniczna przestrzeńw którym umieszczony sceneria. Wskazują na miejsce działania, czas historyczny, odzwierciedlają krajowy smak. Za pomocą budynków przestrzennych możliwe jest przekazanie nawet nastroju znaków (na przykład, w epizodzie cierpienia bohatera, zanurza scenę w ciemność lub dokręcić jego tło czerni).

do) Scena i audytorium. Dwa rodzaje scen i audytorium powstały z starożytnością: pudełko sceny i scena amfiteatru. Pudełko zapewnia poziomy i prowadnice oraz widzów sceny-amfiteatr otaczają się z trzech stron. Teraz na świecie są dwa typy.

re) Budynek teatralny. Od dawna, teatry zostały zbudowane na centralnych kwadratach miast. Architekci szukali budynków być piękni, przyciągnęła uwagę. Przyjeżdżający do teatru, widz jest pełen życia codziennego, jak gdyby powstanie nad rzeczywistością. Dlatego nie jest przypadkiem, że schody są często ozdobione lusterkami.

mi) Muzyka. Wzmocnić emocjonalny wpływ dramatycznych wydajności muzyka. Czasami brzmi nie tylko w trakcie działania, ale także w przerwie, aby wspierać interes społeczeństwa.

fa) Aktor. Główna twarz gry - aktor. Tworzy artystyczny obraz różnych znaków. Widz widzi osobę przed sobą, tajemniczy sposób na odwrócenie się w artystyczny obraz - szczególne dzieło sztuki. Oczywiście dzieło sztuki nie jest samym wykonawcą, ale jego rola. Jest stworzeniem aktora, stworzonego przez głos, nerwy i coś nieuchwytnego - ducha, duszy. Dialog aktora to nie tylko słowa, ale także rozmowa gestów, pozów, widoków i wyrażeń twarzy. Koncepcje aktora i artysta różnią się. Aktor jest szacunkiem, zawód. Słowo artysta (eng. Art - Art) wskazuje na przynależność nie do pewnego zawodu, ale na ogół, podkreśla wysoką jakość umiejętności. Artysta jest artystą niezależnie od tego, czy gra w teatrze lub działa w innym obszarze (kino).

sol) Producent. Aby działanie na scenie jest postrzegane jako liczba całkowita, konieczne jest zorganizowanie go i konsekwentnie. Te obowiązki są wykonywane producent.Dyrektor jest głównym organizatorem i szefem oświadczenia teatralnego. Współpracuje z artystą (twórcy wizualnego obrazu wydajności), z kompozytorem (twórcą emocjonalnej atmosfery wydajności, jego muzycznego i dźwiękowego rozwiązania), balletmaster (twórca ekspresywności plastycznej wydajności) i inni. Dyrektor jest dyrektorem, nauczycielem i nauczycielem aktora.

Wszystko, co zostało stworzone przez dramaturg, aktora, artysty, kompozytora jest zawarta w ścisłych ramach planu reżysera, który daje heterogeniczne elementy kompletności i uczciwości.